Instrumento de cordas (String instrument)

Dentro da taxonomia dos instrumentos musicais, os instrumentos de cordas, também conhecidos como cordofones, são definidos como dispositivos que geram som através da vibração das cordas, acionados por um intérprete que emprega diversas técnicas, como dedilhar, dedilhar ou bater.

Os métodos para acionar instrumentos de cordas são diversos; por exemplo, instrumentos como guitarras são tocados dedilhando as cordas com os dedos ou uma palheta, enquanto outros, como violinos, são tocados puxando-se um arco sobre eles. Certos instrumentos envolvem bater nas cordas, diretamente ou por meio de mecanismos como leves martelos de madeira. Em instrumentos de teclado específicos, incluindo o cravo, o pressionamento de uma tecla inicia o toque de uma corda.

Em instrumentos de arco, o intérprete desenha um arco de crina de resina nas cordas para induzir vibração. Por outro lado, com um realejo, o músico gira uma roda rosinada que faz contato com as cordas. Os instrumentos de arco abrangem a seção de cordas orquestral da música clássica ocidental, especificamente o violino, a viola, o violoncelo e o contrabaixo. Além disso, incluem instrumentos históricos como violas e gambas, predominantes na música barroca antiga, e violinos, comuns em várias tradições musicais folclóricas. Uma técnica comum para todos os instrumentos de cordas com arco é o "pizzicato", onde as cordas são dedilhadas com os dedos. A guitarra elétrica emprega uma ampla gama de técnicas de performance, como dedilhar com as unhas ou uma palheta, dedilhar, "bater" no braço e utilizar feedback de um amplificador distorcido para obter tons sustentados.

Certos instrumentos de cordas, incluindo a harpa e o baixo elétrico, são tocados principalmente por dedilhação. Outros exemplos incluem cítara, rebab, banjo, bandolim, ukulele e bouzouki. Dentro da organologia, o sistema Hornbostel-Sachs de classificação de instrumentos musicais designa instrumentos de cordas como cordofones. Sachs afirma:

Cordofones são instrumentos equipados com cordas. Essas cordas podem ser tocadas com baquetas, dedilhadas com os dedos nus ou com uma palheta, curvadas ou (como exemplificado pela harpa eólia) tocadas pelo vento. A extensa variedade de instrumentos de cordas pode ser categorizada em quatro tipos fundamentais: cítaras, alaúdes, liras e harpas.

Na maioria dos instrumentos de cordas, as vibrações das cordas são transmitidas ao corpo do instrumento, que normalmente apresenta uma câmara ressonante oca ou fechada. Este corpo, junto com o ar interno, vibra posteriormente, amplificando assim o som da corda tanto para o intérprete quanto para o público. Embora a maioria dos instrumentos de cordas possua um corpo oco para melhor projeção sonora, alguns, como guitarras elétricas e outros instrumentos amplificados eletronicamente, podem utilizar um corpo de madeira maciça.

Classificação

Na musicologia, os instrumentos de cordas são formalmente reconhecidos como cordofones. Esta categoria constitui uma das cinco divisões principais dentro do sistema Hornbostel-Sachs de classificação de instrumentos musicais.

O sistema Hornbostel-Sachs categoriza os cordofones em dois grupos principais: aqueles que não possuem um ressonador integral (classificados como 31, ou "simples") e aqueles que possuem tal ressonador (classificados como 32, ou "composto"). Embora a maioria dos instrumentos ocidentais pertençam ao último grupo, o piano e o cravo são exceções, enquadrando-se no primeiro. O critério definidor para atribuição de subgrupo é se o ressonador pode ser desconectado sem comprometer a funcionalidade do instrumento; em caso afirmativo, é designado como 31. Embora possa parecer contra-intuitivo, o invólucro do piano, que funciona como um ressonador, pode teoricamente ser removido sem destruir o instrumento, já que sua ação e cordas permaneceriam tocáveis ​​fora do invólucro principal. Este princípio não se aplica ao violino, onde as cordas passam por uma ponte situada na caixa ressonadora; conseqüentemente, a remoção do ressonador eliminaria a tensão das cordas.

Curt Sachs subdividiu ainda os cordofones em quatro categorias fundamentais: cítaras, alaúdes, liras e harpas.

