Tonaufnahme und -wiedergabe (Sound recording and reproduction)

Tonaufzeichnung und -wiedergabe umfasst die Prozesse des elektrischen, mechanischen, elektronischen oder digitalen Einschreibens und anschließenden Wiederherstellens von Schallwellen, einschließlich gesprochener Stimme, Gesangsdarbietungen, Instrumentalkompositionen oder verschiedener Klangeffekte. Diese Technologien werden grob in zwei Haupttypen eingeteilt: analoge Aufzeichnung und digitale Aufzeichnung.

Tonaufzeichnung und Wiedergabe versteht man die elektrische, mechanische, elektronische oder digitale Aufzeichnung und Nachbildung von Schallwellen, beispielsweise gesprochener Stimme, Gesang, Instrumentalmusik oder Klangeffekten. Die beiden Hauptklassen der Tonaufzeichnungstechnologie sind analoge und digitale Aufzeichnungen.

Akustische analoge Aufzeichnungen umfassen eine Mikrofonmembran, die durch Schallwellen erzeugte atmosphärische Druckschwankungen erkennt und diese anschließend als mechanische Darstellung auf ein Medium wie eine Schallplatte schreibt, in das ein Stift Rillen eingraviert. Bei Magnetbandaufnahmen versetzen Schallwellen die Mikrofonmembran in Schwingungen und wandeln sie in einen schwankenden elektrischen Strom um. Ein Elektromagnet wandelt diesen Strom dann in ein veränderliches Magnetfeld um, das den Schall als magnetisierte Bereiche auf ein mit magnetischem Material beschichtetes Kunststoffband einprägt. Die analoge Tonwiedergabe kehrt diesen Mechanismus um, wobei eine größere Lautsprechermembran Änderungen des Atmosphärendrucks hervorruft, um akustische Schallwellen zu erzeugen.

Digitale Aufnahme und Wiedergabe wandeln das von einem Mikrofon erfasste analoge Tonsignal durch einen als Sampling bezeichneten Prozess in ein digitales Format um. Diese Konvertierung erleichtert die Speicherung und Übertragung von Audiodaten über eine breitere Palette von Medien. Insbesondere kodiert die digitale Aufnahme Audio als Folge binärer Zahlen (Nullen und Einsen), die in gleichmäßigen Zeitintervallen erfasste Amplitudenabtastwerte des Audiosignals darstellen. Die Abtastrate ist ausreichend hoch, um alle hörbaren Geräusche zu erfassen. Während der Wiedergabe muss ein digitales Audiosignal vor der Verstärkung und Übertragung an einen Lautsprecher zur Tonerzeugung in eine analoge Form zurückgewandelt werden.

Historischer Kontext

Vor dem Aufkommen der Tonaufzeichnung wurde Musik auf verschiedene Weise dokumentiert, zunächst durch schriftliche Notation und später durch mechanische Geräte wie aufziehbare Spieluhren, die einen Spindelmechanismus zum Zupfen von Metallzinken und zum Reproduzieren von Melodien nutzten. Die Ursprünge der automatisierten Musikwiedergabe lassen sich bis ins 9. Jahrhundert zurückverfolgen, als die Brüder Banū Mūsā das früheste dokumentierte mechanische Musikinstrument erfanden: eine wasserbetriebene Orgel mit austauschbaren Zylindern. Charles B. Fowler bemerkte, dass dieser „... Zylinder mit erhabenen Stiften auf der Oberfläche bis zur zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts das grundlegende Gerät zur mechanischen Erzeugung und Reproduktion von Musik blieb.“

Schnitzereien in der Rosslyn-Kapelle aus den 1560er Jahren wurden als früher Versuch angesehen, Chladni-Muster zu dokumentieren, bei denen es sich um in Stein gemeißelte visuelle Darstellungen von Klangschwingungen handelt. Allerdings fehlt dieser speziellen Theorie eine endgültige Bestätigung.

Im 14. Jahrhundert wurde in Flandern ein mechanischer Glockenläuter eingeführt, der von einem rotierenden Zylinder betrieben wurde. Analoge Designs entstanden später in Drehorgeln (15. Jahrhundert), Spieluhren (1598), Drehflügelklavieren (1805) und Spieluhren (ca. ca. 1800). Eine Spieluhr fungiert als automatisches Musikinstrument und erzeugt Töne durch eine Reihe von Stiften, die auf einem rotierenden Zylinder oder einer rotierenden Scheibe positioniert sind und die gestimmten Zähne (oder Lamellen) eines Stahlkamms zupfen.

Die 1892 eingeführte Jahrmarktorgel nutzte ein System aus ziehharmonikagefalteten, gestanzten Pappbüchern. Das 1876 erstmals vorgestellte Piano nutzte eine gestanzte Papierrolle, in der umfangreiche Musikkompositionen gespeichert werden konnten. Die fortschrittlichsten Klavierrollen wurden als handgespielt bezeichnet, was bedeutet, dass es sich um Reproduktionen handelte, die von einer Masterrolle abgeleitet waren. Diese Masterrolle wurde auf einem speziellen Klavier erzeugt, das Löcher perforierte, während ein Live-Künstler das Musikstück aufführte. Folglich erfassten solche Rollen die tatsächliche Leistung einer Person und unterschieden sich damit von der vorherrschenden Methode der Erstellung von Masterrollen mittels Notentranskription. Die Technologie zur Aufnahme von Live-Auftritten auf Klavierrollen wurde 1904 entwickelt. Von 1896 bis 2008 wurden Klavierrollen ununterbrochen in Massenproduktion hergestellt. In einem Urheberrechtsurteil des Obersten Gerichtshofs der USA aus dem Jahr 1908 wurde hervorgehoben, dass allein im Jahr 1902 zwischen 70.000 und 75.000 Klaviere hergestellt wurden, während gleichzeitig 1.000.000 bis 1.500.000 Klaviere produziert wurden Rollen.

Phonautograph

Der Phonautograph, der 1857 vom Pariser Erfinder Édouard-Léon Scott de Martinville patentiert wurde, war das erste Gerät, das Umgebungsgeräusche aufzeichnen konnte, obwohl seine Funktion ausschließlich der visuellen Analyse und nicht der Wiedergabe diente. Die frühesten bekannten Aufzeichnungen der menschlichen Stimme, sogenannte Phonautogramme, stammen aus dem Jahr 1857. Bei diesen Artefakten handelt es sich um Papierblätter mit schallwellenmodulierten weißen Linien, die von einem vibrierenden Stift erzeugt werden, der eine Rußschicht einschneidet, während sich das Papier darunter bewegt. Im Jahr 2008 wurde ein Phonautogramm des französischen Volksliedes „Au Clair de la Lune“ aus dem Jahr 1860 zum ersten Mal erfolgreich in hörbaren Ton umgewandelt, und zwar durch einen Prozess, der das Scannen und die softwarebasierte Umwandlung seiner grafisch codierten Wellenlinie in eine digitale Audiodatei umfasste.

