Paolo Caliari (1528 – 19 de abril de 1588), más comúnmente identificado como Paolo Veronese (VERR-ə-NAY-zay, -zee, EE. UU. también -see; italiano: [ˈPaːolo veroˈneːze, -eːse]), fue un destacado pintor del Renacimiento italiano que trabajó principalmente en Venecia. Obtuvo renombre por sus pinturas históricas monumentales, que frecuentemente representaban temas religiosos y mitológicos, ejemplificados por obras como Las bodas de Caná (1563) y La fiesta en la casa de Leví (1573). Junto a Tiziano, que era una generación mayor que él, y Tintoretto, una década mayor, Veronés es reconocido como uno del "gran trío que dominó la pintura veneciana del Cinquecento" y el Renacimiento tardío en general durante el siglo XVI. Inicialmente influenciado por el manierismo, Veronés evolucionó un estilo de pintura naturalista distintivo, convirtiéndose notablemente en un colorista supremo, con el trabajo de Tiziano como una influencia significativa.
Paolo Caliari (1528 – 19 de abril de 1588), conocido como Paolo Veronese ( VERR-ə-NAY-zay, -zee, US también -see; italiano: [ˈpaːoloveroˈneːze,-eːse]), fue un pintor renacentista italiano afincado en Venecia, conocido por sus extremadamente grandes pinturas históricas de religión y mitología, como Las bodas de Caná (1563) y La fiesta en la casa. de Leví (1573). Incluido con Tiziano, una generación mayor, y Tintoretto, una década mayor, Veronés forma parte del "gran trío que dominó la pintura veneciana del cinquecento" y del Renacimiento tardío en el siglo XVI. Conocido como un colorista supremo, y después de un período temprano con el manierismo, Paolo Veronese desarrolló un estilo de pintura naturalista, influenciado por Tiziano.
Sus creaciones más célebres comprenden intrincados ciclos narrativos, representados con una estética dramática y vibrante, caracterizada por grandes fondos arquitectónicos y opulento boato. Particularmente notables son sus amplias representaciones de fiestas bíblicas, repletas de figuras, que fueron encargadas para los refectorios de instituciones monásticas en Venecia y Verona. Además, fue reconocido como el principal artista veneciano especializado en pinturas de techos. Una porción significativa de estas obras maestras persisten in situ o dentro de Venecia, mientras que su presencia en museos internacionales está representada predominantemente por piezas más pequeñas, como retratos, que no siempre muestran su estilo más característico o logrado.
Veronese ha sido constantemente aclamado por "el brillo cromático de su paleta, el esplendor y la sensibilidad de su pincelada, la elegancia aristocrática de sus figuras y la magnificencia de su espectáculo". Sin embargo, también se ha percibido que su obra "no permite la expresión de lo profundo, lo humano o lo sublime", lo que lo lleva a ser considerado con frecuencia el menos apreciado entre el "gran trío" por la crítica de arte contemporáneo. A pesar de esto, "muchos de los más grandes artistas... pueden contarse entre sus admiradores, incluidos Rubens, Watteau, Tiepolo, Delacroix y Renoir".
Biografía y práctica artística
Orígenes y nomenclatura
Veronese adoptó su denominación habitual de su ciudad natal, Verona, que en ese momento constituía el territorio continental más importante de Venecia. Los registros del censo de Verona indican que nació en 1528, hijo de Gabriele, un picapedrero (o spezapreda en veneciano) y su esposa, Caterina; él fue su quinto descendiente. Dada la práctica predominante de derivar los apellidos de las ocupaciones paternas, Veronese fue identificado inicialmente como Paolo Spezapreda. Posteriormente, cambió su nombre a Paolo Caliari, decisión influenciada por el linaje de su madre como hija ilegítima del noble Antonio Caliari. Su obra de arte más antigua documentada lleva la firma "P. Caliari F.", lo que marca el caso inaugural del uso de este apellido. Después de varios años de ser conocido como "Paolo Veronese" en Venecia, volvió a firmar sus lienzos como "Paolo Caliari" alrededor de 1575. Históricamente, la designación "Paolo Veronese" se empleó con frecuencia antes del siglo XX para diferenciarlo de otro pintor veronés, "Alessandro Veronese", ahora reconocido como Alessandro Turchi (1578-1649).
