Edward Hopper (22 de julio de 1882 - 15 de mayo de 1967) fue un destacado pintor y grabador realista estadounidense. Reconocido como uno de los artistas más distinguidos de Estados Unidos, fue célebre por su hábil retrato de la vida estadounidense moderna y sus diversos paisajes.
Edward Hopper (22 de julio de 1882 - 15 de mayo de 1967) fue un pintor y grabador realista estadounidense. Es uno de los artistas más reconocidos de Estados Unidos y conocido por su habilidad para representar la vida y los paisajes estadounidenses modernos.
Nacido en una familia de clase media en Nyack, Nueva York, Hopper recibió el apoyo de sus padres por sus incipientes inclinaciones artísticas. Su educación artística en la Escuela de Arte de Nueva York, bajo la tutela de William Merritt Chase y Robert Henri, fomentó el desarrollo de un estilo distintivo marcado por su profunda exploración de la soledad, la luz y la sombra.
Abarcando pinturas al óleo, acuarelas y grabados, la obra de Hopper investiga principalmente temas de soledad y aislamiento en diversos entornos urbanos y rurales de Estados Unidos. Su pintura icónica, Nighthawks (1942), sirve como ilustración por excelencia de su preocupación por las representaciones tranquilas e introspectivas de la existencia cotidiana. A pesar de una progresión gradual en su carrera, Hopper obtuvo un reconocimiento significativo en la década de 1920, lo que llevó a la exhibición de sus obras en destacados museos estadounidenses. Su técnica distintiva, caracterizada por una composición magistral de formas y la evocadora aplicación de la luz para transmitir la atmósfera, ha ejercido una influencia considerable tanto en el mundo del arte como en la cultura popular. Frecuentemente situados dentro de las vistas arquitectónicas de Nueva York o los tranquilos escenarios de Nueva Inglaterra, sus lienzos imparten una profunda sensación de profundidad narrativa y resonancia emocional, lo que lo establece como una figura fundamental del realismo estadounidense. Hopper transformó magistralmente temas comunes en dramas discretos, dotándolos de significado poético e invitando a diversas interpretaciones narrativas. Los críticos elogiaron su interpretación de Estados Unidos por su "completa veracidad".
En 1924, Hopper se casó con Josephine Nivison, una colega artista que contribuyó significativamente a la gestión de su carrera y con frecuencia sirvió como modelo para sus composiciones. La pareja mantuvo una modesta residencia en la ciudad de Nueva York y habitualmente veraneaba en Cape Cod, un lugar que influyó profundamente en gran parte de la producción artística posterior de Hopper. A pesar de los elogios generalizados de la crítica, Hopper mantuvo una conducta privada e introspectiva, dedicándose constantemente a la exploración de los matices de la experiencia humana y el paisaje estadounidense. Su retrato distintivo de la vida estadounidense, caracterizado por su enfoque en el aislamiento y la contemplación, perdura como un elemento fundamental de su atractivo perdurable y significado histórico dentro del arte estadounidense.
Vida y Carrera Artística
Años de formación
Nacido en 1882, Hopper era originario de Nyack, Nueva York, un importante centro de construcción de yates situado a lo largo del río Hudson, al norte de la ciudad de Nueva York. Fue uno de los dos hijos nacidos en una familia económicamente cómoda. Sus padres, Elizabeth Griffiths Smith y Garret Henry Hopper, un comerciante de productos textiles, eran principalmente de ascendencia holandesa. Aunque menos próspero que sus antepasados, Garret mantuvo adecuadamente a sus dos hijos, ayudado significativamente por la herencia de su esposa. Se jubiló a la edad de cuarenta y nueve años. Edward y su hermana, Marion, recibieron su educación en instituciones públicas y privadas. Su crianza se produjo dentro de un estricto hogar bautista. Su padre poseía un temperamento apacible y el ambiente familiar era predominantemente matriarcal, influenciado por la madre, la abuela, la hermana y una criada de Hopper.
En 2000, su lugar de nacimiento y residencia de la infancia fueron designados en el Registro Nacional de Lugares Históricos. Actualmente, el sitio funciona como Casa Museo y Museo Edward Hopper. Study Center, que opera como una institución cultural comunitaria sin fines de lucro que alberga exposiciones, talleres, conferencias, actuaciones y diversos eventos especiales.
Hopper destacó académicamente durante su educación primaria y, a la edad de cinco años, su aptitud para el dibujo era claramente evidente. Asimiló fácilmente las inclinaciones intelectuales de su padre y su aprecio por las culturas francesa y rusa. Además, exhibió el linaje artístico de su madre. Los padres de Hopper fomentaron sus actividades artísticas, asegurándose de que recibiera generosamente materiales, publicaciones periódicas instructivas y volúmenes ilustrados.
Hopper comenzó a firmar y fechar sus dibujos a la edad de diez años. Sus primeros dibujos conocidos incluyen bocetos al carboncillo que representan formas geométricas, un jarrón, un cuenco, una taza y varias cajas. La exploración meticulosa de la luz y la sombra, sello distintivo de su carrera madura, es discernible incluso en estas creaciones incipientes. Durante su adolescencia, utilizó pluma y tinta, carboncillo, acuarela y óleo, y se dedicó a estudios de la naturaleza al mismo tiempo que creaba caricaturas políticas. En 1895, produjo su primer óleo firmado, Rowboat in Rocky Cove, que era una reproducción derivada de una imagen de The Art Interchange, una publicación periódica de amplia circulación para artistas aficionados. Otras primeras obras al óleo de Hopper, incluido Old ice pond at Nyack y su pintura de alrededor de 1898 Barcos, han sido identificadas como copias de piezas de artistas como Bruce Crane y Edward Moran.
Los autorretratos iniciales de Edward Hopper a menudo lo representaban como esbelto, poco elegante y sin pretensiones. Aunque era un adolescente alto y tranquilo, su humor lúdico encontró expresión en su arte, a veces a través de representaciones de inmigrantes o mujeres que dominaban con humor a los hombres. Más adelante en su carrera, las mujeres se convirtieron en los temas principales de sus pinturas. Mientras asistía a la escuela secundaria Nyack, donde se graduó en 1899, talló modelos en madera de veleros y barcazas, imaginando una carrera como arquitecto naval; sin embargo, después de graduarse, declaró su intención de dedicarse al arte. Los padres de Hopper, priorizando un ingreso estable, insistieron en que estudiara arte comercial. Los escritos de Ralph Waldo Emerson influyeron significativamente en el desarrollo de la autoimagen y la filosofía individualista de Hopper, lo que lo llevó a afirmar: "Lo admiro mucho... lo leo una y otra vez".
Hopper comenzó su educación artística en 1899 a través de un curso por correspondencia. Posteriormente se trasladó a la Escuela de Arte y Diseño de Nueva York, que más tarde se convirtió en la Escuela de Diseño Parsons. Durante seis años, estudió allí con instructores como William Merritt Chase, quien le impartió instrucción en pintura al óleo. Inicialmente, Hopper emuló los estilos de Chase y de los maestros impresionistas franceses Édouard Manet y Edgar Degas. Sin embargo, dibujar a partir de modelos vivos presentó un desafío considerable y resultó algo inquietante para Hopper, dada su educación conservadora.