Der Phonograph

Thomas Edisons gleichzeitige Erforschung des Telegraphen und des Telefons trug wesentlich zur späteren Erfindung des Phonographen bei. Im Jahr 1877 entwickelte Edison einen Mechanismus, um Telegrafensignale zur wiederholten Übertragung auf Papierband zu übertragen, ein Projekt, das das Design des Phonographen prägte, der sich sowohl im Zylinder- als auch im Scheibenformat manifestierte.

Zylinderformat

Am 30. April 1877 reichte Charles Cros, ein französischer Dichter, Humorist und Erfinder, der Akademie der Wissenschaften in Paris ein versiegeltes Dokument ein, in dem er seine vorgeschlagene Tonaufzeichnungsmethode, die er Paläophon nannte, detailliert darlegte. Obwohl es kein funktionsfähiges Paläophongerät gab, wird Cros von einigen Historikern als früher Pionier in der Konzeptualisierung der Tonaufzeichnungs- und -wiedergabetechnologie anerkannt.

Der mechanische Phonographenzylinder, der 1877 von Thomas Edison erfunden und 1878 patentiert wurde, erwies sich als das erste praktische Gerät zur Tonaufzeichnung und -wiedergabe. Diese Innovation verbreitete sich schnell weltweit und förderte in den folgenden zwei Jahrzehnten eine aufkeimende internationale Industrie für die kommerzielle Aufnahme, den Vertrieb und den Verkauf von Tonaufnahmen, wobei beliebte Titel in den frühen 1920er Jahren Millionenverkäufe erzielten. Im Jahr 1901 wurde eine Massenproduktionstechnik zur Vervielfältigung von Wachszylindern durch Formen statt durch Gravieren eingeführt. Das Aufkommen dieser Massenproduktionsmethoden verwandelte Zylinderaufzeichnungen in Industrienationen in ein bedeutendes Verbraucherprodukt und etablierte den Zylinder von den späten 1880er Jahren bis etwa 1910 als das vorherrschende Verbraucherformat.

Disc-Format

Der nächste entscheidende technische Fortschritt war die Erfindung der Schallplatte, die in erster Linie Emile Berliner zugeschrieben wird, der sie 1887 patentieren ließ, obwohl andere Erfinder, insbesondere Alexander Graham Bell im Jahr 1881, bereits zuvor ähnliche plattenbasierte Geräte demonstriert hatten. Scheiben boten gegenüber Zylindern mehrere Vorteile, darunter einfache Herstellung, Transport und Lagerung, außerdem waren sie geringfügig lauter. Um 1910 übertrafen die Verkaufszahlen von Schallplatten die von Zylindern, und nach dem Ende des Ersten Weltkriegs war die Schallplatte das vorherrschende kommerzielle Aufnahmeformat. Edison, ein führender Hersteller von Zylindern, führte daraufhin die Edison Disc Record ein, um Marktanteile zurückzugewinnen. Die doppelseitige Schellackplatte mit nominell 78 U/min diente von Anfang der 1910er bis Ende der 1950er Jahre als Standardformat für Verbrauchermusik, und in verschiedenen Versionen blieb das Audio-Disc-Format bis zum Ende des 20. Jahrhunderts das Hauptmedium für Tonaufnahmen für Verbraucher.

Anfangs gab es keine allgemein akzeptierte Wiedergabegeschwindigkeit, und verschiedene Unternehmen boten Discs an, die für unterschiedliche Rotationsgeschwindigkeiten ausgelegt waren. Die großen Plattenfirmen einigten sich jedoch schließlich auf einen de-facto-Industriestandard von nominell 78 Umdrehungen pro Minute. Konkret wurde die Geschwindigkeit in Amerika auf 78,26 U/min und in anderen Teilen der Welt auf 77,92 U/min standardisiert. Diese Diskrepanz in den Geschwindigkeiten war auf Schwankungen in den Taktfrequenzen des Wechselstroms zurückzuführen, der die Stroboskope versorgte, die zur Kalibrierung von Aufnahmedrehmaschinen und Plattenspielern verwendet wurden. Die Nenngeschwindigkeit dieses Disc-Formats führte später zu seiner allgemeinen Bezeichnung achtundsiebzig, ein Begriff, der erst an Bedeutung gewann, als alternative Geschwindigkeiten verfügbar wurden. Diese Scheiben wurden typischerweise aus Schellack oder vergleichbaren spröden kunststoffähnlichen Verbindungen hergestellt und mit Nadeln aus verschiedenen Materialien gespielt, darunter Weichstahl, Dorn und sogar Saphir. Discs hatten von Natur aus eine begrenzte Spieldauer, die je nach Herstellungsprozess variierte.

Frühere akustische Aufnahmetechniken wiesen eine eingeschränkte Empfindlichkeit und ein eingeschränktes Frequenzspektrum auf. Während mittelfrequente Töne aufgenommen werden konnten, erwiesen sich sowohl extrem tiefe als auch außergewöhnlich hohe Frequenzen als nicht einfangbar. Die genaue Übertragung von Instrumenten wie der Geige auf Aufnahmeplatten stellte erhebliche Herausforderungen dar. Eine kompensatorische Methode bestand darin, eine Strohgeige zu verwenden, die durch ein konisches Horn gekennzeichnet ist, das mit einer Membran verbunden ist, die anschließend am Steg des Instruments befestigt wird. Die Notwendigkeit für dieses Horn entfiel mit dem Aufkommen der elektrischen Aufnahmetechnik.

Die langlebige Mikrorillen-LP-Schallplatte mit 331⁄3 U/min, ein Produkt von Columbia Records, kam 1948 auf den Markt. Anschließend brachte RCA Victor 1949 die kompakte und praktische 7-Zoll (18 cm) Mikrorillen-Vinyl-Single mit 45 U/min auf den Markt. Bis zum Ende der 1950er Jahre hatten diese beiden neuartigen Vinylformate in den Vereinigten Staaten und den meisten Industrienationen die 78-U/min-Schellackplatten vollständig verdrängt; In bestimmten Regionen der Welt blieb das 78-U/min-Format jedoch bis weit in die 1960er Jahre bestehen. Aufgrund der deutlich höheren Kosten von Vinyl im Vergleich zu Schellack war die Verwendung für Schallplatten mit 78 U/min höchst ungewöhnlich, obwohl dieser höhere Aufwand für Langspielplatten gerechtfertigt war. Das winzige 45-U/min-Format erforderte nur minimales Material für die Produktion. Vinyl bot verbesserte Leistungsmerkmale, die sowohl den Herstellungsprozess (Stanzen) als auch die Audiowiedergabe (Wiedergabe) umfassten. Obwohl Vinylschallplatten optimistisch als „unzerbrechlich“ vermarktet werden, sind sie zwar nicht unempfindlich gegen Beschädigungen, weisen aber eine deutlich höhere Widerstandsfähigkeit auf als Schellack, ein Material, das früher für seine Haltbarkeit im Vergleich zu Wachszylindern gelobt wurde.

