Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso (25 octobre 1881 – 8 avril 1973) était un artiste espagnol de premier plan, englobant les rôles de peintre, sculpteur, graveur, céramiste et décorateur de théâtre, qui résidait principalement en France au cours de sa vie adulte. Reconnu comme l'un des artistes les plus influents du XXe siècle, Picasso est célébré pour son rôle central dans la co-fondation du mouvement cubiste, le pionnier de la sculpture construite, la co-invention du collage, ainsi que pour son exploration et son développement approfondis de divers styles artistiques. Son œuvre comprend des œuvres emblématiques telles que le proto-cubiste Les Demoiselles d'Avignon (1907) et le puissant tableau anti-guerre Guernica (1937), qui dépeint de manière dramatique le bombardement de Guernica par les forces aériennes allemandes et italiennes pendant la guerre civile espagnole. Sa carrière prolifique s'est étendue sur 76 ans, commençant à la fin de son adolescence et se poursuivant jusqu'à sa disparition en 1973.

Pablo Ruiz Picasso (25 octobre 1881 - 8 avril 1973) était un peintre, sculpteur, graveur, céramiste et décorateur de théâtre espagnol qui a passé la majeure partie de sa vie adulte en France. L'un des artistes les plus influents du XXe siècle, il est connu pour avoir co-fondé le mouvement cubiste, l'invention de la sculpture construite, la co-invention du collage et pour la grande variété de styles qu'il a contribué à développer et à explorer. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent le proto-cubiste Les Demoiselles d'Avignon (1907) et le tableau anti-guerre Guernica (1937), une représentation dramatique du bombardement de Guernica par les forces aériennes allemandes et italiennes pendant la guerre civile espagnole. Sa carrière s'est étendue sur plus de 76 ans, depuis la fin de son adolescence jusqu'à sa mort en 1973.

Commençant une formation artistique formelle sous la direction de son père, José Ruiz y Blasco, à l'âge de sept ans, Picasso a fait preuve d'un talent exceptionnel dès son plus jeune âge, produisant des peintures naturalistes tout au long de son enfance et de son adolescence. Au cours de la première décennie du XXe siècle, son approche artistique a considérablement évolué au fur et à mesure qu'il s'est engagé dans l'expérimentation de diverses théories, techniques et cadres conceptuels. Après 1906, les créations fauves de l'artiste aîné Henri Matisse ont incité Picasso à rechercher des styles plus avant-gardistes, initiant une rivalité productive entre les deux artistes, que les critiques ont souvent positionnés comme les figures les plus marquantes de l'art moderne.

La production artistique de Picasso, en particulier au cours de ses années de formation, est fréquemment classée en périodes distinctes. Bien que la nomenclature de plusieurs de ses périodes ultérieures reste un sujet de discussion scientifique, les phases les plus largement reconnues de son travail comprennent la période bleue (1901-1904), la période rose (1904-1906), la période d'influence africaine (1907-1909), le cubisme analytique (1909-1912) et le cubisme synthétique (1912-1919), également connu sous le nom de période de cristal. Une partie importante de la production de Picasso de la fin des années 1910 et du début des années 1920 présente une esthétique néoclassique, tandis que ses créations du milieu des années 1920 présentent fréquemment des caractéristiques du surréalisme. Ses efforts artistiques ultérieurs intègrent souvent des éléments de ses phases stylistiques précédentes.

Remarquablement prolifique tout au long de sa longue vie, Picasso a acquis une renommée mondiale et une richesse substantielle pour ses réalisations artistiques révolutionnaires, s'imposant comme l'une des figures les plus célèbres de l'art du XXe siècle.

Petite vie

Enfance

Picasso est né à 23h15 le 25 octobre 1881 à Málaga, une ville située en Andalousie, dans le sud de l'Espagne. Il était le premier enfant de José Ruiz y Blasco (1838-1913) et de María Picasso y López. La famille Picasso est issue d’un milieu bourgeois. Son père, peintre, s'est spécialisé dans la représentation naturaliste d'oiseaux et autres gibiers. Pendant une grande partie de sa vie, Ruiz a été professeur d'art à l'École des métiers d'art et conservateur d'un musée local.

L'acte de naissance et l'acte de baptême de Picasso énumèrent une vaste série de noms, incluant ceux de nombreux saints et membres de la famille (Saint Jacques, Saint Joseph, Saint François de Paule, Saint Jean Népomucène, Marie des Remèdes, Saint Cyprien, la Sainte Trinité, Ruiz, y, Picasso). Conformément à la tradition espagnole, Ruiz y Picasso constituaient respectivement ses noms paternels et maternels. Le nom de famille « Picasso » est originaire de la Ligurie, une région côtière située au nord-ouest de l'Italie. L'arrière-grand-père maternel de Pablo, Tommaso Picasso, a déménagé en Espagne vers 1807.

Picasso a démontré très tôt une aptitude et une passion pour le dessin. Sa mère aurait déclaré que ses premières paroles étaient « piz, piz », une abréviation de lápiz, le terme espagnol signifiant « crayon ». Dès l’âge de sept ans, Picasso suit une formation artistique formelle auprès de son père dans les disciplines du dessin de figures et de la peinture à l’huile. Ruiz, artiste académique traditionnel et éducateur, a soutenu qu'une formation rigoureuse nécessitait l'émulation disciplinée de chefs-d'œuvre et la représentation de la forme humaine à partir de moulages en plâtre et de modèles vivants. L'intérêt intense de son fils pour l'art a par conséquent nui à ses études universitaires.

La famille a déménagé à La Corogne en 1891, où son père a assumé une chaire de professeur à l'École des Beaux-Arts. Leur résidence y dura près de quatre ans. Au cours d'un cas, son père a découvert son fils en train de terminer un croquis inachevé d'un pigeon. Un récit apocryphe suggère qu'après avoir observé la précision de la technique de son fils, Ruiz a conclu que Picasso, âgé de treize ans, avait surpassé ses propres capacités et s'est par conséquent engagé à cesser de peindre, malgré l'existence de ses œuvres des années suivantes.

L'année 1895 marque un événement traumatisant pour Picasso avec la mort de sa sœur Conchita, âgée de sept ans, des suites de la diphtérie. Suite à cette tragédie, la famille déménage à Barcelone, où son père, Ruiz, obtient un poste à l'École des Beaux-Arts. Picasso a prospéré à Barcelone, la considérant souvent comme sa véritable demeure lors de périodes de mélancolie ou de réminiscence. Ruiz a réussi à convaincre son fils de passer l'examen d'entrée à la classe avancée de l'académie. Alors que cette évaluation prenait généralement un mois, Picasso la terminait en une semaine, ce qui conduisait à son admission par le jury à l'âge de 13 ans. Malgré un manque de discipline académique, Picasso a cultivé des amitiés importantes au cours de ses années d'étudiant qui influenceront son avenir. Son père lui a fourni un studio privé près de leur résidence pour un travail solitaire, mais il suivait fréquemment ses progrès et critiquait ses dessins, ce qui a conduit à de nombreux désaccords entre eux.

Le père et l'oncle de Picasso ont ensuite fait en sorte que le jeune artiste fréquente la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando à Madrid, reconnue comme la principale institution artistique d'Espagne. À l'âge de 16 ans, Picasso entreprend son premier voyage indépendant ; cependant, il a développé une aversion pour l'enseignement académique formel et a cessé de suivre les cours peu de temps après son inscription. Madrid offrait des attractions culturelles alternatives, notamment le musée du Prado, qui présentait des chefs-d'œuvre d'artistes tels que Diego Velázquez, Francisco Goya et Francisco de Zurbarán. Picasso avait une admiration particulière pour l'œuvre du Greco, avec des éléments stylistiques tels que des figures allongées, des palettes de couleurs saisissantes et des visages énigmatiques réapparaissant par la suite dans les propres créations artistiques de Picasso.

