Henri Matisse

Henri Émile Benoît Matisse (francés: [ɑ̃ʁi emil bənwa matis]; 31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un destacado artista visual francés, que se distinguió por su innovadora aplicación del color y su distintivo y fluido dibujo. Si bien también es un excelente dibujante, grabador y escultor, se le reconoce principalmente por sus contribuciones a la pintura.

Henri Émile Benoît Matisse (francés: [ɑ̃ʁiemilbənwamatis]; 31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un artista visual francés, conocido tanto por su uso del color como por su dibujo fluido y original. Fue dibujante, grabador y escultor, pero se le conoce principalmente como pintor.

Henri Matisse, junto con Pablo Picasso, es ampliamente considerado una figura fundamental en la configuración de la trayectoria revolucionaria de las artes visuales del siglo XX durante sus primeras décadas, contribuyendo sustancialmente a los avances tanto en la pintura como en la escultura.

Su uso distintivo de colores intensos, evidente en las obras producidas entre 1900 y 1905, estableció su reputación como líder miembro de los fauves, término que se traduce como "bestias salvajes" en francés. A partir de 1906, durante aproximadamente una década, produjo numerosas piezas aclamadas, caracterizadas por un estilo riguroso que priorizaba formas aplanadas y patrones decorativos intrincados. Tras mudarse a un suburbio de Niza en la Riviera francesa en 1917, la producción artística de Matisse durante la década de 1920 adoptó una estética más relajada, lo que le valió el reconocimiento de la crítica como defensor de las tradiciones clásicas dentro de la pintura francesa. Después de 1930, su enfoque evolucionó hacia una simplificación de la forma más pronunciada. Durante sus últimos años, cuando el deterioro de su salud le impedía pintar, desarrolló una importante colección de obras utilizando collages de papel cortado.

El profundo dominio de Matisse del color y el dibujo como medios expresivos, demostrados a lo largo de una obra que se extiende más de cincuenta años, aseguró su estatus como una figura preeminente en el arte moderno.

Vida temprana y antecedentes educativos

Nacido el 31 de diciembre de 1869 en Le Cateau-Cambrésis, departamento Norte, norte de Francia, Matisse era el hijo mayor de un rico comerciante de cereales. Sus años de formación los pasó en Bohain-en-Vermandois, Picardía. En 1887, realizó estudios jurídicos en París y posteriormente se desempeñó como administrador judicial en Le Cateau-Cambrésis tras obtener su título. Su incursión inicial en la pintura se produjo en 1889, cuando su madre le proporcionó materiales de arte durante su recuperación de una apendicitis. Esta experiencia, que más tarde caracterizó como el descubrimiento de "una especie de paraíso", impulsó su decisión de seguir una carrera artística, para gran decepción de su padre.

En 1891, Matisse había regresado a París, inscribiéndose en estudios de arte en la Académie Julian bajo la dirección de William-Adolphe Bouguereau y en la École Nationale des Bellas Artes con Gustave Moreau. Inicialmente, su producción artística comprendía naturalezas muertas y paisajes ejecutados de manera convencional, demostrando una habilidad competente. Matisse se inspiró tanto en maestros históricos, incluidos Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nicolas Poussin y Antoine Watteau, como en artistas contemporáneos como Édouard Manet, además del arte japonés. Chardin, en particular, fue uno de los pintores más venerados de Matisse; durante sus años de estudiante, copió meticulosamente cuatro de las obras de Chardin que se encuentran en el Louvre.

En 1896, cuando todavía era un desconocido estudiante de arte, Matisse viajó a Belle Île, una isla frente a la costa de Bretaña, donde Russell posteriormente le presentó el impresionismo y la obra de Vincent van Gogh, un conocido personal de Russell, y también le regaló un dibujo de Van Gogh. Este encuentro transformó profundamente el enfoque artístico de Matisse, llevándolo a abandonar su paleta tenue de tonos tierra en favor de tonos vibrantes. Más tarde, Matisse reconoció a Russell como su mentor y le atribuyó el mérito de dilucidar la teoría del color. Ese mismo año presentó cinco cuadros en el salón de la Société Nationale des Beaux-Arts, adquiriendo el Estado dos de estas obras.

