Psychologie de la musique (Psychology of music)

La psychologie de la musique, également appelée psychologie musicale, constitue un domaine interdisciplinaire s'appuyant sur la psychologie, les sciences cognitives, les neurosciences et la musicologie. Son objectif principal est d'élucider et de comprendre le comportement et l'expérience musicale, englobant les processus par lesquels la musique est perçue, créée, réagie et intégrée dans la vie quotidienne. La recherche contemporaine dans ce domaine est principalement empirique, les connaissances progressant principalement grâce à l'interprétation de données systématiquement collectées auprès de participants humains. Au-delà de son rôle scientifique fondamental au sein des sciences cognitives, ce domaine présente une pertinence pratique dans de nombreux domaines, notamment l'interprétation musicale, la composition, l'éducation, la critique et la thérapie. Il contribue également aux recherches sur l'attitude humaine, les compétences, la performance, l'intelligence, la créativité et le comportement social, ainsi qu'à l'exploration des liens complexes entre la musique et la santé.

La psychologie de la musique offre également un aperçu des facettes non psychologiques de la musicologie et de la pratique musicale. Par exemple, il contribue à la théorie musicale en étudiant la perception et la modélisation informatique des structures musicales telles que la mélodie, l'harmonie, la tonalité, le rythme, la mesure et la forme. De même, la recherche en histoire de la musique peut bénéficier d'études systématiques sur l'évolution de la syntaxe musicale ou d'analyses psychologiques des compositeurs et de leurs compositions, notamment concernant les réponses perceptuelles, affectives et sociales à leurs œuvres.

Historique

Histoire ancienne (avant 1850)

Avant le XIXe siècle, l'étude des phénomènes sonores et musicaux se concentrait principalement sur la modélisation mathématique de la hauteur et du ton. Les premières expériences enregistrées datent du 6ème siècle avant notre ère, notamment attribuées à Pythagore, qui a établi les rapports simples de longueur des cordes qui définissaient les consonances de l'octave. Cette perspective, selon laquelle le son et la musique pouvaient être compris uniquement d’un point de vue physique, a été reprise par des théoriciens tels qu’Anaxagore et Boèce. L'un des premiers dissidents importants était Aristoxène, dont l'opinion selon laquelle la musique ne pouvait être comprise qu'à travers la perception humaine et sa relation avec la mémoire humaine préfigurait la psychologie musicale moderne. Malgré ses idées, la majorité de l'éducation musicale tout au long du Moyen Âge et de la Renaissance est restée fermement ancrée dans la tradition pythagoricienne, en particulier à travers le quadrivium, qui comprenait l'astronomie, la géométrie, l'arithmétique et la musique.

Vincenzo Galilei (père de Galilée) a mené des recherches démontrant que, même avec une longueur de corde constante, les variations de tension, d'épaisseur ou de composition pouvaient modifier la hauteur perçue. À partir de là, il a postulé que de simples ratios étaient inadéquats pour expliquer pleinement les phénomènes musicaux, plaidant en faveur de la nécessité d’une approche perceptuelle. Il a en outre affirmé que les différences entre les différents systèmes de réglage étaient imperceptibles, rendant inutiles les différends associés. Au cours de la révolution scientifique, l'étude de sujets tels que la vibration, la consonance, la série harmonique et la résonance a considérablement progressé, avec des contributions notables de Galilée, Kepler, Mersenne et Descartes. Cette époque a également favorisé de nouvelles spéculations sur la nature des organes sensoriels et des processus cognitifs d'ordre supérieur, en particulier par Savart, Helmholtz et Koenig.

Ascension des études empiriques (1860-1960)

La fin du XIXe siècle a marqué le développement parallèle de la psychologie musicale avec l'émergence de la psychologie empirique générale, les deux domaines progressant par des étapes de développement similaires. L’étape initiale était la psychologie structuraliste, dirigée par Wilhelm Wundt, qui visait à déconstruire l’expérience en ses composantes les plus fondamentales et définissables. Cette approche s'appuie sur des siècles d'études acoustiques et inclut le développement du résonateur par Helmholtz pour isoler et comprendre les sons purs et complexes et leur perception. Parallèlement, le philosophe Carl Stumpf a utilisé les orgues d'église et sa propre expérience musicale pour explorer le timbre et la hauteur absolue, tandis que Wundt lui-même associait l'expérience du rythme à la tension et à la relaxation kinesthésiques.