Carrière

Avant 1900

L'enseignement artistique de Picasso, guidé par son père, a commencé avant 1890. Son parcours de développement est évident dans la vaste collection d'œuvres anciennes conservée au Musée Picasso de Barcelone, qui offre un récit historique sans précédent de la période de formation d'un artiste majeur. En 1893, les caractéristiques juvéniles de ses premières créations avaient diminué et sa carrière professionnelle de peintre est généralement considérée comme ayant commencé en 1894. Le réalisme académique qui prévaut dans sa production du milieu des années 1890 est illustré par La Première Communion (1896), une composition importante mettant en vedette sa sœur Lola. Parallèlement, la même année, à l'âge de 14 ans, Picasso réalise le Portrait de tante Pepa, une représentation puissante et expressive que le critique d'art Juan-Eduardo Cirlot qualifie de « sans aucun doute l'une des plus grandes de toute l'histoire de la peinture espagnole ».

En 1897, le style réaliste de Picasso commença à incorporer des influences symbolistes, notamment observées dans une série de peintures de paysages exécutées avec des teintes violettes et vertes non naturalistes. Cette phase fut suivie par ce que certains chercheurs identifient comme sa période moderniste (1899-1900). Durant cette période, son engagement dans l'art de Rossetti, Steinlen, Toulouse-Lautrec et Edvard Munch, associé à son appréciation durable pour les maîtres anciens vénérés tels que El Greco, a abouti au développement d'un modernisme personnel distinctif évident dans ses œuvres de cette époque.

En 1900, Picasso entreprend son voyage inaugural à Paris, alors reconnu comme l'épicentre artistique de l'Europe. Là, il noue une amitié importante avec le journaliste et poète Max Jacob, qui l'aide à maîtriser la langue française et ses traditions littéraires. Ils partagent ensuite un appartement, Jacob dormant la nuit tandis que Picasso adopte un horaire de travail nocturne, dormant le jour. Cette période a été caractérisée par une extrême pauvreté, le froid et un profond désespoir, à tel point qu'une partie considérable de ses œuvres était consommée pour se réchauffer. Au cours des cinq premiers mois de 1901, Picasso réside à Madrid, où il co-fonde la revue Arte Joven (Jeune Art) avec son associé anarchiste Francisco de Asís Soler. La publication a duré cinq numéros, Soler sollicitant des articles et Picasso fournissant des illustrations, contribuant principalement à des caricatures sombres qui décrivaient et compatissaient au sort des pauvres. Le premier numéro est sorti le 31 mars 1901, date à laquelle l'artiste avait commencé à signer ses œuvres simplement sous le nom de Picasso. Avant cela, à partir de 1898, il avait signé sous le nom de « Pablo Ruiz Picasso », passant à « Pablo R. Picasso » jusqu'en 1901. Cette modification de signature n'est généralement pas interprétée comme un rejet de sa lignée paternelle mais plutôt comme un effort pour se distinguer, une pratique encouragée par ses amis catalans qui l'appelaient communément par son nom maternel moins répandu, Picasso, au lieu du nom paternel Ruiz.

Période bleue : 1901-1904

La période bleue (1901-1904) dans l'œuvre de Picasso se distingue par sa palette sombre, composée principalement de nuances de bleu et de bleu-vert, tandis que d'autres teintes n'apparaissent que sporadiquement. Cette époque, durant laquelle Picasso alternait entre Barcelone et Paris, donna de nombreuses représentations de mères émaciées avec leur progéniture. Les choix chromatiques austères de l'artiste et ses thèmes souvent mélancoliques, représentant fréquemment des prostituées et des mendiants, ont été façonnés par ses voyages à travers l'Espagne et le suicide de son ami Carles Casagemas. À partir de l'automne 1901, Picasso a réalisé plusieurs portraits posthumes de Casagemas, culminant dans la sombre œuvre allégorique La Vie (1903), actuellement conservée au Cleveland Museum of Art.

Une atmosphère mélancolique similaire imprègne la célèbre gravure Le repas frugal (1904), qui représente un aveugle émacié et une femme voyante à un table peu dressée. La cécité, motif récurrent dans la production de Picasso de cette période, est explorée plus en détail dans Le repas de l'aveugle (1903, Metropolitan Museum of Art) et dans la représentation de Celestina (1903). D'autres œuvres notables de la période bleue comprennent le Portrait de Soler et le Portrait de Suzanne Bloch.

La période rose : 1904-1906

La période rose (1904-1906) se distingue par une palette et une esthétique plus lumineuses, employant des teintes orange et roses et représentant fréquemment des artistes de cirque, des acrobates et des arlequins, collectivement connus sous le nom de saltimbanques en France. L'arlequin, figure de la commedia dell'arte généralement représentée en tenue à carreaux, est devenu un emblème personnel important pour Picasso. En 1904, Picasso rencontre à Paris Fernande Olivier, une artiste bohème qui deviendra par la suite sa maîtresse. Olivier apparaît dans de nombreuses toiles de la période rose, dont beaucoup reflètent la chaleur de leur relation, parallèlement à l'engagement croissant de Picasso dans la peinture française. La disposition majoritairement joyeuse et sanguine des œuvres de cette période fait écho à l'ambiance artistique de 1899-1901, précédant immédiatement la période bleue, positionnant ainsi 1904 comme une année de transition entre ces deux phases distinctes.

En 1905, Picasso avait gagné la faveur des collectionneurs d'art américains Leo et Gertrude Stein. Leur frère aîné, Michael Stein, et sa femme, Sarah, sont également devenus des collectionneurs de ses œuvres. Picasso a exécuté des portraits de Gertrude Stein et de son neveu, Allan Stein. Gertrude Stein est devenue la principale mécène de Picasso, acquérant ses dessins et peintures et les exposant dans son Salon informel de sa résidence parisienne. Lors d'une de ses rencontres en 1905, Picasso fut présenté à Henri Matisse, qui deviendra à la fois un ami de toujours et un concurrent artistique. La famille Stein a également facilité sa rencontre avec les collectionneurs d'art américains Claribel et Etta Cone, qui ont ensuite commencé à acquérir des œuvres de Picasso et de Matisse. Par la suite, Leo Stein a déménagé en Italie, et tandis que Michael et Sarah Stein sont devenus mécènes de Matisse, Gertrude Stein a continué à se concentrer sur la collection de l'œuvre de Picasso.

En 1907, Picasso s'est affilié à une galerie d'art récemment créée à Paris par Daniel-Henry Kahnweiler. Kahnweiler, historien de l'art et collectionneur allemand, s'est imposé comme l'un des principaux marchands d'art français du XXe siècle. Il a été l'un des premiers défenseurs de Pablo Picasso, de Georges Braque et du mouvement cubiste dont ils ont été les pionniers en collaboration. Kahnweiler a activement promu les artistes émergents, notamment André Derain, Kees van Dongen, Fernand Léger, Juan Gris et Maurice de Vlaminck, entre autres, qui avaient convergé vers Montparnasse depuis divers endroits du monde pour résider et créer de l'art à cette époque.

Art africain et primitivisme : 1907-1909

La période d'influence africaine de Picasso (1907-1909) commence avec sa peinture phare, Les Demoiselles d'Avignon. Alors que les trois personnages de gauche s'inspirent de la sculpture ibérique, les visages des deux personnages de droite ont ensuite été restitués à la suite de la profonde impression de Picasso sur les objets africains observée en juin 1907 au musée ethnographique du Palais du Trocadéro. Lors de la présentation du tableau à ses associés dans son atelier plus tard cette année-là, la réaction fut presque universellement caractérisée par le choc et le dégoût, Matisse dénonçant notamment l'œuvre comme une tromperie. Picasso n'a exposé publiquement Les Demoiselles qu'en 1916.

D'autres œuvres de cette époque comprennent Nu aux bras levés (1907) et Trois femmes (1908). Les concepts formels établis au cours de cette période précédèrent directement l’ère cubiste qui suivit. Le cubisme analytique (1909-1912) représente un style de peinture co-développé par Picasso et Georges Braque, caractérisé par l'utilisation de palettes monochromes brunâtres et neutres. Les deux artistes déconstruisent les objets et les analysent à partir de leurs formes constitutives. Les peintures de Picasso et de Braque de cette époque présentent des points communs stylistiques considérables.