En 1894, Matisse tuvo una hija, Marguerite, con la modelo Caroline Joblau. Posteriormente se casó con Amélie Noellie Parayre en 1898; juntos criaron a Marguerite y tuvieron dos hijos, Jean (nacido en 1899) y Pierre (nacido en 1900). Tanto Marguerite como Amélie posaron con frecuencia como modelos para las obras de arte de Matisse.

Siguiendo la recomendación de Camille Pissarro en 1898, Matisse viajó a Londres para examinar las pinturas de J. M. W. Turner, seguido de un viaje a Córcega. Al regresar a París en febrero de 1899, colaboró ​​​​con Albert Marquet y se encontró con André Derain, Jean Puy y Jules Flandrin. Matisse se comprometió profundamente con las creaciones de otros artistas, contrayendo deudas mediante la adquisición de obras de pintores que estimaba. Su colección personal, expuesta en su residencia, incluía un busto de yeso de Rodin, un cuadro de Gauguin, un dibujo de Van Gogh y los Tres bañistas de Cézanne. El enfoque distintivo de Cézanne hacia la estructura pictórica y el color sirvió como principal fuente de inspiración para Matisse.

De 1898 a 1901, muchas de las pinturas de Matisse incorporaron una técnica divisionista, que adoptó después de estudiar el ensayo de Paul Signac, "D'Eugène Delacroix au Néo-impresionisme".

En mayo de 1902, los padres de Amélie se vieron implicados en un importante asunto financiero. escándalo conocido como el caso Humbert. Su madre, que era ama de llaves de la familia Humbert, y su padre fueron los chivos expiatorios del escándalo, lo que provocó amenazas contra su familia por parte de turbas enfurecidas de víctimas de fraude. La historiadora de arte Hilary Spurling señaló que "su exposición pública, seguida del arresto de su suegro, dejó a Matisse como el único sostén de una familia de siete miembros". Entre 1902 y 1903, Matisse cambió a un estilo de pintura más sombrío y centrado en la forma, con el objetivo potencial de crear obras comercializables durante este período de dificultades financieras. Después de su incursión inicial en la escultura en 1899, produciendo una copia de la obra de Antoine-Louis Barye, dedicó un esfuerzo considerable al modelado en arcilla, que culminó con la finalización de El esclavo en 1903.

Fauvismo

El fauvismo surgió como estilo artístico alrededor de 1900 y persistió más allá de 1910, aunque el movimiento en sí estuvo activo sólo durante unos pocos años, de 1904 a 1908, y contó con tres exposiciones. Sus principales figuras fueron Matisse y André Derain. La exposición individual inaugural de Matisse, celebrada en la galería de Ambroise Vollard en 1904, logró un éxito limitado. Su predilección por los colores vibrantes y expresivos se intensificó después de pasar el verano de 1904 pintando en St. Tropez junto a los neoimpresionistas Signac y Henri-Edmond Cross. Durante ese año produjo Luxe, Calme et Volupté, considerada su obra más significativa de estilo neoimpresionista. En 1905, viajó una vez más al sur para colaborar con André Derain en Collioure. Sus obras de arte de esta época se distinguen por formas planas y líneas precisas, empleando puntillismo con una adherencia menos estricta que antes.

En 1905, Matisse y un colectivo de artistas, posteriormente identificados como los "Fauves", exhibieron sus obras juntos en un espacio exclusivo en el Salón de Otoño. Estas pinturas transmitían emociones a través de colores intensos, frecuentemente discordantes, sin tener en cuenta los tonos naturales de sus sujetos. Matisse presentó La ventana abierta y La mujer con sombrero en el Salón. El crítico de arte Louis Vauxcelles, al observar una escultura solitaria en medio de una "orgía de tonos puros", comentó: "Donatello chez les fauves" (Donatello entre las bestias salvajes), haciendo referencia a una escultura de estilo renacentista que comparte la sala de exposición. Este comentario, publicado el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas, pasó posteriormente al lenguaje común. La exposición provocó severas críticas, y la crítica Camille Mauclair declaró: "Se ha arrojado un bote de pintura a la cara del público", pero también atrajo algunas críticas positivas. La compra de La mujer con sombrero de Matisse, una pintura específicamente condenada por Gertrude y Leo Stein, impulsó significativamente el ánimo del asediado artista.

