باروک (Baroque)

باروک، یک جنبش هنری برجسته غربی، شامل معماری، موسیقی، رقص، نقاشی، مجسمه‌سازی، شعر و دیگر اشکال هنری است که از اوایل قرن هفدهم تا دهه 1750 شکوفا شد. تلفظ آن انگلیسی: bə-ROK، ایالات متحده: bə-ROHK، و در فرانسه: [baʁɔk] است. این سبک پس از هنر رنسانس و شیوه‌گرایی پدیدار شد و قبل از روکوکو (از نظر تاریخی "باروک اواخر") و زیبایی‌شناسی نئوکلاسیک بود. کلیسای کاتولیک به طور فعال هنر باروک را به عنوان راهبردی برای مقابله با سادگی و ریاضت ادراک شده در بیان هنری پروتستان ترویج کرد. با این حال، هنر باروک لوتری نیز در برخی مناطق اروپایی تکامل یافته است.

که با استفاده از کنتراست، حرکت پویا، جزئیات فاخر، رنگ‌های غنی، عظمت تاریخی، و سبکی غیرمنتظره به سبک بارووک مشخص می‌شود. این سبک که در سپیده دم قرن هفدهم در رم آغاز شد، به سرعت در سراسر ایتالیا، فرانسه، اسپانیا و پرتغال منتشر شد و متعاقباً به اتریش، آلمان جنوبی، لهستان و روسیه رسید. در دهه 1730، آن را به زیبایی شناسی حتی آراسته تر، معروف به rocaille یا Rococo تبدیل کرد که تا اواسط تا اواخر قرن 18 در فرانسه و اروپای مرکزی غالب بود. در امپراتوری های اسپانیا و پرتغال، از جمله شبه جزیره ایبری، سبک باروک، در کنار سبک های جدید در حال ظهور، تا اوایل قرن نوزدهم ادامه داشت.

در هنرهای تزئینی، سبک باروک با تزئینات فراوان و استادانه خود متمایز می شود. در حالی که انحراف از کلاسیک گرایی رنسانس به طور منحصر به فردی در ملل مختلف آشکار شد، یک ویژگی ثابت، استفاده اساسی از عناصر زینتی بود که در دوره رنسانس ایجاد شد. رپرتوار کلاسیک بسیار شلوغ، متراکم، روی هم قرار گرفته و به شدت مملو از بار شد و برای ایجاد تأثیر بصری چشمگیر طراحی شد. نقوش جدید معرفی شده توسط دوره باروک شامل کارتوش، غنائم و سلاح، سبدهای میوه یا گل، و سایر عناصر اجرا شده در خیاطی، گچ کاری، یا کنده کاری می شود.

ریشه های ریشه شناختی

اصطلاح انگلیسی باروک مستقیماً از فرانسوی گرفته شده است. برخی از محققان معتقدند که کلمه فرانسوی از اصطلاح پرتغالی barroco سرچشمه گرفته است، که به معنای "یک مروارید معیوب" است، که احتمالاً به لاتین verruca یا به عبارت Romance't (واژۀ رومیایی) به زبان لاتین مرتبط است. پسوند -ǒccu (متداول در ایبریای پیش از روم). برعکس، سایر دیدگاه‌های علمی یک اصطلاح منطقی لاتین قرون وسطی، baroco را به عنوان محتمل‌ترین منبع ریشه‌شناسی معرفی می‌کنند.

در طول قرن شانزدهم، اصطلاح لاتین قرون وسطایی baroco از کاربرد اصلی خود در منطق مکتبی فراتر رفت و برای توصیف هر چیزی که بیش از حد پیچیده تلقی می شد به کار رفت. فیلسوف فرانسوی میشل دو مونتین (1533–1592) به طور قابل توجهی در ایجاد اصطلاح (m">lango> (1592-1533) مشارکت داشته است. به صورت Barroco) ارائه شده است که معنای "عجیب" یا "بیهواً پیچیده" را به خود می گیرد. منابع اولیه اضافی baroco را با مفاهیمی مانند جادو، پیچیدگی، بی نظمی، و زیاده خواهی پیوند می دهند.

قبل از قرن هجدهم، اصطلاح peregulque به شکل arls. هر دو فرانسوی باروک و پرتغالی barroco اغلب در زمینه جواهرات استفاده می شد. به عنوان مثال، فهرستی از گنجینه های چارلز پنجم فرانسه در سال 1531 از این اصطلاح برای توصیف مروارید استفاده کرد. متعاقباً، این کلمه در نسخه 1694 Le Dictionnaire de l'Académie Française ظاهر شد و باروک را به عنوان "به طور انحصاری برای مرواریدهای نازک به کار می رود." به طور مشابه، یک فرهنگ لغت پرتغالی در سال 1728 که barroco را به یک "مروارید درشت و ناهموار" توصیف می‌کند.

یک فرضیه ریشه‌شناختی جایگزین برای کلمه baroque در رنگ ایتالیایی، نشان می‌دهد که منشأ آن را Barocico است. (1528-1612).

در طول قرن هجدهم، این اصطلاح در ابتدا با مفاهیم تحقیرآمیز برای موسیقی به کار رفت. مروری طنزآمیز ناشناس از اولین نمایش ژان فیلیپ رامو Hippolyte et Aricie در اکتبر 1733 title="French-language text">Mercure de France در می 1734، منتقدی را معرفی کرد که تازگی اپرا را به عنوان "دو باروک توصیف کرد. نقد اظهار داشت که موسیقی فاقد انسجام ملودیک است، مملو از ناهماهنگی‌ها است، تغییرات مکرر در کلید و متر نشان می‌دهد و به سرعت از هر تکنیک آهنگسازی موجود استفاده می‌کند.

در سال 1762، Le Dictionaire Française مستند کرد که این اصطلاح می تواند به صورت مجازی بیانگر چیزی "نامنظم، عجیب و غریب یا نابرابر" باشد.

ژان ژاک روسو، فیلسوف، موسیقیدان و آهنگساز، در دانشنامه در سال 1768 بیان کرد که "موسیقی باروک با هارمونی نابسامان و هارمونی گیج‌کننده، هارمونی و هارمونی‌های گیج‌کننده، و هارمونی‌های گیج‌انگیز و انبوه از ویژگی‌های موسیقی باروک است. و تصنعی، لحن بیان مشکلاتی را به همراه دارد، و حرکت محدود است. text">دایره‌المعارف روش، آن را به‌عنوان «سبکی معماری که با تزئینات گسترده و زیبایی‌شناسی عذاب‌آور مشخص می‌شود» توصیف می‌کند. title="French-language text">موسیقی باروک در Le Dictionnaire de l'Académie Française در سال 1835 مستند شده است. تاریخ نگاران در اواسط قرن 18 و 1839 اصطلاحات هنری را مناسب می دانستند. باروک برای تحقیر هنر پس از رنسانس. این مفهوم تحقیرآمیز در استفاده از آن توسط مورخ هنر برجسته ژاکوب بورکهارت در سال 1855 مشهود بود، او اظهار داشت که هنرمندان باروک به دلیل عدم رعایت "احترام به سنت"، "جزئیات را تحقیر می کنند و از آنها سوء استفاده می کنند."

در سال 1888، هاینریش ولفلین، مورخ هنر، اولین رساله آکادمیک مهم در مورد این سبک را با عنوان رنسانس و باروک منتشر کرد. این اثر تمایز بین نقاشی، مجسمه‌سازی و معماری دوره‌های رنسانس و باروک را روشن کرد.

معماری: ریشه ها و ویژگی ها

سبک معماری معروف به باروک از آموزه هایی که توسط کلیسای کاتولیک در جریان شورای ترنت (1545-1563) ایجاد شد، پدید آمد، که به عنوان پاسخی به اصلاحات پروتستانی تشکیل شد. در ابتدا، مرحله اول ضد اصلاحات، رویکردی دقیق و آکادمیک به معماری مذهبی را الزامی کرد، که در میان روشنفکران طنین انداز شد، اما نتوانست جماعت گسترده تر را درگیر کند. در نتیجه، شورای ترنت تصمیم گرفت که جمعیت وسیع تری را هدف قرار دهد و حکم داد که عبارات هنری باید روایت های مذهبی را با طنین فوری و احساسی منتقل کنند. همزمان، هنر باروک لوتری به عنوان یک شناسه اعترافی متمایز تکامل یافت، و در واکنش به آیکون‌شکنی بزرگ که توسط کالوینیست‌ها انجام شد، واکنش نشان داد.

ساختارهای کلیسایی باروک دارای شبستان‌های مرکزی وسیعی بودند که عبادت‌کنندگان را در مجاورت محراب یا در زیر یک گنبد نورانی قرار می‌دادند. گنبد یک عنصر نمادین محوری در معماری باروک است که نشان دهنده همگرایی قلمروهای آسمانی و زمینی است. فضای داخلی گنبد به طرز مجللی با تصاویری از فرشتگان و قدیسان، در کنار مجسمه های گچی فرشتگان تزیین شده بود، در نتیجه برای ناظران زیر توهمی ایجاد می کرد که مستقیماً به بهشت ​​می نگرند. یکی دیگر از ویژگی‌های کلیساهای باروک گنجاندن quadratura است: نقاشی‌های سقفی ترومپ‌ل‌یل، که اغلب در قاب‌های گچی واقعی یا نقاشی شده، پرجمعیت با تصاویر قدیسان و فرشتگان، و با عناصر معماری مانند نرده‌ها و کنسول‌ها ادغام شده‌اند. ترکیب‌های کوادراتورا که آتلانتیس را در زیر قرنیزها نشان می‌دهد، تصور حمایت از سقف کلیسا را ​​منتقل می‌کند. برخلاف سقف‌های کلیسای سیستین میکل آنژ، که صحنه‌های مجزا را ارائه می‌کرد، هرکدام با چشم‌انداز جداگانه‌ای که برای تماشای متوالی در نظر گرفته شده بود، نقاشی‌های سقفی باروک به دقت طراحی شدند تا اطمینان حاصل شود که بیننده در کف کلیسا کل سقف را در منظری دقیق درک می‌کند، گویی که چهره‌های به تصویر کشیده شده دارای واقعیت ملموسی هستند.

D. تزیینات بیشتر شده و عمدتاً بر روی محراب متمرکز شده است که معمولاً در زیر گنبد قرار دارد. از مشهورترین دستاوردهای تزئینی باروک بالا می توان به صندلی سنت پیتر (1647-1653) و سنت پیتر بالداچین (1623-1634) اشاره کرد که هر دو ساخته جیان لورنزو برنینی، واقع در کلیسای سنت پیتر در رم هستند. سنت پیتر بالداچین تعادل تضادهای زیبایی‌شناسی باروک را نشان می‌دهد: مقیاس عظیم آن با سبکی درک شده سایبان کنار هم قرار می‌گیرد و ستون‌های محکم و پیچ‌خورده از برنز، طلا و مرمر ساخته شده‌اند که در تقابل با پارچه‌های سیال روی قوطی قرار دارند. Dresden Frauenkirche به عنوان یک نمونه قابل توجه از هنر باروک لوتری است که در سال 1743 تحت حمایت شورای شهر لوتری درسدن تکمیل شد و "توسط ناظران قرن هجدهم با سنت پیتر در رم مقایسه شد."

این ستون‌های پیچ خورده، نمایانگر نقش تالارهای داخلی کلیسا است که غالباً دارای ویژگی‌های کلیسا است. این عنصر معماری هم حسی پویا از حرکت و هم روشی نوآورانه و دراماتیک برای بازتاب نور می دهد.

کارتوها یک عنصر متمایز از تزئینات باروک را تشکیل می دادند. این پلاک های قابل توجه، که معمولاً از سنگ مرمر یا سنگ حکاکی شده بودند، اغلب بیضی شکل با سطحی محدب بودند. آنها تصاویر یا متن های طلاکاری شده را نشان می دادند و به صورت استراتژیک به عنوان دکور داخلی یا بالای ورودی ساختمان قرار می گرفتند و پیام هایی را به ناظران منتقل می کردند. کارتوها که تنوع هنری قابل توجهی را به نمایش می‌گذارند، در طیف وسیعی از ساختارها، از کلیساهای بزرگ و کاخ‌ها گرفته تا کلیساهای کوچک ظاهر می‌شوند.

معماران باروک گهگاه از چشم انداز اجباری برای ایجاد توهمات نوری استفاده می کردند. یک نمونه قابل توجه طرح فرانچسکو بورومینی برای کاخ اسپادا در رم است، جایی که او از ستون های به تدریج کوچکتر، یک طبقه همگرا و یک مجسمه باغ مینیاتوری برای ایجاد درک یک گذرگاه به طول سی متر، علیرغم طول واقعی آن تنها هفت متر، استفاده کرد. در نتیجه، مجسمه ای که در انتهای گذرگاه قرار دارد و تنها شصت سانتی متر ارتفاع دارد، به اندازه واقعی به نظر می رسد. بورومینی این توهم را با همکاری یک ریاضیدان ایجاد کرد.

باروک ایتالیایی

کلیسای Gesù که در سال 1584 در رم تکمیل شد، نمای افتتاحیه شهر را به سبک باروک به نمایش گذاشت. اگرچه در مقایسه با طرح‌های باروک بعدی کم‌رنگ بود، اما نشان‌دهنده انحراف قابل توجهی از سبک‌های معماری رنسانس قبل بود. فضای داخلی کلیسا تا دوره باروک بالا، زمانی که تحت تزیینات گسترده و مجلل قرار گرفت، زیبایی شناسی شدیدی داشت.

در سال 1605، پل پنجم گرایش پاپی را در رم آغاز کرد و کلیساها و ساختارهای کلیسایی متعددی را به منظور برانگیختن احساسات عمیق و احترام از رنگ‌ها، جلوه‌های پر جنب و جوش، و رنگ‌های پر جنب و جوش، ساخت. بناهای اصلی باروک اولیه شامل نمای کلیسای سنت پیتر (1606-1619) و شبستان و ایوان تازه ساخته شده بود که نما را با گنبد از قبل موجود میکل آنژ ادغام می کرد. این طراحی نوآورانه، همجواری قابل توجهی را بین گنبد مرتفع و نمای گسترده ایجاد کرد، که با تضاد بین ستون‌های دوریک و ایوان قابل توجه در خود نما، بیشتر برجسته شد.