Pendant son séjour à Paris, Picasso a accueilli un cercle de connaissances notables dans les quartiers de Montmartre et de Montparnasse, dont André Breton, le poète Guillaume Apollinaire, l'écrivain Alfred Jarry et Gertrude Stein. En 1911, Picasso fut arrêté et interrogé concernant le vol de la Mona Lisa au Musée du Louvre. Les premiers soupçons du crime se portaient sur Apollinaire, en raison de ses relations avec Géry Pieret, un artiste connu pour de précédents vols dans la galerie. Apollinaire a ensuite mis en cause son proche collaborateur Picasso, qui avait auparavant acquis des œuvres volées à Pieret. Craignant une condamnation qui pourrait conduire à sa déportation vers l'Espagne, Picasso nie toute relation avec Apollinaire. Finalement, les deux individus ont été exonérés de toute implication dans la disparition du tableau.

Cubisme synthétique : 1912-1919

Le cubisme synthétique (1912-1919) représente une évolution avancée au sein du genre cubiste. Ce style incorporait des fragments de papier découpés – souvent du papier peint ou des sections de pages de journaux – collés directement sur les compositions. Cette technique a non seulement établi le premier collage cubiste, mais aussi, en même temps, ce qui est largement considéré comme le premier assemblage, illustré par sa création phare Nature morte avec chaise en cannage (1912 ; huile et toile cirée imprimée sur toile bordée de corde).

De 1915 à 1917, Picasso a initié une série de peintures présentant des sujets cubistes hautement géométriques et minimalistes, comprenant généralement une pipe, une guitare ou un verre, occasionnellement. augmenté par des éléments de collage. L'historien de l'art John Richardson a qualifié ces œuvres de « diamants de taille carrée aux bords durs », observant que « ces pierres précieuses n'ont pas toujours des avantages ou des inconvénients ». Picasso communiquait à Gertrude Stein : « Il nous faut un nouveau nom pour les désigner ». Par la suite, l’appellation « Crystal Cubism » a émergé, issue des ressemblances visuelles contemporaines avec les cristaux. Ces « petits joyaux » ont peut-être été créés par Picasso pour répondre aux critiques qui affirmaient son écart par rapport au mouvement cubiste, notamment à travers son exploration du classicisme au milieu du « retour à l'ordre » d'après-guerre.

Après avoir atteint une certaine renommée et un certain succès financier, Picasso a mis fin à sa relation avec Olivier et en a commencé une avec Marcelle Humbert, également connue sous le nom d'Eva Gouel. Picasso a fréquemment incorporé des expressions de son affection pour Eva dans de nombreuses compositions cubistes. Sa disparition prématurée des suites d'une maladie à l'âge de 30 ans en 1915 a profondément affecté Picasso.

Lorsque la Première Guerre mondiale a éclaté en août 1914, Picasso résidait à Avignon. Braque et Derain furent enrôlés et Apollinaire s'enrôla dans l'artillerie française, tandis que l'artiste espagnol Juan Gris était le seul membre restant du cercle cubiste. Tout au long de la guerre, Picasso a maintenu une pratique ininterrompue de la peinture, un contraste frappant avec ses homologues français. Sa production artistique devient plus sombre et sa vie personnelle subit des transformations significatives. L'accord contractuel de Kahnweiler avait été conclu lors de son exil de France. Par la suite, les œuvres de Picasso furent gérées par le marchand d'art Léonce Rosenberg. Après la mort d'Eva Gouel, Picasso noue une relation avec Gaby Lespinasse. Au printemps 1916, Apollinaire revient du front blessé. Leur amitié fut ravivée, mais Picasso commença simultanément à fréquenter de nouveaux environnements sociaux.

Alors que la Première Guerre mondiale touchait à sa fin, Picasso entame une collaboration avec les Ballets Russes de Serge Diaghilev. Ses associés à cette époque comprenaient Jean Cocteau, Jean Hugo, Juan Gris, entre autres. À l'été 1918, Picasso épouse Olga Khokhlova, une ballerine de la compagnie de Sergueï Diaghilev, pour laquelle il conçoit le ballet Parade d'Erik Satie à Rome. Leur lune de miel a eu lieu près de Biarritz, dans la villa appartenant à l'éminente mécène chilienne Eugenia Errázuriz.

Olga Khokhlova a intégré Picasso dans les cercles sociaux parisiens aisés des années 1920, l'exposant aux rassemblements formels et à la haute société. Leur fils, Paulo Picasso, poursuivit plus tard une carrière de pilote de moto et de chauffeur personnel de son père. L'adhésion de Khokhlova aux conventions sociales était souvent en conflit avec le style de vie bohème de Picasso, conduisant à des discordes conjugales persistantes. Parallèlement à son travail pour la compagnie de Diaghilev, Picasso collabore avec Igor Stravinsky sur Pulcinella en 1920. Cette collaboration donne à Picasso l'opportunité de créer de multiples portraits du compositeur. Au cours de l'été 1921, alors qu'il résidait dans une villa à Fontainebleau, en France, Picasso utilisa le garage comme atelier pour réaliser les tableaux Trois femmes à la source et Trois musiciens.

Néoclassicisme et surréalisme : 1919-1929

Picasso entreprit son premier voyage en Italie en février 1917. À la suite des perturbations de la Première Guerre mondiale, la production artistique de Picasso adopta une esthétique néoclassique. Ce « retour à l'ordre » artistique caractérise la production de nombreux artistes européens tout au long des années 1920, notamment André Derain, Giorgio de Chirico, Gino Severini, Jean Metzinger et les praticiens des mouvements Nouvelle Objectivité et Novecento Italiano. À cette époque, les peintures et dessins de Picasso évoquaient souvent les styles de Raphaël et d'Ingres.

En 1925, l'écrivain et poète surréaliste André Breton proclamait Picasso « l'un des nôtres » dans son article Le Surréalisme et la peinture, paru dans Révolution surréaliste. La même publication présentait la première reproduction européenne des Les Demoiselles. Néanmoins, Picasso présente des pièces cubistes lors de la première exposition collective surréaliste en 1925 ; la notion d'« automatisme psychique à l'état pur », telle qu'articulée dans le Manifeste du surréalisme, ne lui a jamais pleinement parvenu. Parallèlement, il développe une imagerie nouvelle et une syntaxe formelle distincte pour l'expression émotionnelle, « libérant ainsi la violence, les peurs psychiques et l'érotisme qui avaient été largement contenus ou sublimés depuis 1909 », comme le note l'historienne de l'art Melissa McQuillan. Alors que cette évolution de l'œuvre de Picasso s'inspire du cubisme pour ses arrangements spatiaux, McQuillan observe que « la fusion du rituel et de l'abandon dans l'imagerie rappelle le primitivisme des Demoiselles et les résonances psychologiques insaisissables de son œuvre symboliste ». En fin de compte, le surréalisme a ravivé la fascination de Picasso pour le primitivisme et les thèmes érotiques.

En 1927, Picasso a entamé une longue liaison avec Marie-Thérèse Walter, 17 ans. Walter devint par la suite sa « muse en or » et lui donna une fille, Maya.

La Grande Dépression, Guernica et l'exposition du MoMA : 1930-1939

Tout au long des années 1930, le minotaure a supplanté l'arlequin en tant que motif prédominant dans la production artistique de Picasso. Cette adoption du minotaure a été en partie influencée par son association avec les surréalistes, qui l'utilisaient fréquemment comme symbole, et il est notamment présent dans Guernica de Picasso. Le minotaure et la maîtresse de Picasso, Marie-Thérèse Walter, sont représentés en bonne place dans sa célèbre Suite Vollard de gravures.

L'œuvre la plus célèbre de Picasso est sans doute sa représentation du bombardement allemand de Guernica pendant la guerre civile espagnole, intitulée Guernica. Cette vaste toile est largement considérée comme une incarnation de l’inhumanité, de la brutalité et du désespoir de la guerre. Interrogé sur sa symbolique, Picasso a déclaré : "Ce n'est pas le rôle du peintre de définir les symboles. Sinon, il serait préférable qu'il les articule explicitement. Le public qui regarde le tableau doit interpréter les symboles selon sa propre compréhension."