Carrera temprana
En 1541, Veronese comenzó un aprendizaje con Antonio Badile, quien más tarde se convertiría en su suegro. En 1544, siguió siendo aprendiz de Giovanni Francesco Caroto; ambos fueron pintores destacados en Verona. Un retablo ejecutado por Badile en 1543 presenta secciones notables atribuidas fuertemente a su aprendiz de quince años, lo que indica el talento temprano excepcional de Veronese. Sus habilidades precoces trascendieron rápidamente los estándares del taller, lo que lo llevó a dejar de residir con Badile en 1544. A pesar de su formación inicial dentro de la tradición manierista prevaleciente en Parma, rápidamente cultivó una clara preferencia artística por una paleta de colores más luminosa.
Durante los últimos años de su adolescencia, Veronese llevó a cabo encargos para importantes instituciones eclesiásticas en Verona. En 1551, la rama veneciana de la influyente familia Giustiniani lo contrató para crear un retablo para su capilla dentro de la iglesia de San Francesco della Vigna, que entonces estaba siendo completamente reconstruida bajo la dirección arquitectónica de Jacopo Sansovino. Al mismo tiempo, contribuyó al esquema decorativo de Villa Soranzo cerca de Treviso, colaborando con sus compañeros artistas veroneses Giovanni Battista Zelotti y Anselmo Canneri. Aunque sólo sobreviven restos de estos frescos, parecen haber sido fundamentales para solidificar su floreciente reputación. Una descripción de Carlo Ridolfi, casi un siglo después, identifica uno de los temas mitológicos como La familia de Darío antes de Alejandro, un tema distintivo dentro de las obras históricas seculares más ambiciosas de Veronese, actualmente expuestas en la National Gallery de Londres.
En 1552, el cardenal Ercole Gonzaga, tío abuelo del reinante Guglielmo Gonzaga, duque de Mantua, encargó el retablo La tentación de San Antonio para la catedral de Mantua (ahora ubicado en el Museo de Bellas Artes de Caen en Caen, Francia), que Veronese ejecutó in situ. Probablemente aprovechó su tiempo en Mantua para estudiar los techos de Giulio Romano; Fue como pintor de frescos en el techo como inicialmente establecería su reputación en Venecia, donde se instaló definitivamente al año siguiente.
Venecia
Veronese se mudó a Venecia en 1553, después de haber conseguido su encargo estatal inaugural: techos con frescos que adornan la Sala dei Consiglio dei Dieci (la Sala del Consejo de los Diez) y la Sala dei Tre Capi del Consiglio adyacente dentro del Palacio Ducal. Estas obras se ubicaron en cámaras de nueva construcción, en sustitución de las destruidas en el incendio de 1547. Su panel, Júpiter lanzando rayos a los vicios, destinado a la ubicación anterior, se encuentra actualmente en el Louvre. Posteriormente ejecutó Historia de Esther en el techo de la Iglesia de San Sebastián (1556-1557). Estas composiciones del techo, junto con las completadas en 1557 para la Biblioteca Marciana (por las que recibió un premio otorgado por Tiziano y Sansovino), solidificaron su reputación como maestro preeminente entre sus pares venecianos. Estas primeras obras ya demuestran la habilidad de Veronese a la hora de incorporar tanto el matizado escorzo característico de las figuras de Correggio como la grandeza heroica que se encuentra en las creaciones de Miguel Ángel.
Villa Barbaro y Pinturas del Refectorio
En 1556, Veronese recibió el encargo del trabajo inicial de su serie de escenas de banquetes monumentales, Fiesta en la Casa de Simón, un proyecto que permaneció inacabado hasta 1570. Sin embargo, su composición algo inconexa y su enfoque difuso lo hicieron menos exitoso entre sus murales de refectorio. A finales de la década de 1550, durante un interludio de sus encargos para San Sebastiano, Veronese decoró la Villa Barbaro en Maser, un edificio recientemente terminado diseñado por el arquitecto Andrea Palladio. Estos frescos tenían como objetivo integrar ideales humanistas con temas espirituales cristianos; los murales de las paredes presentaban retratos de la familia Barbaro, mientras que los techos representaban amplios cielos azules y personajes mitológicos. El esquema decorativo de Veronese incorporó técnicas intrincadas de perspectiva y trompe-l'œil, que culminaron en una narrativa visual luminosa y evocadora. Esta colaboración entre arquitecto y artista resultó ser un éxito rotundo.