Robert Henri, otro de los instructores de Hopper, impartió clases de dibujo natural. Henri abogó por que sus alumnos emplearan su arte para "causar revuelo en el mundo" y, además, los aconsejó con máximas como: "No es el tema lo que cuenta, sino lo que sientes al respecto" y "Olvídate del arte y pinta cuadros de lo que te interesa en la vida". Este enfoque pedagógico influyó significativamente en Hopper, junto con los futuros artistas George Bellows y Rockwell Kent, animándolos a infundir a sus creaciones una sensibilidad contemporánea. Varios artistas dentro de la cohorte de Henri, incluido John Sloan, formaron más tarde "The Eight", también reconocida como la Escuela Ashcan de Arte Americano. La pintura al óleo más antigua de Hopper que presagia su uso temático de interiores es Figura solitaria en un teatro (c.1904). A lo largo de su etapa estudiantil también realizó numerosos desnudos, composiciones de bodegones, paisajes y retratos, incluidos autorretratos.
En 1905, Hopper consiguió un puesto a tiempo parcial en una agencia de publicidad, donde diseñaba portadas para revistas especializadas. Hopper desarrolló una fuerte aversión a la ilustración, pero los imperativos económicos lo obligaron a continuar este trabajo hasta mediados de la década de 1920. Encontró un respiro temporal a través de tres viajes a Europa, principalmente con base en París, aparentemente para sumergirse en la escena artística local. Sin embargo, trabajó en gran medida de forma aislada y parecía en gran medida inmune a los movimientos artísticos contemporáneos, afirmando más tarde que "no recordaba haber oído hablar de Picasso en absoluto". Quedó profundamente impresionado por Rembrandt, particularmente por su obra maestra La ronda de noche, que describió como "la cosa más maravillosa que he visto; su realidad es increíble".
Hopper inicialmente pintó temas urbanos y arquitectónicos usando una paleta de colores oscuros. Posteriormente pasó a los tonos más claros característicos de los impresionistas antes de volver a su paleta más oscura preferida. Más tarde comentó: "Lo superé y luego las cosas que se hicieron en París fueron más como las que hago ahora". Hopper dedicó un tiempo considerable a dibujar escenas de calles y cafés, y a asistir a representaciones de teatro y ópera. A diferencia de muchos de sus pares que emulaban los experimentos cubistas abstractos, Hopper gravitaba hacia el arte realista. Más tarde reconoció influencias europeas mínimas más allá de Rembrandt, Goya y el grabador francés Charles Meryon, cuyas atmosféricas escenas parisinas emulaba Hopper.
Años de lucha
A su regreso de su último viaje por Europa, Hopper estableció un estudio en la ciudad de Nueva York, donde luchó por el desarrollo de su estilo artístico distintivo. De mala gana, reanudó el trabajo de ilustración para mantenerse. Como artista independiente, Hopper se vio obligado a buscar activamente encargos, visitando con frecuencia oficinas de revistas y agencias para conseguir proyectos. Su producción pictórica se vio afectada, como él mismo expresó: "es difícil para mí decidir qué quiero pintar. A veces paso meses sin encontrarlo. Llega lentamente". El colega ilustrador Walter Tittle ofreció un relato más vívido del estado melancólico de Hopper, observando a su amigo "sufriendo... de largos períodos de inercia invencible, sentado durante días ante su caballete en impotente infelicidad, incapaz de levantar una mano para romper el hechizo".
Hopper participó en la exposición The Independents, un colectivo de artistas iniciado por Robert Henri, del 22 de febrero al 5 de marzo de 1912; sin embargo, no logró ninguna venta durante este evento.
En 1912, Hopper viajó a Gloucester, Massachusetts, en busca de inspiración artística, donde produjo sus primeras pinturas al aire libre en los Estados Unidos. Entre estas obras se encontraba Squam Light, que marcó el comienzo de su extensa serie de representaciones de faros.
Durante el Armory Show de 1913, Hopper logró su primera venta significativa, ganando 250 dólares por su pintura Navegación (1911), que había creado a partir de un autorretrato anterior. El comprador fue el empresario estadounidense Thomas F. Vietor. A pesar de tener treinta y un años y anticipar una rápida sucesión de ventas, la carrera artística de Hopper no cobró un impulso sustancial durante varios años siguientes. Mantuvo su participación en exposiciones colectivas en lugares más modestos, incluido el MacDowell Club de Nueva York. Tras el fallecimiento de su padre ese mismo año, Hopper se mudó a un apartamento en 3 Washington Square North en Greenwich Village de Manhattan, residencia que ocupó por el resto de su vida.
Al año siguiente, Hopper consiguió un encargo para diseñar carteles de películas y gestionar la publicidad para una empresa cinematográfica. A pesar de su aversión por la ilustración, Hopper mantuvo durante toda su vida una pasión por el cine y el teatro, incorporando con frecuencia ambos al contenido temático de sus pinturas. Estas formas artísticas influyeron significativamente en sus enfoques compositivos.
Ante un estancamiento creativo con sus pinturas al óleo, Hopper pasó al grabado en 1915. En 1923, había completado la mayoría de sus aproximadamente 70 obras en este medio, que frecuentemente representaban paisajes urbanos tanto de París como de Nueva York. Al mismo tiempo, creó carteles para iniciativas en tiempos de guerra y realizó asignaciones comerciales intermitentes. Durante sus visitas a Nueva Inglaterra, particularmente a las colonias artísticas de Ogunquit y la isla Monhegan, Hopper ocasionalmente se dedicó a pintar al óleo al aire libre.
A principios de la década de 1920, los grabados de Hopper comenzaron a obtener elogios del público, a menudo presagiando sus preocupaciones temáticas maduras. Los ejemplos incluyen Noche en el tren, que retrata parejas silenciosas; Evening Wind, que representa una figura femenina solitaria; y The Catboat, una sencilla escena náutica. Entre las pinturas al óleo importantes de este período se incluyen Interior de Nueva York (1921) y Restaurante de Nueva York (1922). Además, produjo dos ejemplos tempranos de su motivo recurrente de "ventana": Chica en la máquina de coser y Interior a la luz de la luna. Ambas composiciones presentan una figura, ya sea vestida o desnuda, colocada cerca de la ventana de un apartamento, representada mirando hacia afuera u observada desde un punto de vista externo.
A pesar de estos años desafiantes, Hopper comenzó a lograr cierto grado de reconocimiento. En 1918, fue honrado con el premio de la Junta Naviera de Estados Unidos por su cartel de tiempos de guerra, Smash the Hun. Su historial de exposiciones incluyó la participación en la Sociedad de Artistas Independientes en 1917, una exposición individual en el Whitney Studio Club (un precursor del Museo Whitney) en enero de 1920 y otra exhibición en el Whitney Studio Club en 1922. En 1923, los grabados de Hopper le valieron dos galardones: el Premio Logan de la Sociedad de Grabadores de Chicago y el Premio W. A. Bryan.
