Andy Warhol

Andy Warhol (nato Andrew Warhola Jr.; 6 agosto 1928 – 22 febbraio 1987) è stato un artista e regista americano. Ampiamente considerato il più importante...

Andy Warhol (; nato Andrew Warhola Jr.; 6 agosto 1928 – 22 febbraio 1987) è stato un importante artista e regista americano. È ampiamente riconosciuto come l'artista preminente della seconda metà del 20° secolo, con la sua produzione artistica che comprende diversi media come la pittura, il cinema, la fotografia, l'editoria e la performance art. Essendo una figura fondamentale nel movimento della pop art, l'opera di Warhol ha esaminato criticamente l'interazione tra pubblicità, consumismo, mass media e cultura delle celebrità, elevando i prodotti di consumo quotidiano e i simboli riconoscibili in celebri opere d'arte. La sua adozione di tecniche di riproduzione meccanica mise fondamentalmente in discussione le distinzioni convenzionali tra cultura alta e bassa. Inoltre, gli viene attribuito il merito di aver reso popolare l'espressione "15 minuti di fama".

Andy Warhol ( ; nato Andrew Warhola Jr.; 6 agosto 1928 – 22 febbraio 1987) è stato un artista e regista americano. Ampiamente considerato l'artista più importante della seconda metà del XX secolo, il lavoro di Warhol abbracciava vari media, tra cui pittura, cinema, fotografia, editoria e performance art. Figura di spicco del movimento della pop art, il suo lavoro esplora la relazione tra pubblicità, consumismo, mass media e cultura delle celebrità, trasformando beni di consumo quotidiano e icone familiari in opere d'arte rinomate. Il suo abbraccio alla riproduzione meccanica ha sfidato i confini tradizionali tra cultura alta e bassa. Gli viene anche attribuito il merito di aver reso popolare l'espressione "15 minuti di fama".

Originario di genitori immigrati Ruteni della classe operaia a Pittsburgh, Warhol inizialmente perseguì una carriera come artista commerciale a New York City, per poi passare alle belle arti. I suoi primi dipinti serigrafici degni di nota includono Campbell's Soup Can (1962), Marilyn Diptych (1962) e Coca-Cola (3) (1962). Durante la metà degli anni '60, Warhol spostò la sua attenzione sulla produzione di film sperimentali, esemplificati da opere come Blow Job (1964) e Empire (1965). Successivamente, ha diretto diverse produzioni cinematografiche underground, come Chelsea Girls (1966), Four Stars (1967) e Blue Movie (1969), che presentava un insieme a rotazione di individui definiti superstar di Warhol. Il suo studio, noto come Factory, si è evoluto in un nesso centrale per la sperimentazione d'avanguardia, attirando una comunità diversificata di drag queen, poeti, bohémien, musicisti e ricchi mecenati. Inoltre, Warhol gestiva l'influente gruppo rock The Velvet Underground, le cui esibizioni erano parte integrante dei suoi spettacoli multimediali Exploding Plastic Inevitable (1966-1967).

In seguito a un tentativo di omicidio nel 1968, a cui Warhol sopravvisse, il suo studio, la Factory, si trasformò in un'impresa commerciale. Ha fondato la rivista Interview, ha messo in scena l'opera teatrale Pork (1971) ed è autore di numerose pubblicazioni, tra cui The Philosophy of Andy Warhol (1975) e Popism (1980). Warhol ha prodotto numerose serie di dipinti, in particolare Mao (1972–73), Atleti (1977) e L'Ultima Cena (1985–86), oltre a ritratti su commissione, avventurandosi contemporaneamente in televisione con Andy Warhol's TV (1980–83) e Fifteen Minutes di Andy Warhol (1985-1987). I suoi impegni sociali furono meticolosamente raccontati attraverso fotografie e registrazioni audio quotidiane, che furono compilate e pubblicate postume come The Andy Warhol Diaries (1989). Warhol morì nel 1987 all'età di 58 anni a causa di un'aritmia cardiaca, conseguente a un intervento chirurgico alla cistifellea.

Warhol è stato caratterizzato come un "indicatore del mercato dell'arte", con molte delle sue creazioni che hanno raggiunto lo status di dipinti di maggior valore mai scambiati. Ad esempio, nel 2013, Silver Car Crash (Double Disaster) (1963) ha fruttato 105 milioni di dollari. Nel 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) è stato acquisito per 195 milioni di dollari, stabilendo un record come prezzo d'asta più alto per un'opera di un artista americano. La sua eredità è ulteriormente sottolineata da numerose mostre retrospettive, pubblicazioni accademiche e film documentari dedicati al suo lavoro. L'Andy Warhol Museum di Pittsburgh, che ospita una collezione permanente completa della sua arte e di materiali d'archivio, è la più grande istituzione negli Stati Uniti dedicata a un artista singolare.

Primi anni di vita e background educativo

Warhol è nato a Pittsburgh, Pennsylvania, il 6 agosto 1928. Era il quarto figlio di Ondrej Warhola (americanizzato come Andrew Warhola Sr.; 1889–1942) e Julia Warhola (nata Zavacká, 1891–1972). I suoi genitori erano emigranti ruteni della classe operaia originari di Mikó, nell'Austria-Ungheria, una località ora identificata come Miková nella Slovacchia nord-orientale.

Nel 1912, il padre di Warhol emigrò negli Stati Uniti, dove trovò lavoro in una miniera di carbone. Sua moglie lo raggiunse successivamente nel 1921, nove anni dopo il suo primo arrivo. La famiglia risiedeva al 55 di Beelen Street prima di trasferirsi al 3252 di Dawson Street, entrambi situati nel quartiere di Oakland a Pittsburgh. Aderendo alla fede cattolica rutena, erano membri della chiesa cattolica bizantina di San Giovanni Crisostomo. Warhol aveva due fratelli maggiori, Paul (1922–2014) e John (1925–2010), oltre a una sorella maggiore, Maria (nata nel 1912; morta in tenera età). Suo nipote, James Warhola, ottenne in seguito il riconoscimento come illustratore di successo di libri per bambini.

All'età di otto anni, Warhol contrasse un'infezione da streptococco, che successivamente si trasformò in scarlattina. In mancanza di cure antibiotiche, la malattia degenerò in febbre reumatica e infine corea di Sydenham, un disturbo neurologico noto anche come danza di San Vito. Durante i periodi di reclusione a letto e assenza da scuola, si dedicava al disegno, compilava album di ritagli dalle riviste di Hollywood e ritagliava meticolosamente immagini dai fumetti forniti da sua madre. Il suo interesse si è esteso alla fotografia, utilizzando la fotocamera Kodak Baby Brownie Special di famiglia; riconoscendo questa nascente passione, suo padre e i suoi fratelli gli costruirono una camera oscura nel seminterrato.

Nel 1937, dopo aver iniziato i corsi d'arte alla Holmes School, l'attitudine artistica di Warhol fu riconosciuta dal suo insegnante, portandolo alla sua ammissione alle lezioni di disegno del sabato presso il Carnegie Institute di Pittsburgh. Tragicamente, nel 1942, suo padre morì dopo aver consumato acqua contaminata da una miniera di carbone nel West Virginia.

Warhol dimostrò l'eccellenza accademica, guadagnandosi uno Scholastic Art and Writing Award. Dopo essersi diplomato alla Schenley High School nel 1945, si iscrisse al Carnegie Institute of Technology di Pittsburgh, proseguendo gli studi in arte commerciale. Durante il suo mandato, Warhol partecipò al Modern Dance Club del campus e alla Beaux Arts Society. Ha ricoperto anche la posizione di direttore artistico per la rivista d'arte studentesca, Cano, contribuendo con un'illustrazione di copertina nel 1948 e un'illustrazione interna a tutta pagina nel 1949, che sono considerate le sue prime opere pubblicate. Nel 1949 gli venne conferita la laurea in Belle Arti in disegno pittorico.

Carriera

anni '40

Dopo la laurea presso il Carnegie Institute of Technology nel giugno 1949, Warhol si trasferì a New York insieme al suo compagno di classe Philip Pearlstein. Risiedevano in un caseggiato senza ascensore al sesto piano situato in St. Mark's Place, adiacente a Tompkins Square Park nell'East Village. Nel suo secondo giorno a New York, Warhol fece visita a Tina Fredericks, direttrice artistica della rivista Glamour, che aveva incontrato in precedenza durante un briefing. Presentò un portfolio del suo lavoro dal Carnegie Institute of Technology, che Fredericks ricevette favorevolmente, acquistando un piccolo disegno da 10 dollari di un'orchestra per la sua collezione privata. Successivamente, ha commissionato a Warhol illustrazioni di scarpe; dopo diverse proposte, i suoi disegni furono infine accettati. Glamour presentava una pagina di illustrazioni di scarpe di Warhol, insieme a più pagine raffiguranti individui che ascendono la "scala del successo", come parte del suo importante articolo "What Is Success?", che includeva sei articoli distinti di Katherine Sonntag, Hazel M. Wood, Margot Clarke, Patricia Curtain, Marya Mannes ed Elizabeth Weston. Ciò segnò l'inizio della sua carriera professionale come artista commerciale.

anni '50

Nel corso degli anni '50, Warhol ottenne commissioni dalle principali riviste di moda, tra cui Glamour, Mademoiselle, Vogue e Harper's Bazaar, generando un ampio portfolio di pubblicità. Durante questo decennio, il gallerista Alexander Iolas è spesso riconosciuto per aver scoperto Warhol e per aver curato la sua mostra personale inaugurale, Andy Warhol: Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote, presentata alla Hugo Gallery di New York nel 1952.

Tra il 1953 e il 1954, Warhol creò diversi design di copertina per la rivista Interiors. Nel 1954, le sue opere furono esposte in numerose mostre alla Loft Gallery di Vito Giallo a New York. ARTnews ha commentato lo "stile originale di disegno al tratto" di Warhol, sottolineando che la sua tecnica produceva "l'effetto del retro di un negativo, sebbene le sue linee siano spezzate e gli spazi non offuscati". Questa caratteristica tecnica della "linea macchiata" integrava elementi sia dell'incisione che del disegno a grafite su carta. Nel giro di un anno, Warhol, che allora operava dal suo appartamento in treno sulla East 34th Street, estese un invito a Giallo per diventare il suo primo assistente di studio retribuito.

Nel 1955, Warhol iniziò a disegnare pubblicità per il produttore di scarpe Israel Miller. Il fotografo John Coplans ha rimarcato l'approccio unico di Warhol, affermando che "nessuno disegnava le scarpe come faceva Andy. In qualche modo dava a ogni scarpa un temperamento tutto suo, una sorta di sornione, stile Toulouse-Lautrec, ma la forma e lo stile venivano fuori con precisione e la fibbia era sempre al posto giusto. " Nel 1956, il singolare stile artistico di Warhol aveva stabilito il suo ampio riconoscimento come importante illustratore di moda. Le sue illustrazioni per I. Miller hanno ottenuto notevoli consensi, portando a una domanda così elevata per il suo lavoro che è stato costretto a rifiutare numerosi incarichi.

In un'intervista del 1956 con Mademoiselle, Warhol articolò la sua metodologia per integrare l'arte commerciale e quella artistica, affermando: "Ogni volta che disegno una scarpa per un lavoro, faccio un'illustrazione per me stesso". Riconobbe la necessità di specializzazione per assicurarsi commissioni, ma osservò che molti direttori artistici di New York erano disponibili a offrire opportunità per progetti diversi. Le singole illustrazioni di Warhol presentavano modelli di scarpe stravaganti decorati con foglie d'oro, ciascuno dei quali simboleggiava una personalità notevole, tra cui Truman Capote, Kate Smith, James Dean, Julie Andrews, Elvis Presley e Zsa Zsa Gabor. Questi pezzi furono esposti alla Bodley Gallery di New York nel dicembre 1956, dove furono venduti al dettaglio per prezzi che variavano da $ 50 a $ 225 ciascuno.

Nel 1956, il Museum of Modern Art (MoMA) rifiutò cortesemente la donazione da parte di Warhol del suo disegno Shoe, citando limiti nella capacità di stoccaggio e richiedendone il recupero. Nonostante ciò, un disegno di scarpa di Warhol fu presentato nella mostra collettiva Recent Drawings U.S.A. del MoMA durante lo stesso anno, a significare la sua esposizione inaugurale nel museo. Allo stesso tempo, Warhol ha intrapreso un viaggio globale con il suo socio, lo scenografo Charles Lisanby, impegnandosi nello studio dell'arte e della cultura in più nazioni. Durante i suoi

Warhol utilizzava abitualmente la tecnica di tracciare fotografie proiettate tramite un epidiascopio. Utilizzando le stampe di Edward Wallowitch, queste fotografie hanno subito un'alterazione sfumata durante la rapida delineazione dei contorni e l'applicazione del tratteggio delle ombre da parte di Warhol. Warhol adattò la fotografia di Wallowitch Giovane uomo che fuma una sigaretta (c. 1956) per il design della copertina di un libro del 1958 presentato a Simon e Schuster per il romanzo pulp di Walter Ross L'Immortale, incorporando successivamente altre fotografie nella sua serie di dipinti.

Per far avanzare la sua carriera artistica, Warhol pubblicò e diffuse in modo indipendente raccolte delle sue illustrazioni, come 25 gatti di nome Sam e una figa blu (1957) e A Gold Book (1957). Queste pubblicazioni sono state distribuite a potenziali clienti e contatti professionali per coltivare nuove commissioni. Spesso integrava la calligrafia di sua madre, Julia Warhol, per completare le sue opere visive.

La fiorente industria discografica portò la RCA Records a commissionare a Warhol la creazione di copertine di album e contenuti promozionali. Verso la fine degli anni '50, il suo portfolio comprendeva anche collaborazioni con prestigiosi clienti pubblicitari, in particolare Tiffany & Co.

Gli anni '60

Nel 1960, Warhol acquistò una residenza vittoriana situata al 1342 di Lexington Avenue, nel quartiere Carnegie Hill di Manhattan, un'area ora compresa nel quartiere storico di Hardenbergh/Rhinelander. Questa proprietà fungeva sia da residenza personale che da studio artistico, con la madre che risiedeva nell'appartamento seminterrato.

Durante un'epoca in cui gli artisti convenzionali in genere si astenevano dall'acquisire le opere dei loro coetanei, Warhol accumulava attivamente tali pezzi. Gli artisti delle gallerie, che spesso svolgevano incarichi commerciali come allestimenti di vetrine per il sostentamento finanziario, generalmente nascondevano la loro vera identità a causa della disapprovazione prevalente. Al contrario, Warhol raggiunse la fama come artista commerciale, una distinzione che generò attriti con altri professionisti nel mondo dell'arte.

Warhol fu ampiamente riconosciuto come una figura di spicco tra "i vetrinisti più eleganti di New York e i migliori illustratori di scarpe". I suoi caratteristici elementi visivi disegnati a mano apparivano regolarmente su Vogue, nelle sezioni mondane del The New York Times e in varie pubblicazioni, tra cui Amy Vanderbilt's Complete Cook Book (1961), che metteva in mostra le sue illustrazioni. Ciò avvenne proprio quando le immagini fotografiche iniziarono a sostituire le opere d’arte disegnate in contesti commerciali. Nell'aprile di quell'anno, i suoi dipinti pop ricevettero la loro mostra inaugurale nella vetrina del grande magazzino Bonwit Teller, situato sulla Fifth Avenue, sulla 57th Street. Cinque dipinti, derivati da fumetti e pubblicità sui giornali, hanno fornito uno sfondo tematico per manichini adornati con abiti primaverili: Popeye di sabato, Piccolo Re, Superman, Prima e dopo e Pubblicità.