سبک باروک در اواسط تا اواخر قرن هفدهم به اوج خود رسید، دوره‌ای که پس از اوج بارئو طراحی شد. پاپ های اوربان هشتم و الکساندر هفتم در این دوره پروژه های تاریخی متعددی را سفارش دادند. جیان لورنزو برنینی، مجسمه‌ساز و معمار برجسته، یک ستون چهارگانه جدید را در اطراف میدان سنت پیتر (1656-1667) طراحی کرد. سه گالری ستوندار، که در یک بیضی وسیع چیده شده اند، از نظر بصری گنبد عظیم را در مقابل هم قرار می دهند، و کلیسا و میدان را با حس انسجام و عظمت یک تئاتر عظیم آغشته می کنند.

فرانچسکو بورومینی به عنوان یکی دیگر از مبتکران محوری باروک عالی ایتالیا ظاهر شد، با کار اصلی او CarattroaneS از کلیسای Quatroane (کلیسای CarattroaneS Food) چهار فواره) (1634-1646). کیفیت پویای این سازه نه از تزیینات آن، بلکه از مواج ذاتی دیوارهای آن و تأثیر متقابل اشکال مقعر و محدب، به ویژه برج بیضی شکل و بالکن ادغام شده در یک بخش مقعر ناشی می شود. نمای داخلی نیز به همان اندازه پیشگام بود و دارای یک فضای اصلی بیضی شکل است که با گنبدی بیضی شکل پوشانده شده بود.

سقف‌های نقاشی شده استادانه، پرجمعیت از فرشتگان، قدیسان، و توهمات معماری ترومپ لویل، ویژگی مهم باروک عالی ایتالیا را تشکیل می‌داد. نمونه های برجسته عبارتند از ورود سنت ایگناتیوس به بهشت اثر آندریا پوزو (1685-1695) در کلیسای سنت ایگنازیو روم، و پیروزی نام عیسی اثر جووانی باتیستا گاولی (1669-16) که در کلیسای 16-1669 به طور کامل نشان داده نمی شود. فیگورهایی که ظاهراً فراتر از کادر، در کنار نورهای مایل چشمگیر و تضادهای شدید کیاروسکورو گسترش می‌یابند.

سبک باروک به سرعت از رم در سایر مناطق ایتالیا پخش شد. در ونیز، در سانتا ماریا دلا سالوت (1631-1687) اثر Baldassare Longhena، یک ساختار هشت ضلعی استثنایی که توسط یک گنبد عظیم الجثه پوشانده شده است، نمایان شد. تورین نیز این سبک را پذیرفت، به ویژه در کلیسای جامع کفن مقدس گوارینو گوارینی (1668-1694). علاوه بر این، زیبایی شناسی باروک شروع به تأثیر بر معماری کاخ کرد. گوارینی Palazzo Carignano را در تورین طراحی کرد، در حالی که Longhena طرح Ca' Rezzonico را در کانال بزرگ (1657) طراحی کرد، که بعدها جورجیو ماساری آن را تکمیل کرد و با نقاشی‌های Giovanni Battista Tiepolo تزئین کرد. پس از یک سری زمین لرزه های ویرانگر در سیسیل، بسیاری از سازه ها نیاز به بازسازی داشتند، که تعدادی از آنها به سبک مجلل باروک اواخر یا روکوکو بازسازی شدند.

باروک اسپانیایی

کلیسای کاتولیک در اسپانیا، به ویژه نظم یسوعی، به عنوان محرک اصلی برای معماری باروک اسپانیا بود. کلیسای سان ایسیدرو در مادرید، که در سال 1643 توسط پدرو د لا توره آغاز شد، به عنوان اولین اثر مهم در این سبک است. این یک تضاد قابل توجه بین تزئینات بیرونی فوق العاده غنی و فضای داخلی است که با سادگی، فضاهای تقسیم شده و جلوه های نور استراتژیک طراحی شده برای برانگیختن حس رمز و راز مشخص می شود. کلیسای جامع سانتیاگو د کامپوستلا در اواخر قرن هفدهم، با یک برج ناقوس استادانه (1680) تحت مدرن سازی باروک قرار گرفت. متعاقباً دو برج بلندتر و پرآذین‌تر، معروف به Obradorio که بین سال‌های 1738 و 1750 توسط فرناندو د کاساس نووا ساخته شد، احاطه شد. یکی دیگر از نمونه های برجسته باروک اسپانیایی، برج نمازخانه کاخ سن تلمو در سویل است که توسط لئوناردو دو فیگوروآ طراحی شده است.

گرانادا که در قرن پانزدهم از مورها بازپس گرفته شد، نوع متمایز خود را از معماری باروک توسعه داد. هنرمندی به نام آلونسو کانو که به عنوان نقاش، مجسمه‌ساز و معمار مهارت داشت، بین سال‌های 1652 تا زمان مرگش در سال 1657 مسئول طراحی فضای داخلی باروک کلیسای جامع گرانادا بود. سبک چوریگرسک نامیده می‌شود که از برادران کوریگوئرا نام‌گذاری شده است که آثار اصلی آنها در سالامانکا و مادرید اجرا شده است. کمک های آنها شامل ساختمان های اطراف میدان اصلی سالامانکا، پلازا مایور (1729) است. این سبک باروک بسیار تزیینی تأثیر قابل توجهی بر کلیساها و کلیساهای جامعی که توسط اسپانیایی ها در قاره آمریکا برپا شده بود، گذاشت.

از دیگر معماران برجسته باروک اسپانیایی در اواخر دوره می توان به پدرو دی ریبرا، شاگرد چوریگورا، که هتل Real Hospicio de San Fernando را در مادرید طراحی کرد، اشاره کرد. نارسیسو تومه همچنین به دلیل ایجاد محراب مشهور ال ترانسپارنت در کلیسای جامع تولدو (1729-1732) قابل توجه است، که در شرایط نوری خاص، توهم حرکت رو به بالا را ایجاد می کند.

تأثیر معماران باروک اسپانیایی به طور قابل توجهی فراتر از اسپانیا گسترش یافت و عمیقاً بر طراحی کلیساهای اسپانیایی در آمریکای لاتین تأثیر گذاشت. فیلیپین نمونه اصلی کلیسایی است که توسط یسوعیان برای کالج سانفرانسیسکو خاویر در تپوتزوتلان ساخته شده است که با نما و برج پرآذین باروکش متمایز است.

باروک هلندی

معماری باروک هلندی بیانگر تفسیری منحصر به فرد و کم بیان از سبک باروک گسترده تر است که عمیقاً توسط محیط فرهنگی، مذهبی و سیاسی جمهوری هلند در طول قرن هفدهم شکل گرفته است. برخلاف معماری پرشور و نمایشی باروک که در مناطق کاتولیک مانند ایتالیا و اسپانیا رایج است، تجلی هلندی متانت، تعادل و وضوح را در اولویت قرار داد. این اعتدال منعکس‌کننده ارزش‌های پروتستانی جمهوری و اخلاق عمل‌گرایانه یک جامعه تجاری مرفه است که به عملکرد و شکل زیبایی‌شناختی به همان اندازه ارج می‌نهد.

به‌جای استفاده از منحنی‌های دراماتیک و تزیینات فاخر، معماری باروک هلند با تقارن، تبعیت از عناصر سبک کلاسیک و کاربرد نسبت‌های کلاسیک جوکور مشخص می‌شود. سازه ها تحت تأثیر کلاسیک گرایی رنسانس و آثار معمارانی مانند ژاکوب ون کامپن و پیتر پست، اغلب نماهای منظم، ستون ها، سنگ فرش ها و تزئینات دقیق اندازه گیری شده را به نمایش می گذارند. آجر به عنوان مصالح ساختمانی غالب عمل می‌کند، که اغلب با لهجه‌های سنگ طبیعی تکمیل می‌شود، در نتیجه هم دوام ساختاری و هم محدودیت بصری را تقویت می‌کند. ساختمان‌های مدنی، تالارهای شهر و اقامتگاه‌های خصوصی نمونه‌ای از این سبک هستند، کاخ سلطنتی آمستردام به عنوان یکی از نمادین‌ترین بناهای تاریخی آن ایستاده است.

در نهایت، معماری باروک هلند بیان ملی متمایز از روح باروک را در بر می‌گیرد، چیزی که وقار را بر نمایش‌گرایی و هماهنگی ترجیح می‌دهد. این نشان می‌دهد که چگونه یک جنبش هنری بین‌المللی می‌تواند با سنت‌ها و ارزش‌های محلی تطبیق داده شود، و در نتیجه سبکی به‌طور واضح باروک و منحصربه‌فرد هلندی است.

اروپا مرکزی

بین سال‌های 1680 و 1750، اروپای مرکزی، که اتریش، بوهم و جنوب غربی لهستان را در بر می‌گیرد، شاهد ساخت کلیساهای بسیار پرآذین، کلیساها و کلیساهای زیارتی بود. برخی از این سازه‌ها سبک روکوکو را اتخاذ کردند، زیبایی‌شناسی متمایز، پر زرق و برق‌تر و نامتقارن‌ای که از باروک نشأت گرفت و متعاقباً در اروپای مرکزی در نیمه اول قرن هجدهم جایگزین آن شد. درگیر کردن معماران آموزش دیده ایتالیایی برای ساخت و ساز آنها.

کلیسای سنت نیکلاس (Malá Strana) در پراگ، که بین سال‌های 1704 و 1755 توسط کریستوف دینتزنهوفر و پسرش کیلیان ایگناز دینتزنهوفر ساخته شد، نمونه‌ای از این سبک است. دیوارهای داخلی آن به طور گسترده آراسته شده است. محراب، که در داخل شبستان زیر گنبد مرکزی قرار دارد، توسط نمازخانه‌هایی احاطه شده است، با نورهایی که هم از گنبد و هم از این کلیساهای اطراف فرود می‌آیند. این محراب با چیدمان پیچیده‌ای از طاق‌ها، ستون‌ها، نرده‌های خمیده و ستون‌هایی که از سنگ‌های رنگی ساخته شده‌اند، قاب‌بندی شده‌اند که همگی با تندیس‌های مجلل تزیین شده‌اند. این طراحی پیچیده عمداً تمایز بین عناصر ساختاری و ویژگی‌های تزئینی را محو می‌کند، و فضای معماری را به منظره‌ای پویا از نور، رنگ و حرکت تبدیل می‌کند.

در لهستان، دوره باروک لهستانی تحت تأثیر ایتالیا از اوایل قرن هفدهم تا اواسط قرن هجدهم گسترش یافت که با رنگ‌های پر جنب و جوش و جزئیات برجسته مشخص می‌شود. کلیسای سنت پیتر و پل در کراکوف، طراحی شده توسط جیووانی باتیستا تروانو، بنای افتتاحیه باروک در لهستان معاصر در نظر گرفته می شود و بسیار قابل تشخیص است. ستون زیگیزموند در ورشو که در سال 1644 برپا شد، به عنوان اولین بنای سکولار باروک جهان به شکل ستونی شناخته می شود. سبک مسکونی قصری مظهر خود را در کاخ ویلانوف پیدا کرد که بین سال‌های 1677 و 1696 ساخته شد. برجسته‌ترین معمار باروک فعال در لهستان، تیلمن ون گامرن هلندی بود که مشارکت‌های مهم او شامل کلیسای سنت کازیمیرز ورشو و کاخ کراسینسکی در کلیسای سنت کازیمیرز و کاخ کراسینسکی در کلیسای سنت کازیمرز است. با این وجود، کلیسای پوزنان فارا، با جزئیاتی از پمپئو فراری، اغلب به عنوان مشهورترین نمونه باروک لهستانی در نظر گرفته می شود. پس از جنگ سی ساله، و مطابق با صلح وستفالیا، دو سازه باروک متمایز و داوب ساخته شد: کلیسای صلح در جاوور و کلیسای تثلیث مقدس در Świdnica، که مجموعاً بزرگترین معابد چوبی باروک در اروپا را نشان می دهند.

معماری باروک در آلمان

در امپراتوری مقدس روم، ایالت‌های متعددی در سراسر قلمرو آلمان امروزی تلاش کردند تا اعتبار خود را از طریق ساخت‌وسازهای باشکوه باروک تثبیت کنند. از معماران برجسته این دوره می توان به یوهان برنهارد فیشر فون ارلاخ، لوکاس فون هیلدبراند و دومینیکوس زیمرمان در باواریا، بالتاسار نویمان در برول و ماتئوس دانیل پوپلمان در درسدن اشاره کرد. در پروس، فردریک دوم از تریانون بزرگ در کاخ ورسای الهام گرفت و آن را به عنوان پیشینه معماری برای اقامتگاه تابستانی خود، سانسوچی، در پوتسدام، که توسط گئورگ ونزسلاس فون کنوبلسدورف (1745-1747) طراحی شده بود، پذیرفت. یکی دیگر از نمونه‌های مهم معماری کاخ باروک، Zwinger در درسدن است که در قرن هجدهم به‌عنوان نارنج‌خانه سابق کاخ انتخاب کنندگان زاکسن خدمت می‌کرد.

Basilika Vierzehnheiligen، که با نام کلیسای چهارده یاور مقدس نیز شناخته می‌شود، به‌عنوان تصویر اصلی از معماری کلیسایی روکوکو است. این کلیسای زیارتی در نزدیکی Bad Staffelstein، نزدیک بامبرگ، در باواریا، جنوب آلمان واقع شده است. پلان زمین آن که توسط بالتاسار نویمان طراحی شده و بین سال‌های 1743 و 1772 ساخته شده است، دارای مجموعه‌ای از دایره‌های به هم پیوسته است که یک بیضی مرکزی را احاطه کرده و محراب دقیقاً در هسته کلیسا قرار گرفته است. تزئینات داخلی این بازیلیکا نشان دهنده اوج هنر تزئینی روکوکو است. یکی دیگر از نمونه های قابل توجه این سبک، کلیسای زیارتی ویز (به آلمانی: Wieskirche) است که توسط برادران جی بی و دومینیکوس زیمرمن طراحی شده است. در دامنه‌های آلپ، در شهرداری Steingaden در منطقه Weilheim-Schongau باواریا، ساخت آن از سال 1745 تا 1754 انجام شد. فضای داخلی با نقاشی‌های دیواری و گچ‌کاری تزئین شده بود، که به سنت مدرسه Wessobrunner پایبند بود. این سایت اکنون به عنوان میراث جهانی یونسکو شناخته شده است.