Matisse, junto con André Derain, fue reconocido como un líder destacado de los fauves; mantuvieron una rivalidad amistosa y cada uno cultivaba sus propios seguidores. Otros miembros notables fueron Georges Braque, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck. El pintor simbolista Gustave Moreau (1826-1898) fue el influyente mentor del movimiento. Como profesor en la École des Beaux-Arts de París, Moreau animó a sus estudiantes a trascender los límites artísticos convencionales y perseguir sus visiones creativas individuales.

En 1907, Guillaume Apollinaire, en un artículo sobre Matisse publicado en La Falange, afirmó: "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". Sin embargo, el trabajo contemporáneo de Matisse también enfrentó intensas críticas, lo que le dificultaba mantener a su familia. Su pintura de 1907, Nu bleu, fue quemada simbólicamente en efigie en el Armory Show de 1913 en Chicago.

El declive del fauvismo posterior a 1906 no impidió la carrera de Matisse; de hecho, muchas de sus obras más significativas surgieron entre 1906 y 1917. Durante este período, participó activamente en la vibrante comunidad artística de Montparnasse, a pesar de su comportamiento conservador algo incongruente y su disciplinada ética de trabajo burguesa. Matisse asimiló constantemente nuevas influencias artísticas. En 1906 viajó a Argelia, donde se comprometió con el arte africano y el primitivismo. Después de una importante exposición de arte islámico en Munich en 1910, Matisse dedicó dos meses a estudiar el arte árabe en España. Las visitas posteriores a Marruecos en 1912 y 1913, en particular sus experiencias pictóricas en Tánger, provocaron varias modificaciones en su enfoque artístico, en particular la incorporación del negro como color distintivo. Estas experiencias fomentaron una nueva audacia en el arte de Matisse, caracterizada por la aplicación de colores intensos y no modulados, ejemplificados en L'Atelier Rouge (1911).

Henri Matisse mantuvo una extensa relación profesional con el coleccionista de arte ruso Sergei Shchukin. En particular, Matisse produjo una de sus obras fundamentales, La Danse, específicamente para Shchukin como parte de un encargo de dos pinturas, que también incluía Música (1910). Una interpretación anterior de La Danse (1909) se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.

Creaciones artísticas seleccionadas (1901–1910)

Obras escultóricas

Gertrude Stein, la Académie Matisse y las Cone Sisters

Aproximadamente en abril de 1906, Matisse conoció a Pablo Picasso, que era once años menor que él. Posteriormente desarrollaron una amistad de por vida junto con una rivalidad profesional, lo que llevó a frecuentes análisis comparativos de sus carreras. Una distinción fundamental entre los artistas residía en la práctica de Matisse de dibujar y pintar directamente de la naturaleza, mientras que Picasso favorecía predominantemente las composiciones imaginativas. Ambos artistas representaron frecuentemente mujeres y naturalezas muertas; sin embargo, Matisse normalmente situaba sus figuras en espacios interiores meticulosamente representados. Su presentación inicial se produjo en el salón parisino de Gertrude Stein, acompañada de su pareja Alice B. Toklas. A lo largo de la década inaugural del siglo XX, varios expatriados estadounidenses en París (específicamente Gertrude Stein, sus hermanos Leo y Michael Stein, y la esposa de Michael, Sarah) surgieron como importantes coleccionistas y defensores de la obra de Matisse. Además, las dos conocidas de Gertrude Stein en Baltimore, las hermanas Cone, Claribel y Etta, se convirtieron en mecenas destacadas tanto de Matisse como de Picasso, acumulando cientos de sus pinturas y dibujos. La extensa colección Cone se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Baltimore.

Aunque numerosos artistas frecuentaban el salón Stein, un número considerable no estaba representado por las obras expuestas en el número 27 de la rue de Fleurus. Mientras que las colecciones de Leo y Gertrude Stein se caracterizaban predominantemente por obras de Renoir, Cézanne, Matisse y Picasso, la colección de Sarah Stein priorizaba notablemente a Matisse.

Como contemporáneos de Leo y Gertrude Stein, Matisse y Picasso se integraron en su entorno social, asistiendo regularmente a las reuniones de los sábados por la noche celebradas en el 27 de la rue de Fleurus. Gertrude Stein le dio crédito a Matisse por haber iniciado estos salones de los sábados por la noche y observó: "Cada vez más, las personas comenzaron a visitar las pinturas de Matisse [...] Matisse presentó a la gente, todos traían a alguien y llegaban a cualquier hora, lo que finalmente se volvió inconveniente". Guillaume Apollinaire, Marie Laurencin (amante de Apollinaire y artista consumada) y Henri Rousseau.

