Louise Bourgeois

Louise Joséphine Bourgeois (francés: [lwiz buʁʒwa]; 25 de diciembre de 1911 - 31 de mayo de 2010) fue una influyente artista franco-estadounidense. Aunque reconocida principalmente por sus esculturas monumentales y sus instalaciones, Bourgeois también mantuvo una práctica prolífica como pintora y grabadora. A lo largo de su extensa carrera profundizó en diversas áreas temáticas, abarcando la domesticidad, las relaciones familiares, la sexualidad, la representación corpórea, la mortalidad y la mente inconsciente. Estos motivos recurrentes estaban intrínsecamente vinculados a sus experiencias infantiles, que ella veía como una forma de compromiso terapéutico. A pesar de exponer junto a expresionistas abstractos y compartir importantes afinidades conceptuales con el surrealismo y el arte feminista, Bourgeois nunca se alineó formalmente con un movimiento artístico específico.

Louise Joséphine Bourgeois (francés: [lwizbuʁʒwa]; 25 de diciembre de 1911 -31 de mayo de 2010) fue una artista franco-estadounidense. Aunque es más conocida por sus esculturas e instalaciones a gran escala, Bourgeois también fue una prolífica pintora y grabadora. Ella exploró una variedad de temas a lo largo de su larga carrera, incluyendo la domesticidad y la familia, la sexualidad y el cuerpo, así como la muerte y el inconsciente. Estos temas se conectan con acontecimientos de su infancia que ella consideraba un proceso terapéutico. Aunque Bourgeois expuso con los expresionistas abstractos y su trabajo tiene mucho en común con el surrealismo y el arte feminista, no estaba formalmente afiliada a ningún movimiento artístico en particular.

Biografía

Vida temprana

Nacido en París, Francia, el 25 de diciembre de 1911, Bourgeois tenía tres hijos. Sus padres, Joséphine Fauriaux y Louis Bourgeois, eran dueños de una galería especializada en tapices antiguos. Varios años más tarde, la familia se trasladó de París a Choisy-le-Roi y estableció un taller de restauración de tapices debajo de su residencia. En este entorno, Bourgeois contribuyó completando diseños desgastados en los tapices.

En 1930, Bourgeois se matriculó en la Sorbona y realizó estudios de matemáticas y geometría. Ella tenía en alta estima estas disciplinas por su estabilidad inherente y afirmó: "Encontré la paz mental únicamente a través del estudio de reglas inmutables".

En 1932, durante sus estudios de matemáticas, Bourgeois experimentó la muerte de su madre. Esta pérdida la impulsó a dejar las matemáticas y girar hacia la educación artística. Continuó sus estudios de arte asistiendo a clases que requerían traductores para estudiantes de habla inglesa, función que la eximía de pagar la matrícula. Durante uno de estos cursos, Fernand Léger reconoció su talento y le advirtió que su verdadera vocación era la escultura más que la pintura. Posteriormente, Bourgeois consiguió un puesto como docente y realizó giras en el Museo del Louvre.

Bourgeois completó su licenciatura en la Sorbona en 1935. Su educación artística en París comenzó en la École des Beaux-Arts y la École du Louvre. Después de 1932, continuó sus estudios en varias academias independientes en Montparnasse y Montmartre, incluidas la Académie Colarossi, la Académie Ranson, la Académie Julian y la Académie de la Grande Chaumière, y también se formó con figuras destacadas como André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin y Cassandre. Impulsado por el deseo de adquirir experiencia práctica, Bourgeois frecuentaba regularmente los estudios parisinos, adquiriendo técnicas de los artistas y contribuyendo a los preparativos de las exposiciones. Entre 1934 y 1938, supuestamente fue aprendiz de varios "maestros" aclamados de la época, en particular Fernand Léger, Paul Colin y André Lhote. Posteriormente, Bourgeois se desilusionó con la noción predominante de genio patriarcal dentro del mundo del arte, un cambio influenciado en parte por la renuencia de estos maestros a reconocer a las artistas femeninas.

En 1938, Bourgeois estableció su propia galería junto al negocio de tapices de su padre. Allí expuso obras de artistas como Eugène Delacroix, Henri Matisse y Suzanne Valadon, y conoció a Robert Goldwater, un profesor de arte estadounidense visitante, que se convirtió en cliente. Posteriormente se casaron y se mudaron a los Estados Unidos, donde Goldwater ocupó un puesto docente en la Universidad de Nueva York. La pareja tuvo tres hijos, uno de los cuales fue adoptado. Su matrimonio duró hasta el fallecimiento de Goldwater en 1973.

Al mudarse a la ciudad de Nueva York con su esposo en 1938, Bourgeois continuó su desarrollo artístico. Se matriculó en la Art Students League de Nueva York, donde estudió pintura con Vaclav Vytlacil y simultáneamente se dedicó a la creación de esculturas y grabados. Reflexionando sobre sus primeros trabajos, comentó: "La pintura inicial presentaba una cuadrícula: la cuadrícula representa una construcción profundamente pacífica porque se excluye el error... todo está completo. No hay lugar para la ansiedad... todo ocupa su espacio designado, todo está abrazado".