Nel 1961, Andy Warhol vendette con successo dipinti direttamente a collezionisti come Robert Scull e successivamente attirò acquirenti importanti come Emily e Burton Tremaine. Tuttavia, i tentativi del commerciante Ivan Karp di garantire una rappresentanza in galleria per Warhol si sono rivelati infruttuosi. Quando Karp presentò Warhol a Leo Castelli, Castelli rifiutò, citando la somiglianza percepita del lavoro di Warhol con quello di Roy Lichtenstein e le preoccupazioni sui potenziali conflitti tra i suoi artisti esistenti. In uno stato di disperazione, Warhol pensò di ritornare alla Bodley Gallery, ma il suo direttore liquidò i suoi dipinti recenti definendoli "ridicoli". Karp then approached Sidney Janis, Richard Bellamy, Martha Jackson, and Robert Elkon; solo Jackson ha mostrato interesse per una mostra futura. Dopo aver visto l'installazione sulla vetrina di Claes Oldenburg The Store nel dicembre 1961, Warhol tornò a casa scoraggiato, confidando agli amici Ted Carey e Muriel Flatow che i suoi dipinti a fumetti mancavano di sufficiente originalità. Deciso a produrre arte più distintiva e di grande impatto, accettò la scherzosa proposta di Flatow, fatta in cambio di cinquanta dollari, di concentrarsi sul suo interesse primario: il denaro.

Warhol successivamente iniziò a esplorare rappresentazioni serigrafate di banconote da un dollaro, affascinato dal concetto di replicare meccanicamente la valuta simile alla produzione contraffatta. Per l'istruzione tecnica, ha consultato Floriano Vecchi della Tiber Press, che ha fornito un'introduzione ai fondamenti della stampa serigrafica, compreso il trasferimento del disegno su acetato, la preparazione del telaio e l'applicazione dell'inchiostro con una spatola. Questi esperimenti iniziali rappresentarono uno sviluppo fondamentale nella metodologia artistica di Warhol, culminando presto in alcune delle sue prime creazioni serigrafiche. Sebbene il commerciante Allan Stone abbia accettato diverse opere in conto vendita e abbia proposto una mostra per tre persone con Warhol insieme a Robert Indiana e James Rosenquist, tutti e tre gli artisti hanno rifiutato, preferendo ciascuno una presentazione personale. Mentre la Pop Art guadagnava importanza a New York nel 1962, Warhol continuava a mancare di una rappresentanza significativa nelle gallerie, intensificando la sua determinazione a stabilire la sua posizione all'interno del fiorente movimento.

Nel maggio 1962, il lavoro di Warhol fu messo in risalto nell'articolo della rivista Time "The Slice-of-Cake School", apparendo insieme ad artisti come Lichtenstein, Rosenquist e Wayne Thiebaud. Allo stesso tempo, stava sviluppando la sua serie Campbell's Soup Cans, avendo completato sedici tele. Durante la visita, il commerciante di Los Angeles Irving Blum ha espresso sorpresa per la mancanza di rappresentanza in galleria da parte di Warhol. Cogliendo uno spazio disponibile a luglio, Blum ha esteso un'offerta per una mostra personale alla Galleria Ferus. Warhol successivamente inviò 32 tele a Los Angeles, ciascuna illustrante una distinta varietà di lattine di zuppa Campbell. La mostra iniziò il 9 luglio 1962, a significare la sua presentazione inaugurale sulla costa occidentale. Durante il mandato della mostra, una mostra prevista per dicembre alla Martha Jackson Gallery è stata annullata a causa dei timori riguardanti un potenziale feedback negativo. Nonostante la cancellazione, l'assistente di Jackson, John Weber, vendette con successo dieci dipinti di Warhol che erano stati messi in conto deposito.

Nel luglio 1962, l'opera d'arte di Warhol Big Campbell's Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962) ottenne la distinzione di essere il primo dei suoi dipinti di lattine di zuppa ad essere incluso in una mostra museale, esposta al Wadsworth Atheneum di Hartford, nel Connecticut. Il mese successivo, il suo dipinto S&H Green Stamps (1962) è stato presentato nella mostra New Painting of Common Objects al Pasadena Art Museum di Pasadena, in California. Questa mostra presentava opere derivate da etichette commerciali, prodotti di consumo e immagini pubblicitarie, contribuendo così al nascente riconoscimento critico del movimento.

Il mercante d'arte Sidney Janis estese un invito a Warhol a partecipare alla mostra dell'ottobre 1962, The New Realists: An Exhibition of Factual Painting & Scultura, tenutasi presso la sua galleria di New York. Warhol presentò i suoi dipinti del 1962, tra cui 200 Soup Cans, Big Campbell's Soup Can 19c (Beef Noodle) e Do It Yourself (Flowers). Questa mostra è stata ampiamente riconosciuta come un momento cruciale nella più ampia accettazione della Pop Art; The New Yorker ha descritto la sua influenza sulla scena artistica di New York come un "terremoto", mentre il quotidiano The Kansas City Star ha pubblicato il titolo: "In che direzione sta andando l'arte moderna? Trattenete il respiro e guardate le lattine di zuppa".

Il regista Emile de Antonio ha facilitato la presentazione di Warhol a Eleanor Ward, gallerista della Stable Gallery. Ward accettò di ospitare la mostra personale di Warhol in cambio di un dipinto raffigurante una banconota da due dollari. La prima mostra personale di arte pop di Warhol a New York iniziò presso la galleria il 6 novembre 1962. La mostra presentava diverse opere degne di nota, tra cui Gold Marilyn Monroe, il Marilyn Diptych, otto Flavor Marilyns, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles e 100 Dollar. Fatture. L'architetto Philip Johnson ha acquisito la Gold Marilyn Monroe, donandola successivamente al Museum of Modern Art (MoMA). Sebbene alcune narrazioni minimizzassero l'importanza delle immagini delle lattine di zuppa, questo motivo era evidentemente centrale, presente anche sui badge degli ospiti, e l'invito alla mostra di Warhol citava in particolare il commento di uno studente sul godimento condiviso della zuppa.

Nel dicembre 1962, il Museum of Modern Art (MoMA) organizzò un simposio sulla pop art, in cui artisti come Warhol furono criticati per aver presumibilmente "capitolato" al consumismo. I critici hanno espresso sgomento per l'evidente abbraccio di Warhol alla cultura del mercato, che ha influenzato in modo significativo la sua accoglienza da parte del pubblico. L'anno successivo, Warhol fondò The Druds, un ensemble noise d'avanguardia di breve durata che comprendeva figure di spicco dei movimenti artistici minimali e proto-concettuali di New York, come Larry Poons, La Monte Young, Walter De Maria, Jasper Johns, Claes Oldenburg e Lucas Samaras.

Nel gennaio 1963, Warhol si assicurò il suo primo spazio in studio, un'ex caserma dei pompieri situata al 159 East 87th Street. Qui creò la sua serie Elvis, che includeva in particolare Eight Elvises (1963) e Triple Elvis (1963). Queste opere, insieme a una collezione di ritratti di Elizabeth Taylor, furono successivamente esposte nello stesso anno alla sua seconda mostra alla Ferus Gallery di Los Angeles. Nel novembre del 1963, Warhol trasferì il suo studio al 231 East 47th Street, un luogo che presto divenne famoso come The Factory. Warhol impiegò assistenti per migliorare la sua produzione artistica e queste pratiche collaborative divennero un segno distintivo della sua metodologia per tutta la sua carriera. Durante quest'epoca, il poeta Gerard Malanga fornì assistenza nella produzione di serigrafie e film presso The Factory, che Billy Name decorò con fogli di alluminio e vernice argentata nel 1964.

Warhol fu tra gli artisti incaricati di produrre un'opera d'arte per il Padiglione dello Stato di New York alla Fiera Mondiale del 1964 nel Queens, a New York. Concepì il murale Thirteen Most Wanted Men (1964), che fu successivamente ridipinto a causa delle obiezioni dei funzionari governativi prima dell'apertura della fiera nell'aprile 1964. Nella primavera del 1964, Warhol presentò la sua seconda mostra alla Stable Gallery, con sculture di scatole commerciali disposte per evocare l'ambiente di un magazzino. Per questa esposizione, Warhol commissionò scatole di legno personalizzate e applicò grafica serigrafata sulle loro superfici. Queste sculture, raffiguranti cartoni commerciali come i tamponi di sapone Brillo, le metà di pesche Del Monte, il ketchup di pomodoro Heinz, i corn flakes di Kellogg, il succo di pomodoro di Campbell e il succo di mela di Mott, venivano vendute a prezzi che variavano dai 200 ai 400 dollari, a seconda delle dimensioni della scatola.

Una pietra miliare significativa nella carriera di Warhol fu la mostra The American Supermarket, tenutasi presso Paul Bianchini's Galleria dell'Upper East Side nell'ottobre del 1964. Questa mostra innovativa replicava l'ambientazione di un tipico piccolo supermercato, con la distinzione cruciale che tutti gli articoli - inclusi prodotti agricoli, prodotti in scatola, carne e dipinti murali - erano opere d'arte create dai principali artisti pop dell'epoca. I contributi di Warhol includevano una borsa della spesa di carta appositamente progettata, le sue distintive sculture in scatola, un dipinto Campbell's Soup Can e autentici barattoli di zuppa Campbell firmati. Questa mostra rappresentò uno dei primi impegni pubblici su larga scala che espose direttamente il grande pubblico sia alla Pop art che alla duratura indagine filosofica sulla natura dell'arte stessa.

Nel novembre 1964, la serie inaugurale Flowers di Warhol fu presentata alla Leo Castelli Gallery di New York. Successivamente, nel maggio 1965, la sua seconda serie Flowers, che presentava una gamma più ampia di dimensioni e variazioni di colore rispetto alla serie precedente, fu esposta alla Galerie Ileana Sonnabend di Parigi. Durante questo particolare viaggio, Warhol dichiarò la sua intenzione di smettere di dipingere e di concentrarsi invece sul cinema. Ha deciso consapevolmente di sfidare la pittura tradizionale, affermando la sua diminuita fiducia nel mezzo. Nello stesso anno, nell'ottobre 1965, la prima mostra personale di Warhol ebbe luogo presso l'Institute of Contemporary Art di Filadelfia. Rispondendo al suggerimento del mercante d'arte Ivan Karp di rappresentare mucche, Warhol creò Cow, una serie di serigrafie su carta da parati, per la sua mostra dell'aprile 1966 alla Galleria Leo Castelli.

Nel novembre del 1966, Andy Warhol ricevette l'incarico dalla Abraham & Il grande magazzino Straus di Brooklyn per promuovere la collezione "Paint-your-own-dress" della Mars Manufacturing Company. Questa collezione presentava un abito di carta bianca accompagnato da un pennello e acquerelli. Durante una dimostrazione dal vivo, Warhol adornò due abiti, che furono successivamente donati al Brooklyn Museum, con Nico che gli fece da modello. Come manager del gruppo rock sperimentale The Velvet Underground, Warhol li integrò come elemento centrale dei suoi eventi multimediali Exploding Plastic Inevitable nel corso del 1966 e 1967, e finanziò anche il loro album inaugurale, The Velvet Underground & Nico (1967).

L'espressione "15 minuti di fama", che incapsula la prospettiva di Warhol sulla celebrità transitoria, è ampiamente attribuita a lui. La sua prima apparizione avvenne in un articolo della rivista Time del 1967, che riportava la previsione di Warhol secondo cui sarebbe arrivato un momento "in cui tutti sarebbero stati famosi per 15 minuti", riflettendo la fiorente scena artistica e culturale contemporanea. Questo concetto è spesso associato alle "superstar" di Warhol, un gruppo di figure bohémien e della controcultura che coltivò dalla metà degli anni '60 all'inizio degli anni '70. Questo entourage comprendeva persone come Baby Jane Holzer, Brigid Berlin, Ondine, Edie Sedgwick, Ingrid Superstar, Nico, International Velvet, Mary Woronov, Viva, Ultra Violet, Joe Dallesandro, Candy Darling, Holly Woodlawn, Jackie Curtis e Jane Forth. Questi individui parteciparono ai film Factory e alcuni, come Berlin e Holzer, mantennero amicizie durature con Warhol. Personalità di spicco del cinema artistico e underground di New York, tra cui il curatore Henry Geldzahler e i registi Jonas Mekas e Jack Smith, apparvero anche nei film di Warhol degli anni '60, evidenziando i suoi legami con diverse comunità artistiche. Inoltre, il suo sostegno meno riconosciuto ai collaboratori emergenti che in seguito raggiunsero la ribalta includevano lo scrittore David Dalton, il fotografo Stephen Shore e l'artista Bibbe Hansen.

Nel 1967, Warhol fondò Factory Additions, un'entità dedicata alle sue attività di stampa ed editoria. Per facilitare l'ampia diffusione delle stampe, Factory Additions ha prodotto numerosi portfolio, ciascuno comprendente dieci immagini, in edizioni di 250.

Warhol aveva programmato di proiettare il suo film del 1966 Chelsea Girls al Festival di Cannes del 1967; tuttavia non è stato proiettato, poiché "le autorità del festival hanno spiegato che il film era troppo lungo e c'erano problemi tecnici". Per assicurarsi i finanziamenti per i suoi progetti cinematografici, Warhol avviò tournée di conferenze universitarie, durante le quali presentò selezioni dei suoi film underground e si impegnò in sessioni di domande e risposte con il pubblico. Nell'ottobre del 1967, Warhol inviò l'attore Allen Midgette a impersonificarlo durante un tour universitario della West Coast. Warhol successivamente rimborsò le quattro istituzioni in cui non si era presentato e visitò nuovamente quei campus nel 1968. Nel febbraio 1968, Warhol si recò a Stoccolma per la sua mostra retrospettiva al Moderna Museet.

1968 Assassination Attempt

Il 3 giugno 1968, Valerie Solanas, una scrittrice femminista radicale, sparò a Warhol e Mario Amaya, critico d'arte e curatore, alla Factory. Prima della sparatoria, Solanas aveva mantenuto una presenza periferica all'interno della cerchia sociale della Fabbrica. Era l'autrice del Manifesto SCUM, un trattato femminista separatista che difendeva l'eliminazione degli uomini, ed era apparsa nel film di Warhol del 1967 I, a Man. Amaya ha riportato solo ferite lievi ed è stata dimessa dall'ospedale più tardi quel giorno. Warhol, tuttavia, fu gravemente ferito durante l'assalto e sopravvisse per un pelo, richiedendo il ricovero in ospedale per quasi due mesi. Solanas si arrese alla polizia poche ore dopo l'incidente, affermando che Warhol "aveva troppo controllo sulla mia vita". Successivamente le fu diagnosticata una schizofrenia paranoica e alla fine fu condannata a tre anni di prigione.

Jed Johnson, un assistente presente alla Factory durante la sparatoria, visitò quotidianamente Warhol in ospedale, portando allo sviluppo di una relazione intima tra loro. Poco dopo la dimissione di Warhol, Johnson si trasferì a vivere con lui, fornendo assistenza durante la sua guarigione e prendendosi cura della madre malata. Contemporaneamente, durante il ricovero di Warhol quell'estate, Paul Morrissey assunse l'incarico primario di regista e diresse il suo film inaugurale, Flesh (1968), con Joe Dallesandro.

Il tentativo di omicidio ebbe un impatto significativo sulla vita e sugli sforzi artistici di Warhol. Le successive complicazioni derivanti da un secondo intervento chirurgico l'anno successivo hanno provocato una riparazione inadeguata dei suoi muscoli addominali, rendendo necessario l'uso permanente di un corsetto chirurgico per prevenire la distensione gastrica durante i pasti. Di conseguenza, The Factory adottò un modello operativo più strutturato, con Warhol concentrato sul suo sviluppo in un'entità aziendale formalizzata. Ha attribuito a Morrissey la trasformazione della Factory in un "ufficio normale".