معماری باروک فرانسه

معماری باروک فرانسه به‌طور متمایز از جلوه‌های زیباتر و چشمگیرتر باروک منطقه‌ای که در ایتالیا، اسپانیا و سایر بخش‌های اروپا یافت می‌شود، تکامل یافته است. این کتاب که با زیبایی شناسی نسبتاً شدید، جدا و محدود مشخص می شود، نئوکلاسیسم و ​​اصول معماری روشنگری را پیش بینی می کند. برخلاف سازه‌های ایتالیایی، بناهای باروک فرانسوی به‌طور مشخص فاقد سنگ‌فرش‌های شکسته یا نماهای منحنی هستند. حتی سازه‌های مذهبی نیز از پویایی شدید فضایی مشخصه آثار بورومینی اجتناب کردند. این سبک با پروژه هایی که توسط لویی چهاردهم (حکومت 1643 تا 1715 سلطنت کرد) ارتباط نزدیکی دارد که منجر به نامگذاری جایگزین آن به عنوان سبک لویی چهاردهم شد. اگرچه لویی چهاردهم از استاد باروک برنینی دعوت کرد تا طرحی را برای بال شرقی جدید لوور پیشنهاد کند، پادشاه در نهایت از طرحی کلاسیک تر ارائه شده توسط کلود پررو و لوئی لو وو حمایت کرد.

معماران برجسته این سبک عبارتند از: فرانسوا مانسار (1598-1666)، پیر لو موئت (مسئول کلیسای وال-دو-گراس، 1645-1665)، و لوئی لو وو (طراح Vaux-le-Vicomte، 1657-1661). Mansart اولین معمار بود که عناصر باروک را در واژگان معماری فرانسوی ادغام کرد، به ویژه از طریق استفاده مکرر از یک نظم کاربردی و روستایی سنگین. اگرچه او سقف مانسارد را اختراع نکرد، اما استفاده گسترده از آن توسط مانسارت منجر به ارتباط آن با نام او شد.

یک اقدام سلطنتی مهم در این دوره، گسترش کاخ ورسای بود که در سال 1661 توسط Le Vau آغاز شد و دکوراسیون داخلی توسط نقاش شارل لو برون نظارت شد. آندره لو نوتر باغ ها را با دقت طراحی کرد تا عظمت معماری را تکمیل و تقویت کند. ویژگی مرکزی، Galerie des Glaces (تالار آینه ها)، مزین به نقاشی های لو برون، بین سال های 1678 و 1686 ساخته شد. تئاتر مفصل فواره های باغ به صورت استراتژیک قرار داشتند تا مناظر چشمگیری را از داخل کاخ ارائه دهند. ورسای به عنوان الگویی برای سایر پادشاهان اروپایی، به ویژه پتر کبیر روسیه، که پس از بازدید در اوایل سلطنت لویی پانزدهم، ملکی مشابه به نام کاخ پترهوف را در نزدیکی سن پترزبورگ از سال 1705 تا 1725 ساخت.

باروک پرتغالی

معماری باروک در پرتغال تقریباً دو قرن را در بر می گرفت که اواخر قرن هفدهم و کل قرن هجدهم را در بر می گرفت. در طول سلطنت جان پنجم و جوزف اول، دوره‌ای که با مطلق‌گرایی سلطنتی مشخص می‌شود، واردات فزاینده طلا و الماس منابع مالی را برای شکوفایی باروک پرتغالی فراهم کرد.

معماری باروک پرتغالی به دلیل بافت تاریخی منحصربه‌فرد و توسعه زمانی متمایز خود در مقایسه با دیگر جلوه‌های اروپایی متمایز است.

این تمایز با تلاقی عوامل سیاسی، هنری و اقتصادی شکل می‌گیرد که مراحل متعددی را ایجاد کرده و تأثیرات خارجی متنوعی را به وجود آورده است. ترکیب منحصربفرد حاصل اغلب توسط ناظرانی که به دنبال تشابهاتی با باروک ایتالیایی هستند، اشتباه تعبیر می‌شود، زیرا اشکال و ویژگی‌های خاصی را نشان می‌دهد که هویت منحصر به فرد پرتغالی آن را مشخص می‌کند. یکی از عناصر کمک کننده مهم، سنت معماری یسوعی است که به «سبک ساده» نیز معروف است (Estilo Chão یا Estilo Plano)، که همانطور که از نامش پیداست، زیبایی‌شناسی ساده‌تر و تا حدی سخت‌گیرانه‌اش مشخص می‌شود.

این سازه‌ها معمولاً دارای کلیسای‌های تک اتاقه، کلیسای کوچک متصل کننده جانبی، نمازخانه‌های کوچک متصل به هم هستند. آنها در ابتدا فاقد تزئینات داخلی و خارجی هستند، آنها یک درگاه و پنجره ساده ارائه می دهند. این طراحی عملی ساخت و ساز گسترده در سراسر امپراتوری را با حداقل تغییرات تسهیل کرد، و با در دسترس قرار گرفتن منابع اقتصادی، امکان تزئینات بعدی را فراهم کرد.

در واقع، فاز اولیه باروک پرتغالی از کمبود ساختار رنج نمی برد، زیرا "سبک ساده" به راحتی خود را در معرض دگرگونی قرار داد. با استفاده از عناصر تزیینی مانند نقاشی و کاشی کاری، این فضاهای بدون تزئین می توانند به محیط های پیچیده و مجلل باروک تبدیل شوند، این اصل برای نمای بیرونی نیز قابل اجرا است. این سازگاری ذاتی امکان سفارشی‌سازی آسان با ذائقه‌ها و اولویت‌های منطقه‌ای را فراهم می‌کند، افزودن ویژگی‌ها و جزئیات جدید را تسهیل می‌کند، بنابراین هم عملی و هم مقرون به صرفه است.

با بهره‌مندی از افزایش جمعیت و افزایش رونق اقتصادی، مناطق شمالی، به‌ویژه پورتو و براگا، تجدید حیات معماری قابل توجهی را تجربه کردند. این تجدید در ساخت و ساز گسترده کلیساها، صومعه‌ها و کاخ‌های اشرافی مشهود است.

پورتو به‌عنوان مرکز محوری معماری باروک در پرتغال شناخته می‌شود و هسته تاریخی آن به‌عنوان میراث جهانی یونسکو تعیین شده است.

بسیاری از سازه‌های باروک در نواحی تاریخی نی و نواحی اطراف Portocol به‌عنوان یک منطقه تاریخی ایتالیایی شناخته شده‌اند. مقیم پرتغال ناسونی ساختمان‌های متمایزی را با مکان‌های نمایشی و صحنه‌نگاری طراحی کرد، از جمله کلیسا و برج کلریگوس، ایوان کلیسای جامع پورتو، کلیسای Misericórdia، کاخ سائو ژوائو نوو، کاخ فریکسو، و کاخ اسقفی (به پرتغالی: Episcopal Palace (به پرتغالی: EPaçopidopal).

باروک روسی

ظهور باروک روسی، که به عنوان باروک پترین نیز شناخته می‌شود، مستقیماً تحت تأثیر پتر کبیر قرار گرفت. پس از بازگشت به روسیه، او تصمیم گرفت که بناهای مشابهی را در سنت پترزبورگ که در سال 1712 پایتخت جدید روسیه تعیین شد، بنا کند.

در دوران سلطنت آنا و الیزابت، معماری روسی عمدتاً توسط سبک باروک مجلل فرانچسکو بارتولومئو راستلی متولد ایتالیا شکل گرفت که متعاقباً به باروک الیزابتی تبدیل شد. دستاوردهای برجسته معماری راسترلی شامل کاخ زمستانی، کاخ کاترین و کلیسای جامع اسمولنی است. دیگر نمونه‌های برجسته باروک الیزابتی عبارتند از برج ناقوس ترویتسه سرگیوا لاورا و دروازه سرخ.

در مسکو، سبک باروک ناریشکین به‌ویژه در طراحی کلیساهای ارتدکس شرقی در اواخر قرن هفدهم شهرت گسترده‌ای پیدا کرد. این سبک متمایز، ترکیبی از زیبایی‌شناسی باروک اروپای غربی را با عناصر معماری سنتی عامیانه روسی نشان می‌دهد.

معماری باروک در آمریکای مستعمره اسپانیایی و پرتغالی

استعمار قاره آمریکا توسط قدرت‌های اروپایی انتقال طبیعی سبک باروک به دنیای جدید را تسهیل کرد، جایی که به‌ویژه در مناطق تحت سلطه اسپانیا و پرتغال زمین‌های حاصلخیز پیدا کرد. هر دو کشور پادشاهی متمرکز و کاملاً کاتولیک بودند که ذاتاً با روم و طرفداران ضد اصلاحات باروک همسو بودند. هنرمندان اروپایی به قاره آمریکا مهاجرت کردند، مدارس هنری تأسیس کردند و در کنار حضور گسترده مبلغان ماهر کاتولیک، بیان متنوعی از سبک باروک را که اغلب تحت تأثیر ذائقه عمومی بود، پرورش دادند. کریولو و صنعتگران بومی به طور قابل توجهی در آغشته کردن این سبک باروک آمریکایی به ویژگی های منحصر به فرد کمک کردند. مراکز پایدار اولیه توسعه باروک آمریکایی به ترتیب شامل مکزیک، پرو، برزیل، کوبا، اکوادور، کلمبیا، بولیوی، گواتمالا، نیکاراگوئه، پورتوریکو و پاناما است.

«باروک میسیونری» از اهمیت ویژه‌ای برخوردار است، که در کاهش‌های اسپانیایی - سکونتگاه‌های بومی سازمان‌دهی شده توسط مبلغان کاتولیک اسپانیایی - در منطقه وسیعی از مکزیک و جنوب غربی ایالات متحده تا آرژانتین و شیلی پدیدار شد. این کاهش‌ها با هدف تبدیل جمعیت‌های بومی به مسیحیت و ادغام آنها در فرهنگ غربی انجام شد که در نتیجه سبک باروک ترکیبی تحت تأثیر سنت‌های بومی ایجاد شد. این محیط باعث پرورش استعدادهای بسیاری از کریولوها و صنعتگران و نوازندگان بومی شد که برخی از آنها باسواد و دارای مهارت قابل توجهی بودند. گزارش‌های مبلغان اغلب تأثیر عمیق و تقریباً هیپنوتیزم‌کننده هنر غربی، به‌ویژه موسیقی، بر ساکنان جنگل‌ها را توصیف می‌کنند، و تصاویر قدیسان اغلب دارای قدرت زیادی تلقی می‌شدند. بسیاری از بومیان مسلمان شدند، که منجر به ایجاد شکل جدید و شدیداً پرشور از عبادت شد که با عرفان، خرافات، و نمایش‌گرایی مشخص می‌شد، که در توده‌های جشن مفصل، کنسرت‌های مقدس و اسرار مذهبی تجلی می‌کرد.

معماری باروک استعماری در آمریکای اسپانیایی به‌واسطه تزیینات ممتاز شهر مکزیک با تزیینات برجسته کلیسایی، شهر مکزیک متمایز می‌شود. تزئین شده با آزوله‌های به سبک پوئبلا، همانطور که در کلیسای سان فرانسیسکو آکاتپک در سان آندرس چولولا و کلیسای صومعه سانفرانسیسکو در پوئبلا دیده می‌شود. این شور و نشاط تزئینی در سبک Churrigueresque تشدید شد، که در نمای خیمه کلیسای جامع متروپولیتن مکزیکوسیتی توسط لورنزو رودریگز، کلیسای سانفرانسیسکو خاویر در Tepotzotlán و کلیسای Santa Prisca de Taxco مشهود است. در پرو، ساخت‌وسازها عمدتاً در لیما، کوسکو، آرکیپا و تروخیلو از سال 1650 به بعد توسعه یافتند و ویژگی‌های اصلی را به نمایش گذاشتند که حتی قبل از باروک اروپایی نیز وجود داشت، مانند استفاده از دیوارهای بالشتکی و ستون‌های سلیمانی، همانطور که در Iglesia de la Compañía de Jesúma de Jesúma Basil in the Cusco and Cusco مشاهده شد. نمونه های قابل توجه دیگر در سراسر منطقه عبارتند از: کلیسای جامع سوکره در بولیوی، کلیسای کلیسای جامع Esquipulas در گواتمالا، کلیسای جامع Tegucigalpa در هندوراس، کلیسای جامع لئون در نیکاراگوئه، کلیسای la Compañía de Jesús در Quito the Churchoombia, Ecuadorg، Ecuadorg. کلیسای جامع کاراکاس در ونزوئلا، کابیلدو بوئنوس آیرس در آرژانتین، کلیسای سانتو دومینگو در سانتیاگو، شیلی، و کلیسای جامع هاوانا در کوبا. کیفیت استثنایی کلیساهای موجود در مأموریت‌های یسوعی اسپانیایی در بولیوی، مأموریت‌های یسوعی اسپانیایی در پاراگوئه، مأموریت‌های اسپانیایی در مکزیک، و مأموریت‌های فرانسیسکن اسپانیایی در کالیفرنیا نیز مستلزم شناسایی است.

سبک معماری در برزیل، منعکس کننده سبک شهری آن، پرتغال، تأثیر متمایز ایتالیایی را به نمایش می گذارد که اغلب با عناصر بورومینسک مشخص می شود. نمونه های قابل توجه شامل کلیسای جامع رسیف (1784) و کلیسای Nossa Senhora da Glória do Outeiro در ریودوژانیرو (1739) است. در منطقه میناس گرایس، مشارکت های معماری Aleijadinho به ویژه قابل توجه است، که شامل مجموعه ای از کلیساها می شود که با طرح های منحنی خود، نماهایی با جلوه های محدب مقعر پویا، و رویکردی مجسمه ای به تمام اجزای معماری (به عنوان مثال، کلیسای de Pretão, Francisco, Francisco of Our) متمایز می شوند. 1765-1788).