Estos elementos autobiográficos se integraron en su escultura Quarantania I, que se exhibe en el Jardín de Esculturas Cullen en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Años intermedios

Para Bourgeois, los primeros años de la década de 1940 marcaron una transición desafiante a un nuevo país y un esfuerzo por establecerse dentro del circuito de exposiciones de la ciudad de Nueva York. Su trabajo durante este período se creó a partir de materiales recuperados, como restos de chatarra y madera flotante, que transformó en esculturas verticales de madera. Las imperfecciones de la madera se ocultaron con pintura y posteriormente se utilizaron clavos para crear agujeros y rayones, con el objetivo de transmitir emociones específicas. La Figura Durmiente es una pieza ilustrativa que retrata a una figura de guerra incapacitada por la vulnerabilidad, incapaz de afrontar la realidad. A lo largo de su vida, la obra de Bourgeois se inspiró constantemente y obtuvo una catarsis temporal de su tumultuosa infancia y del abuso infligido por su padre. A pesar de su exposición individual inaugural en 1945, la carrera intermedia de Bourgeois sigue estando menos documentada, posiblemente debido al reconocimiento limitado del mundo del arte, incluso cuando su confianza artística creció gradualmente. Tras la muerte de su padre en 1951, Bourgeois adquirió la ciudadanía estadounidense.

En 1945, Bourgeois participó en una exposición que mostraba a catorce mujeres artistas en Art of This Century de Peggy Guggenheim, titulada Las mujeres. Si bien esta exposición provocó debates sobre el papel de las mujeres artistas, al mismo tiempo las segregó de los artistas masculinos establecidos y perpetuó el concepto problemático de una experiencia artística femenina universal. Al reflexionar sobre su recepción como artista femenina en la década de 1940, Bourgeois afirmó: "No sé qué es el arte hecho por una mujer... No existe una experiencia femenina en el arte, al menos no en mi caso, porque no solo por ser mujer uno tiene una experiencia diferente".

En 1954, Bourgeois se convirtió en miembro del American Abstract Artists Group, junto con contemporáneos como Barnett Newman y Ad Reinhardt. Durante este período, también cultivó amistades con los artistas Willem de Kooning, Mark Rothko y Jackson Pollock. Como parte del American Abstract Artists Group, Bourgeois cambió su medio artístico de la madera y las estructuras verticales al mármol, el yeso y el bronce, explorando temas como el miedo, la vulnerabilidad y la pérdida de control. Esta evolución material y temática marcó un importante punto de inflexión en su práctica artística. Al caracterizar su arte como una progresión secuencial entrelazada con la vida y las circunstancias cotidianas, describió sus primeras creaciones como la encarnación del miedo a caer, que posteriormente evolucionó hasta convertirse en el arte de caer, culminando en el arte de resistir. Sus conflictos personales sirvieron como catalizador, permitiéndole autentificar sus experiencias y luchas a través de una expresión artística distintiva. En 1958, Bourgeois y su esposo se mudaron a una casa adosada en West 20th Street en Chelsea, Manhattan, donde ella residió y mantuvo su estudio por el resto de su vida.

Aunque Bourgeois rechazó la etiqueta de arte feminista para sus propias creaciones, su enfoque temático se centró consistentemente en lo femenino. Piezas como Femme Maison (1946-1947), Torso Self-portrait (1963-1964) y Arch of Hysteria (1993) retratan uniformemente el físico femenino. A finales de la década de 1960, su imaginería artística evolucionó hasta volverse más abiertamente sexual, ahondando en la dinámica entre hombres y mujeres y las profundas repercusiones emocionales de su difícil infancia. Esculturas como Janus Fleuri (1968) ejemplifican su utilización valiente e innovadora de la forma femenina. Ella articuló: "Mi trabajo trata sobre problemas que son pregénero. Por ejemplo, los celos no son masculinos ni femeninos". A pesar de esta declaración, en 1976, Femme Maison apareció en la portada del libro de Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women's Art, convirtiéndose así en una pieza emblemática del movimiento artístico feminista. Posteriormente, el floreciente movimiento feminista amplió el público de su obra.

Vida posterior

En 1972, Bourgeois participó en la exposición colectiva 13 mujeres artistas, celebrada en el 117 Prince Street Gallery de la ciudad de Nueva York.

A partir de 1973, Bourgeois comenzó a trabajar como profesora en instituciones como el Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College y la New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Entre 1974 y 1977 trabajó en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, donde su plan de estudios incluía grabado y escultura. Además, dedicó numerosos años a la enseñanza dentro del sistema de escuelas públicas de Great Neck, Long Island.

A principios de la década de 1970, Bourgeois organizó salones conocidos como "domingos, domingos sangrientos" en su residencia de Chelsea. Estas reuniones atrajeron a jóvenes artistas y estudiantes cuyos esfuerzos artísticos ella criticó rigurosamente. La designación de estas reuniones surgió del enfoque crítico incisivo y el ingenio seco característico de Bourgeois. Motivó a numerosos artistas emergentes a crear obras con matices feministas. Sin embargo, su viejo amigo y asistente, Jerry Gorovoy, informó que Bourgeois caracterizó su propia producción artística como "pregénero".

Bourgeois se asoció con movimientos activistas y se unió al Fight Censorship Group, un colectivo feminista anticensura establecido por su colega, la artista Anita Steckel. Durante la década de 1970, este colectivo abogó por la inclusión de imágenes sexuales dentro de las expresiones artísticas. Steckel afirmó: "Si el pene erecto no se considera apropiado para exhibir en un museo, tampoco debería considerarse apropiado para las mujeres".