Los asociados de Matisse establecieron y financiaron la Académie Matisse en París, una institución privada y no comercial donde brindó instrucción a artistas emergentes. La academia funcionó de 1907 a 1911. La conceptualización de la academia se originó con los Stein y los Dômier, involucrando además a Hans Purrmann, Patrick Henry Bruce y Sarah Stein.

Matisse residió en Marruecos durante siete meses entre 1912 y 1913, durante los cuales creó aproximadamente 24 pinturas y una multitud de dibujos. Los temas orientalistas recurrentes en sus pinturas posteriores, como las odaliscas, son atribuibles a este período. Después de su estancia en Marruecos, los peces de colores en los acuarios también surgieron como un motivo destacado y recurrente en la producción artística de Matisse.

Producciones artísticas destacadas (1910-1917)

Período posparisino

En 1917, Henri Matisse se mudó a Cimiez, un suburbio de Niza ubicado en la Riviera francesa. La siguiente década de su producción artística demostró una notable relajación y suavización de su enfoque estilístico. Este "regreso al orden" tipificó gran parte del arte producido después de la Primera Guerra Mundial, alineándose con el neoclasicismo evidente en las obras de Picasso y Stravinsky, y las tendencias tradicionalistas de Derain. Las pinturas odaliscas orientalistas de Matisse caracterizan claramente esta época; aunque populares, estas obras fueron a veces descartadas por los críticos contemporáneos como superficiales y meramente decorativas.

A finales de la década de 1920, Matisse reanudó colaboraciones activas con un grupo diverso de artistas, que incluía no sólo individuos franceses, holandeses, alemanes y españoles, sino también varios artistas estadounidenses e inmigrantes recientes a los Estados Unidos.

Después de 1930, la obra de Matisse exhibió un vigor renovado y una simplificación más pronunciada. El coleccionista de arte estadounidense Albert C. Barnes encargó a Matisse la creación de un importante mural, La Danza II, para la Fundación Barnes, que se finalizó en 1932. La Fundación también posee muchas otras pinturas de Matisse. Esta inclinación hacia la simplificación, que anticipó su técnica posterior del recorte, se ejemplifica aún más en su pintura de 1935, Gran desnudo reclinado. Matisse dedicó varios meses a este trabajo, documentando minuciosamente su evolución a través de una serie de 22 fotografías, que posteriormente envió a Etta Cone.

El período de la Segunda Guerra Mundial

En julio de 1939, el matrimonio de 41 años de Matisse con Amélie concluyó en medio de las sospechas de ella sobre su romance con su joven compañera emigrada rusa, Lydia Delectorskaya, lo que resultó en una división equitativa de sus bienes. Posteriormente, Delectorskaya intentó suicidarse disparándose en el pecho; Sorprendentemente, sobrevivió sin repercusiones duraderas. Más tarde regresó a Matisse, sirviendo como su asistente indispensable por el resto de su vida, administrando su hogar, sus finanzas, su correspondencia, sus registros, las operaciones del estudio y sus asuntos comerciales.

Mientras Matisse estuvo en París durante la invasión nazi de Francia en junio de 1940, regresó exitosamente a Niza. Su hijo, Pierre, entonces propietario de una galería en Nueva York, le imploró que escapara de la inminente ocupación. Aunque Matisse inicialmente planeó partir hacia Brasil, finalmente decidió permanecer en Niza, dentro de la Francia de Vichy. En septiembre de 1940, expresó su razonamiento a Pierre: "Me pareció que iba a desertar. Si todos los que tienen algún valor abandonan Francia, ¿qué queda de Francia?" A pesar de nunca unirse a la resistencia, su decisión de quedarse se convirtió en una fuente de orgullo nacional para los franceses ocupados, quienes admiraban a uno de sus artistas más célebres por permanecer en su tierra natal.