معماری باروک در آسیای استعماری اسپانیایی و پرتغالی

در مستعمرات پرتغال در هند، به ویژه گوا، دامان و دیو، سبک معماری متمایزی پدیدار شد که فرم‌های باروک را با عناصر بومی هندو ترکیب می‌کرد. نمونه های برجسته عبارتند از کلیسای جامع سه و کلیسای بوم عیسی در گوا، که دومی محل استراحت سنت فرانسیس خاویر است. مجموعه کلی کلیساها و صومعه‌ها در گوا در سال 1986 به عنوان میراث جهانی یونسکو معرفی شدند.

فیلیپین که بیش از سه قرن مستعمره اسپانیا بوده است، ساختارهای باروک متعددی را حفظ کرده است. چهار مورد از این ها، در کنار شهر باروک و نئوکلاسیک ویگان، به عنوان میراث جهانی یونسکو به رسمیت شناخته شده اند. علاوه بر این، در حالی که فاقد طبقه بندی رسمی هستند، هر دو شهر دیواری مانیل و شهر طیباس دارای مجموعه قابل توجهی از معماری دوران اسپانیایی-باروک هستند.

تأثیرات باروک در والاچیا و مولداوی

باروک، که منشا آن ایتالیاست، اساساً یک سبک هنری غربی است. تأثیرات آن به اروپای شرقی، به ویژه مولداوی و والاچیا در شبه جزیره بالکان، عمدتاً از طریق مبادلات تجاری و فرهنگی ایتالیایی گسترش یافت. با این حال، این تأثیرات عموماً متوسط ​​بودند و عمدتاً در معماری و تزیینات حکاکی شده روی سنگ تجلی یافتند و غالباً با عناصر برگرفته از هنر بیزانسی و اسلامی ادغام شدند.

قبل از فروپاشی امپراتوری بیزانس و پس از آن، برون‌داد هنری والاچیا و مولداوی عمدتاً تحت تأثیر شکل‌های استانبول بود. تا پایان قرن شانزدهم، نقشه‌های کلیسا و صومعه، نقاشی‌های دیواری و تزیینات سنگی حکاکی‌شده عمدتاً اشکال سنتی خود را با حداقل تغییرات حفظ کردند. با این حال، یک دوره دگرگونی با سلطنت ماتی باصاراب (1632-1654) و واسیل لوپو (1634-1653) آغاز شد که همزمان با افزایش محبوبیت باروک ایتالیایی بود. در طول این دوره، عناصر تزئینی جدید گنجانده شد، و سبک مبلمان مذهبی به طور قابل توجهی تکامل یافت. این تغییر تصادفی نبود. اصول و نقوش تزئینی از ایتالیا، از طریق ونیز یا مناطق دالماسی معرفی شد و متعاقباً توسط معماران و صنعتگران محلی پذیرفته شد. عناصری مانند قاب پنجره ها و درها، pisanie وقف، سنگ قبرها، ستون ها، نرده ها، و برخی از وسایل برنزی، نقره ای یا چوبی نقش زیبایی شناختی برجسته تری نسبت به گذشته پیدا کردند. در حالی که این عناصر در سنت بیزانسی وجود داشتند، اکنون ظاهر واقعی تری به خود گرفته اند، که اغلب دارای نقوش گل های ظریف است. نقش برجسته، همچنین یک ویژگی از قبل موجود، بارزتر شد و حجم و قوام بیشتری را به نمایش گذاشت. پیش از این، نقوش برجسته در والاچیا و مولداوی، شبیه به نمونه‌های شرق وسیع‌تر، معمولاً تنها دو سطح کم عمق را شامل می‌شد: یکی در سطح و دیگری کمی فرورفته. طرح‌های گل‌های بزرگ، احتمالاً گل رز، گل صد تومانی یا خار، همراه با آکانتوس ضخیم یا برگ‌های مشابه، به طور پیچیده‌ای در اطراف ستون‌ها یا درها و پنجره‌های قاب‌بندی شده پیچ خورده بودند. ستون ها و نرده ها، به ویژه، تأثیر قوی باروک را نشان دادند. پایتخت ها با شاخ و برگ به شکل دقیق تری آراسته شدند. ستون‌ها غالباً شفت‌های پیچشی را نشان می‌دادند که تفسیری موضعی از ستون سلیمانی را نشان می‌داد. بین این ستون‌ها، نرده‌های ماکسیمالیستی که غالباً با رینسو تزئین شده بودند نصب می‌شد. برخی از نمونه‌های کاخ موگوشوایا نیز نقوش دلفین‌ها را در خود جای داده‌اند. گهگاه از کارتوها، عمدتاً بر روی سنگ قبرها، مانند سنگ قبرهای کنستانتین برانکووانو، استفاده می شد. این جنبش معماری و طراحی به عنوان سبک برانکوونسک نامگذاری شده است که به نام کنستانتین برانکووئانو، فرمانروای والاشی که سلطنتش (1654-1714) ارتباط نزدیکی با توسعه آن دارد، نامگذاری شده است. این سبک تا قرن هجدهم و در بخش‌هایی از قرن نوزدهم ادامه یافت، با کلیساها و اقامتگاه‌های بسیاری که در این دوره‌ها توسط بویارها و ویوودها ساخته شدند و ویژگی‌های برانکوونسک را نشان دادند. علیرغم تأثیرات واضح باروک، سبک برانکوونسک به طور قابل ملاحظه ای بیشتر از سنت های بومی الهام می گیرد.

در سرتاسر قرن هجدهم، در طول سلطنت فاناریوت‌ها (که توسط خانواده‌های یونانی برجسته از Phanar، استانبول انجام می‌شد) در والاچیا و مولداوی، تأثیرات باروک نیز از استانبول نشأت می‌گرفت. در حالی که این تأثیرات قبلاً در قرن هفدهم ظاهر شده بود، دوره Phanariot انتقال بیشتر نقوش باروک غربی را تسهیل کرد که پس از رسیدن به امپراتوری عثمانی، متعاقباً به سرزمین‌های رومانی کنونی راه یافتند. علاوه بر این، مولداوی عناصر باروک را از روسیه دریافت کرد، منطقه ای که به طور قابل توجهی تحت تأثیر سنت های هنری ایتالیایی قرار گرفته است.

نقاشی

نقاشان باروک آگاهانه خود را از هنرمندان رنسانس و دوره مانریستی متعاقب آن متمایز کردند. پالت آن‌ها دارای رنگ‌های شدید و گرم بود، با تأکید خاصی بر رنگ‌های اصلی – قرمز، آبی و زرد – که اغلب از نزدیک در کنار هم قرار می‌گرفتند. آنها از روشنایی یکنواخت مشخصه نقاشی رنسانس اجتناب کردند، در عوض از تضادهای آشکار کیاروسکورو برای برجسته کردن کنش ها یا فیگورهای مرکزی استفاده کردند. از نظر ترکیبی، آنها از تصاویر آرام رنسانس فاصله گرفتند و به جای آن لحظاتی از حرکت شدید و شدت دراماتیک را انتخاب کردند. برخلاف چهره‌های آرام رایج در هنر رنسانس، پرتره‌های باروک به وضوح حالات عاطفی را منتقل می‌کردند. عدم تقارن اغلب به کار می رفت، عمل را خارج از مرکز قرار می داد و محورهای مورب را به جای محورهای عمودی یا افقی ایجاد می کرد، در نتیجه حس بی ثباتی و پویایی را القا می کرد. این درک از حرکت با به تصویر کشیدن چهره هایی با لباس های بادگیر یا ژست های پویا تقویت شد. اثر انباشته‌ای از حرکت، احساسات و درام عمیق بود. تمثیل یکی دیگر از جنبه های اساسی نقاشی باروک را تشکیل می دهد. هر اثر روایت و پیامی را منتقل می‌کرد که غالباً از طریق نمادها و چهره‌های تمثیلی رمزگذاری می‌شد، که انتظار می‌رفت بیننده آگاه آن‌ها را رمزگشایی کند.

تجلیات اولیه مفاهیم باروک ایتالیایی در نقاشی در بولونیا ظاهر شد، جایی که آنیبال، آگوستینو و لودوویکو کاراچی در چارچوب ساختارگرایی بازسازی‌شده‌ای از هنر کلاسیک تلاش کردند تا به بازسازی‌ترین هنر کلاسیک بپردازند. با این وجود، خروجی هنری آن‌ها اصول اصلی ضد اصلاح‌طلبی، به ویژه احساسات شدید و شمایل‌نگاری مذهبی را که برای طنین‌اندازی با احساسات و نه عقل ناب طراحی شده بود، ادغام کرد.

میکل آنجلو مریسی دا کاراواجو به‌عنوان یکی دیگر از نقاشان بسیار تأثیرگذار دوران باروک است. تصویر واقعی او از فرم انسان، که مستقیماً از مدل های زنده ارائه شده و به طور چشمگیری در پس زمینه ای تیره و تار نورپردازی شده است، هم معاصرانش را شگفت زده کرد و هم مرحله بدیع در تکامل نقاشی را آغاز کرد. دیگر هنرمندان برجسته ای که نزدیک به سبک باروک هستند عبارتند از Artemisia Gentileschi، Elisabetta Sirani، Giovanna Garzoni، Guido Reni، Domenichino، Andrea Pozzo و Paolo de Matteis در ایتالیا. فرانسیسکو د زورباران، بارتولومه استبان موریلو و دیگو ولاسکز در اسپانیا؛ آدام الشایمر ​​در آلمان؛ و نیکلاس پوسین، سیمون ووئه، ژرژ د لا تور و کلود لورن در فرانسه (اگرچه پوسن و لورن اکثریت کار خود را در ایتالیا گذراندند). پوسین و د لا تور، با این حال، زیبایی‌شناسی باروک «کلاسیک» را پذیرفتند که با تأکید بر احساسات و تمرکز بیشتر بر خطی بودن چهره‌ها به جای رنگ مشخص می‌شود.

پیتر پل روبنس به عنوان نقاش برجسته سبک باروک فلاندری ظاهر شد. ترکیبات به شدت پویا روبنس اغلب به جنبه های دانشمند تاریخ کلاسیک و مسیحی اشاره می کند. سبک باروک متمایز و مورد تحسین او بر حرکت، رنگ، و احساسی بودن تأکید داشت و با اصول هنری فوری و دراماتیکی که ضد اصلاحات از آن حمایت می کرد، همسو بود. روبنس در خلق محراب ها، پرتره ها، مناظر و نقاشی های تاریخی با مضامین اساطیری و تمثیلی تخصص داشت.

یک ژانر مهم در نقاشی باروک کوادراتورا یا trompe-l'œil بود، تکنیکی که به معنای واقعی کلمه به "چشم" ترجمه می شود. این آثار هنری معمولاً بر روی سطوح گچی سقف‌ها، دیوارهای فوقانی و نرده‌ها اجرا می‌شدند و برای بینندگان این توهم را ایجاد می‌کردند که در پایین به قلمروهای آسمانی پر از فرشتگان، قدیسان و دیگر شخصیت‌های الهی خیره می‌شوند که همگی در برابر آسمان‌های شبیه‌سازی‌شده و خیال‌پردازی‌های معماری قرار دارند.

در قرن هفدهم ایتالیا، هنرمندان اغلب در پروژه‌های طراحی داخلی با معماران همکاری می‌کردند. پیترو دا کورتونا با استفاده از تکنیک‌های نقاشی توهم‌گرایانه این روند را مثال زد. برجسته‌ترین سفارش‌های او شامل نقاشی‌های دیواری کاخ باربرینی (۱۶۳۳–۱۶۳۹) بود که برای تجلیل از پاپ اوربان هشتم طراحی شده بود. این ترکیب‌بندی‌های پیترو دا کورتونا نمایانگر گسترده‌ترین نقاشی‌های دیواری تزئینی است که از زمان کار میکل آنژ در کلیسای سیستین در رم انجام شده است.

فرانسوا بوچر به‌عنوان چهره‌ای برجسته در سبک روکوکو فرانسوی اصلاح‌شده‌تر ظاهر شد، که در اواخر دوران باروک توسعه یافت. علاوه بر نقاشی‌های او، مشارکت‌های هنری بوچر شامل طراحی ملیله‌ها، فرش‌ها و تزیینات تئاتری بود. آثار او مورد تحسین مادام دو پومپادور، معشوقه شاه لوئی پانزدهم قرار گرفت. نقاشی‌های بوچر مکرراً مضامین اساطیری، رمانتیک و به‌طور ظریفی وابسته به عشق شهوانی را بررسی می‌کردند.

اسپانیایی آمریکا

در قاره آمریکای اسپانیایی، تأثیرات اولیه هنری از سویلان تنبریسم، به ویژه از زورباران، که آثارش در مکزیک و پرو حفظ شده است، نشأت گرفت. این تأثیر در خلاقیت هنرمندان مکزیکی خوزه خوارز و سباستین لوپز د آرتیاگا و ملکور پرز د هولگین بولیویایی مشهود است. مکتب نقاشی کوسکو پس از ورود نقاش ایتالیایی برناردو بیتی در سال 1583 شکل گرفت که شیوه گرایی را به قاره آمریکا معرفی کرد. از هنرمندان برجسته این مدرسه می توان به لوئیس د ریانو، شاگرد آنجلینو مدورو ایتالیایی و خالق نقاشی های دیواری در کلیسای سن پدرو، آنداهوایلیلاس اشاره کرد. نقاشان بومی (کچوا)، دیگو کوئیسپه تیتو و باسیلیو سانتا کروز پوماکالائو، در کنار مارکوس زاپاتا، که پنجاه بوم بزرگ را که طاق‌های بلند کلیسای جامع کوسکو را تزیین کرده بود، نیز برجسته بودند. در اکوادور، مکتب کیتو توسعه یافت که عمدتاً توسط میگوئل دو سانتیاگو و کریولو نیکولاس خاویر د گوریبار نمایندگی می‌شد.