Ejecutada entre 1562 y 1563, Las bodas de Caná también representó un esfuerzo de colaboración con Palladio. Los monjes benedictinos del monasterio de San Giorgio Maggiore, situado en el islote del mismo nombre frente a San Marcos en Venecia, encargaron esta obra. El acuerdo contractual estipulaba sus inmensas dimensiones (que abarcan 66 metros cuadrados) y exigía el uso de pigmentos y colores de primera calidad. En concreto, el contrato exigía que los tonos azules incorporaran el valioso mineral lapislázuli. Además, el acuerdo estipulaba la inclusión del máximo número posible de figuras dentro de la composición. En el lienzo, de casi diez metros de ancho, están representados numerosos retratos, entre ellos los de Tiziano, Tintoretto y un autorretrato de Veronés. Derivada del Nuevo Testamento, Juan II, 1-11, la escena retrata el milagro inaugural de Jesús: la transformación del agua en vino en una boda en Caná, Galilea. El primer plano muestra un friso de celebración de figuras adornadas con atuendos resplandecientes, flanqueado por dos escaleras que retroceden hacia una terraza, columnatas romanas y un cielo luminoso.
En sus pinturas de refectorio, como La familia de Darío ante Alejandro (1565-1570), Veronés típicamente alineaba los elementos arquitectónicos predominantemente paralelos al plano de la imagen, enfatizando así la calidad procesional de la composición. La perspicacia decorativa del artista residía en su comprensión de que el drama en perspectiva abierto podía resultar fatigante en un entorno doméstico o sagrado, y que la narrativa pictórica se apreciaba más eficazmente como un espectáculo visual atractivo. Estas obras de arte transmiten una mínima expresión emocional; en cambio, representan meticulosamente el movimiento orquestado de sus sujetos a lo largo de un eje predominantemente horizontal. Fundamentalmente, celebran la luminosidad de la luz y la vitalidad del color. Este énfasis en el esplendor visual podría reflejar la satisfacción personal del artista, ya que Veronese se casó con Elena Badile, la hija de su maestro inicial, en 1565, y posteriormente tuvo con ella una hija y cuatro hijos.
Veronese también produjo su Madonna y el Niño con Santa Isabel, el infante San Juan Bautista y Santa Justina, que actualmente se encuentra en el Museo de Arte Timken en San Diego, entre 1565 y 1570. Esta composición presenta a Santa Justina, patrona de Padua y Venecia, ubicada a la derecha, mientras que la Santísima Virgen Madre y el Niño Jesús ocupan el espacio central. A diferencia del arte italiano del siglo anterior, el niño está representado con notable realismo. Un elemento notable de esta pintura es el gesto del bebé de acercarse a Santa Justina, una interacción inusual dado que los bebés normalmente centran su mirada en su madre. Santa Isabel, prima de María y madre de San Juan Bautista, completa la escena de la izquierda. El artista logra magistralmente el equilibrio entre las figuras de la Sagrada Familia, empleando un exquisito equilibrio de tonos cálidos y fríos.
La fiesta en la casa de Leví
En 1573, Veronese finalizó la obra encargada, La fiesta en la casa de Leví, pensada como una representación de la Última Cena para la pared trasera del refectorio de la Basílica de los Santos Juan y Paolo en Castello, Venecia. Inicialmente denominada La Última Cena, esta pintura fue concebida como un reemplazo de una obra de arte de Tiziano destruida por un incendio. La interpretación monumental de Veronese (5,55 mx 12,80 m) retrataba la escena del banquete de la Última Cena incorporando soldados alemanes, enanos y varios animales, elementos de exotismo humano y animal característicos de su estilo narrativo. Desde una perspectiva artística, La fiesta en la casa de Leví ejemplifica la avanzada habilidad técnica de Veronese, evidente en su aplicación de colores intensos y luminosos para crear texturas, su meticulosa atención a la coherencia narrativa, la representación precisa de las emociones humanas y las interacciones psicológicas matizadas entre las numerosas figuras que pueblan la composición.