Elektrische Aufzeichnung

Anfangs erfolgte die Tonaufzeichnung ausschließlich mit mechanischen Mitteln. Mit Ausnahme rudimentärer, unverstärkter telefonbasierter Aufzeichnungsgeräte wie dem Telegraphon blieb dieses mechanische Paradigma bis in die 1920er Jahre bestehen. Von der Erfindung des Phonographen im Jahr 1877 bis zum Aufkommen kommerzieller digitaler Aufzeichnungen in den frühen 1970er Jahren war die Einführung dessen, was damals als elektrische Aufzeichnung bezeichnet wurde, der wohl entscheidendste Fortschritt in der Geschichte der Tonaufzeichnung. Bei dieser Methode wurde Schall mithilfe eines Mikrofons in ein elektrisches Signal umgewandelt, das anschließend verstärkt und zur Aktivierung des Aufnahmestifts verwendet wurde. Diese Innovation beseitigte die horninduzierten Klangresonanzen, die akustischen Prozessen innewohnen, führte zu Aufnahmen mit verbesserter Klarheit und Fülle durch eine deutliche Erweiterung des effektiven Audiofrequenzbereichs und ermöglichte die Erfassung entfernter und schwacher Geräusche, die zuvor nicht aufgezeichnet werden konnten. Gleichzeitig veränderte das Zusammentreffen funkbezogener elektronischer Fortschritte die Aufnahmemethode tiefgreifend. Diese Fortschritte umfassten überlegene Mikrofone und Zusatzgeräte wie elektronische Filter, die alle für ihren praktischen Nutzen bei der Aufnahme auf elektronische Verstärkung angewiesen waren.

Im Jahr 1906 entwickelte Lee De Forest die Audion-Trioden-Vakuumröhre, ein elektronisches Röhrenventil, das gedämpfte elektrische Signale verstärken konnte. Bis 1915 wurde diese Erfindung in Fernsprechleitungen integriert und erleichterte die praktische Kommunikation zwischen New York und San Francisco. Fortgeschrittene Versionen dieser Röhre bildeten die grundlegende Technologie für alle elektronischen Tonsysteme, bis Mitte der 1950er Jahre die ersten kommerziellen Transistor-Audiogeräte eingeführt wurden.

Während des Ersten Weltkriegs arbeiteten Ingenieure in den Vereinigten Staaten und Großbritannien an Methoden zur Aufzeichnung und Wiedergabe verschiedener Geräusche, insbesondere der deutschen U-Boot-Akustik für Trainingsanwendungen. Zeitgenössische akustische Aufnahmetechniken erwiesen sich für eine genaue Tonwiedergabe als unzureichend. Die ersten Ergebnisse dieser Bemühungen waren weitgehend vielversprechend.

Die erste elektrische Aufnahme, die der Öffentlichkeit mit minimaler öffentlicher Ankündigung zugänglich gemacht wurde, hielt die Trauerfeier für den unbekannten Krieger in der Westminster Abbey in London am 11. November 1920 fest. Die Aufnahmeingenieure verwendeten Mikrofone, die denen in modernen Telefonsystemen ähnelten. Vier solcher Mikrofone wurden unauffällig in der Abtei positioniert und mit einem Aufnahmegerät verbunden, das in einem externen Fahrzeug untergebracht war. Trotz der Anwendung elektronischer Verstärkung war die resultierende Audioqualität schwach und undeutlich, eine Einschränkung, die den vorherrschenden technischen Bedingungen innewohnt. Über einen längeren Zeitraum hinweg war diese weitgehend unbeachtete Schallplatte die einzige öffentlich zugängliche elektrische Aufnahme.

In den frühen 1920er Jahren führten verschiedene Plattenfirmen und unabhängige Innovatoren, insbesondere Orlando Marsh, Experimente mit Geräten und Methoden für elektrische Aufnahmen durch. Marshs Autograph Records, bei denen elektrische Aufnahmen zum Einsatz kamen, wurden 1924 kommerziell erhältlich, ein Jahr früher als die ersten Veröffentlichungen der großen Plattenfirmen. Allerdings reichte die Gesamttreue dieser Aufnahmen nicht aus, um eine klare Überlegenheit gegenüber etablierten akustischen Techniken zu demonstrieren. Seine besonderen Mikrofontechniken und die daraus resultierende Arbeit hatten, wenn überhaupt, nur minimalen Einfluss auf die Aufzeichnungssysteme, die gleichzeitig von anderen Unternehmen entwickelt wurden.

Western Electric, ein führendes Unternehmen in der Telefonindustrie, verfügte über Forschungslabore, die mit beispiellosen Material- und Personalressourcen ausgestattet waren und die jeder Plattenfirma oder unabhängigen Erfinder übertrafen. Das Unternehmen entwickelte zunächst 1916 ein überlegenes Kondensatormikrofon und verbesserte es bis 1922 erheblich, zusammen mit fortschrittlichen Verstärkern und Testgeräten. Nachdem Western Electric sich 1918 ein Patent für ein elektromechanisches Aufnahmegerät gesichert hatte, verpflichtete sich Western Electric in den frühen 1920er-Jahren dazu, seine technologischen Fähigkeiten und Fachkenntnisse konsequent einzusetzen, um zwei hochmoderne Systeme für die elektronische Tonaufzeichnung und -wiedergabe zu entwickeln: eines unter Verwendung herkömmlicher Discs und eines unter Verwendung optischer Aufzeichnung auf Kinofilmen. Ihre Ingenieure brachten Innovationen hervor, indem sie mechanische Analoga elektrischer Schaltkreise verwendeten und einen fortschrittlichen Gummileitungsrekorder entwickelten, der für das Einschneiden der Rille in die Wachsvorlage innerhalb des Plattenaufzeichnungssystems von entscheidender Bedeutung ist.

Im Jahr 1924 waren die Fortschritte von Western Electric so bedeutend, dass das Unternehmen eine Demonstration für die beiden führenden Plattenfirmen, die Victor Talking Machine Company und die Columbia Phonograph Company, organisierte. Beide Unternehmen lizenzierten das System umgehend und produzierten im Februar 1925 ihre ersten elektrischen Aufnahmen; Diese wurden jedoch erst einige Monate später kommerziell veröffentlicht. Um zu verhindern, dass ihre bestehenden Kataloge sofort veraltet sind, einigten sich diese beiden langjährigen Konkurrenten privat darauf, die öffentliche Ankündigung des neuen Verfahrens bis November 1925 zurückzuhalten. Dann würde ein ausreichender Katalog an elektrisch aufgezeichnetem Material verfügbar sein, um die prognostizierte Marktnachfrage zu befriedigen. In den folgenden Jahren lizenzierten kleinere Plattenfirmen alternative elektrische Aufnahmesysteme oder entwickelten diese unabhängig voneinander. Bis 1929 veröffentlichte nur das Budgetlabel Harmony weiterhin neue Aufnahmen, die mit der älteren akustischen Methode produziert wurden.