Avec le déclin du structuralisme et la montée de la psychologie Gestalt et du behaviorisme au tournant du XXe siècle, la psychologie de la musique a élargi son champ d'application. Il est passé de l'analyse de tons et d'éléments isolés à l'étude de la perception de leurs interrelations et des réponses humaines, bien que les progrès dans ce domaine soient à la traîne par rapport à la recherche sur la perception visuelle. En Europe, Géza Révész et Albert Wellek ont ​​avancé une compréhension plus nuancée de la hauteur musicale. Parallèlement, aux États-Unis, l’attention s’est portée sur l’éducation musicale, en se concentrant sur la formation et le développement des compétences musicales. Carl Seashore a été le fer de lance de ces efforts en écrivant The Measurement of Musical Talents et The Psychology of Musical Talent. Seashore a utilisé des équipements conçus sur mesure et des évaluations standardisées pour quantifier les écarts de performance par rapport aux notations spécifiées et pour différencier les aptitudes musicales des étudiants.

Les origines de la musicologie européenne remontent à la Grèce antique, où les chercheurs se sont concentrés sur les fondements philosophiques de la musique et ses relations conceptuelles. Plusieurs théories grecques ont par la suite influencé la pensée musicale arabe et chrétienne. Malgré leur survie, ces théories ont subi des altérations et des corruptions au cours du Moyen Âge européen.

Ère moderne (1960-présent)

Au cours de la seconde moitié du XXe siècle, la psychologie de la musique a considérablement élargi son champ d'application pour englober un large spectre de domaines théoriques et appliqués. À partir des années 1960, le domaine s'est développé parallèlement aux sciences cognitives, intégrant des domaines de recherche tels que la perception musicale (en particulier la hauteur, le rythme, l'harmonie et la mélodie), le développement et les aptitudes musicales, l'interprétation musicale et les réponses émotionnelles à la musique.

Cette époque a également vu la création de revues spécialisées, de sociétés, de conférences, de groupes de recherche, de centres et de diplômes universitaires dédiés à la psychologie de la musique. Cette croissance institutionnelle a orienté la recherche vers des applications pratiques dans l'éducation musicale, la performance et la thérapie. Alors que les techniques de psychologie cognitive ont facilité des analyses plus objectives du comportement et de l'expérience musicale, les progrès théoriques et technologiques en neurosciences ont profondément influencé la trajectoire du domaine vers le 21e siècle.

Bien que la plupart des recherches en psychologie de la musique se soient historiquement concentrées sur les contextes musicaux occidentaux, le domaine a élargi sa portée, aux côtés de l'ethnomusicologie, pour étudier les variations interculturelles dans la perception et la pratique musicales. De plus, il a gagné en importance dans la sphère publique. Ces dernières années, plusieurs livres scientifiques de vulgarisation à succès ont contribué au discours public sur le sujet, notamment This Is Your Brain On Music (2006) et The World in Six Songs (2008) de Daniel Levitin, Musicophilia d'Oliver Sacks (2007) et Guitar Zero de Gary Marcus (2012). De plus, le controversé « effet Mozart » a déclenché un vaste débat parmi les chercheurs, les éducateurs, les politiciens et le grand public concernant la corrélation entre l'écoute de la musique classique, l'éducation et l'intelligence.

Domaines de recherche

Perception et cognition

Une partie importante des recherches en psychologie de la musique vise à élucider les processus cognitifs qui sous-tendent les comportements musicaux, tels que la perception, la compréhension, la mémoire, l'attention et la performance. Initialement ancrées dans la psychoacoustique et la sensation, les théories cognitives contemporaines concernant la compréhension musicale humaine intègrent désormais des connaissances issues des neurosciences, des sciences cognitives, de la théorie musicale, de la musicothérapie, de l'informatique, de la psychologie, de la philosophie et de la linguistique.