Guernica a été créé en juillet 1937 au Pavillon espagnol de l'Exposition internationale de Paris, servant ensuite de point central à une exposition présentant 118 œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Henri Laurens, qui a fait le tour de la Scandinavie et de l'Angleterre. Après la victoire de Francisco Franco en Espagne, le tableau a été envoyé aux États-Unis pour générer un soutien financier aux réfugiés espagnols. L'œuvre est restée sous la garde du Musée d'Art Moderne (MoMA) de New York jusqu'en 1981, conformément au souhait explicite de Picasso qu'elle ne soit pas restituée à l'Espagne tant que la nation n'aurait pas atteint la liberté et la démocratie.

Avant Guernica, Picasso n'avait pas exploré de sujets politiques dans ses efforts artistiques. La dimension politique prononcée de l'œuvre est principalement attribuée à son implication romantique contemporaine avec Dora Maar, militante antifasciste française et photographe surréaliste. De plus, le style photographique noir et blanc distinctif de Maar a probablement inspiré la palette monochromatique de Guernica, un écart notable par rapport à l'utilisation caractéristique de Picasso de couleurs vives. Selon Antoine Romand, une autorité sur Dora Maar, « la pratique photographique de Maar a influencé l'art de Picasso – elle a eu une grande influence sur son travail ». Romand a ajouté : "Elle l'a contesté. Elle l'a poussé à faire quelque chose de nouveau et à être politiquement plus créatif." Maar a obtenu un accès exclusif à l'atelier de Picasso, lui permettant d'observer et de documenter la création de Guernica à travers la photographie. À la demande spécifique de Picasso, Maar a également contribué à peindre des sections du cheval mourant.

Entre 1939 et 1940, le Museum of Modern Art de New York, sous la direction d'Alfred Barr, un admirateur dévoué de Picasso, a organisé une importante rétrospective présentant les œuvres majeures de Picasso jusqu'à cette période. Cette exposition a servi à élever le statut de Picasso, en présentant de manière exhaustive l'étendue de sa production artistique au public américain et en incitant à une réévaluation de son œuvre par les historiens de l'art contemporain et les universitaires. Jonathan Weinberg a noté que « compte tenu de la qualité extraordinaire de l'exposition et de l'énorme prestige de Picasso, généralement renforcé par l'impact politique de Guernica... les critiques étaient étonnamment ambivalentes ». Un journaliste a trouvé la « multiplicité des styles » de Picasso troublante, tandis qu'un autre l'a qualifié de « capricieux et même malveillant ». La critique d'Alfred Frankenstein dans ARTnews a finalement conclu que Picasso incarnait à la fois le charlatan et le génie.

Seconde Guerre mondiale et fin des années 1940 : 1939-1949

Tout au long de la Seconde Guerre mondiale, Picasso a résidé dans Paris occupé par les Allemands. Son esthétique artistique s'écartait considérablement des idéaux artistiques prescrits par le régime nazi, ce qui l'a conduit à s'abstenir des expositions publiques pendant cette période. Il aurait contrecarré les tentatives allemandes visant à confisquer ses peintures et celles de Matisse d'un coffre-fort de banque en dévalorisant son propre travail, détournant ainsi leur attention et préservant les collections d'une recherche plus exhaustive. Picasso a souvent été harcelé par la Gestapo. Lors d'une perquisition particulière dans son appartement, un officier, après avoir vu une photographie du tableau Guernica, lui a demandé : "Avez-vous fait cela ?" Picasso a rétorqué : "Non, vous l'avez fait."

Se retirant dans son atelier, Picasso a maintenu sa production artistique, créant des œuvres remarquables telles que Nature morte à la guitare (1942) et Le charnier (1944-1948). Malgré l'interdiction allemande de fondre le bronze à Paris, Picasso a persisté dans cette pratique, utilisant le bronze fourni clandestinement par la Résistance française.

À cette époque, Picasso a exploré la poésie comme moyen de création alternatif. Il a composé plus de 300 poèmes entre 1935 et 1959. Ces œuvres, pour la plupart sans titre à l'exception d'une date et parfois d'un lieu de composition (par exemple « Paris 16 mai 1936 »), présentaient souvent des thèmes gustatifs, érotiques et parfois scatologiques. Des caractéristiques similaires étaient présentes dans ses deux pièces de théâtre complètes, Le désir attrapé par la queue (1941), Les quatre petites filles (1949) et L'enterrement du comte d'Orgaz (1959).

Après la libération de Paris en 1944, Picasso, 63 ans, entame une relation amoureuse avec Françoise Gilot, une jeune étudiante en art de quarante ans sa cadette. Lassés de sa précédente maîtresse, Dora Maar, Picasso et Gilot cohabitent ensuite. De leur union naissent deux enfants : Claude Picasso, né en 1947, et Paloma Picasso, née en 1949.

Picasso s'est engagé dans d'autres liaisons amoureuses caractérisées par des disparités d'âge encore plus prononcées que celle avec Gilot. Alors qu'il était toujours impliqué avec Gilot, il eut une liaison de six semaines en 1951 avec Geneviève Laporte, qui avait quatre ans de moins que Gilot. Vers l'âge de soixante-dix ans, un motif récurrent dans nombre de ses peintures, dessins à l'encre et estampes représentait un nain âgé et grotesque comme le prétendant amoureux d'un beau jeune mannequin.

Travaux ultérieurs et dernières années : 1949-1973

Picasso faisait partie des 250 sculpteurs présentés à la 3e exposition internationale de sculpture, organisée au Philadelphia Museum of Art à la mi-1949. Au cours des années 1950, la démarche artistique de Picasso connaît une autre transformation, lorsqu'il commence à créer des réinterprétations de chefs-d'œuvre d'artistes de renom. Il a développé une série d'œuvres inspirées du tableau de Velázquez Les Ménines et a également produit des peintures basées sur les œuvres de Goya, Poussin, Manet, Courbet et Delacroix.

À cette époque, Picasso avait établi une importante résidence gothique et acquis plusieurs vastes villas dans le sud de la France, dont le Mas Notre-Dame-de-Vie près de Mougins et des propriétés dans la région Provence-Alpes-Côte d'Azur. Son statut de célébrité internationale signifiait que l'intérêt du public s'étendait souvent à sa vie personnelle autant qu'à sa production artistique.

En 1952, Picasso rencontra Jacqueline Roque, employée de la poterie Madoura à Vallauris sur la Côte d'Azur, où Picasso se livrait à la création de céramique et à la peinture. Elle devient par la suite son amante et, en 1961, sa seconde épouse. Leur partenariat dura tout au long de la vie de Picasso.

Au-delà de ses célèbres réalisations artistiques, Picasso fit plusieurs apparitions au cinéma, se mettant constamment en scène. Ceux-ci comprenaient une apparition dans Testament d'Orphée de Jean Cocteau (1960). De plus, en 1955, il contribue à la production du film Le Mystère Picasso (Le mystère de Picasso), réalisé par Henri-Georges Clouzot.

Picasso a reçu une commande pour créer une maquette pour une sculpture publique monumentale de 50 pieds de haut (15 m) destinée à Chicago, communément appelée Chicago Picasso. Il a entrepris ce projet avec beaucoup d'enthousiasme, concevant un design qui s'est avéré à la fois ambigu et quelque peu controversé. Picasso a déclaré que le formulaire représentait la tête d'un lévrier afghan nommé Kaboul. Dévoilée en 1967, la sculpture est devenue l'un des monuments les plus emblématiques du centre-ville de Chicago. Picasso a refusé le paiement de 100 000 $, faisant plutôt don de l'œuvre aux habitants de la ville.

La production artistique finale de Picasso présentait une fusion stylistique, ses modalités d'expression évoluant continuellement jusqu'à sa disparition. Se consacrant entièrement à son métier, Picasso a adopté une approche de plus en plus audacieuse, aboutissant à des œuvres plus vibrantes et expressives. Entre 1968 et 1971, il a généré un volume prolifique de peintures et des centaines de gravures sur cuivre. À l’époque, ces créations étaient largement rejetées par la critique, souvent qualifiées soit de fantasmes pornographiques d’un homme âgé et impuissant, soit d’efforts superficiels d’un artiste ayant dépassé son apogée. Ce n'est qu'à titre posthume, après que le monde de l'art au sens large ait dépassé l'expressionnisme abstrait, que l'establishment critique a commencé à reconnaître les dernières œuvres de Picasso comme des précurseurs du néo-expressionnisme.