Conseguenze della sparatoria

Nell'agosto del 1968, Warhol comparve in tribunale a seguito di una causa intentata da Phillip "Fufu" Van Scoy Smith, un investitore in un adattamento cinematografico cancellato del romanzo di Charlotte Brontë Jane Eyre, che chiese 80.000 dollari di risarcimento danni. Questa controversia legale durò due anni e si concluse quando il querelante non si presentò in tribunale.

Warhol successivamente rientrò nella sfera sociale pubblica quell'autunno. Nel settembre del 1968, lui e Ultra Violet erano presenti a un evento celebrativo che segnava il completamento del film Midnight Cowboy. In particolare, questo film presenta una sequenza di festa che coinvolge i membri della Factory, che è stata girata mentre Warhol era ricoverato in ospedale. Durante lo stesso mese, Warhol ospitò un evento al The Factory per commemorare l'uscita dell'album di Nico The Marble Index. Inoltre, Warhol, Viva e Ultra Violet apparvero sulla copertina del New York Times Magazine il 10 novembre 1968.

Nel febbraio 1969, Warhol e i suoi soci si recarono a Los Angeles per discutere di un potenziale accordo cinematografico con la Columbia Pictures. Warhol, che manteneva un interesse di lunga data per la fotografia, utilizzò una fotocamera Polaroid per documentare la sua guarigione dopo la sparatoria. Molte delle sue fotografie furono successivamente pubblicate nel numero di maggio 1969 della rivista Esquire. Ha ottenuto il riconoscimento per aver portato costantemente con sé la sua fotocamera Polaroid per registrare le sue interazioni. In definitiva, la fotografia istantanea servì come base per i suoi ritratti serigrafici quando ricominciò a dipingere negli anni '70.

Dopo l'uscita del film erotico Blue Movie (1969), Warhol affittò il Fortune Theatre, situato al 62 East 4th Street, dove espose film pornografici maschili dal 25 giugno al 5 agosto 1969. Gerard Malanga supervisionò questo sforzo attraverso la sua impresa, Poesia nel cinema. Il luogo è stato designato "Andy Warhol's Theatre: Boys to Adore Galore". Morrissey concepì l'idea di affittare il teatro e stabilì la quota di ammissione a 5 dollari.

Nell'autunno del 1969, Warhol collaborò con il giornalista britannico John Wilcock per fondare la rivista Interview. Inizialmente, la pubblicazione era intitolata inter/VIEW: A Monthly Film Journal. Diversi anni dopo, subì una riprogettazione e successivamente divenne l'emblema dell'impegno sociale di Warhol e del suo profondo interesse per la cultura delle celebrità.

Nel 1969, Warhol fu invitato a curare una mostra con selezioni dalla collezione permanente del Rhode Island School of Design Museum di Providence. La mostra, intitolata Raid the Icebox, fu presentata per la prima volta nell'ottobre del 1969 presso l'Institute for the Arts della Rice University a Houston. Nel 1970, la mostra si trasferì successivamente al Museo Isaac Delgado di New Orleans prima della sua presentazione finale al Museo RISD.

Gli anni '70

In contrasto con i diffusi consensi e le polemiche che circondarono il lavoro di Warhol negli anni '60, i primi anni '70 segnarono un periodo decisamente più tranquillo, caratterizzato dalla sua crescente attenzione imprenditoriale. Durante questo periodo, era ampiamente percepito come un osservatore tranquillo, riservato e meticoloso. Il critico d'arte Robert Hughes lo chiamava notoriamente "la talpa bianca di Union Square". Il suo stile personale passò da quello che chiamava il suo "look in pelle" a un più convenzionale "look Brooks Brothers", comprendente una camicia e una cravatta Brooks Brothers, un blazer DeNoyer e jeans Levi.

Mentre Warhol si avventurava ulteriormente nel cinema, consolidò la sua reputazione come "una delle figure della pop art più celebri e conosciute emerse dagli anni Sessanta". Nel 1970 il Pasadena Art Museum organizza una significativa retrospettiva della sua opera. Questa mostra è stata successivamente visitata al Museum of Contemporary Art, Chicago; Museo Stedelijk Van Abbe, Eindhoven; Museo d'Arte Moderna della Ville de Paris; Galleria Tate, Londra; e il Whitney Museum of American Art, New York. In particolare, la mostra del Whitney del 1971 esponeva in primo piano la carta da parati Cow (1966) di Warhol, che fungeva da sfondo distintivo per i suoi dipinti.

Nel maggio 1971, la produzione teatrale di Warhol, Andy Warhol's Pork, fu presentata per la prima volta al La MaMa Experimental Theatre di New York. Diversi mesi dopo, la produzione dell'opera venne trasferita alla Roundhouse di Londra.

Alla fine del 1971, Andy Warhol e il suo socio in affari, Paul Morrissey, acquisirono Eothen, una tenuta fronte oceano situata a Montauk, New York, a Long Island. Cominciarono ad affittare la residenza principale della proprietà nel 1972. Tra gli ospiti illustri della tenuta c'erano Lee Radziwill, Jackie Kennedy, i Rolling Stones, Elizabeth Taylor, Truman Capote e Halston.

Warhol è accreditato sia della concettualizzazione che della fotografia per l'album dei Rolling Stones del 1971, Sticky Fingers. Questo lavoro gli valse una nomination ai Grammy per la migliore copertina di album alla 14esima edizione dei Grammy Awards nel 1972.

Nel 1972, Warhol orchestrò la presentazione sulla passerella di Halston per i Coty Awards. Nonostante la sua percepita posizione apolitica, contribuì a una mostra con il poster Vote McGovern (1972) per raccogliere fondi per la campagna presidenziale del 1972 di George McGovern. Nell'ottobre 1972, l'arte di Warhol fu presentata nella mostra inaugurale presso l'Art Museum of South Texas a Corpus Christi, Texas. Il mese successivo, le serigrafie Mao di Warhol furono presentate in anteprima alla Leo Castelli Gallery di New York.

Nel novembre 1972, Warhol e il suo compagno di convivenza, Jed Johnson, procurarono un cucciolo di bassotto di nome Archie. Warhol prodigò affetto ad Archie, accompagnandolo nel suo studio, negli incontri sociali, nei ristoranti e nelle escursioni europee. Successivamente creò i ritratti di Johnson, Archie e Amos, un secondo bassotto che si unì alla loro famiglia pochi anni dopo. Nel 1974, Warhol e Johnson si trasferirono in una residenza neo-georgiana al 57 East 66th Street, nel quartiere Lenox Hill di Manhattan. In questo periodo, la visibilità pubblica di Warhol si era notevolmente ampliata grazie alla sua frequente partecipazione alle feste. Nel 1974, osservò: "Cerco di andare in giro così spesso e di andare a tutte le feste in modo che si annoino di me e smettano di scrivere su di me."

Durante quest'epoca, Warhol iniziò viaggi più frequenti in Europa, coltivando una netta affinità con Parigi. Manteneva una residenza sulla Rive Gauche, in Rue du Cherche-Midi, che condivideva con il suo direttore aziendale, Fred Hughes. Mentre erano a Parigi, Warhol e i suoi soci interagirono con i membri del jet set della città, tra cui Karl Lagerfeld, Yves Saint Laurent, Loulou de la Falaise e Paloma Picasso. Questo cambiamento nello stile di vita è stato in parte attribuito a Hughes, che cercò di promuovere un'immagine pubblica più raffinata per Warhol e di stabilire The Factory come entità sociale e artistica internazionale.

Warhol concepì le scenografie per il musical di Broadway Man on the Moon di John Philips dei Mamas & the Papas, che ha debuttato nel gennaio 1975 al Little Theatre di New York. Nel maggio 1975, Warhol partecipò alla cena di stato del presidente Gerald Ford, tenutasi alla Casa Bianca, in onore di Mohammad Reza Pahlavi, lo Scià dell'Iran. Nel settembre 1975, intraprese un tour letterario in otto città negli Stati Uniti per la sua pubblicazione La filosofia di Andy Warhol (dalla A alla B e ritorno), seguito da impegni in Italia, Francia e Inghilterra.

Nel 1976, Warhol e il pittore Jamie Wyeth ricevettero l'incarico dalla Coe Kerr Gallery di Manhattan di dipingere i reciproci ritratti. Nello stesso anno, Warhol intraprese un viaggio in Iran per creare un ritratto dell'imperatrice Farah Pahlavi.

Nel gennaio 1977, Warhol si recò in Kuwait per l'inaugurazione della sua mostra alla Galleria Dhaiat Abdulla Al Salem. Nel giugno 1977, Warhol ricevette un invito per un ricevimento speciale in onore degli "artisti inaugurali" che avevano contribuito con le stampe alla campagna presidenziale di Jimmy Carter. Nel 1977, il collezionista d'arte Richard Weisman incaricò Warhol di creare Athletes, una serie di dieci ritratti raffiguranti gli atleti di spicco dell'epoca.

L'inaugurazione dello Studio 54 nel 1977 segnò un periodo di trasformazione per la vita notturna di New York. Andy Warhol frequentava spesso lo Studio 54, osservando e documentando le attività sociali dei suoi soci intrise di droga. Nello stesso anno, Warhol avviò un progetto fotografico che coinvolgeva uomini nudi in varie posture e impegnati in atti sessuali, che chiamò "paesaggi". Questi lavori successivamente formarono le serie Torsos e Sex Parts. La maggior parte di questi soggetti erano imbroglioni di strada e prostituti maschi, introdotti a The Factory da Victor Hugo, il partner di Halston. Questa associazione creò notevoli tensioni nel rapporto di Warhol con Jed Johnson, che disapprovava l'amicizia di Warhol con Hugo. Johnson ha osservato: "Quando lo Studio 54 ha aperto le cose sono cambiate con Andy. Era New York nel pieno del suo periodo più decadente, e io non ho preso parte. Non mi è mai piaciuta quella scena, non mi sono mai sentito a mio agio.... Andy stava solo perdendo tempo, ed era davvero sconvolgente.... Passava il suo tempo con le persone più ridicole."

Nel 1979, Warhol fondò la Andy Warhol Books, una casa editrice, attraverso la quale pubblicò Exposures. Questa pubblicazione presentava i suoi ritratti fotografici di importanti amici e conoscenti. Successivamente, nel novembre 1979, intraprese un tour del libro di tre settimane attraverso gli Stati Uniti.

Durante gli anni '70, Warhol dedicò notevoli sforzi per ottenere commissioni di ritratti di celebrità, tra cui figure di spicco come Yves Saint Laurent, Gianni Agnelli, Marella Agnelli, David Hockney, Roy Lichtenstein, Brooke Hayward, Carolina Herrera, Mick Jagger e Liza Minnelli. Nel novembre 1979, il Whitney Museum of American Art presentò la mostra Andy Warhol: Portraits of the 70s. Questa esposizione di personalità e celebrità di spicco ha raccolto critiche da parte di alcuni revisori, che hanno definito le opere superficiali, superficiali ed eccessivamente commerciali, prive di una visione profonda o che trasmettono il significato dei soggetti.

Gli anni '80

Nel marzo del 1980, Warhol pubblicò il suo libro di memorie, POPism: The Warhol '60s, che offriva una narrazione retrospettiva della sua carriera durante gli anni '60 e dell'ambiente culturale di The Factory. Nello stesso anno, la sua serie Dieci ritratti di ebrei del ventesimo secolo suscitò diverse reazioni, inclusi significativi commenti critici. Sempre nel 1980, Warhol ha co-fondato la New York Academy of Art, un'istituzione impegnata a ristabilire le metodologie tradizionali nell'educazione artistica. Stuart Pivar, un altro co-fondatore, notò successivamente che "il modernismo era diventato noioso [per Warhol]... Ma il suo piano d'azione generale, ciò in cui credeva veramente, era che l'era moderna stava finendo e che stavamo entrando in un periodo neoclassico."

Durante quest'epoca, Warhol concepì la serie Myths (1981), che reinterpretava figure culturali iconiche come Topolino, Superman e Zio Sam. Il suo fascino duraturo per la cultura delle celebrità e il glamour di Hollywood è rimasto evidente; ha affermato in modo famoso: "Amo Los Angeles. Amo Hollywood. Sono così belli. Tutto è di plastica, ma amo la plastica. Voglio essere di plastica". In seguito allo scioglimento della sua relazione con Jed Johnson, la sua unica collaborazione a lungo termine, Warhol sopportò una fase di depressione e una notevole perdita di peso. Di conseguenza, reindirizzò la sua attenzione verso la modellistica, assicurandosi un contratto con l'agenzia Zoli nel 1981 e in seguito ottenendo una rappresentanza da Ford Models.

Nel 1981, Warhol si impegnò in un progetto di collaborazione con Peter Sellars e Lewis Allen, dando vita a A No Man Show. Questa produzione teatrale itinerante presentava un robot animatronico a grandezza naturale, meticolosamente realizzato a somiglianza di Warhol. Designato come Andy Warhol Robot, questa figura è stata programmata per recitare estratti dai diari di Warhol durante le esibizioni, illustrando così il suo costante interesse per la meccanizzazione e il concetto di autorialità.

Nel 1983, Warhol ricevette l'incarico di creare un poster commemorativo del centenario del ponte di Brooklyn, che successivamente presentò quell'anno al New York Art Expo. Allo stesso tempo, ha sviluppato una serie di stampe serigrafiche che ritraggono specie in via di estinzione per Warhol's Animals: Species at Risk, una mostra allestita nell'aprile 1983 presso l'American Museum of Natural History di New York City. Dei 150 set prodotti, Warhol ne assegnò 10 a varie organizzazioni per la fauna selvatica per sostenere le loro iniziative di raccolta fondi. Inoltre, in previsione delle Olimpiadi invernali di Sarajevo del 1984, Warhol contribuì con la litografia Speed Skater (1983) alla campagna di poster associata.

Nel 1984, Warhol aveva coltivato rapporti con diversi giovani artisti prolifici che erano di spicco nel fiorente mercato dell'arte della New York degli anni '80, tra cui Julian Schnabel, David Salle e altre figure del movimento neoespressionista, nonché membri del movimento europeo della Transavanguardia, come Francesco Clemente ed Enzo Cucchi. Ha anche esteso il suo patrocinio agli artisti della scena artistica del centro, in particolare Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Kenny Scharf e Stefano Castronovo. Nel settembre 1985, la mostra in collaborazione di Warhol con Basquiat, Paintings, ricevette la disapprovazione della critica al momento della sua apertura alla Tony Shafrazi Gallery. Nello stesso mese, nonostante le sue riserve, la serie di serigrafie di Warhol Reigning Queens (1985) fu esposta alla Galleria Leo Castelli. Nello stesso anno, intraprese un progetto di collaborazione con Haring per creare il poster per il Montreux Jazz Festival del 1986 in Svizzera, che fu successivamente utilizzato per il Montreux-Detroit Jazz Festival del 1986 a Detroit.

Nell'aprile 1986, la mostra di Warhol 10 Status of Liberty (1986) iniziò alla Galerie Lavignes-Bastille a Parigi, in concomitanza con il centenario. commemorazione della Statua della Libertà e caratterizzato dall'iconico simbolo della libertà reso in mimetismo e tonalità sovrapposte. Il mese successivo, uno di questi dipinti apparve sulla copertina della rivista New York. Nello stesso anno, ha prodotto una serie di romanzi Autoritratti (1986), contraddistinti dalla sua caratteristica "parrucca da paura" e da pronunciati contrasti cromatici, che hanno debuttato alla Galleria Anthony d'Offay di Londra nel luglio 1986.

