Müziğin çeşitli küresel tanımlarına rağmen, bilinen her kültürdeki varlığı, onu kültürel bir evrensel olarak kurar. Müziğin doğuşu, akademisyenler tarafından sıklıkla dilin ortaya çıkışıyla ilişkilendirilen yoğun bir tartışma konusu olmaya devam ediyor; bunun zamansal ilişkisi (dilden önce mi, sonra mı yoksa dille birlikte mi ortaya çıktığı) konusunda ciddi anlaşmazlıklar var. Çeşitli alanlardaki araştırmacılar tarafından çok sayıda teori geliştirildi, ancak hiçbiri yaygın bir fikir birliğine varamadı. Dahası çoğu kültür, müziğin icadına ilişkin, tipik olarak kendi farklı mitolojik, dini veya felsefi çerçevelerine dayanan kendi efsanevi anlatımlarına sahiptir.
Müziğin tanımları dünya çapında büyük farklılıklar gösterse de, bilinen her kültür müzikte yer alır ve bu nedenle kültürel bir evrensel olarak kabul edilir. Müziğin kökenleri oldukça tartışmalı olmaya devam ediyor; commentators often relate it to the origin of language, with much disagreement surrounding whether music arose before, after or simultaneously with language. Pek çok teori, geniş bir disiplin yelpazesinden bilim adamları tarafından önerilmiş olsa da hiçbiri geniş bir onaya ulaşamamıştır. Çoğu kültürün, müziğin icadıyla ilgili, genellikle kendi mitolojik, dini veya felsefi inançlarından kaynaklanan kendi efsanevi kökenleri vardır.
Tarih öncesi müziğin en eski kesin tarihlemesi, kemik flütlerin arkeolojik bulgularına dayanarak, onu c. 38.000 civarına, Üst Paleolitik'e yerleştirir; ancak gerçek kökenleri daha önceki Orta Paleolitik döneme (GÖ 300.000 ila 50.000) kadar uzanıyor olabilir. Tarih öncesi müzikle ilgili bilgi azdır; kanıtlar esas olarak ilkel flüt ve vurmalı çalgılardan oluşmaktadır. Yine de bu eserler, Xia hanedanı ve İndus Vadisi uygarlığı gibi tarih öncesi toplumlarda müziğin varlığına işaret ediyor. Yazının ortaya çıkışıyla birlikte, antik müzik olarak adlandırılan okuryazar uygarlıkların müziği, önde gelen Çin, Mısır, Yunan, Hint, Pers, Mezopotamya ve Orta Doğu kültürlerinde belirgin hale geldi. Antik müzikle ilgili geniş genellemeler zorlayıcı olsa da, mevcut bilgiler onun sıklıkla monofoni ve doğaçlamayla karakterize edildiğini gösteriyor. Antik vokal kompozisyonlarında metinler müzikle yakından bağlantılıydı; Hayatta kalan en eski müzik notasyonu bu döneme ait olsa da, Rigveda ve Shijing Şiir Klasiği gibi çok sayıda metin, karşılık gelen müzik notaları olmadan varlığını sürdürmektedir. Daha sonra İpek Yolu'nun kurulması ve kültürlerarası temasın artması, müzik kavramlarının, metodolojilerinin ve enstrümanlarının yayılmasını ve alışverişini kolaylaştırdı. Bu etkileşim, Orta Asya gelenekleri aracılığıyla Tang hanedanının müziğini önemli ölçüde etkilerken, Tang hanedanı müziği, Japon gagaku ve Kore saray müziği karşılıklı olarak birbirini etkiledi.
Tarih boyunca dini uygulamalar sıklıkla müzikal gelişim için önemli katalizörler olarak hizmet etmiştir. Örneğin Hindu Vedaları Hint klasik müziğini derinden şekillendirdi, tıpkı Konfüçyüsçü Beş Klasik'in daha sonraki Çin müzik formları için temel ilkeleri oluşturması gibi. 7. yüzyılda İslam'ın hızla yayılması, İslam müziğinin İran ve Arap dünyasında öne çıkmasına yol açtı; İslam'ın Altın Çağı, çok sayıda etkili müzik teorisyeninin katkılarına tanık oldu. Erken Hıristiyan Kilisesi ile ilişkili bestelerin, çoksesliliğin, personel notasyonunun ve birçok çağdaş enstrümanın ilk versiyonlarının ortaya çıkışıyla karakterize edilen, ortaçağ müziğine dönüşen Batı klasik müzik geleneğinin başlangıcını işaret ettiği kabul edilmektedir. Bir toplumun müzikal ifadesi, dini etkinin ya da yokluğunun ötesinde, sosyo-ekonomik yapıları, çevresel koşulları ve teknolojik yetenekleri de dahil olmak üzere diğer tüm kültürel boyutlar tarafından şekillendirilir. Çok sayıda kültür, müziği diğer sanatsal disiplinlerle bütünleştirdi; Çin'in dört sanatı ve ortaçağ quadrivium'u örnek olarak verilebilir. Müziğin aktardığı duygusal içerik ve kavramsal çerçeveler, icra ve alımlama bağlamları ve müzisyenlerin ve bestecilerin toplumsal algılarının tümü, farklı coğrafi bölgeler ve tarihsel dönemler arasında önemli farklılıklar göstermektedir. Pek çok kültür, sanat müziği (veya 'klasik müzik'), halk müziği ve popüler müzik arasında tarihsel olarak farklılaşmıştır ve farklılaşmaya devam etmektedir.
Kökenler
Müzik, tanımlarının kültürler ve tarihsel dönemler arasındaki değişkenliğine rağmen, geniş çapta kültürel bir evrensel olarak kabul edilmektedir. İnsan bilişinin birçok yönüne benzer şekilde, müziğin kökenlerinin tam olarak ne ölçüde anlaşılabileceği tartışmalı bir konu olmaya devam ediyor; akademik söylem sıklıkla farklı bakış açılarıyla karakterize ediliyor. Müziğin doğuşu genellikle dilin ortaya çıkışıyla birlikte incelenir ve aralarındaki ilişkinin kesin doğası önemli bir bilimsel tartışma alanı oluşturur. Ancak 20. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar her iki konu da nispeten sınırlı bir akademik incelemeye tabi tutuldu. Bu konulara yeniden ilgi duyulmasının ardından, temel çekişme noktaları üç farklı perspektif etrafında birleşiyor: Müziğin, daha sonra dile yol açan bir ön-dil biçimi (uyarlanabilir bir sonuç) olarak ortaya çıkıp çıkmadığı; müziğin dil gelişiminden kaynaklanan bir spandrel'i (evrimsel süreçlerin fenotipik bir yan ürünü) temsil edip etmediği; veya hem müziğin hem de dilin ortak bir atadan evrimleşip evrimleşmediği.
Müziğin kökenleri, tek bir teorinin yaygın bir fikir birliğine varamadığı önemli bir akademik tartışma konusu olmaya devam ediyor. Bu karmaşık araştırmaya katkılar arkeoloji, bilişsel bilim, etnomüzikoloji, evrimsel biyoloji, dil bilimi, sinir bilimi, paleoantropoloji, felsefe ve gelişimsel ve sosyal psikoloji gibi çeşitli alanlardan gelmiştir. Müziğin doğuşunu açıklamak için birçok önemli teori öne sürüldü.