Durante la ocupación nazi de Francia de 1940 a 1944, el régimen mostró mayor indulgencia hacia el "arte degenerado" en París en comparación con sus políticas en los territorios de habla alemana bajo la dictadura militar. A Matisse, junto con otros antiguos artistas fauvistas y cubistas a quienes Hitler había condenado inicialmente, se le permitió exhibir su obra. Sin embargo, este privilegio excluía a todos los artistas judíos, cuyas obras habían sido retiradas sistemáticamente de los museos y galerías franceses. Además, todos los artistas franceses que exponían en Francia, incluido Matisse, fueron obligados a firmar un juramento afirmando su condición de "arios". Al mismo tiempo, Matisse se dedicó al arte gráfico, creó ilustraciones en blanco y negro para varios libros y produjo más de cien litografías originales en los Estudios Mourlot de París.

En 1941, Matisse recibió un diagnóstico de cáncer de duodeno. Aunque la cirugía posterior fue exitosa, provocó graves complicaciones que lo llevaron al borde de la muerte. Un período de tres meses postrado en cama después de esta terrible experiencia lo impulsó a innovar en un nuevo medio artístico, utilizando papel y tijeras.

También en 1941, Monique Bourgeois, una estudiante de enfermería, respondió al anuncio de Matisse de una enfermera, iniciando una amistad platónica. Matisse reconoció su talento como artista aficionada y posteriormente la instruyó en los principios de la perspectiva. Después de que Bourgeois partiera en 1944 para ingresar a un convento, Matisse ocasionalmente le pedía que modelara para él. En 1946, Bourgeois se convirtió en monja dominica y Matisse, que se había mudado a la pequeña ciudad de Vence en 1943, más tarde pintó allí una capilla en su honor.

Si bien Henri Matisse permaneció en gran medida aislado en el sur de Francia durante la guerra, su familia estaba profundamente comprometida con la Resistencia francesa. Su hijo, Pierre, un comerciante de arte afincado en Nueva York, facilitó la fuga de artistas franceses judíos y antinazis que representaba desde la Francia ocupada a los Estados Unidos. En 1942, Pierre organizó en Nueva York la notable exposición "Artistas en el exilio". La ex esposa de Matisse, Amélie, trabajó como mecanógrafa en la clandestinidad francesa y posteriormente fue encarcelada durante seis meses. Matisse quedó profundamente angustiado al saber que su hija, Marguerite, participante en la Résistance en tiempos de guerra, había sido sometida a severas torturas por la Gestapo en una prisión de Rennes y condenada al campo de concentración de Ravensbrück en Alemania. Marguerite escapó con éxito del tren en ruta a Ravensbrück, que había sido detenido durante un ataque aéreo aliado, y sobrevivió en los bosques en medio del caos final de la guerra hasta que fue rescatada por otros miembros de la resistencia. Trágicamente, el alumno de Matisse, Rudolf Levy, murió en el campo de concentración de Auschwitz en 1944.

Últimos años

Recortes

Tras un diagnóstico de cáncer abdominal en 1941, Matisse se sometió a una cirugía que lo dejó dependiente de una silla de ruedas y frecuentemente postrado en cama. A medida que la pintura y la escultura se volvieron físicamente arduas, comenzó a crear collages de papel cortado, o decoupage, con la ayuda del personal de su estudio. Su método consistía en cortar hojas de papel, que sus asistentes habían pintado previamente con gouache, en varias formas y tamaños, para luego organizarlas en composiciones dinámicas. Esta técnica produjo una forma de arte de distinta complejidad dimensional, que trascendió los límites convencionales tanto de la pintura como de la escultura. Inicialmente, sus obras eran de escala modesta, pero progresivamente avanzó hasta producir murales e instalaciones del tamaño de una habitación. Matisse caracterizó sus últimos años como una "segunda vida", ya que los recortes le permitieron atravesar metafóricamente jardines a pesar de su movilidad física restringida.

Si bien los recortes de papel constituyeron el medio principal de Matisse durante la última década de su vida, su primera aplicación documentada de la técnica se produjo en 1919 para la decoración escénica de la ópera de Igor Stravinsky, Le chant du rossignol. Para este proyecto, Albert C. Barnes encargó plantillas de cartón correspondientes a las dimensiones únicas de la pared, sobre las cuales Matisse, trabajando desde su estudio de Niza, fijó composiciones de formas de papel pintado. Una serie posterior de recortes se creó entre 1937 y 1938, cuando Matisse diseñaba escenografías y vestuario para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. Sin embargo, fue exclusivamente después de su procedimiento quirúrgico, mientras estaba confinado en cama, que Matisse comenzó a cultivar la técnica del recorte como una expresión artística autónoma, distinta de sus aplicaciones funcionales anteriores.