• A categoria de cítaras engloba cítaras coladas, exemplificadas pelo arco musical; cítaras tubulares, que utilizam um tubo como ressonador, como a valiha; cítaras de jangada, formadas pela ligação de múltiplas cítaras tubulares em uma estrutura unificada; cítaras de tabuleiro, incluindo clavicórdio, piano e dulcimer; e cítaras longas (caracterizadas como uma combinação de cítaras de meio tubo e de tábua), que incluem instrumentos das famílias Se e Guzheng.
• Alaúdes são instrumentos musicais de cordas caracterizados por corpo e braço, que funcionam tanto como alça quanto como mecanismo de extensão das cordas para além da estrutura principal do instrumento. Esta família de instrumentos abrange não apenas alaúdes dedilhados de pescoço curto, como alaúde, oud, pipa, guitarra, citole, gittern, mandore, rubab e gambus, e alaúdes dedilhados de pescoço longo, como tanbura, swarabat, bağlama, bouzouki, veena, theorbo, archlute, pandura, sitar e setar, mas também instrumentos de arco incluindo Yaylı tambur, rebab, erhu e toda a família de violas e violinos.
• As liras se distinguem por dois braços conectados por uma canga ou barra transversal, com cordas esticadas entre esta barra e a caixa acústica. Sachs categorizou as liras em dois tipos principais: a lira de caixa, exemplificada pelo grego kithara, e a lira de tigela, que utilizava uma tigela invertida com uma caixa acústica de pele.
• A harpa é caracterizada por cordas posicionadas verticalmente em relação ao seu tampo.

Primeiros instrumentos de corda

Uma pintura rupestre na caverna Trois Frères, na França, datada de aproximadamente c. 13.000 a.C., é interpretada por alguns estudiosos como representando um arco musical - um arco de caça reaproveitado como um instrumento musical de corda única. O arco musical é considerado um precursor do qual evoluíram várias famílias de instrumentos de cordas; a adição de múltiplas cordas, cada uma produzindo uma nota distinta, facilitou a criação de harpas de arco, harpas e liras. Posteriormente, esse desenvolvimento possibilitou a execução de díades e acordes. Outras inovações levaram à transformação da harpa de arco em alaúde, conseguida endireitando o instrumento e incorporando uma ponte para elevar as cordas do braço.

A teoria evolutiva que liga o arco musical ao arco da harpa permanece um assunto de debate acadêmico. Em 1965, Franz Jahnel criticou esta perspectiva, afirmando que os primeiros ancestrais precisos dos instrumentos dedilhados ainda não foram identificados. Jahnel afirmou que o arco da harpa estava muito distante do artesanato avançado demonstrado pelas civilizações da Ásia Ocidental por volta de 4.000 a.C., que transformaram a tecnologia primitiva em "harpas, liras, cítaras e alaúdes técnica e artisticamente bem feitas". milênios. A evolução dos instrumentos de lira exigiu capacidade tecnológica para desenvolver um mecanismo de afinação para ajustar a tensão das cordas. Liras com corpo de madeira, tocadas com dedilhadas ou arcos, são consideradas instrumentos essenciais que prenunciaram harpas posteriores e instrumentos da família do violino. Além disso, foram descobertos instrumentos indianos de 500 a.C., com entre 7 e 21 cordas. Além disso, um instrumento de corda única de 2.000 anos feito de chifre de veado foi descoberto no Vietnã.

Alaúdes

Musicólogos apresentaram exemplos de tecnologia de instrumentos do século IV a.C., fazendo referência a imagens gravadas que sobreviveram. No entanto, a representação mais antiga de um instrumento semelhante ao alaúde origina-se da Mesopotâmia, anterior a 3.000 aC. Um selo cilíndrico, atualmente guardado no Museu Britânico e datado de aproximadamente c. 3100 a.C. ou antes, ilustra o que se acredita ser uma mulher tocando alaúde. Com base nessas imagens existentes, os teóricos categorizaram os alaúdes mesopotâmicos, demonstrando sua evolução em variedades distintas, longas e curtas. A linhagem de alaúdes longos pode ter posteriormente se desenvolvido em instrumentos como o tambur e a pandura. Por outro lado, a linhagem do alaúde curto sofreu maior desenvolvimento a leste da Mesopotâmia, especificamente na Báctria, Gandhara e no noroeste da Índia, com representações aparecendo em esculturas do século II a.C. até os séculos IV ou V d.C..

Durante a era medieval, a evolução dos instrumentos musicais exibiu variações regionais em todo o mundo. As rebecs do Oriente Médio marcaram avanços significativos no design de instrumentos, apresentando formato de meia pêra e três cordas. Em contraste, as primeiras formas de violino e rabeca surgiram na Europa, influenciadas por instrumentos como o gittern – um precursor de quatro cordas do violão – e alaúdes fundamentais. As cordas desses instrumentos eram normalmente feitas de materiais como categute (intestino animal) e seda.