Réponse affective

La musique suscite systématiquement des réponses émotionnelles chez les auditeurs, une relation largement étudiée pour identifier les caractéristiques musicales spécifiques qui transmettent ou évoquent des réactions, comprendre la nature de ces réactions et déterminer comment les caractéristiques de l'auditeur influencent les expériences émotionnelles. Ce domaine a un impact significatif sur la philosophie, la musicologie et l'esthétique, ainsi que sur la composition et l'interprétation musicales. Pour le grand public, les recherches indiquent que les sensations agréables associées à la musique émotionnelle proviennent de la libération de dopamine dans le striatum, les mêmes régions du cerveau qui sont à l'origine des aspects d'anticipation et de récompense de la toxicomanie. Des études démontrent également que l’écoute de musique influence l’humeur individuelle, le tempo et le style étant les principaux déterminants des effets positifs ou négatifs. De plus, la musique améliore les fonctions cognitives, favorise la créativité et atténue la fatigue, améliorant ainsi le flux de travail et optimisant les résultats lors d'activités simultanées. Cela suggère que l’incorporation de musique pendant les tâches peut augmenter considérablement la productivité et l’expérience globale. Il a été émis l'hypothèse que la compréhension de la signification émotionnelle de la musique pourrait dépendre d'un système neuronal partagé pour traiter le contenu affectif des voix, des vocalisations et des sons musicaux. Au-delà des réponses émotionnelles, la musique a façonné les modes de vie individuels et modifié les perceptions de l’attractivité. Même si la musique ne peut pas répondre à tous les besoins humains, elle est fréquemment utilisée pour sa capacité à modifier les sentiments et les émotions.

Neuropsychologie

Des recherches approfondies étudient les mécanismes cérébraux qui sous-tendent les processus cognitifs impliqués dans la perception et l'interprétation musicales. Ces comportements englobent l’écoute de la musique, l’interprétation, la composition, la lecture, l’écriture et les activités connexes. Le domaine se concentre également de plus en plus sur les fondements neuronaux de l’esthétique musicale et de l’émotion. Les chercheurs dans ce domaine possèdent souvent une expertise en neurosciences cognitives, neurologie, neuroanatomie, psychologie, théorie musicale, informatique et autres disciplines connexes, employant des techniques telles que l'imagerie par résonance magnétique fonctionnelle (IRMf), la stimulation magnétique transcrânienne (TMS), la magnétoencéphalographie (MEG), l'électroencéphalographie (EEG) et la tomographie par émission de positons (TEP).

Le processus cognitif de la performance musicale nécessite l'interaction de mécanismes neuronaux à la fois moteurs et auditifs. systèmes. Étant donné que chaque action exécutée au cours d'une performance génère un son influençant les expressions ultérieures, il en résulte une interaction sensorimotrice dynamique.

Pitch de traitement

La hauteur perçue dépend généralement de la fréquence fondamentale, bien que cette dépendance puisse être exclusivement médiée par la présence d'harmoniques correspondant à cette fréquence fondamentale. Le phénomène de perception d'une hauteur en l'absence de sa fréquence fondamentale correspondante dans le stimulus physique est appelé hauteur de la fondamentale manquante. Des recherches sur les singes ouistitis ont identifié des neurones latéraux à A1 qui sont spécifiquement sensibles à la fréquence fondamentale d'un son complexe, ce qui indique que la constance de la hauteur pourrait être facilitée par un tel mécanisme neuronal.

La constance de la hauteur dénote la capacité à percevoir l'identité de la hauteur malgré les variations des propriétés acoustiques, notamment le volume, l'enveloppe temporelle ou le timbre. Le rôle critique des régions corticales latérales à A1 dans le codage de la hauteur est en outre étayé par des investigations impliquant des lésions corticales humaines et des études d'imagerie par résonance magnétique fonctionnelle (IRMf). Ces résultats proposent collectivement un système hiérarchique pour le traitement de la hauteur, dans lequel des attributs plus abstraits des stimuli sonores sont traités progressivement le long des voies neuronales.

Pas absolu

La hauteur absolue (AP) fait référence à la capacité d'identifier ou de produire un son musical à une hauteur spécifique sans s'appuyer sur une référence externe. On estime que cette capacité se produit chez environ 1 individu sur 10 000. Le débat quant à savoir si l'AP est un trait inné ou une compétence acquise persiste, avec des preuves soutenant à la fois une prédisposition génétique et l'existence d'une « période critique » pour son acquisition, en particulier lorsqu'elle est combinée avec un enseignement musical précoce.

