Jeff Koons

Jeffrey Lynn Koons (; nascido em 21 de janeiro de 1955) é um artista americano conhecido por seu envolvimento com a cultura popular e suas representações escultóricas de objetos cotidianos, notadamente animais de balão feitos de aço inoxidável com acabamento espelhado. Ele mantém residências e estúdios na cidade de Nova York e em sua cidade natal, York, Pensilvânia. As criações de Koons alcançaram preços significativos, estabelecendo pelo menos dois recordes de leilão para um artista vivo: US$ 58,4 milhões para Balloon Dog (Orange) em 2013 e US$ 91,1 milhões para Rabbit em 2019.

Jeffrey Lynn Koons (; nascido em 21 de janeiro de 1955) é um artista americano reconhecido por seu trabalho relacionado à cultura popular e por suas esculturas representando objetos do cotidiano, incluindo animais-balões produzidos em aço inoxidável com superfícies com acabamento espelhado. Ele vive e trabalha na cidade de Nova York e em sua cidade natal, York, Pensilvânia. Suas obras foram vendidas por quantias substanciais, incluindo pelo menos dois preços recordes de leilão para uma obra de um artista vivo: US$ 58,4 milhões para Balloon Dog (Orange) em 2013 e US$ 91,1 milhões para Rabbit em 2019.

A recepção crítica da obra de Koons é fortemente polarizada. Enquanto alguns estudiosos e críticos elogiam suas contribuições como pioneiras e possuidoras de significativa relevância histórico-artística, outros descartam suas criações como kitsch, vulgares e movidas por uma autopromoção cínica. O próprio Koons afirma que suas obras não contêm significados ocultos ou comentários críticos.

Primeira vida

Nascido em York, Pensilvânia, Koons é filho de Henry Koons, comerciante de móveis e decorador de interiores, e de Gloria J. Koons, costureira. Aos nove anos, o pai de Koons exibia cópias de pinturas de antigos mestres, assinadas por Koons, na vitrine de sua loja para atrair clientes. Durante sua infância, Koons vendeu de porta em porta papel de embrulho e doces para ganhar dinheiro para gastar. Quando adolescente, sua profunda admiração por Salvador Dalí o levou ao Regis Hotel na cidade de Nova York. Koons prosseguiu estudos de pintura no Maryland Institute College of Art em Baltimore antes de se matricular na School of the Art Institute of Chicago, onde foi matriculado de 1975 a 1976. Durante seu mandato no Art Institute, Koons conheceu o artista Ed Paschke, que influenciou significativamente seu desenvolvimento artístico e para quem Koons serviu como assistente de estúdio no final década de 1970. Ele residiu inicialmente em Lakeview, mudando-se posteriormente para o bairro de Pilsen, especificamente perto da Halsted Street e 19th Street.

Após seus estudos universitários, Koons mudou-se para Nova York em 1977, onde conseguiu emprego no balcão de membros do Museu de Arte Moderna, ao mesmo tempo que cultivava sua carreira artística. Nesse período, adotou uma aparência diferenciada, tingindo os cabelos de vermelho e frequentemente ostentando bigode fino, imitando Salvador Dalí. Em 1980, Koons obteve licenças para negociar fundos mútuos e ações, iniciando uma carreira como corretor de commodities em Wall Street na First Investors Corporation. Depois de passar um verão em Sarasota, Flórida, com seus pais, durante o qual trabalhou brevemente como colportor político, Koons retornou a Nova York e se restabeleceu como corretor de commodities, inicialmente na Clayton Brokerage Company e posteriormente na Smith Barney.

Trabalho

Ao se formar no Art Institute of Chicago em 1976, Koons mudou-se para Nova York. Nesse novo ambiente, ele passou da representação de fantasias pessoais para a investigação de arte objetiva, comércio e temas políticos. Alcançou destaque em meados da década de 1980 como uma figura chave entre os artistas que examinavam a essência da arte num período cada vez mais saturado de meios de comunicação, nomeadamente através da sua série 'Pre-new The New'. Esse reconhecimento levou ao estabelecimento de um estúdio semelhante a uma fábrica em um loft do SoHo, no cruzamento da Houston Street com a Broadway, em Nova York. Este estúdio empregou mais de 30 assistentes, cada um dedicado a aspectos específicos de sua produção, espelhando o modelo operacional da Fábrica de Andy Warhol. A produção artística de Koons depende de um processo denominado fabricação de arte. Antes de 2019, Koons operava um estúdio de 1.500 m2 (16.000 pés quadrados) perto dos antigos pátios ferroviários de Hudson, em Chelsea, empregando entre 90 e 120 assistentes para suas produções. Mais recentemente, Koons reduziu sua equipe, adotou métodos de produção mais automatizados e mudou-se para um estúdio significativamente menor. Ele agora aproveita a tecnologia para gerar referências artísticas em computadores, refinando-as através da correção de cores até alcançar os melhores resultados. Para manter a uniformidade, Koons instituiu um sistema de cores por números, permitindo que seus assistentes executassem telas e esculturas com uma estética consistente, como se fossem feitas “por uma única mão”. Ao longo de sua carreira, Koons explorou consistentemente temas como consumismo, fascínio, banalidade e infância.

Primeiros trabalhos e Infláveis

Jeff Koons iniciou sua experimentação com a incorporação de objetos prontos e novas metodologias de exibição em seu apartamento em 1976. Movido pelo interesse tanto em mercadorias opulentas quanto em seus equivalentes mais acessíveis, Koons acumulou uma coleção de itens como brinquedos, acabamentos metálicos, pele de leopardo e porcelana. De 1977 a 1979, Koons criou quatro obras distintas, posteriormente designadas por ele como 'Primeiras Obras'. Em 1978, iniciou a série Infláveis, que incluía flores infláveis ​​e um coelho de diversas dimensões e tonalidades, dispostos em conjunto com espelhos. Koons inspirou-se no foco de Robert Smithson na apresentação, vinculando sua prática artística às técnicas de exibição observadas na loja de móveis de seu pai. Documentou sistematicamente as suas criações através da fotografia, utilizando este meio para investigar diversas metodologias de instalação.

As séries Pré-Nova, A Nova e Equilibrium

A partir de 1979, Koons desenvolveu consistentemente sua produção artística em séries distintas. Seus esforços artísticos iniciais manifestaram-se como esculturas conceituais, exemplificadas por The Pre-New, uma coleção de objetos domésticos afixados em luminárias, gerando assim configurações novas e não convencionais. Outro exemplo é The New, uma série de aspiradores de pó, frequentemente escolhidos para marcas, como o icônico Hoover, que ressoou no artista, e posteriormente envoltos em caixas de Perspex iluminadas. Koons inicialmente apresentou esses trabalhos na vitrine do New Museum em Nova York durante 1980. Ele selecionou meticulosamente uma variedade restrita de aspiradores de pó e os organizou dentro de gabinetes, contrastando deliberadamente a forma vertical dos modelos verticais com o design compacto e cilíndrico dos limpadores "Shelton Wet/Dry drum". No ambiente do museu, essas máquinas foram exibidas como se fossem um showroom, centralizadas em torno de uma caixa de luz fluorescente vermelha com apenas a inscrição "O Novo", evocando o anúncio de um novo conceito ou marca de marketing. Essas obras foram posteriormente apresentadas em uma importante exposição individual, Jeff Koons: The New Encased Works, na Galeria Daniel Weinberg em 1987.