- Önemli bir teori, müziğin, potansiyel olarak çiftleşme çağrılarından kaynaklanan, cinsel seçilimin karmaşık bir tezahürü olarak ortaya çıktığını öne sürüyor. Yaygın olarak Charles Darwin'e atfedilen ve ilk kez onun 1871 tarihli İnsanın Türeyişi ve Cinsiyetle İlişkili Seçilim adlı eserinde dile getirilen bu hipotez, müziğin kökenlerine ilişkin en eski önemli önermeler arasında sayılıyor. Bununla birlikte, her iki insan cinsiyetinde de daha fazla müzikalite olduğuna dair kanıt bulunmaması ve dolayısıyla cinsel dimorfizm desteğinin bulunmaması nedeniyle eleştirilere maruz kaldı. Dahası, cinsel seçilimin çağdaş anlayışı, tipik olarak, insan müzikalitesinde gözlemlenmeyen bir özellik olan önemli ölçüde cinsel dimorfizm içerir. Bu eleştirilere rağmen, aralarında Peter J.B. Slater, Katy Payne, Björn Merker, Geoffrey Miller ve Peter Todd'un da bulunduğu son bilim insanları, Darwin'in teorisini daha da araştırıp geliştirdiler; çoğu zaman müziğin diğer hayvan türlerinin çiftleşme sistemlerindeki rolüyle paralellikler kurdular.
- Başka bir teori, müziğin dil ile birlikte evrimleştiğini ve her ikisinin de varsayılan "ortak öncül"den kaynaklandığını öne sürüyor. Bu fikrin ilk savunucuları arasında, müzikal ve dilsel ifadenin bu ortak atasını tanımlamak için "konuşma müziği" terimini türeten ünlü biyolog Herbert Spencer ve besteci Richard Wagner vardı. 21. yüzyılın başından bu yana bu teori, başta arkeolog Steven Mithen olmak üzere çeşitli akademisyenlerin desteğini aldı.
- Bir dizi farklı teori, müziğin çeşitli pratik ihtiyaçları karşılamak için ortaya çıktığını öne sürüyor. Bu önermeler şunları içerir:
- Müziğin uyumlu emeğin örgütlenmesini kolaylaştırdığı fikri, başlangıçta ekonomist Karl Bücher tarafından ortaya atılan bir kavramdır.
- Müziğin uzun mesafeli iletişimin verimliliğini ve erişimini arttırdığı hipotezi, ilk olarak müzikolog Carl Stumpf tarafından ortaya atıldı.
- Müziğin ilahi veya doğaüstü varlıklarla iletişimi geliştirmeye hizmet ettiği önermesi, başlangıçta antropolog Siegfried Nadel tarafından geliştirilen bir teori.
- Müziğin, özellikle ailevi veya toplumsal yapılar içerisinde "koordinasyonu, uyumu ve işbirliğini" geliştirmeye yardımcı olduğu fikri.
- Müziğin yırtıcıları veya düşmanları caydırmak için bir yöntem işlevi gördüğü iddiası.
- Müzikolog Curt Sachs, konuşmadan türetilen "logojenik" kökenler ile duygusal ifadeden kaynaklanan "patojenik" kökenler arasında ayrım yaparak müzik için ikili bir köken önerdi. Müzikal formların küresel çeşitliliğini gözlemleyen Sachs, belirli müzik geleneklerinin öncelikle iletişimsel veya dışavurumcu bir işlevle uyumlu olduğunu ve dolayısıyla bu yönler için bağımsız gelişim yolları önerdiğini öne sürdü.
- David Teie'nin müziğin duygusal kökenlerine ilişkin teorisine göre, müzikal sesler iki ana kaynağa dayanır: rahimdeki bir fetüsün işitsel deneyimleri ve duygusal olarak üretilen seslendirmeler. Bu hipotez, tüm kültürlerde nabız, ölçü, ayrık tek frekanslı bölümler (notalar), süreklilik ve rezonansı güçlendirilmiş periyodik sesler üreten enstrümanların kullanımı gibi evrensel müzik unsurlarının varlığını açıklama iddiasındadır.
Akademik teorilerin ötesinde, çok sayıda kültürün müziğin doğuşuyla ilgili kendi efsanevi açıklamaları vardır. Belirli rakamlar genellikle buluşuna atfedilir; örneğin Hıristiyan mitolojisinde Jubal, Pers/İran mitolojisinde efsanevi Şah Jamshid, Hinduizm'de tanrıça Saraswati ve Antik Yunan mitolojisinde Muses. Diğer kültürler müziğin yaratılışını birden fazla yaratıcıya bağlar; Örneğin eski Mısır mitolojisi onu Amun, Hathor, Isis ve Osiris gibi çeşitli tanrılarla ilişkilendirir ve özellikle Ihy'ye vurgu yapar. Müziğin Çin mitolojisindeki kökenlerini detaylandıran pek çok anlatı arasında öne çıkan bir hikaye, Sarı İmparator'un (Huangdi) direktifi altında hareket eden müzisyen Ling Lun'un, efsanevi fenghuang kuşlarının şarkısını taklit ederek bambu flütünü nasıl yaptığını anlatır.
Tarih Öncesi Kökenler
Tarihsel olarak ilkel müzik olarak adlandırılan tarih öncesi müzik, genel olarak yazı öncesi kültürlerden (tarih öncesi) kaynaklanan tüm müzikal ifadeleri tanımlar. Kökenleri en az altı milyon yıl öncesine dayanıyor ve insan ile şempanzenin son ortak atasına denk geliyor. Müziğin ortaya çıkışı Paleolitik döneme atfedilir, ancak kesin zamanlaması - Orta (300.000 - 50.000 GÖ) veya Üst Paleolitik (50.000 - 12.000 GÖ) - bilimsel bir tartışma konusu olmaya devam etmektedir. Şu ana kadar keşfedilen Paleolitik aletlerin çoğu Avrupa kökenlidir ve Üst Paleolitik döneme tarihlenmektedir. Şarkı söylemenin ortaya çıkışı potansiyel olarak bu dönemden önceye dayansa da, kesin bir doğrulama hala zor. Slovenya'nın Divje Babe mağarasında keşfedilen Divje Babe Flütü, en eski çalgı olmaya aday olarak değerlendiriliyor. Yavru bir mağara ayısının uyluk kemiğinden yapılmış olup, 43.000 ila 82.000 yıl öncesine tarihlenmektedir. Bazıları tarafından Neandertallerin kullanımına atfedilen Divje Babe Flütü, gerçek bir müzik enstrümanı mı yoksa hayvan faaliyetleriyle şekillendirilmiş bir eser mi olarak sınıflandırılmasına ilişkin süregelen yoğun tartışmalar nedeniyle önemli bir akademik inceleme topladı. Bir enstrüman olarak statüsü doğrulanırsa, bilinen en eski müzik eserini temsil edecek ve Orta Paleolitik dönemde bir müzik kültürünün varlığına işaret edecek. Divje Babe Flütü ve diğer üç tartışmalı flüt benzeri nesne dışında, Orta Paleolitik döneme ait doğrulanabilir müzik kanıtları neredeyse yok denecek kadar azdır ve bu, o döneme ait kesin görsel sanatın kıtlığını yansıtmaktadır. Genel olarak müzik enstrümanı olarak tanınan en eski eserler, Almanya'nın Swabian Jura bölgesinde, özellikle Geissenklösterle, Hohle Fels ve Vogelherd mağaralarında ortaya çıkarılan kemik flütlerdir. Aurignacian dönemine (Üst Paleolitik) tarihlenen ve Erken Avrupalı modern insanlarla ilişkilendirilen bu sekiz örnek arasında, kuş kanat kemiklerinden dördü ve mamut fildişinden yapılmış dördü; bu örneklerden üçü neredeyse sağlam. Geissenklösterle'deki üç flüt en eskileri olarak kabul edilir ve tahmini yaşları BP 43,150–39,370 civarındadır.