در طول قرن هجدهم، مجسمه‌های مجسمه‌سازی در قاره آمریکا به تدریج به نقاشی‌ها تسلیم شدند و به‌طور چشمگیری در منطقه باروک پیشرفت کردند. همزمان، تقاضا برای کمیسیون های سکولار، به ویژه پرتره های اشراف و شخصیت های کلیسایی، گسترش یافت. تأثیر هنری غالب موریلسک بود، اگرچه در موارد خاصی، مانند کریولو کریستوبال د ویلالپاندو، سبک خوان دو والدس لیال نیز مشهود بود. نقاشی‌های این دوره با کیفیتی احساسی‌تر مشخص می‌شوند که دارای فرم‌های نرم‌تر و پالت شیرین‌تر هستند. شارحان کلیدی عبارتند از Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos در کلمبیا، و Juan Rodríguez Juárez و Miguel Cabrera در مکزیک.

مجسمه

جیان لورنزو برنینی به عنوان چهره برجسته مجسمه سازی باروک ایستاده است. برنینی تحت حمایت پاپ اوربان هشتم، مجموعه‌ای خارق‌العاده از مجسمه‌های یادبودی را ساخت که قدیسان و دیگر چهره‌ها را به تصویر می‌کشد که با بیان احساسی واضح آنها از طریق ویژگی‌های صورت و حرکات مشخص می‌شد. آثار او همچنین شامل نیم تنه های پرتره بسیار واقع گرایانه و آثار تزئینی استادانه برای واتیکان است، مانند صندلی باشکوه سنت پیتر که در زیر گنبد کلیسای سنت پیتر قرار دارد. علاوه بر این، برنینی فواره‌هایی را طراحی و طراحی کرد که دارای گروه‌های مجسمه‌سازی به یادماندنی است، که میدان‌های اصلی رم را زینت می‌دهند.

مجسمه‌های باروک الهام‌بخش قابل توجهی از مجسمه‌های روم باستان، به‌ویژه آثار مشهور قرن اول میلادی، Laocoquent، کشف‌شده در سال‌های 60 و 1500 اوست. در گالری واتیکان به نمایش گذاشته شد. او در سال 1665 خود چنین نقل کرد: "وقتی با اولین مجسمه ام مشکل داشتم، مانند یک اوراکل با آنتینوس مشورت کردم." این مجسمه خاص آنتینوس اکنون به‌عنوان هرمس موزه پیو کلمنتینو شناخته می‌شود.

مجسمه‌سازان برجسته اواخر دوره باروک فرانسوی شامل اتین موریس فالکونه و ژان باپتیست پیگال هستند. پیگال از فردریک کبیر سفارش ساخت مجسمه هایی برای سانسوچی در پوتسدام آلمان، اقتباس فردریک از ورسای دریافت کرد. فالکونت همچنین یک کمیسیون مهم بین‌المللی را برعهده گرفت و مجسمه مشهور اسکار سوار برنزی پتر کبیر را که در سن پترزبورگ قرار دارد، ساخت.

در اسپانیا، مجسمه‌ساز فرانسیسکو سالزیلو کار خود را منحصراً به موضوعات مذهبی اختصاص داد و از چوب پلی‌کروم استفاده کرد. برخی از نفیس‌ترین هنرهای مجسمه‌سازی باروک از محراب‌های گچبری طلاکاری شده در کلیساهای مستعمرات اسپانیایی در دنیای جدید پدید آمدند که توسط صنعتگران بومی ساخته شده بودند. یک مثال قابل توجه، کلیسای کوچک دل روزاریو در پوئبلا، مکزیک است که بین سال‌های 1724 و 1731 تکمیل شد.

مبلمان

نقوش تزیینی برجسته شامل شاخ‌های فراوان، فستون‌ها، پوتی، سر شیر با حلقه‌های فلزی، چهره‌های زن با قاب گلدستی، کارتن‌های بیضی شکل، برگ‌های آکانتوس، ستون‌های کلاسیک، کریاتیدها، سنگ‌فرش‌ها و سایر عناصر معماری کلاسیک که اغلب بر روی مبلمان حجاری می‌شوند. تزئینات اضافی شامل سبدهایی مملو از میوه یا گل، صدف، زره و غنائم، تصاویر سرهای آپولو یا باخوس، و پیچ های C شکل بود.

در اوایل سلطنت لویی چهاردهم، طرح های مبلمان تا حد زیادی از طریق شخصیت های لوئیسی سیزدهم تداوم بخشیدند. مجسمه سازی و تذهیب. پس از سال 1680، زیبایی شناسی کاملاً اصیل و ظریفی پدیدار شد که عمدتاً به طراح مبلمان آندره چارلز بول نسبت داده می شود و گهگاه به عنوان اثر بول از آن یاد می شود. این سبک بر روی منبت کاری از آبنوس و سایر الوارهای عجیب و غریب استوار بود، تکنیکی که از فلورانس قرن پانزدهم سرچشمه می گرفت، که بول و معاصرانش در خدمت لویی چهاردهم به دقت آن را اصلاح و پیشرفت کردند. قطعات مبلمان با پلاک های منبت کاری شده از آبنوس، مس و انواع چوب های عجیب و غریب چند رنگی تزئین شده بودند.

این دوره شاهد معرفی چندین نوع مبلمان بدیع و اغلب ماندگار بود. کمود، دارای دو تا چهار کشو، جایگزین قهوه سنتی یا صندوقچه شد. کاناپه یا مبل، به صورت ترکیبی پدید آمد که معمولاً دو یا سه صندلی راحتی را با هم ترکیب می‌کرد. طرح‌های جدید صندلی راحتی نیز به‌وجود آمدند، به‌ویژه fauteuil en confessionale، یا "صندلی اعتراف‌کننده"، که با بالشتک‌های بالشتکی که در دو طرف پشتی آن قرار گرفته‌اند، متمایز می‌شوند. میز کنسول نیز به طور خاص برای قرار دادن روی دیوار طراحی شده است. علاوه بر این، table à gibier، میز مرمری که برای سرو ظروف در نظر گرفته شده است، نوآوری دیگری را نشان می دهد. تکرارهای اولیه میز نیز ظاهر شد. به عنوان مثال، میز مازارین دارای یک بخش مرکزی فرورفته بود که بین دو ستون کشو قرار داشت که هر کدام توسط چهار پا پشتیبانی می‌شد.

موسیقی

نام باروک نیز به طور مشابه به سبک موسیقی رایج در دوره‌ای همزمان با هنر باروک اشاره می‌کند. در ابتدا، اصطلاح "باروک" برای موسیقی در یک زمینه انتقادی به کار رفت. نقدی ناشناس و طنزآمیز از اولین نمایش ژان فیلیپ رامو در اکتبر 1733 Hippolyte et Aricie که در Mercure de France در ماه مه 1734 منتشر شد، نشان داد که تازگی اپرا "du barocque" است. منتقد از فقدان ملودی منسجم در موسیقی، انبوهی از ناهماهنگی های بی وقفه، جابجایی های مکرر آن در کلید و متر، و به کارگیری سریع آن از تکنیک های مختلف آهنگسازی ابراز تاسف کرد. ژان ژاک روسو، موسیقیدان، آهنگساز و فیلسوف برجسته، ارزیابی قابل مقایسه ای را در سال 1768 در دانشنامه مشهور دنیس دیدرو بیان کرد: "موسیقی باروک با هارمونی درهم، مملو از تعدیل ها و ناهماهنگی ها و آهنگ های ناهنجار مشخص می شود. به نظر می رسد که این اصطلاح از کلمه "باروکو" که توسط منطق دانان استفاده می شود، گرفته شده است."

کاربرد گسترده این اصطلاح در موسیقی آن دوره تنها در سال 1919 آغاز شد که به کرت ساکس نسبت داده شد و استفاده اولیه انگلیسی آن در مقاله منتشر شده در سال 1940 توسط Manfred Buko رخ داد.

دوران باروک دوره‌ای از آزمایش‌ها و نوآوری‌های موسیقی قابل توجه را نشان می‌دهد که به دلیل استفاده گسترده از تزیینات و بداهه نوازی توسط نوازندگان بود. فرم‌های بدیع، مانند کنسرتو و سینفونیا، تصور شد. اپرا در اواخر قرن شانزدهم در ایتالیا شکل گرفت، نمونه‌ای از دافنه اثر جاکوپو پری، که برای اولین بار در فلورانس در سال 1598 اجرا شد و متعاقباً در سراسر اروپا پخش شد. لویی چهاردهم به طور مشخص آکادمی سلطنتی موسیقی را تأسیس کرد. در سال 1669، شاعر پیر پرن یک آکادمی اپرا را در پاریس افتتاح کرد، که اولین تئاتر عمومی اپرا فرانسه شد و Pomone را به نمایش گذاشت. این اثر که توسط رابرت کامبر ساخته شد، اولین اپرای بزرگ به زبان فرانسوی را رقم زد که شامل پنج پرده، ماشین های صحنه پیچیده و یک باله بود. آهنگسازان برجسته ای مانند هاینریش شوتز در آلمان، ژان باپتیست لولی در فرانسه، و هنری پرسل در انگلیس در تحکیم سنت های موسیقی ملی مربوطه خود در قرن هفدهم نقش اساسی داشتند.

در این دوره، چندین آلات موسیقی بدیع، به ویژه پیانو، پدیدار شدند. اختراع پیانو به بارتولومئو کریستوفوری (1655-1731) از پادوآ ایتالیا نسبت داده می شود که به فردیناندو مدیچی، شاهزاده بزرگ توسکانی، به عنوان نگهبان سازها خدمت می کرد. کریستوفوری در ابتدا ساز را un cimbalo di cipresso di piano e forte ("صفحه‌کلید سرو با صدای نرم و بلند") نامگذاری کرد، نامی که متعاقباً به اختصار pianoforte، fortepiano و در نهایت، به سادگی، پیانو نامگذاری شد.

آهنگسازان و نمونه‌ها

• جیوانی گابریلی (ج. 1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597) و In Ecclesiis (از phoniai, sacra)2, sacra 1615).
• کریستوبال د مدرانو (حدود 1561 - 1597) با voce mea cum sex vocibus (1594) شناخته شده است.
• Giovanni Girolamo Kapsperger (حدود 1580-1651) Libro primo di villanelle, 20 را در سال 1610 منتشر کرد.
• کلودیو مونتوردی (1567–1643) L'Orfeo، favola in musica (1610) را ایجاد کرد.
• هاینریش شوتز (1585-1672) Musikalische Exequien (1629، 1647، 1650) را سروده است.
• فرانچسکو کاوالی (1602-1676) اپراهایی از جمله L'Egisto (1643)، Ercole amante (1662)، و Scipione affricano (1664) را تولید کرد.
• یوهان ژاکوب فروبرگر (1616–1667) با "موسیقی کامل برای هارپسیکورد و ارگ" که توسط سیمون استلا اجرا شده است مرتبط است.
• ژان باپتیست لولی (1632-1687) اپرای Armide (1686) را ساخت.
• مارک آنتوان شارپنتیه (1643-1704) برای Te Deum (1688-1698) شناخته شده است.
• هاینریش ایگناز فرانتس بیبر (1644-1704) سونات های اسرارآمیز (1681) را خلق کرد.
• جان بلو (1649-1708) زهره و آدونیس (1680-1687) را سروده است.
• یوهان پاچلبل (1653-1706) به خاطر کانون در D (1680) شناخته شده است.
• آرکانجلو کورلی (1653-1713) 12 کنسرتی گروسی خود را منتشر کرد. 6، در سال 1714.
• مارین مارایس (1656-1728) Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723) را ساخته است.
• هنری پورسل (1659-1695) برای اپرای Dido and Aeneas (1688) شناخته شده است.
• الساندرو اسکارلاتی (1660-1725) اپراهای متعددی از جمله L'honestà negli amori (1680)، Il Pompeo (1683) و Mitridate Eupatore (1707) را ساخت.
.
• فرانسوا کوپرین (1668-1733) با محورهای سنگرهای اسرارآمیز (1717) شناخته شده است.
• توماسو آلبینونی (1671–1751) Didone abbandonata (1724) را سروده است.
• آنتونیو ویوالدی (1678-1741) برای چهار فصل (1725) تجلیل می شود.
• یان دیسماس زلنکا (1679–1745) آثاری مانند Il Serpente di Bronzo (1730) و Missa Sanctissimae Trinitatis (1736) را ساخت.
• Georg Philipp Telemann (1681-1767) Der Tag des Gerichts (1762) را ایجاد کرد.
• یوهان دیوید هاینیچن (1683-1729).
• ژان فیلیپ رامو (1683-1764) داردانوس (1739) را سروده است.
• جرج فریدریک هندل (1759-1685) به خاطر آهنگسازی هایی از جمله موسیقی آب (1717)، موسیقی برای آتش بازی سلطنتی (1749)، و مسیح (1741) مشهور است.
• دومنیکو اسکارلاتی (1685-1757) به خاطر سونات های متعددش برای هارپسیکورد شناخته شده است.
• یوهان سباستین باخ (1685-1750) آثار مهمی مانند توکاتا و فوگ در د مینور (1703-1707)، کنسرتوهای براندنبورگ (1721)، و شور سنت متیو (1727) را ساخت.
• نیکولا پورپورا (1686–1768) Semiramide riconosciuta (1729) را سروده است.
• جیوانی باتیستا پرگولسی (1710-1736) به خاطر Stabat Mater (1736) شناخته شده است.

رقص.

باله کلاسیک در دوران باروک پدیدار شد. ماری دو مدیچی سبک رقص دربار را به فرانسه معرفی کرد، جایی که در ابتدا اعضای دربار خود به عنوان رقصنده خدمت می کردند. لویی چهاردهم به ویژه در باله های عمومی مختلف اجرا کرد. در مارس 1662، پادشاه Académie Royale de Danse را تأسیس کرد، که به اولین مدرسه و شرکت حرفه ای رقص تبدیل شد و بدین وسیله استانداردها و واژگان اساسی را برای باله در سراسر اروپا در آن دوره ایجاد کرد.