En 1978, Bourgeois recibió un encargo de la Administración de Servicios Generales para Facetas del Sol, lo que marcó su primera escultura pública. Posteriormente, esta pieza se instaló junto a un edificio federal en Manchester, New Hampshire. En 1982, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York presentó la exposición retrospectiva inaugural de Bourgeois. Antes de esto, había ocupado una posición algo marginal dentro del mundo del arte, y sus creaciones a menudo generaban admiración en lugar de elogios generalizados de la crítica. Durante una entrevista con Artforum, publicada al mismo tiempo que la inauguración de su retrospectiva, reveló la naturaleza enteramente autobiográfica de las imágenes presentes en sus esculturas. Ella articuló públicamente cómo recreaba compulsivamente, a través de su práctica artística, el trauma infantil de darse cuenta de que su institutriz inglesa era al mismo tiempo la amante de su padre.

De 1984 a 1986, Bourgeois desarrolló una serie de esculturas tituladas colectivamente Nature Study, que amplió su duradera dedicación a la crítica de las normas patriarcales y las representaciones convencionales de la feminidad en el arte. La serie Nature Study exploró temas como la agresión, la expresión creativa, la identidad de género, la autonomía personal y las experiencias infantiles. Su formación artística inicial implicó dibujar figuras incompletas y patrones faltantes de obras de arte dañadas, una tarea destinada a facilitar su restauración. Si bien los motivos de Nature Study se repiten en sus dibujos y obras de bronce, fue principalmente a través de la escultura como transmitió de manera más efectiva su aspiración de "torcer el cuello". Bourgeois produjo varias versiones de Nature Study, con ejemplos destacados conservados en los Museos de Arte de Harvard y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.

Durante la última fase de su carrera, Bourgeois persistió en su investigación de medios escultóricos no convencionales, incluida la tela rellena, cuestionando así la preferencia establecida por materiales duraderos como el bronce o la piedra.

En 1989, Bourgeois produjo un grabado a punta seca titulado Mud Lane, que representa su residencia en Stapleton, Staten Island, que concibió como un entorno escultórico en lugar de simplemente una vivienda doméstica.

La obra de Bourgeois se exhibió en la Documenta 9 en Kassel, Alemania, en 1992. A pesar de que la Real Academia de las Artes presentó un estudio exhaustivo del arte estadounidense del siglo XX en En 1993, los organizadores no consideraron que las contribuciones de Bourgeois fueran lo suficientemente significativas para su inclusión. Sin embargo, esta encuesta generó críticas por numerosas exclusiones, y un crítico afirmó que "secciones enteras del mejor arte estadounidense han sido eliminadas" y destacó la escasez de artistas femeninas representadas. Posteriormente, sus obras fueron elegidas para exhibirse en la inauguración de la Tate Modern de Londres en 2000. En 2001, su arte se presentó en el Museo Hermitage.

En 2010, su último año, Bourgeois aprovechó su práctica artística para defender la igualdad de lesbianas, gays, bisexuales y transgénero (LGBT). Produjo la obra de arte I Do, que representa dos flores que emergen de un solo tallo, para apoyar a la organización sin fines de lucro Freedom to Marry. Bourgeois articuló: "Todos deberían tener el derecho de casarse. El acto de comprometerse a amar a alguien perpetuamente constituye un hermoso esfuerzo". Su compromiso con el activismo por la igualdad LGBT fue de larga data, como lo demuestra su creación de obras de arte para la organización activista contra el SIDA ACT UP en 1993.

Muerte

Bourgeois falleció de insuficiencia cardíaca el 31 de mayo de 2010 en el Centro Médico Beth Israel de Manhattan. Su fallecimiento fue anunciado por Wendy Williams, directora general del Louise Bourgeois Studio. Mantuvo su producción artística hasta su fallecimiento, completando sus trabajos finales apenas una semana antes.

Según The New York Times, la obra de Bourgeois exploró constantemente temas relacionados con el cuerpo humano, enfatizando su necesidad inherente de cuidado y defensa dentro de un contexto global formidable.

Su esposo, Robert Goldwater, falleció en 1973. Le sobrevivieron sus dos hijos, Alain Bourgeois y Jean-Louis Bourgeois; su hijo mayor, Michel, había muerto en 1990.

Obras principales

Casa femenina

La serie de pinturas titulada Femme Maison (1946–47) profundiza en la intrincada conexión entre la mujer y la esfera doméstica. Estas obras de arte representan a mujeres con casas reemplazando sus cabezas, una metáfora visual que aísla sus formas físicas de las influencias externas y limita su enfoque intelectual al hogar. Este enfoque temático se alinea con debates más amplios sobre la deshumanización que prevalece en el arte moderno.

Destrucción del Padre

Creado en 1974, La destrucción del padre ofrece un examen biográfico y psicológico de la dinámica del poder paterno y su impacto en la descendencia. Esta instalación presenta un entorno en tonos carne, diseñado para evocar un espacio suave, parecido a un útero. Construido con yeso, látex, madera, tela e iluminado con luz roja, La destrucción del padre marcó el uso inaugural de materiales blandos por parte de Bourgeois a una escala monumental. Al entrar, los observadores se encuentran con una escena que sugiere las consecuencias posteriores al crimen. Dentro de un comedor estilizado, que también transmite el ambiente de un dormitorio, se representan figuras abstractas en forma de gotas que representan a los hijos de un padre opresivo habiéndolo rebelado, asesinado y consumido.