En 1943, Matisse se mudó a Vence, Francia, donde emprendió su importante trabajo inaugural de recortes para su libro de artista, Jazz. Sin embargo, estos recortes iniciales fueron concebidos como diseños para impresiones con esténcil destinados a ser vistos dentro del libro, en lugar de creaciones pictóricas independientes. En esta coyuntura, Matisse siguió percibiendo los recortes como algo distinto de su práctica artística principal. Su creciente comprensión de este medio se aclara en la introducción de 1946 al Jazz. Tras un resumen retrospectivo de su carrera, Matisse articula las amplias posibilidades que ofrece la técnica del recorte, afirmando: "Un artista nunca debe ser prisionero de sí mismo, prisionero de un estilo, prisionero de una reputación, prisionero del éxito..."

Después de la publicación de Jazz, la producción de recortes concebidos de forma independiente se amplió progresivamente, culminando con la creación de obras de tamaño mural, incluidas las piezas de 1946. Oceanía el Cielo y Oceanía el Mar. Bajo la dirección de Matisse, su asistente de estudio, Lydia Delectorskaya, fijó siluetas de pájaros, peces y flora marina directamente en las paredes de la habitación. Estas dos composiciones de Oceanía, que representan sus recortes iniciales de tal magnitud, sirvieron como evocaciones de un viaje a Tahití emprendido años antes.

En mayo de 1954, el recorte de Matisse titulado La gavilla se exhibió en el Salón de Mayo, donde obtuvo una considerable aclamación. Esta obra de arte surgió como un encargo para los coleccionistas estadounidenses Sidney y Frances Brody, y el diseño recortado se adaptó posteriormente a una pieza de cerámica para su residencia en Los Ángeles. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

Capilla y Museo

En 1948, Matisse inició el proceso de diseño de la Chapelle du Rosaire de Vence, un esfuerzo que le permitió aplicar y desarrollar su técnica de corte dentro de un marco decorativo integral. El extenso trabajo en las ventanas, casullas y puerta del tabernáculo de la capilla, todos concebidos mediante el método del recorte, solidificó este medio como su principal actividad artística. Después de completar su última pintura en 1951 y su última escultura el año anterior, Matisse empleó exclusivamente recortes de papel como modo de expresión artística hasta su fallecimiento.

En 1952, Matisse fundó un museo dedicado a su obra, el Museo Matisse en Le Cateau, que actualmente alberga la tercera colección más grande de sus obras en Francia.

David Rockefeller afirmó que la última creación artística de Matisse fue el diseño de una vidriera, posteriormente instalada en la Union Church de Pocantico Hills, situada cerca de la finca Rockefeller al norte de la ciudad de Nueva York. Rockefeller señaló: "Fue su última creación artística; la maqueta estaba en la pared de su dormitorio cuando murió en noviembre de 1954". La instalación de esta ventana se finalizó en 1956.

Fallecimiento

Matisse falleció de un paro cardíaco a la edad de 84 años el 3 de noviembre de 1954. Su entierro tuvo lugar en el cementerio del Monastère Notre Dame de Cimiez, ubicado dentro del distrito Cimiez de Niza.

Influencia duradera

La pintura inicial de Matisse que fue adquirida por una colección pública fue Naturaleza muerta con geranios (1910), que la Pinakothek der Moderne obtuvo en 1912.

Pierre Matisse (1900–1989), hijo de Henri Matisse, estableció una galería de arte moderno en la ciudad de Nueva York durante la década de 1930. En funcionamiento desde 1931 hasta 1989, la Galería Pierre Matisse exhibió y representó a numerosos artistas europeos, junto con un grupo selecto de profesionales estadounidenses y canadienses, que a menudo presentaban su trabajo al público de Nueva York por primera vez. Entre los artistas destacados expuestos se encuentran Joan Miró, Marc Chagall, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, André Derain, Yves Tanguy, Le Corbusier, Paul Delvaux, Wifredo Lam, Jean-Paul Riopelle, Balthus, Leonora Carrington, Zao Wou Ki, Sam Francis y Simon Hantaï, así como los escultores Theodore Roszak, Raymond Mason y Reg Butler, y otras figuras importantes, entre ellas Henri Matisse. él mismo.