Da Renascença à Modernidade

O design dos instrumentos de cordas passou por um refinamento significativo ao longo da Renascença e no período barroco (1600-1750) da história musical. Durante esse período, violinos e violões alcançaram maior consistência de design, apresentando uma semelhança geral com os violões do século XXI. Os violinos renascentistas eram caracterizados por trabalhos em madeira e cordas intrincados, enquanto instrumentos de baixo mais complexos, como a bandora, foram desenvolvidos simultaneamente com cítaras depenadas e guitarras de corpo espanhol.

O século XIX testemunhou a ampla disponibilidade de instrumentos de cordas devido à produção em massa, estabelecendo instrumentos de cordas de madeira como componentes integrantes de conjuntos orquestrais. Instrumentos como violoncelos, violas e contrabaixos tornaram-se padrão em grupos de câmara e orquestras menores. Ao mesmo tempo, o violão desta época transitou predominantemente para configurações de seis cordas, divergindo dos modelos anteriores de cinco cordas. Durante o século 20, avanços significativos em instrumentos de cordas centraram-se na amplificação eletrônica e na música eletrônica. Os violinos elétricos, introduzidos na década de 1920, desempenharam um papel crucial na nascente cena musical jazz nos Estados Unidos. Embora o violão fosse predominante no blues e no jazz, sua inerente falta de volume limitava seu uso principalmente ao acompanhamento nas seções rítmicas, impedindo-o de funcionar como instrumento solo em big bands da década de 1920, ao contrário de instrumentos mais altos, como o saxofone e o trompete. A subsequente invenção dos amplificadores de guitarra, que integravam um amplificador de potência e um alto-falante dentro de uma caixa de madeira, permitiu aos guitarristas de jazz executar solos de forma audível em uma big band. Essa inovação abriu caminho para o desenvolvimento da guitarra elétrica, um instrumento projetado especificamente para conexão com esses amplificadores, com captadores magnéticos, botões de controle de volume e um conector de saída.

A década de 1960 viu o surgimento de amplificadores de guitarra maiores e mais potentes, coloquialmente conhecidos como "stacks". Esses formidáveis ​​sistemas de amplificação facilitaram as apresentações de guitarristas em bandas de rock em locais amplos, incluindo estádios e festivais de música ao ar livre. Ao mesmo tempo, as décadas de 1960 e 1970 testemunharam a introdução de uma gama diversificada de unidades de efeitos eletrônicos, frequentemente embaladas como pedais compactos de stompbox, como pedais fuzz, flangers e phasers. Essas inovações permitiram que os artistas gerassem novos sons distintos, especialmente durante o movimento do rock psicodélico. Os avanços tecnológicos na guitarra elétrica e no baixo, juntamente com a evolução dos estilos de tocar, catalisaram desenvolvimentos significativos na música pop e rock ao longo das décadas de 1960 e 1970. O som característico da guitarra elétrica amplificada tornou-se central para gêneros emergentes como blues rock e jazz-rock fusion. Além disso, o imenso poder sonoro da guitarra elétrica altamente amplificada e altamente distorcida serviu como um elemento fundamental do início da música heavy metal, onde a guitarra distorcida era empregada para papéis principais e acordes poderosos definiam a guitarra base.

A integração contínua de amplificação eletrônica e unidades de efeitos em instrumentos de cordas, desde violinos tradicionais até guitarras elétricas modernas, enriqueceu as performances de música clássica contemporânea. Essa integração também facilitou a experimentação extensiva com as faixas dinâmicas e tímbricas (cor de tom) disponíveis para orquestras, bandas e artistas solo.

Classificações de instrumentos

Projeto Estrutural

Os instrumentos de corda são amplamente categorizados em três grupos principais:

Alaúdes

Instrumentos caracterizados por cordas sustentadas por um braço e um braço (corpo ressonante), exemplificados pelo violão, violino ou saz.

Harpas

Instrumentos com cordas encerradas em uma estrutura estrutural.

Cítaras

Instrumentos cujas cordas são fixadas em um corpo, moldura ou tubo, incluindo exemplos como guqin, cimbalom, harpa automática, cravo, piano ou valiha.

Como alternativa, os instrumentos podem ser classificados com base na técnica principal de execução.

Técnicas de Performance

Todos os instrumentos de cordas geram som através da vibração de uma ou mais cordas, sendo essa vibração posteriormente transmitida ao ar pelo corpo do instrumento ou, em instrumentos amplificados eletronicamente, por um captador. A classificação normalmente depende do método empregado para induzir a vibração das cordas ou do método predominante se múltiplas técnicas forem aplicáveis. As três técnicas mais prevalentes são arrancar, curvar-se e golpear. Uma distinção crítica entre arco e dedilhação reside na natureza periódica do arco, que mantém os tons harmônicos em uma relação precisamente harmônica com a frequência fundamental.