نظریه ادبی.

هاینریش وولفلین پیشگام کاربرد واژه باروک در ادبیات بود. اصول بنیادین نظریه ادبی باروک، از جمله "خودبزرگ بینی" (concetto)، "شوخ طبعی" (acutezza، ingegno)، و "شگفتی" (meraviglia)، با انتشار Canuelenaleisauro در سال 1654 به بیان کامل نظری خود رسیدند. aristotelico (تلسکوپ ارسطویی). این رساله تأثیرگذار، با الهام از حماسه Adone جیامباتیستا مارینو و کمک های فلسفی یسوعی اسپانیایی بالتاسار گراسیان، نظریه ای از استعاره را به عنوان زبان جهانی تصاویر و تلاش فکری مهمی ارائه کرد که به طور همزمان به عنوان یک ابزار هنری برتر و به عنوان ابزاری برتر از هنر عمل می کند. حقیقت.

دراماتورژی اروپای مرکزی در باروک.

تحلیل والتر بنیامین از باروک، که در منشا درام تراژیک آلمانی ارائه شده است، به عنوان یک معیار تاریخی بسیار چالش برانگیز و در عین حال بسیار مورد توجه برای این دوره قرار دارد. در حالی که ظاهراً بر درام باروک متمرکز است، محتوای این مطالعه به طور قابل توجهی متنوع و پیچیده است و مجموعه گسترده ای از مطالب تاریخی را در بر می گیرد. علی‌رغم این گستره وسیع، توجه خود را عمدتاً به سمت اروپای مرکزی معطوف می‌کند، با تأکید ویژه بر آلمان، اگرچه گاهی اوقات به اتریش‌های امپراتوری مقدس روم و حتی اسپانیایی‌های تحت فرمان فردیناند امپراتور هابسبورگ اشاره می‌کند.

یک استدلال اصلی در تحلیل بنیامین بیان می‌کند که دوران باروک به‌عنوان پاسخی مستقیم به خشونت‌های آسیب‌زای گسترده جنگ سی ساله پدیدار شد. این درگیری، که نشان‌دهنده اوج خشونت‌آمیز اصلاح‌طلبان بود، تقریباً تمام کشورهای اروپایی را درگیر کرد، علی‌رغم اینکه عمدتاً در داخل امپراتوری مقدس روم مورد مناقشه قرار گرفت. همه قدرت‌های مهم، به استثنای انگلستان و روسیه (اگرچه هر دو به طور غیرمستقیم تحت تأثیر قرار گرفتند یا درگیر بودند)، نیروهای خود را در این میدان جنگ مستقر کردند.

در مطالعه والتر بنیامین درباره منشأ، تولید فرهنگی متمایز این دوره - که با یک تقریباً بیمارگونه، یا حداقل از نظر تاریخی غیرعادی و غیرعادی، یکنواخت، یکنواخت‌سازی، بازتولید و تکوین شدید مشخص می‌شود. horror vacui - به عنوان یک مکانیسم دفاعی روانشناختی یا یک سرکوب منحرف کننده وحشت و آنومی گسترده تفسیر می شود. این امر ناشی از انحلال اقتدار متعالی نمادین بود که قبلاً توسط کلیسای غربی در رم تجسم یافته بود، که نهادها و اشکال تشریفاتی آن برای مدت طولانی برتری قاره ای را در اداره و کنترل اجتماعی اعمال می کردند. این تغییر تاریخی را به‌طور گوناگون «تجزیه‌ی جهان مسیحیت» یا، به‌طور خوش‌بینانه‌تر، پیدایش مدرنیته و متعاقب آن ظهور هژمونی سرمایه‌داری نامیده می‌شود، دیدگاهی که ماکس وبر و دیگر محققان از جمله هیو ترور-روپر در اثر بحران قرن هفدهم و در مورد ویمین بحران قرن هفدهم و وی‌مین در آن اشتراک دارند. دیوانگی.

تئاتر

دوره باروک نمایانگر دوران شکوفایی تئاتر در فرانسه و اسپانیا بود. نمایشنامه نویسان برجسته ای شامل کورنیل، راسین و مولیر در فرانسه، در کنار لوپه دو وگا و پدرو کالدرون د لا بارکا در اسپانیا بودند.

در طول دوره باروک، هنر و سبک تئاتر همزمان با ظهور اپرا و باله، به سرعت تکامل یافت. طراحی سالن‌های جدیدتر و بزرگ‌تر، اجرای ماشین‌های صحنه دقیق‌تر، و استفاده گسترده از طاق نما، که صحنه را قاب می‌کرد و مکانیسم‌های آن را از تماشاگران پنهان می‌کرد، باعث ایجاد جلوه‌های منظره‌ای دقیق‌تر و مناظر باشکوه‌تر شد.

در اسپانیا، دوره باروک با اخلاق کاتولیک و محافظه‌کار مشخص می‌شد که از مدل‌های ادبی ایتالیایی رنسانس الهام می‌گرفت. تئاتر باروک اسپانیایی به دنبال ارائه واقعیتی آرمانی به مخاطب خود بود که شامل سه احساس اصلی بود: دینداری کاتولیک، غرور سلطنتی و ملی، و افتخار برگرفته از سنت جوانمردی.

تئاتر باروک اسپانیا معمولاً به دو دوره تقسیم می‌شود، هر چند که نقطه‌ی مرزبندی ابتدایی با Lopega در 16 تعیین شده است. همچنین شامل مشارکت های تیرسو د مولینا، گاسپار آگیلار، گیلن د کاسترو، آنتونیو میرا د آمسکوآ، لوئیس ولز د گوارا، خوان روئیز د آلارکن، دیگو جیمنز د انسیسو، لوئیس بلمونته برمودز، فیلیپه گودینز، ژوئیس کوینته، و لوئیس پیونئنز است. چهره های متعددی از این دوران در academias literarias (آکادمی های ادبی)، مانند آکادمی مشهور مدرانو که توسط سباستین فرانسیسکو د مدرانو تأسیس شد، شرکت کردند. نمونه دوره بعدی توسط پدرو کالدرون د لا بارکا و معاصرانش، از جمله نمایشنامه نویسانی مانند آنتونیو هورتادو د مندوزا، آلوارو کوبیلو د آراگون، جرونیمو د کانسر، فرانسیسکو د روخاس زوریلا، خوان د ماتوس فراگوسو، آنتونیو کوئلو، آگوستو کانوچو، فرانچو کوئلو، فرانچو کانوچو، فرانچو کوئیس اوو. این دسته بندی ها روان هستند، زیرا نویسندگان فردی اغلب سبک های منحصر به فردی را ایجاد می کنند در حالی که گهگاه با قراردادهای نمایشی ایجاد شده توسط لوپ هماهنگ می شوند. در واقع، رویکرد لوپ ممکن است لیبرال‌تر و از نظر ساختاری نسبت به کالدرون تعریف شده باشد.

در رساله‌اش در سال 1609، Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo، لوپه دو وگا مفهوم کمدی جدید را افتتاح کرد. این پارادایم دراماتیک جدید سه وحدت ارسطویی سنت شعر ایتالیا (عمل، زمان و مکان) و همچنین چهارمین وحدت ارسطویی در مورد سبک را به چالش کشید. از ادغام عناصر تراژیک و کمیک و به کارگیری اشکال و بندهای مختلف شعر برای مطابقت با محتوای ارائه شده دفاع می کرد. علیرغم دانش گسترده لوپ از هنرهای پلاستیکی، او تا حد زیادی از گنجاندن آنها در آثار تئاتری یا صحنه نگاری خود در بیشتر دوران کاری خود خودداری کرد. در نتیجه، سبک کمدی لوپ، ابعاد بصری بازنمایی تئاتری را به نقشی فرعی تنزل داد.

تیرسو د مولینا، لوپه د وگا و کالدرون نمایشنامه نویسان برجسته دوران طلایی اسپانیا بودند. مشارکت‌های ادبی آن‌ها، که با هوش ظریف و بینش عمیقشان نسبت به شرایط انسانی متمایز می‌شود، به‌عنوان پل ارتباطی با فرم‌های کمدی قبلی لوپ و سبک دراماتیک پیچیده‌تر کالدرون در نظر گرفته می‌شود. تیرسو د مولینا در درجه اول برای دو اثر شناخته شده است: مشکوکات محکوم و حیله گر سویل، که دومی به ویژه یکی از اولین بازخوانی های اسطوره دون خوان را شامل می شود.

کوزیمو لوتی پس از ورود به مادرید، دربار اسپانیا را با پیشرفته‌ترین تکنیک‌های تئاتر اروپا آشنا کرد. تخصص او در مکانیک و طراحی تئاتر در عینک های درباری، معروف به "فیستا" و نمایش های آبزی استادانه با رودخانه ها یا فواره های مصنوعی که "Naumaquias" نامیده می شود، اعمال شد. لوتی همچنین مسئول طراحی باغ های بوئن رتیرو، زارزوئلا و آرانخوئز و همچنین ساخت تئاتر کولیسئو دل بوئن رتیرو بود. کنوانسیون‌های دراماتیک تثبیت‌شده لوپه دو وگا، که با سبک شعری کمتر مناسب برای تئاتر قصری در حال ظهور مشخص می‌شود، به تدریج جای خود را به چارچوب‌های مفهومی جدید داد و به حرفه نمایشنامه‌نویسانی مانند کالدرون د لا بارکا دامن زد. سبک کالدرون در حالی که بر اساس نوآوری‌های «کمدیای جدید» (اغلب با لوپ مرتبط است)، از طریق طراحی ساختاری دقیق و توجه دقیق به انسجام درونی متمایز شد. ویژگی آثار کالدرون کمال رسمی و زبانی بسیار تغزلی و نمادین است. آزادی، سرزندگی و گشودگی ذاتی آثار لوپ به تأکید کالدرون بر تأمل فکری و دقت صوری تبدیل شد. در کمدی‌های او، مقاصد ایدئولوژیک و اعتقادی غالباً جایگزین شور و کنش صرف می‌شد. *Autos sacramentales* (نمایشنامه های مذهبی) او به ویژه به شهرت هنری قابل توجهی دست یافت. خود ژانر *کمدی* ذاتاً سیاسی، چند هنری و ترکیبی بود. متن شاعرانه آن با رسانه ها و منابع مختلف برگرفته از معماری، موسیقی و نقاشی آمیخته شده بود، در نتیجه از توهم ساده تئاتری کمدی های لوپ که اغلب بر مناظر حداقلی تکیه داشتند و عمدتاً از طریق گفت و گو و کنش درگیر می شدند، فراتر رفت.

برجسته ترین نمایشنامه نویس آلمانی آندریاس دی گریفیوس هلندی بود که مدل درام ژئوست را تحت تأثیر قرار داد. وندل و پیر کورنیل. یکی دیگر از چهره های قابل توجه یوهانس ولتن بود که سنت های گروه های کمدی انگلیسی و *کمدیا دل آرته* را با تئاتر کلاسیک فرانسوی کورنیل و مولیر ترکیب کرد. شرکت تورهای او را می‌توان مهم‌ترین شرکت قرن هفدهم دانست.

تراژدی‌نویس برجسته باروک ایتالیا، فدریکو دلا واله بود. محصول ادبی او عمدتاً توسط چهار نمایشنامه ساخته شده برای تئاتر درباری تعریف می شود: تراژیک کمدی Adelonda di Frigia (1595) و به ویژه شامل سه تراژدی، Judith (1627)، Esther (1627)، و Latia (16) نفوذ دلا واله به مقلدان و پیروان متعددی (مانند فرانچسکو اسفورزا پالاویچینو، ژیرولامو گرازانی) که زیبایی‌شناسی باروک را با اهداف تعلیمی یسوعی‌ها در آثار خود ادغام کردند، گسترش یافت.

در تزار روسیه، تجلی روسی سبک باروک تنها در نیمه‌ی دوم قرن هفتم ظهور کرد. ابتکار تزار الکسیس روسیه برای تأسیس یک تئاتر درباری در سال 1672. کارگردان و نمایشنامه نویس این تئاتر یوهان گوتفرید گرگوری، کشیش لوتری آلمانی-روسی بود که به طور مشخص نمایشنامه ای 10 ساعته با عنوان عمل اردشیر نوشت. آثار دراماتورژیک سیمئون پولوتسک و دمتریوس روستوف نیز سهم قابل توجهی در تئاتر باروک روسیه داشتند.

آمریکای استعماری اسپانیا

به دنبال مسیری که در اسپانیا ایجاد شد، در اواخر قرن شانزدهم، شرکت‌های نمایشی دوره‌گرد در آمریکای مستعمره اسپانیایی فرآیند حرفه‌ای‌سازی را آغاز کردند. این حرفه ای شدن با افزایش مقررات و سانسور همراه بود. مشابه اروپا، تئاتر در مستعمرات دوره‌های تساهل، حتی حمایت دولتی، همراه با طرد (به استثنای) یا آزار و اذیت کامل توسط کلیسا را ​​تجربه کرد. مقامات از تئاتر به عنوان یک ابزار آموزشی برای تبلیغ رفتارهای مطلوب، تقویت احترام به نظم اجتماعی و سلطنت، و القای عقاید مذهبی استفاده کردند.

corrales به نفع بیمارستان‌ها بود که سپس در درآمد حاصل از اجراها سهیم شدند. شرکت‌های تئاتری دوره‌گرد، که به عنوان «لیگ» نیز شناخته می‌شوند، در صحنه‌های روباز بداهه در مناطقی که مکان‌های دائمی ندارند اجرا می‌کردند و برای فعالیت به مجوز معاونت نیاز داشتند. هزینه این مجوز، یا pinción، به کمک های خیریه و تلاش های مذهبی اختصاص یافت. برای شرکت‌هایی که در پایتخت‌ها و شهرهای بزرگ تأسیس شده‌اند، یک جریان اصلی درآمد مشارکت آنها در جشن‌های کورپوس کریستی بود که هم سود مالی و هم به رسمیت شناختن اجتماعی قابل توجهی را به همراه داشت. اجراها در کاخ معاونت و املاک اشرافی، که شامل کمدی‌های استاندارد رپرتوار و تولیدات ویژه با نورپردازی گسترده، صحنه‌سازی، و صحنه‌سازی می‌شد، همچنین فرصت شغلی پرسود و محترمی را ایجاد می‌کرد.