Au printemps 1973, Picasso a contribué à la conservation de 201 de ses peintures pour le Festival des Arts d'Avignon, qui a débuté au Palais des Papes en mai de la même année. Selon Paul Puaux, le directeur du festival qui avait rendu visite à Picasso dans sa résidence, ces toiles englobaient la production de l'artiste d'octobre 1970 à la fin de 1972.

Décès

Picasso est décédé le 8 avril 1973 à Mougins, en France, des suites d'une crise cardiaque exacerbée par un œdème pulmonaire. La veille au soir, Picasso et son épouse Jacqueline avaient reçu des amis pour un dîner. Il a continué à peindre jusqu'à 3 heures du matin avant de se retirer. Picasso s'est réveillé à 11h30 mais n'a pas pu quitter son lit. Jacqueline a contacté son médecin, le Dr Jean-Claude Rance, pour obtenir de l'aide ; cependant, Picasso est décédé à 11 h 40, avant l'arrivée du médecin.

L'inhumation de Picasso a eu lieu au château de Vauvenargues, situé près d'Aix-en-Provence, une propriété qu'il avait achetée en 1958 et partagée avec Jacqueline de 1959 à 1961. Jacqueline a interdit aux enfants de Picasso - Maya, Claude et Paloma - et à son petit-fils Pablito de voir sa dépouille. Seul Paulo, le seul enfant légitime de Picasso, a été autorisé à être présent aux funérailles.

La mort de Picasso sans testament a précipité un différend controversé sur sa succession. Les autorités judiciaires françaises ont accordé à ses trois enfants illégitimes le droit à une part de la succession Picasso, malgré les objections de Jacqueline et Paulo. Après la mort de Paulo en 1975, les héritiers restants de Picasso comprenaient sa veuve, Jacqueline ; ses petits-enfants de Paulo, Marina et Bernard ; et ses enfants, Claude, Paloma et Maya. Un règlement concernant le partage de la succession de Picasso, d'une valeur de 240 millions de dollars, fut finalisé en décembre 1976.

Créations Artistiques

Approches et techniques stylistiques

Pablo Picasso a fait preuve d'une prolificité extraordinaire tout au long de sa longue carrière. À sa mort, sa succession contenait plus de 45 000 œuvres d'art invendues, dont 1 885 peintures, 1 228 sculptures, 3 222 céramiques, 7 089 dessins, 150 carnets de croquis, des milliers de gravures et de nombreuses tapisseries et tapis. Le catalogue le plus complet, mais non exhaustif, de son œuvre, le catalogue raisonné établi par Christian Zervos, documente plus de 16 000 peintures et dessins. La production artistique de Picasso a largement dépassé celle de la plupart des artistes contemporains ; une évaluation suggère que seul l'artiste américain Bob Ross rivalisait avec son volume, bien que l'art de Ross ait été spécifiquement conçu pour une production de masse rapide.

La peinture a constitué la contribution artistique la plus significative de Picasso. Dans ses œuvres picturales, il emploie la couleur de manière expressive, mais utilise principalement le dessin plutôt que des variations chromatiques nuancées pour définir la forme et les relations spatiales. De temps en temps, il incorpore du sable dans ses peintures pour introduire une diversité de textures. Une analyse par nanosonde réalisée en 2012 par des physiciens du Laboratoire national d'Argonne sur Le fauteuil rouge (1931) de Picasso, conservé à l'Art Institute of Chicago, a corroboré l'hypothèse des historiens de l'art selon laquelle Picasso utilisait fréquemment de la peinture domestique ordinaire dans ses compositions. Une partie importante de sa peinture a été exécutée la nuit sous un éclairage artificiel.

Au départ, les sculptures de Picasso étaient soit sculptées dans du bois, soit modelées dans de la cire ou de l'argile. Cependant, entre 1909 et 1928, il s'écarte du modelage traditionnel et crée plutôt des constructions sculpturales à partir de divers matériaux. Un exemple notable est Guitar (1912), une construction en relief fabriquée à partir de tôle et de fil. Jane Fluegel a qualifié cette œuvre de « contrepartie planaire tridimensionnelle de la peinture cubiste », signifiant un « départ révolutionnaire par rapport aux approches traditionnelles, de modelage et de sculpture ».

Tout au long de sa carrière, Picasso a toujours fait preuve d'un grand intérêt pour des sujets divers et d'une remarquable polyvalence stylistique, lui permettant de s'engager simultanément dans plusieurs approches artistiques. Par exemple, ses peintures de 1917 comprenaient la Femme à la mantille pointilliste, la Figure dans un fauteuil cubiste et l'Arlequin naturaliste, tous conservés au Musée Picasso de Barcelone. En 1919, il réalise de nombreux dessins dérivés de cartes postales et de photographies, reflétant son engagement envers les conventions stylistiques et les qualités statiques inhérentes aux images posées. En 1921, il exécuta simultanément plusieurs grandes peintures néoclassiques aux côtés de deux versions de la composition cubiste Trois musiciens (Musée d'art moderne de New York ; Musée d'art de Philadelphie). Dans une interview de 1923, Picasso a exposé sa philosophie : "Les différentes manières que j'ai utilisées dans mon art ne doivent pas être considérées comme une évolution, ou comme des étapes vers un idéal inconnu de la peinture... Si les sujets que j'ai voulu exprimer ont suggéré différentes façons d'expression, je n'ai jamais hésité à les adopter."

Malgré les tendances abstraites de son œuvre cubiste, Picasso a toujours retenu les objets du monde réel comme sujet. Ses peintures cubistes présentent fréquemment des formes perceptibles telles que des guitares, des violons et des bouteilles. Alors que des scènes narratives complexes apparaissaient généralement dans ses estampes, dessins et œuvres à plus petite échelle, Guernica (1937) constitue l'une de ses rares peintures narratives de grand format. Guernica a été exposée au Musée d'Art Moderne pendant une période prolongée. En 1981, elle fut rapatriée en Espagne et exposée au Casón del Buen Retiro du Musée du Prado. Par la suite, lors de l'ouverture du musée Reina Sofía en 1992, le tableau y est devenu une exposition centrale.

Picasso a principalement créé ses œuvres à partir de son imagination ou de sa mémoire. William Rubin a observé que Picasso « ne pouvait créer du grand art qu'à partir de sujets qui l'impliquaient vraiment… Contrairement à Matisse, Picasso avait évité les modèles pratiquement toute sa vie de adulte, préférant peindre des individus dont la vie avait à la fois empiété sur la sienne et avait une réelle importance pour elle. » Le critique d'art Arthur Danto a qualifié la vaste œuvre de Picasso de « vaste autobiographie picturale », ce qui sous-tend en partie la croyance commune selon laquelle « Picasso inventait un nouveau style à chaque fois qu'il tombait amoureux d'une nouvelle femme ». La dimension autobiographique de l'art de Picasso est encore soulignée par sa pratique constante de dater ses œuvres, souvent à un jour précis. Il a élucidé cette habitude en déclarant : "Je veux laisser à la postérité une documentation la plus complète possible. C'est pourquoi je mets une date à tout ce que je fais."

Les femmes de la vie de Pablo Picasso ont joué un rôle déterminant dans la formation des dimensions émotionnelles et érotiques de sa production artistique, et le caractère volatile de ces associations est considéré comme fondamental dans sa méthodologie créative. Beaucoup de ces personnes ont servi de muses, et leur incorporation dans son vaste œuvre a assuré leur position dans le discours de l’histoire de l’art. Un motif récurrent important tout au long de son œuvre est la forme féminine, la dynamique évolutive de ses relations influençant et croisant la progression de son style artistique tout au long de sa carrière. Par exemple, les portraits de sa première épouse, Olga, ont été exécutés de manière naturaliste au cours de sa période néoclassique. Sa relation avec Marie-Thérèse Walter a inspiré de nombreuses pièces surréalistes, aux côtés de ce que l'on appelle son « Année des merveilles ». La réémergence d'un thème d'acrobates en 1905 conclut sa « période bleue », initiant la transition vers sa « période rose ». Ce changement de style a cependant été attribué à tort à la présence de Fernande Olivier dans sa vie.