Traitement du rythme

La recherche comportementale indique que même si le rythme et la hauteur peuvent être perçus indépendamment, ils interagissent également en synergie pour former une perception musicale globale. Les recherches sur la discrimination et la reproduction du rythme auditif chez les individus souffrant de lésions cérébrales ont associé ces capacités aux régions auditives du lobe temporal, bien qu'une localisation ou une latéralisation cohérente n'ait pas été établie. De plus, des études neuropsychologiques et de neuroimagerie révèlent que les régions motrices du cerveau jouent un rôle à la fois dans la perception et la production de rythmes.

Même lors d'une écoute passive des rythmes, les études impliquent fréquemment les noyaux gris centraux, le cervelet, le cortex prémoteur dorsal (dPMC) et l'aire motrice supplémentaire (SMA). Cela suggère que l'analyse du rythme peut s'appuyer sur des interactions complexes entre les systèmes auditif et moteur.

Dynamique Musicale

En musique, la dynamique concerne le volume ou l'intensité du son. L'exposition excessive au bruit fort est une préoccupation importante, puisque 25 % des adultes américains souffrent d'un certain degré de perte auditive en raison de ce facteur. Un volume élevé peut entraîner une déficience auditive, que ce soit à cause d'un seul événement sonore intense ou d'une exposition prolongée à des bruits forts. Des niveaux sonores élevés sont capables d'endommager les cellules ciliées délicates de l'oreille interne responsables de la réception du son, entraînant potentiellement une perte auditive permanente.

À l'inverse, écouter de la musique à des volumes plus faibles a été corrélé à une diminution de l'anxiété et de la tension artérielle, ainsi qu'à une amélioration de l'humeur, de la vigilance et de la mémoire. Maintenir des niveaux d'écoute modérés peut optimiser ces avantages tout en atténuant le risque de dommages auditifs, étant donné qu'une exposition sonore trop forte peut compromettre les structures complexes de l'oreille.

Corrélats neuronaux de l'entraînement musical

Bien que les interactions auditives-motrices soient évidentes même chez les individus sans formation musicale formelle, les musiciens représentent une cohorte idéale à étudier en raison de leurs liens étendus et bien établis entre les systèmes auditifs et moteurs. Les recherches indiquent que les musiciens présentent des adaptations anatomiques directement liées à leur formation. Certaines recherches en neuroimagerie ont révélé que les musiciens affichent une activité réduite dans les régions motrices par rapport aux non-musiciens lors de tâches motrices simples, ce qui pourrait indiquer un modèle de recrutement neuronal plus efficace. En outre, d'autres études suggèrent qu'une formation musicale précoce peut influencer positivement la lecture de mots en favorisant la spécialisation d'une « zone visuelle de note » supplémentaire du côté droit pour traiter les informations visuelles spatialement pertinentes (c'est-à-dire le pentagramme, les barres, etc.). Cet effet neuroplastique pourrait contribuer à la prévention de la dyslexie de surface. L'apprentissage musical nécessite également le développement de nouvelles associations audio-visuomotrices, qui permettent de détecter les divergences entre les sons et les gestes musicaux correspondants, facilitant ainsi la maîtrise instrumentale.

Imagerie moteur

Des recherches antérieures en neuroimagerie indiquent systématiquement une activation de l'aire motrice supplémentaire (SMA), des aires prémotrices et des cortex auditifs lorsque des non-musiciens simulent mentalement l'audition d'extraits musicaux. De même, le recrutement des zones SMA et prémotrices est observé lorsque les musiciens s'engagent dans une performance imaginée.

Psychoacoustique

La psychoacoustique constitue l'investigation scientifique de la perception sonore. Plus précisément, il s'agit d'une discipline scientifique dédiée à l'examen des réponses psychologiques et physiologiques provoquées par le son, englobant à la fois la parole et la musique. Les principaux domaines de recherche comprennent la perception de la hauteur, du timbre, de l'intensité sonore et de la durée des sons musicaux, ainsi que les implications de ces études pour la cognition musicale ou l'organisation perçue de la musique. De plus, il explore les illusions auditives et les mécanismes par lesquels les humains localisent le son, ce qui revêt une importance pour la composition musicale et la conception architecturale des salles de spectacle. La psychoacoustique est classée comme un sous-domaine de la psychophysique.

Musicologie cognitive

La musicologie cognitive est une sous-discipline des sciences cognitives axée sur la modélisation informatique des connaissances musicales, avec le double objectif de faire progresser la compréhension de la musique et des processus cognitifs.