Matrimonio y avance profesional
En 1923, la gradual progresión artística de Hopper culminó en un avance significativo. Durante una excursión de pintura de verano en Gloucester, Massachusetts, se volvió a conectar con Josephine Nivison, artista y ex alumna de Robert Henri. Sus personalidades presentaban un marcado contraste: Nivison era descrito como bajo, abierto, sociable, sociable y liberal, mientras que Hopper era alto, reservado, tímido, tranquilo, introspectivo y conservador. Animado por Nivison, Hopper comenzó a trabajar con acuarelas, creando numerosas representaciones de Gloucester. Se casaron un año después, y el artista Guy Pène du Bois fue el padrino. Nivison comentó: "A veces hablar con Eddie es como dejar caer una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca el fondo". Posteriormente, ella priorizó su carrera sobre la suya y adoptó su estilo de vida solitario. Su existencia se centró en su modesto apartamento sin ascensor en la ciudad y sus retiros de verano en South Truro en Cape Cod. Nivison asumió las funciones de gestionar su carrera, gestionar entrevistas, servir como su modelo principal y ser su compañero de vida.
Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas de Hopper en Gloucester fueron seleccionadas para su exhibición en el Museo de Brooklyn en 1923. En particular, The Mansard Roof, una de estas obras, fue adquirida por el museo para su colección permanente por 100 dólares. La recepción de la crítica fue abrumadoramente positiva; un crítico elogió la obra por su "vitalidad, fuerza y franqueza", y destacó su capacidad para elevar "el tema más sencillo". Al año siguiente, Hopper vendió con éxito todas sus acuarelas en una exposición individual, lo que provocó su alejamiento definitivo de la ilustración.
Hopper tradujo eficazmente su fascinación por las formas arquitectónicas parisinas a las estructuras urbanas y rurales estadounidenses. Carol Troyen, curadora del Museo de Bellas Artes de Boston, observó que Hopper apreciaba cómo elementos arquitectónicos como "torres, torres, porches, techos abuhardillados y adornos proyectaban sombras maravillosas". El propio Hopper afirmaba con frecuencia que representar "la luz del sol en el costado de una casa" era su tema artístico preferido.
A la edad de cuarenta y un años, Hopper obtuvo elogios adicionales por sus contribuciones artísticas. A pesar de este reconocimiento, mantuvo un sentimiento de insatisfacción profesional, declinando posteriormente diversas apariciones públicas y elogios. Su seguridad financiera, establecida a través de ventas constantes, le permitió a Hopper llevar una vida modesta y estable, lo que le permitió perseguir su distintiva visión artística durante cuatro décadas más.
En 1927, su pintura Dos en el pasillo logró una venta récord personal de 1.500 dólares, lo que facilitó a Hopper la adquisición de un automóvil. Este vehículo le permitió realizar excursiones de campo a regiones apartadas de Nueva Inglaterra. En 1929, había completado Chop Suey y Railroad Sunset. Al año siguiente, el mecenas del arte Stephen Clark donó La casa junto al ferrocarril (1925) al Museo de Arte Moderno, lo que marcó la adquisición inaugural por parte de la institución de una pintura al óleo para su colección. El último autorretrato al óleo de Hopper data aproximadamente de 1930. Si bien Josephine sirvió con frecuencia como modelo para sus obras, solo posó para un retrato formal al óleo realizado por su esposo, titulado Jo Painting (1936).
Durante la Gran Depresión, Hopper experimentó mayor éxito profesional que muchos de sus contemporáneos. Su prominencia aumentó significativamente en 1931, cuando importantes instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo Metropolitano de Arte adquirieron sus obras por sumas sustanciales. Ese año vendió 30 cuadros, entre ellos 13 acuarelas. Al año siguiente, participó en la exposición inaugural del Whitney Annual, un compromiso que mantuvo al exponer en todas las exposiciones anuales posteriores del museo a lo largo de su vida. En 1933, el Museo de Arte Moderno presentó la primera gran exposición retrospectiva de Hopper.
En 1930, los Hopper comenzaron a alquilar una cabaña en South Truro, Cape Cod. Este lugar se convirtió en su retiro anual de verano por el resto de sus vidas, culminando con la construcción de su propia residencia de verano allí en 1934. Desde esta base, se embarcaron en excursiones en automóvil a otras regiones cada vez que Hopper buscaba nuevos temas para su arte. Durante los veranos de 1937 y 1938, la pareja realizó estancias prolongadas en Wagon Wheels Farm en South Royalton, Vermont, donde Hopper produjo una colección de acuarelas que representaban escenas a lo largo del río White. Estas escenas particulares son distintivas dentro de la obra madura de Hopper, ya que presentan predominantemente paisajes "puros", carentes de elementos arquitectónicos o presencia humana. Entre los paisajes de Hopper en Vermont, el más reconocido es Primera rama del río White (1938), actualmente conservado en el Museo de Bellas Artes de Boston.
Hopper mantuvo un alto nivel de productividad durante la década de 1930 y principios de la de 1940, creando numerosas obras importantes, entre ellas New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). Sin embargo, finales de la década de 1940 marcaron una fase de relativa inactividad artística para Hopper, quien confesó: "Me gustaría poder pintar más. Me canso de leer e ir al cine". Durante las dos décadas siguientes, su salud empeoró, lo que requirió múltiples cirugías de próstata y otras complicaciones médicas. Sin embargo, durante la década de 1950 y principios de la de 1960, produjo varias piezas destacadas adicionales, como First Row Orchestra (1951); Morning Sun y Hotel junto a un ferrocarril, ambos de 1952; e Intermission (1963).
En 1966, The MacDowell Colony otorgó la medalla Edward MacDowell a Hopper, reconociendo sus contribuciones excepcionales a la cultura estadounidense.
Muerte
Hopper falleció por causas naturales a la edad de 84 años el 15 de mayo de 1967, en su estudio de la ciudad de Nueva York, cerca de Washington Square. Dos días después, fue enterrado en la parcela familiar del cementerio Oak Hill en Nyack, Nueva York, su lugar de nacimiento. Su esposa, Josephine, murió diez meses después y está enterrada junto a él.
Josephine legó su extensa colección conjunta de más de tres mil piezas al Museo Whitney. Arthayer Sanborn, un ministro bautista que visitaba con frecuencia su casa para cuidar a la hermana de Edward, Marion, adquirió trescientos dibujos y pinturas de Hopper. La historiadora de arte Gail Levin ha enfatizado que si bien el Museo Whitney posee una extensa documentación sobre la distribución de las obras de arte de la pareja por parte de Josephine, las pinturas obtenidas de Sanborn carecen de una procedencia verificable que indique la donación voluntaria de la familia de la importante colección que Sanborn afirmó haber descubierto en su ático. El Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte de Des Moines y el Instituto de Arte de Chicago poseen importantes colecciones de pinturas de Hopper.