خوان رویز د آلارکون، بومی نایب السلطنه جدید، به‌عنوان یکی از شخصیت‌های نایب سلطنتی متأخر. در تئاتر باروک جدید اسپانیایی. محققان ویژگی‌های متمایز او را شناسایی کرده‌اند که او را از هم‌عصران اسپانیایی‌اش متمایز می‌کند، زیرا اقتباس او با سبک کمدی جدید لوپه دو وگا، سکولاریسم برجسته، احتیاط و محدودیت قابل توجه و ظرفیت عمیق برای بینش روان‌شناختی است. از جمله کارهای مهم او می توان به La verdad sospechosa اشاره کرد، یک کمدی شخصیت محور که نمونه ای از نیات اخلاقی مداوم اوست. آثار دراماتیک سور خوانا اینس د لا کروز او را به عنوان دومین شخصیت تأثیرگذار در تئاتر باروک اسپانیایی-آمریکایی معرفی می کند. آثار برجسته او عبارتند از: Auto Sacramental El divino Narciso و کمدی Los empeños de una casa.

باغ

باغ باروک که اصطلاحاً jardin à la française یا باغ رسمی فرانسوی نامیده می‌شود، در قرن شانزدهم رم آغاز شد و قبل از اینکه در قرن هفدهم فرانسه مشهورترین شکل خود را به دست آورد، به ویژه در باغ‌های Vaux le Vicomte و کاخ ورسای. پادشاهان و اشراف در سراسر آلمان، هلند، اتریش، اسپانیا، لهستان، ایتالیا و روسیه باغ‌های باروک را تا اواسط قرن هجدهم سفارش دادند، در آن زمان بسیاری از آنها به سبک طبیعی‌تر باغ منظر انگلیسی تغییر شکل دادند.

باغ‌های باروک برای نمادی از تسلط انسان بر طبیعت و تجلیل از پدرشان طراحی شده‌اند. این باغ ها دارای چیدمان های هندسی بودند که اغلب شبیه تقسیمات داخلی یک اقامتگاه بزرگ بود. دید بهینه معمولاً از یک نقطه دید مرتفع، مانند یک قصر یا تراس، با نگاه کردن به چشم‌انداز به دست می‌آمد. اجزای کلیدی یک باغ باروک شامل پارترها بود که چیدمان پیچیده‌ای از تخت‌های گل یا پرچین‌های کم ارتفاعی بود که به‌دقت در طرح‌های آراسته چیده شده‌اند، و کوچه‌ها و کوچه‌های سنگ‌ریزه‌ای مستقیم که باغ را تقسیم می‌کردند و از آن عبور می‌کردند. تراس ها، رمپ ها، راه پله ها و آبشارها به طور استراتژیک برای تطبیق تغییرات در ارتفاع و ارائه چشم اندازهای دید متنوع گنجانده شده بودند. حوض‌ها و حوض‌های آب دایره‌ای یا مستطیلی شکل به عنوان مکان‌هایی برای فواره‌ها و مجسمه‌ها عمل می‌کردند. بوسکت‌ها شامل بیشه‌های با دقت آراسته شده یا ردیف‌های یکنواخت درختان، توهم دیوارهای سبز را ایجاد کردند و پس‌زمینه‌ای برای مجسمه‌ها فراهم کردند. در اطراف خود، این باغ‌ها معمولاً دارای آلاچیق‌ها، نارنجستان‌ها و دیگر سازه‌هایی بودند که بازدیدکنندگان را از آفتاب یا باران پناه می‌دادند.

نگهداری از باغ‌های باروک نیاز به نیروی کار قابل توجهی از باغبان، هرس مداوم و منابع آبی گسترده داشت. در دوره دوم باروک، تغییری رخ داد زیرا عناصر رسمی به تدریج جای خود را به ویژگی های طبیعی تر دادند. این افزوده‌های جدید شامل مسیرهای پرپیچ‌وخم، بیشه‌های متنوع درختان اصلاح نشده، عناصر معماری روستایی، و ساختارهای زیبا مانند معابد رومی یا پاگوداهای چینی بود. علاوه بر این، "باغ های مخفی" در حاشیه باغ اصلی، سرسبز با شاخ و برگ، پدید آمدند، و فضاهای منزوی را برای مطالعه یا گفتگوهای خصوصی فراهم کردند. در اواسط قرن هجدهم، اکثر باغ‌های باروک دستخوش تغییر جزئی یا کامل به اقتباس‌هایی از سبک باغ منظر انگلیسی شده بودند.

فراتر از ورسای و واکس لو ویکامت، دیگر باغ‌های معروف باروک که تا حد زیادی طراحی اصلی خود را حفظ کرده‌اند شامل کاخ سلطنتی کازرتا در نزدیکی ناپل، ایتالیا می‌شود. کاخ نیمفنبورگ و کاخ‌های آگوستوسبورگ و فالکنلوست در برول، آلمان؛ کاخ هت لو در هلند؛ کاخ Belvedere در وین، اتریش؛ کاخ سلطنتی La Granja de San Ildefonso در اسپانیا؛ و کاخ پترهوف در سنت پترزبورگ، روسیه.

برنامه ریزی و طراحی شهری

شهرهای اروپایی از قرن 16 تا 19 دستخوش دگرگونی های قابل توجهی در اصول طراحی و برنامه ریزی شهری شدند و اساساً مناظر و محیط های ساخته شده خود را تغییر دادند. مراکز شهری بزرگ مانند رم و پاریس برای حمایت از جمعیت در حال گسترش از طریق پیشرفت در مسکن، زیرساخت‌های حمل‌ونقل و امکانات عمومی بازسازی شدند. در این دوره، سبک فراگیر باروک عمیقاً توسعه شهری را تحت تأثیر قرار داد و به عنوان برنامه ریزی شهری باروک تجلی یافت که عناصر معماری استادانه، دراماتیک و هنری را در بافت شهر ادغام کرد. طراحی این شهرها به دنبال تداعی و تکمیل عظمت احساسی ویژگی زیبایی شناسی باروک برای ساکنان و عابران پیاده بود. این روش برنامه ریزی مکررا بر نمایش خودنمایی ثروت و قدرت توسط مقامات حاکم، با ساختارهای برجسته ای که به عنوان نقاط کانونی بصری و نمادین منظر شهری عمل می کنند، تأکید می کرد.

در قرن شانزدهم، پاپ سیکستوس پنجم یک پروژه جامع بازسازی شهری را برای رم آغاز کرد که شهر را احیا و گسترش داد. میدان‌ها و میدان‌های بزرگ متعددی به‌عنوان فضاهای عمومی گنجانده شده‌اند که تأثیر شگرف ذاتی سبک باروک را تقویت می‌کنند. این میدان‌ها با فواره‌ها و عناصر تزئینی مختلف تزیین شده‌اند، که برای احاطه کردن احساسات غالب آن دوران طراحی شده‌اند. یک اصل کلیدی برنامه ریزی باروک شامل ایجاد شبکه پیچیده ای از محورها برای اتصال کلیساها، ساختمان های دولتی و میدان ها بود. این ترتیب استراتژیک، نشانه های مهم کلیسای کاتولیک را به عنوان نقاط کانونی اولیه در محیط شهری قرار داد.

ویژگی های اضافی برنامه ریزی شهری باروک در بارسلونا مشهود است. منطقه Eixample، که توسط Ildefons Cerda طراحی شده است، دارای خیابان‌های وسیعی است که در یک الگوی شبکه‌ای چیده شده‌اند و با چندین بلوار مورب تکمیل شده‌اند. تقاطع های بلوک هشت ضلعی متمایز آن باعث افزایش دید خیابان و نور طبیعی می شود. آثار معماری متعددی در این منطقه توسط آنتونی گائودی، که به دلیل سبک متمایز خود مشهور است، ایجاد شد. ساگرادا فامیلیا، طراحی شده توسط گائودی، موقعیت مرکزی را در طرح منطقه Eixample اشغال می کند و اهمیت عمیقی برای شهر دارد.

آیندگان

انتقال به روکوکو

روکوکو نمایانگر مرحله نهایی دوره باروک است، که اغلب اصول اصلی توهم و تأثیر دراماتیک خود را تا شدیدترین جلوه‌های آن گسترش می‌دهد. جنبش روکوکو که در فرانسه به عنوان نقطه مقابل عظمت باروک مجلل رایج در دربار لویی چهاردهم در کاخ ورسای سرچشمه می گیرد، به طور قابل توجهی با تأثیرگذار مادام دو پمپادور (716-1721) مرتبط شد، که خانم دو پامپادور (711721) بود. پادشاه جانشین، لویی پانزدهم (1710-1774). در نتیجه، از این سبک به عنوان Pompadour نیز یاد می شد. علیرغم ارتباط قوی آن با سلطنت لویی پانزدهم، ظهور این سبک قبل از این دوره است. چندین خلاقیت هنری از سال‌های پایانی سلطنت لویی چهاردهم، ویژگی‌های اولیه روکوکو را نشان می‌دهد. نام این جنبش از اصطلاح فرانسوی rocaille، به معنای "ریگ‌ریزه" نشأت می‌گیرد، که از لحاظ تاریخی به سنگ‌ها و صدف‌هایی که برای تزئین فضای داخلی غارها استفاده می‌شد، اشاره می‌کرد. نقوش پوسته مشابه متعاقباً به نشانه طراحی روکوکو تبدیل شد. در ابتدا به عنوان یک سبک در طراحی و هنرهای تزئینی تجلی یافت، با اشکال ظریف و منحنی خود متمایز شد. تأثیر آن متعاقباً به معماری و به دنبال آن نقاشی و مجسمه سازی گسترش یافت. ژان آنتوان واتو، نقاش فرانسوی، اغلب با اصطلاح روکوکو شناخته می‌شود، به‌ویژه برای صحنه‌های شبانی‌اش، یا fêtes galantes، که در اوایل قرن 18 برجسته بودند.

سبک های روکوکو و باروک چندین اشتراک دارند. هر دو جنبش هنری بر فرم‌های به یاد ماندنی تأکید می‌کنند که ترتیبات فضایی پیوسته، ستون‌ها یا ستون‌های جفتی، و مواد مجلل، اغلب دارای اجزای طلاکاری شده را در بر می‌گیرد. با این وجود، تفاوت های متمایز نیز مشهود است. طراحان روکوکو از پیروی دقیق از تقارن که از دوره رنسانس مشخصه معماری و طراحی بود، فاصله گرفتند. در نتیجه، اشیاء کوچک متعدد، مانند گلدان های جوهر و پیکره های چینی، در کنار عناصر تزئینی مختلف، اغلب عدم تقارن را نشان می دهند. این عدم تقارن با رواج تزیینات ناشی از تفسیر شاخ و برگ و صدف‌های دریایی، در تضاد با نقوش کلاسیک متعددی است که از رنسانس در هنر باروک به ارث رسیده است. تمایز مهم دیگر در ارتباط اولیه باروک با معماری کلیسایی نهفته است، با توجه به نقش آن به عنوان بیان فرهنگی اصلی ضد اصلاحات. برعکس، روکوکو عمدتاً با زمینه‌های معماری داخلی و قصری مرتبط است. در پاریس، ظهور روکوکو با توسعه سالن به عنوان یک گردهمایی اجتماعی بدیع مصادف شد و بسیاری از این مکان‌ها اغلب با این زیبایی‌شناسی تزیین می‌شوند. فضای داخلی روکوکو عموماً از نظر مقیاس نسبت به فضاهای باروک کمتر بود که نشان دهنده تغییر به سمت صمیمیت بیشتر داخلی است. این دگرگونی به طور مشابه در پالت‌های رنگی منعکس شد که از رنگ‌های خاکی مشخصه آثار کاراواجو و سنگ مرمر قرمز و تزئینات داخلی طلایی دوران لویی چهاردهم به پاستل‌های ملایم‌تر و آرام‌تر، از جمله آبی کم‌رنگ، صورتی پومپادور و سفید که در دوران سلطنت لویی پانزدهم و مادامادور فرانسه رایج بود، منعکس شد. مشابه تغییر رنگ‌ها، تحولی موضوعی در نقاشی و مجسمه‌سازی رخ داد و از موضوعات سنگین، دراماتیک و اخلاقی به سمت نقوش سبک‌تر و شادتر حرکت کرد.

یک ویژگی تمایز نهایی بین باروک و روکوکو به علاقه قرن هجدهم به شکوفایی اشراف شرق آسیا مربوط می‌شود. در حالی که گرایش‌های شرق‌شناسی در زیبایی‌شناسی غربی قبل از دوران باروک وجود داشت، آنها معمولاً از ریشه‌های اسلامی به جای آسیای شرقی الهام می‌گرفتند. این الگو در سراسر دوره باروک تداوم داشت، به ویژه در سبک تحت تأثیر ترکی به نام Turquerie آشکار شد. شیفتگی مستشرقان به جهان اسلام، که شامل Turquerie نیز می‌شود، به دوره روکوکو و فراتر از آن گسترش یافت. با این حال، در این مرحله بعدی، چینی ها و دیگر فرهنگ های آسیای شرقی نیز شروع به اعمال نفوذ بر زیبایی شناسی غربی کردند. Chinoiserie، سبکی رایج در هنرهای زیبا، معماری و طراحی در طول قرن هجدهم، از هنر چینی و زیبایی‌شناسی معاصر روکوکو الهام گرفت. با توجه به ماهیت طاقت فرسا سفر به چین و دیگر کشورهای خاور دور در آن دوران، که آنها را تا حد زیادی برای اکثر غربی ها معمایی می کرد، تصورات اروپایی ها مجذوب تلقی از آسیا به عنوان قلمرو ثروت و تجمل بی اندازه بود. در نتیجه، حامیان اعم از امپراطور تا بازرگان برای تزیین محل سکونت خود با کالاهای آسیایی و تزئین آنها به سبک آسیایی به رقابت پرداختند. هنگامی که به دست آوردن اشیاء اصیل آسیایی دشوار بود، صنعتگران و نقاشان اروپایی با ساخت اقلامی که فرم‌های روکوکو را با چهره‌ها، نقوش و تکنیک‌های آسیایی ترکیب می‌کردند، تقاضا را برآورده کردند. فراتر از تفاسیر اروپایی از سبک های آسیای شرقی، لاک چینی کاربردهای متنوعی پیدا کرد. تعدادی از اتاق‌های کاخ کاملاً توسط اشراف اروپایی تزئین شده بود و از صفحات لاک چینی به عنوان پوشش دیوار استفاده می‌شد. لاک سیاه به دلیل ویژگی های زیبایی شناختی خود، به ویژه برای مطالعات آقایان غربی مورد توجه قرار گرفت. این پانل‌ها معمولاً براق و مشکی بودند که از استان هنان چین سرچشمه می‌گرفتند. آنها شامل لایه های متعددی از لاک بودند که متعاقباً با نقوش حکاکی شده بودند که سپس با رنگ و طلا منبت کاری شده بودند. نجاران اروپایی قرن هجدهم نیز از پانل های لاک چینی و ژاپنی در تولید مبلمان استفاده کردند. برای دستیابی به این هدف، صفحات آسیایی جدا شده و به عنوان روکش مبلمان تولید اروپا تغییر کاربری داده شد.