La musicologie cognitive se distingue de la cognition musicale et des neurosciences cognitives de la musique par son orientation méthodologique distincte. Ce domaine utilise la modélisation informatique pour étudier la représentation des connaissances liées à la musique, en s'appuyant sur l'intelligence artificielle et les sciences cognitives. Les modèles informatiques offrent une plate-forme précise et interactive pour développer et valider des cadres théoriques.

Ce domaine interdisciplinaire explore des sujets tels que les parallèles neuronaux entre le langage et la musique. La recherche intègre fréquemment des modèles informatiques d’inspiration biologique, notamment des réseaux neuronaux et des algorithmes évolutionnaires. L'objectif principal est de modéliser les processus par lesquels les connaissances musicales sont représentées, stockées, perçues, interprétées et générées. Un environnement informatique structuré facilite l'investigation systématique de ces phénomènes cognitifs complexes.

Musicologie évolutive

La musicologie évolutionniste aborde la genèse de la musique, le phénomène du chant animal, les pressions sélectives qui déterminent l'évolution musicale et la co-évolution de la musique et de l'humanité. Son objectif est de comprendre la perception et l’engagement musical dans un cadre évolutif. Charles Darwin a postulé que la musique aurait pu conférer un avantage adaptatif, servant de protolangage, une hypothèse qui a par la suite généré plusieurs théories concurrentes concernant l'évolution de la musique. À l’inverse, une perspective alternative considère la musique comme un sous-produit de l’évolution linguistique, la caractérisant comme une forme de « cheesecake auditif » qui procure un plaisir sensoriel sans servir d’objectif adaptatif. Ce dernier point de vue a été directement contesté par de nombreux chercheurs en recherche musicale.

Variations culturelles

L'origine culturelle ou ethnique d'un individu influence de manière significative sa cognition musicale, englobant ses préférences, ses réponses émotionnelles et sa mémoire musicale. Dès l’enfance, les préférences musicales présentent un penchant vers les traditions culturellement familières. De plus, la catégorisation par les adultes du contenu émotionnel d'une pièce musicale repose sur des caractéristiques structurelles à la fois culturelles spécifiques et universelles. De plus, les individus démontrent des capacités de mémoire musicale supérieures pour la musique culturellement familière par rapport à la musique inconnue.

Domaines de recherche appliquée

Certains domaines de recherche en psychologie de la musique se concentrent sur l'application pratique de la musique dans la vie quotidienne, ainsi que sur les pratiques et les expériences des musiciens amateurs et professionnels. Chaque sujet spécifique peut intégrer des connaissances et des méthodologies provenant d'un ou plusieurs des domaines précédemment décrits. Ces domaines englobent :

Le rôle sociétal de la musique

Comprenant :

• Consommation de musique courante
• rituels musicaux et assemblées communautaires (par exemple, cérémonies religieuses, événements festifs, événements sportifs, rassemblements politiques)
• la fonction de la musique dans la formation des identités individuelles et collectives
• l'interrelation entre la musique et la danse
• facteurs sociétaux influençant les préférences musicales (par exemple, groupes de pairs, famille, avis d'experts, milieu socio-économique)

Préférence musicale

Des recherches ont étudié les choix musicaux des consommateurs en relation avec les cinq grands traits de personnalité : ouverture à l'expérience, agrément, extraversion, névrosisme et conscience. Généralement, les traits de plasticité (ouverture à l'expérience et extraversion) exercent une plus grande influence sur les préférences musicales que les traits de stabilité (agréabilité, névrosisme et conscience). Il a également été démontré que le sexe affecte les préférences, les hommes choisissant généralement la musique pour des motivations principalement cognitives et les femmes pour des motivations émotionnelles. De plus, des corrélations entre les préférences musicales, l'humeur et les associations nostalgiques ont été identifiées.