Eine Analyse vorhandener Testaufnahmen von Western Electric neben frühen kommerziellen Veröffentlichungen legt nahe, dass Plattenfirmen den Frequenzbereich ihrer Aufnahmen absichtlich abgeschwächt haben. Diese Maßnahme wurde eingeführt, um eine Überlastung nichtelektronischer Wiedergabegeräte zu verhindern, die dazu neigten, sehr niedrige Frequenzen als unerwünschtes Rasselgeräusch wiederzugeben und bei Discs mit robust aufgezeichneten hohen Frequenzen einen beschleunigten Verschleiß erlebten.

Optische und magnetische Aufzeichnungstechnologien

In den 1920er Jahren nutzten frühe Filmtonsysteme wie Phonofilm die optische Aufzeichnungstechnologie, bei der das Audiosignal grafisch auf fotografischen Film aufgezeichnet wurde. Amplitudenschwankungen innerhalb des Signals modulierten eine Lichtquelle, die dann durch einen schmalen Schlitz auf den sich bewegenden Film projiziert wurde. Durch dieses Verfahren konnte das Signal als Schwankungen in der Dichte oder Breite einer Tonspur aufgezeichnet werden. Für die Wiedergabe nutzte ein Projektor eine Konstantlichtquelle und einen Fotodetektor, um diese aufgezeichneten Variationen wieder in ein elektrisches Signal umzuwandeln, das anschließend verstärkt und an Lautsprecher hinter der Leinwand übertragen wurde. Optischer Ton wurde später zum weltweiten Standard für Filmtonsysteme und wird trotz der Bemühungen in den 1950er Jahren, magnetische Tonspuren einzuführen, weiterhin für Kinofilme verwendet. Derzeit verfügen alle 35-mm-Filmkopien über einen analogen optischen Ton, typischerweise in Stereo mit Dolby SR-Rauschunterdrückung. Darüber hinaus ist häufig ein optisch aufgezeichneter digitaler Soundtrack im Dolby Digital- oder Sony SDDS-Format enthalten. Auch ein optisch aufgezeichneter Timecode ist standardmäßig integriert, um die Synchronisierung mit CD-ROMs zu erleichtern, die einen DTS-Soundtrack enthalten.

In dieser Ära gab es auch bedeutende Fortschritte, insbesondere die Einführung des ersten funktionierenden magnetischen Tonaufzeichnungsgeräts, des Magnetdrahtrekorders. Diese Innovation stützte sich auf die grundlegende Arbeit des dänischen Erfinders Valdemar Poulsen. Obwohl sie effektiv waren, litten die frühen Magnetdrahtrekorder unter einer unzureichenden Klangtreue, was dazu führte, dass sie zwischen den Weltkriegen hauptsächlich als Sprachaufzeichnungsgeräte eingesetzt wurden, die vorwiegend als Diktiergeräte für Unternehmen vermarktet wurden. 1924 verbesserte der deutsche Ingenieur Kurt Stille das Telegraphone durch die Integration eines elektronischen Verstärkers. Anschließend begann Ludwig Blattner 1925 mit Forschungen, die im Blattnerphone gipfelten, einem System, bei dem Stahlband statt Draht zum Einsatz kam. Die British Broadcasting Corporation (BBC) führte 1930 Blattner-Telefone für die Aufzeichnung von Radioprogrammen ein. 1933 erwarb Guglielmo Marconis vom renommierten Radiopionier gegründete Firma die Rechte an der Blattnerphone-Technologie. Anschließend wurden im März 1935 in den Maida Vale Studios der BBC verbesserte Marconi-Stille-Recorder installiert. Das Aufnahmemedium sowohl für Blattnerphones als auch für Marconi-Stille-Recorder bestand aus demselben Material, das bei der Herstellung von Rasierklingen verwendet wurde. Folglich galten diese beeindruckenden Marconi-Stille-Rekorder als gefährlich und mussten aus Sicherheitsgründen von Technikern in einem separaten Raum bedient werden. Zu ihren betrieblichen Anforderungen gehörten hohe Aufnahmegeschwindigkeiten, die riesige Spulen mit einem Durchmesser von etwa einem Meter erforderten. Das zerbrechliche Band brach häufig und schleuderte scharfe Splitter aus Rasiermesserstahl durch die Studioumgebung.

Band

Bei der Magnetbandaufzeichnung wird ein verstärktes elektrisches Audiosignal in analoge Schwankungen innerhalb eines Magnetfelds umgewandelt, das von einem Tonkopf erzeugt wird. Diese Schwankungen prägen dann dem sich bewegenden Band entsprechende Magnetisierungsschwankungen ein. Bei der Wiedergabe wird dieser Vorgang umgekehrt: Der Tonkopf fungiert als kleiner elektrischer Generator, während das variabel magnetisierte Band seine Oberfläche überquert. Als Aufzeichnungsträger diente zunächst ein massives Stahlband, das jedoch durch ein praktischeres beschichtetes Papierband ersetzt wurde. Acetat ersetzte später Papier als Standardbandbasis. Die relativ geringe Zugfestigkeit von Acetat, insbesondere in dünnen Formen, machte es jedoch anfällig für Brüche, was schließlich dazu führte, dass es durch Polyester ersetzt wurde. Diese grundlegende Technologie, die in den 1950er bis 1980er Jahren fast allen kommerziellen Aufnahmen zugrunde lag, entstand in den 1930er Jahren durch die Bemühungen deutscher Toningenieure. Diese Ingenieure entdeckten auch unabhängig voneinander das Prinzip der Wechselstromvorspannung wieder, eine Technik, die ursprünglich in Drahtrekordern der 1920er Jahre eingesetzt wurde und den Frequenzgang von Bandaufnahmen erheblich verbesserte. Das 1935 von AEG in Deutschland entwickelte K1-Magnetophon war das erste kommerziell nutzbare Tonbandgerät. Nach dem Zweiten Weltkrieg verfeinerte der amerikanische Audioingenieur John T. Mullin mit Unterstützung von Bing Crosby Enterprises diese Technologie weiter. Mullins bahnbrechende Rekorder waren Adaptionen deutscher Einheiten, die während des Krieges erworben wurden. In den späten 1940er Jahren brachte die Firma Ampex die ersten in den USA kommerziell erhältlichen Tonbandgeräte auf den Markt.