Arte
Personalidad y Visión
Hopper demostró constantemente una renuencia a hablar de su vida personal o práctica artística, afirmando: "Toda la respuesta está ahí en el lienzo". Se caracterizaba por una disposición estoica y fatalista, una naturaleza introvertida, un sutil sentido del humor y un comportamiento directo. Hopper gravitó hacia un simbolismo emblemático y antinarrativo, que representa "breves momentos aislados de configuración, saturados de sugerencias". Sus composiciones, que presentan espacios silenciosos y encuentros inquietantes, se destacan por su capacidad de "tocarnos donde somos más vulnerables" y transmitir "una sugerencia de melancolía, esa melancolía que se representa". Su dominio del color lo estableció como un pintor por excelencia, alguien que "convirtió al puritano en purista, en sus lienzos tranquilos donde las imperfecciones y las bendiciones se equilibran". El crítico Lloyd Goodrich lo describió como "un pintor eminentemente nativo, que más que ningún otro estaba incorporando más de la calidad de Estados Unidos en sus lienzos".
Exhibiendo puntos de vista conservadores tanto en las esferas política como social (como lo ejemplifica su afirmación de que "las vidas de los artistas deberían ser escritas por personas muy cercanas a ellos"), abrazó la realidad sin idealismo. Individuo culto y sofisticado, era notablemente culto, característica que a menudo se refleja en sus pinturas a través de figuras dedicadas a la lectura. Aunque generalmente es afable y se siente cómodo con el silencio, en ocasiones puede mostrarse taciturno, irritable o distante. Mantuvo una profunda seriedad con respecto a su propio arte y el de los demás, ofreciendo evaluaciones sinceras cuando se le solicitaba.
La articulación más completa de Hopper sobre su filosofía artística apareció en un documento escrito a mano, titulado "Declaración", que fue presentado en 1953 a la revista Reality:
El gran arte es la expresión exterior de una vida interior en el artista, y esta vida interior dará como resultado su visión personal del mundo. Ninguna invención hábil puede reemplazar el elemento esencial de la imaginación. Una de las debilidades de gran parte de la pintura abstracta es el intento de sustituir una concepción imaginativa privada por invenciones del intelecto humano.
La vida interior de un ser humano es un ámbito vasto y variado y no se ocupa únicamente de estimulantes arreglos de color, forma y diseño.
El término vida utilizado en el arte es algo que no debe despreciarse, ya que implica toda la existencia y la competencia del arte es reaccionar ante ella y no rehuirla. ello.
La pintura tendrá que abordar de manera más completa y menos indirecta la vida y los fenómenos de la naturaleza antes de que pueda volver a ser grandiosa.
A pesar de la afirmación de Hopper de que no imbuyó intencionalmente a sus pinturas de significado psicológico, mantuvo un profundo interés en las teorías freudianas y la influencia del subconsciente. En 1939, articuló: "Gran parte de cada arte es una expresión del subconsciente que me parece que la mayoría de las cualidades importantes se ponen allí de manera inconsciente, y pocas de importancia mediante el intelecto consciente".
Métodos
Si bien Hopper fue principalmente conocido por sus pinturas al óleo, inicialmente obtuvo elogios por sus acuarelas y también creó varios grabados de éxito comercial. Además, sus cuadernos conservan numerosos bocetos a lápiz y pluma de alta calidad, que no estaban destinados a la exhibición pública.
Hopper se centró meticulosamente en el diseño geométrico y la integración precisa de las figuras humanas, asegurando su equilibrio armonioso dentro de sus contextos ambientales. Su proceso artístico fue deliberado y metódico, como lo demuestra su afirmación: "Se necesita mucho tiempo para que surja una idea. Luego tengo que pensar en ello durante mucho tiempo. No empiezo a pintar hasta que lo tengo todo resuelto en mi mente. Estoy bien cuando llego al caballete". Con frecuencia realizó bocetos preparatorios para perfeccionar sus composiciones meticulosamente planificadas. Él y su esposa mantuvieron un libro de contabilidad completo de sus obras de arte, documentando detalles específicos como "rostro triste de mujer apagada", "luz eléctrica del techo" y "muslos más fríos".
Para su pintura de 1939, New York Movie, Hopper se preparó meticulosamente, creando más de 53 bocetos preliminares que representan el interior del teatro y la figura contemplativa de la acomodadora.
La metodología artística de Hopper destaca la hábil manipulación de luces y sombras para evocar estados de ánimo específicos. La intensa luz del sol, que a menudo simboliza la percepción o la revelación, junto con sus sombras resultantes, tiene un peso simbólico significativo en obras como Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) y Sol en una habitación vacía (1963). La interacción de luces y sombras en su arte ha generado comparaciones con las técnicas cinematográficas que se encuentran en el cine negro.
Aunque se lo categoriza como un pintor realista, el realismo "suave" distintivo de Hopper implicaba la simplificación de formas y detalles intrincados. Empleó colores saturados para intensificar el contraste y establecer estados de ánimo atmosféricos.
Elementos temáticos y materia
Los temas artísticos de Hopper se originaron a partir de dos categorías principales: los aspectos cotidianos de la existencia estadounidense, que abarcan elementos como gasolineras, moteles, restaurantes, teatros, ferrocarriles y paisajes urbanos, junto con sus ocupantes; y vistas naturales, específicamente paisajes marinos y paisajes rurales. En cuanto a su enfoque estilístico, Hopper se caracterizó a sí mismo como "una amalgama de muchas razas", sin afirmar ninguna afiliación con ningún movimiento artístico en particular, distinguiéndose notablemente de la "Escuela Ashcan". Tras el desarrollo de su estilo maduro, la obra de Hopper mantuvo un carácter consistente y autónomo, que en gran medida no se vio afectado por las diversas tendencias artísticas que surgieron y retrocedieron a lo largo de su extensa carrera.
Los paisajes marinos de Hopper se pueden clasificar en términos generales en tres tipos principales: representaciones puras de rocas, el mar y la hierba de la playa; composiciones de faros y masías; y representaciones de veleros. Ocasionalmente, integró estos distintos elementos. La mayoría de estas obras muestran una iluminación intensa y condiciones climáticas despejadas, ya que Hopper mostró un interés mínimo en escenas que involucran nieve, lluvia o cambios cromáticos estacionales. La mayor parte de sus pinturas de paisajes marinos puros fueron ejecutadas en la isla Monhegan entre 1916 y 1919. Por ejemplo, la obra de Hopper de 1935, The Long Leg, presenta una escena de navegación predominantemente azul caracterizada por elementos minimalistas, mientras que su pintura de 1939, Ground Swell, ofrece una composición más compleja que presenta a un grupo de jóvenes navegando, un motivo que hace eco del famoso Breezing» de Winslow Homer. Up (A Fair Wind) (1876).
La arquitectura urbana y los paisajes urbanos constituyeron otra área temática importante para Hopper. Sentía una profunda fascinación por el entorno urbano estadounidense y describía "nuestra arquitectura nativa con su espantosa belleza, sus fantásticos tejados, pseudogóticos, abuhardillados franceses, coloniales, mestizos o lo que sea, con colores deslumbrantes o delicadas armonías de pintura descolorida, apoyándose unos en otros a lo largo de calles interminables que desembocan en pantanos o montones de basura".