Catalogue Raisonné

Picasso a chargé Christian Zervos de compiler le catalogue raisonné regroupant son œuvre peinte et dessinée. Le volume initial de ce catalogue, Œuvres de 1895 à 1906, publié en 1932, aboutit à la misère financière de Zervos. Auto-édité sous la marque Cahiers d'art, il a été contraint de vendre aux enchères une partie de sa collection d'art pour éviter l'insolvabilité.

De 1932 à 1978, Zervos a méticuleusement compilé le catalogue raisonné des œuvres complètes de Picasso, en collaboration avec l'artiste, devenu ami en 1924. Après la disparition de Zervos, Mila Gagarine a supervisé la sortie de onze volumes supplémentaires entre 1970 et 1978.

Les 33 volumes documentent de manière exhaustive l'œuvre complète de 1895 à 1972, présentant environ 16 000 photographies monochromes, conformément aux directives de l'artiste.

• 1932 : Tome I, Œuvres de 1895 à 1906. Pages d'introduction XI–[XXXXIX], comprenant 185 pages et 384 reproductions.
• 1942 : Tome II, vol.1, Œuvres de 1906 à 1912. Pages d'introduction XI–[LV], comprenant 172 pages et 360 reproductions.
• 1944 : Tome II, vol.2, Œuvres de 1912 à 1917. Pages d'introduction IX–[LXX–VIII], 233 pages, couvrant les pages 173 à 406 et 604 reproductions.
• 1949 : Tome III, Œuvres de 1917 à 1919. Pages d'introduction IX–[XIII], comprenant 152 pages et 465 reproductions.
• 1951 : Tome IV, Œuvres de 1920 à 1922. Pages d'introduction VII–[XIV], comprenant 192 pages et 455 reproductions.
• 1952 : Tome V, Œuvres de 1923 à 1925. Pages d'introduction IX–[XIV], comprenant 188 pages et 466 reproductions.
• 1954 : Tome VI, Supplément aux Tomes I à V. Sans introduction, comprenant 176 pages et 1481 reproductions.
• 1955 : Tome VII, Œuvres de 1926 à 1932. Pages d'introduction V–[VII], comprenant 184 pages et 424 reproductions.

• 1978 : Catalogue Raisonné des Œuvres de Pablo Picasso, Paris, Éditions Cahiers d'art.

Autres publications de Zervos

• Picasso. Œuvres de 1920 à 1926, Cahiers d'art, Paris.
• Dessins de Picasso 1892–1948, Paris, Éditions Cahiers d'art, 1949.
• Picasso. Dessins (1892-1948), Hazan, avec 199 reproductions, 1949.

Vie personnelle

Picasso a été décrit à la fois comme un coureur de jupons et un misogyne, aurait déclaré à sa compagne de longue date, Françoise Gilot, que « les femmes sont des machines à souffrir ». Il lui aurait également dit : « Pour moi, il n'y a que deux sortes de femmes : les déesses et les paillassons. » Dans ses mémoires, Picasso, mon grand-père, Marina Picasso détaille son traitement des femmes : « Il les soumettait à sa sexualité primaire, les subjuguait, les captivait, les absorbait et les imprimait sur ses toiles. Après de nombreuses nuits passées à en extraire leur essence, il les jetait une fois leur vitalité épuisée. »

Dès le début de l'adolescence, Picasso s'est engagé dans des relations amoureuses et sexuelles à la fois éphémères et profondes. Le biographe John Richardson a identifié « le travail, le sexe et le tabac » comme ses principales compulsions. Picasso s'est marié à deux reprises et a eu quatre enfants avec trois femmes différentes :

• Paulo Picasso (né le 4 février 1921 – décédé le 5 juin 1975, Paul Joseph Picasso) – son fils avec Olga Khokhlova.

Paulo a eu trois enfants : Pablito Picasso (né le 5 mai 1949 – décédé le 12 juillet 1973) ; Marina Picasso (née le 14 novembre 1950) ; Bernard Ruiz-Picasso (né le 3 septembre 1959).

• Maya (née le 5 septembre 1935 – décédée le 20 décembre 2022, Maria de la Concepcion Picasso) – sa fille avec Marie-Thérèse Walter.

Maya a eu trois enfants : Olivier Widmaier Picasso, né le 4 juin 1961 ; Richard Widmaier Picasso, né en 1966 ; et Diana Widmaier Picasso, née le 12 mars 1974.

• Claude Ruiz Picasso, né le 15 mai 1947 et décédé le 24 août 2023, était le fils de Picasso avec Françoise Gilot.

Claude a eu un enfant, Jasmin Picasso, né en 1981.

• Anne Paloma Picasso, née le 19 avril 1949, était sa fille avec Françoise Gilot.

Picasso a épousé la danseuse de ballet Olga Khokhlova en 1918. Bien que Picasso ait engagé une procédure de divorce en 1935, Khokhlova a refusé de finaliser le divorce. Ils se séparèrent officiellement en 1941 mais restèrent légalement mariés jusqu'au décès de Khokhlova en 1955.

Après la naissance de leur fille Maya en 1935, Marie-Thérèse Walter et Maya, la maîtresse de Picasso, sont discrètement hébergés dans un appartement au 44 rue de La Boétie dans le 8ème arrondissement, juste en face de sa résidence conjugale avec Olga au numéro 23. En 1937, Marie-Thérèse et Maya s'installent au Tremblay-sur-Mauldre. Maya a ensuite découvert, à l'âge de dix ans, qu'elle avait un frère aîné nommé Paulo.

Dora Maar, photographe et peintre, a été une compagne et une amante constante de Picasso. Leur relation fut la plus intime à la fin des années 1930 et au début des années 1940, Maar documentant notamment la création de Guernica.

En décembre 1961, les enfants de Picasso avec l'artiste Françoise Gilot, Claude et Paloma, obtinrent l'autorisation légale complète d'utiliser le nom de famille Picasso, suite à la reconnaissance formelle de paternité de leur père dans une déclaration écrite présentée à un tribunal français. Néanmoins, une décennie plus tard, Picasso a contesté avec succès une procédure judiciaire dans laquelle il avait initialement refusé de reconnaître sa paternité. Trois semaines après la décision du tribunal de 1961, les médias ont révélé son deuxième mariage avec Jacqueline Roque, qui travaillait comme vendeuse dans un établissement de poterie. Dans ses mémoires de 1964, La vie avec Picasso, Gilot détaille sa conduite abusive et ses nombreuses infidélités, qui la poussent à le quitter en 1953, emmenant leurs enfants. Cette publication exaspère Picasso, l'amenant à rompre tout lien avec ses enfants. La relation tendue avec Claude et Paloma n'est toujours pas résolue. Gilot a ensuite expliqué dans une interview avec The Times :

Gilot a caractérisé Picasso comme possédant une créativité extraordinaire, une intelligence profonde et un pouvoir de séduction irrésistible, notant sa capacité à charmer même les individus les plus résistants. À l’inverse, elle le dépeint comme cruel, sadique et impitoyable, tant envers les autres que envers lui-même, affirmant son exigence absolue de contrôle. Elle a observé que les individus servaient ses objectifs, et non l’inverse. Gilot a également fait remarquer que Picasso se percevait comme une entité divine, une croyance qui lui aurait causé de la frustration en raison de son impossibilité inhérente. Bien qu'elle le reconnaisse comme l'amour suprême de sa vie, elle a souligné la nécessité de se préserver, déclarant qu'elle était partie pour éviter la destruction personnelle, contrairement à d'autres qui "s'accrochaient au puissant Minotaure et payaient un lourd tribut".