Die Einführung des Magnetbandes löste tiefgreifende Veränderungen sowohl in der Rundfunk- als auch in der Tonträgerbranche aus. Diese Innovation ermöglichte mehrere Aufnahme-, Lösch- und Neuaufnahmezyklen auf einem einzigen Band. Darüber hinaus könnten Audioinhalte mit minimaler Qualitätsminderung von einem Band auf ein anderes dupliziert werden. Entscheidend ist, dass Magnetbänder eine hochpräzise Bearbeitung durch das physische Schneiden und Spleißen des Bandmediums ermöglichten.

Nur wenige Jahre nach der Einführung des Ampex 200, dem ersten kommerziellen Tonbandgerät im Jahr 1948, entwickelte der amerikanische Musiker und Erfinder Les Paul das erste Mehrspur-Tonbandgerät und leitete damit eine weitere bedeutende technische Revolution im Aufnahmesektor ein. Magnetbänder ermöglichten auch die Erstellung der ersten vollständig elektronisch erzeugten Tonaufnahmen. Dieser Durchbruch ebnete den Weg für die kühnen Klangexpeditionen der Musique Concrète-Bewegung und avantgardistischer Komponisten wie Karlheinz Stockhausen und beeinflusste anschließend die innovativen Popmusikproduktionen von Künstlern wie den Beatles und den Beach Boys.

Die überragende Einfachheit und Präzision der Bandbearbeitung im Gegensatz zu den zuvor verwendeten umständlichen Disc-zu-Disc-Bearbeitungsmethoden, gepaart mit der konstant hohen Audiotreue der Bänder, überzeugte letztendlich Radiosender dazu, ihre Unterhaltungsprogramme, von denen viele zuvor live übertragen worden waren, regelmäßig vorab aufzuzeichnen. Diese Entwicklung ermöglichte es Rundfunkanstalten, Regulierungsbehörden und anderen Interessengruppen auch erstmals, eine umfassende Audioprotokollierung der täglichen Radioübertragungen durchzuführen. Darüber hinaus erleichterten Innovationen wie Multitracking und Bandecho die Produktion von Radioprogrammen und Werbespots mit erhöhter Komplexität und Raffinesse. Die kumulative Wirkung dieser Fortschritte, einschließlich der Einführung der Endlosschleifen-Rundfunkkassette, veränderte das Tempo und die Produktionsästhetik von Radioinhalten und Werbung grundlegend.

Stereo- und High-Fidelity-Sound

Frühe Beobachtungen im Jahr 1881 bei Schallübertragungsexperimenten an der Pariser Oper ergaben, dass Zuhörer die Bewegung von Sängern auf der Bühne erkennen konnten, indem sie an jedes Ohr mit unterschiedlichen Mikrofonen verbundene Ohrhörer hielten. Dieses Prinzip wurde 1890 durch das Théâtrophone-System kommerzialisiert, das über vier Jahrzehnte lang bis 1932 in Betrieb blieb. Anschließend entwickelte Alan Blumlein, ein britischer Elektronikingenieur bei EMI, 1931 eine Methode, um den Ton eines Schauspielers mit seiner Bewegung auf der Leinwand in Filmen zu synchronisieren. Er reichte im Dezember 1931 einen Patentantrag für dieses Konzept ein, der 1933 als britisches Patent Nr. 394.325 erteilt wurde. In den folgenden zwei Jahren entwickelte Blumlein weitere Innovationen, indem er Stereomikrofone und einen Stereo-Schneidkopf entwickelte, und nahm mehrere Kurzfilme mit Stereotonspuren auf.

In den 1930er Jahren ermöglichten Experimente mit Magnetbändern die Entwicklung der ersten praktischen kommerziellen Tonsysteme, die zur Aufnahme und Wiedergabe geeignet waren Hi-Fi-Stereo-Audio. Allerdings wurden Stereoexperimente in den 1930er und 1940er Jahren durch Synchronisationsprobleme behindert. Ein bedeutender Fortschritt im praktischen Stereoton ging von den Bell Laboratories aus, die 1937 ein funktionierendes Zweikanal-Stereosystem vorführten, das zwei optische Tonspuren auf Filmen nutzte. Anschließend entwickelten große Filmstudios rasch Drei- und Vierspur-Tonsysteme. Die erste Stereo-Tonaufnahme für einen Werbefilm wurde von Judy Garland für die MGM-Produktion Listen, Darling von 1938 erstellt. Walt Disneys „Fantasia“ erschien 1940 und war der erste kommerziell vertriebene Film mit Stereo-Soundtrack. Bei der Veröffentlichung von Fantasia im Jahr 1941 wurde das Fantasound-System verwendet, das einen eigenen Filmstreifen für den Ton nutzte, der mit dem Bildfilm synchronisiert wurde. Dieser Tonfilm enthielt vier optische Tonspuren doppelter Breite: drei für den linken, mittleren und rechten Audiokanal und eine vierte, die als Kontrollspur bezeichnet wurde und drei aufgezeichnete Töne enthielt, die die Wiedergabelautstärke der Audiokanäle regulierten. Aufgrund der aufwändigen Ausrüstung präsentierte Disney den Film als Roadshow ausschließlich in den USA. Bei Standard-Kinoveröffentlichungen des Films wurde herkömmliches monooptisches 35-mm-Material verwendet, bis Disney ihn 1956 mit einem Stereo-Soundtrack unter Verwendung des vierspurigen Magnettonsystems Cinemascope erneut veröffentlichte.

Bis 1941 hatten deutsche Toningenieure erfolgreich Stereoaufnahmetechniken mit Magnetbändern entwickelt. Von etwa 250 Stereoaufnahmen aus dem Zweiten Weltkrieg sind nur drei erhalten geblieben: Beethovens 5. Klavierkonzert mit Walter Gieseking und Arthur Rother, eine Brahms-Serenade und der letzte Satz von Bruckners 8. Symphonie unter der Leitung von Karajan. Es wird vermutet, dass andere frühe deutsche Stereotonbänder bei Bombenangriffen während des Krieges zerstört wurden.

Die kommerzielle Realisierbarkeit der Stereobandaufzeichnung wurde mit der Einführung der ersten Zweispur-Tonbandgeräte durch Ampex Ende der 1940er Jahre sichergestellt. Trotz der späteren Verfügbarkeit der Mehrspurbandtechnologie wurde Stereo nicht sofort zum Industriestandard für kommerzielle Musikaufnahmen und blieb in den 1950er Jahren ein Nischenmarkt. EMI (UK) leistete Pionierarbeit bei der Veröffentlichung kommerzieller Stereotonbänder und brachte 1954 sein erstes Stereotonband heraus. Andere Labels, darunter His Master's Voice und Columbia, folgten bald diesem Beispiel. Insgesamt wurden 161 Stereosound-Kassetten veröffentlicht, überwiegend mit klassischen Musik- oder Liedtextaufnahmen. RCA erleichterte den Import dieser Bänder in die Vereinigten Staaten. Während einige britische His Master's Voice-Importe in den USA Preise von bis zu 15 US-Dollar erzielten, erlebten zweispurige stereophone Kassetten in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in Amerika größeren kommerziellen Erfolg.