Uma outra ilustração da obra inicial de Koons é The Equilibrium Series (1983), que compreende uma a três bolas de basquete suspensas em água destilada, um projeto para o qual o artista procurou a ajuda do físico vencedor do Prêmio Nobel Richard Feynman. Os Tanques Total Equilibrium são totalmente preenchidos com água destilada e uma quantidade mínima de sal comum, facilitando a suspensão das bolas ocas precisamente no centro do líquido. Por outro lado, em uma variante conhecida como Tanques 50/50, apenas metade do tanque contém água destilada, fazendo com que as bolas flutuem parcialmente submersas e parcialmente expostas. Além disso, Koons conceituou e produziu cinco peças distintas para a série Encased (1983–1993/98), que são esculturas compostas por bolas esportivas empilhadas (especificamente, quatro fileiras de seis bolas de basquete cada e uma fileira de seis bolas de futebol) apresentadas com sua embalagem original de papelão dentro de uma vitrine de vidro. A série Equilibrium também incorpora pôsteres retratando luminares do basquete em anúncios da Nike, ao lado de dez objetos de bronze emblemáticos de equipamentos salva-vidas.

Série Estatuária

Em 1986, Jeff Koons inaugurou a série Statuary, que incluía dez obras que reinterpretavam sua série anterior de infláveis da década de 1970. Esta série procurou demonstrar como a arte frequentemente reflete a autopercepção e as transições para a expressão decorativa, oferecendo uma perspectiva social abrangente. As esculturas inspiraram-se em personagens históricos como Luís XIV e Bob Hope, além de diversos temas e precedentes da história da arte. Com Statuary, Koons reorientou a sua investigação artística para as noções de gosto estético e função social da arte. Ele integrou certos objetos readymade, notadamente o coelho inflável, e os transmutou em esculturas de aço inoxidável meticulosamente polidas. Este processo culminou na criação de uma de suas obras mais emblemáticas, Rabbit (1986).

Existem três iterações idênticas de Rabbit. Uma versão, que anteriormente fazia parte da coleção particular do colecionador de arte Stefan Edlis, está agora guardada como doação no Museu de Arte Contemporânea de Chicago, enquanto outra está localizada no The Broad Museum, em Los Angeles. Em 15 de maio de 2019, a venda de "Rabbit" estabeleceu um novo recorde para a obra de arte mais cara vendida por um artista vivo. A terceira versão da escultura foi adquirida na casa de leilões Christie's por US$ 80 milhões. Incluindo os honorários do leiloeiro, o preço final de venda de “Coelho” totalizou US$ 91.075.000.

O Coelho posteriormente voltou à sua forma original e macia, significativamente ampliada para mais de 15 metros de altura, e foi exibido no alto. Em 15 de outubro de 2009, o monumental coelho metálico monocromático, anteriormente apresentado na Parada do Dia de Ação de Graças da Macy's de 2007, foi exibido no Eaton Centre em Toronto como parte de Nuit Blanche. Outras obras desta série integram itens descobertos por Koons em lojas de souvenirs com iconografia barroca, explorando assim a demarcação entre formas de arte populares e de elite.

Série Luxo e Degradação e Kiepenkerl

A série Luxury and Degradation, exibida pela primeira vez em 1986 nas mostras homônimas de Koons na efêmera International With Monument Gallery em Nova York e na Daniel Weinberg Gallery em Los Angeles, compreende uma coleção de obras tematicamente centradas no álcool. Este conjunto apresentava um armário de coquetéis de viagem em aço inoxidável, uma garrafa de cristal Baccarat e outras representações artesanais de parafernália relacionada ao álcool. Além disso, incluía reproduções emolduradas de anúncios de bebidas como Gordon's Gin ("I Could Go for Something Gordon's"), Hennessy ("Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law"), Bacardi ("Aquí... el gran sabor del ron Bacardi"), Dewars ("The Empire State of Scotch"), Martell ("I Assume You Drink Martell") e Frangelico ("Stay in Tonight" e "Find a Quiet Table"), renderizados em tela com cores intensificadas e sedutoras. Koons se apropriou dessas imagens comerciais, recontextualizando-as como obras de arte para imbuí-las de um novo valor. Essas peças "apresentam uma crítica à publicidade tradicional que apóia a visão censuradora de Baudrillard sobre a obscena promiscuidade dos sinais de consumo". Outra obra significativa, Jim Beam – J.B. Turner Engine (1986), deriva de uma garrafa colecionável comemorativa de Jim Beam em forma de locomotiva; Koons reinterpretou este modelo fundindo-o em aço inoxidável brilhante. O modelo de trem fundido em aço, intitulado Jim Beam – Baggage Car (1986), contém principalmente bourbon Jim Beam. Através da série Luxury and Degradation, Koons se envolveu com as dimensões sociais, criando uma estética artificial e brilhante que simbolizava uma forma de luxo proletário. Isto foi interpretado como uma sedução simulada, dada a sua natureza de luxo substituto. O próprio Koons observou que produzir esse engano lhe conferiu um certo papel de liderança.

O aço inoxidável, o mesmo material, foi empregado na escultura de Kiepenkerl. Após sua reconstrução na década de 1950, Jeff Koons criou sua representação da figura do comerciante itinerante em 1987 para a exposição decenal Skulptur Projekte. Situada numa praça central de Münster, a escultura manteve uma ressonância cultural significativa como um emblema nostálgico de épocas passadas. Durante sua fabricação, a fundição tentou prematuramente remover a casca cerâmica, fazendo com que a peça dobrasse e se deformasse. Posteriormente, Koons contratou um especialista para realizar uma "cirurgia plástica radical" na obra de arte. Esta experiência revelou-se libertadora para ele, pois afirmou: “Agora estava livre para trabalhar com objetos que não necessariamente pré-existiam.

Série Banalidade

Posteriormente, Koons iniciou a série Banality. Para esta empreitada, colaborou com oficinas na Alemanha e Itália conhecidas pelas suas extensas tradições em cerâmica, porcelana e artesanato em madeira. A série atingiu seu apogeu em 1988 com Michael Jackson e Bubbles, composta por três estátuas de porcelana em tamanho real, folheadas a ouro, retratando o cantor sentado abraçando seu chimpanzé de estimação, Bubbles. Três anos depois, uma dessas esculturas foi arrematada por US$ 5,6 milhões na Sotheby's de Nova York. Atualmente, duas dessas esculturas estão expostas no Museu de Arte Moderna de São Francisco e no Broad Contemporary Art Museum (BCAM), no centro de Los Angeles. A estátua foi apresentada em uma retrospectiva de 2004 no Museu de Arte Moderna Astrup Fearnley, em Oslo, e posteriormente viajou um ano depois para o Museu de Arte da Cidade de Helsinque. Também foi incluída em sua segunda retrospectiva no Museu de Arte Contemporânea de Chicago, em 2008. A escultura continua fazendo parte da coleção do Museu de Arte Moderna Astrup Fearnley em Tjuvholmen, em Oslo. A obra de Koons Cristo e o Cordeiro (1988) foi interpretada tanto como um reconhecimento quanto como uma crítica da influência espiritual e meditativa inerente à arte rococó.