Musique de fond

La recherche sur la musique de fond étudie principalement son influence sur les activités non musicales, englobant les modifications comportementales observées dans divers genres, environnements ou styles musicaux. Dans des environnements de laboratoire contrôlés, il a été démontré que la musique exerce des effets à la fois bénéfiques et néfastes sur l'exécution de tâches cognitives, notamment sur des aspects tels que la mémoire, l'attention et la compréhension. Largement utilisée comme outil publicitaire, la musique peut également influencer les stratégies marketing, la compréhension des publicités et les décisions d’achat des consommateurs. De plus, la musique de fond a la capacité d’avoir un impact sur les processus d’apprentissage, la mémoire de travail, les capacités de rappel, les performances aux tests et la concentration attentionnelle lors des tâches de surveillance cognitive. Il sert également à soulager l’ennui, à favoriser des états émotionnels positifs et à établir un sentiment d’espace personnel. Présentant diverses mélodies et tonalités, il a été observé que la musique de fond calme les états mentaux agités. Les preuves suggèrent que des genres musicaux distincts peuvent moduler de manière différentielle l’humeur psychologique et les réponses physiologiques liées aux émotions induites. Par exemple, l'exposition à de la musique atonale peut entraîner une diminution de la fréquence cardiaque (peur d'une bradycardie) et une élévation de la pression artérielle diastolique et systolique, indiquant potentiellement une vigilance accrue, une attention accrue, une tension psychologique et une anxiété.

Le rôle de la musique dans le marketing

Dans la publicité à la radio comme à la télévision, la musique joue un rôle crucial pour améliorer la mémorisation du contenu, influencer les intentions d'achat et façonner les attitudes à l'égard de la publicité et de la marque. L'impact de la musique sur le marketing a été étudié dans divers contextes, notamment les publicités à la radio, les publicités télévisées et les environnements physiques de vente au détail.

Un élément essentiel de la musique dans la publicité est « l'adéquation musicale », qui fait référence à la congruence entre les signaux de la publicité et le contenu musical. Cette congruence ou incongruité peut se manifester à la fois dans la musique lyrique et instrumentale des publicités. Le timbre, le tempo, les paroles, le genre, l'ambiance et toute association positive ou négative évoquée par la musique doivent aligner sur les caractéristiques de la publicité et du produit.

Musique et productivité sur le lieu de travail

De nombreuses études reconnaissent qu'écouter de la musique pendant le travail a un impact sur la productivité des individus engagés dans des tâches cognitives complexes. Alors qu'une enquête a indiqué qu'écouter des genres musicaux préférés pourrait améliorer la productivité sur le lieu de travail, d'autres recherches suggèrent que la musique peut être une distraction, en particulier avec des facteurs tels que le volume et le contenu des paroles. D'autres facteurs supposés influencer la corrélation entre l'écoute de musique et la productivité comprennent la structure musicale, la complexité de la tâche et le degré de contrôle qu'un individu exerce sur la sélection et l'utilisation de la musique.

Éducation musicale

Les domaines clés incluent :

• Optimisation de l'éducation musicale.
• Le développement des comportements et des capacités musicales tout au long de la vie.
• Compétences et processus spécifiques inhérents à l'apprentissage d'un instrument de musique ou d'une performance vocale.
• Activités et pratiques pédagogiques au sein des institutions musicales.
• Une analyse comparative de l'enseignement individuel et collectif des instruments de musique.
• L'impact de l'éducation musicale sur l'intelligence cognitive.
• Stratégies pour optimiser la pratique musicale.

Aptitude musicale

L'aptitude musicale désigne la capacité inhérente d'un individu à acquérir les compétences et les connaissances nécessaires à l'engagement musical, influençant potentiellement à la fois le rythme de l'apprentissage et le niveau ultime de réussite. La recherche dans ce domaine examine si l'aptitude comprend des sous-ensembles distincts ou constitue une construction singulière, sa mesurabilité avant une réalisation substantielle, son pouvoir prédictif pour les réalisations futures, le degré de son héritabilité et ses implications plus larges pour les méthodologies éducatives.

Ce concept est étroitement lié à l'intelligence et au QI, avec des travaux fondamentaux lancés par Carl Seashore. Bien que les premières évaluations d'aptitude, telles que The Measurement of Musical Talent de Seashore, visaient à quantifier la capacité musicale innée via des tests de discrimination impliquant la hauteur, l'intervalle, le rythme, la consonance et la mémoire, des recherches ultérieures ont révélé que ces méthodes possédaient une validité prédictive limitée et étaient significativement affectées par l'humeur, la motivation, la confiance, la fatigue et l'ennui du candidat pendant l'administration.