Flütlerin karşılaştırmalı gelişmişliği göz önüne alındığında, çıngıraklar, çalkalayıcılar ve çalkalayıcılar gibi daha sonraki avcı-toplayıcı toplumlarda sıklıkla bulunanlara benzer, daha basit, daha eski aletlerin mevcut olması akla yatkındır. davul. Bu döneme ait veya bu çağdan önceki diğer çalgıların azlığı, bunların kamış, su kabağı, deri ve ağaç kabuğu gibi daha az dayanıklı, biyolojik olarak parçalanabilen malzemelerden yapılmış olmasına bağlanabilir. Trois-Frères Mağarası'nda bulunan ve yaklaşık olarak MÖ.c. 15.000 dönemine tarihlenen bir tasvir, müzikli yay ile performans sergileyen bir şamanı tasvir ettiği şeklinde yorumlanıyor.
Tarih öncesi kültürlerin müziği farklı amaçlarla kullandığına ve farklı toplumlar arasında önemli farklılıklar gösterdiğine inanılıyor. Müzik muhtemelen sınırlı yiyecek ve diğer temel ihtiyaçlar gibi kaynak kıtlığı dönemlerinde önemli bir önem taşıyordu. Dahası, tarih öncesi toplumların müziği doğası gereği doğal çevreyle bağlantılı olarak algıladıkları ve potansiyel olarak doğal dünya üzerindeki doğrudan etkisine inandıkları düşünülebilir.
Tarih öncesi Çin'de keşfedilen en eski enstrümanlar, günümüzün Jiahu, Wuyang, Henan Eyaleti'nde gün ışığına çıkarılan ve yaklaşık olarak MÖ c. 6000 tarihine tarihlenen on iki gudi kemik flüttür. Tarih öncesi Xia hanedanı için (c. 2070–1600) tanımlanan tek enstrümanlar iki qing, iki küçük çan (biri topraktan, diğeri bronzdan yapılmış) ve bir xun'dur. Mevcut enstrümanların aşırı azlığı ve Xia döneminin çoğunu çevreleyen yaygın belirsizlik, bu dönem için kapsamlı bir müzik tarihinin inşasını pratik hale getirmiyor. Hindistan yarımadasında, tarih öncesi İndus Vadisi Uygarlığının (c. 2500–2000 M.Ö.) olgun evresine ait arkeolojik bulgular, temel çıngırakların ve kap flütlerinin kullanıldığını öne sürüyor; buna erken dönem arp ve davulların varlığına işaret eden ikonografik kanıtlar da eşlik ediyor. Daha sonraki İndus Vadisi Uygarlığı'na ait bir ideogram, M.Ö. 1800'den önceye ait, kemerli bir arpın bilinen en eski temsilini içeriyor.
Antik Çağ
Yazının ortaya çıkışı, eski dünyanın okuryazar uygarlıklarının başlangıcına işaret eder; Ebu Salabikh'ten (günümüz Güney Irak'ı) gelen Sümer edebiyatı, bilinen en eski örneği temsil eden, yaklaşık olarak MÖ c. 2600 dönemine tarihlenir. Antik toplumların müzik pratiklerindeki dikkate değer çeşitliliğe rağmen, bazı temel kavramlar (özellikle monofoni, doğaçlama ve müzik kompozisyonlarında metnin önceliği) neredeyse tüm kültürlerde sürekli olarak öne çıkıyordu. Çeşitli şarkı formları Çin, Mısır, Yunanistan, Hindistan, Mezopotamya, Roma ve Orta Doğu gibi bölgeleri kapsayan eski kültürleri karakterize ediyordu. Bu şarkıların ve genel olarak müziğin metinsel, ritmik ve melodik unsurları büyülü, bilimsel ve dini inançlarla karmaşık bir şekilde iç içe geçmişti. Daha sonraki antik toplumlarda, özellikle Çin, Yunanistan ve Hindistan'ın ulusal festivallerinde daha karmaşık şarkı yapıları gelişti. Eş zamanlı olarak, daha sonraki antik toplumlar, ticaretin genişlemesini ve ardından müzik kavramlarının ve enstrümanlarının yayılmasını, sıklıkla İpek Yolu'nun da kolaylaştırmasını deneyimledi. Örneğin, MÖ 4. – 5. yüzyıl Çin'inden gelen bir qin-zither'in akort anahtarı, önemli bir Fars ikonografisi sergiliyor. Genel olarak, yetersiz veri, farklı kültürler arasında antik müzikle ilgili daha kapsamlı genellemeler yapılmasını engellemektedir.
Antik müzik notalarının hayatta kalan az sayıdaki örnekleri genellikle papirüs veya kil tabletlerde bulunur. Müzikal uygulamalara, türlere ve teorik çerçevelere ilişkin anlayışlar öncelikle edebiyattan, görsel temsillerden ve dönem boyunca artan sıklıkla mevcut enstrümanlardan elde edilir. Suriye'nin Ugarit kentindeki Hurri şarkıları günümüze ulaşan en eski yazılı müziği oluşturmaktadır. Bunlar arasında Nikkal İlahisi (ilahi no. 6; h. 6) en eskisidir ve yaklaşık olarak MÖ c. 1400'e tarihlenen nispeten eksiksiz bir kompozisyon sunar. Yine de Seikilos kitabesi, notasyonlu, tamamen eksiksiz en eski müzik kompozisyonu olma özelliğini taşıyor. MS 2. yüzyıl veya sonrasına tarihlenen bu kitabenin, kimliği belirlenemeyen Seikilos'un karısının anısına yazıldığı düşünülüyor.