El Museo Matisse de Niza, una institución municipal, posee una de las colecciones más extensas del mundo de las creaciones de Matisse, que narra su génesis artística y su desarrollo posterior hasta sus piezas finales. Inaugurado en 1963, el museo está ubicado en la Villa des Arènes, una villa del siglo XVII situada en el distrito de Cimiez.

La obra de Matisse, Las flores de ciruelo (1948), fue adquirida para el Museo de Arte Moderno el 8 de septiembre de 2005, gracias a los esfuerzos de Henry Kravis y la entonces nueva presidenta del museo, Marie-Josée Drouin. El valor estimado de esta adquisición fue de 25 millones de dólares. Antes de esta compra, la obra de arte no se había exhibido públicamente desde 1970.

En 1976, un cráter en el planeta Mercurio fue designado Matisse, en honor al artista.

En representaciones cinematográficas, Matisse fue representado por Joss Ackland en Sobreviviendo a Picasso (1996) y por Yves-Antoine Spoto en Medianoche en París. (2011).

El cuento de Ray Bradbury, "La vigilante ficha de póquer de H. Matisse", incluye una alusión al artista, retratándolo pintando un ojo en una ficha de póquer para que un hombre estadounidense lo utilice como monóculo.

Obras de arte sujetas al saqueo nazi

Un número significativo de obras de arte de Matisse fueron confiscadas por los nazis, saqueadas a coleccionistas judíos o transferidas mediante ventas forzadas durante la era nazi. Durante las últimas dos décadas, varias de estas obras han sido restituidas a los descendientes de sus propietarios anteriores al Tercer Reich. Ejemplos notables incluyen Le Mur Rose, devuelta desde el Museo Pompidou de Francia a los herederos de Henry Fuld; "Femme Assise", ubicada entre la colección del hijo de Hildebrand Gurlitt en Munich; y La vallée de la Stour, anteriormente propiedad de Anna Jaffé, que fue descubierta en el Museo La Chaux-de-Fonds, entre muchos otros ejemplos. La base de datos de la Fundación Alemana de Arte Perdido registra actualmente 38 obras de arte de Matisse.

Exposiciones contemporáneas

Del 5 de octubre de 2001 al 20 de enero de 2002, la Fundación Juan March de Madrid presentó la exposición Matisse. Espíritu y Emoción. Obras sobre Papel. Esta exposición pretendía "resaltar la relación entre la fuerza del trazo creativo del dibujo y la intensidad expresiva asociada al color, los dos fundamentos esenciales en los que se basa la obra de Matisse".

En 2004, el Museo Metropolitano de Arte, la Real Academia de las Artes de Londres y Le Musée Matisse en Le Cateau-Cambrésis organizaron en colaboración Matisse: The Fabric of Dreams: His Art and His Textiles. Esta exposición mostró la colección textil personal de Matisse junto con obras de arte que representaban estos textiles. La exposición fue presentada en el Musée Matisse del 23 de octubre de 2004 al 25 de enero de 2005; la Real Academia de las Artes del 5 de marzo al 30 de mayo de 2005; y el Museo Metropolitano de Arte del 23 de junio al 25 de septiembre de 2005. El catálogo adjunto fue escrito por Hilary Spurling, Kathleen Brunner, Ann Dumas y otros colaboradores. ISBN 978-1-903-97347-9

En 2012, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, en colaboración con el Statens Museum for Kunst de Copenhague y el Centre Pompidou, Musée National d'Art Moderne de París, organizaron Matisse: En busca de la verdadera pintura. Roberta Smith de The New York Times elogió esta exposición como "la más emocionantemente instructiva" entre las dedicadas a Matisse. La exposición fue presentada en el Centro Pompidou, París, del 7 de marzo al 18 de junio de 2012; el Museo Metropolitano de Arte del 4 de diciembre de 2012 al 17 de marzo de 2013; y el Statens Museum for Kunst, Copenhague, del 14 de julio al 28 de octubre de 2012. Rebecca Rabinow y Dorthe Aagesen editaron el catálogo adjunto. ISBN 978-0300184976

La exposición Henri Matisse: The Cut-Outs se estrenó en la Tate Modern de Londres de abril a septiembre de 2014. Esta presentación constituyó la exhibición más extensa y completa de los recortes de Matisse jamás reunida, con aproximadamente 100 maquetas de papel procedentes de colecciones públicas y privadas internacionales, junto con una selección curada de obras relacionadas. dibujos, grabados, libros ilustrados, vidrieras y textiles. En total, la retrospectiva mostró 130 obras que abarcan su práctica artística desde 1937 hasta 1954. En particular, esta exposición marcó la primera vez en la historia de la Tate Modern en atraer a más de medio millón de visitantes.