Nach der Einführung der Westrex-Stereo-Phonographenplatte Ende 1957, die das zuvor von Blumlein entwickelte Rillendesign enthielt, erfuhr die Entwicklung der Stereoaufnahme einen bedeutenden Wandel. Gleichzeitig führte Decca Records in England in den 1940er Jahren FFRR (Full Frequency Range Recording) ein, eine Technologie, die später internationale Anerkennung als globaler Maßstab für überlegene Schallplattenqualität erlangte. Ein entscheidender Moment bei der Weiterentwicklung von Schallplatten mit vollem Frequenzbereich und bei der Sensibilisierung der Öffentlichkeit für High-Fidelity ereignete sich 1946 mit Ernest Ansermets Aufnahme von Igor Strawinskys Petruschka.

Vor Mitte der 1960er Jahre wurde die meiste populäre Musik von Plattenfirmen ausschließlich in monophonem Ton gemischt und veröffentlicht. Von Mitte der 1960er bis Anfang der 1970er Jahre wurden große Aufnahmen üblicherweise sowohl im monophonen als auch im stereophonen Format veröffentlicht. Anschließend wurden Aufnahmen, die ursprünglich nur in Mono verfügbar waren, erneut gerendert und in Stereo veröffentlicht, wobei verschiedene Techniken zum Einsatz kamen, die vom kompletten Remix bis zur Pseudostereo-Konvertierung reichten.

Entwicklungen von den 1950er bis 1980er Jahren

Magnetbänder revolutionierten die Tonträgerindustrie. In den frühen 1950er Jahren wurden die meisten kommerziellen Aufnahmen auf Band gemastert und nicht direkt auf CD aufgezeichnet. Die Bandtechnologie ermöglichte ein Maß an Manipulation im Aufnahmeprozess, das mit der Direct-to-Disc-Methode, die mehrere Mischungen und Generationen erforderte, unpraktisch war. Ein frühes Beispiel für diese Fähigkeit ist Les Pauls Aufnahme von How High the Moon aus dem Jahr 1951, die acht von Paul überspielte Gitarrenspuren enthält. In den 1960er Jahren gehörten prominente Künstler wie Brian Wilson von den Beach Boys, Frank Zappa und die Beatles (in Zusammenarbeit mit dem Produzenten George Martin) zu den ersten populären Musikern, die das Potenzial von Mehrspur-Aufnahmetechniken und -effekten auf ihren bahnbrechenden Alben, darunter Pet Sounds, Freak Out! und Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

Die Kompaktkassette wurde 1964 vom Elektronikkonzern Philips eingeführt. Ursprünglich als Low-Fidelity-Format hauptsächlich für die Sprachaufzeichnung mit gesprochenem Wort konzipiert und für die Musikwiedergabe als ungeeignet erachtet, wurde sie einer Reihe von Verbesserungen unterzogen. Diese Verbesserungen ermöglichten es, konkurrierende Verbraucherbandformate zu ersetzen, insbesondere die größeren 8-Spur-Bänder und Open-Reel-Bänder. Die Kompaktkassette wurde später zu einem vorherrschenden Audioformat für Verbraucher, und Fortschritte in der elektronischen und mechanischen Miniaturisierung erleichterten die Entwicklung des Sony Walkman, eines Kassettenspielers im Taschenformat, der 1979 auf den Markt kam. Der Walkman, als erster persönlicher Musikplayer, steigerte den Verkauf von bespielten Kassetten erheblich.

Das von Ray Dolby konzipierte und 1966 in professionellen Aufnahmestudios implementierte Dolby A-Rauschunterdrückungssystem milderte effektiv das Hintergrundrauschen von Tonbändern Mastering, was im Vergleich zum Direct-to-Disc-Recording einen Nachteil darstellte. Ein Konkurrenzsystem, dbx, entwickelt von David Blackmer, erzielte ebenfalls Erfolge bei professionellen Audioanwendungen. Eine vereinfachte Verbraucherversion der Dolby-Rauschunterdrückungstechnologie mit der Bezeichnung Dolby B verringerte das Rauschen, das mit dem miniaturisierten Bandformat der Kassette und der langsameren Bandgeschwindigkeit verbunden ist. Das Kassettenformat profitierte außerdem von Verbesserungen des Bandmaterials selbst, da neue Beschichtungen entwickelt wurden, die breitere Frequenzgänge und reduziertes Eigenrauschen bieten, wobei häufig Kobalt- und Chromoxide als magnetisches Medium anstelle von Eisenoxid verwendet wurden.

Das vorbespielte 8-Spur-Band wurde in den 1960er Jahren von der Flugzeugfirma Lear Jet als Consumer-Audioformat eingeführt. Dieses Format, das dem in der Radioindustrie von Ende der 1950er bis in die 1980er Jahre weit verbreiteten Tonabnehmer ähnelt, war vor allem für den Automobilmarkt gedacht. Achtspurkassetten stellten die ersten praktischen und erschwinglichen Car-HiFi-Systeme dar und boten eine Klangqualität, die der der Kompaktkassette überlegen war. Nichtsdestotrotz wurde die Kompaktkassette in den 1970er und 1980er Jahren zum vorherrschenden Verbraucherformat für tragbare Audiogeräte, da sie kleiner ist, eine höhere Haltbarkeit aufweist und den Benutzern weit verbreitete Möglichkeiten bietet, selbst Musik aufzunehmen, was bei 8-Spur-Recordern weniger üblich ist.

Obwohl schon seit vielen Jahren Mehrkanal-Sound-Experimente durchgeführt wurden, hauptsächlich für spezielle Musik- oder Kulturveranstaltungen, erfolgte die erste kommerzielle Umsetzung in den frühen 1970er Jahren mit Quadrophonic-Sound. Diese aus der Mehrspuraufnahme abgeleitete Innovation nutzte im Gegensatz zu den zwei Stereospuren vier Audiospuren und vier Lautsprecher, um dem Hörer eine umfassende 360-Grad-Klanglandschaft zu bieten. Nach der Einführung der ersten Vierkanal-High-Fidelity-Systeme für Endverbraucher wurden mehrere bedeutende Alben in verschiedenen konkurrierenden Vierkanalformaten veröffentlicht, insbesondere Mike Oldfields „Tubular Bells“ und Pink Floyds „The Dark Side of the Moon“. Der Quadraphonic-Sound erreichte jedoch keine kommerzielle Rentabilität, vor allem aufgrund der Verbreitung konkurrierender und oft inkompatibler Vierkanal-Soundsysteme (z. B. CBS, JVC, Dynaco) und der allgemein suboptimalen Audioqualität der veröffentlichten Musik, selbst wenn sie auf geeigneten Geräten reproduziert wurde. Trotz seines Niedergangs in den späten 1970er Jahren legte dieses bahnbrechende Unterfangen den Grundstein für spätere heimische Surround-Sound-Systeme in Heimkinoanwendungen, die nach dem Aufkommen der DVD weite Verbreitung fanden.