Nel gennaio 1987, Warhol si recò a Milano per l'inaugurazione della sua mostra finale, Il Cenacolo (L'Ultima Cena), tenutasi al Palazzo delle Stelline. Il mese successivo, il 17 febbraio 1987, Warhol partecipò come modello insieme al musicista jazz Miles Davis alla sfilata di moda di Koshin Satoh al Tunnel di New York City.

Morte

Warhol ricevette una prima diagnosi di calcolo biliare nel 1973, ma rifiutò risolutamente l'intervento chirurgico a causa di una profonda avversione verso le strutture mediche. Dato il suo persistente rifiuto di un'operazione, il suo medico Denton Cox cercò di procurarsi un farmaco sperimentale dal Giappone. L'artista ha consultato anche un chiropratico e un nutrizionista, i quali hanno consigliato di indossare un piccolo cristallo. Nel febbraio 1987, Warhol avvertì un forte dolore, esacerbato dalla disidratazione e dall'incapacità di consumare cibo.

Warhol fu ricoverato in ospedale al New York Hospital di Manhattan il 20 febbraio, sottoposto a colecistectomia il 21 febbraio. Il suo chirurgo, Bjorn Thorbjarnarson, stabilì che la sua cistifellea era "sul punto di perforarsi", con il rischio di "versare l'infezione nella (di Warhol) pancia." Dopo l'operazione durata quattro ore, Warhol era cosciente e capace di deambulare, fare telefonate e guardare la televisione quando entrambi i suoi medici lo visitarono. La sua infermiera privata, Min Cho, osservò il suo crescente pallore alle 4:30 del mattino seguente, ma ritardò la convocazione della squadra di arresto cardiaco dell'ospedale fino alle 5:45, momento in cui "non rispondeva" e mostrava cianosi. È stato dichiarato deceduto alle 6:31 a causa di un'improvvisa aritmia cardiaca.

I fratelli di Warhol trasportarono i suoi resti a Pittsburgh, dove fu condotta una veglia a bara aperta presso l'impresa funebre Thomas P. Kunsak. La bara in bronzo massiccio presentava binari placcati in oro e rivestimenti interni bianchi. Warhol indossava un abito di cashmere nero, una cravatta con motivi cachemire e una parrucca di platino, e veniva presentato con in mano un piccolo libro di preghiere e una rosa rossa. La liturgia funebre si svolse presso la chiesa cattolica bizantina dello Spirito Santo nel lato nord di Pittsburgh il 26 febbraio 1987, con monsignor Peter Tay che offrì l'elogio funebre. Dopo la liturgia, la bara, adornata con rose bianche e felci di asparagi, fu trasportata al cimitero cattolico bizantino di San Giovanni Battista a Bethel Park, un sobborgo meridionale di Pittsburgh, dove Warhol fu sepolto accanto ai suoi genitori. Il sacerdote ha offerto una breve preghiera sulla tomba, che ha anche asperso la bara con acqua santa. Prima che la bara venisse abbassata, la cara amica di Warhol, Paige Powell, depositò nella sua tomba le copie dei numeri di febbraio e marzo della rivista Interview, insieme a una bottiglia di Beautiful Eau de Parfum di Estée Lauder.

Una cerimonia commemorativa per Warhol ebbe luogo presso la cattedrale di San Patrizio a Manhattan il 1° aprile 1987. L'evento attirò una partecipazione di oltre 2.000 persone, tra cui collaboratori e una moltitudine di figure importanti, tra cui Raquel Welch, Debbie Harry, Liza Minnelli, Claus von Bülow e Calvin Klein, tra gli altri. Gli elogi sono stati pronunciati da John Richardson e Yoko Ono. Successivamente è stato organizzato un pranzo presso il nightclub Diamond Horseshoe, sotto il Paramount Hotel.

Causa per omicidio colposo

Nell'aprile 1987, il Dipartimento della Salute dello Stato di New York pubblicò un rapporto in cui indicava che Andy Warhol aveva ricevuto cure inadeguate dall'ospedale di New York dal suo ricovero fino alle ore precedenti la sua morte. Il rapporto citava diverse carenze, tra cui l'omissione di appropriati test pre-chirurgici, la somministrazione di antibiotici ai quali Warhol potrebbe aver avuto una reazione allergica, l'iperidratazione e la costante incapacità di mantenere accurate note sulla cartella clinica. Tuttavia, il rapporto non ha riscontrato problemi con la procedura chirurgica stessa. In risposta, l'ospedale licenziò l'infermiera privata assegnata a Warhol e sanzionò l'infermiera responsabile della sua supervisione. Tuttavia, l'ospedale affermò che queste carenze infermieristiche non erano abbastanza gravi da causare la morte di Warhol.

Nel dicembre 1991, la famiglia di Warhol iniziò una causa contro l'ospedale presso la Corte Suprema di New York, presieduta dal giudice Ira Gammerman. La famiglia ha affermato che l'aritmia di Warhol era il risultato di cure improprie e intossicazione da acqua. La causa per negligenza fu successivamente risolta in via extragiudiziale, con la famiglia di Warhol che ricevette una somma finanziaria non rivelata.

Sebbene i medici avessero previsto la sopravvivenza di Warhol prima dell'intervento, una rivalutazione del caso circa tre decenni dopo la sua morte rivelò numerosi indicatori che suggerivano che la procedura fosse considerevolmente più rischiosa di quanto inizialmente percepito. Mentre i resoconti contemporanei spesso caratterizzavano la morte di Warhol come conseguenza di un intervento chirurgico "di routine", una valutazione completa di fattori quali la sua età, una storia familiare di problemi alla cistifellea, la sua precedente ferita da arma da fuoco e le sue condizioni mediche nelle settimane precedenti l'operazione suggeriscono un significativo rischio potenziale di mortalità.

Opere

Disegni

Sebbene Warhol sia principalmente riconosciuto per le sue incisioni, in particolare per la serigrafia, era anche un illustratore e disegnatore eccezionalmente abile. I suoi primi disegni su carta mostrano un netto senso di facilità e immediatezza, largamente influenzato dalla tecnica della "linea cancellata" che ha sviluppato come studente alla Carnegie Tech. Warhol ottenne questo effetto di linea cancellata attraverso un metodo semplice ma deliberato: fissò un disegno a matita su una tavola Strathmore liscia, tracciò sezioni specifiche dell'immagine con inchiostro e poi, mentre l'inchiostro rimase bagnato, premette insieme i due fogli per trasferire il disegno. A causa della rapida asciugatura dell'inchiostro, eseguì il processo in più fasi, sollevando e reinchiostrando ripetutamente il disegno fino a quando l'intera immagine non fu trasferita, risultando in linee irregolari e variabili che ricordano la rudimentale incisione. Ha abbracciato le macchie e le rotture accidentali inerenti a questa tecnica, senza mai apportare correzioni, e spesso ha migliorato i risultati con lavaggi pastello dei coloranti del Dr. Ph. Martin applicati leggermente fuori registro. Inoltre, ha utilizzato fotografie tracciate, comprese immagini di origine, per espandere e duplicare le sue composizioni.

Il suo stile illustrativo era immediatamente identificabile, caratterizzato da una raffinatezza casual spesso descritta come un'interpretazione più leggera e giocosa dell'estetica di Ben Shahn. Tra i suoi primi lavori più famosi ci sono le illustrazioni di scarpe. Alcuni dei suoi disegni personali sono stati autopubblicati in opuscoli in edizione limitata, tra cui Yum, Yum, Yum (con temi alimentari), Ho, Ho, Ho (con temi natalizi) e Shoes, Shoes, Shoes. La sua raccolta di disegni più acclamata dalla critica è A Gold Book, che comprende rappresentazioni sensibili di giovani uomini, notevolmente distinte dall'applicazione di foglie d'oro sulle sue pagine. I disegni della sua carriera successiva dimostrano la raffinata abilità e tecnica coltivate nel corso del suo illustre percorso professionale.

Dipinti e stampe

All'inizio degli anni '60, il movimento Pop Art emerse come forma artistica sperimentale adottata in modo indipendente da diversi artisti. Warhol, che in seguito sarebbe diventato famoso come il "Papa del pop", abbracciò questo stile di romanzo, che consentiva l'incorporazione di soggetti popolari nel repertorio di un artista. Ha ampiamente sperimentato il suo stile artistico e le sue tecniche pittoriche prima di legarsi indissolubilmente al movimento. I suoi primi dipinti presentano immagini derivate da cartoni animati e pubblicità, rese a mano con caratteristiche gocce di vernice. Queste gocce emulavano intenzionalmente gli elementi stilistici di importanti espressionisti astratti, come Willem de Kooning.

L'evoluzione artistica di Warhol da queste fasi iniziali ha portato allo sviluppo successivo del suo stile distintivo e del suo focus tematico. Piuttosto che concentrarsi su un singolo argomento, come inizialmente previsto, coltivò progressivamente un approccio stilistico unico, riducendo sistematicamente al minimo l'intervento manuale nella produzione artistica. Warhol ha aperto la strada all'adozione del processo di stampa serigrafica come metodo per creare dipinti. I disegni successivi sono stati ricavati ricalcando proiezioni di diapositive. Nel corso del tempo, Warhol impiegò diversi assistenti, tra cui Gerard Malanga, Ronnie Cutrone e George Condo, che fabbricarono i suoi multipli serigrafici secondo le sue specifiche per diverse iterazioni e variazioni.

Nell'aprile del 1961, i primi dipinti Pop Art di Warhol furono esposti come sfondo per la vetrina di Bonwit Teller, un grande magazzino di New York. La sua prima mostra significativa nel 1962 presentava le sue famose lattine di zuppa Campbell, che presumibilmente consumò a pranzo per oltre due decenni. Successivamente, Warhol iniziò a creare opere d'arte raffiguranti oggetti americani emblematici, tra cui banconote da un dollaro, funghi atomici, sedie elettriche, varie lattine, bottiglie di Coca-Cola e figure di spicco come Marilyn Monroe, Elvis Presley ed Elizabeth Taylor, insieme ai titoli dei giornali. La sua produzione artistica ottenne sia una popolarità diffusa che notevoli controversie. Riguardo alla Coca-Cola, Warhol articolò quanto segue:

Un aspetto notevole di questa nazione è che l'America ha avviato l'usanza secondo cui i consumatori più ricchi acquistano fondamentalmente gli stessi prodotti dei più poveri. Si può osservare la Coca-Cola in televisione e riconoscere che il Presidente consuma Coca-Cola, Liz Taylor consuma Coca-Cola e, allo stesso modo, si può anche consumare Coca-Cola. Una Coca-Cola resta una Coca-Cola, e nessun mezzo finanziario può procurare una Coca-Cola superiore a quella consumata da un individuo all'angolo della strada. Tutti i prodotti Coca-Cola sono identici e tutti i prodotti Coca-Cola sono soddisfacenti.

Nel 1962 Warhol produsse la sua celebre serie Marilyn. Le Flavor Marilyns sono state scelte da una collezione di quattordici tele all'interno di questa sottoserie. Alcune tele avevano il titolo dei sapori delle caramelle Life Savers, mentre altre si distinguevano per le tonalità dello sfondo. L'opera di Warhol comprendeva temi sia umoristici che cupi, che andavano da una lattina di zuppa a una sedia elettrica. Applicò costantemente tecniche identiche - serigrafia, riproduzione seriale e uso frequente di colori vivaci - sia che rappresentassero celebrità, eventi quotidiani o immagini angoscianti come suicidi, incidenti automobilistici e catastrofi, esemplificati dalla serie Death and Disaster del 1962-63.

Nel 1970, le serigrafie provenienti dallo studio di Warhol furono trasportate in Europa per la creazione di un nuovo serie di stampe intitolata "Sunday B Morning". Warhol inizialmente autenticò e numerò un'unica edizione comprendente 250 stampe. Tuttavia, a seguito di un disaccordo con alcuni membri del personale dello studio, furono prodotte a Bruxelles edizioni non autorizzate e non firmate, utilizzando gli identici negativi fotografici e le specifiche di colore da lui fornite. Queste stampe successive erano contrassegnate con "Sunday B Morning" o "Aggiungi la tua firma qui" e alcune includevano l'esplicito disclaimer di Warhol: "Questo non è opera mia, Andy Warhol". Tra queste, le stampe portfolio di Marilyn Monroe del 1967 sono le più riconosciute, con una produzione che si estende fino agli anni 2010. Sono state rilasciate edizioni Sunday B Morning anche per altre opere degne di nota, come Flowers, Campbell's Soup I, Campbell's Soup Cans II, Gold Marilyn Monroe e Dollar Bill. Le versioni iniziali presentavano timbri neri sul verso, che passarono al blu negli anni '80.

Durante gli anni '70, Warhol divenne un importante ritrattista, realizzando lavori su commissione raffiguranti celebrità e personaggi dell'alta società. Il suo ritratto finale, eseguito presso lo studio originale della Factory, situato al 33 di Union Square West nel 1974, raffigurava sua madre, Julia Warhola, morta due anni prima. Nella nuova Factory situata all'860 Broadway, abbandonò la pittura con le dita e la complessità gestuale caratteristiche delle sue creazioni del 1972-74 in favore di un'estetica più raffinata e snella, rispecchiando la transizione dal disordine del primo studio all'espansiva chiarezza del secondo. Numerosi ritratti creati da Warhol tra il 1975 e il 1976 mostrano una delicata qualità pastello, raffigurando sguardi remoti sotto sottili applicazioni di azzurro, menta o lavanda. Questo stile particolare ha caratterizzato le sue raffigurazioni di personaggi come Mick Jagger, Joe MacDonald, Roy Lichtenstein, Marilyn Karp, Marcia Weisman, Doda Voridis, Tina Freeman e Carole Coleman.

Sebbene la produzione di Warhol includesse ritratti su commissione, egli realizzò anche lavori non ritratti, alcuni dei quali furono commissionati dai mercanti prima della loro esecuzione. La sua produzione in studio successivamente ritornò all'intensità e al volume caratteristici della sua produzione della metà degli anni '60. Dopo la serie Mao (1972–73), Warhol produsse Hand Coloured Flowers (1974), un portfolio comprendente dieci stampe floreali, che furono serigrafate in nero e successivamente acquerellate a mano. Nel 1975, Warhol completò la serie Ladies and Gentlemen, seguita da Cats and Dogs nel 1976, e dalla serie Skulls più tardi nello stesso anno. Nel 1977, ha introdotto la serie Torsos, dando poi inizio alla serie Shadows (1978–79).

Nel 1979, Warhol ricevette l'incarico di dipingere una versione da corsa della BMW M1 Gruppo 4, contribuendo alla quarta puntata del progetto BMW Art Car. Sebbene inizialmente fosse stato richiesto di verniciare una BMW 320i nel 1978, il modello del veicolo fu successivamente modificato, rendendolo non idoneo per la gara di quell'anno. In particolare, Warhol divenne il primo artista ad applicare la vernice direttamente sull'automobile, invece di delegare il trasferimento di un modello in scala ai tecnici. I resoconti suggeriscono che abbia completato l'intero processo di verniciatura in soli 23 minuti. Il veicolo fu successivamente guidato dai piloti di auto da corsa Hervé Poulain, Manfred Winkelhock e Marcel Mignot alla 24 Ore di Le Mans del 1979.