... contando al público cautivo su grandeza, sus notables logros y su subyugación diaria de los adversarios. Esta narrativa, sin embargo, persistió día tras día, creando una atmósfera de tragedia inminente. Sus pronunciamientos se hicieron excesivamente frecuentes. Ejercía un dominio insoportable, probablemente sin conciencia de sí mismo. En consecuencia, se desarrolló un resentimiento profundamente arraigado que nos llevó a mi hermano y a mí a concluir un día: "¡Ha llegado el momento!". Lo cogimos, lo colocamos sobre la mesa y lo diseccionamos meticulosamente con nuestros cuchillos. Lo desmembramos, cortándole el pene. Luego fue transformado en sustento. Lo consumimos... fue liquidado de la misma manera que había liquidado a los niños.

Exorcismo artístico

En 1982, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York presentó una exposición de obras de la entonces menos conocida artista Louise Bourgeois. A los 70 años, Bourgeois era un artista de técnicas mixtas que utilizaba diversos materiales como papel, metal, mármol y restos de esqueletos de animales. Sus primeras experiencias de vida, marcadas por traumas familiares, fomentaron lo que ella denominó un "exorcismo en el arte", a través del cual buscó incansablemente aliviar su agitación interna. Creía que su arte le permitía abordar temas de la identidad femenina, el cuerpo humano y la desunión familiar mucho antes de que estos temas obtuvieran una amplia aceptación dentro del mundo del arte y la sociedad como temas legítimos para la expresión artística. Este proceso sirvió como método de Bourgeois para lograr equilibrio y estabilidad emocional. En ese momento, The New York Times caracterizó su trabajo como "cargado de ternura y violencia, aceptación y desafío, ambivalencia y convicción".

Celdas

Durante sus ochenta años, Bourgeois desarrolló dos series distintas de piezas de instalación cerradas, conocidas colectivamente como Cells. Estas instalaciones a menudo comprenden pequeños recintos que invitan a los espectadores a observar la disposición de objetos simbólicos desde el exterior, mientras que otras son salas íntimas diseñadas para la entrada directa. Dentro de estas obras de "Células", Bourgeois integró motivos escultóricos anteriores, objetos encontrados y artefactos personales, cada uno de ellos imbuido de una resonancia emocional significativa para el artista.

Estas "Células" encapsulan varios estados psicológicos e intelectuales, centrándose predominantemente en sensaciones de miedo y dolor. Bourgeois articuló que las Células simbolizan "diversas formas de dolor: físico, emocional, psicológico, mental e intelectual... Cada Célula aborda un miedo específico. El miedo es dolor... Además, cada Célula explora el placer voyerista, la excitación derivada de observar y ser observado".

Mamá

A finales de la década de 1990, Bourgeois comenzó a incorporar la araña como motivo destacado en sus creaciones artísticas. La escultura Maman, de más de nueve metros de altura, está realizada en acero y mármol, con una edición posterior de seis bronces fundidos a partir del original. Esta obra monumental debutó en 2000 como parte del encargo de Bourgeois para The Unilever Series en el Turbine Hall de la Tate Modern y, más recientemente, se exhibió en el Centro Nacional de Convenciones de Qatar en Doha. Su escultura de araña más importante, también llamada Maman, mide más de 30 pies (9,1 m) y se ha exhibido en todo el mundo, lo que representa la obra de arte de araña más grande jamás creada por Bourgeois. Además, Maman simboliza la resiliencia de su madre y encarna temas de hilado, tejido, crianza y protección. Las imágenes recurrentes de arañas en su obra llevaron a su apodo popular, Spiderwoman.

Bourgeois expresó sus sentimientos con respecto al motivo de la araña:

La Araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga. Como una araña, mi madre era tejedora. Mi familia se dedicaba a la restauración de tapices y mi madre estaba a cargo del taller. Como las arañas, mi madre era muy inteligente. Las arañas son presencias amigables que comen mosquitos. Sabemos que los mosquitos transmiten enfermedades y, por tanto, no son deseados. Entonces, las arañas son útiles y protectoras, al igual que mi madre.

Maisons frágiles / Casas vacías

Las esculturas de Bourgeois, tituladas Maisons frágiles / Casas vacías, consisten en estructuras metálicas elevadas y paralelas que sostienen una bandeja minimalista. Su profundo impacto se experimenta mejor a través de la observación directa, ya que evocan una ansiedad profundamente arraigada en lugar de transmitir amenaza o seguridad. Esta expresión artística se alinea con la investigación psicológica de Bachelard, que indica que los niños ansiosos suelen representar casas altas y estrechas que carecen de una base fundacional. Dada la desafiante y traumática infancia de Bourgeois, este marco teórico ofrece una posible justificación para la creación de estas obras de arte en particular.