Parmi les femmes marquantes de la vie de Picasso, deux personnes – son amante Marie-Thérèse Walter et sa seconde épouse Jacqueline Roque – se sont suicidées. D'autres personnalités notables, dont sa première épouse Olga Khokhlova et son amante Dora Maar, ont connu des dépressions nerveuses. Son petit-fils, Pablito, s'est suicidé après avoir ingéré de l'eau de Javel en 1973 après avoir été empêché par la veuve de Picasso, Jacqueline, d'assister aux funérailles de l'artiste. Son fils, Paulo, a succombé à l'alcoolisme en 1975, attribué à la dépression. Jacqueline, qui aurait été dévastée et isolée après la mort de Picasso, s'est suicidée par balle en 1986.

Perspectives politiques

Au cours de sa jeunesse, Picasso a maintenu une position détachée du mouvement indépendantiste catalan, malgré ses expressions générales de soutien et ses relations amicales avec ses militants. Il s'est abstenu de faire du service militaire pour toute faction ou nation tout au long de la Première Guerre mondiale, de la guerre civile espagnole et de la Seconde Guerre mondiale. En tant que ressortissant espagnol résidant en France, Picasso n'était pas obligé de s'engager dans un combat contre les forces allemandes lors des deux conflits mondiaux. En 1940, sa demande de citoyenneté française fut refusée, invoquant ses « idées extrémistes évoluant vers le communisme ». Cette information particulière est restée confidentielle jusqu'en 2003.

Au début de la guerre civile espagnole en 1936, Picasso avait 54 ans. Après le déclenchement des hostilités, les Républicains l'ont nommé "directeur du Prado, quoique par contumace", rôle qu'il aurait "pris très au sérieux" en fournissant des fonds pour l'évacuation de la collection du musée vers Genève, selon John Richardson. Le conflit a servi de catalyseur au premier effort artistique explicitement politique de Picasso. Son indignation et sa censure à l'égard de Francisco Franco et des idéologies fascistes ont été exprimées dans Le rêve et le mensonge de Franco (1937), une œuvre créée expressément à des « fins de propagande et de collecte de fonds ». Cette fusion surréaliste d'éléments textuels et visuels a été conçue pour être vendue sous forme d'une série de cartes postales, dans le but de générer un soutien financier à la cause républicaine espagnole.

En 1944, Picasso devient membre du Parti communiste français. Il a participé au Congrès mondial des intellectuels pour la défense de la paix en Pologne en 1948 et a ensuite reçu, en 1950, le prix Staline de la paix décerné par le gouvernement soviétique. Un portrait de Joseph Staline réalisé en 1953 par Picasso a suscité des critiques de la part du Parti pour son manque de réalisme perçu ; néanmoins, il a maintenu son allégeance au Parti communiste jusqu'à sa disparition. Son marchand d'art, D-H. Kahnweiler, un socialiste, a qualifié le communisme de Picasso de « sentimental » plutôt que politiquement informé, affirmant qu'« il n'a jamais lu une ligne de Karl Marx, ni d'Engels bien sûr ». Lors d'un entretien avec Jérôme Seckler en 1945, Picasso déclarait : « Je suis communiste et ma peinture est une peinture communiste. … Mais si j'étais cordonnier, royaliste ou communiste ou autre, je ne martelerais pas nécessairement mes chaussures d'une manière particulière pour montrer ma politique. » L'adhésion de Picasso au communisme, une position répandue parmi les intellectuels et artistes continentaux de cette époque, a toujours suscité un débat scientifique ; une illustration significative de cette affirmation est une citation de Salvador Dalí (avec qui Picasso entretenait une relation quelque peu tendue) :

À la fin des années 1940, André Breton, poète surréaliste et ancienne connaissance identifié comme trotskyste et antistalinien, a exprimé sa désapprobation plus directement ; il refuse de serrer la main de Picasso en déclarant : « Je n'approuve pas votre adhésion au Parti communiste ni la position que vous avez prise concernant les purges des intellectuels après la Libération. » Conformément à ses convictions communistes, Picasso s'est opposé à l'intervention des Nations Unies et des États-Unis dans la guerre de Corée, une position qu'il a clairement exprimée dans Massacre en Corée. La critique d'art Kirsten Hoving Keen a noté que cette œuvre était « inspirée par des rapports sur les atrocités américaines » et l'a classée parmi les créations communistes de Picasso.

À la fin des années 1940, son vieil ami le poète surréaliste André Breton, qui était trotskyste et antistalinien, était plus direct ; refusant de serrer la main de Picasso, il lui dit : "Je n'approuve pas votre adhésion au Parti communiste ni la position que vous avez prise concernant les purges des intellectuels après la Libération". En tant que communiste, Picasso s'est opposé à l'intervention des Nations Unies et des États-Unis dans la guerre de Corée et l'a représenté dans Massacre en Corée. La critique d'art Kirsten Hoving Keen a écrit qu'elle était « inspirée par les rapports sur les atrocités américaines » et la considérait comme l'une des œuvres communistes de Picasso.

Le 9 ​​janvier 1949, Picasso a produit Dove, une lithographie rendue en noir et blanc. Cette œuvre d'art a servi d'illustration pour une affiche du Conseil mondial de la paix de 1949, évoluant ensuite vers une représentation emblématique de l'époque, largement reconnue comme « la colombe de la paix ». La représentation de Picasso a acquis une reconnaissance mondiale en tant que symbole des Congrès de la paix et du mouvement communiste.

En 1962, Picasso a reçu le Prix Lénine pour la paix. Le biographe et critique d'art John Berger affirmait que les talents artistiques de Picasso avaient été « gaspillés » par son association avec les communistes. Comme le raconte le journal de Jean Cocteau, Picasso lui a dit un jour à propos des communistes : "J'ai rejoint une famille et, comme toutes les familles, c'est plein de merde."

Héritage

L'influence de Picasso a été et continue d'être profonde, gagnant une large reconnaissance de la part de ses partisans et de ses critiques. Commémorant sa rétrospective de 1939 au Museum of Modern Art de New York, le magazine Life a observé : "Au cours des 25 années où il a dominé l'art moderne européen, ses ennemis disent qu'il a exercé une influence corruptrice. Avec la même violence, ses amis disent qu'il est le plus grand artiste vivant." En 1971, Picasso a obtenu la distinction d'être le premier artiste vivant à être honoré par une exposition dédiée à la Grande Galerie du Musée du Louvre à Paris, commémorant son 90e anniversaire. En 1998, Robert Hughes affirmait : « Dire que Pablo Picasso a dominé l'art occidental au XXe siècle est, à l'heure actuelle, le plus banal. ... Aucun peintre ou sculpteur, pas même Michel-Ange, n'avait été aussi célèbre de son vivant. ... Bien que Marcel Duchamp, ce vieux renard rusé de l'ironie conceptuelle, ait certainement eu plus d'influence sur l'art nominalement d'avant-garde au cours des 30 dernières années que Picasso, l'Espagnol a été le dernier grand bénéficiaire de la croyance selon laquelle le langage de la peinture et la sculpture comptaient vraiment pour des gens autres que leurs fidèles."

Le vote de Bâle

Dans les années 1940, une compagnie d'assurance suisse basée à Bâle a acquis deux tableaux de Picasso, destinés à la diversification des investissements et comme garantie pour les responsabilités assurées. À la suite d'une catastrophe aérienne en 1967, l'entreprise a dû faire face à d'importantes obligations de remboursement, ce qui l'a incité à décider de céder les deux œuvres d'art, qui ont ensuite été placées au Kunstmuseum Basel. En 1968, un important mouvement citoyen bâlois a lancé un référendum local concernant l'acquisition de ces œuvres de Picasso par le canton de Bâle-Ville. Le succès du référendum a constitué un précédent historique, étant le premier cas dans l'histoire démocratique où la population d'une ville a voté pour l'achat d'œuvres d'art pour un musée public. Les tableaux ont donc été conservés par le musée de Bâle. Après avoir appris ce résultat, Picasso a fait don de trois tableaux supplémentaires et d'un croquis à la ville et à son musée, recevant par la suite la citoyenneté d'honneur.