I dipinti di ossidazione di Warhol, colloquialmente definiti "dipinti di piscio", esemplificati da Jean-Michel Basquiat (1982), meritano di essere presi in considerazione in questa discussione. Inoltre, i metodi di produzione e le qualità estetiche di queste opere riflettevano l'atmosfera distintiva prevalente nello studio Factory di Warhol. Bob Colacello, ex redattore di Interview, ha raccontato che Victor Hugo ha contribuito alle Ossidazioni come un "pisciatore di fantasmi", urinando su tele preparate con vernice color rame da Warhol e Ronnie Cutrone; Warhol presumibilmente affermò che l'assunzione di vitamina B da parte di Cutrone migliorava i colori. Inizialmente, Warhol utilizzava occasionalmente la propria urina, insieme a quella di vari visitatori che trovavano divertente la partecipazione a questo processo artistico.

Dopo un lungo periodo caratterizzato da serigrafia, ossidazione e fotografia, Warhol riprese la tradizionale pittura a pennello. Nel 1983, Warhol iniziò a collaborare con i colleghi artisti Jean-Michel Basquiat e Francesco Clemente. Tra il 1984 e il 1985, Warhol e Basquiat produssero una serie di oltre 50 opere collaborative su larga scala. Nonostante l'iniziale accoglienza della critica alla mostra, Warhol definì alcuni pezzi di questa serie "capolavori".

Nel 1985, Warhol utilizzò i computer Amiga per la creazione di arte digitale, producendo in particolare il cortometraggio You Are the One. Inoltre, ha condotto una dimostrazione televisiva dal vivo con la cantante Debbie Harry come modella.

Il gallerista Alexander Iolas ha incaricato Warhol di creare opere d'arte ispirate all'L'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. La conseguente mostra Ultima Cena fu presentata per la prima volta poco prima della sua scomparsa nel 1987. Questa collezione rappresenta la serie più ampia di opere a tema religioso di un artista americano. Nel periodo immediatamente precedente la sua morte, Warhol fu anche impegnato nella creazione di Cars, una serie di dipinti per Mercedes-Benz.

Sculture

Tra le sculture più riconosciute di Warhol ci sono le sue Brillo Boxes, che sono repliche in inchiostro serigrafato su legno dei grandi contenitori di cartone firmati progettati per contenere 24 confezioni di cuscinetti per sapone Brillo. Il design originale di Brillo è stato concepito dall'artista commerciale James Harvey. Le Brillo Boxes di Warhol appartenevano a una serie di opere d'arte in "cartoni della spesa", che comprendevano anche repliche di ketchup Heinz e scatole di succo di pomodoro Campbell. Altre opere degne di nota includono le Silver Clouds, che comprendono palloncini in Mylar argentato e riempiti di elio a forma di cuscino. A Silver Cloud è stata presentata nella mostra itinerante Air Art (1968–1969), curata da Willoughby Sharp. Inoltre, Clouds è stato adattato da Warhol per il pezzo di danza del coreografo d'avanguardia Merce Cunningham, RainForest (1968).

La Invisible Sculpture di Warhol, creata nel 1980, comprendeva allarmi antifurto posizionati strategicamente attorno al perimetro di una stanza della Factory, diretti verso uno spazio centrale non occupato. All'ingresso di un visitatore nell'area centrale, tutti gli allarmi venivano attivati contemporaneamente. Nel 1984, una variante di Invisible Sculpture, priva di allarmi antifurto, fu installata nel nightclub Area di New York come elemento del tema "Arte".

Il mercato dell'arte

Durante la vita di Warhol, la sua produzione artistica inizialmente aveva prezzi modesti. Nel 1965, dipinti importanti della serie Flowers furono venduti per circa 6.000 dollari, mentre le iterazioni più piccole potevano essere acquistate per appena 400 dollari. Negli anni '70, Warhol aveva coltivato una pratica di ritrattistica altamente redditizia, chiedendo 25.000 dollari per un singolo ritratto commissionato e offrendo una tariffa ridotta di 40.000 dollari per una coppia.

Durante la vita di Andy Warhol, il suo mercato dell'arte iniziò a mostrare una crescita significativa alle aste. Nel 1970, l'opera d'arte Campbell's Soup Can with Peeling Label (1962) raggiunse un prezzo di vendita di $ 60.000 presso le Parke-Bernet Galleries, stabilendo un nuovo record per la somma più alta mai pagata in un'asta pubblica per un'opera di un artista americano vivente. Successivamente, nel 1978, 19 Cents (1962), inizialmente acquistato per 1.300 dollari nel 1962, fu venduto per 95.000 dollari, stabilendo così un nuovo punto di riferimento per le aste delle opere di Warhol.

Dopo la morte di Warhol nel 1987, la valutazione della sua opera continuò la sua sostanziale ascesa, posizionandolo come un artista costantemente ai vertici del mercato dell'arte internazionale. Nel 2014, ad esempio, le creazioni di Warhol hanno raccolto complessivamente all'asta circa 569 milioni di dollari, rappresentando oltre un sesto del mercato artistico globale totale di quell'anno. Nonostante le correzioni di mercato intermittenti, il suo mercato ha costantemente mostrato una notevole resilienza a lungo termine. Il mercante d'arte Dominique Lévy descrisse metaforicamente il mercato di Warhol come "un'altalena tirata in salita", indicando che sebbene i prezzi subiscano fluttuazioni, ogni successivo picco e minimo si manifesta con una valutazione più elevata rispetto al suo predecessore. Lévy ha attribuito questo modello duraturo alla continua introduzione di nuovi collezionisti, osservando che diverse generazioni e gruppi demografici interagiscono periodicamente con il mercato, stimolando così una rinnovata domanda prima che un periodo di stabilizzazione preceda l'emergere del successivo ciclo di interesse.

Le raffigurazioni di personaggi famosi di Warhol raggiungono costantemente prezzi sostanziali, con Marilyn Monroe che rimane tra i suoi soggetti più riconoscibili. Nel 1998, l'industriale S.I. Newhouse Jr. acquistò Orange Marilyn (1964) da Sotheby's per 17,3 milioni di dollari, stabilendo un record allora senza precedenti per un'opera d'arte di Warhol. Dopo la scomparsa di Newhouse nel 2017, il gestore di hedge fund Kenneth C. Griffin si sarebbe procurato Orange Marilyn attraverso una transazione privata, del valore di circa 200 milioni di dollari.

Il mercato dell'arte di Warhol ha registrato una crescita continua e robusta nel corso degli anni 2000. Nel 2007, i collezionisti Stefan Edlis e Gael Neeson cedettero Turquoise Marilyn (1964) al finanziere Steven A. Cohen in un accordo privato del valore di 80 milioni di dollari. Nel maggio 2007, Green Car Crash (Green Burning Car I) (1963) è stato venduto per 71,1 milioni di dollari da Christie's, insieme a Lemon Marilyn (1962) venduto per 28 milioni di dollari nella stessa asta. Successivamente, nel novembre 2009, 200 One Dollar Bills (1962) è stato venduto per 43,8 milioni di dollari da Sotheby's.

La serie "Elvis" rappresenta uno dei contributi artistici più significativi di Warhol; in particolare, undici delle ventidue iterazioni create sono ospitate all'interno di collezioni museali. Nel 2008, Eight Elvises (1963), un'opera d'arte che ritrae Elvis Presley in una posizione da pistolero, è stata acquistata privatamente da Annibale Berlingieri per una stima di 100 milioni di dollari. Anche opere complementari di questa serie hanno ottenuto prezzi considerevoli all'asta, come ad esempio Double Elvis (Ferus Type), che ha raggiunto 37 milioni di dollari da Sotheby's nel 2012, e Triple Elvis (Ferus Type), venduto per 81,9 milioni di dollari da Christie's nel 2014.

I ritratti raffiguranti Elizabeth Taylor hanno analogamente suscitato un notevole interesse per quest'arte. mercato. Nel 2007, Liz (Colored Liz) (1963), precedentemente parte della collezione dell'attore Hugh Grant, è stato venduto per 23,7 milioni di dollari da Christie's. Successivamente, nel novembre 2010, Men in Her Life (1962) ha realizzato 63,4 milioni di dollari da Phillips de Pury, mentre Coca-Cola (4) (1962) ha realizzato 35,3 milioni di dollari da Sotheby's. Nel maggio 2011, Liz No. 5 (Early Coloured Liz) è stata venduta per 26,9 milioni di dollari da Phillips. A ulteriore dimostrazione della forza del mercato, nel maggio 2015 Silver Liz (1963, un dittico) è stato venduto per 28 milioni di dollari, mentre Colored Mona Lisa (1963) è stato venduto per 56,2 milioni di dollari da Christie's.

Anche gli autoritratti di Warhol hanno costantemente ottenuto ottimi risultati nell'arena delle aste. Nel maggio 2010, un autoritratto viola del 1986, precedentemente di proprietà dello stilista Tom Ford, è stato acquistato per 32,6 milioni di dollari da Sotheby's. L'anno successivo, nel maggio 2011, il primo autoritratto conosciuto di Warhol, risalente al 1963-64, fu venduto per 38,4 milioni di dollari da Christie's, mentre un autoritratto rosso del 1986 realizzò 27,5 milioni di dollari nella stessa casa d'aste.

Diverse vendite significative durante gli anni 2010 hanno ulteriormente consolidato la posizione di Warhol come uno degli artisti di maggior valore al mondo. Nel 2010, le sue opere collettive hanno raggiunto vendite per un totale di 313 milioni di dollari, pari al 17% di tutte le transazioni d'asta contemporanee. Nel novembre 2013 si è assistito alla vendita del dittico di Warhol, Silver Car Crash (Double Disaster) (1963), raramente esposto, per 105,4 milioni di dollari da Sotheby's, stabilendo un nuovo record d'asta per l'artista in quel momento. Allo stesso tempo, Coca-Cola (3) (1962) è stata venduta per 57,3 milioni di dollari da Christie's. Nel maggio 2014, Race Riot (1963) è stato venduto per 62,9 milioni di dollari, mentre White Marilyn (1962) ha realizzato 41 milioni di dollari, entrambi da Christie's. La rappresentazione di Marlon Brando realizzata da Warhol, intitolata Four Marlons (1966), ha guadagnato 69,6 milioni di dollari da Christie's nel novembre 2014. Successivamente, nel luglio 2015, la tela dipinta a mano di Warhol One Dollar Bill (Silver Certificate) (1962) è stata acquistata per 32,8 milioni di dollari da Sotheby's.

Mercato di Warhol ha continuato la sua espansione globale negli anni ’20. Nel marzo 2022, Silver Liz (Ferus Type) è stato venduto per 2,3 miliardi di yen (18,9 milioni di dollari) all'asta Shinwa, stabilendo un nuovo record d'asta in Giappone. Nel maggio 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) ha venduto 195 milioni di dollari da Christie's, diventando così l'opera d'arte americana più costosa mai venduta all'asta.

Collectors

Emily e Burton Tremaine furono tra i primi e più influenti mecenati dell'arte di Warhol. Acquisirono oltre 15 delle sue creazioni, tra cui Marilyn Diptych (1962), che ora fa parte della collezione Tate Modern di Londra, e A Boy for Meg (1962), attualmente ospitato alla National Gallery of Art di Washington, DC; entrambi i pezzi furono acquistati direttamente dallo studio di Warhol nel 1962. In segno di gratitudine per il loro costante sostegno e incoraggiamento, Warhol una volta presentò una piccola Testa di Marilyn Monroe ai Tremaines nel loro appartamento di New York come regalo di Natale.

Robert ed Ethel Scull furono anche i primi e significativi benefattori degli sforzi artistici di Warhol. Ethel Scull divenne in particolare il soggetto del primo ritratto commissionato da Warhol, Ethel Scull 36 Times (1963), attualmente incluso nella collezione del Metropolitan Museum of Art.

Arte aziendale

Warhol ha espresso un'affinità con la "Business Art", come articolato nella sua pubblicazione La filosofia di Andy Warhol da A a B e ritorno: "Mi sono dedicato all'arte commerciale. Volevo essere un uomo d'affari o un artista commerciale. Essere bravo negli affari è il tipo di arte più affascinante". Sebbene la sua transizione ad artista puramente commerciale abbia attirato critiche, alcuni critici successivi hanno rivalutato la superficialità e il commercialismo percepiti da Warhol come "lo specchio più brillante dei nostri tempi", affermando che "Warhol aveva catturato qualcosa di irresistibile nello spirito della cultura americana negli anni '70."

Oltre ai suoi contributi alla pittura e al disegno, Warhol ha diretto e prodotto film, ha diretto i Velvet Underground e ha scritto numerosi libri. Ha anche creato opere con diversi media, tra cui audio, fotografia, scultura, teatro, moda e performance art. Un principio fondamentale della sua filosofia creativa era la capacità di dissolvere i confini tra arte, commercio ed esistenza quotidiana. L'artista Maurizio Cattelan ha osservato: "Questa è probabilmente la cosa più bella di Warhol: il modo in cui è penetrato e sintetizzato il nostro mondo, al punto che distinguere tra lui e la nostra vita quotidiana è praticamente impossibile, e comunque inutile."

Filmografia

Tra il 1963 e il 1968, Warhol ha prodotto più di 600 film underground, tra cui brevi Screen Test in bianco e nero, che fornivano ritratti silenziosi e ravvicinati dei visitatori di The Factory. Molte di queste produzioni sono state presentate in anteprima al New Andy Warhol Garrick Theatre nel Greenwich Village e alla 55th Street Playhouse a Midtown Manhattan.

I primi film sperimentali di Warhol costituivano esplorazioni minimaliste della durata e della vita quotidiana. Ad esempio, Sleep (1964) documenta il poeta John Giorno che dorme per più di cinque ore; Kiss (1964) presenta una sequenza di coppie che si baciano; Eat (1964) raffigura Robert Indiana che consuma un fungo in tempo reale; e Blow Job (1964) comprende un'unica inquadratura continua del volto di DeVeren Bookwalter durante un implicito atto sessuale. In riconoscimento di questi sforzi, Jonas Mekas consegnò a Warhol l'Independent Film Award nel 1964, evidenziando la sua crescente influenza nel cinema d'avanguardia. Mike McGrady di Newsday ha lodato Warhol come "il Cecil B. DeMille dei registi off-Hollywood", mentre The Village Voice lo ha identificato come uno dei registi "più entusiasmanti" di New York.

Nel 1964, Warhol creò Batman Dracula, un omaggio non autorizzato all'eroe dei fumetti, che fu presentato esclusivamente alle sue mostre. Sebbene il film sia rimasto incompleto, è riconosciuto come la rappresentazione inaugurale di un Batman decisamente campy. L'anno successivo pubblicò Empire (1965), una rappresentazione statica di otto ore dell'Empire State Building, e Vinyl (1965), un libero adattamento del romanzo distopico di Anthony Burgess A Clockwork Orange. I film di Warhol mancavano di sceneggiature formali, con gli attori incoraggiati a improvvisare i dialoghi. Il suo film più celebre di questo periodo, Chelsea Girls (1966), ha aperto la strada all'uso di doppie proiezioni da 16 mm con tracce audio sincronizzate ma alternate, diventando il primo film underground del decennio a raccogliere significativi consensi di critica. L'ultimo lavoro di regia di Warhol, Blue Movie (1969), con Viva e Louis Waldon, suscitò polemiche a causa della sua natura esplicita ed è riconosciuto come un'opera fondamentale nell'età d'oro della pornografia.