Grabado

El compromiso de Bourgeois con el grabado experimentó dos períodos distintos de actividad significativa: una fase inicial durante las décadas de 1930 y 1940, después de su traslado de París a Nueva York, y un resurgimiento posterior que comenzó en la década de 1980, coincidiendo con una aclamación más amplia por su trabajo. Al principio, producía impresiones utilizando una pequeña prensa en casa o en el prestigioso taller Atelier 17. Este primer período fue sucedido por una interrupción prolongada, durante la cual Bourgeois se centró principalmente en sus esfuerzos escultóricos. Su regreso al grabado no se produjo hasta los setenta años, impulsada por el apoyo de los editores impresos. Reactivó su imprenta original, adquirió una adicional y colaboró ​​estrechamente con los impresores que visitaban su residencia. Esto inició una fase altamente productiva del grabado que continuó hasta su fallecimiento. A lo largo de su vida, Bourgeois produjo aproximadamente 1.500 composiciones impresas.

En 1990, Bourgeois tomó la decisión de legar la totalidad de su obra impresa al Museo de Arte Moderno. Posteriormente, en 2013, el museo inauguró un catálogo razonado en línea. Este recurso digital documenta meticulosamente la metodología creativa de la artista, contextualizando las impresiones y los libros ilustrados de Bourgeois dentro de su producción artística más amplia mediante la incorporación de obras relacionadas en varios medios que exploran temas y motivos visuales idénticos.

Temas y crítica

Un elemento temático destacado en la producción artística de Bourgeois es la exploración del trauma infantil y las emociones reprimidas. Después de la enfermedad de su madre con influenza, el padre de Bourgeois inició múltiples relaciones extramatrimoniales, en particular una relación de diez años con Sadie Gordon Richmond, la tutora de inglés de Bourgeois, que era apenas seis años mayor que ella. Llevaba a cabo abiertamente estas infidelidades dentro del hogar familiar, trayendo allí amantes. Este período marcó la génesis del compromiso crítico de la artista con los dobles estándares sexuales y de género, un tema ampliamente articulado a lo largo de su obra. Bourgeois relató las repetidas declaraciones de su padre de "te amo" a su madre, a pesar de su persistente infidelidad. Ella caracterizó su dinámica diciendo: "Él era el lobo y ella era la liebre racional, que lo perdonaba y lo aceptaba tal como era".

La maternidad constituye otro tema omnipresente en las creaciones artísticas de Bourgeois. Su madre jugó un papel fundamental, alentando las inclinaciones artísticas de Bourgeois e integrándola en la empresa de tapices de la familia. Bourgeois percibía a su madre como intelectual y metódica, percepción que se refleja en el persistente motivo de la araña en toda su obra, que frecuentemente simboliza a su madre. La imagen de una araña tejiendo y tejiendo su tela hace referencia directa al negocio de tapices de sus padres y simultáneamente funciona como una metáfora de las capacidades restaurativas de su madre.

Bourgeois exploró el concepto de feminidad desafiando los estándares patriarcales y creando obras de arte centradas en la maternidad, en lugar de representar a las mujeres únicamente como musas o figuras idealizadas. Se la ha caracterizado como la "héroe reacia del arte feminista". La metodología artística de Bourgeois exhibió una orientación feminista, similar a la de contemporáneas como Agnes Martin y Eva Hesse; su trabajo estaba menos motivado políticamente y más arraigado en experiencias personales de género y sexualidad, por lo que abordaba inherentemente las preocupaciones de las mujeres.

La arquitectura y la memoria constituyen elementos significativos dentro de la obra de Bourgeois. Sus creaciones a menudo poseen una cualidad orgánica, biológica y reproductiva, que inherentemente atrae la atención hacia las obras de arte mismas. La arquitectura burguesa conceptualizó como una manifestación visual de la memoria o, por el contrario, la memoria como una forma de arquitectura. Un tema recurrente en su arte es un recuerdo inventado sobre la muerte o el exorcismo de su padre. Este recuerdo fabricado está intrincadamente entrelazado con recuerdos genuinos, como residir frente a un matadero y la relación extramatrimonial de su padre. Para Bourgeois, su padre simbolizaba daño, conflicto, engrandecimiento personal, denigración de los demás y, fundamentalmente, traición.

La producción artística de Bourgeois está profundamente influenciada por confesiones, autorretratos, recuerdos y fantasías, que reflejan la búsqueda de un individuo inquieto por la paz y el orden ausentes durante sus años de formación, buscados a través de su práctica escultórica.

En 2024, el crítico de arte Christopher Allen, escribiendo para el periódico The Australian, caracterizó a Bourgeois como "crónicamente sobrevalorada" y "una artista mediocre elevada por las demandas institucionales de un 'maestro moderno' a un estatus en el que sus deficiencias e insuficiencias se vuelven innegablemente evidentes".

Trabajos colaborativos

No me abandones

Este proyecto colaborativo, que duró dos años, involucró a la artista británica Tracey Emin. La obra de arte resultante se exhibió en Londres varios meses después del fallecimiento de Bourgeois en 2010. Su contenido temático presenta representaciones de figuras masculinas y femeninas. A pesar de su apariencia potencialmente sexual, las imágenes retratan una diminuta figura femenina que venera a una colosal figura masculina, similar a una deidad. Bourgeois contribuyó con las acuarelas, mientras que Tracey Emin ejecutó los dibujos superpuestos. Emin pasó dos años deliberando sobre su contribución a la colaboración. Al conceptualizar su papel, completó todos los dibujos en un solo día y afirmó que cada uno se ejecutó a la perfección. La pieza I Lost You aborda temas de pérdida de hijos y la experiencia más amplia de perder la vida. Bourgeois, como madre, había soportado el entierro de su hijo. Para ella, el abandono abarcaba no sólo la pérdida de su madre sino también la de su hijo. A pesar de la importante disparidad de edad y las diferencias estilísticas entre los dos artistas, la colaboración se desarrolló sin problemas y armoniosamente.