Çin
Shang ve Zhou Hanedanları
MÖ 13. yüzyılın ortalarına gelindiğinde Geç Shang hanedanı, öncelikle ritüel kehanet kemikleri üzerindeki kehanet yazıtları ve ayrıca bronz yazıtlarla kanıtlanan bir yazı sistemi geliştirmişti. On bire kadar kehanet yazısı karakteri potansiyel olarak müziği ima ediyor, bazıları muhtemelen enstrümanların ikonografik tasvirleri olarak hizmet ediyor. Qing olarak bilinen taş çanların özellikle Shang yönetici sınıfı tarafından tercih edildiği görülüyor. Her ne kadar Shang döneminden kalma hiçbir flüt günümüze ulaşmamış olsa da, kehanet yazıtı kanıtları okarinaların (xun), enine flütlerin (xiao ve dizi), çift boruların, ağız organının (sheng) ve muhtemelen pan flütün (paixiao) kullanıldığını göstermektedir. MÖ 2000 civarında bronzun kullanılmaya başlanmasıyla Shang, bu malzemeyi çanlar için kullandı; özellikle ling (鈴), nao (鐃) ve zhong (鐘) - bir tokmağın varlığına veya yokluğuna ve çanlara içten mi yoksa dıştan mı vurulduğuna göre kategorize edilebilir. Shang hanedanlığı öncesindeki arkeolojik kayıtlarda bulunmayan davullar, daha çok ahşaptan (bangu) yapılmış olsa da ara sıra bronz da içeriyordu. Daha önce bahsedilen üflemeli çalgılar, en eski Çin yaylı çalgılarının yanı sıra kesinlikle Zhou hanedanı (MÖ 1046-256) tarafından da mevcuttu: qin (aynı zamanda guqin olarak da bilinir) ve se kanunları. Zhou döneminde, önemli saray toplulukları ortaya çıktı ve ünlü Zeng Marquis Yi Mezarı (MÖ 433 sonrası), karmaşık ve süslü enstrümanlardan oluşan çok çeşitli bir koleksiyona ev sahipliği yapıyor. Bu mezardaki en dikkat çekici enstrüman şüphesiz, beş oktavı kapsayan ve en az beş icracı gerektiren, 65 akortlu bianzhong çanından oluşan anıtsal settir; bu çanlar çalınmaya devam ediyor ve benzersiz müzikal yazılara sahip.
Antik Çin müzik aletleri hem faydacı hem de törensel işlevleri yerine getiriyordu. Uygulamaları, beslenmek için doğaüstü varlıkları çağırmaktan, avlar sırasında kuşları cezbetmek için pan flüt kullanmaya kadar uzanıyordu ve davullar, kurban törenlerinde ve askeri törenlerde sıklıkla kullanılıyordu. Tarihsel olarak Çin müziğinin dans, edebiyat ve güzel sanatlarla derin bir bağı vardı; Pek çok ilk Çinli filozof ayrıca müziği ahlaki davranış ve etkili toplumsal yönetimle ilişkilendirdi. Shang ve Zhou hanedanları sırasında müzik, dini törenlerin ve atalara ve kahraman figürlere duyulan saygının ayrılmaz bir parçası olan, imparatorluk otoritesinin bir amblemi olarak işlev gördü. Konfüçyüs (c. 551–479), ritüel ve ideal ahlakla uyumlu müziği resmi olarak üstün biçim olarak sınıflandırdı ve yayue (
Qin ve Han
Qin Shi Huang tarafından kurulan Qin hanedanı (MÖ 221-206) yalnızca 15 yıl varlığını sürdürdü, ancak iddia edilen kitapların yakılması, önceki müzik literatürünün önemli ölçüde kaybolmasına yol açtı. Bu dönemde guzheng önemli bir popülerlik kazandı; kanunun karakteristik özelliği olan taşınabilirliği ve daha yüksek sesi, yeni ortaya çıkan popüler müzik sahnesinin talepleriyle uyumludur. Daha sonra Han hanedanı (MÖ 202 - MS 220), Shang ve Zhou hanedanlarının "mükemmel olarak idealleştirilmiş" müziğini yeniden inşa etme çabalarına tanık oldu. Yuefu olarak bilinen bir Müzik Bürosu ya kuruldu ya da halk şarkılarını toplamakla görevlendirilen Han İmparatoru Wu döneminde en az MÖ 120'de zirveye ulaştı. Bu girişim ikili bir amaca hizmet etti: İmparatorluk Mahkemesi'nin halkın duygularını anlamasını sağladı ve bu şarkıları propaganda ve siyasi amaçlar için uyarlama ve manipüle etme fırsatı sağladı. Tören, eğlence odaklı ve askeri müzisyenleri çalıştıran Büro, aynı zamanda çeşitli mekanlarda performans sergiledi, yeni müzikler besteledi ve Sima Xiangru gibi önemli isimlerin sipariş ettiği şiirlere müzik hazırladı. Han hanedanı, Konfüçyüsçülüğü devlet felsefesi olarak resmen benimsedi ve bu, ganying teorilerinin hakimiyetine yol açtı. Ancak uygulamada birçok yetkili, Konfüçyüs'ün yayue'ye suyue müziğine olan yüksek saygısını göz ardı etti veya küçümsedi; genellikle daha canlı ve resmi olmayan ikincisini tercih etti. MÖ 7'ye gelindiğinde Büro'da 829 müzisyen çalışıyordu; o yıl İmparator Ai, mali kısıtlamaları ve Büro'nun Konfüçyüs ilkeleriyle çelişen suyue müziğini giderek daha fazla teşvik etmesini gerekçe göstererek departmanı ya feshetti ya da küçülttü. Han hanedanı, Orta Doğu ve Orta Asya'dan önemli miktarda yabancı müzik etkisi yaşadı. Gelişmekte olan İpek Yolu, müzik enstrümanlarının değişimini kolaylaştırdı ve Zhang Qian gibi gezginlerin yeni müzik türleri ve teknikleri tanıtmasına olanak sağladı. Bu kültürel aktarımdan kaynaklanan enstrümanlar arasında metal trompetler ve modern obua ve ud lavtasına benzeyen enstrümanlar vardı; ikincisi pipaya dönüştü. qing, panpipe ve özellikle qin-zither (veya guqin) gibi mevcut diğer enstrümanlar, qin-zither'in erdemli karakter ve ahlakla ilişkilendirilen, en çok saygı duyulan enstrüman haline gelmesiyle birlikte popülerliğinde önemli bir artış gördü.
Yunanistan
Yunan müziğinin belgelenmiş tarihi, antik Yunan tiyatrosunun önemli bir unsurunu oluşturduğu Antik Yunan'a dayanmaktadır. Bu dönemde, eğlence, kutlama etkinlikleri ve manevi törenler için gösterilere karma korolar katıldı. Dikkate değer enstrümanlar arasında, birincil nefesli çalgı olarak kabul edilen çift kamışlı aulos ve lir olarak bilinen telli çalgı, özellikle de onun özel versiyonu olan kithara yer alıyordu.
Hindistan
Antik Hint müziğiyle ilgili birincil kaynaklar metinsel ve ikonografiktir; Sanskritçe'de hayatta kalan teorik incelemeleri, genel edebiyattaki kısa referansları ve eski Hint müzisyenlerini ve enstrümanlarını tasvir eden çok sayıda heykeli kapsar. Vedalardan Kalidasa ve Ilango Adigal'in destansı Silappatikaram'ın bestelerine kadar uzanan eski Sanskritçe, Pali ve Prakrit edebi eserleri sıklıkla müzikal imalar içerir. Bununla birlikte, eski Hindistan'ın gerçek müzik uygulamalarına ilişkin kapsamlı bilgi sınırlı kalıyor ve mevcut veriler, gerçekliğin çok daha çeşitli olduğuna dair göstergelere rağmen, dönemin müziğine ilişkin bir şekilde tek tip bir görünüm sunma eğiliminde.
Yeni ufuklar açan sanat incelemesi Natya Shastra, Eski Hint müziğinin en eski ve en önemli kaynaklarından biri olarak duruyor; müzik bölümleri makul bir şekilde Gupta dönemine (MS 4. ila 6. yüzyıl) tarihlenmektedir.