Posteriormente, la exposición se trasladó al Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se presentó del 12 de octubre de 2014 al 10 de febrero de 2015. El recorte recientemente conservado, La piscina, que no se había exhibido públicamente durante más de dos décadas, fue restablecida como el punto focal de la exposición dentro de las galerías.

Desde el 30 de octubre de 2015 hasta el 18 de enero de 2016, la Morgan Library & El museo organizó una exposición dedicada a los proyectos de ilustración de libros de Matisse, titulada Graphic Passion: Matisse and the Book Arts.

En 2018, el trabajo de Matisse se presentó junto con creaciones de Joan Miró, Le Corbusier, Raymond Hains y Éric Sandillon en el Museo de Artes Decorativas y Diseño de Riga, Letonia. Esta exposición, titulada "El color de los gobelinos: Gobelinos contemporáneos de la colección 'Mobilier national' en Francia", coincidió con la sexta edición del evento de Arte Textil de Riga.

Del 1 de mayo al 10 de septiembre de 2022, el Museo de Arte Moderno presentó el cuadro de Matisse El estudio rojo, complementado con "pinturas y dibujos estrechamente relacionados con El estudio rojo". Studio."

En 2023, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Bellas Artes de Houston organizaron y presentaron en colaboración Vértigo del color: Matisse, Derain y los orígenes del fauvismo, una exposición que explora sus esfuerzos artísticos colaborativos y la génesis del fauvismo. El Museo Metropolitano de Arte acogió la exposición del 13 de octubre de 2023 al 21 de enero de 2024, seguido por el Museo de Bellas Artes de Houston, del 25 de febrero al 27 de mayo de 2024. Dita Amory y Ann Dumas fueron las autoras del catálogo adjunto.

Del 4 de abril al 24 de agosto de 2025, el Museo de Arte Moderno de París presentó Matisse y Marguerite: a través Los ojos de su padre. Esta exposición mostró más de 110 pinturas, dibujos, grabados y esculturas de Matisse que representan a su hija Marguerite, creadas a lo largo de cuatro décadas. Al finalizar la exposición, Barbara Dauphin Duthuit, casada con el hijo de Marguerite, Claude Duthuit, legó las obras de arte que había prestado al Museo de Arte Moderno de París. (Claude Duthuit era hijo de Marguerite y Georges Duthuit.)

Del 24 de marzo al 26 de julio de 2026, el Grand Palais de París exhibirá Matisse 1941 – 1954. Esta exposición presentará "más de 300 pinturas, dibujos, libros y gouaches recortados" que trazan su producción artística entre 1941 y 1954. Se publicará un catálogo adjunto, Color Unbound: Henri Matisse 1941-1954, escrito por Claudine Grammont. ISBN 978-0-500-03157-5.

Lista Parcial de Obras

Pinturas

Ilustraciones

• Jean Cocteau, Bertrand Guégan (1892–1943); L'almanach de Cocagne pour l'an 1920–1922, Dédié aux vrais Gourmands Et aux Francs Buveurs

Escritos

• Notas de un pintor ("Note d'un peintre") (1908)
• Notas del pintor sobre el dibujo ("Notes d'un peintre sur son dessin") (1939)
• Jazz (1947)
• Matisse sobre el arte, compilado por Jack D. Flam (1973)
• Conversando con Henri Matisse: La entrevista perdida de 1941 (2013)

Referencias

Notas

Bibliografía

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  • Matisse y sus gatos
  • Henri Matisse: Vida y obra 500 imágenes de alta resolución
  • Museo Matisse de Niza
  • Gelett Burgess, "Los hombres salvajes de París, Matisse, Picasso y Les Fauves", Registro arquitectónico, 1910
  • Gelett Burgess, "Los hombres salvajes de París, Matisse, Picasso y Les Fauves", Registro arquitectónico, 1910
  • Henri Matisse en colecciones públicas americanas, en el sitio web del Censo de Escultura Francés
  • Fundación Barnes, Filadelfia