Exposiciones destacadas seleccionadas y proyectos específicos del sitio

La obra de Bourgeois continúa mostrándose globalmente en museos y lugares públicos a través de instalaciones específicas del sitio. Por ejemplo, el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts (MASS MoCA) en North Adams ha presentado una colección de obras del artista, elaboradas en mármol y otros materiales, durante casi una década.

La monumental escultura Maman, adquirida inicialmente por el Instituto Cultural Itaú en 1996 y posteriormente prestada al Museo de Arte Moderno de São Paulo en Brasil, se embarcó en una gira expositiva por varias ciudades. Este recorrido incluyó destacadas instituciones y espacios públicos como el Instituto Inhotim en Minas Gerais, la Fundación Iberê Camargo en Porto Alegre y el Museo Oscar Niemeyer en Curitiba.

En 2020, la obra de Bourgeois fue incluida en una importante exposición colectiva en el Pérez Art Museum Miami, Florida. Titulada Mi cuerpo, mis reglas, la exposición exploró las diversas metodologías artísticas de 23 artistas identificadas como mujeres activas en el siglo XXI. Los participantes notables incluyeron a Carolee Schneemann, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Ana Mendieta, Wanguechi Mutu, Mickalene Thomas y Francesca Woodman.

Obras seleccionadas

Bibliografía

• 1982 – Louise Bourgeois. Museo de Arte Moderno, 1982, pág. 123. ISBN 978-0-87070-257-0.Las impresiones de Louise Bourgeois. Museo de Arte Moderno, 1994, p. 254. ISBN 978-0-8109-6141-8.Louise Bourgeois: El lugar de la memoria, obras 1982-1993. Harry N. Abrams, 1994, pág. 144. ISBN 978-0-8109-3127-5.Louise Bourgeois: dibujos y observaciones. Bulfinch, 1995, p. 192. ISBN 978-0-8212-2299-7.Louise Bourgeois Destruction of the Father / Reconstruction of the Father, que consta de 384 páginas. ISBN 978-0-262-52246-5.Louise Bourgeois: Memory and Architecture fue publicado por Actar en 1999 y abarca 316 páginas. ISBN 978-84-8003-188-2.Louise Bourgeois: The Insomnia Drawings en 2000, una obra de 580 páginas. ISBN 978-3-908247-39-5.La araña de Louise Bourgeois: La arquitectura del arte-escritura el 29 de junio de 2001, que consta de 88 páginas. ISBN 978-0-226-03575-8.Louise Bourgeois: El secreto de las células en 2008, una publicación de 168 páginas.ISBN 978-3-7913-4007-4.A quien corresponda en 2011, un volumen de 76 páginas. ISBN 978-1-900828-36-9.Fuerzas Armadas en 2011, que consta de 48 páginas. ISBN 978-8-434312-53-1.El regreso de los reprimidos en 2012, una obra de 500 páginas. ISBN 978-1-900828-37-6.Mumbling Beauty Louise Bourgeois en 2015, una publicación de 112 páginas. ISBN 978-0-500093-91-7.Películas documentales
  • En 1987, Louise Bourgeois apareció en el documental Louise Bourgeois: ART/new york No. 27 de Inner-Tube Video.Louise Bourgeois: The Spider, the Mistress, and the Tangerine, protagonizado por Louise Bourgeois, fue producido por Zeitgeist Films.Exposiciones seleccionadas
    • 1947: Antagonismo persistente, Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco.
    • 1949: Sin título, Instituto de Arte de Chicago, Chicago.
    • 1967: Sin título, Academia Nacional de Diseño, Nueva York.
    • 1972: Número setenta y dos, Storm King Art Center, Mountainville, Nueva York.
    • 1982: Louise Bourgeois, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
    • 1982: Ojos (escultura de mármol), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
    • 1984: Estudio de la naturaleza: ojos, Galería de arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York.
    • 1987: Louise Bourgeois: Escultura 1947–1955, Galería Paule Anglim, San Francisco, California.
    • 1992: Sainte Sebastienne, Museo de Arte de Dallas, Dallas.
    • 1993: Louise Bourgeois: Trabajo reciente, Pabellón de Estados Unidos, 45ª Bienal de Venecia, Venecia, Italia.
    • 1993: Helping Hands, expuesto permanentemente en el Chicago Women's Park & Jardines desde 2011, Chicago.
    • 1994: Las impresiones de Louise Bourgeois, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
    • 1994: The Nest, Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco.
    • 1994: Louise Bourgeois: The Locus of Memory, Works 1982–1993, expuesta en el Museo de Brooklyn, Brooklyn, y en la Galería de Arte Corcoran, Washington, D.C.
    • 1995: Louise Bourgeois: The Locus of Memory, obras 1982–1993, Galerie Rudolfinum, Praga.
    • 1997: Mamá, Museo Kemper de Arte Contemporáneo, Kansas City.
    • 1999: Mamá, Museo Guggenheim Bilbao.
    • 1999: Bancos de granito con forma de globo ocular y una fuente de agua de bronce de 25 pies, Agnes R. Katz Plaza, Pittsburgh (actualmente en exhibición permanente).
    • 2000: Mujer caída, Galleria d'arte moderna Palazzo Forti, Verona.
    • 2006: Louise Bourgeois: Femme, Walters Art Museum (en colaboración con el Contemporary Museum), 11 de febrero – 21 de mayo de 2006.
    • 2007: Mamá, Tate Modern, Londres.
    • 2008: Louise Bourgeois, Centro Pompidou, París, 5 de marzo – 2 de junio de 2008.
    • 2008: Retrospectiva completa de la carrera de Louise Bourgeois, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York.
    • 2008: Estudio de la naturaleza, Inverleith House, Edimburgo.