Koons desenvolveu a série Art Magazine Ads (1988–1989) em antecipação a uma recepção crítica potencialmente desfavorável para sua exposição da série Banality de 1988. Esta exposição apresentou novos objetos produzidos em edições de três, permitindo apresentações simultâneas e idênticas em galerias de Nova York, Colônia e Chicago. Os anúncios, publicados em publicações de arte proeminentes como Artforum, Art in America, Flash Art e ARTnews, funcionaram como material promocional para suas exposições em galerias. Além disso, Koons produziu a Signature Plate, uma edição limitada para a revista Parkett, que incluía um prato de porcelana com borda folheada a ouro adornada com um decalque fotográfico colorido. O jornalista artístico Arifa Akbar, escrevendo para o The Independent, observou que durante um período em que os artistas não eram normalmente considerados "estrelas", Koons cultivou meticulosamente a sua imagem pública contratando um consultor de imagem. Através de fotografias de Matt Chedgey, Koons colocou estrategicamente "anúncios em revistas de arte internacionais sobre si mesmo cercado pelas armadilhas do sucesso" e conduziu entrevistas onde "se referia a si mesmo na terceira pessoa".

Série Made in Heaven

Em 1989, o Whitney Museum, em colaboração com o curador convidado Marvin Heiferman, contratou Koons para criar uma obra de arte focada na mídia para um outdoor, destinado à exposição "Image World: Art and Media Culture". Este outdoor serviu como peça promocional para um filme hipotético intitulado Made in Heaven. Koons contratou sua então esposa, Ilona Staller, profissionalmente conhecida como "Cicciolina", como modelo para a sessão de fotos que sustentou a arte subsequente de Whitney, Made in Heaven (1990–1991). Esta controversa série, composta por fotografias granuladas em grande escala sobre telas, obras de vidro e esculturas, retratava Koons e Staller em poses abertamente sexuais, apresentando obras com títulos provocativos como Dirty Ejaculation e Ilonaʼs Asshole.

A série estreou na Bienal de Veneza de 1990. Alegadamente, Koons destruiu uma parte significativa da obra de arte depois que Staller se mudou para a Itália com seu filho, Ludwig. Para comemorar o 20º aniversário do Made in Heaven', Luxembourg & Dayan exibiu uma edição redux da série. Além disso, o Whitney Museum incluiu várias fotografias em tela em sua retrospectiva de 2014.

Filhote de cachorro

Embora não tenha sido selecionado entre os 44 artistas americanos para a Documenta 9 em 1992, Koons recebeu uma comissão de três negociantes de arte para criar uma obra de arte para o Castelo de Arolsen em Bad Arolsen, Alemanha. Esta encomenda resultou em Puppy, uma escultura topiária de 13 metros de altura que representa um cachorrinho West Highland White Terrier. A escultura foi construída a partir de várias flores, incluindo malmequeres, begônias, impatiens, petúnias e lobélias, montadas em uma subestrutura transparente de aço inoxidável cromado com revestimento colorido. As flores foram projetadas para serem autolimpantes e crescerem durante todo o período de exposição. A escala e a localização do Puppy – dentro do pátio de um palácio barroco – pretendiam envolver um público amplo. Após a polêmica em torno de sua série Made in Heaven, Koons pretendia criar "uma imagem que comunicasse calor e amor às pessoas". Em 1995, um esforço colaborativo envolvendo o Museu de Arte Contemporânea, Kaldor Public Art Projects e o Festival de Sydney levou à realocação e reinstalação da escultura no Museu de Arte Contemporânea no Porto de Sydney. Esta nova iteração apresentava uma armadura de aço inoxidável mais durável, equipada com um sistema de irrigação interno. O Arolsen Puppy continha 20.000 plantas, enquanto a versão de Sydney incorporava aproximadamente 60.000.

Em 1997, a Fundação Solomon R. Guggenheim adquiriu a obra de arte, instalando-a posteriormente no terraço do Museu Guggenheim de Bilbao. Antes da inauguração do museu, três membros da Euskadi Ta Askatasuna (ETA), disfarçados de jardineiros, tentaram colocar vasos de flores carregados de explosivos perto da escultura. Esta conspiração foi frustrada pelo policial basco José María Aguirre, que foi posteriormente morto a tiros por agentes do ETA. A praça onde está situada a estátua agora leva o nome em homenagem a Aguirre. Durante o verão de 2000, a escultura foi exibida temporariamente no Rockefeller Center, na cidade de Nova York.

O magnata da mídia Peter Brant e sua esposa, a modelo Stephanie Seymour, contrataram Koons para produzir uma réplica da escultura de Bilbao de 1993, Puppy, para sua propriedade em Connecticut, o Brant Foundation Art Study Center. Em 1998, uma iteração reduzida de Puppy foi lançada como um vaso de porcelana branca esmaltada, limitada a uma edição de 3.000 exemplares.

Série Celebração

Sua criação subsequente, Tulipas (1995–2004), produzida em uma edição de cinco versões, apresenta um buquê colossal de flores em balão multicoloridas, ultrapassando 2 metros (6,6 pés) de altura e 5 metros (16 pés) de largura. Koons começou a trabalhar em Balloon Flower em 1995.

Koons se esforçou para completar a série para uma exposição programada para 1996 no Museu Solomon R. Guggenheim em Nova York; no entanto, a exposição acabou sendo cancelada devido a atrasos na produção e estouros orçamentários. Após o esgotamento do financiamento de "Celebration", a equipe de duas pessoas foi demitida: Gary McCraw, gerente do estúdio de Koons desde 1990, e Justine Wheeler, uma artista sul-africana que ingressou em 1995 e posteriormente administrou a produção de esculturas. Para garantir o financiamento contínuo, Koons convenceu seus principais colecionadores - Dakis Joannou, Peter Brant e Eli Broad - junto com os revendedores Jeffrey Deitch, Anthony d'Offay e Max Hetzler, a investir substancialmente na cara fabricação da série Celebration. Esta produção ocorreu inicialmente na Carlson & Company no sul da Califórnia, abrangendo suas séries Balloon Dog e Moon, e mais tarde na Arnold, uma empresa com sede em Frankfurt. Os negociantes financiaram parcialmente o empreendimento pré-vendendo obras a colecionadores antes de sua conclusão.

Em 2006, Koons revelou o Hanging Heart, uma escultura de aço altamente polido de quase dois metros de altura. Esta peça é um dos cinco exemplos de cores distintas de sua série Celebration. Esculturas significativas desta série foram posteriormente exibidas no Metropolitan Museum of Art de Nova York durante 2008. Adições subsequentes à série incluem Balloon Swan (2004–2011), uma forma de ave de aço inoxidável de 11,5 pés (3,5 metros), Balloon Rabbit (2005–2010) e Balloon Monkey. Essas obras reinventam lembrancinhas infantis comuns como esculturas monumentais cativantes.

Além de seus componentes escultóricos, a série também incorpora dezesseis pinturas a óleo.