Pers ve Mezopotamya
Ahameniş dönemine kadar uzanıyor
Günümüze ulaşan tarihi kayıtların azlığı nedeniyle, erken dönem Fars müziğinin kapsamlı bir şekilde yeniden yapılandırılması hâlâ zorludur. Pers müziğine dair doğrulanmış en eski kanıt, Elam'da yaklaşık olarak MÖ c. 3300–3100 dönemine tarihlenen kemerli arp tasvirlerini içerir; ancak bunların varlığı muhtemelen bu sanatsal temsillerden önceye dayanmaktadır. M.Ö. 2450 civarına tarihlenen Elam kökenli boğa lirleri Susa'da keşfedildi. Eş zamanlı olarak, Baktria ve Margiana'da c. 2200–1750 BCE Baktriya-Margiana Arkeolojik Kompleksi ile ilişkili 40'tan fazla küçük Oxus trompet gün ışığına çıkarıldı. Bu Oxus trompetlerinin önemli dini ve hayvani çağrışımları olduğu görülüyor; Jamshid'in hayvanları trompetle baştan çıkardığı bir Zerdüşt efsanesi, bunların Elamlılar tarafından avlanma amacıyla kullanıldığını ima eder. İran'ın yeni yeni ortaya çıkan müzik gelenekleri Mezopotamya'dakilerle önemli bağlantılar sergiliyor. Yaklaşık olarak MÖ c. 3000 yıllarına tarihlenen antik kemerli arplar da Mezopotamya'da mevcuttur ve sınırlı arkeolojik kayıtlar, enstrümanın kesin kültürel kökenini gizlemektedir. Mezopotamya Ur'da, çağdaş Elam örnekleriyle neredeyse aynı olmasına rağmen, ünlü Ur Boğa Başlı Liri de dahil olmak üzere önemli ölçüde daha fazla boğa liri korunmuştur. Pişmiş toprak plakalar, MÖ 2. yüzyılda 20 telli dikey ve dokuz telli yatay konfigürasyonlarda mevcut olan köşeli arpların kemerli arpın yerini aldığını gösteriyor. Lavtaların Mezopotamya'da en az MÖ 2300'de kullanıldığı bildirilirken, İran'daki görünümleri yaklaşık olarak MÖ. 1300'e kadar belgelenmemiştir; daha sonra Batı İran'da baskın yaylı çalgılar haline gelmişlerdir, ancak popülerliklerinin elit sınıfların ötesine uzandığını gösteren kanıtlar vardır. Kul-e Farah'taki kaya kabartmaları, ana enstrüman olarak kemerli arpın kullanıldığı, MÖ 1. yüzyılda sofistike Pers saray topluluklarının ortaya çıkışını göstermektedir. Bu özel kaya kabartmalarında müzisyenlerin dikkat çekici tasviri, onların dini törenlerdeki önemli rollerini ima ediyor.
Önceki dönemlere benzer şekilde, Ahameniş İmparatorluğu'nun (MÖ 550-330) müziğine ilişkin çok sınırlı çağdaş belgeler günümüze ulaşmıştır. Ahameniş müzik uygulamalarına ilişkin görüşlerin çoğunluğu Yunan tarihçilerin anlatımlarından elde edilmiştir. Herodot, Tarihler adlı eserinde, Ahameniş rahiplerinin ritüellerinde aulos müziğini kullanmaktan kaçındıklarını gözlemledi. Aynı zamanda Ksenophon, Cyropaedia adlı eserinde, Athenaeus'un kadın şarkıcıların varlığını daha da doğruladığını aktardı ve bunlardan 329'unun Makedon general Parmenion tarafından Krallar Kralı III. Darius'tan ele geçirildiğini kaydetti. Sonraki Farsça metinler, gōsān şair-müzisyen ozanlarının kraliyet sarayındaki önemini ve yüksek statüsünü doğruluyor.
Parth ve Sasani Dönemleri
Parth İmparatorluğu döneminde (MÖ 247'den MS 224'e kadar), müzik uygulamaları ve enstrümanlarının hem metinsel hem de ikonografik temsillerinde dikkate değer bir artış vardı. Antik başkent Nisa'da keşfedilen, MÖ 2. yüzyıldan kalma Part rhuta (içme boynuzları), o döneme ait müzisyenlerin en ayrıntılı tasvirlerinden bazılarını içeriyor. Pişmiş toprak plakalar da dahil olmak üzere ikonografik kanıtlar kadın arpçıları göstermektedir. Üstelik Babil'den gelen plaketlerde pan kavallar, çeşitli yaylı çalgılar (arp, lavta ve lir) ve vurmalı çalgılar (tef ve klaket) tasvir edilmiştir. Dura-Europos'un bronz heykelinde daha büyük pan borular ve çift aulos tasvir ediliyor. Müzik açıkça törenlerin ve kutlamaların ayrılmaz bir parçasıydı; Hatra'daki Part döneminden kalma bir taş friz, müzisyenlerin trompet, tef ve çeşitli flütlerle performans sergilediği bir düğün sahnesini tasvir ediyor. Daha fazla metinsel ve ikonografik veriler gōsān ozanlarının öneminin sürdüğünü gösteriyor. Bununla birlikte, Ahameniş dönemine benzer şekilde, Yunan yazarlar Part müziğiyle ilgili birincil bilgi kaynağı olmaya devam ediyor. Strabo, gōsān'ların tanrıların ve aristokratların hikayelerini anlatan şarkıları ezberlediklerini belgeledi. Plutarch da aynı şekilde Part kahramanlarını öven ve Romalı figürleri hicveden gōsān'i kaydetti. Plutarch ayrıca, Part ordusunun savaşa hazırlık tedbiri olarak rhoptra'yi (büyük davullar) konuşlandırmasını da bariz bir şaşkınlıkla kaydetti.
Sasani dönemi (MS 226-651), müzik faaliyetlerine dair önemli kanıtlar sağlar. Sasani belgelerinin bolluğu, İmparatorluk içinde, özellikle de Zerdüştlüğün yaygın olduğu bölgelerde, önemli bir müzik kültürünün varlığını göstermektedir. İmparatorluğun kurucusu I. Ardeşir ve V. Behram da dahil olmak üzere çok sayıda Sasani Şahanşah, müziğin coşkulu savunucularıydı. II. Hüsrev (r. 590–628), hükümdarlığı sıklıkla Pers müziğinin altın çağı olarak nitelendirilen önde gelen hamisi olarak öne çıktı. Hüsrev'in istihdam ettiği önemli müzisyenler arasında Āzādvar-e Changi (Azād olarak da bilinir), Bamshad, arpçı Nagisa (Nakisa), Ramtin, Sarkash ve aralarında en ünlüsü olan Barbad vardı. Bu müzisyenler tipik olarak ozan olarak görev yapıyor, hem saray şairleri hem de çalgıcı olarak hizmet ediyorlardı; bu da Sasani İmparatorluğu'nda şiir ve müzik arasındaki minimal farklılığı yansıtıyordu.