Performance musicale

Les aspects clés incluent :

• Les aspects physiologiques de la performance.
• Lecture musicale et lecture à vue, englobant spécifiquement les schémas de mouvements oculaires.
• Performance issue de la mémoire et processus cognitifs de la mémoire liée à la musique.
• Les actes d'improvisation et de composition musicale.
• Le phénomène des expériences de flux dans des contextes musicaux.
• Les dimensions interpersonnelles et sociales inhérentes à la performance de groupe.
• Évaluation de la qualité des performances musicales par le public ou les évaluateurs, par exemple lors d'auditions ou de concours, englobant à la fois des déterminants musicaux et non musicaux.
• Ingénierie audio.

Musique et santé.

Bénéfices pour la santé.

La recherche indique que la vocalisation peut conférer des effets bénéfiques sur le bien-être humain. Une enquête préliminaire, utilisant les données autodéclarées d'une enquête auprès de chanteurs de chorale, a identifié des avantages perçus tels qu'une capacité pulmonaire améliorée, une élévation de l'humeur, une atténuation du stress et des gains sociaux et spirituels notables. À l’inverse, une étude antérieure examinant la capacité pulmonaire chez des individus avec ou sans formation vocale professionnelle n’a pas étayé les affirmations d’une augmentation du volume pulmonaire. De plus, le chant pourrait exercer une influence bénéfique sur le système immunitaire en atténuant les niveaux de stress. Les preuves empiriques d'une étude ont démontré que le chant actif et l'écoute passive de la musique chorale contribuent à une réduction des hormones de stress et à une amélioration de la fonction immunitaire.

En 2009, une initiative collaborative multinationale, appelée Advancing Interdgraduate Research in Singing (AIRS), a été fondée pour étudier le lien entre la performance vocale et la santé. La participation au chant confère des avantages physiques, cognitifs et émotionnels. Les interprètes rapportent souvent que le fait de monter sur scène facilite le désengagement de leurs préoccupations personnelles, permettant une immersion complète dans la pièce musicale. Par conséquent, le chant est de plus en plus reconnu comme une stratégie visant à améliorer la santé et le bien-être individuels en général, contribuant potentiellement à une gestion plus efficace de maladies comme le cancer grâce à des mécanismes tels que la réduction du stress, la libération d'endorphines et l'amélioration de la fonction pulmonaire.

Effets neurologiques.

Des chercheurs, dont John Daniel Scott, ont avancé que « les gens qui chantent sont plus susceptibles d'être heureux ». Ce phénomène est attribué à la capacité du chant à « élever les niveaux de neurotransmetteurs associés au plaisir et au bien-être ». La longue préhistoire de la musique humaine, en particulier de la vocalisation, suggère son rôle potentiel en tant que mécanisme précoce de cohésion sociale. Savage et coll. (2020) indiquent que les chansons, en raison de leur variabilité inhérente, ont servi à établir des liens socioculturels entre les individus. La connaissance partagée d’une chanson particulière pourrait signifier un lien générationnel (7), étant donné la mémorisation accrue des compositions musicales. Savage et coll. d'autres preuves suggèrent que la musique ou le chant pourraient avoir émergé au cours de l'évolution humaine avant le développement du langage. De plus, Levitin, dans son ouvrage This is Your Brain on Music, soutient que « la musique pourrait être l'activité qui a préparé nos ancêtres préhumains à la communication vocale » et que « le chant... aurait pu aider notre espèce à affiner ses capacités motrices, ouvrant la voie au développement du contrôle musculaire extrêmement fin requis pour la parole vocale » (260). À l’inverse, Levitin fait référence à Pinker, qui « affirmait que le langage est une adaptation et que la musique en est l’écoinçon… un accident évolutif s’appuyant sur le langage » (248).

La recherche a systématiquement identifié les avantages mentaux et physiques associés au chant. Une étude longitudinale impliquant 21 membres d'une chorale, évalués à trois intervalles distincts sur une année, a révélé trois principales catégories d'avantages : l'impact social (par exemple, une connexion interpersonnelle améliorée), l'impact personnel (par exemple, des états émotionnels positifs, une meilleure perception de soi) et des résultats fonctionnels (par exemple, des avantages pour la santé découlant de la participation à une chorale). Ces résultats indiquent que le chant favorise un sentiment de bien-être en améliorant l'humeur des participants et en stimulant la libération d'endorphines dans le cerveau. De nombreux chanteurs ont également rapporté que le chant facilitait la régulation du stress et la relaxation, améliorant ainsi leur capacité à gérer les défis quotidiens. Sur le plan social, l'accueil positif du public et les interactions constructives avec les autres membres de la chorale contribuent également à ces avantages.