Musées

À sa disparition, de nombreux tableaux de Picasso sont restés en sa possession personnelle, ayant été retirés du marché de l'art faute d'impératif pour leur vente. En outre, Picasso conservait une importante collection d'œuvres d'autres artistes de renom, notamment de contemporains comme Henri Matisse, avec qui il avait noué des échanges artistiques. Comme Picasso est décédé ab intestat, ses obligations en matière d'impôt sur les successions envers l'État français ont été réglées par le transfert de ses propres œuvres d'art et de pièces sélectionnées de sa collection plus large. Ces œuvres transférées constituent le noyau fondateur de la vaste et représentative collection conservée au Musée Picasso à Paris.

En 2003, les proches de Picasso ont inauguré le Musée Picasso Málaga, un musée dédié à son héritage, situé dans sa ville natale de Málaga, en Espagne.

Le Musée Picasso de Barcelone présente une importante collection de ses premières œuvres, principalement créées lors de sa résidence en Espagne. Cette collection comprend de nombreuses pièces rarement exposées qui soulignent sa profonde maîtrise des techniques artistiques classiques. De plus, le musée abrite une multitude d'études de figures précises et détaillées exécutées pendant sa jeunesse sous l'instruction de son père, aux côtés de la collection complète constituée par Jaime Sabartés, son ami intime et secrétaire personnel.

En 1985, la collection du Musée Picasso Eugenio Arias a été créée à Buitrago del Lozoya par Eugenio Arias Herranz, un ami de Picasso.

Du 8 octobre 2010 au 17 janvier 2011, le Seattle Art Museum de Seattle, Washington, États-Unis, a accueilli Picasso : Chefs-d'œuvre du Musée National Picasso de Paris, une exposition comprenant 150 peintures, sculptures, dessins, estampes et photographies provenant du Musée National Picasso de Paris. Cette exposition a ensuite été tournée dans plusieurs institutions, dont le Virginia Museum of Fine Arts à Richmond, en Virginie ; le M.H. de Young Memorial Museum à San Francisco, Californie, États-Unis ; la Art Gallery of New South Wales à Sydney, Australie ; et le Musée des beaux-arts de l'Ontario à Toronto, Ontario, Canada. La visite a facilité la présentation de ces œuvres pendant la période de rénovation pluriannuelle du Musée. Le catalogue qui l'accompagne a été rédigé par Anne Baldassari, qui a été présidente et conservatrice en chef des collections du musée Picasso (ASIN B005JX7O16).

Le 22 septembre 2020, une annonce a confirmé l'annulation d'un projet de nouveau musée Picasso à Aix-en-Provence. Ce musée, dont l'ouverture est prévue en 2021 dans un ancien couvent (Couvent des Prêcheurs), devait abriter la plus vaste collection de peintures de Picasso au monde. L'arrêt du projet résulte de l'incapacité de finaliser un accord entre Catherine Hutin-Blay, la fille de Jacqueline Picasso, et la Mairie.

Selon le rapport Tendances du marché de l'art 2015, Picasso maintient sa position d'artiste le mieux classé, un classement basé sur les performances des ventes aux enchères de ses œuvres. De plus, un plus grand nombre de ses tableaux ont été déclarés volés que ceux de tout autre artiste ; en 2012, l'Art Loss Register a documenté le vol de 1 147 de ses œuvres.

L'administration Picasso

Au début des années 1980, les héritiers de Picasso ont créé un comité chargé d'authentifier formellement ses œuvres. Néanmoins, des contestations concernant l'authenticité de plusieurs dessins précipitent la dissolution du comité en 1993. Par la suite, deux de ses enfants, Claude et Maya, commencent à délivrer des certificats d'authenticité distincts. Les marchands d'art affirment que cette approche fragmentée a créé un processus long et difficile, d'autant plus que les maisons de ventes aux enchères exigent de plus en plus des certifications des deux héritiers en raison de l'existence de méthodologies d'authentification doubles et souvent concurrentes.

En 2012, quatre des cinq héritiers survivants de Picasso (Claude, Paloma Picasso, Bernard Ruiz-Picasso et Marina Ruiz-Picasso) ont fondé l'Administration Picasso, une entité dédiée à l'authentification des œuvres de l'artiste. Ils ont déclaré que Claude recevrait désormais toutes les demandes d'authentification, précisant que "seules ses opinions seront pleinement et officiellement reconnues par le soussigné". Claude a occupé le poste d'administrateur légal de la succession de 1989 à 2023, date à laquelle sa sœur Paloma a assumé ce rôle.

L'administration Picasso est également responsable de la gestion de la succession Picasso. Aux États-Unis, l'Artists Rights Society est le représentant des droits d'auteur de l'administration Picasso.

Historique des enchères

Un certain nombre de tableaux de Picasso sont reconnus parmi les œuvres d'art les plus précieuses au monde. Par exemple, Garçon à la pipe a atteint 104 millions de dollars chez Sotheby's le 4 mai 2004. Par la suite, Dora Maar au Chat a été vendu pour 95,2 millions de dollars chez Sotheby's le 3 mai 2006. Le 4 mai 2010, Nu, feuilles vertes et buste a atteint 106,5 millions de dollars. chez Christie's. Cette œuvre de 1932, qui représente la maîtresse de Picasso, Marie-Thérèse Walter, à la fois allongée et en buste, provient de la collection privée de la philanthrope de Los Angeles Frances Lasker Brody, décédée en novembre 2009. Le 11 mai 2015, son tableau Femmes d'Alger a établi un nouveau record du prix le plus élevé jamais payé pour un tableau, vendu pour 179,3 millions de dollars chez Christie's. à New York.

Le 21 juin 2016, le tableau de Pablo Picasso intitulé Femme Assise (1909) a été vendu aux enchères chez Sotheby's Londres pour 43,2 millions de livres sterling (63,4 millions de dollars). Cette vente a largement dépassé sa valeur estimée de près de 20 millions de dollars, établissant un record mondial du prix le plus élevé jamais atteint aux enchères pour une œuvre d'art cubiste.

Le 17 mai 2017, The Jerusalem Post a publié un article intitulé « Une œuvre de Picasso volée par les nazis se vend pour 45 millions de dollars aux enchères », détaillant la vente du portrait de Picasso de 1939, Femme assise, robe bleue. Cette œuvre d'art avait été détournée au cours des premières années de la Seconde Guerre mondiale. Suite à sa récupération, le tableau a été transféré entre différents propriétaires, la transaction la plus récente ayant eu lieu aux enchères en mai 2017 chez Christie's à New York.

En mars 2018, la Femme au Béret et à la Robe Quadrillée (1937) de Picasso, un portrait représentant Marie-Thérèse Walter, a été vendue pour 49,8 millions de livres sterling chez Sotheby's à Londres.

Dans la culture populaire

Dans le film Surviving Picasso de 1996, l'artiste est représenté par l'acteur Anthony Hopkins. Picasso apparaît également comme personnage dans l'œuvre théâtrale de Steve Martin de 1993, Picasso au Lapin Agile. Dans les mémoires d'Ernest Hemingway A Moveable Feast, Hemingway exprime à Gertrude Stein son désir de posséder les œuvres de Picasso, reconnaissant son incapacité à se les permettre. Plus loin dans le texte, Hemingway raconte avoir observé l'une des peintures de Picasso, qu'il décrit comme le nu de Picasso représentant la jeune fille au panier de fleurs, faisant potentiellement référence à Jeune fille nue avec un panier de fleurs.

Antonio Banderas représente Picasso dans la saison 2018 de Genius, une série qui explore la vie et l'œuvre de l'artiste.

Dans le film de Woody Allen de 2011. Minuit à Paris, Picasso, interprété par Marcial Di Fonzo Bo, est représenté comme une figure du milieu artistique parisien des années 1920.

Listes des œuvres de Picasso

• Listes des œuvres de Picasso
• Néoclassicisme
• Œuvres écrites de Picasso

Notes et références

Remarques

Références

Sources

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  Œuvres de ou sur Pablo Picasso.

  • Œuvres de ou sur Pablo Picasso dans Internet Archive
  • Discographie de Picasso.
  • Picasso.
  • Picasso dans les collections publiques américaines.
  • "Projet Picasso en ligne".Source : Archives de l'Académie TORIma