Teniendo en cuenta el tema de la pintura, la Última Cena bíblica, la representación humanista de sus figuras divergió de la piedad habitual que se encuentra en el arte católico romano que representa a Cristo y los acontecimientos de su vida. Esta percibida falta de religiosidad fue rápidamente observada por la Inquisición. En la década de 1570, los principios teológicos de la Contrarreforma habían arraigado legalmente la doctrina católica romana en Venecia, lo que representó un cambio político significativo para artistas como Veronese. En la República de Venecia del Renacimiento tardío, la representación de escenas de multitudes por parte de un artista tenía implicaciones políticas relativas a la inclusión de individuos y elementos específicos en pinturas religiosas encargadas, independientemente de la identidad del mecenas.
Diez años antes, los monjes benedictinos que encargaron Las bodas de Caná (1563) habían concedido a Veronese plena libertad para incorporar tantas figuras humanas como pudiera acomodar la escena del banquete. Sin embargo, una década después, Veronese enfrentó restricciones legales y religiosas que dictaban la idoneidad teológica, política y sociológica de sus representaciones artísticas. En consecuencia, el 18 de julio de 1573, Veronese fue citado ante la Santa Inquisición veneciana para dar cuenta de la inclusión de figuras, animales y elementos considerados indecorosos y extraños a una imagen de la Última Cena de Cristo por la doctrina de la Iglesia.
El interrogatorio de Veronese por parte del tribunal fue principalmente preventivo y político, más que punitivo o estrictamente judicial. Sin embargo, Veronese informó a los Inquisidores que "los pintores nos tomamos las mismas libertades que los poetas y los locos" a la hora de narrar una historia. A pesar de la directiva de la Inquisición de volver a pintar la escena de la Última Cena, Veronés se resistió a la solución propuesta a sus transgresiones teológicas, aunque se vio obligado a cambiar el nombre de la obra sacramental La Última Cena a La fiesta en la casa de Leví. La exitosa resistencia de Veronese contra la acusación implícita de herejía de la Inquisición sugiere que se benefició del discreto respaldo político de un influyente mecenas patricio de las artes.
Evaluación
Se incorporó un relato biográfico de Paolo Veronese en la segunda edición de Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (1568) de Giorgio Vasari, que presentó una cobertura mejorada de los artistas de la escuela veneciana.
La recopilación de pintores de la escuela veneciana de Carlo Ridolfi de 1648, Le maraviglie dell'arte ovvero le vite degli illustri pittori Veneti e dello stato, proporcionó una biografía más completa de Veronese. Ridolfi consideró que la pintura de Veronese de 1573, La fiesta en la casa de Leví, era "con diferencia, la fuente más importante para nuestro conocimiento de su arte", y señaló que "dio rienda suelta a la alegría, hizo la belleza majestuosa, hizo que la risa misma fuera más festiva".
El historiador de arte Charles Hope, en 2014, evaluó los atributos artísticos de Veronese, afirmando que "destaca sobre todo como un colorista que utilizó una gama de colores brillantes". Tonos con una audacia incomparable en su tiempo y apenas igualada desde entonces ". Sin embargo, Hope también observó que la aplicación del color de Veronese "a menudo estaba calculada para crear un efecto general armonioso en lugar de destacar a los protagonistas principales", lo que disminuía el drama narrativo de sus obras. Hope concluyó que "el efecto es suntuoso, seductor pero en última instancia excesivo y un poco monótono, algo así como ". La publicación de Lawrence Gowing de 1987, Pinturas en el Louvre, ofrece una evaluación contemporánea de las contribuciones artísticas de Paolo Veronese, afirmando que:
En 1860, el crítico Théophile Gautier articuló la convicción francesa de que Veronese superó a Tiziano, Rubens y Rembrandt como colorista preeminente, habiendo sido pionero en la armonización de los tonos naturales sobre el modelado de claroscuro prevalente en el arte académico. Delacroix destacó además la capacidad de Veronese para reproducir la luz sin fuertes contrastes, una hazaña que a menudo se considera inalcanzable, preservando al mismo tiempo la intensidad del color dentro de las áreas sombreadas.