La vocalisation offre des avantages aux femmes enceintes. Dans une étude, les mères ont déclaré ressentir des sentiments d’amour et d’affection lorsqu’elles chantaient pour leurs enfants à naître, ce qui suggère un moyen unique de communication précoce. De plus, ces mères ont indiqué un niveau de relaxation sans précédent au cours de leurs grossesses souvent stressantes. De plus, les chansons peuvent évoquer des sentiments nostalgiques, plongeant momentanément les chanteurs dans des expériences passées et offrant une évasion thérapeutique des facteurs de stress et des défis quotidiens.

Effets physiologiques.

Une enquête récente menée par Tenovus Cancer Care a révélé que participer à une chorale pendant seulement une heure améliore les niveaux de protéines immunitaires chez les patients atteints de cancer et influence positivement leur santé globale. Cette recherche postule que le chant peut optimiser la préparation mentale et physique des patients aux traitements nécessaires en atténuant les hormones de stress et en élevant les niveaux de cytokines, qui sont des protéines du système immunitaire qui renforcent la capacité du corps à combattre les maladies. Selon un directeur musical et accompagnateur impliqué dans l'étude, « le chant procure des avantages physiques tels que le contrôle de la respiration, les mouvements musculaires et l'énonciation, ainsi que des avantages cognitifs liés au traitement de l'information ». Les avantages en termes d'énonciation et de parole sont également pertinents.

Comme le souligne un article de 2011 dans le Toronto Star, certains partisans plaident en faveur du chant universel, quel que soit le talent musical, en raison de ses nombreux avantages pour la santé. Le chant contribue à abaisser la tension artérielle en facilitant la libération des émotions réprimées, en favorisant la relaxation et en évoquant des souvenirs positifs. De plus, il améliore l’aisance respiratoire des chanteurs. Les personnes souffrant de maladies pulmonaires et de maladies pulmonaires chroniques signalent une atténuation de leurs symptômes en chantant aussi rarement que deux fois par semaine. Au-delà des maladies respiratoires, le chant offre des avantages substantiels aux survivants d’un AVC, en les aidant à réacquérir les compétences d’élocution et de communication en vocalisant leurs pensées. Puisque le chant engage l'hémisphère droit du cerveau lorsque l'hémisphère gauche (responsable de la parole) est altéré, il présente une alternative viable pour la communication pendant la période de récupération.

Avantages physiques

1. Améliore la fonction pulmonaire et renforce les muscles intercostaux et le diaphragme.
2. Améliore la qualité du sommeil.
3. Améliore la fonction cardiovasculaire en augmentant la capacité aérobie.
4. Soulage les tensions musculaires générales.
5. Améliore l'alignement postural.
6. Dégage les sinus et les voies respiratoires.
7. Peut réduire les ronflements grâce à une pratique constante.
8. Renforce le système immunitaire.
9. Aide les patients à gérer la douleur.
10. Contribue à améliorer l'équilibre physique chez les personnes atteintes de maladies telles que la maladie de Parkinson.

Bénéfices psychologiques

1. Diminue les niveaux de cortisol et le stress.
2. Abaisse la tension artérielle.
3. Stimule la libération d'endorphines.
4. Améliore l'humeur grâce à la libération de dopamine et de sérotonine.
5. Atténue l'anxiété associée aux défis imminents.

Concepts associés

Il s'agit notamment :

• L'efficacité de la musique dans les environnements de soins de santé et thérapeutiques.
• Troubles spécifiques à la musique.
• La santé physique et mentale et le bien-être général des musiciens.
• Anxiété liée à la performance musicale (AMP), également connue sous le nom de trac.
• La motivation, l'épuisement professionnel et la dépression sont répandus parmi les musiciens.
• Perte auditive due au bruit affectant les musiciens.
• Insomnie liée à l'endormissement et à son maintien.

Musicologie cognitive

• Musicologie cognitive
• Neurosciences cognitives de la musique
• Science des performances
• Psychoacoustique
• Psychanalyse et musique
• Musique et émotion
• Troubles spécifiques à la musique
• Musicothérapie

Références

Entrées de l'encyclopédie

Entrées de l'encyclopédie

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  • Médias liés à la psychologie musicale sur Wikimedia Commons