Dopo la guarigione di Warhol da una sparatoria quasi fatale nel 1968, la supervisione della produzione cinematografica fu progressivamente trasferita al suo collaboratore Paul Morrissey. Morrissey ha riorientato la produzione cinematografica associata a Warhol verso film di serie B più convenzionali e basati sulla narrativa, tra cui Flesh (1968), Trash (1970), Heat (1972), Dracula di Andy Warhol (1973) e Frankenstein di Andy Warhol (1974), tutti con Joe Dallesandro. L'ultimo film prodotto da Warhol, Bad, aveva come protagonista Carroll Baker ed è stato prodotto indipendentemente dal coinvolgimento di Morrissey o Dallesandro. È stato diretto dal partner di Warhol, Jed Johnson, che in precedenza aveva assistito Morrissey in diverse produzioni.

La maggior parte dei film di Warhol furono rimossi dalla distribuzione pubblica da Warhol e dal suo team di gestione aziendale. Nel 1984, con la collaborazione di Warhol, il Whitney Museum of American Art e il Museum of Modern Art hanno avviato progetti di restauro, e questi film sono stati successivamente esposti a intermittenza in musei e festival cinematografici. Nel 2022, l'Andy Warhol Museum ha lanciato The Warhol TV, una piattaforma di streaming che fornisce contenuti gratuiti relativi al museo insieme a opzioni di noleggio per film selezionati dal suo archivio.

Teatro e televisione

L'opera teatrale di Warhol Andy Warhol's Pork ha debuttato al La MaMa Theatre di New York nel maggio 1971 per un impegno di due settimane. Successivamente fu trasferito alla Roundhouse di Londra per una lunga durata nell'agosto del 1971. Pork è tratto da dialoghi registrati su nastro tra Brigid Berlin e Warhol. Berlin ha regalato a Warhol le registrazioni delle sue conversazioni telefoniche con sua madre, la socialite Honey Berlin. Nel 1974, Warhol creò le scenografie per il musical Man on the Moon.

Nel 1968, Warhol creò una pubblicità televisiva per i ristoranti Schrafft's di New York City, promuovendo un dessert gelato giustamente chiamato "Underground Sundae". Warhol immaginava uno speciale televisivo incentrato su un tema preferito, "Niente", che intendeva intitolare Niente di speciale. Successivamente, nella sua carriera, ha prodotto tre programmi televisivi: Fashion (1979–80), Andy Warhol's TV (1980–83) e il talk show di MTV Andy Warhol's Fifteen Minutes (1985–87).

Musica e copertine

Nel 1963, Warhol fondò The Druds, un effimero ensemble di musica noise d'avanguardia che comprendeva figure di spicco dei circoli artistici proto-concettuali e minimalisti di New York.

Nel 1965, Warhol patrocinò la band The Velvet Underground, integrandola come componente fondamentale della mostra di performance artistica multimediale Exploding Plastic Inevitable. Il suo impegno con i musicisti dei Velvet Underground derivava dall'ambizione dichiarata di dedicarsi alla produzione musicale. Warhol e Paul Morrissey furono i manager della band, facilitando la loro presentazione a Nico, che successivamente si esibì con l'ensemble per volere di Warhol. Mentre gestiva i Velvet Underground, Warhol fece in modo che si esibissero in abiti completamente neri sullo sfondo dei film che proiettava contemporaneamente.

Nel 1966, Warhol "produsse" l'album di debutto della band, The Velvet Underground & Nico, e ha anche creato l'artwork dell'album. Il suo coinvolgimento nella produzione dell'album si è limitato al finanziamento delle sessioni in studio. Dopo l'uscita del primo album, sorsero disaccordi tra Warhol e il leader della band Lou Reed riguardo alla direzione artistica del gruppo, portando al licenziamento di Warhol nel 1967. Nel 1989, Reed e John Cale collaborarono per la prima volta dal 1972 per comporre, eseguire, registrare e pubblicare il concept album Songs for Drella, che serviva come tributo a Warhol. Nell'ottobre 2019, una registrazione audio di musica inedita di Reed, ispirata al libro di Warhol del 1975, The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again, sarebbe stata scoperta all'interno di un archivio presso l'Andy Warhol Museum di Pittsburgh.

Warhol ha creato numerose copertine di album per diversi artisti, una pratica iniziata durante il suo mandato come illustratore negli anni '50. Notevoli copertine di album da lui disegnate includono I'm Still Swinging (1955) per The Joe Newman Octet, Blue Lights, Vols. 1 e 1 2 (1958) per Kenny Burrell, This Is John Wallowitch!!! (1964) per John Wallowitch, Sticky Fingers (1971) e Love You Live (1977) per i Rolling Stones, The Academy in Peril (1972) per John Cale, Silk Electric (1982) per Diana Ross e Aretha (1986) per Aretha Franklin.

Nel 1984, Warhol ha co-diretto il video musicale di "Hello Again" dei The Cars, facendo un cameo come barista. Due anni dopo, nel 1986, ha anche co-diretto il video musicale di "Misfit" dei Curiosity Killed the Cat, in cui ha avuto un ruolo cameo.

Libri e riviste

Dalla fine degli anni '50 in poi, Warhol creò diversi portfolio non rilegati che mostravano le sue opere d'arte. Nel 1957, Seymour Berlin stampò il libro rilegato di Warhol, 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy. Berlino fu anche responsabile della stampa di altre opere autopubblicate di Warhol, come A Gold Book (1957) e Wild Raspberries (1959). La pubblicazione di Warhol A La Recherche du Shoe Perdu è considerata un segno della sua "transizione da artista commerciale a artista gallerista". Questo titolo è un gioco di parole creato da Warhol, che fa riferimento all'opera dell'autore francese Marcel Proust, À la recherche du temps perdu. La maggior parte di questi libri sono stati prodotti e distribuiti per promuovere le sue illustrazioni e attirare nuove commissioni.

Dopo la sua ascesa alla ribalta, Warhol "scrisse" diversi libri pubblicati in commercio:

Andy Warhol's Index (Book) (1967, ISBN 9780517566985) presentava una rappresentazione della scena della fabbrica di Warhol. Questa pubblicazione incorporava fotografie di Warhol e dei suoi soci, elementi pop-up, un palloncino argentato e un disco flessibile contenente l'audio delle registrazioni su nastro di Warhol di Nico in dialogo con il poeta René Ricard. Inoltre, conteneva tre interviste.
A, a Novel (1968, ISBN 978-0-8021-3553-7) comprende una trascrizione letterale, completa di errori di ortografia e rendering fonetici del rumore di fondo e del discorso indistinto, derivata da registrazioni audio di Ondine e vari amici di Andy Warhol che conversano e socializzano al The Factory.
The Philosophy of Andy Warhol (From A to B & Back Again) (1975, ISBN 978-0-15-671720-5) presenta trascrizioni e testo compilati da Pat Hackett. Questo contenuto era basato su conversazioni telefoniche quotidiane, occasionalmente integrate da cassette audio fornite da Warhol. Queste cassette contenevano discussioni con Brigid Berlin e Bob Colacello, ex redattore della rivista Interview.
Exposures (1979, ISBN 9780448128504), coautore di Warhol e Bob Colacello, è una raccolta di fotografie di Warhol che ritraggono le sue celebrità conoscenti, accompagnate da narrazioni aneddotiche.
POPism: The Warhol '60s (1980, ISBN 978-0-15-173095-7), scritto in collaborazione da Warhol e Pat Hackett, offre un esame retrospettivo degli anni '60 e il significato della pop art in quell'epoca.
Warhol's America (1985, ISBN 978-0060960049) raccoglie fotografie scattate da Warhol durante un decennio di viaggi. Queste immagini sono giustapposte ad aneddoti e riflessioni astute, spesso profonde, che insieme formano un omaggio distintivo agli Stati Uniti.
The Andy Warhol Diaries (1989, ISBN 978-0-446-39138-2), a cura di Pat Hackett, consiste in voci di diario dettate da Warhol a Hackett durante le loro conversazioni telefoniche quotidiane. Warhol inizialmente iniziò a scrivere il diario per monitorare le sue spese a seguito di un audit, ma successivamente lo espanse fino a comprendere le sue osservazioni personali e culturali.

Nel 1969, Warhol ha co-fondato Interview, che inizialmente si concentrava sulla critica cinematografica prima di passare a un'importante pubblicazione di cultura pop nel 1972. Ha anche contribuito con copertine a periodici importanti, tra cui Time, Vogue e Vanity Fair. Per Time, ha creato opere d'arte per storie di copertina come "Today's Teen-Agers" (29 gennaio 1965), caratterizzata da una griglia di sette ritratti fotografici; "The Flying Fondas and How They Grew" (16 febbraio 1970), raffigurante gli attori Jane, Henry e Peter Fonda; "Perché è un thriller" (19 marzo 1984), raffigurante la pop star Michael Jackson, che successivamente ispirò il dipinto Michael Jackson (1984); e "Gotti on Trial" (19 settembre 1986), con il boss del crimine John Gotti. Ulteriori contributi alle riviste comprendevano un ritratto della principessa Carolina di Monaco per Vogue Paris (dicembre 1983/gennaio 1984) e una commissione da parte di Vanity Fair per un ritratto del musicista Prince, che accompagnava l'articolo del novembre 1984 "Purple Fame", culminato nella creazione di Orange Prince (1984).

Documentazione fotografica e audiovisiva

Warhol utilizzò le fotografie Polaroid come materiale fondamentale per i suoi dipinti serigrafici. Queste immagini sono state catturate prevalentemente utilizzando la fotocamera The Big Shot. Per i ritratti, Warhol catturava abitualmente numerose fotografie dei suoi soggetti, selezionando successivamente l'immagine più adatta da utilizzare come base del dipinto. Questa metodologia fotografica distintiva, caratterizzata dall'estetica dell'istantanea, ha influenzato in modo significativo il campo della fotografia artistica. Al di là della sua pratica in studio, Warhol era un fotografo prolifico, che utilizzava spesso la fotocamera portatile Polaroid SX-70. Dal 1976 fino alla sua morte nel 1987, ha utilizzato prevalentemente una fotocamera Minox 35 EL, accumulando una vasta, schietta e diaristica collezione fotografica che documentava visitatori della fabbrica, incontri sociali, conoscenti e personaggi pubblici. Successivamente, il suo archivio, comprendente circa 3.600 provini e 130.000 negativi in bianco e nero, fu acquisito dall'Università di Stanford.

Warhol portava sempre con sé un registratore portatile e una macchina fotografica, documentando meticolosamente conversazioni ed eventi. Notoriamente si riferiva al registratore come a sua "moglie". Parti di queste registrazioni successivamente informarono i suoi sforzi letterari. Inoltre, Warhol condusse e registrò interviste per la rivista Interview, spesso inserendo le sue fotografie Polaroid all'interno del suo contenuto. Nel 2015, Taschen ha pubblicato la pubblicazione Andy Warhol: Polaroids 1958–1987.

Moda

Sfruttando la sua fondamentale esperienza come illustratore commerciale e il suo profondo impegno con le celebrità e la cultura del consumo, Warhol ha integrato efficacemente arte, moda e commercio. Ha affermato in modo famoso: "La moda è più arte che arte... Preferisco comprare un vestito e appenderlo, sai, al muro piuttosto che mettere un dipinto". Spesso descritto come un dandy contemporaneo la cui influenza "si basava più sulla presenza che sulle parole", Warhol navigava senza problemi nei regni dell'arte e della moda, creando vetrine di grandi magazzini, contribuendo con illustrazioni per Vogue e Harper's Bazaar, ospitando un programma televisivo intitolato Fashion e persino assumendo incarichi di modello.

Nel 1965, Warhol iniziò a disegnare pellicce per Coopchik-Forrest, e l'anno successivo si impegnò nel fiorente fenomeno degli abiti di carta quando Abraham & Straus a Brooklyn gli ha esteso l'invito ad adornare gli abiti di carta della Mars Manufacturing all'interno del loro negozio. A questo evento, ha serigrafato la parola "FRAGILE" su un vestito indossato da Nico, firmandolo scherzosamente "Dalí", e successivamente ha stampato importanti motivi di banane su un altro indumento; entrambi i pezzi furono successivamente lasciati in eredità al Brooklyn Museum.

Numerosi individui della coorte di "superstar" di Warhol raggiunsero la ribalta nel settore della moda, tra cui Baby Jane Holzer, Donyale Luna, International Velvet, Carol LaBrie, Jane Forth e Donna Jordan, i quali intrapresero una carriera come modelli professionisti durante gli anni '60 e '70. Inoltre, Warhol ha favorito legami significativi con figure influenti della moda, come Diana Vreeland, Karl Lagerfeld, Yves Saint Laurent, Halston, Diane von Furstenberg, Calvin Klein e Gianni Versace. Le sue collaborazioni includevano il lavoro con Halston per i Coty Awards nel 1972. Nel 1997, il Whitney Museum of American Art ha presentato The Warhol Look: Glamour, Style, Fashion, una mostra organizzata dall'Andy Warhol Museum, che ha evidenziato l'influenza duratura della moda sui suoi contributi artistici.

Persona pubblica

I primi anni '60 segnarono un periodo cruciale nella formazione del personaggio pubblico di Warhol. È stato ipotizzato che la sua costante riluttanza a discutere delle sue opere d'arte o della vita personale, il suo comportamento riservato nelle interviste e persino la progressione del suo caratteristico stile pop art abbiano avuto origine durante il periodo in cui inizialmente incontrò il rifiuto da parte della consolidata comunità artistica di New York.

Warhol forniva spesso ai giornalisti resoconti disparati riguardanti il suo background, le sue abitudini e i suoi metodi di lavoro, utilizzando così i media come piattaforma sperimentale per osservare la diffusione delle informazioni. Come informò People Weekly nel 1976, "Mi piaceva fornire informazioni diverse a riviste diverse perché era come mettere un tracciante su dove le persone ottengono le loro informazioni". Questa deliberata introduzione di piccole discrepanze gli ha permesso di monitorare la propagazione e l'evoluzione delle narrazioni, trasformando così le interviste in componenti integrali della sua continua esplorazione della personalità, della paternità e delle dinamiche dei media.

Warhol spesso delegava altri ad articolare per suo conto. In pubblico adotta sempre più uno stile comunicativo distaccato, riflettendo la sua inclinazione a dissociarsi dalla creazione diretta della sua arte. Adottava spesso un comportamento perplesso e forniva risposte laconiche, spesso monosillabiche - come "cavolo", "uh" e "davvero" - e sembrava trarre soddisfazione dal presentarsi ai media come una "stranezza monosillabica" o un "idiota keatonico sapiente". Warhol una volta affermò: "Se vuoi sapere tutto su Andy Warhol, guarda la superficie dei miei dipinti, dei miei film e di me. Eccomi, non c'è niente dietro". Il suo ragazzo, Jed Johnson, ha ricordato: "Pensava che un artista dovesse mantenere un'espressione neutra sul viso quando mostrava il suo lavoro ad altre persone, che tradire piacere o dispiacere era, ancora una volta, 'banale'. Lo osservavo alle inaugurazioni delle sue mostre in molti musei e gallerie e lui seguiva questa politica in modo coerente." Il fotografo Billy Name ha osservato che la "personalità di Warhol era così vulnerabile che è diventato una difesa alzare una facciata vuota".

In privato, tuttavia, Warhol poteva rivelare un aspetto decisamente divergente del suo carattere rispetto alla sua immagine pubblica meticolosamente creata. Il suo amico e collaboratore Bob Colacello ha ricordato che, nei momenti più intimi, Warhol articolava profonde incertezze riguardo alle relazioni umane, esprimendo spesso difficoltà nel comprendere la felicità degli altri. Quando Colacello gli suggerì di mostrare più emozioni nei confronti di Johnson, che viveva con lui, Warhol rispose: "Se mi lasciassi provare emozioni avrei un esaurimento nervoso", evidenziando così la pervasiva circospezione emotiva che caratterizzò sia la sua esistenza personale che la sua rappresentazione pubblica.