Easyfun e Easyfun-Ethereal

Em 1999, o Deutsche Guggenheim contratou Koons para produzir as sete pinturas iniciais da nova série Easyfun, que também incluía esculturas montadas na parede. Em 2001, Koons começou a trabalhar na série de pinturas Easyfun-Ethereal, empregando uma metodologia de colagem que integrava imagens de biquínis, comida e paisagens, executadas por assistentes sob sua direção. Esta série acabou abrangendo vinte e quatro pinturas.

Split-Rocker

Em 2000, Koons concebeu Split-Rocker, sua segunda escultura floral, construída em aço inoxidável, solo, tecido geotêxtil e um sistema de irrigação integrado. Esta obra estreou no Palais des Papes em Avignon, França. Semelhante ao Puppy, é adornado com aproximadamente 27.000 flores vivas, como petúnias, begônias, impatiens, gerânios e malmequeres. Pesando 150 toneladas e excedendo 37 pés de altura, o Split-Rocker compreende duas metades distintas: uma derivada de um pônei de brinquedo de propriedade de um dos filhos de Koons, e a outra de um dinossauro de brinquedo. Esses componentes formam coletivamente a cabeça de uma enorme cadeira de balanço infantil. Koons criou duas edições desta escultura; a partir de 2014, ele mantém um, enquanto o outro é exibido em Glenstone, em Maryland. Em Glenstone, o Split-Rocker floresce de meados de maio a meados de outubro, necessitando de manutenção diária durante esse intervalo. No verão de 2014, o Split-Rocker foi instalado no Rockefeller Plaza, em Nova York, durante vários meses, coincidindo com a abertura da retrospectiva de Koons no Whitney Museum of American Art.

Série Popeye e Hulk Elvis

Pinturas e esculturas da série Popeye, que Koons iniciou em 2002, incorporam os personagens de desenhos animados Popeye e Olive Oyl. Um exemplo inclui uma réplica em aço inoxidável de uma estatueta de PVC do Popeye vendida em massa. Koons também reintroduz animais infláveis, integrando-os a escadas, latas de lixo e cercas. O processo de fabricação dessas esculturas envolve a aplicação de um revestimento nos brinquedos assim que a forma desejada for alcançada. Posteriormente, é criado um molde que é enviado para uma fundição para fundição em alumínio. Ao retornar ao ateliê, as esculturas passam por pintura para replicar o aspecto brilhante dos infláveis ​​iniciais. Para essas instalações surrealistas, particularmente o Acrobat, Koons inspirou-se no Chicago Imagist H.C. Westermann. A escultura do Popeye, adquirida pelo bilionário Steve Wynn por US$ 28 milhões, é exibida na parte externa da entrada do cassino do hotel e cassino Wynn's Encore Boston Harbor.

Hulk Elvis representa uma série de obras de Koons, produzidas de 2004 a 2014. Esta coleção abrange esculturas de bronze usinadas com precisão - derivadas de uma representação inflável do renomado personagem de quadrinhos e renderizadas em três dimensões - bem como pinturas a óleo em grande escala. A nomenclatura da série mescla o popular herói dos quadrinhos Hulk com o ícone pop Elvis. A imagem tripla da figura do Hulk evoca a serigrafia de Andy Warhol Triple Elvis (1963), tanto em termos de replicação quanto de postura da figura do Hulk.

Segundo o artista, a série Hulk Elvis, caracterizada pelas imagens poderosas e heróicas do Hulk, constitui "um corpo de trabalho com muito alto teor de testosterona". Além disso, Koons conceitua a série como "uma ponte entre o Oriente e o Ocidente", postulando um paralelo potencial entre o herói dos quadrinhos Hulk e os deuses guardiões asiáticos.

As obras tridimensionais Hulk (Friends) e Hulks (Bell) (ambas de 2004 a 2012) mostram Incríveis Hulks aparentemente infláveis, cada um pesando quase uma tonelada e fabricado em bronze e madeira. A escultura Hulk (Órgão) (2004–2014) incorpora um instrumento musical totalmente operacional, projetado para produzir sons profundos que complementam a estética formidável e masculina da figura.

As pinturas da série são obras compostas construídas a partir de múltiplas camadas do Photoshop. Essas imagens abrangem desde paisagens abstratas até componentes da iconografia americana, incluindo trens, cavalos e carruagens, e apresentam personagens como o Hulk ou um macaco inflável de plástico. As pinturas de paisagens frequentemente incorporam temas sexuais explícitos ou implícitos. Por exemplo, um desenho recorrente e rudimentar de uma vulva alude a L'Origine du monde (1866) de Courbet.

A série Hulk Elvis foi apresentada em várias instituições de arte internacionais, incluindo a Gagosian Gallery em Londres (2007), a Gagosian Gallery em Hong Kong, China (2014), e a Österreichische Galerie Belvedere em Viena, Áustria (2015).

A série Antiguidade

Em 2008, Jeff Koons iniciou a série Antiguidade, explorando temas relacionados à representação de eros, fertilidade e beleza feminina ao longo da história da arte. Cada composição das pinturas da Antiguidade (2009–2013) apresenta centralmente uma renomada escultura antiga ou clássica, meticulosamente representada em tinta a óleo e reproduzida na escala original das esculturas. Os cenários igualmente complexos apresentam frequentemente uma paisagem da Arcádia. Koons emprega tecnologias contemporâneas, como tomografia computadorizada e imagens digitais, para a fabricação de suas esculturas metálicas. Ele reinterpreta personagens históricos criando esculturas em forma de balão, exemplificadas pela Vênus Metálica, e incorporando figuras e personagens icônicos de histórias em quadrinhos.

Inspirando-se na antiga estátua de mármore romana, a Vênus Calipígia, Vênus Metálica (2010–2012) foi fabricada em aço inoxidável com alto cromo, apresentando um revestimento de cor transparente e plantas com flores vivas integradas.

Em Bailarinas (2010–2014), Koons apresenta estatuetas de dançarinas, adaptadas de criações decorativas de porcelana da artista ucraniana Oksana Zhnikrup, representadas na escala monumental característica da escultura clássica.

A série Gazing Ball

Para uma exposição de 2015 na Galeria Gagosian, Koons desenvolveu uma série com 35 obras-primas renomadas, como Déjeuner sur l'Herbe de Manet, Jangada da Medusa de Géricault e Auto-retrato usando um chapéu de Rembrandt. Estas obras foram meticulosamente repintadas em óleo sobre tela, com a adição de uma pequena prateleira pintada que parecia emergir diretamente da obra de arte. Cada peça incorpora uma bola de vidro azul, posicionada em uma prateleira de alumínio pintada afixada na frente da pintura, que reflete tanto o espectador quanto a própria obra de arte.

A série, intitulada Gazing Ball, deriva sua nomenclatura dos ornamentos esféricos reflexivos comumente observados nos gramados, jardins e pátios que cercam a residência de infância de Koons na Pensilvânia. Após a criação das pinturas Gazing Ball, Koons produziu uma coleção de esculturas brancas, abrangendo artefatos da era greco-romana e itens utilitários cotidianos predominantes em ambientes suburbanos e rurais contemporâneos, incluindo caixas de correio e bebedouros para pássaros.