محکومیت و ارزیابی مجدد آکادمیک بعدی

یوهان یواخیم وینکلمان، تاریخ‌دان هنر و باستان‌شناس پیشگام آلمانی نیز سبک باروک را محکوم کرد و در عوض از شایستگی‌های برتر هنر و معماری کلاسیک دفاع کرد. در قرن نوزدهم، سبک باروک به موضوع مکرر تمسخر و بررسی انتقادی تبدیل شد. فرانچسکو میلیزیا منتقد نئوکلاسیک اظهار داشت: «بورومینی در معماری، برنینی در مجسمه‌سازی، پیترو داکورتونا در نقاشی... آفتی برای خوش سلیقه‌ای هستند که تعداد زیادی از هنرمندان را مبتلا کرده است». در طول قرن نوزدهم، انتقادها تشدید شد و جان راسکین، منتقد بریتانیایی، مجسمه‌سازی باروک را نه تنها از نظر زیبایی‌شناختی ناقص، بلکه از نظر اخلاقی نیز ناقص اعلام کرد.

هنریش ولفلین مورخ هنر سوئیسی (1864-1945) در نشریه 1888 خود، Renaissance und Barock، شروع به ارزیابی مجدد اصطلاح "باروک" کرد. ولفلین باروک را به عنوان "حرکت وارد شده به توده" توصیف کرد و آن را نقطه مقابل هنر رنسانس قرار داد. با این حال، تحلیل او تفاوتی بین شیوه‌گرایی و باروک قائل نشد، همانطور که محققان معاصر انجام می‌دهند، و همچنین به مرحله بعدی باروک آکادمیک که تا قرن هجدهم ادامه یافت، نمی‌پردازد. هنر و معماری باروک در دوران بین دو جنگ محبوبیت پیدا کرد و تا حد زیادی تحسین منتقدان را حفظ کرد. با این وجود، اصطلاح "باروک" همچنان می تواند به صورت تحقیرآمیز برای توصیف آثار هنری، صنایع دستی یا طرح هایی که بیش از حد مزین یا از نظر ساختاری پیچیده تلقی می شوند، به کار رود. همزمان، «باروک» به توصیف پذیرفته‌شده‌ای برای گرایش‌های هنری و معماری مختلف در هنر رومی از قرن دوم و سوم پس از میلاد تبدیل شده است که ویژگی‌هایی مشابه دوره باروک متأخر نشان می‌دهد.

احیاءها و تأثیرات التقاطی

علی‌رغم انتقادات اولیه، هنر باروک متعاقباً به‌عنوان منبع الهام‌بخش مهمی برای هنرمندان، معماران و طراحان در سراسر قرن نوزدهم، عمدتاً از طریق دریچه رمانتیسم عمل کرد. این جنبش که در قرن هجدهم ظهور کرد و در قرن نوزدهم به اوج خود رسید، بر احساسات، فردگرایی و تجلیل از گذشته و طبیعت تأکید داشت و اغلب زیبایی‌شناسی قرون وسطایی را بر زیبایی‌شناسی کلاسیک ترجیح می‌داد. در بریتانیا، تلاقی عوامل ادبی، مذهبی و سیاسی، معماران و طراحان اواخر قرن هجدهم و نوزدهم را برانگیخت تا از قرون وسطی الهام بگیرند و قرن نوزدهم را به خاطر احیای بی‌شمارش مشهور کرد. اما در فرانسه، رمانتیسیسم کاتالیزور اولیه احیای معماری و طراحی گوتیک نبود. در عوض، تخریب گسترده بناها و بناهای مرتبط با رژیم باستانی در طول انقلاب فرانسه باعث شد که الکساندر لنوآر باستان شناس به عنوان متصدی انبار پتیتس آگوستین منصوب شود. در آنجا، او موزه بناهای یادبود فرانسه (1795-1816) را سامان داد که مجسمه‌ها، مجسمه‌ها و مقبره‌هایی را که از کلیساها، صومعه‌ها و صومعه‌ها نجات یافته بود، در خود جای داد. لنوآر در معرفی مجدد قدردانی از هنر قرون وسطی، که به تدریج در طول ربع قرن بعدی شکوفا شد، مؤثر بود.

این قدردانی مجدد از هنر قرون وسطی متعاقباً باعث احیای دوره‌های تاریخی دیگر، از جمله باروک و روکوکو شد. احیاء در ابتدا بر موضوعات قرون وسطایی متمرکز شد، سپس در پایان سلطنت لویی فیلیپ اول (1830-1848) به سبک های رنسانس تغییر یافت. الهامات باروک و روکوکو در دوران سلطنت ناپلئون سوم (1852-1870) اهمیت بیشتری یافت و حتی پس از فروپاشی دومین امپراتوری فرانسه نیز ادامه یافت.

بر خلاف انگلستان، جایی که گوتیک توسط معماران و طراحان به عنوان سبکی ملی تلقی می‌شد، روکوکو یکی از نمایندگان جنبش فرانسه در نظر گرفته می‌شد. علیرغم اینکه معماری گوتیک از فرانسه به جای انگلستان سرچشمه می گیرد، مردم فرانسه تمایل بیشتری به سبک های رژیم باستانی و امپراتوری ناپلئون نسبت به میراث قرون وسطایی یا رنسانس خود داشتند.

احیای قرن نوزدهم در نهایت به التقاط گرایی تبدیل شد که با ادغام عناصر سبکی متنوع مشخص می شود. با توجه به اینکه معماران اغلب سبک های کلاسیک را بازتفسیر می کردند، اکثر ساختمان ها و طرح های التقاطی زیبایی شناسی متمایزی را نشان می دهند. فراتر از احیای مستقیم، باروک همچنین به عنوان منبع اصلی الهام برای التقاط عمل کرد. ویژگی های برجسته باروک، مانند ستون های جفت شده و نظم غول پیکر، اغلب در سازه های التقاطی قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم ظاهر می شوند. نفوذ التقاط از معماری فراتر رفت. بسیاری از طرح های سبک امپراتوری دوم (1848-1870) عناصر دوره های مختلف را در خود جای داده اند. تعداد کمی از مبلمان از این دوره از سه تأثیر غالب تاریخ گرایی - سبک های رنسانس، لویی پانزدهم (روکوکو) و لوئی شانزدهم - که گاهی به طور مشخص و گاهی ترکیبی به کار می رفتند فرار کردند. عناصر باروک همچنین الهام‌بخش بودند، که در بازسازی‌ها و عربسک‌های تقلید از خیمه‌فروشی بول، در کنار تأثیرات سبک‌های دیگر مانند گوتیک، رنسانس، یا رجنسی انگلیسی مشهود است.

Belle Époque، تقریباً از 1871-1880 تا آغاز جنگ جهانی اول در سال 1914، یک دوره تاریخی متمایز را تشکیل داد. این دوره با حس غالب خوش‌بینی، ثبات منطقه‌ای، ثروت اقتصادی، گسترش استعمار، و پیشرفت‌های قابل توجه در حوزه‌های فنی، علمی و فرهنگی تعریف شد. التقاط در این دوران به اوج خود رسید، که به ویژه در معماری Beaux Arts نمونه‌ای از آن بود. سبک معماری نام خود را از École des Beaux-Arts در پاریس گرفته است، مؤسسه ای که در آن شکل گرفت و بسیاری از طرفداران اصلی آموزش های خود را در آنجا دریافت کردند. سازه‌های طراحی‌شده در این سبک اغلب شامل ستون‌های یونی با پیچ‌های گوشه‌ای هستند که یادآور نمونه‌های باروک فرانسوی هستند، در کنار سطح زیرزمین روستایی. آنها سادگی فراگیر را نشان می دهند که با جزئیات پیچیده، درهای قوسی شکل، و طاق ورودی شبیه به کاخ پتی در پاریس مشخص شده است. این سبک به دنبال تقلید از مجلل باروک از طریق سازه‌های یادبود و استادانه تزئین شده بود که عظمت ورسای لویی چهاردهم را تداعی می‌کرد. با توجه به طراحی Belle Époque، استقبال گسترده ای از سبک های مبلمان تاریخی غالب شد، که تا حدودی غیرمنتظره سبک امپراتوری دوم (از دوره قبل) را در بر می گرفت، که محبوبیت خود را تا سال 1900 حفظ کرد. تقریباً در سال 1900، یک بازنگری جامع از سبک های دوره های تاریخی مختلف و همه ملت های تاریخی مشهود شد. تولید مبلمان طیف گسترده‌ای از تأثیرات را شامل می‌شد، از مدل‌های چینی تا اسپانیایی و از بول تا گوتیک، اگرچه سبک‌های خاص قدردانی بیشتری نسبت به سبک‌های دیگر داشتند. قرون وسطی و اوایل رنسانس مورد احترام خاصی بودند. اشکال مختلف عجیب‌وغریب و طرح‌های پیچیده روکوکو نیز مورد توجه قرار گرفت.

احیاء و تأثیرات باروک به تدریج کاهش یافت و در نهایت با ظهور آرت دکو، سبکی که در حدود سال 1910 از طریق تلاش‌های مشترک بسیاری از طراحان فرانسوی با هدف ایجاد یک مدرنیته جدید شکل گرفت، کاهش یافت. اگرچه هنر دکو قبل از جنگ جهانی اول نسبتا مبهم بود، اما در طول دوره بین جنگ ها محبوبیت قابل توجهی به دست آورد و به شدت با دهه های 1920 و 1930 مرتبط شد. این جنبش ویژگی های مختلفی را ترکیب کرد که برگرفته از جریان های مدرنیستی رایج در دهه های 1900 و 1910 بود، از جمله جدایی وین، کوبیسم، فوویسم، بدوی گرایی، سوپرماتیسم، سازه گرایی، فوتوریسم، دی استایل و اکسپرسیونیسم. علاوه بر تأثیرات مدرنیستی، آرت دکو عناصری از سبک‌های محبوب در دوران بل اپوک مانند احیای روکوکو، نئوکلاسیک و سبک نئولوئیس شانزدهم را نیز در خود جای داده است. روابط متناسب، کیفیت های حجمی و اصول ساختاری معماری هنرهای زیبای قبل از جنگ جهانی اول در ساختمان های اولیه آرت دکو در دهه های 1910 و 1920 قابل تشخیص است. عناصر باروک به طور مشخص نادر هستند، زیرا معماران و طراحان عموماً سبک لویی شانزدهم را دوست داشتند.

در پایان دوره بین‌جنگ، محبوبیت روزافزون سبک بین‌المللی، که با فقدان مطلق تزئینات متمایز می‌شد، باعث کنار گذاشتن کامل نفوذ و احیای باروک شد. بسیاری از معماران و طراحان سبک بین‌المللی، در کنار هنرمندان مدرنیست، باروک را به دلیل اسراف و «افراط» درک شده مورد انتقاد قرار دادند. به طرز متناقضی، این دقیقاً با تجدید حیات قوی در قدردانی انتقادی از دوره اولیه باروک مصادف شد.

قدردانی و تفسیرهای پست مدرن

قدردانی از باروک با ظهور پست مدرنیسم، جنبشی که مدرنیسم (پارادایم غالب پس از جنگ جهانی دوم) را به چالش کشید و از ادغام عناصر سبک تاریخی در طرح‌های معاصر حمایت کرد، و قدردانی از گذشته پیشامدرنیستی را تقویت کرد، دوباره ظهور کرد. ارجاعات صریح باروک غیرمعمول هستند، زیرا پست مدرنیسم غالباً عناصر بسیار ساده شده را با هم ادغام می‌کند که به‌عنوان «نقل‌قول» کلاسیکیسم به‌طور گسترده‌تر عمل می‌کنند، مانند سنگ‌فرش‌ها یا ستون‌ها.

اشاره‌های مستقیم‌تر به زیبایی‌شناسی باروک در ظروف و مد سرامیکی ورساچه مشهود است، که دارای حداکثری‌آمیز acanauxus است. این نقوش شباهت زیادی به نمونه‌های موجود در بشقاب‌های زینتی باروک ایتالیایی و آثار بول، و همچنین به طرح‌های روی اشیاء دوران امپراتوری، به‌ویژه منسوجات، از دوران سلطنت ناپلئون اول دارد.

یادداشت ها

• فرهنگ باروک و روکوکو
• barocke in Val di Noto – Sizilien (بایگانی شده در 2 سپتامبر 2018)
• سبک باروک و تأثیر لوئیس چهاردهم (بایگانی شده در 24 ژوئن 2007)
• برنامه رادیو 4 بی بی سی ملوین براگ با عنوان در زمان ما: باروک.
• "راهنمای سبک باروک." گالری های بریتانیا، موزه ویکتوریا و آلبرت. بایگانی شده از نسخه اصلی در 19 اوت 2007. بازیابی 16 ژوئیه 2007.منبع: بایگانی آکادمی TORIma