Este enfoque innovador es profundamente significativo. Las luminosas armonías exteriores de Veronese influyeron e inspiraron profundamente todo el siglo XIX, consolidándolo como una figura fundamental de la pintura moderna. Sin embargo, si su estilo es genuinamente naturalista, tal como lo percibían los impresionistas, o si representa una creación artística muy refinada e imaginativa, sigue siendo una cuestión que cada generación debe interpretar.
Galería
Prácticas laborales
Más allá de sus murales en techos y paredes, Veronese creó retablos, como La Consagración de San Nicolás (1561–62, Galería Nacional de Londres), obras mitológicas como Venus y Marte (1578, Museo Metropolitano de Arte de Nueva York) y retratos, incluido Retrato de una dama (1555, Louvre). Aún se conserva una importante colección de sus bocetos compositivos a pluma, tinta y aguada, estudios de figuras en tiza y modelos de claroscuro y ricosrdi.
Veronese dirigió un taller familiar que incluía a su hermano menor Benedetto (1538-1598), sus hijos Carlo y Gabriele, y su sobrino Luigi Benfatto (también conocido como dal Friso; 1559-1611). Este taller continuó funcionando durante aproximadamente una década después de la muerte de Veronese en Venecia en 1588, firmando sus obras "Haeredes Pauli" ("Herederos de Paolo") y utilizando sus dibujos existentes. Nicholas Penny señala que "el papel del taller parece haber aumentado constantemente, y después de 1580 es raro que podamos estar seguros de que Veronese fue la única mano involucrada". Entre sus alumnos se encontraban su contemporáneo Giovanni Battista Zelotti y, más tarde, Giovanni Antonio Fasolo, Sigismondo de Stefani y Anselmo Canneri. El linaje familiar Caliari persistió, y otro Paolo Caliari publicó la primera monografía sobre su antepasado en 1888.
Veronese fue uno de los primeros pintores cuyos dibujos se recopilaron activamente durante su vida.
Obras seleccionadas
Veronese en la cultura popular
- El boceto de Monty Python "La última cena", presentado en Monty Python Live at the Hollywood Bowl, se inspira en la narrativa que rodea la pintura de Veronese La fiesta en la casa de Levi.
- Una pintura veronesa imaginaria titulada La Morte dil Cesare juega un papel importante en un arco argumental dentro de la aclamada serie de cómics 100 Bullets.
Veronese en la religión
- Los escritores teosóficos han asociado a Paolo Veronese con "El Veneciano", un Maestro de Sabiduría o Mahatma identificado como el Jefe del Tercer Rayo.
- Elizabeth Clare Prophet reiteró esta información dentro de sus doctrinas de "Maestros Ascendidos".
Sagrada Familia con Santa Catalina y San Juan Bautista
- Sagrada Familia con Santa Catalina y San Juan Bautista
- Lista de artistas orientalistas
- Orientalismo
- Retrato de Iseppo da Porto y su hijo Adriano
Notas
Referencias
- Freedberg, Sydney J. (1993). Historia del arte pelícano (ed.). Pintura en Italia, 1500-1600. Penguin Books Ltd. págs. 550–60.Se documentan sesenta y nueve obras de arte de Paolo Veronese o posterior.
- 69 obras de arte de o posteriores a Paolo Veronese en el sitio de Art UK
- Homenaje a un Caballero de Verona.
- Está disponible una biografía de Veronese, que incluye imágenes de numerosas pinturas.
- Paolo Caliari es el tema de un artículo biográfico en la Enciclopedia Católica de 1911.
- Rossetti, William Michael (1911). "Paul Veronese" . En Encyclopædia Britannica, vol. 20 (11.ª ed.), págs. 965–966.Fuente: Archivo de la Academia TORIma