Diğer Arap ve Afrika Kültürleri
Günümüz Nijerya'sında yer alan Batı Afrika'nın Nok kültürü, yaklaşık olarak MÖ c. 500–200 döneminden itibaren gelişti ve arkasında önemli bir heykel koleksiyonu bıraktı. Bu eserler arasında, marakas olduğuna inanılan iki nesneyi sallayan bir figür gibi müzikal uygulamaların temsilleri yer alıyor. Ek olarak, heykellerden biri ağzı açık, potansiyel olarak şarkı söylediğini gösteren bir adamı tasvir ederken, bir diğeri davul çalan bir adamı tasvir ediyor.
Klasik Sonrası Dönem
Japon gagaku Müziği
Japonya imparatorluk sarayı, gagaku'yu ((雅楽); lit.'zarif müzik') geliştirdi. Gagakuryō imparatorluk müzik akademisi, MS 700'de Asuka döneminde kuruldu. Gagaku terimi, başlangıçta Konfüçyüs ritüel müziğini ifade eden Çince yayue kelimesinden gelirken, gagaku daha geniş bir tür, tarz ve enstrümantasyon yelpazesini kapsar. Tarihsel olarak, geleneğin ana türleri arasında wagaku (yerli Japon müziği), sankangaku (Kore'nin Üç Krallığı'ndan müzik) ve tōgaku (Çin'in Tang hanedanlığından müzik) ve toragaku, gigaku ve rin'yūgaku gibi daha az türler vardı. Dikkat çekici bir şekilde, 8. yüzyıldan 11. yüzyıla kadar uzanan gagaku müzik notalarının önemli bir kısmı hayatta kalmıştır; bu, o dönemin Asya müziği arasında nadir görülen bir durumdur.
gagaku müziğinde önemli bir dönüşüm, 9. yüzyılda tōgaku ve komagaku stilleri arasında net bir farklılaşmanın ortaya çıkmasıyla gerçekleşti. Çin geleneklerinden etkilenen ve rin'yūgaku geleneğiyle bütünleşen bir tarz olan Tōgaku, "Solun Müziği" (sahō) olarak adlandırıldı. Tersine, Komagaku, hem Kore'den (sankangaku) hem de Balhae'den (bokkaigaku) gelen müzikal etkileri bünyesinde barındıran "Sağ Müziği" (uhō) olarak adlandırıldı. Bu belirgin sınıflandırmaya rağmen, ayrım mutlak değildi ve tōgaku ve komagaku stilleri sıklıkla iç içe geçmiş ve karşılıklı etki yaratmıştı. Kapsamlı Heian dönemi (794-1185), çok sayıda festival ve tören etkinliğine eşlik eden gagaku müziğinin saray tarafından önemli ölçüde himayesine tanık oldu. Bu dönemde, saibara ve rōei şarkı formları da dahil olmak üzere birçok yeni tür geliştirildi. Gagaku toplulukları, çeşitli enstrümantasyonlarıyla karakterize edilir ve en büyük geleneksel Japon müzik oluşumlarını temsil eder.
Ortaçağ Avrupası
Çağdaş bilim insanları, 'Ortaçağ müziğini' tipik olarak Orta Çağ'ı, kabaca 6. yüzyıldan 15. yüzyıla kadar uzanan Batı Avrupa'nın müzik gelenekleri olarak tanımlar. Müziğin, Erken Orta Çağ'da inkar edilemez bir şekilde önemli bir yeri vardı; enstrümanların sanatsal temsilleri, müzik üzerine incelemeler ve diğer tarihi belgeler bunu kanıtlıyor. Bununla birlikte, MS 800'den günümüze kadar varlığını sürdüren tek müzik repertuvarı, ağırlıklı olarak Gregoryen ilahisi olarak bilinen, Roma Katolik Kilisesi'nin sade şarkılı ayin müziğidir. Müzik repertuarının adını aldığı ve kendisi de bir besteci olabilecek Papa I. Gregory'nin, mevcut yapısıyla ayinle ilgili müziğin kaynağı olduğu kabul edilir. Bununla birlikte, onun belirli katkılarını detaylandıran kaynaklar, ölümünden bir asırdan fazla bir süre sonrasına dayanıyor ve bu da birçok bilim insanının, onun tarihsel itibarının efsanevi anlatımlarla güçlendirildiğini öne sürmesine yol açıyor. İlahi repertuarının çoğunluğu, Gregory'nin dönemi ile Charlemagne'ın dönemi arasındaki yüzyıllar boyunca anonim olarak bestelendi.
9. yüzyıl müzikte birçok önemli ilerlemeye tanık oldu. Her şeyden önce Kilise, çeşitli ilahi geleneklerini standartlaştırmak için önemli bir çaba başlattı ve bunları büyük ölçüde Gregoryen ayini lehine bastırdı. Aynı zamanda, organum olarak bilinen çok sesli müziğin yeni ortaya çıkan biçimi paralel şarkı söyleme olarak ortaya çıktı. Müzik tarihinin gidişatı açısından en önemlisi, notaların yaklaşık beş yüzyıllık bir aradan sonra yeniden tesis edilmesiydi; ancak modern müzik pratiğinin perde ve ritmik kesinlik ve esneklik karakteristiğine sahip bir sistem birkaç yüzyıl daha tam olarak gelişemeyecekti.
1100'den sonra, önde gelen çokseslilik okulları ortaya çıktı. Bunlar arasında, sürekli bir bas üzerine bindirilmiş hızlı bir melodik çizgiyle karakterize edilen St. Martial organum okulu; 1200 civarında iki bölümden fazla müziğe öncülük eden, Léonin ve Pérotin gibi bestecilerin yer aldığı Notre Dame çokseslilik okulu; Codex Calixtinus'ta korunan müziğiyle, Orta Çağ'ın sonlarında çeşitli müzik geleneklerinin birleştiği önemli bir hac bölgesi olan Galiçya'daki Santiago de Compostela'nın kültürel açıdan zengin ortamı; ve besteleri Worcester Fragments ve Old Hall El Yazmalarında mevcut olan İngiliz ekolü. Bu kutsal müzik gelenekleriyle eşzamanlı olarak, ozanların, ozanların ve Minnesänger'in eserleriyle örneklenen dinamik bir seküler şarkı geleneği gelişti. Erken Rönesans laik müziğinin önemli bir kısmı daha sonra biçimlerini, kavramlarını ve estetik ilkelerini, kültürleri 13. yüzyılın başlarındaki Albigensian Haçlı Seferi sırasında büyük ölçüde yok edilen saray şairleri ve gezici müzisyenler olan ozanlardan almıştır.
13. yüzyılın sonları, motet, kondüktör, diskant ve clausulae dahil olmak üzere çeşitli kutsal müzik formlarının ortaya çıkışına tanık oldu. Ayırt edici bir gelişme, gezgin kırbaçlı gruplar tarafından iki farklı dönemde icra edilen müzik besteleri olan Geisslerlieder'di: Kilise tarafından bastırılmalarından önceki 13. yüzyılın ortaları ve uygulamalarının notaya alınmış müzikle kapsamlı bir şekilde belgelendiği 1350 civarında Kara Ölüm'ü çevreleyen ve hemen takip eden dönem. Bu repertuar, halk şarkısı unsurlarını pişmanlık veya kıyamet lirik temalarıyla harmanlıyordu. 14. yüzyıldaki Avrupa müzik tarihi, erken Rönesans idealleri ve estetiğiyle önemli yakınlıklarına rağmen, geleneksel olarak ortaçağ dönemi içinde sınıflandırılan ars nova tarzıyla ağırlıklı olarak karakterize edilir. Bu döneme ait mevcut müziğin önemli bir kısmı sekülerdir ve sıklıkla aynı terminolojinin şiirsel yapılarına paralel olan ballade, virelai, lai ve rondeau gibi *formes fixes*: kullanılır. Bu formlardaki çoğu beste, genellikle enstrümantal eşlik ettiği varsayılan bir ila üç ses içerir ve dikkate değer besteciler arasında Guillaume de Machaut ve Francesco Landini yer alır.