Plucking

A dedilhação constitui um método de execução de instrumentos como veena, banjo, ukulele, violão, harpa, alaúde, bandolim, oud e cítara, envolvendo o uso de um dedo, polegar ou pena (atualmente palheta de plástico) para ativar as cordas.

Instrumentos normalmente tocados com arco também podem ser dedilhados, uma técnica designada pelo termo italiano pizzicato.

Curvando

O arco, conhecido em italiano como arco, representa uma técnica fundamental para a produção sonora em diversos instrumentos de cordas, abrangendo violino, viola, violoncelo, contrabaixo (todos membros da família do violino) e a histórica família da viola. O arco em si é composto por uma vara munida de uma fita de fios de crina paralelos tensionados entre suas extremidades. Essa crina é tratada com breu, substância que aumenta sua aderência às cordas. O ato de passar o cabelo breu por uma corda inicia um fenômeno stick-slip, que induz a vibração da corda e, conseqüentemente, gera o som do instrumento. Variedades de colofónia com graus mais escuros oferecem aderência superior em ambientes mais frios e secos, mas podem tornar-se excessivamente adesivas em condições mais quentes e úmidas. Normalmente, os músicos de violino e viola optam por resinas mais duras e de cor mais clara, enquanto os músicos que tocam instrumentos mais graves geralmente preferem formulações mais escuras e suaves.

Entre os instrumentos de cordas mais antigos está o ravanahatha. A linhagem dos instrumentos de cordas de arco contemporâneos remonta ao rebab dos impérios islâmicos, ao kamanche persa e à lira bizantina. Instrumentos de arco adicionais incluem rebec, hardingfele, nyckelharpa, kokyū, erhu, igil, sarangi, morin khuur e K'ni. Exclusivamente, o realejo produz som através de uma roda giratória que curva suas cordas. Em raras ocasiões, o violão foi tocado com arco, em vez de dedilhado, para obter efeitos sonoros distintos.

Golpeando

O terceiro método predominante para gerar som em instrumentos de cordas envolve tocar as cordas. Tanto o piano quanto o dulcimer martelado exemplificam essa técnica. Apesar da ação percussiva do piano nas cordas, a incorporação de martelos de feltro resulta em uma qualidade tonal suave e arredondada, que contrasta fortemente com o ataque abrupto produzido por um mecanismo de percussão mais duro.

Os intérpretes de instrumentos da família do violino às vezes são orientados a golpear as cordas com a vara de madeira do arco, uma técnica designada como col legno. Este método gera um som percussivo em conjunto com a altura fundamental da nota. Um exemplo notável de aplicação de col legno em seções de cordas orquestrais é encontrado no movimento "Marte" de Gustav Holst da suíte The Planets.

Métodos alternativos

A harpa eólica utiliza um método altamente distinto de geração de som, em que suas cordas são vibradas pela energia cinética do ar em movimento.

Certos instrumentos de cordas incorporam um teclado integrado, permitindo ao intérprete pressionar teclas que ativam um mecanismo para soar as cordas, em vez de se envolver na manipulação direta. Os exemplos incluem piano, clavicórdio e cravo. Nestes instrumentos de teclado, ocasionalmente é empregado dedilhar ou arquear manualmente as cordas. Compositores contemporâneos, como Henry Cowell, compuseram peças que exigem que os intérpretes cheguem ao piano para tocar as cordas diretamente, 'curvá-las' usando o cabelo do arco enrolado nas cordas ou produzir som rolando a campainha de um instrumento de sopro, como um trombone, através do conjunto de cordas. No entanto, estes representam técnicas especializadas que são raramente utilizadas.

Instrumentos de cordas com chave adicionais, projetados para portabilidade e adequados para músicos itinerantes, incluem a autoharpa dedilhada, a nyckelharpa curvada e o realejo, que é operado girando uma roda com resina.

Instrumentos de cordas de aço, incluindo guitarras, baixos e violinos, também podem ser tocados através da aplicação de um campo magnético. O E-Bow, um dispositivo compacto, portátil e alimentado por bateria, excita magneticamente as cordas de um instrumento de cordas elétrico, produzindo assim um tom ressonante e sustentado semelhante a uma nota de violino curvada prolongada.

A técnica da 'terceira ponte' envolve um método de dedilhar em que o intérprete trasta uma corda e, em seguida, toca o segmento da corda localizado no lado oposto à ponte primária. Essa técnica é predominantemente empregada em instrumentos elétricos devido aos seus captadores, que são projetados para amplificar vibrações localizadas das cordas. Embora viável em instrumentos acústicos, a sua eficácia é consideravelmente diminuída. Por exemplo, um guitarrista pode pressionar uma corda na sétima casa e puxá-la no lado do cabeçote, fazendo com que um tom ressoe no segmento além da ponte. Em instrumentos elétricos, esta técnica produz sons complexos e multitonais que evocam sinos ou sinos.