En 1925, Hopper creó House by the Railroad, un hito fundamental. obra que representa una mansión victoriana aislada de madera parcialmente oculta por un terraplén elevado del ferrocarril. Esta pintura significó un momento crucial en el desarrollo artístico de Hopper, marcando su estilo maduro. Lloyd Goodrich elogió la pieza como "una de las piezas de realismo más conmovedoras y desoladoras". Inició una secuencia de austeras composiciones rurales y urbanas caracterizadas por líneas nítidas, formas expansivas e iluminación distintiva, todo lo cual contribuyó a la atmósfera solitaria de sus sujetos. A pesar de las interpretaciones críticas y públicas del significado simbólico y el estado de ánimo dentro de estos paisajes urbanos, Hopper sostuvo: "Estaba más interesado en la luz del sol sobre los edificios y las figuras que cualquier simbolismo". Su obra posterior, Sol en una habitación vacía (1963), sirve como testimonio de esta afirmación, funcionando como una exploración pura de la luz solar.
La mayoría de las pinturas figurativas de Hopper exploran la interacción matizada entre los individuos y su entorno, presentando figuras solitarias, parejas o grupos. Sus motivos emocionales centrales abarcan la soledad, el aislamiento, el arrepentimiento, el hastío y la resignación. Estos sentimientos se transmiten en diversos entornos, como espacios de oficinas, lugares públicos, apartamentos privados, rutas de viaje o lugares de vacaciones. Hopper dispuso meticulosamente a sus personajes, como si fueran fotogramas cinematográficos o cuadros teatrales, presentándolos como si hubieran sido capturados inmediatamente antes o después del momento crucial de una escena.
Las figuras solitarias de Hopper son predominantemente mujeres, representadas vestidas, parcialmente vestidas o desnudas, que frecuentemente se dedican a leer, mirar por las ventanas o estar situadas dentro de sus entornos profesionales. A principios de la década de 1920, produjo sus primeras obras de esta naturaleza, entre ellas Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (otra representación de una mujer cosiendo) (1921) y Moonlight Interior (una figura desnuda preparándose para ir a la cama) (1923). Sin embargo, Automat (1927) y Hotel Room (1931) son más emblemáticos de su estilo desarrollado, articulando el tema de la soledad con mayor franqueza.
Con respecto a Hotel Room, Gail Levin, estudiosa de Hopper, observó:
Los elementos cromáticos verticales y diagonales minimalistas, junto con distintas sombras eléctricas, generan un efecto dramático sucinto pero profundo dentro del entorno nocturno. Al integrar contenido temático evocador con una organización estructural tan potente, la composición de Hopper logra una pureza que se acerca a una estética casi abstracta, al mismo tiempo que está imbuida de una profunda resonancia poética para el espectador.
La Habitación en Nueva York (1932) y la Noche en Cape Cod (1939) de Hopper sirven como ejemplos de sus pinturas de "parejas". En el primero, se representa a una pareja joven alienada y desconectada, con el hombre leyendo un periódico mientras la mujer holgazanea cerca de un piano. El observador asume una perspectiva voyeurista, similar a mirar a través de la ventana de un apartamento con un telescopio para presenciar el desapego emocional de la pareja. En esta última pintura, una pareja de ancianos que muestra una interacción verbal mínima se relaciona con su perro, cuya atención se desvía de sus dueños. Hopper eleva el motivo de la pareja a una dimensión más compleja con Excursión a la filosofía (1959), que retrata a un hombre de mediana edad sentado abatido al borde de la cama. Junto a él hay un libro abierto y una mujer parcialmente vestida, con un rayo de luz iluminando el suelo directamente delante de él. Según el libro de registro de Jo Hopper, "[E]l libro abierto es Platón, releído demasiado tarde".
Levin ofrece la siguiente interpretación de la pintura:
Levin postula que el filósofo de Platón, en busca de la realidad y la verdad últimas, debe trascender el efímero mundo material para comprometerse con las Formas e Ideas eternas. La contemplativa figura masculina de Hopper se sitúa en el nexo de dos fuerzas en competencia: el atractivo de la esfera terrestre, simbolizada por la mujer, y el imperativo del elevado reino espiritual, encarnado por la iluminación trascendente. Se transmite palpablemente la profunda angustia asociada con esta elección existencial y sus ramificaciones, luego de un compromiso nocturno con los textos platónicos. Parece inmovilizado por la intensa lucha interna propia de un estado melancólico.
En Office at Night (1940), otra obra protagonizada por una pareja, Hopper presenta un enigma psicológico. La pintura muestra a un hombre absorto en sus documentos, mientras una atractiva secretaria recupera un expediente muy cerca. Los bocetos preliminares de la obra de arte revelan la experimentación deliberada de Hopper con la ubicación de las figuras, potencialmente para amplificar el erotismo inherente y la tensión psicológica. Hopper ofrece al observador dos interpretaciones: o el hombre realmente ignora el atractivo de la mujer, o se esfuerza activamente por suprimir su conciencia de su presencia. Un elemento compositivo notable es la utilización por parte de Hopper de tres fuentes de luz distintas: una lámpara de escritorio, iluminación desde una ventana e iluminación ambiental cenital. Posteriormente, Hopper produjo múltiples obras con temas de "oficina", aunque ninguna poseía un subtexto sensual comparable.
La obra de arte más famosa de Hopper, Nighthawks (1942), es un ejemplo destacado de sus composiciones grupales. Representa a los clientes sentados en el mostrador de un restaurante nocturno. Las formas geométricas y las líneas diagonales están meticulosamente dispuestas y la perspectiva es cinematográfica, situada en la acera como si el observador se acercara al establecimiento. La intensa iluminación eléctrica del restaurante contrasta marcadamente con la oscuridad exterior, intensificando la atmósfera y la resonancia emocional matizada. Como en muchas pinturas de Hopper, el compromiso interpersonal es mínimo. El restaurante representado se inspiró en un establecimiento específico de Greenwich Village. Tanto Hopper como su esposa sirvieron como modelos para las figuras, y Jo Hopper proporcionó el título de la obra de arte. La génesis del concepto de la pintura puede provenir del cuento de Ernest Hemingway "Los asesinos", que Hopper tenía en gran estima, o de la narrativa más filosófica "Un lugar limpio y bien iluminado". En ocasiones, el ambiente de la pintura se ha interpretado como una articulación de la aprensión en tiempos de guerra. De acuerdo con el título de la obra de arte, Hopper comentó posteriormente que Nighthawks aborda principalmente el potencial de los depredadores nocturnos en lugar de la mera soledad.
Su segunda obra de arte más reconocida después de Nighthawks es otra composición de temática urbana, Early Sunday Morning (titulada originalmente Tiendas de la Séptima Avenida), que representa un paisaje urbano desierto bañado por una luz lateral intensa. presentando una boca de incendios y un poste de barbero como sustitutos simbólicos de la presencia humana. Inicialmente, Hopper planeó incluir figuras en las ventanas del piso superior, pero finalmente las omitió para intensificar la sensación generalizada de desolación.