    • 2008: Louise Bourgeois para Capodimonte, Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles.
    • 2009: Louise Bourgeois: Moi, Eugénie Grandet, un proceso de identificación, Maison de Balzac, París.
    • 2009: Louise Bourgeois, Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, D.C., 26 de febrero – 17 de mayo de 2009.
    • 2010: Louise Bourgeois: The Fabric Works, Fondazione Vedova, Venecia; Posteriormente expuso en Hauser & Wirth, Londres.
    • 2010: Louise Bourgeois: Madre e hijo, Galería Paule Anglim, San Francisco, California.
    • 2011: Louise Bourgeois: À L'Infini, Fondation Beyeler, Riehen, Basilea, 3 de septiembre de 2011 – 8 de enero de 2012.
    • 2011: Louise Bourgeois: El regreso de los reprimidos, Fundación Proa, Buenos Aires; Posteriormente expuso en el Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, y el Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro.
    • La Galería Nacional de Canadá en Ottawa, Ontario, Canadá, acogió una exposición dedicada a Louise Bourgeois del 21 de abril de 2011 al 18 de marzo de 2012.
    • En 2012, la Galería de los Museos de Qatar en Katara, Doha, Qatar, presentó "Louise Bourgeois: Consciente e inconsciente" del 20 de enero al 1 de junio.
    • El Museo Freud de Londres presentó "Louise Bourgeois: El regreso de los reprimidos" entre el 7 de marzo y el 27 de mayo de 2012.
    • "Louise Bourgeois: Late Works" se exhibió en el Museo Heide de Arte Moderno de Melbourne del 24 de noviembre de 2012 al 11 de marzo de 2013.
    • El Museo de Arte Canadiense Contemporáneo organizó una exposición sobre Louise Bourgeois del 22 de junio al 11 de agosto de 2013.
    • El Instituto de Arte Moderno de Middlesbrough presentó "Louise Bourgeois: Una mujer sin secretos" del 18 de julio al 12 de octubre de 2014.
    • "HABITACIONES DE ARTISTAS: Louise Bourgeois: Una mujer sin secretos" se presentó en la Galería de Arte de la ciudad de Southampton del 16 de enero al 18 de abril de 2015.
    • Haus der Kunst en Múnich, Alemania, expuso "Louise Bourgeois. Estructuras de la existencia: las células" del 27 de febrero al 2 de agosto de 2015.
    • Moderna Museet en Estocolmo, Suecia, presentó "Louise Bourgeois: He estado en el infierno y he regresado" del 14 de febrero al 17 de mayo de 2015.
    • La Galería Nacional de Arte de Washington, D.C., presentó "Louise Bourgeois: No Exit" del 15 de noviembre de 2015 al 15 de mayo de 2016.
    • El Museo Guggenheim Bilbao en España acogió "Louise Bourgeois: Estructuras de la existencia: Las células" del 18 de marzo al 4 de septiembre de 2016.
    • Hauser & Wirth presentó en Suiza "Louise Bourgeois: Turning Inwards" del 2 de octubre de 2016 al 1 de enero de 2017.
    • El Museo y Parque de Esculturas Kistefos en Jevnaker, Noruega, expuso "Louise Bourgeois: La naturaleza humana: hacer, deshacer, rehacer" del 21 de mayo al 9 de octubre de 2017.
    • El Museo de Arte Moderno de San Francisco presentó "Louise Bourgeois: Spiders" del 7 de octubre de 2017 al 4 de septiembre de 2018.
    • El Museo de Arte de Tel Aviv en Tel Aviv, Israel, presentó "Louise Bourgeois: Twosome" del 7 de septiembre de 2017 al 17 de febrero de 2018.
    • El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York presentó "Louise Bourgeois: An Unfolding Portrait" del 24 de septiembre de 2017 al 28 de enero de 2018.
    • El Schinkel Pavillon de Berlín-Mitte expuso "Louise Bourgeois: La casa vacía" del 21 de abril al 29 de julio de 2018.
    • ICA Miami presentó una exposición sobre Louise Bourgeois del 13 de julio de 2018 al 6 de enero de 2019.
    • El Museo Glenstone en Potomac, Maryland, exhibió "Louise Bourgeois: Para desentrañar un tormento" del 10 de mayo de 2017 al 1 de enero de 2020.
    • El Museo de la UM en Seúl, Corea del Sur, presentó una exposición de Louise Bourgeois & Alex van Gelder del 1 de octubre al 31 de diciembre de 2019.
    • Abels, Carolyn. "Se dedica Katz Plaza en el distrito cultural". Pittsburgh Post-Gazette, vol. 73, núm. 125, 3 de diciembre de 1999, pág. B-1.
    • El Museo Judío (Manhattan) presentó "Louise Bourgeois, la hija de Freud" del 21 de mayo al 12 de septiembre de 2021.
    • El Museo Metropolitano de Arte acogió "Louise Bourgeois: Pinturas" del 12 de abril al 7 de agosto de 2022.
    • Gropius Bau expuso en Berlín "Louise Bourgeois: The Woven Child" del 22 de julio al 23 de octubre de 2022.
    • La Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, Australia, presentó "Louise Bourgeois: ¿Ha invadido el día la noche o ha invadido la noche el día?" del 25 de noviembre de 2023 al 28 de abril de 2024.
    • El Museo Novecento de Florencia acogerá "Louise Bourgeois In Florence" del 22 de junio al 20 de octubre de 2024.
    • El Museo de Arte Mori de Tokio presentará "Louise Bourgeois: He estado en el infierno y he regresado. Y déjame decirte que fue maravilloso". en 2024.
    • La Courtauld Gallery de Londres exhibirá "Louise Bourgeois: Drawings from the 1960s" del 20 de junio al 14 de septiembre de 2025.
    • La Courtauld Gallery de Londres también presentará "Abstract Erotic: Louise Bourgeois, Eva Hesse, Alice Adams" del 20 de junio al 14 de septiembre de 2025.