Série Apollo

Em junho de 2022, Dakis Jouannou contratou Koons para desenvolver uma obra de arte para a Fundação DESTE para Arte Contemporânea, situada na ilha grega de Hydra. Posteriormente, Koons concebeu a série Apollo, que apresenta uma escultura chamada Apollo Wind Spinner (2020–2022), um cata-vento reflexivo de 9,1 metros (30 pés) de largura instalado acima do espaço de arte Slaughterhouse. As paredes internas do Matadouro foram reconfiguradas, utilizando antigos afrescos de Boscoreale, perto de Pompéia, como elemento fundamental. A exposição também apresenta novas criações adicionais, como um par de tênis Nike de bronze, Gazing Ball Tripod (2020–2022) e Solid Forms Wind Spinners de Platão (2020–2022).

Trabalhos recentes

Durante a temporada 2007-2008 na Ópera Estatal de Viena, Koons contribuiu para a série de exposições "Cortina de Segurança", conceituada pelo museu em andamento, projetando a monumental imagem de 176 metros quadrados intitulada Geisha. Koons também colaborou com a artista pop americana Lady Gaga em seu álbum de estúdio Artpop de 2013, criando notavelmente a arte da capa, que apresenta uma escultura que ele produziu da cantora. Em setembro de 2014, o periódico bianual de artes e cultura GARAGE Magazine revelou a arte digital inaugural de Koons na capa de sua edição impressa. Esta peça, designada Lady Bug, funciona como uma escultura de realidade aumentada, acessível exclusivamente através de dispositivos móveis através de uma aplicação dedicada da GARAGE Magazine, permitindo aos utilizadores examinar a obra de arte a partir de múltiplas perspectivas, como se estivesse fisicamente presente acima dela.

Em 2012, Koons adquiriu a Advanced Stone Technologies, uma subsidiária originária da divisão de pedras da organização sem fins lucrativos Johnson Atelier Technical Institute of Sculpture. Posteriormente, ele transferiu esta oficina de pedra avançada de Nova Jersey para uma ampla instalação de 60.000 pés quadrados (5.600 m2) situada perto de Morrisville, condado de Bucks, Pensilvânia. Esta instalação especializada é dedicada exclusivamente à fabricação de obras de arte baseadas em pedra de Koons.

Em 2013, Koons produziu a escultura Gazing Ball (Farnese Hercules), inspirando-se no clássico Hércules Farnese. Fabricada em gesso branco, esta escultura pode ser interpretada criticamente como uma perpetuação do colorismo nas percepções contemporâneas da antiguidade.

Outros projetos

Em 1999, Koons encomendou uma composição musical sobre si mesmo, que foi incluída no álbum Stars Forever de Momus.

Um gráfico semelhante aos Balões Tulipa de Koons foi exibido com destaque na página inicial do mecanismo de busca Google. Esta ilustração serviu como uma saudação a todos os visitantes da página principal do Google em 30 de abril e 1º de maio de 2008.

Em 2006, Koons participou de Artstar, uma série de televisão improvisada que narra a cena artística de Nova York. Ele também desempenhou um papel secundário no filme Milk de 2008, interpretando o deputado estadual Art Agnos.

Em setembro de 2012, o governador de Nova York, Andrew Cuomo, atribuiu a Koons a responsabilidade de auxiliar na revisão das propostas de projeto para uma nova ponte Tappan Zee.

Em 2019, Koons apresentou Bouquet of Tulips, um memorial de 11 metros de altura. escultura em Paris. Esta obra de arte, inspirada na Estátua da Liberdade, foi criada para homenagear as vítimas dos ataques de novembro de 2015.

Em fevereiro de 2024, um foguete da SpaceX lançou 125 esculturas lunares em miniatura de aço inoxidável feitas por Koons, do Centro Espacial Kennedy, na Flórida. Estas esculturas, nomeadas em homenagem a figuras históricas notáveis ​​como Leonardo da Vinci e Billie Holiday, foram parte integrante de uma iniciativa mais ampla envolvendo um módulo lunar desenvolvido pela Intuitive Machines. O módulo de pouso, que também transportou equipamento da NASA, chegou com sucesso à Lua em 22 de fevereiro. Koons articulou que este projeto, inspirado na visão do Presidente Kennedy para a exploração espacial, visava promover a inspiração social. Este empreendimento, que abrange planos para esculturas terrestres maiores e NFTs associados, foi concebido como a primeira obra de arte autorizada na Lua, salvaguardada pelos Acordos Artemis.

Atividades curatoriais

Koons assumiu o papel de curador de uma exposição de Ed Paschke na Gagosian Gallery em Nova York durante 2009. Posteriormente, em 2010, ele foi curador de uma exposição com obras da coleção particular do bilionário grego Dakis Joannou no New Museum em Nova York. Esta exposição, intitulada "Skin Fruit: Selections from the Dakis Joannou Collection", provocou uma discussão considerável sobre o potencial clientelismo dentro da comunidade artística, dada a extensa coleção de obras de Koons de Joannou e o projeto anterior de Koons do exterior para o iate de Joannou, Guilty.

Projeto BMW Art Car

Koons foi selecionado como o artista para projetar a décima sétima edição da distinta série "Art Cars" da BMW. Sua representação artística foi aplicada a um BMW M3 E92 com especificação de corrida, que foi apresentado publicamente no Centro Pompidou, em Paris, em 2 de junho de 2010. Posteriormente, com o apoio da BMW Motorsport, o veículo participou das 24 Horas de Le Mans de 2010, na França.

Colaborações

Em 1989, Koons colaborou com o colega artista Martin Kippenberger em uma edição da revista de arte Parkett. No ano seguinte, Koons desenhou um pôster de exposição especificamente para Kippenberger.

Em 2013, Koons se envolveu em um projeto colaborativo com a cantora, compositora e artista performática americana Lady Gaga para seu terceiro álbum de estúdio, ARTPOP. A capa do álbum apresenta uma escultura nua de Gaga, criada por Koons, posicionada atrás de uma escultura esférica azul, com elementos de outras obras de arte ao fundo, incluindo Birth of Venus de Sandro Botticelli. Esta pintura de Botticelli influenciou significativamente a estética de Gaga para a nova era, evidente em seu videoclipe de "Applause" e na apresentação da música no MTV Video Music Awards de 2013. A imagem da capa do álbum foi progressivamente revelada através de uma campanha de marketing social, exigindo que os fãs tweetassem a hashtag "#iHeartARTPOP" para desbloquear segmentos. A própria música "Applause" contém a referência lírica: "Um segundo sou um Koons, e de repente os Koons sou eu."

Design de moda

Em 2005, Koons colaborou com a estilista Stella McCartney para reinterpretar sua icônica escultura do Coelho como um pingente de colar de platina para sua marca homônima. Uma coleção de Stella McCartney de 2006 posteriormente incorporou estampas derivadas das pinturas "Lips", "Stream" e "Pink Bow" de Koons. Koons também fez parceria com Stella McCartney em designs gráficos de camisetas em 2005 e 2020.