Las escenas rurales de Nueva Inglaterra de Hopper, como Gas (1940), son igualmente significativas. Gas simboliza "un refugio diferente, igualmente limpio y bien iluminado... mantenido abierto para aquellos necesitados mientras navegan por la noche, recorriendo sus propios kilómetros antes de dormir". Esta obra de arte sintetiza varios motivos recurrentes de Hopper: el individuo aislado, el ambiente sombrío del crepúsculo y la calle desolada.
La pintura de Hopper de 1951, Habitaciones junto al mar, representa una puerta abierta que ofrece una vista del océano, en particular sin escaleras visibles, escalones o una playa discernible.
Después de su período estudiantil, Hopper retrató exclusivamente desnudos femeninos. A diferencia de artistas anteriores que pretendían glorificar la forma femenina y enfatizar el erotismo, los desnudos de Hopper suelen presentar mujeres solitarias representadas con vulnerabilidad psicológica. Una excepción notable es la obra de 1941, Girlie Show, que retrata a una artista de striptease pelirroja atravesando con confianza un escenario, acompañada por músicos de boxes. Esta pintura, Girlie Show, fue concebida tras la asistencia de Hopper a un espectáculo burlesco poco antes de su creación. Como era habitual, la esposa de Hopper sirvió como modelo para la pintura, documentando en su diario: "Ed comenzó un nuevo lienzo, una reina del burlesque haciendo un striptease, y yo posando sin puntada frente a la estufa, nada más que tacones altos en una pose de baile de lotería".
Después de su formación académica, Hopper produjo relativamente pocos retratos y autorretratos. Sin embargo, realizó un "retrato" encargado de una residencia, La casa de MacArthurs (1939), representando meticulosamente los detalles arquitectónicos victorianos de la morada de la actriz Helen Hayes. Hayes contó más tarde: "Creo que nunca en mi vida conocí a un individuo más misántropo y gruñón". Hopper expresó su descontento durante todo el esfuerzo y posteriormente rechazó todos los encargos adicionales. Además, Hopper pintó Retrato de Orleans (1950), que sirvió como un "retrato" de la ciudad de Cape Cod vista desde su calle principal.
A pesar de un gran interés en la Guerra Civil estadounidense y las fotografías del campo de batalla de Mathew Brady, Hopper creó sólo dos pinturas históricas, ambas retratando a soldados en camino a Gettysburg. Igualmente poco frecuentes entre sus elecciones temáticas fueron las representaciones de acción. El ejemplo más destacado de una pintura orientada a la acción es Bridle Path (1939); sin embargo, las dificultades documentadas de Hopper con la anatomía equina pueden haberlo disuadido de dedicarse a temas comparables.
El último óleo de Hopper, Dos comediantes (1966), completado un año antes de su fallecimiento, subraya su profundo aprecio por el teatro. Presenta a dos artistas de pantomima franceses, un hombre y una mujer, ataviados con trajes blancos luminosos, inclinándose ante un escenario con poca luz. Jo Hopper corroboró que su marido pretendía que estas figuras simbolizaran sus reverencias finales en la vida, tomadas juntas como pareja casada.
Con frecuencia se interpreta que las obras de arte de Hopper poseen contenido narrativo o temático que el artista tal vez no haya pretendido. Si bien los títulos pueden influir significativamente en el significado percibido de una pintura, los títulos de las obras de Hopper ocasionalmente fueron asignados por otros o elegidos por Hopper y su esposa de una manera que oscurece su correlación directa con la intención original del artista. Por ejemplo, Hopper una vez informó a un entrevistador que le "gustaba Early Sunday Morning... pero no era necesariamente domingo. Esa palabra fue añadida más tarde por otra persona".
La inclinación a atribuir contenido temático o narrativo no intencionado a las pinturas de Hopper era incluso evidente en las interpretaciones de su esposa. Cuando Jo Hopper comentó sobre la figura en Cape Cod Morning, diciendo: "Es una mujer mirando para ver si el clima es lo suficientemente bueno para tender la ropa", Hopper respondió bruscamente: "¿Dije eso? Lo estás haciendo Norman Rockwell. Desde mi punto de vista, ella simplemente está mirando por la ventana".
Noche de verano de Hopper, que retrata a una pareja joven conversando bajo la intensa iluminación del porche de una cabaña, posee una cualidad romántica innegable. Sin embargo, Hopper expresó su consternación ante la sugerencia de un crítico de que la obra sería adecuada como ilustración en "cualquier revista femenina". Hopper reveló que había contemplado la pintura "durante 20 años y nunca pensé en colocar las figuras hasta que comencé el verano pasado. Por qué cualquier director de arte destrozaría la imagen. Las figuras no eran lo que me interesaba; era la luz que caía y la noche a su alrededor".
Posición dentro del arte americano
Al representar predominantemente momentos tranquilos y rara vez retratar acciones abiertas, Hopper utilizó una forma de realismo que también adoptó el destacado realista estadounidense Andrew Wyeth; sin embargo, el enfoque técnico de Hopper divergió significativamente del estilo hiperdetallado de Wyeth. Alineado con ciertos contemporáneos, Hopper compartía una sensibilidad urbana con John Sloan y George Bellows, pero evitó sus representaciones explícitas de acción y violencia. Mientras artistas como Joseph Stella y Georgia O'Keeffe romantizaban la arquitectura monumental de los entornos urbanos, Hopper las convertía en formas geométricas comunes, retratando la esencia de la ciudad como desolada y peligrosa, en lugar de "elegante o seductora".
Charles Burchfield, un artista admirado por Hopper y a menudo comparado con él, comentó sobre el trabajo de Hopper y afirmó que "alcanza una verdad tan completa que puedes leer en sus interpretaciones de las casas y concepciones de la vida de Nueva York cualquier implicación humana que desees". Burchfield atribuyó además los logros de Hopper a su "individualismo audaz", afirmando que Hopper había "recuperado esa sólida independencia estadounidense que nos dio Thomas Eakins, pero que durante un tiempo se perdió". Hopper valoró mucho este elogio, considerando a Eakins como el pintor estadounidense más destacado.
Deborah Lyons, una destacada estudiosa de Hopper, observa que "nuestros propios momentos de revelación a menudo se reflejan, de manera trascendente, en su obra". Ella explica que "una vez vistas, las interpretaciones de Hopper existen en nuestra conciencia junto con nuestra propia experiencia. Siempre vemos cierto tipo de casa como una casa Hopper, quizás investidas con un misterio que Hopper implantó en nuestra propia visión". La producción artística de Hopper eleva escenas cotidianas aparentemente ordinarias y comunes, imbuyéndolas de un profundo sentido de epifanía. En consecuencia, su arte transforma el desolado paisaje americano y las solitarias gasolineras en vistas imbuidas de una hermosa anticipación.
A pesar de las comparaciones temáticas con su contemporáneo Norman Rockwell, Hopper expresó una fuerte aversión a tales paralelos. Percibió su propio trabajo como más matizado, menos abiertamente ilustrativo y desprovisto de sentimentalismo. Hopper también descartó asociaciones con Grant Wood y Thomas Hart Benton, afirmando: "Creo que los pintores de escenas estadounidenses caricaturizaron a Estados Unidos. Siempre quise hacerlo yo mismo".