Vita personale

Sessualità e relazioni

Warhol si identificava come gay prima dell'avvento del movimento di liberazione gay, ma spesso nascondeva aspetti della sua vita personale al controllo dei media pubblici. Negli anni '50, Warhol presentò rappresentazioni omoerotiche di nudi maschili a una galleria d'arte, che successivamente le rifiutò a causa dei loro palesi temi omosessuali. Nel suo libro Popism, l'artista racconta una conversazione con il regista Emile de Antonio riguardo alle sfide di accettazione sociale che incontrò con gli allora più importanti (anche se non dichiarati) artisti gay Jasper Johns e Robert Rauschenberg. De Antonio ha spiegato che Warhol era "troppo frizzante e questo li sconvolge... i grandi pittori cercano di guardare dritto; tu giochi con il fruscio: è come un'armatura con te". In risposta, Warhol dichiarò: "Mi sono sempre divertito molto, semplicemente osservando le espressioni sui volti delle persone. Dovresti aver visto il modo in cui tutti i pittori dell'espressionismo astratto si comportavano e il tipo di immagini che coltivavano, per capire quanto fossero scioccate le persone nel vedere un pittore fare bella figura. Di certo non ero un tipo mascolino per natura, ma devo ammettere che ho fatto di tutto per mettere in risalto l'altro estremo."

L'influenza di L'omosessualità di Warhol nella sua produzione artistica è stata oggetto di considerevoli indagini accademiche. Ha articolato la sua identità queer in numerose opere d'arte e film in un'epoca in cui l'omosessualità negli Stati Uniti doveva affrontare una significativa stigmatizzazione sociale e restrizioni legali. Nel corso della sua carriera, Warhol ha creato fotografie erotiche e illustrazioni con nudi maschili. Alcune delle sue opere più famose, tra cui i ritratti di Liza Minnelli, Judy Garland ed Elizabeth Taylor e film come Blow Job (1964), My Hustler (1965) e Lonesome Cowboys (1968), derivano dalla cultura gay underground o indagano esplicitamente la natura intricata della sessualità e del desiderio. Un numero significativo delle sue produzioni cinematografiche ha debuttato nelle sale cinematografiche gay per adulti negli anni '60.

Nel 1980, Warhol affermò in un'intervista alla rivista Forum di essere rimasto vergine. Bob Colacello, ex redattore di Interview, lo considerò plausibile, suggerendo che qualsiasi attività sessuale intrapresa da Warhol probabilmente implicava "un misto di voyeurismo e masturbazione, per usare la parola [di Warhol] astratto". Questa affermazione, tuttavia, è messa in discussione dai registri del trattamento ospedaliero di Warhol del 1960 per i condilomi, un'infezione a trasmissione sessuale. Inoltre, diversi conoscenti hanno riferito di aver visto Warhol in incontri sessuali e di averlo sentito parlare delle sue esperienze sessuali. Charles Lisanby, uno scenografo per il quale Warhol nutriva sentimenti romantici non corrisposti, ricordava che Warhol descriveva il sesso come "disordinato e sgradevole". Lisanby ha inoltre affermato: "Mi ha detto che aveva fatto sesso alcune volte, ci aveva provato e non gli era piaciuto molto". Data l'autoidentificazione di Warhol come asessuale, spesso si presumeva che le sue relazioni fossero platoniche. Jay Johnson, una superstar di Warhol il cui fratello gemello era il partner di lunga data di Warhol, osservò: "Gli piaceva l'idea di essere considerato un voyeur e di essere considerato asessuale. Quella era la sua mistica". Billy Name, che ha avuto un breve coinvolgimento romantico con Warhol, ha commentato: "L'idea di sesso di Andy era di averlo una o due volte e farla finita: con Andy non era una questione di amore, era una questione di compagnia."

Warhol mantenne diverse relazioni sentimentali, in particolare identificando il fotografo Edward Wallowitch come il suo "primo fidanzato". Successivamente, è stato coinvolto con vari uomini, tra cui l'artista John Giorno, l'assistente della Factory Philip Fagan, lo storico dell'arte Robert Pincus-Witten, l'aspirante regista Danny Williams e i soci della Factory Richard Rheem e Rodney La Rod. La sua collaborazione romantica più significativa e duratura fu con Jed Johnson, che prestò assistenza durante il recupero di Warhol da una ferita da arma da fuoco. Johnson ha collaborato con Warhol su progetti cinematografici e in seguito ha ottenuto il riconoscimento come designer di interni. La loro relazione durò 12 anni, durante i quali "funzionarono come marito e marito, condividendo un letto e una vita domestica". Secondo Stuart Pivar, un caro amico di Warhol, l'artista "non aveva più vita sessuale dopo Jed". Jon Gould, dirigente della Paramount Pictures e compagno di Warhol al seguito di Johnson, definì la loro relazione "asessuale" e definì Warhol un "voyeur". Tuttavia, l'assistente di fabbrica Sam Bolton, che trascorse del tempo con Warhol dopo Gould, offrì un punto di vista diverso: "Non era asessuale. Avrebbe fatto sesso con me, se glielo avessi permesso. Era troppo possessivo.... Sapevo che mi considerava il suo ragazzo anche se non lo ero."

Religione

Andy Warhol era un devoto cattolico ruteno. Faceva spesso volontariato nei rifugi per senzatetto di New York City, soprattutto durante i periodi di punta, e si identificava come un individuo religioso. Nel 1966, sua madre, Julia Warhola, informò la rivista Esquire che era un "bravo ragazzo religioso" che frequentava la messa dell'una a St. Paul ogni domenica. Il prete di Saint Vincent Ferrer, la chiesa di Warhol, notò che l'artista la visitava quasi ogni giorno. Sebbene non fosse stato osservato mentre riceveva la Comunione o partecipava alla Confessione, sedeva o si inginocchiava costantemente nei banchi posteriori. Il prete ipotizzò che Warhol temesse il riconoscimento; Lo stesso Warhol affermò di essere consapevole di essere visto in una chiesa cattolica latina fare il segno della croce "in modo ortodosso" (da destra a sinistra, piuttosto che il convenzionale contrario). Nel 1980, Warhol ebbe un'udienza con Papa Giovanni Paolo II in Piazza San Pietro.

Una parte significativa della successiva produzione artistica di Warhol presentava temi religiosi, esemplificati da due serie: Dettagli di dipinti rinascimentali (1984) e Ultima Cena (1986). Warhol ha prodotto quasi 100 variazioni distinte sul motivo dell'Ultima Cena, una produzione prolifica che il museo Guggenheim ha suggerito "indica un investimento quasi ossessivo nell'argomento". Inoltre, una collezione di opere d'arte a tema religioso è stata scoperta postuma nella sua tenuta.

Lo stile artistico di Warhol dimostra un'influenza evidente dalla tradizione cristiana orientale, che si rifletteva in modo prominente nei suoi luoghi di culto. Suo fratello definì l'artista "molto religioso, ma non voleva che la gente lo sapesse perché [era] privato". Nonostante l'aspetto personale della sua fede, John Richardson, nell'elogio di Warhol, lo descrive come profondamente devoto: "Per quanto ne so, fu responsabile di almeno una conversione. Era molto orgoglioso di finanziare gli studi di suo nipote per il sacerdozio".

Da novembre 2021 a giugno 2022, il Brooklyn Museum ha ospitato la mostra Andy Warhol: Revelation. Questa mostra ha esplorato il persistente impegno dell'artista con la sua fede, un tema spesso evidente nelle sue creazioni artistiche.

Raccolte

Warhol era un collezionista prolifico, noto per aver conservato meticolosamente una vasta gamma di oggetti. Nel 1974, durante il trasferimento del suo studio di Manhattan, Warhol iniziò la creazione delle sue "Time Capsules", una serie scultorea modulare composta da 610 contenitori. Ogni contenitore conteneva una media di 800 articoli, la maggior parte dei quali erano scatole di cartone standard, integrate da un grande baule e quaranta cassetti per schedari. Questa collezione comprendeva anche le "Time Capsules" riunite nella sua residenza, contenenti numerosi ricordi personali come corrispondenza, messaggi telefonici, fotografie e oggetti personali di sua madre. Successivamente, queste "Time Capsules" furono trasferite al Museo Andy Warhol.

L'estetica della Broadway Factory di Warhol, fondata nel 1974, è stata significativamente influenzata dai sostanziali arredi Art Déco. All'interno della sala di proiezione, era in primo piano un insieme completo di dodici sedie laterali in bronzo, rivestite in pelle rossa e disegnate da Edgar Brandt. L'ufficio direzionale, caratterizzato dalla sua pannellatura, ospitava un grande tavolo ovale impiallacciato in ebano Macassar, completato da dodici sedie corrispondenti realizzate da Émile-Jacques Ruhlmann. Lo stesso Warhol affermò che una parte considerevole di questi mobili furono inizialmente acquistati come "mobili usati", avendo precedentemente utilizzato come oggetti di scena per la produzione cinematografica.

L'assortimento di manufatti americani di Warhol fu esposto nella mostra del 1977 Andy Warhol's Folk and Funk al Museum of American Folk Art. Tuttavia, la portata complessiva delle sue collezioni rimase in gran parte sconosciuta fino alla sua scomparsa. Jed Johnson, il partner di Warhol, osservò: "Andy aveva la saggezza contadina secondo cui se le persone (sia i molto ricchi che i molto poveri) avessero saputo che avevi qualcosa di buono, probabilmente avrebbero cercato di portartelo via. Quindi nascondeva quello che aveva. Era un consumo poco appariscente. " Questo approccio discreto alla ricchezza era esemplificato dalle abitudini di Warhol, come indossare una collana di diamanti sotto un dolcevita nero, nascondere gioielli nelle scatole di biscotti Famous Amos posizionate sopra il baldacchino del letto e conservare ingenti somme di denaro all'interno del materasso. Nonostante non guidasse personalmente un veicolo, Warhol possedeva una Mercedes e successivamente una Rolls-Royce Silver Shadow. Dopo aver acquistato la Rolls-Royce, Johnson ricevette istruzioni esplicite per affermare che il veicolo era stato ottenuto attraverso un commercio d'arte.

Jed Johnson intraprese l'organizzazione delle vaste collezioni di Warhol. Riconoscendo la necessità di spazio aggiuntivo, Warhol spinse Johnson a localizzare una casa a schiera al 57 East 66th Street nel 1974. Johnson successivamente arredò la residenza a quattro piani, progettando diverse elaborate stanze d'epoca neoclassiche. Durante la loro convivenza, Warhol si impegnò a riporre le borse della spesa esclusivamente negli armadi e nei ripostigli più alti. Tuttavia, dopo la partenza di Johnson nel dicembre 1980, la residenza cittadina si riempì completamente delle numerose acquisizioni di Warhol. Al momento della sua morte, nel febbraio 1987, Warhol occupava solo una camera da letto al secondo piano e la cucina nel seminterrato; tutte le altre stanze, a parte gli alloggi destinati alle sue governanti filippine, le sorelle Nena e Aurora Bugarin, furono utilizzate per scopi di stoccaggio.

Negli ultimi anni della sua vita, Warhol si impegnò spesso in escursioni quotidiane di shopping insieme a Stuart Pivar, chimico e collezionista d'arte. Pivar ha raccontato il loro obiettivo: "vedere se potevamo imbatterci in un paio di capolavori o in qualche ciarpame divertente". Secondo il racconto di Pivar, Warhol concettualizzò la "Warhol Hall" su Madison Avenue, immaginandola come un sostanziale negozio di articoli da regalo integrato con un museo per esporre una collezione di sculture che stava curando. Pivar descrisse Warhol come l'archetipo dell'intenditore, abile nel destreggiarsi in vari mercati, dai mercatini delle pulci e dai negozi di antiquariato alle prestigiose sale d'asta di Christie's e Sotheby's. Fred Hughes, che fu direttore aziendale ed esecutore testamentario di Warhol, confermò il concetto di "Warhol Hall", sottolineando inoltre la loro considerazione di allestire uno stand del mercatino delle pulci.

Dopo la sua scomparsa, alcuni individui pensavano che la residenza di Warhol dovesse essere conservata come una "Graceland del mondo dell'arte", preservando così la sua vasta collezione come testimonianza della cultura del consumo contemporaneo. Tuttavia, il documento testamentario di Warhol non conteneva alcuna clausola per la manutenzione della proprietà o per dettare la destinazione della sua collezione. Di conseguenza, nel 1988, la collezione di Warhol fu messa all'asta da Sotheby's a New York. La vendita ha suscitato un notevole interesse da parte di rivenditori e collezionisti, che hanno gareggiato per 3.436 lotti comprendenti quasi 10.000 articoli distinti. Nel corso dell'asta durata dieci giorni è stata realizzata una somma complessiva di 25,3 milioni di dollari. L'ampiezza delle sue collezioni comprendeva diversi manufatti come insegne di negozi americani, cimeli della Coca-Cola, mobili americani del XIX secolo, mobili Art Déco realizzati da designer famosi tra cui Jacques-Émile Ruhlmann, Jean Dunand, Jean-Michel Frank e Pierre Legrain, oltre a cavalli da giostra, tappeti Navajo, argenteria di Jean Puiforcat, 175 barattoli di biscotti, 313 orologi e 332 pezzi di Fiesta. Merce. Dopo l'asta immobiliare, due curatori affiliati alla Andy Warhol Foundation hanno portato alla luce un tesoro nascosto di gioielli situato all'interno di uno schedario, che era stato utilizzato per conservare i disegni e le stampe di Warhol nella sua casa cittadina. Questa particolare collezione, composta da centinaia di diamanti, numerosi zaffiri, uno smeraldo da 300 carati e 96 orologi di stimati produttori come Patek Philippe, Rolex e Cartier, fu successivamente venduta da Sotheby's nel dicembre 1988, per un valore di 1,6 milioni di dollari.

Warhol dimostrò un vivo interesse per l'acquisizione di opere d'arte, accumulando una collezione di sculture del XIX secolo di artisti come Antoine-Louis Barye, Antonio Canova, Jean-Baptiste Carpeaux e Jean-Léon Gérôme. La sua collezione di dipinti comprendeva opere degne di nota come Miss Bentham (1906) di George Bellows, Peinture Feminin (1954) di Man Ray, Laughing Cat (1961) di Roy Lichtenstein, Mirror (1971) e Sailboats (1974), Screen Piece (1967) e All Beef di Jean-Michel Basquiat (1983). Inoltre, le sue partecipazioni comprendevano pezzi di Marcel Duchamp, Joseph Whiting Stock, Cy Twombly e David Hockney. Johnson ha raccontato la riluttanza di Warhol a esporre le proprie creazioni artistiche all'interno della sua residenza, definendolo "troppo banale" esporre il proprio lavoro.

Warhol manteneva anche una vasta biblioteca, comprendente oltre 1.200 titoli. Questa raccolta, indicativa dei suoi diversi gusti e delle sue attività intellettuali, comprendeva opere come Le due signore Grenville: un romanzo di Dominick Dunne, Artists in Uniform di Max Eastman, D.V. di Diana Vreeland, Blood of a Poet di Jean Cocteau, Volti nascosti di Salvador Dalí e Volti nascosti di Salvador Dalí. Il libro di ricette di Dinah Shore.

Legacy

Nel 1991, il Museo d'arte moderna della famiglia Warhol è stato fondato a Medzilaborce, in Slovacchia, grazie a uno sforzo di collaborazione tra la famiglia di Warhol e il Ministero della Cultura slovacco. Successivamente, nel 1996, l'istituzione fu ufficialmente ribattezzata Museo d'Arte Moderna Andy Warhol.