Em abril de 2017, Koons iniciou uma colaboração com a casa de moda de luxo francesa Louis Vuitton para a "Coleção Masters", projetando uma linha de bolsas e mochilas. Esses itens apresentavam reproduções de suas obras-primas preferidas de Velhos Mestres, incluindo Leonardo da Vinci, Ticiano, Vincent van Gogh, Peter Paul Rubens e Jean-Honoré Fragonard. Mais tarde naquele ano, ele lançou uma série adicional de bolsas e acessórios apresentando reproduções de obras de Claude Monet, J. M. W. Turner, Édouard Manet, Paul Gauguin e François Boucher. O preço desses itens variava de US$ 585 para um chaveiro a US$ 4.000 para uma sacola grande. Além disso, Koons colaborou com o cantor Cupcakke em várias ocasiões em 2019.

Rótulos de vinho

Koons também realizou diversas encomendas relacionadas a vinhos finos. Em dezembro de 2012, o Chateau Mouton Rothschild anunciou Koons como o artista responsável por seu rótulo vintage de 2010, dando continuidade a uma tradição iniciada em 1946. Outros artistas ilustres que criaram rótulos para a vinícola incluem Pablo Picasso, Francis Bacon, Salvador Dalí e Joan Miró. Em agosto de 2013, Dom Pérignon lançou a sua colheita de 2004, apresentando uma edição especial desenhada por Koons, juntamente com uma caixa personalizada conhecida como 'Balloon Venus', que tinha um preço de venda recomendado de 15.000 euros.

Filantropia

De 15 de fevereiro a 6 de março de 2008, Koons contribuiu com uma visita privada ao estúdio da Hereditary Disease Foundation para leilão no Charitybuzz. Em 2010, um segmento da receita de seus designs de Tulip de edição limitada para o Crème de Corps da Kiehl foi alocado ao Koons Family Institute, uma iniciativa do Centro Internacional para Desaparecidos e Desaparecidos. Crianças Exploradas. Desde que estabeleceu um relacionamento com o Centro Internacional, Koons doou mais de US$ 4,3 milhões ao Instituto que leva o nome de sua família.

Exposições

Começando com uma instalação em vitrine em 1980 no Novo Museu de Arte Contemporânea de Nova York, o trabalho de Koons foi amplamente exibido globalmente em exposições individuais e coletivas. Em 1986, participou de uma exposição colaborativa ao lado de Peter Halley, Ashley Bickerton, Ross Minoru Lang e Meyer Vaisman na Sonnabend Gallery em Nova York. Sua exposição individual inaugural na Europa foi curada pela Galerie Jerome de Noirmont parisiense em 1997. A série Made in Heaven estreou na Bienal de Veneza em 1990.

Durante o início de sua carreira, Koons participou de inúmeras exposições organizadas por Richard Milazzo, incluindo The New Capital na White Columns em 1984, Paravision em Postmasters Gallery em 1985, Cult and Decorum na Tibor De Nagy Gallery em 1986, Time After Time na Diane Brown Gallery em 1986, Spiritual America no CEPA em 1986, e Art at the End of the Social no The Rooseum, Malmö, Suécia em 1988. Essas vitrines também apresentaram trabalhos de outros artistas notáveis como Ross Bleckner, Joel Otterson e Kevin Larmon.

Exposições individuais notáveis em museus incluem o Museu de Arte Contemporânea de Chicago (1988), o Walker Art Center em Minneapolis (1993), o Deutsche Guggenheim em Berlim (2000), o Kunsthaus Bregenz (2001), o Museo archeologico nazionale di Napoli (2003) e uma retrospectiva abrangente no Museu de Arte Moderna Astrup Fearnley, Oslo (2004), que posteriormente visitou o Museu de Arte da Cidade de Helsinque. (2005). Em 2008, a série Celebration foi exibida na Neue Nationalgalerie, em Berlim, e no telhado do Metropolitan Museum of Art.

A exposição de 2008 de 17 esculturas de Koons no Château de Versailles, reconhecida como sua retrospectiva inaugural na França, representou adicionalmente a apresentação inicial significativa de um artista americano contemporâneo organizada pelo castelo. O The New York Times documentou que "várias dezenas de pessoas manifestaram-se fora dos portões do palácio" num protesto orquestrado por uma organização de direita menos conhecida que defende a integridade artística francesa. Além disso, surgiram críticas sobre o fato de que noventa por cento dos US$ 2,8 milhões em financiamento para a exposição vieram de benfeitores privados, principalmente François Pinault.

A retrospectiva de Koons no Museu de Arte Contemporânea de Chicago, realizada de 31 de maio a 21 de setembro de 2008, e amplamente coberta pela mídia, estabeleceu um novo recorde de público para o museu, atraindo 86.584 visitantes. A exposição contou com uma infinidade de peças do acervo do MCA, além de pinturas e esculturas contemporâneas do artista. Esta retrospectiva ressalta a dedicação do MCA à obra de Koons, tendo anteriormente hospedado a primeira pesquisa americana do artista em 1988. Para a exposição final em seu edifício Marcel Breuer, o Whitney Museum pretende realizar uma retrospectiva de Koons em parceria com o Museu de Arte Contemporânea, Los Angeles, e o Centre Pompidou, Paris.

Em julho de 2009, Koons realizou sua significativa exposição individual inaugural em Londres, no Serpentine Galeria. Intitulada Jeff Koons: Série Popeye, a exposição apresentava modelos de brinquedos de piscina infantis em alumínio fundido e "pinturas densas e realistas de Popeye segurando sua lata de espinafre ou fumando cachimbo, uma lagosta vermelha pairando sobre sua cabeça".

Em maio de 2012, Koons apresentou sua significativa exposição individual inaugural na Suíça, no Museu Beyeler em Basileia, intitulada Jeff Koons. A exposição apresentou peças de três séries: The New, Banality e Celebration, além da escultura floral Split-Rocker.

Também em 2012, Jeff Koons. O Pintor da Schirn Kunsthalle Frankfurt concentrou-se principalmente no desenvolvimento do artista como pintor. Por outro lado, a exposição Jeff Koons. O escultor da Liebieghaus em Frankfurt apresentou as esculturas de Jeff Koons em diálogo com o edifício histórico e uma coleção de esculturas que abrange cinco milênios. Coletivamente, estas duas exposições constituíram a apresentação mais extensa da obra de Koons até então.

Uma retrospectiva de 2014 do trabalho do artista foi apresentada no Whitney Museum of American Art, em Nova York. Scott Indrisek, escrevendo para ARTINFO.com, caracterizou a exposição como "ousada, bastante divertida e tão digerível quanto um pacote de M&Ms".

O Museu Ashmolean em Oxford, Reino Unido, organizou uma exposição intitulada Jeff Koons no Ashmolean em 2019.

Reconhecimento

Mercado de Arte

As obras de arte de Koons são amplamente coletadas na América e na Europa, com vários colecionadores adquirindo participações substanciais. Por exemplo, Eli Broad possuía 24 peças, enquanto Dakis Joannou possui aproximadamente 38 obras abrangendo toda a carreira do artista. Ao longo de sua carreira, Koons foi representado por vários negociantes, incluindo Mary Boone (1979–1980), Sonnabend Gallery (1986–2021), Galerie Max Hetzler, Jérôme de Noirmont e Gagosian Gallery. A Gagosian Gallery, que serviu como seu principal revendedor por um longo período, detinha anteriormente os direitos exclusivos das vendas iniciais da série "Celebration". A partir de 2021, a Pace Gallery assumiu a representação global exclusiva de Koons.