Influencia
La profunda influencia de Hopper tanto en el mundo del arte como en la cultura popular es ampliamente reconocida. Aunque no instruyó formalmente a sus estudiantes, numerosos artistas, incluidos Willem de Kooning, Jim Dine y Mark Rothko, lo han citado como una inspiración importante. Un ejemplo notable de esta influencia es la primera pieza de Rothko, Composición I (c. 1931), que reinterpreta directamente el Chop Suey de Hopper.
Las distintivas composiciones cinematográficas de Hopper y su magistral manipulación de luces y sombras le han granjeado una considerable admiración entre los cineastas. Por ejemplo, su pintura Casa junto al ferrocarril es ampliamente reconocida como una influencia significativa en el diseño arquitectónico icónico presentado en la película Psicosis» de Alfred Hitchcock. Esta misma obra de arte también ha sido identificada como inspiradora de la residencia representada en Días del cielo de Terrence Malick. La película de 1981 Pennies from Heaven presenta en particular un cuadro vivo de Nighthawks, con sus actores principales posicionados como los comensales. El director alemán Wim Wenders también reconoce el impacto de Hopper; su película de 1997 El fin de la violencia también presenta un cuadro vivo de Nighthawks, meticulosamente recreado por los artistas. El renombrado director de terror surrealista Dario Argento incluso reconstruyó el restaurante y sus ocupantes de Nighthawks como escenario para su película de 1976 Deep Red (también conocida como Profondo Rosso). Ridley Scott ha citado la pintura idéntica como estímulo visual para Blade Runner. Al diseñar la iluminación para las escenas de la película de 2002 Camino a la perdición, el director Sam Mendes se inspiró en la obra de Hopper, haciendo referencia específica a New York Movie. El cineasta austriaco Gustav Deutsch creó una película basada en trece pinturas de Hopper.
Los homenajes a Nighthawks, que a menudo representan personajes de dibujos animados o figuras notables de la cultura pop como James Dean y Marilyn Monroe, suelen estar disponibles en tiendas de carteles y regalos. Turner Classic Movies, un canal de televisión por cable, transmite ocasionalmente segmentos animados derivados de las pinturas de Hopper antes de sus presentaciones cinematográficas. Las inspiraciones musicales incluyen el álbum en vivo en el estudio de Tom Waits de 1975, Nighthawks at the Diner, que toma su título de la pintura. En 1993, Madonna se inspiró lo suficiente en el cuadro de Hopper de 1941 Girlie Show como para ponerle su nombre a su gira mundial, integrando numerosos elementos teatrales y el estado de ánimo de la pintura en su actuación. El guitarrista británico John Squire, ex miembro de The Stone Roses, lanzó un álbum conceptual en 2004 titulado Marshall's House, y cada pista estaba inspirada y compartiendo su nombre con una pintura de Hopper. El álbum de 2007 del grupo de rock canadiense The Weakerthans, Reunion Tour, incluye dos canciones, "Sun in an Empty Room" y "Night Windows", directamente inspiradas y nombradas en las obras de Hopper; la banda también ha hecho referencia a él en otras canciones, como "Hospital Vespers". El Compartiment C, Car 293 de Hopper sirvió de impulso para la composición de 2003 del compositor polaco Paweł Szymański Compartment 2, Car 7 para violín, viola, violonchelo y vibráfono, así como para la canción de 2011 de Hubert-Félix Thiéfaine Compartiment C Voiture 293 Edward Hopper 1938. La banda británica Orchestral Maneuvers in the Dark también ha producido múltiples grabaciones influenciadas por la obra de Hopper. Específicamente, Early Sunday Morning inspiró el diseño de la portada de su álbum de 1985 Crush. Además, el sencillo de 2013 de la banda, "Night Café", fue influenciado por Nighthawks, mencionando explícitamente a Hopper, y su letra hace referencia a siete de sus pinturas.
En el ámbito de la poesía, numerosas obras se han inspirado en las pinturas de Hopper, manifestándose frecuentemente como vívidas descripciones y dramatizaciones dentro del género conocido como écfrasis. Más allá de los poemas individuales, varios poetas han compilado colecciones centradas en la producción artística de Hopper. El poeta francés Claude Esteban es autor de una colección de poemas en prosa, Soleil dans une pièce vide (Sol en una habitación vacía, 1991), que se basó en cuarenta y siete pinturas de Hopper creadas entre 1921 y 1963, y concluyó con Sol en una habitación vacía (1963), que dio título a la colección. Cada poema dramatizaba una pintura específica de Hopper, conjeturando una narrativa detrás de la escena representada; este volumen recibió el premio Prix France Culture en 1991. Posteriormente, ocho de estos poemas: Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun y Techos de Washington Square—fueron musicalizados por la compositora Graciane Finzi. Estos escenarios musicales fueron grabados con lecturas de la cantante Natalie Dessay en su álbum de 2016 Portraits of America, que también incorporó diez pinturas adicionales de Hopper y selecciones del cancionero estadounidense. Asimismo, el poeta español Ernest Farrés publicó una colección de cincuenta y un poemas en catalán, titulada Edward Hopper (2006), con traducción al inglés de Lawrence Venuti publicada en 2010. James Hoggard también contribuyó a este género con Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). En 1995, la editora Gail Levin organizó una antología colaborativa de varios poetas, La poesía de la soledad: un tributo a Edward Hopper. Los poemas individuales notables incluyen los de Byron Vazakas (1957) y John Stone (1985), ambos inspirados en Early Sunday Morning, y el trabajo de Mary Leader influenciado por Girl at Sewing Machine.
La antología de 2016 In Sunlight or in Shadow, editada por Lawrence Block, consta de 17 cuentos, cada uno de un autor distinto, todos inspirados en Hopper. pinturas. Entre ellos se encuentra "The Music Room" de Stephen King, que se inspiró en Room in New York.
Exposiciones
En 1980, se estrenó la exposición Edward Hopper: The Art and the Artist en el Whitney Museum of American Art. Posteriormente, esta exposición realizó una gira por varias instituciones destacadas, incluido el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Instituto de Arte de Chicago, la Tate Gallery de Londres, la Kunsthalle Düsseldorf y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. En particular, representó la gran retrospectiva inaugural que mostró las pinturas al óleo de Hopper al mismo tiempo que sus bocetos y dibujos preparatorios.
Del 13 de octubre de 1989 al 4 de enero de 1990, la Fundación Juan March de Madrid acogió Edward Hopper, la exposición inaugural dedicada a su obra en España. Esta exhibición presentó más de 60 obras producidas por Hopper entre 1907 y 1960, abarcando diversos medios artísticos.
En 2004, una importante colección de pinturas de Hopper se embarcó en una gira europea, con paradas en el Museo Ludwig de Colonia, Alemania, y la Tate Modern de Londres. La exposición de la Tate fue, en ese momento, la segunda exposición más concurrida en la historia de la galería, atrayendo a más de 420.000 visitantes.