Instrumentos de cordas elétricos, principalmente a guitarra elétrica, também podem ser tocados sem contato físico direto com as cordas através da utilização de feedback de áudio. Quando uma guitarra elétrica é conectada a um amplificador potente e de alto volume equipado com um alto-falante, e um grau significativo de distorção é deliberadamente aplicado, o instrumento gera tons agudos e sustentados. Ao manipular a distância entre a guitarra e o alto-falante, o músico pode criar sons únicos, inatingíveis por meio de métodos convencionais de dedilhado e palhetada. Essa técnica ganhou destaque com Jimi Hendrix e outros artistas durante a década de 1960 e se tornou uma marca registrada do rock psicodélico e dos gêneros heavy metal.

Modificando o tom de uma corda vibrante

O tom de uma corda vibrante pode ser alterado através de três métodos principais. Embora os instrumentos de cordas sejam normalmente afinados ajustando a tensão das cordas, já que modificar o comprimento ou a densidade linear é muitas vezes impraticável para esse propósito, os instrumentos com escalas permitem que os músicos alterem o tom alterando o comprimento do segmento vibratório. Estes princípios baseiam-se no modelo teórico de uma corda infinitamente flexível ancorada entre dois suportes fixos. Na realidade, as cordas apresentam curvatura finita na ponte e na pestana, e o movimento da ponte impede que ela funcione como um nó vibracional preciso. Consequentemente, as relações proporcionais subsequentes devem ser consideradas aproximações.

Comprimento da string

A altura produzida por uma corda pode ser modificada alterando seu comprimento efetivo. Especificamente, um aumento no comprimento das cordas produz um tom mais baixo, enquanto uma redução no comprimento produz um tom mais alto. Por exemplo, harpas de concerto incorporam pedais que acionam um mecanismo rígido para encurtar o segmento vibratório de uma corda durante a execução. Esta relação é expressa matematicamente como uma proporcionalidade inversa entre frequência e comprimento:

f ∝<!-- ∝ --> §1314§ eu {\displaystyle f\propto {\frac {1}{l}}}

Consequentemente, duplicar o comprimento de uma corda resulta em um tom com metade da frequência, correspondendo a uma diminuição de uma oitava no tom.

Tensão da corda

Variar a tensão aplicada a uma corda também permite a modificação da afinação. A tensão reduzida (uma corda mais solta) produz um tom mais baixo, enquanto a tensão aumentada (uma corda mais apertada) produz um tom mais alto. Em uma guitarra pedal steel, pressionar um pedal eleva o tom de cordas específicas, aumentando mecanicamente sua tensão (alongando-as); liberar o pedal restaura a afinação original. Da mesma forma, as alavancas de joelho no mesmo instrumento podem diminuir o tom, liberando e subsequentemente restaurando a tensão das cordas. Até mesmo um baixo rudimentar de banheira, construído com corda, cabo de vassoura e banheira, demonstra este princípio: aumentar a tensão da corda gera um tom mais alto, enquanto diminuí-la resulta em um tom mais baixo. Matematicamente, a frequência é diretamente proporcional à raiz quadrada da tensão:

${\displaystyle f\propto {\sqrt {T}}}$

Densidade Linear

O tom de uma corda também pode ser modificado alterando sua densidade linear, definida como sua massa por unidade de comprimento. Em contextos práticos, como cordas de contrabaixo ou piano baixo, massa adicional é incorporada enrolando-as com metal. Uma corda com enrolamento de metal mais pesado gerará um tom mais baixo em comparação com uma corda desenrolada de comprimento idêntico. Este princípio é exemplificado por um conjunto de cordas de tripa para contrabaixo da era de 2016. A corda G mais aguda é normalmente construída a partir de materiais sintéticos ou intestino de animal, sem qualquer invólucro de metal. Por outro lado, para obter um tom significativamente mais baixo da corda E grave, mantendo o mesmo comprimento, ela é extensivamente envolvida com fio de metal fino. Este processo aumenta a sua massa sem comprometer indevidamente a sua flexibilidade. A frequência exibe uma proporcionalidade inversa à raiz quadrada da densidade linear:

f ∝<!-- ∝ --> §1314§ μ {\displaystyle f\propto {1 \over {\sqrt {\mu }}}}

Consequentemente, ao comparar duas cordas de comprimento e tensão idênticos, a corda que possui maior massa por unidade de comprimento gerará um tom mais baixo.