Numerosas obras de Koons foram negociadas em leilão. Seus recordes de leilão mais significativos foram estabelecidos predominantemente por suas esculturas, especialmente as da série "Celebration", enquanto suas pinturas geralmente atraíram menos interesse do mercado. Em 2001, uma das três esculturas de porcelana de Michael Jackson e Bubbles foi arrematada por US$ 5,6 milhões. Posteriormente, em 14 de novembro de 2007, Hanging Heart (Magenta/Gold), da coleção de Adam Lindemann e uma das cinco variações de cores, foi vendido na Sotheby's de Nova York por US$ 23,6 milhões, estabelecendo um recorde na época para a obra mais cara de um artista vivo vendida em leilão. A Galeria Gagosian de Nova York adquiriu esta peça, tendo também adquirido outra escultura de Koons, Diamond (Blue), por US$ 11,8 milhões da Christie's Londres no dia anterior. Acredita-se que Gagosian adquiriu ambas as obras da série "Celebration" em nome do magnata do aço ucraniano Victor Pinchuk. Em julho de 2008, a Flor de Balão (Magenta) (1995–2000) de 3,3 metros (11 pés), da coleção de Howard e Cindy Rachofsky, também alcançou um recorde de leilão de US$ 25,7 milhões na Christie's de Londres. Cumulativamente, Koons foi o artista mais vendido em leilão, com vendas totalizando € 81,3 milhões no ano encerrado em junho de 2008.

No entanto, durante a recessão do final dos anos 2000, os preços da arte sofreram um declínio significativo, com as vendas em leilão de obras de alto valor de Koons diminuindo 50% em 2009. Um Hanging Heart violeta foi vendido de forma privada por US$ 11 milhões. Apesar disso, os preços da série anterior “Luxury and Degradation” do artista demonstraram resiliência. The Economist informou que o investidor de private equity Thomas H. Lee alienou Jim Beam J.B. Turner Train (1986) em uma transação agrupada facilitada por Giraud Pissarro Segalot por mais de US$ 15 milhões. Em 2012, Tulipas (1995–2004) alcançou um novo recorde de leilão para Koons na Christie's, vendendo a um licitante por telefone por US$ 33,6 milhões, excedendo substancialmente sua estimativa elevada de US$ 25 milhões. Na Christie's em 2015, o óleo sobre tela Triple Elvis (2009) estabeleceu um recorde global em leilões para uma pintura do artista, arrecadando US$ 8.565.000, mais de US$ 5 milhões a mais que o recorde anterior. A escultura de aço inoxidável de Koons, Coelho (1986), foi vendida por US$ 91,1 milhões em leilão em 2019, tornando-se assim a obra mais cara de um artista vivo já vendida em leilão.

Em 2018, o colecionador de arte Steven Tananbaum iniciou uma ação legal contra Koons e a Gagosian Gallery, alegando a não entrega de três esculturas —Balloon Venus, Eros e Diana — pelas quais ele pagou US$ 13 milhões. Posteriormente, o produtor de Hollywood Joel Silver abriu um processo semelhante contra Gagosian e Koons em 2014, relativo à não entrega de uma escultura de US$ 8 milhões. Ambas as disputas legais foram resolvidas por meio de acordo em 2019 e 2020.

Classificação

Na comunidade artística, incluindo curadores e colecionadores, a obra de Koons é frequentemente categorizada como Neo-pop ou Pós-Pop, alinhando-se com um movimento artístico da década de 1980 que surgiu em oposição à arte minimalista e conceitual predominante na década anterior. Koons, no entanto, contesta essas classificações, afirmando: "Um espectador pode a princípio ver ironia em meu trabalho... mas não vejo nenhuma. A ironia causa muita contemplação crítica." Ele rejeita explicitamente quaisquer interpretações ocultas em suas criações.

Koons gerou considerável controvérsia ao elevar o kitsch sem remorso ao reino da arte erudita, muitas vezes utilizando temas mais efêmeros do que, por exemplo, Latas de sopa Campbell's de Warhol. Um exemplo notável é seu trabalho Balloon Dog (1994–2000), que deriva sua forma de balões torcidos no formato de um cachorro de brinquedo.

De acordo com o teórico Samito Jalbuena, "Desde o início de sua polêmica carreira, Koons derrubou a noção tradicional de arte por dentro e por fora. Concentrando-se em objetos banais como modelos, ele questionou os padrões de valores normativos na arte e, em vez disso, abraçou o vulnerabilidades das hierarquias estéticas e dos sistemas de gosto."

Avaliação e influência

A produção artística de Koons suscitou consistentemente respostas divergentes. A crítica de arte Amy Dempsey caracterizou seu Balloon Dog como "uma presença incrível... um enorme monumento durável". Da mesma forma, Jerry Saltz, escrevendo para artnet.com, expressou admiração pelo "virtuosismo técnico e explosão visual impressionante" inerente às criações de Koons. Em 2011, Blake Gopnik incluiu Koons em sua lista "Os 10 artistas mais importantes de hoje", afirmando que "Mesmo depois de 30 anos, os mashups de alto e baixo de Koons - um cachorro amarrado em balões e depois ampliado para um monumento público; um busto em tamanho real de Michael Jackson e seu chimpanzé em porcelana dourada e branca - ainda parece significativo."

Por outro lado, Mark Stevens, escrevendo para The New Republic, descartou Koons como um "artista decadente [que] carece de vontade imaginativa para fazer mais do que banalizar e colocar em itálico seus temas e a tradição em que trabalha... Ele é mais um daqueles que servem aos ricos cafonas." Michael Kimmelman, do The New York Times, também viu a produção de Koons como "um último e patético suspiro do tipo de sensacionalismo e propaganda de autopromoção que caracterizou o pior da década de 1980", rotulando seu trabalho de "artificial", "barato" e "descaradamente cínico".

uma manifestação extrema e auto-satisfeita da hipocrisia associada a muito dinheiro. Koons realmente pensa que é Michelangelo e não tem vergonha de dizer isso. O significativo é que existem colecionadores, especialmente na América, que acreditam nisso. Ele tem a segurança viscosa, o discurso grosseiro sobre a transcendência através da arte, de um batista seco vendendo hectares de pântano na Flórida. E o resultado é que não se pode imaginar a cultura singularmente depravada da América sem ele.

Hughes posicionou as contribuições artísticas de Koons marginalmente acima das de Seward Johnson, e um artigo do New York Times citou-o afirmando que uma comparação de suas carreiras era "como debater os méritos dos excrementos de cachorro versus excrementos de gato".

Koons exerceu influência sobre uma geração de artistas mais jovens, incluindo Damien Hirst (evidente no Hymn de Hirst, uma versão de 5,5 m de um brinquedo anatômico de 0,36 m), Jack Daws, Matthieu Laurette e Mona Hatoum. Por outro lado, a sua prática de monumentalizar objetos do quotidiano reflete uma linhagem artística que remonta a Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen. Além disso, uma parte significativa de sua obra foi moldada por artistas ativos em Chicago durante sua gestão no Art Institute, como Jim Nutt, Ed Paschke e H. C. Westermann.

Em 2005, Koons foi nomeado membro da Academia Americana de Artes e Ciências.