En 2007, se presentó en el Museo de Bellas Artes de Boston una exposición que destacaba el período artístico más significativo de Hopper, que abarca aproximadamente desde 1925 hasta mediados del siglo XX. La exposición contó con cincuenta pinturas al óleo, treinta acuarelas y doce grabados, entre ellos Nighthawks, Chop Suey y Faro y edificios. Fue organizado conjuntamente por el Museo de Bellas Artes, la Galería Nacional de Arte de Washington y el Instituto de Arte de Chicago. El catálogo adjunto, titulado Edward Hopper, fue escrito por Carol Troyen, Judith A. Barter, Janet L. Comey, Elliot Bostwick Davis y Ellen E. Roberts, y fue publicado por el Museum of Fine Arts Publishers en 2007 (ISBN 978-0-878-46712-9).
En 2010, la Fondation de l'Hermitage en Lausana, Suiza, organizó una exposición integral que analiza la trayectoria artística completa de Hopper, presentando una colección sustancial de obras procedentes principalmente del Museo Whitney en la ciudad de Nueva York. La muestra abarcó pinturas, acuarelas, grabados, caricaturas, carteles y estudios preparatorios para pinturas seleccionadas. Esta exposición ya se había presentado anteriormente en Milán y Roma.
En 2012, se inició una importante exposición en el Grand Palais de París. Estructurado en dos secciones distintas, exploró el período de formación de Hopper (1900-1924), yuxtaponiendo su desarrollo con artistas contemporáneos e influencias artísticas francesas, y su posterior estilo maduro a partir de 1925, ejemplificado por piezas como House by the Railroad.
Del 25 de julio al 26 de octubre de 2015, el Museo de Arte Carnegie presentó su colección de 17 obras de Hopper. (pinturas, dibujos y grabados) dentro de la exposición titulada Carnegie Museum of Art Collects Edward Hopper.
En 2020, la Fondation Beyeler en Suiza montó una exposición que subrayó las representaciones de Hopper de paisajes y entornos urbanos estadounidenses, desarrolladas en colaboración con el Whitney Museum.
De 2020 a 2021, The Phillips Collection presentó la exposición Hopper en París: Selecciones del Whitney Museum of American Art, que se concentraron en obras de arte producidas durante la residencia de Hopper en París.
De 2022 a 2023, el Whitney Museum organizó la exposición Edward Hopper's New York, que investigó la profunda conexión del artista con la metrópoli que habitó durante casi seis décadas.
Mercado del arte
Las obras de Hopper rara vez están disponibles en el mercado del arte. La producción artística de Hopper no fue extensa y comprendió sólo 366 lienzos; en la década de 1950, cuando tenía setenta años, completó una media de cinco cuadros al año.
El marchante de larga data de Hopper, Frank Rehn, que organizó la exposición individual inaugural de Hopper en 1924, transfirió Hotel Window (1956) a la coleccionista Olga Knoepke por 7.000 dólares en 1957, una suma equivalente a 80.243 dólares en 2025. En 1999, la Colección Forbes vendió de forma privada la obra al actor Steve Martin por aproximadamente 10 millones de dólares. En 2006, Martin vendió la pintura por 26,89 millones de dólares en Sotheby's de Nueva York, estableciendo un nuevo récord de subasta para el artista en ese momento.
En 2013, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia puso a la venta East Wind Over Weehawken (1934) de Hopper, con el objetivo de recaudar entre 22 y 28 millones de dólares para establecer un fondo de adquisición de arte contemporáneo. La pintura, una escena callejera ejecutada en tonos tierra sombríos, que representa la residencia a dos aguas ubicada en 1001 Boulevard East, en la intersección de la calle 49 en Weehawken, Nueva Jersey, es ampliamente considerada como una de las obras fundamentales de Hopper. La obra de arte fue adquirida directamente del marchante del artista en 1952, quince años antes de la desaparición de Hopper. Al final, la pintura alcanzó un precio récord de 36 millones de dólares en Christie's en Nueva York, comprada por un postor telefónico no revelado.
En 2018, tras el fallecimiento del coleccionista de arte Barney A. Ebsworth y la posterior subasta de numerosos artículos de su colección, Chop Suey (1929) se vendió por 91,9 millones de dólares, convirtiéndose así en la obra de arte de Hopper con el precio más alto jamás adquirida en una subasta.
En la cultura popular
Más allá de su influencia artística directa, el trabajo de Hopper es frecuentemente referenciado dentro de la cultura popular.
En 1981, Hopper's Silence, un documental de Brian O'Doherty, producido por el Whitney Museum of American Art, se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York, celebrado en Alice Tully Hall.
La película de 2013 Shirley – Visions of Reality, dirigida por el cineasta austriaco Gustav Deutsch, se inspiró en 13 de las pinturas de Edward Hopper.
Esfuerzos artísticos adicionales influenciados por las pinturas de Hopper o que hacen referencia directa a ellas incluyen el álbum de Tom Waits de 1975 Nighthawks at the Diner y una serie fotográfica creada por Gail Albert Halaban en 2012.
El libro de Gail Levin y la exposición itinerante que lo acompaña, ambos titulados Hopper's Places (publicados en 1985 y 1998), implicaron la identificación y documentación fotográfica de numerosos lugares representados en las pinturas de Hopper. Al revisar una exposición relacionada curada por Levin en 1985, Vivien Raynor observó en The New York Times que "las deducciones de la señorita Levin son invariablemente esclarecedoras, como cuando infiere que la tendencia de Hopper a alargar las estructuras era un reflejo de su gran altura".
El álbum de 1985 Crush de la banda new wave Orchestral Maneuvers in the Dark incorpora obras de arte inspiradas en dibujos. de varias de las pinturas de Hopper, en particular Early Sunday Morning, Nighthawks y Room in New York. Además, el sencillo de 2013 de la banda, "Night Café", fue influenciado por Nighthawks y nombra explícitamente a Hopper; sus letras hacen referencia a siete de sus pinturas.
El episodio de 1999 Hey Arnold! "Helga on the Couch" presenta la pintura de Hopper de 1943 *Summertime*, con el personaje titular del episodio describiendo a Hopper como "un poco simple" y comentando su "trato con las mujeres".
En 2016, la Ópera de la ciudad de Nueva York presentó el estreno en la costa este de "Hopper's Wife" de Stewart Wallace en Harlem Stage, una ópera de cámara de 1997 que explora un matrimonio ficticio entre Edward Hopper y la columnista de chismes Hedda Hopper.
La novelista irlandesa Christine Dwyer Hickey lanzó la novela The Narrow Land en 2019, con Edward y Jo Hopper como sus personajes principales.
El álbum de Paul Weller de 2017, A Kind Revolution, contiene una canción titulada "Tolva."
Obras seleccionadas
Referencias
- Notas
- Citas
- Obras citadas
- Edward Hopper en el Instituto de Arte de Chicago
- Edward Hopper en la Galería Nacional de Arte, Washington
- Entrevista de historia oral con Edward Hopper, 17 de junio de 1959 de los Archivos Smithsonian de Arte Americano
- Galería de pinturas de Edward Hopper Archivada el 3 de marzo de 2016 en Wayback Machine
- Edward Hopper en el Museo Smithsonian de Arte Americano