Audiokomponenten

Der Übergang von empfindlichen Vakuumröhren zu kleineren, robusteren und effizienteren Transistoren trieb ab den 1960er-Jahren das Wachstum der Verkäufe von High-Fidelity-Soundsystemen für Endverbraucher erheblich voran. In den 1950er Jahren waren die meisten Plattenspieler monophon und boten eine vergleichsweise geringe Klangtreue, während hochwertige stereophone Systeme für den Durchschnittsverbraucher weitgehend unzugänglich blieben. In den 1960er Jahren leiteten amerikanische Hersteller eine neue Ära modularer Hi-Fi-Komponenten ein, darunter diskrete Plattenspieler, Vorverstärker, Verstärker (einschließlich integrierter Verstärkereinheiten), Tonbandgeräte und Zusatzgeräte wie Grafik-Equalizer, die alle für den Zusammenbau zu umfassenden Heim-Audiosystemen konzipiert waren. Diese Innovationen wurden schnell von führenden japanischen Elektronikunternehmen übernommen, die anschließend den Weltmarkt mit vergleichsweise erschwinglichen, hochwertigen Transistor-Audiokomponenten sättigten. In den 1980er Jahren hatten sich Unternehmen wie Sony als Weltmarktführer im Bereich der Musikaufnahme und -wiedergabe etabliert.

Digital

Das Aufkommen der digitalen Tonaufzeichnung, insbesondere mit der Einführung der Compact Disc (CD) im Jahr 1982, verbesserte sowohl die Qualität als auch die Langlebigkeit von Audioaufnahmen erheblich. Die CD löste einen tiefgreifenden Wandel innerhalb der Konsummusikindustrie aus, der Mitte der 1990er Jahre zur Marginalisierung von Schallplatten zu einem spezialisierten Nischenmarkt führte. Die Tonträgerindustrie lehnte die Einführung digitaler Systeme vehement ab und befürchtete eine weitverbreitete Piraterie, die durch ein Medium ermöglicht wird, das in der Lage ist, einwandfreie Duplikate der Originalveröffentlichungen zu erstellen.

Die jüngsten revolutionären Fortschritte bei der digitalen Aufnahme umfassen die Erstellung verschiedener unkomprimierter und komprimierter digitaler Audiodateiformate, die Entwicklung von Prozessoren, die ausreichend leistungsstark und schnell für die Digital-Ton-Konvertierung in Echtzeit sind, und die Verfügbarkeit erschwinglicher Massenspeicherlösungen. Diese Innovationen führten anschließend zur Entstehung neuartiger tragbarer digitaler Audioplayer. Beispielsweise kam der MiniDisc-Player, der die ATRAC-Komprimierung auf kleinen, wiederbeschreibbaren Discs nutzte, in den 1990er Jahren auf den Markt, wurde jedoch mit den sinkenden Kosten für nichtflüchtige Solid-State-Flash-Speicher obsolet. Mit dem Aufkommen von Technologien, die eine größere Datenspeicherung auf einem einzigen Medium ermöglichen, darunter Super Audio CD, DVD-A, Blu-ray Disc und HD DVD, wurde es möglich, längere Programme mit höherer Wiedergabetreue auf einer einzigen Disc unterzubringen. Audiodateien werden heutzutage routinemäßig aus dem Internet und anderen Plattformen heruntergeladen und dann auf Computer und tragbare digitale Audiogeräte übertragen. Heutzutage durchdringt die digitale Audiotechnologie alle Facetten von Audio, vom gelegentlichen Konsum mäßig komprimierter Musikdateien bis hin zu den anspruchsvollsten professionellen Anwendungen. Darüber hinaus sind neue Anwendungen wie Internetradio und Podcasting entstanden.

In den letzten Jahrzehnten haben technologische Fortschritte bei Aufnahme, Bearbeitung und Konsum die Musik-, Film- und Fernsehbranche tiefgreifend verändert. Während die Magnetbandaufzeichnung die Audiobearbeitung möglich machte, haben spätere Technologien wie MIDI, Klangsynthese und digitale Audio-Workstations (DAWs) Komponisten und Künstlern mehr Kontrolle und Effizienz ermöglicht. Durch die Integration digitaler Audiotechnik und Massenspeicherung konnten die Aufnahmekosten erheblich gesenkt werden, sodass auch in kleineren Studios qualitativ hochwertige Aufnahmen möglich sind.

Die Produktion zeitgenössischer Aufnahmen ist in verschiedene Phasen unterteilt: Tracking, Mixing und Mastering. Die Mehrspur-Aufnahmetechnologie ermöglicht die Erfassung von Signalen mehrerer Mikrofone oder verschiedener Aufnahmen auf Band, Disc oder digitalem Speicher und bietet so eine beispiellose Flexibilität bei den Misch- und Mastering-Prozessen.

Softwareanwendungen

Eine vielfältige Palette digitaler Audioaufzeichnungs- und -verarbeitungssoftware läuft auf verschiedenen Computerbetriebssystemen und richtet sich an ein breites Spektrum von Benutzern. Diese Anwendungen dienen Zwecken, die vom gelegentlichen Gebrauch über kleine Amateurprojekte bis hin zu professionellen Aufgaben wie Albumproduktion, Filmmusik und Sounddesign für Videospiele reichen.

Digitale Diktiersoftware, die für die Sprachaufzeichnung und -transkription entwickelt wurde, unterliegt unterschiedlichen funktionalen Anforderungen. Sein Hauptaugenmerk liegt auf Verständlichkeit und anpassbaren Wiedergabefunktionen und nicht auf einem großen Frequenzbereich oder einer überlegenen Audiotreue.

Kulturelle Auswirkungen

Das Aufkommen der analogen Tonaufzeichnung im 19. Jahrhundert und die anschließende allgegenwärtige Einführung im gesamten 20. Jahrhundert hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die musikalische Entwicklung. Vor seiner Erfindung bestanden musikalische Erlebnisse überwiegend aus Live-Auftritten. Im Mittelalter, in der Renaissance, im Barock, in der Klassik und in einem bedeutenden Teil der Romantik war die Musiknotation die primäre Methode zur Aufnahme von Liedern und Instrumentalkompositionen. Obwohl die Notation melodische Tonhöhen und rhythmische Strukturen vermittelt, blieben zahlreiche Aufführungsnuancen undokumentiert. Beispielsweise fehlten dem gregorianischen Gesang im Mittelalter rhythmische Angaben, und barocke Instrumentalwerke verzichteten häufig auf Tempoangaben und schlossen in der Regel schriftliche Verzierungen aus. Folglich wies jede Wiedergabe eines Musikstücks subtile Variationen auf.