Comprimento da string e comprimento da escala

O comprimento efetivo da corda, medido da porca até a ponte em instrumentos de arco ou dedilhada, determina fundamentalmente o espaçamento intervalar das notas. Por exemplo, um contrabaixo, caracterizado por seu registro baixo, normalmente requer um comprimento de escala de aproximadamente 42 polegadas (110 cm), enquanto a escala de um violino é consideravelmente mais curta, cerca de 13 polegadas (33 cm). Essa disparidade no comprimento da escala afeta a tocabilidade: na escala mais curta do violino, a mão esquerda do intérprete pode acessar facilmente uma extensão que excede duas oitavas sem mudanças de posição, enquanto na escala estendida do baixo, apenas uma única oitava ou uma nona é normalmente acessível em posições mais baixas.

Pontos de contato ao longo da string

A técnica de arco padrão em instrumentos de arco envolve posicionar o arco perpendicularmente à corda, normalmente no meio do caminho entre a extremidade do braço e a ponte. No entanto, variar o posicionamento do arco permite a modificação do timbre. Quando o arco é aplicado próximo à ponte, técnica denominada sul ponticello, ele gera um som intenso e ocasionalmente abrasivo que acentua acusticamente os harmônicos superiores. Por outro lado, curvar-se sobre o braço, conhecido como sul tasto, produz um tom mais puro com proeminência harmônica reduzida, enfatizando assim a frequência fundamental. Este efeito também é conhecido como flautando devido à sua qualidade acústica menos estridente e mais parecida com a de uma flauta.

A construção de instrumentos de arco apresenta um desafio único para os fabricantes de instrumentos, especialmente quando contrastada com instrumentos projetados exclusivamente para dedilhar, como o violão. Essa dificuldade surge porque os músicos necessitam da habilidade de articular cordas individuais em instrumentos de arco. Conseqüentemente, um instrumento de arco requer uma ponte curva, que posiciona as cordas externas em uma altura mais baixa do que as cordas internas. Essa curvatura facilita a seleção e o arco de uma única corda pelo músico. Em contraste, instrumentos como guitarras e alaúdes podem apresentar uma ponte plana, pois suas cordas são ativadas ao tocar com os dedos, unhas ou palheta, permitindo que os músicos selecionem diferentes cordas reposicionando a mão ou a palheta. A exigência de articulação individual das cordas com o arco também restringe o número de cordas nos instrumentos de arco, normalmente em torno de seis ou sete; exceder esse número impediria a capacidade de isolar cordas individuais para arco. (É digno de nota que os instrumentos de arco podem produzir simultaneamente duas notas de arco em cordas diferentes, uma técnica conhecida como parada dupla.) A maioria dos instrumentos de cordas orquestrais geralmente apresenta quatro cordas, com alguns contrabaixos sendo uma exceção, utilizando cinco. Por outro lado, instrumentos de teclado de cordas, como o piano, empregam 88 cursos de cordas. Apesar dessas cordas estarem dispostas em uma ponte plana, o mecanismo do instrumento permite a ativação individual de qualquer nota.

Variações de timbre análogas podem ser obtidas em instrumentos de cordas dedilhadas por meio da seleção deliberada de um ponto de dedilhação, embora essas distinções possam ser menos pronunciadas.

Para instrumentos de teclado, o ponto preciso de contato ao longo da corda - seja por um martelo, tangente ou palheta - é uma decisão deliberada de design feita pelo criador do instrumento. Os fabricantes integram a experiência empírica com os princípios da teoria acústica para determinar a configuração ideal desses pontos de contato.

Os cravos freqüentemente incorporam dois conjuntos de cordas de comprimento idêntico, chamados de "coros". Esses coros normalmente divergem em seus pontos de dedilhado. Um coro emprega uma posição de dedilhar padrão, produzindo o timbre característico do cravo, enquanto o outro utiliza um ponto de dedilhar mais próximo da ponte, o que gera um som mais agudo e "nasal", abundante em harmônicos superiores.

Geração de vários argumentos de venda

Uma corda singular, sob tensão e comprimento específicos, é capaz de produzir apenas um tom distinto. Para alcançar uma gama mais ampla de notas, os instrumentos de cordas empregam um dos dois mecanismos principais. A primeira envolve incorporar um número suficiente de cordas para abranger o espectro tonal desejado, exemplificado pelo piano, que possui 88 cordas para permitir 88 notas diferentes. A segunda abordagem envolve um mecanismo para parar as cordas ao longo de seu comprimento, encurtando assim o segmento vibratório. Este último método é característico de instrumentos como violões e da família dos violinos, possibilitando a produção de diversas notas a partir de uma única corda. O piano e a harpa ilustram o primeiro método, onde cada nota individual do instrumento corresponde à sua própria corda ou a um conjunto de múltiplas cordas afinadas no mesmo tom. (Muitas notas de piano são equipadas com um "coro" de três cordas afinadas de forma idêntica para aumentar o volume.) A guitarra exemplifica o segundo método, onde os dedos do intérprete pressionam a corda contra o braço, prendendo-a firmemente a um traste de metal. Essa ação de pressionar a corda contra um traste durante a dedilhação ou dedilhação encurta efetivamente a parte vibratória, gerando, conseqüentemente, uma nota diferente.