Litígio de violação de direitos autorais

Koons enfrentou vários processos judiciais alegando violação de direitos autorais devido à incorporação de imagens pré-existentes e obras originais de outros artistas em suas próprias criações. Notavelmente, em Rogers v. Koons, 960 F.2d 301 (2ª Cir. 1992), o Tribunal de Apelações do Segundo Circuito dos EUA confirmou uma sentença contra ele por utilizar uma fotografia de cachorrinhos como base para sua escultura, String of Puppies.

Koons também não teve sucesso em processos judiciais, especificamente em United Features Syndicate, Inc. v. Koons, 817 F. Supp. 370 (SDNY 1993), e Campbell v. Koons, No. 6055, 1993 WL 97381 (S.D.N.Y. 1º de abril de 1993).

Por outro lado, Koons prevaleceu no processo Blanch v. Koons, No. 8026 (LLS), S.D.N.Y., 1º de novembro de 2005 (slip op.), uma decisão posteriormente confirmada pelo Segundo Circuito em outubro de 2006. Este caso dizia respeito à incorporação de um anúncio fotográfico como material de origem para a representação de pernas e pés em sua pintura de 2000, Niagara. O tribunal determinou que a transformação do anúncio original por Koons foi substancial o suficiente para constituir uso justo da imagem.

Em 2015, Koons encontrou acusações sobre o uso não autorizado da fotografia de 1986 do fotógrafo Mitchel Gray, originalmente criada para Gordon's Gin, dentro de uma das pinturas da série "Luxo e Degradação" de Koons, supostamente sem permissão ou remuneração.

Um tribunal francês determinou em 2018 que Koons's A obra de arte de 1988, Fait d'Hiver, que retrata um porco posicionado acima de uma mulher deitada, constituía uma cópia de um anúncio de uma rede de roupas. Consequentemente, tanto Koons como o Centro Pompidou foram considerados responsáveis ​​por violar os direitos de autor do fotógrafo Franck Davidovici. Esta sentença foi posteriormente confirmada em recurso em 2021. Como resultado, a obra de arte, que é propriedade da Foundazione Prada, está proibida de ser exposta ao público em França, e nem o museu nem o artista podem exibir reproduções fotográficas online, sob pena de multa diária de 600 euros. Além disso, o tribunal determinou que o museu e o artista remetessem conjuntamente 190.000 euros, com um adicional de 14.000 euros a pagar pela editora.

Em 2019, outro tribunal francês concluiu que a obra de Koons de 1988, Naked, que retrata um jovem nu apresentando flores a uma jovem nua, infringiu os direitos de autor de uma fotografia postal de 1975 do artista francês Jean-François Bauret.

Koons também iniciou ações de violação de direitos autorais contra terceiros, alegando que uma livraria de São Francisco violou seus direitos autorais de Balloon Dogs ao oferecer suportes para livros em formato de cachorros-balão. No entanto, Koons posteriormente retirou o processo depois que o advogado da livraria entrou com um pedido de tutela declaratória, afirmando que "Como praticamente qualquer palhaço pode atestar, ninguém é dono da ideia de fazer um cachorro-balão, e a forma criada ao torcer um balão em forma de cachorro faz parte de domínio público." Oksana Zhnykrup em 1974.

Em uma queixa de 2021 apresentada ao Tribunal Distrital dos Estados Unidos para o Distrito Sul de Nova York, o artista Michael Hayden, que criou uma escultura de 1988 de uma serpente enrolada em uma rocha para Ilona Staller, alegou que Koons havia incorporado ilegalmente esta escultura em suas próprias produções artísticas.

O Instituto da Família Koons sobre Direito e Política Internacional, uma iniciativa do ICMEC.

Koons atua no conselho de administração do Centro Internacional para Desaparecidos e Desaparecidos. Crianças Exploradas (ICMEC), uma entidade global sem fins lucrativos dedicada ao combate à exploração sexual infantil, à pornografia infantil e ao rapto de crianças. Em 2007, Koons e sua esposa, Justine, cofundaram o ICMEC Koons Family Institute on International Law and Policy.

Após a dissolução de seu primeiro casamento em 1994 com Ilona Staller, uma atriz italiana nascida na Hungria, Staller mudou-se para a Itália com seu filho de dois anos, infringindo uma ordem judicial dos EUA. Posteriormente, Koons dedicou cinco anos a fazer valer os seus direitos parentais, embora o Supremo Tribunal italiano tenha finalmente decidido a favor de Staller. Após esses eventos, Koons fundou o Koons Family Institute. Em 2008, Staller iniciou uma ação legal contra Koons por causa de pensão alimentícia não remunerada.

Vida Pessoal

Durante seu período como estudante no Maryland Institute College of Art, Koons teve uma filha, Shannon Rodgers, que o casal colocou para adoção. Rodgers restabeleceu o contato com Koons em 1995. Koons declarou publicamente que a adoção "ajudou a me fazer querer ter mais visibilidade para que minha filha pudesse me encontrar. Sempre esperei que pudéssemos nos reconectar." Staller na série "Made in Heaven", que englobava pinturas e esculturas em diversas mídias, com aspirações de produzir um filme. Embora mantivessem residência em Manhattan, Koons e Staller residiam principalmente em Munique. O filho deles nasceu em 1992. Koons posteriormente se casou com Justine Wheeler, uma artista e ex-funcionária que começou a trabalhar no estúdio de Koons em 1995. Em junho de 2009, o casal teve quatro filhos. Em janeiro de 2009, a família residia em uma casa no Upper East Side.

Em junho de 2016, Koons contribuiu com US$ 50.000 para o Correct the Record, um Super PAC que endossou a campanha presidencial de Hillary Clinton em 2016.

O nome de Koons foi documentado nos arquivos de Epstein, que detalhavam sua participação em um jantar em Little Saint James em setembro de 2013. Posteriormente, ele confirmou sua presença na revista de arte on-line Hyperallergic, afirmando: "Além de comparecer ao jantar, eu não tive um relacionamento com Epstein."

Filmografia e Videografia

• Jeff Koons: o trabalho da banalidade. Por Jeff Koons, Paul Tschinkel e Sarah Berry. Gravação de vídeo produzida por Inner Tube Video e Sonnabend Gallery (Nova York), 1990.
• Sua escultura, Balloon Dog (Red), foi apresentada como uma obra de arte animada no filme de 2009 Uma Noite no Museu: Batalha do Smithsonian.
• O preço de tudo. Dirigido por Nathaniel Kahn, produzido por Jennifer Blei Stockman, Debi Wisch e Carla Solomon e distribuído pela HBO Documentary Films, 2018.

Referências

Grosenick, Uta; Riemschneider, Burkhard, eds. (2005). Art Now (edição do 25º aniversário). Colônia: Taschen. pp. 156–159. ISBN 9783822840931. OCLC 191239335.

• Grosenick, Uta; Riemschneider, Burkhard, eds. (2005). Art Now (edição do 25º aniversário). Colônia: Taschen. págs. 156–159. ISBN 9783822840931. OCLC 191239335.The New Yorker, 23 de abril de 2007.
• Tully, Judd. "Talento bruto de Jeff Koons." The Washington Post, 15 de dezembro de 1991.

• Site oficial
• Jeff Koons na IMDb
• As 7 obras mais famosas de Jeff Koons de Lile KOBALIANI na Art de Vivre