Nel 1992, la tenuta di Warhol lasciò in eredità 15 acri di terreno dalla sua ex proprietà, Eothen, a The Nature Conservancy. Attualmente designato come The Andy Warhol Preserve, questo appezzamento costituisce una parte di una zona ecologica protetta di 2.400 acri situata a Montauk.

L'Andy Warhol Museum ha iniziato le sue attività a Pittsburgh nel 1994. Questa istituzione ospita la più vasta collezione di opere dell'artista a livello globale.

Per commemorare il 70° anniversario della sua nascita, la residenza cittadina di Warhol nell'Upper East Side, situata al 57 East La 66esima Strada di Manhattan, è stata ufficialmente designata come punto di riferimento culturale dall'Historical Landmarks Preservation Center nel 1998.

Nel 2002, il servizio postale degli Stati Uniti ha emesso un francobollo commemorativo da 18 centesimi in onore di Warhol. Questo francobollo, disegnato da Richard Sheaff di Scottsdale, Arizona, è stato formalmente presentato durante una cerimonia tenutasi presso l'Andy Warhol Museum e mostra in bella mostra il dipinto di Warhol "Autoritratto, 1964".

Nel 2005, il Seventh Street Bridge di Pittsburgh è stato ufficialmente ribattezzato Andy Warhol Bridge, un tributo reso in suo onore.

Secondo una commissione del Public Art Fund, l'artista Rob Pruitt ha fabbricato una scultura cromata raffigurante Warhol, che è stata successivamente installata fuori 860 Broadway, l'ex sede della fabbrica, a Union Square a Manhattan, rimanendo in mostra da marzo a ottobre 2011.

Nel 2012, l'Unione Astronomica Internazionale ha formalmente designato un cratere sul pianeta Mercurio con il nome di Warhol.

Per commemorare il In occasione dell'85° anniversario della nascita di Warhol, nel 2013, l'Andy Warhol Museum e EarthCam hanno avviato una collaborazione intitolata Figment, che ha fornito un feed dal vivo della tomba di Warhol.

Nel 2024, nel 37° anniversario della sua scomparsa, Warhol è stato insignito postumo dell'Ordine della Doppia Croce Bianca di Seconda Classe dall'ambasciatore della Repubblica Slovacca negli Stati Uniti. Questo onore è stato conferito su direttiva del presidente slovacco Zuzana Čaputová, in riconoscimento del suo contributo alla "promozione del buon nome della Repubblica slovacca all'estero".

Nel 2025, Warhol è stato scelto come uno dei primi dieci membri della Pittsburgh Walk of Fame.

La Fondazione Andy Warhol per le arti visive

Le istruzioni testamentarie di Warhol imponevano che il suo intero patrimonio, esclusi gli accantonamenti minori per i membri della famiglia, fosse destinato alla costituzione di una fondazione. La natura estesa delle sue partecipazioni ha reso necessaria un'asta di dieci giorni da parte di Sotheby's dopo la sua scomparsa, che ha fruttato 25,3 milioni di dollari. Di conseguenza, nel 1987, fu inaugurata la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts per amministrare il patrimonio di Warhol e per promuovere il suo obiettivo di coltivare l'espressione artistica innovativa e il processo creativo, con un focus specifico sul sostegno a sforzi stimolanti e sperimentali.

Nel 1995, la fondazione istituì l'Andy Warhol Art Authentication Board, incaricato di valutare le opere d'arte per accertarne l'autenticità. Questo consiglio è stato successivamente sciolto nel 2012, a seguito di numerose e costose cause legali che hanno accumulato costi per circa 10 milioni di dollari, nonostante il successo della fondazione in ogni caso. Joel Wachs, il presidente della Fondazione, ha affermato che questa decisione strategica ha consentito all'organizzazione di reindirizzare le proprie risorse finanziarie verso il sostegno degli artisti, piuttosto che spenderle in contenziosi.

La Artists Rights Society funge da rappresentante del copyright degli Stati Uniti per la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, che comprende tutte le creazioni di Warhol con la sola eccezione delle foto di scena. Il Museo Warhol di Pittsburgh detiene la rappresentanza dei diritti d'autore negli Stati Uniti per le foto dei film di Warhol. Inoltre, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts mantiene accordi specifici riguardo al suo archivio di immagini: Corbis gestisce esclusivamente tutte le immagini digitali di Warhol, mentre Art Resource è responsabile di tutte le immagini trasparenti.

Questa fondazione è una delle principali istituzioni di finanziamento a sostegno delle arti visive negli Stati Uniti. Nel 2007, per commemorare il suo ventesimo anniversario, ha pubblicato un rapporto annuale completo in tre volumi, comprendente: Vol. Io, 1987–2007; Vol. II, Sovvenzioni e finanziamenti Mostre; e Vol. III, Programma precedente. Una notevole collezione di opere d'arte e di effetti personali di Warhol è esposta all'Andy Warhol Museum di Pittsburgh, al quale la fondazione ha contribuito con oltre 3.000 opere d'arte.

La fondazione ha la responsabilità di mettere insieme il Andy Warhol Catalogue Raisonné, che documenta i suoi dipinti e le sue sculture, pubblicato in volumi che delineano periodi specifici del percorso professionale dell'artista. Questa impresa iniziò nel 1977, avviata dal mercante d'arte svizzero Thomas Ammann, durante la vita e la metà della carriera di Warhol. Nel 1993, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts ha collaborato con Thomas Ammann Fine Art al catalogo, assumendo successivamente la supervisione completa del progetto nel 2004. Il sesto e più recente volume è stato pubblicato nel 2024, con un settimo volume attualmente in fase di sviluppo.

Nella cultura popolare

Raffigurazioni cinematografiche

Durante la sua vita, Warhol è apparso in diverse produzioni cinematografiche, tra cui Dynamite Chicken (1971), The Driver's Seat (1974), Cocaine Cowboys (1979) e Tootsie (1982). Dopo la sua scomparsa, è stato ampiamente rappresentato in varie piattaforme cinematografiche e mediatiche. Gli attori che hanno incarnato Warhol includono Crispin Glover in The Doors (1991), Jared Harris in I Shot Andy Warhol (1996), David Bowie in Basquiat (1996), Guy Pearce in Factory Girl (2006), Greg Travis in Watchmen (2009) e Cary Elwes. in Il club dei miliardari (2017). Inoltre, è apparso come personaggio nell'opera di Michael Daugherty Jackie O (1997), insieme a interpretazioni comiche e fantastiche di artisti come Mark Bringelson in Austin Powers: International Man of Mystery (1997), Bill Hader in Men in Black 3 (2012), Tom Meeten in Noel Fielding's Luxury Comedy (2012) e Conan O'Brien in Weird: The Al Yankovic Story (2022).

Secondo quanto riferito, l'attore Jared Leto interpreterà Warhol nel prossimo film biografico, Warhol. Questa produzione è diretta da Michael De Luca, con una sceneggiatura di Terence Winter, e trae la sua narrazione dal libro di Victor Bockris, Warhol: The Biography.

Film documentari

Andy Warhol and his Clan (1970) è un film documentario di 46 minuti del regista tedesco Bert Koetter, che indaga la fabbrica di Warhol e gli ambienti abitati da molte delle sue importanti "superstar". Questo film è stato presentato in anteprima nelle sale del Regno Unito nel 1971.
Warhol (1973) rappresenta un documentario ITV prodotto dal fotografo britannico David Bailey. Sebbene inizialmente proibito dai tribunali britannici a causa del materiale percepito come "indecente", il film include interviste senza riserve con l'artista e i suoi collaboratori.
Superstar: The Life and Times of Andy Warhol (1990), un lungometraggio documentario diretto da Chuck Workman, ha debuttato al 40° Festival internazionale del cinema di Berlino.
Il film del 2001 Absolut Warhola, diretto da Stanislaw Mucha, documentava la famiglia ancestrale di Warhol e la città natale dei suoi genitori in Slovacchia.
Ric Burns ha diretto il documentario in due parti Andy Warhol: A Documentary Film (2006), presentato in anteprima su PBS all'interno della serie American Masters e ha ricevuto un Peabody Award nello stesso anno.
Catherine Shorr ha diretto il documentario televisivo in tre parti Andy Warhol's People Factory (2008), che includeva interviste con numerose persone associate a Warhol.
La docuserie Netflix del 2022 The Andy Warhol Diaries, diretta da Andrew Rossi, è composta da sei parti e racconta la vita di Warhol attraverso la prospettiva dei suoi diari personali.

Televisione e pubblicità

Warhol appariva spesso in televisione e si impegnava attivamente con la pubblicità, percependo queste piattaforme come parte integrante della sua esplorazione artistica dei mass media e del consumismo. Nel 1955, disegnò sfondi illustrati per un programma della CBS, Music '55, con il leader di una band jazz Duke Ellington. La sua prima apparizione televisiva avvenne nel 1963, quando il suo lavoro in studio fu documentato per lo speciale della CBS-TV "Exhibitions: Contemporary American Painters", che esaminava gli artisti americani contemporanei nei loro ambienti creativi.

Nel 1965, Warhol e la sua musa ispiratrice, Edie Sedgwick, furono ospiti del The Merv Griffin Show. Durante l'intervista, le risposte di Warhol furono minime, spesso limitate a gesti o osservazioni sussurrate, mentre Sedgwick delucidava i suoi concetti di Pop Art e il suo caratteristico disimpegno emotivo dalle forme artistiche convenzionali.

Warhol dimostrò un notevole entusiasmo per le approvazioni dei prodotti. Nel 1969, apparve in due spot pubblicitari per la campagna "When You Got It - Flaunt It" della Braniff International Airways, uno dei quali includeva il pugile dei pesi massimi Sonny Liston. Queste apparizioni indicarono l'impegno attivo iniziale di Warhol con la pubblicità come modalità di esibizione pubblica. Il suo primo accordo di sponsorizzazione coerente fu stipulato nel 1973 con Pioneer Electronics. Questa campagna inaugurale presentava Warhol e il suo bassotto Archie, posizionati tra altoparlanti stereo, giradischi e registratori, accompagnati dallo slogan "La sinfonia incompiuta di Andy Warhol".

La presenza televisiva di Warhol aumentò significativamente nel corso degli anni '80. Nel 1981, è apparso nella serie della BBC Arena con gli scrittori William S. Burroughs e Victor Bockris, e più tardi quell'anno ha filmato un segmento per Saturday Night Live. Allo stesso tempo, è apparso in uno spot pubblicitario dei nastri Sony Beta, dove è stato raffigurato accanto a un ritratto di Marilyn per evidenziare la capacità del nastro di "colori brillanti e sfumature delicate". Successivamente, partecipò alla pubblicità della videocassetta TDK nel 1983 e della Diet Coke nel 1985. Sempre nel 1985, Warhol fece un'apparizione come versione romanzata di se stesso nel 200esimo episodio di The Love Boat e appoggiò la lacca per capelli di Vidal Sassoon. Il suo coinvolgimento si estese alla pubblicità sulla stampa nel 1986, quando apparve in una pubblicità per la società di investimento Drexel Burnham Lambert.

Dopo la sua morte, Warhol è stato rappresentato in televisione da John Cameron Mitchell in Vinyl (2016) e da Evan Peters in American Horror Story: Cult (2017).

Musica

Warhol ha esercitato un'influenza profonda e duratura sulla musica popolare e sui musicisti di generi diversi. È stato un'ispirazione significativa per la band new wave e punk Devo e per il musicista inglese David Bowie, che ha incluso la canzone "Andy Warhol" nel suo album Hunky Dory del 1971.

La vita personale e le esperienze di Warhol hanno influenzato direttamente la creazione di composizioni musicali specifiche. Lou Reed compose "Andy's Chest" dopo la sparatoria quasi fatale di Warhol; inizialmente registrato dai Velvet Underground nel 1969, una versione rivista fu successivamente pubblicata sull'album solista di Reed del 1972 Transformer. Anche la rock band canadese Triumph ha fatto riferimento a Warhol nella canzone "Stranger in a Strange Land", contenuta nell'album Thunder Seven del 1984.

Nel corso della sua vita, Warhol è apparso in numerosi video musicali, in particolare "Hello Again" (1984) dei The Cars, "Misfit" (1986) dei Curiosity Killed the Cat e "I'm Not Perfect (But I'm Perfect for You)" (1986) di Grace Jones. Il suo impatto culturale è persistito postumo; ad esempio, il video musicale del 1995 per "Scream" di Michael Jackson e Janet Jackson raffigura un autoritratto di Warhol che si trasforma in un dipinto splatter di Jackson Pollock.

Libri

Sono stati pubblicati numerosi lavori biografici e critici sulla vita e la carriera di Warhol. Una biografia autorizzata, Warhol, scritta dal suo socio e critico d'arte David Bourdon, è stata pubblicata nel 1989. Contemporaneamente, Victor Bockris ha pubblicato Warhol: The Biography nello stesso anno. Bob Colacello, ex direttore esecutivo della rivista Interview di Warhol, scrisse il libro di memorie Holy Terror: Andy Warhol Close Up nel 1990. Nel 2001, il critico culturale e poeta Wayne Koestenbaum contribuì alla biografia Andy Warhol. Più recentemente, nel 2020, il critico d'arte Blake Gopnik ha prodotto l'ampia biografia Warhol.

Fumetti

Warhol appare come un personaggio nella serie di fumetti Miracleman. Nel 2016, Abrams ComicArts ha pubblicato il libro di Nick Bertozzi, Becoming Andy Warhol, con illustrazioni di Pierce Hargan. Successivamente, nel 2018, SelfMadeHero ha pubblicato la graphic novel Andy: The Life and Times of Andy Warhol, creata dall'illustratore olandese Typex.

Videogiochi

Warhol è raffigurato nel videogioco del 2003 The Sims: Superstar, dove lavora come fotografo a Studio Town. Inoltre, un cameo di Warhol, interpretato da Jeff Grace, si verifica nel videogioco Immortality del 2022.

Controcultura degli anni '60

Controcultura degli anni '60
Fondazione Andy Warhol contro Goldsmith

Note

Fonti dei libri

Riferimenti

Bibliografia

Bockris, Victor (1997). Warhol (1a Da Capo Press ed.). New York: Da Capo Press. ISBN 9780306807954.
Bourdon, David (1989). Warhol. New York: Abrams. ISBN 978-0810917613.
Colacello, Bob (1990). Sacro Terrore: Andy Warhol da vicino. New York: HarperCollins. ISBN 978-0-06-016419-5.
Flatley, Jonathan (2017). Come Andy Warhol. University of Chicago Press. ISBN 978-0-226-50557-2.
Gopnik, Blake (2020). Warhol. Ecco. ISBN 978-0-06-229839-3.Koestenbaum, Wayne (2001). Andy Warhol. New York: Viking Penguin. ISBN 978-0-670-03000-2.Scherman, Tony; Dalton, David (2009). Pop, il genio di Andy Warhol. Harper Collins. ISBN 9780066212432.Warhol, Andy; Hackett, Pat (1980). POPism: The Warhol '60s. Hardcore Brace Jovanovich. ISBN 978-0-15-173095-7.Warhol, Andy; Hackett, Pat (1989).The Andy Warhol Diaries. Libri Warner. ISBN 978-0-446-39138-2.Watson, Steven (2003). Factory Made: Warhol e gli anni Sessanta. New York: Pantheon Books. ISBN 978-0-679-42372-0.
Andy Warhol al Metropolitan Museum of Art

Andy Warhol alla Galleria Nazionale d'Arte

Fondazione Warhol a New York

Collezione Andy Warhol a Pittsburgh

Warholstar: film, arte e superstar di Andy Warhol

Andy Warhol

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