As cítaras podem apresentar uma combinação de cordas melódicas paráveis e um complemento maior de harmonia aberta ou cordas de acordes. Instrumentos equipados com cordas paráveis, como o violino ou o violão, permitem aos intérpretes reduzir o comprimento vibratório de uma corda diretamente com os dedos ou, menos comumente, por meio de mecanismos mecânicos, como observado na nyckelharpa e no realejo. Normalmente, esses instrumentos incorporam uma escala fixada no braço, oferecendo uma superfície plana e rígida contra a qual o músico pode pressionar as cordas. Certos instrumentos de cordas apresentam uma escala com trastes – cristas elevadas orientadas perpendicularmente às cordas – que definem com precisão os pontos de parada das cordas; nesses casos, o braço também é conhecido como fretboard.

Ajustar os trastes durante uma apresentação musical geralmente é inviável. Por outro lado, as pontes de um koto podem ser reposicionadas periodicamente pelo músico ao longo de uma única composição. Numerosas harpas ocidentais contemporâneas incorporam alavancas, acionadas diretamente pelos dedos (nas harpas celtas) ou controladas por pedais (nas harpas orquestrais), para elevar o tom de cordas específicas em um incremento predeterminado. A qanun, uma cítara do Oriente Médio, possui pequenas alavancas conhecidas como mandal, que permitem a reafinação incremental e em tempo real de cada curso de múltiplas cordas durante o jogo. Essas alavancas facilitam os ajustes microtonais, alterando a afinação do curso das cordas em menos de um semitom.

Sequências simpáticas

Certos instrumentos incorporam cordas simpáticas, que são cordas suplementares não destinadas à dedilhação direta. Essas cordas ressoam em conjunto com as notas tocadas ativamente, gerando assim tons harmônicos adicionais. As cordas simpáticas vibram naturalmente quando intervalos como uníssonos ou oitavas de suas próprias notas são dedilhados, curvados ou tocados. Este sistema ressonante é empregado em instrumentos como sarangi, piano de cauda, violino Hardanger e rubab.

Produção de Som

Instrumentos Acústicos

Uma hipotética corda vibrante esticada sobre um tronco substancial produziria apenas um som fraco; conseqüentemente, os instrumentos de corda são normalmente projetados para acoplar a corda vibrante a uma câmara ressonante oca, a uma caixa acústica ou a ambos. Por exemplo, num violino, as quatro cordas atravessam uma esbelta ponte de madeira posicionada sobre uma caixa oca, que constitui o corpo do instrumento. A força normal exercida pelas cordas sobre o corpo é parcialmente sustentada por um pequeno cilindro de madeira conhecido como poste sonoro. Além disso, o corpo do violino apresenta dois “buracos F” esculpidos em sua superfície superior. As vibrações das cordas são disseminadas através da ponte e da coluna sonora para todos os componentes estruturais do instrumento, amplificando assim o som através da correspondência de impedância acústica. Mais precisamente, esses elementos facilitam uma correspondência mais eficaz com a impedância acústica do ar circundante. Embora ocasionalmente se afirme que uma caixa de ressonância ou caixa de som "amplifica" o som das cordas, a verdadeira amplificação de potência não ocorre, pois toda a energia para a produção do som se origina da própria corda vibrante. O mecanismo real envolve a caixa de ressonância do instrumento apresentando uma área de superfície significativamente maior para gerar ondas sonoras em comparação com a corda sozinha, funcionando assim como um elemento de correspondência de impedância entre a impedância acústica da corda e a do ar ambiente. Uma superfície vibratória mais expansiva pode muitas vezes alcançar uma correspondência de impedância superior, especialmente em frequências mais baixas. Tradicionalmente, todos os instrumentos da família do alaúde incorporam uma ponte, que mantém as cordas na altura de ação apropriada em relação ao braço da guitarra ou escala em uma extremidade. Em instrumentos acústicos, a ponte desempenha um papel igualmente crítico, transmitindo a energia das cordas para a "caixa de som" do instrumento, aumentando consequentemente o volume geral do som. O design específico e a composição do material da ponte de um instrumento influenciam significativamente suas características tonais e sua capacidade de resposta.