    Reconocimiento

    • En 1972, la obra de Mary Beth Edelson, Algunas artistas estadounidenses vivas / La última cena, reinterpretó La última cena de Leonardo da Vinci superponiendo los rostros de destacadas artistas femeninas, incluida Bourgeois, a las figuras de Cristo y sus apóstoles. Esta obra de arte, que critica la influencia de la iconografía religiosa y de la historia del arte en la subyugación de las mujeres, logró posteriormente el reconocimiento como "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista".
    • En 1977, recibió un doctorado honorario de la Universidad de Yale.
    • Fue admitida como miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias en 1981.
    • En 1990, fue elegida miembro de la Academia Nacional de Diseño.
    • La colonia MacDowell de Peterborough, New Hampshire, le concedió la medalla Edward MacDowell en 1990.
    • En 1991, recibió el premio Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award en Hamilton, Nueva Jersey, EE. UU.
    • Fue honrada con la Medalla Nacional de las Artes en 1997.
    • En 1999, recibió el Praemium Imperiale por su trayectoria.
    • También en 1999, Bourgeois recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia.
    • El Premio de las Artes de la Fundación Wolf le fue otorgado en 2003 en Jerusalén.
    • Fue honrada con la Condecoración Austriaca para la Ciencia y el Arte en 2005.
    • En 2008, Bourgeois recibió la Orden Nacional de la Legión de Honor.
    • En 2009, el Collège de Pataphysique de Nueva York, bajo la Orden de la Grande Gidouille, la reconoció como Commanderesse exquise y Arrangeuse du monde.
    • El Salón Nacional de la Fama de Mujeres la incluyó en 2009.

    Colecciones

    Las colecciones institucionales importantes que presentan su obra de arte incluyen:

    • En los Estados Unidos, sus obras se encuentran en la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C., el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, el Centro de Escultura Nasher y el Museo de Arte Moderno de San Francisco.
    • La Galería Nacional de Canadá alberga su arte en Canadá.
    • En Reino Unido, sus piezas forman parte de la colección Tate Modern de Londres.
    • El Centro Pompidou de París acoge su obra en Francia.

    A lo largo de su carrera, Bourgeois mantuvo relaciones con muchos de sus principales coleccionistas, incluidos Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles y Ursula Hauser. Además, otras colecciones privadas destacadas, como la Colección Goetz de Múnich, presentan obras importantes de Bourgeois.

    Mercado del Arte

    Bourgeois comenzó a colaborar con la galerista Paule Anglim en San Francisco en 1987, seguida por Karsten Greve en París en 1990, Xavier Hufkens en Bruselas en 1996 y Hauser & Wirth en 1997. Hauser & Desde entonces, Wirth ha servido como la galería principal que representa su patrimonio, aunque otras galerías, como la Galería Kukje en Seúl, continúan comercializando sus obras de arte.

    En 2011, la obra de Bourgeois titulada Spider alcanzó un precio de venta de 10,7 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord de subasta para la artista y representando el precio más alto pagado por una obra de una artista femenina en ese momento. Posteriormente, a finales de 2015, la misma pieza se vendió en otra subasta de Christie's por 28,2 millones de dólares.

    Referencias

    • Louise Bourgeois en la colección en línea del Museo de Arte Moderno
    • Louise Bourgeois en Hauser & con
    • Louise Bourgeois en el Centro Nacional de Convenciones de Qatar
    • Cámara web de la escultura "Maman" fuera de la Galería Nacional de Canadá, Ottawa
    • Louise Bourgeois en colecciones públicas americanas, en el sitio web del Censo de Escultura Francés
    • Louise Bourgeois | CÓMO VER al artista con la curadora jefe emérita del MoMA Deborah Wye
    • Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian: Entrevista de Historia Oral