Umgekehrt erleichterte das Aufkommen der analogen Tonaufzeichnung die dauerhafte Fixierung einer Aufführung, die alle ihre Bestandteile umfasste: Tonhöhe, Rhythmus, Klangfarbe, Verzierung und Ausdruck. Diese Innovation ermöglichte die Erfassung und flächendeckende Verbreitung einer größeren Anzahl von Leistungsmerkmalen an ein breiteres Publikum. Darüber hinaus verschaffte die Verbreitung von Tonaufnahmen einer wesentlich größeren Bevölkerung Zugang zu renommierten Orchestern, Opern, Sängern und Bands, da auch Personen, die keine Live-Konzerte besuchen konnten, die aufgezeichneten Versionen dennoch erleben konnten. Folglich trug die Zugänglichkeit von Tonaufnahmen zur globalen Verbreitung von Musikstilen in neuen Regionen, Ländern und Kontinenten bei. Dieser kulturelle Einfluss manifestierte sich auf vielfältige Weise. Tonaufnahmen ermöglichten westlichen Musikliebhabern den Zugang zu authentischen Darbietungen asiatischer, nahöstlicher und afrikanischer Ensembles und Künstler und steigerten so die Wertschätzung für nichtwestliche Musiktraditionen. Gleichzeitig erlangten Zuhörer außerhalb der westlichen Welt durch diese Aufnahmen Bekanntheit mit prominenten nordamerikanischen und europäischen Gruppen und Sängern.

Die Entwicklung der digitalen Aufzeichnung führte gleichzeitig zu einem bemerkenswerten Streit, der weithin als die Kontroverse zwischen Analog und Digital bekannt ist. An dieser Debatte beteiligten sich Audioprofis, Audiophile, Verbraucher und Musiker, die jeweils Perspektiven einbrachten, die von ihrer Auseinandersetzung mit den jeweiligen Medien und ihren Vorlieben für analoge oder digitale Prozesse geprägt waren. Der wissenschaftliche Diskurs zu dieser Kontroverse konzentrierte sich anschließend auf Bedenken hinsichtlich der Wahrnehmung sowohl von bewegten Bildern als auch von Ton. Für jede Methodik bestehen unterschiedliche individuelle und kulturelle Präferenzen. Während unterschiedliche Ansätze und Meinungen vorherrschen, legen einige den Schwerpunkt auf die klanglichen Eigenschaften, während andere die technologischen Präferenzen als entscheidendes Element betrachten. Befürworter analoger Systeme betrachten die inhärenten Grenzen des Mediums häufig als Stärken während der Kompositions-, Schnitt-, Misch- und Hörphase. Im Gegensatz dazu betonen digitale Befürworter die erhöhte Flexibilität ihrer Prozesse. Diese anhaltende Debatte hat insbesondere zu einem Wiederaufleben von Schallplatten in der Musikindustrie sowie zu einem erneuten Interesse an analoger Elektronik und analog emulierenden Plug-Ins für Aufnahme- und Mischsoftware beigetragen.

Rechtlicher Rahmen

Nach dem Urheberrecht ist ein Tonträger oder eine Tonaufnahme ein Werk, das durch die Fixierung von Tönen in einem materiellen Medium entsteht. Der Urheberrechtshinweis für einen Tonträger verwendet das Urheberrechtssymbol für Tonaufnahmen, das in der Genfer Tonträgerkonvention als ℗ (der Buchstabe P in einem Vollkreis) bezeichnet wird. Dieses Symbol erscheint normalerweise neben dem Copyright-Hinweis für die zugehörige Musikkomposition, die das Standard-©-Symbol verwendet.

Die Aufnahme unterscheidet sich von der Musikkomposition selbst; Folglich liegt das Urheberrecht für eine Tonaufnahme normalerweise bei der Plattenfirma. Es kommt selten vor, dass einzelne Künstler oder Produzenten diese spezifischen Rechte behalten. In den Vereinigten Staaten wurde der Urheberrechtsschutz für Tonaufnahmen im Jahr 1972 eingeführt, während das Urheberrecht für Musikkompositionen oder Lieder seit 1831 in Kraft ist. Kontroversen über die Verwendung von Sampling und Beats sind nach wie vor ungelöst.

Vereinigte Staaten

Das Urheberrecht der Vereinigten Staaten definiert „Tonaufnahmen“ als „Werke, die aus der Aufzeichnung einer Reihe musikalischer, gesprochener oder anderer Geräusche resultieren“, ausgenommen sind die Soundtracks audiovisueller Werke. Vor der Einführung des Sound Recording Amendment (SRA) im Jahr 1972 fiel die Regelung des Urheberrechts für Tonaufnahmen in die Zuständigkeit der Bundesstaaten. Während das Bundesurheberrecht im Allgemeinen die meisten Urheberrechtsgesetze der Bundesstaaten ersetzt, ermöglicht es, dass der Urheberrechtsschutz auf Landesebene für Tonaufnahmen für einen vollständigen Urheberrechtszeitraum nach dem Inkrafttreten des SRA bestehen bleibt, der bis zum Jahr 2067 reicht.

Vereinigtes Königreich

Seit 1934 unterscheidet die Urheberrechtsgesetzgebung in Großbritannien Tonaufnahmen (auch bekannt als Tonträger) von Musikkompositionen. Das Copyright, Designs and Patents Act 1988 definiert eine Tonaufnahme entweder als (a) eine Aufnahme von Tönen, die reproduziert werden können, oder (b) eine Aufnahme, die ein literarisches, dramatisches oder musikalisches Werk ganz oder teilweise umfasst und aus der Töne erzeugt werden können, die dieses Werk oder einen Teil davon wiedergeben. Diese Definition gilt unabhängig vom Aufnahmemedium oder der Methode der Tonwiedergabe oder -produktion und umfasst damit Formate wie Schallplatten, Kassetten, CDs, digitale Tonbänder und MP3s, die aufgezeichnetes Material enthalten.

International Association of Sound and Audiovisual Archives

• International Association of Sound and Audiovisual Archives

Notizen

Referenzen

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• Encyclopedia of Recorded Sound (2 Bände) (2. Aufl.). Routledge. 2005 [1993].Gaisberg, Frederick W. (1977). Herausgegeben von Andrew Farkas. The Music Goes Round. New Haven: Ayer. ISBN 9780405096785.Populäre Musik, Bd. 3, *Produzenten und Märkte* (1983), S. 53–75. Cambridge University Press.
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• Geschichte der Tonaufnahme – gepflegt von der British Library
• Aufgenommene Musik im A History of Central Florida Podcast
• Millard, Andre. „Edisons Tontests und das Ideal der perfekten Reproduktion.“ Lost and Found Sound. Interview im National Public Radio.
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