O desenvolvimento de características tonais que são acusticamente eficazes e esteticamente agradáveis ​​para os intérpretes e o público representa uma síntese de arte, artesanato e princípios científicos. Consequentemente, os fabricantes de instrumentos de cordas frequentemente adquirem madeiras premium para este fim, nomeadamente o abeto (valorizado pela sua leveza, resistência e flexibilidade) e o bordo (uma madeira altamente densa). Spruce é comumente empregado em caixas acústicas de vários instrumentos, desde violinos a pianos. Por outro lado, instrumentos como o banjo utilizam um tambor, normalmente coberto com pele natural ou sintética, como caixa de ressonância.

Os instrumentos acústicos também podem ser construídos a partir de materiais sintéticos, incluindo fibra de carbono e fibra de vidro, especialmente para instrumentos maiores e mais graves, como violoncelos e baixos.

Durante o início do século 20, o violino Stroh empregava um ressonador de diafragma e uma trompa metálica para projetar seu som de cordas, semelhante aos primeiros gramofones mecânicos. Sua adoção diminuiu por volta de 1920 com o advento e o uso generalizado da amplificação eletrônica por meio de amplificadores de potência e alto-falantes. Os intérpretes contemporâneos de instrumentos de corda podem amplificar eletronicamente seus instrumentos, conectando-os a um sistema de endereço público (PA) ou a um amplificador de guitarra.

Amplificação Eletrônica

A maioria dos instrumentos de corda pode ser equipada com captadores piezoelétricos ou magnéticos, que transformam as vibrações das cordas em um sinal elétrico. Este sinal é posteriormente amplificado e reconvertido em som por alto-falantes. Alguns músicos fixam um captador em seu instrumento de cordas convencional para obter um som "eletrificado". Uma abordagem alternativa envolve a utilização de um instrumento de corpo sólido, que mitiga efetivamente uivos ou guinchos de feedback indesejáveis. Os instrumentos de cordas amplificados possuem um volume significativamente maior do que seus equivalentes acústicos, permitindo aos músicos integrá-los em conjuntos mais altos de rock, blues e jazz. Além disso, o tom amplificado destes instrumentos pode ser modulado através de efeitos eletrônicos, incluindo distorção, reverberação ou wah-wah.

Instrumentos de cordas com registro de baixo, incluindo contrabaixo e baixo elétrico, são amplificados usando amplificadores de instrumentos de baixo especializados, projetados para reproduzir áudio de baixa frequência. Para alterar as características tonais dos instrumentos de baixo amplificados, vários efeitos eletrônicos de baixo, como distorção e coro, estão disponíveis.

Cordas Sinfônicas

Os instrumentos de cordas normalmente empregados em uma orquestra, frequentemente chamados de "cordas sinfônicas" ou seção de cordas, incluem:

• Violinos (categorizados em duas seções: primeiros violinos e segundos violinos; ambas as seções utilizam instrumentos idênticos, com a distinção sendo que os primeiros violinos executam linhas melódicas de registro mais alto e os segundos violinos executam partes de registro mais baixo, acompanhamento ou contra-melodias)
• Violas
• Violoncelos
• Contrabaixos

Quando a pontuação orquestral indica "cordas", geralmente se refere a esta combinação específica de partes de cordas. Embora as composições orquestrais raramente excluam qualquer um desses componentes de cordas, elas frequentemente incorporam instrumentos de cordas suplementares, notadamente a harpa e o piano de concerto. Nas orquestras barrocas do século XVII a meados do século XVIII (ou em conjuntos contemporâneos que executam música antiga), o cravo quase invariavelmente fornece a parte do baixo contínuo, compreendendo uma linha de baixo escrita e acordes improvisados, muitas vezes ao lado de uma teorba, alaúde ou órgão de tubos. Em certos gêneros clássicos, como o quarteto de cordas, o contrabaixo normalmente está ausente, com o violoncelo assumindo a função de baixo.

• "Ensaio sobre a digitação do violoncelo e a condução do arco"
• Luthier (fabricante de instrumentos de cordas)
• Ravanahatha
• Repertório de instrumentos de cordas
• Afinações de instrumentos de corda

Referências

• Savart Journal Arquivado em 21/04/2021 na Wayback Machine, um recurso online publicado em colaboração com a Guild of American Luthiers.
• Instruments in Depth: The Viola, um recurso online apresentado pela Bloomingdale School of Music (2010)
• Chisholm, Hugh, ed. (1911). "Instrumentos de cordas" . Enciclopédia Britânica (11ª ed.). Cambridge University Press.Fonte: Arquivo da TORIma Academia