Bizans
395'ten 1453'e kadar uzanan Bizans İmparatorluğu, zengin ve çeşitli müzik uygulamaları geliştirmiştir. Hem kutsal hem de dünyevi müzik yaygındı; ilki dini hizmetlerin ayrılmaz bir parçasıydı ve ikincisi törenler, dramalar, baleler, ziyafetler, festivaller ve atletik yarışmalar dahil olmak üzere çok sayıda etkinliğe eşlik ediyordu. Yaygın çekiciliğine rağmen laik Bizans müziği, başta Jerome olmak üzere Kilise Babaları tarafından ciddi kınamalarla karşı karşıya kaldı. Kutsal müzik bestecileri, özellikle ilahiler ve ilahiler Bizans müzik tarihi boyunca genellikle iyi belgelenmiş olsa da, I. Justinianus'un saltanatından önceki kişiler büyük ölçüde belirsizliğini koruyor. Anthimos, Auxentios ve Timokles gibi keşişlerin troparia bestelediği biliniyor, ancak Auxentios'un yalnızca tek bir eserinin metni mevcut. Kontakion ilk önemli form olarak ortaya çıktı ve Melodist Romanos'un bunun en önde gelen temsilcisi olduğu kabul edildi. 7. yüzyılın sonlarında kanōn, popülerlik bakımından kontakion'u geride bıraktı; Giritli Andrew onun ilk büyük bestecisi olarak kabul edilir ve geleneksel olarak türün yaratıcısı olarak kabul edilir, ancak çağdaş bilim bu atıfları sorgulamaktadır. Kanōn, 8. yüzyılda Şamlı John ve Maiuma'lı Cosmas'ın besteleriyle zirveye ulaştı; bunu 9. yüzyılda Theodore of Studioos ve Theophanes the Branded izledi. Buna karşılık, laik müzik bestecileri çok daha az belgelenmiştir; Joannes Koukouzeles, Xenos Korones ve Joannes Glykys gibi isimler imparatorluk tarihinin yalnızca daha sonraki dönemlerinde ortaya çıkmıştır.
Bizans bestecileri, Batılı çağdaşları gibi, ağırlıklı olarak erkekti. Kassia, sticheron ilahilerinin üretken ve etkili bir bestecisi ve besteleri Bizans ayinlerine dahil edilen tek kadın olarak önemli bir istisnayı temsil ediyor. Thekla, Theodosia, Martha ve John Kladas'ın isimsiz kızı da dahil olmak üzere diğer birkaç kadın besteci olarak tanınırken, yalnızca ikincisinin hayatta kalan tek bir eseri, bir antifonu var. Ayrıca Bilge Leo VI ve VII. Konstantin gibi birçok Bizans imparatorunun da müzik bestelediği bilinmektedir.
Erken modern ve modern dönemler
Hint klasik müziği
Antik ve orta çağ dönemleri boyunca, Hint yarımadasındaki klasik müzik büyük ölçüde birleşik bir gelenek oluşturdu. Ancak 14. yüzyıla gelindiğinde Delhi Sultanlığı'nın başlattığı sosyo-politik istikrarsızlık, Kuzey ve Güney Hindistan'ın giderek daha fazla izolasyonuna yol açarak bağımsız bölgesel geleneklerin ortaya çıkmasını teşvik etti. 16. yüzyıla gelindiğinde iki farklı tarz tamamen gelişmişti: Kuzey'de Hindustani klasik müziği ve Güney'de Karnatik klasik müziği. Bu tarzlar arasındaki temel ayrım, Fars ve Arap müzik uygulamalarının Kuzey Hindustani geleneği üzerindeki önemli etkisidir. Buna karşılık, Karnatik müzik ağırlıklı olarak ibadete yöneliktir ve çoğu beste Hindu tanrılarına hitap eder.
Marga olarak bilinen Hint klasik müziği, talas aracılığıyla ritmik olarak düzenlenen tek bir melodik çizgiye veya ragaya dayanan monofonik yapısıyla karakterize edilir.
Batı klasik müziği
Rönesans
Müzikte Rönesans'ın başlangıcı diğer sanatsal disiplinlere göre daha az belirgindir ve diğer sanatlardan farklı olarak kökenleri İtalya'da değil Kuzey Avrupa'da, özellikle de şu anda orta ve kuzey Fransa, Hollanda ve Belçika'yı kapsayan bölgelerdeydi. Fransız-Flaman okulunun ilk kuşağını temsil eden Burgundyalı bestecilerin üslubu, 14. yüzyılın sonlarında ars subtilior'un aşırı karmaşıklığına ve üsluplu özelliklerine karşı bir tepki olarak ortaya çıktı. Bu yeni tarz, net, şarkı söylenebilen melodiler ve tüm seslerde dengeli çokseslilik içeriyordu. 15. yüzyılın ortalarında Burgonya okulunun önde gelen bestecileri arasında Guillaume Dufay, Gilles Binchois ve Antoine Busnois yer alır.
15. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, Aşağı Ülkeler ve komşu bölgelerden besteciler ve vokalistler Avrupa'ya, özellikle de İtalya'ya yayılmaya başladı. Orada papalık şapelinde ve Medici, Este ve Sforza aileleri gibi sanatın aristokrat patronlarında iş buldular. Bu müzisyenler, hem kutsal hem de dünyevi uygulamalara uyarlanabilen, kendilerine özgü yumuşak polifoni tarzlarını tanıttılar. Bu dönemdeki kutsal müzik kompozisyonunun başlıca biçimleri kitle, motet ve laude'u içermekteydi; laik biçimler ise chanson, frottola ve daha sonra madrigal'i kapsıyordu.
Basımın ortaya çıkışı, müzik tarzlarının yayılmasını derinden etkiledi ve bu, Fransız-Flaman müzisyenlerin göçüyle birleştiğinde, Charlemagne yönetimindeki Gregoryen ilahisinin standartlaştırılmasından bu yana Avrupa müziğinde ilk gerçek uluslararası tarzın oluşmasına katkıda bulundu. Fransız-Flaman okulunun orta kuşak bestecileri arasında, çeşitli dokular ve ayrıntılı kanonik araçlar içeren kontrpuanlı karmaşık müziğiyle tanınan Johannes Ockeghem; 15. yüzyılın son onyıllarının en ünlü bestecilerinden biri olan Jacob Obrecht; ve 16. yüzyılda her türden en büyük sanatçılardan biri olarak geniş çapta beğeni toplayan, Palestrina'dan önce Avrupa'nın tartışmasız en ünlü bestecisi Josquin des Prez. Sonraki nesil müzik, artan kontrpuan karmaşıklığını araştırdı; Nicolas Gombert'in besteleri belki de bu eğilimin en aşırı ifadesini temsil ediyordu. Onun karmaşık kontrpuanı, canzona ve ricercar gibi erken dönem enstrümantal müziği önemli ölçüde etkiledi ve sonuçta Barok fugal formlarla sonuçlandı.
16. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, uluslararası müzik tarzı parçalanmaya başladı ve bu da birçok farklı stilistik eğilimin ortaya çıkmasına yol açtı. Bunlar, Karşı Reform'un Trent Konseyi'nden etkilenen ve Giovanni Pierluigi da Palestrina'nın besteleriyle örneklenen, kutsal müzikte sadeliğe yönelik bir hareketi içeriyordu. Eş zamanlı olarak madrigal kompozisyon, artan karmaşıklığa ve kromatizme doğru evrildi ve en uç ifadesine Luzzaschi liderliğindeki Ferrara Okulu'nun avangard uygulamalarında ve son yüzyılın madrigalisti Carlo Gesualdo'nun eserlerinde ulaştı. Üçüncü önemli gelişme, çarpıcı antifonal kontrastlar elde etmek için San Marco di Venezia Bazilikası'nın mimari akustiğinden yararlanan Venedik okulunun görkemli ve gürültülü müziğiydi. Venedik okulunun 1600 civarında birkaç on yıl içinde ortaya çıkan yenilikleri, orkestrasyondaki ilerlemeleri, süslü enstrümantal parçaların birleştirilmesi ve sürekli basların tanıtılmasını kapsıyordu. Bu dönemin önemli Venedikli bestecileri arasında Andrea ve Giovanni Gabrieli'nin yanı sıra bu müzik çağının sonuna doğru önemli bir yenilikçi olarak duran Claudio Monteverdi de vardı.
16. yüzyılın sonuna gelindiğinde Avrupa'nın çoğu bölgesi canlı ve farklı müzik gelenekleri oluşturmuştu. İngiltere'de Thomas Tallis ve William Byrd gibi besteciler kıtasal tarzları yansıtan kutsal müzik üretirken, aralarında Thomas Morley, John Wilbye ve Thomas Weelkes'in de bulunduğu gelişen bir grup yerli madrigalist İtalyan madrigal formunu İngiliz hassasiyetlerine uyacak şekilde uyarladı. İspanya kendine özgü enstrümantal ve vokal tarzlarını geliştirdi; Tomás Luis de Victoria, Palestrina'nınkine benzeyen rafine kutsal müzik besteledi ve diğer birçok besteci, yeni ortaya çıkan gitar için yazdı. Almanya, kutsal müziğin temeli olarak Roma Katolik Gregoryen İlahisi'nin yerini alan Protestan korolarına dayanan çok sesli yapıları teşvik etti ve aynı zamanda Venedik okulunun tarzını da özümseyerek o bölgede Barok çağın başlangıcına işaret etti. Ayrıca, Hollandalı ve Alman besteciler, özellikle de Jan Pieterszoon Sweelinck, org literatürüne önemli katkıda bulunarak, J.S. Bach. Bu arada Fransa, Guillaume Costeley ve Claude Le Jeune'un bu hareketin önde gelen isimleri olduğu laik şansonlarda kullanılan *musique mesurée* adı verilen kendine özgü bir müzik diksiyonu geliştirdi.
Florentine Camerata'nın öncülüğünde, 1570'ler ve 1580'lerde Floransa'da bu dönemin son derece devrim niteliğindeki bir müzikal gelişimi ortaya çıktı. Paradoksal olarak amaçları gericiydi: çağdaş müzikal aşırılıklar olarak algıladıkları şeylerden hoşnutsuzluk duyarak, antik Yunan'ın müzik uygulamalarını yeniden canlandırmayı amaçladılar. Kilit üyeler arasında ünlü gökbilimcinin babası Vincenzo Galilei ve Giulio Caccini vardı. Çabaları, monodi adı verilen yüksek sesli melodik şarkı söyleme tarzının ve buna karşılık gelen sahnelenen dramatik türün artık opera olarak kabul edilmesiyle sonuçlandı. 1600 civarında bestelenen en eski operaların genellikle Rönesans'ın sonunu ve Barok dönemlerin başlangıcını tasvir ettiği düşünülür.
1600'den önce müzik kompozisyonu, daha sonraki tonal sistemin aksine ağırlıklı olarak modaldi. 16. yüzyılın sonlarındaki önemli teorik gelişmeler, özellikle Gioseffo Zarlino ve Franchinus Gaffurius'un diziler ve makamlar üzerine incelemeleri, doğrudan ortak pratik tonalitenin ortaya çıkmasını kolaylaştırdı. Majör ve minör diziler, geleneksel kilise modları üzerinde aşamalı olarak hakimiyet kazandı; bu, başlangıçta kompozisyonların kadans noktalarında en çok fark edilen, ancak sonunda her yerde yaygınlaşan bir değişim. 1600'den sonra Barok dönemin tonal eserlerinden başlayarak bestelenen müzikler sıklıkla yaygın uygulama dönemine ait olarak sınıflandırılır.
Barok dönem.
Barok dönemi, Barok sanatsal tarzın Avrupa çapında geliştiği ve müziğin kapsamı ve karmaşıklığı açısından önemli bir genişlemeye tanık olduğu 1600'den 1750'ye kadar olan dönemi kapsıyordu. Barok müziğin doğuşu genellikle bir orkestra eşliğinde dramatik solo vokal performanslarıyla karakterize edilen erken dönem operaların ortaya çıkışına atfedilir. Bu dönem boyunca, birden fazla eşzamanlı ve bağımsız melodik çizgiyi kullanan çok sesli kontrpuan müziği, ortaçağ vokal kompozisyonlarındaki temel rolünü geliştirerek önemini korudu. Almanya, İtalya, Fransa, Hollanda, Polonya, İspanya, Portekiz ve İngiltere dahil olmak üzere Avrupa'nın çeşitli bölgelerinden barok besteciler yaylı çalgılar, üflemeli çalgılar ve nefesli çalgılardan oluşan küçük toplulukların yanı sıra korolar ve borulu org, klavsen ve klavsen gibi klavyeli çalgılar için eserler yarattılar. Füg, icat, sonat ve konçerto gibi çeşitli temel müzik formları bu dönemde oluşturuldu ve daha sonraki dönemlerde daha da geliştirilmeye başlandı. Geç Barok tarzı, çoksesliliği ve zengin süslemeleri açısından oldukça karmaşıktı. Barok dönemin önde gelen bestecileri arasında Jan Pieterszoon Sweelinck, Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann, Domenico Scarlatti ve Antonio Vivaldi yer alıyor.
Klasik
Klasik dönem müziği, armonik eşlikle desteklenen belirgin bir melodik çizgiye sahip olan homofonik dokusuyla öne çıkar. Bu yeni melodiler genellikle bir vokal kalitesine ve söylenebilirliğe sahipti, böylece birincil müzikal odak noktası vokalistlerden bestecilerin enstrümantal yaratımlarına kaydı. Sonuç olarak enstrümantal müzik, izleyiciler için tercih edilen araç ve kompozisyon mükemmelliği için bir referans noktası olarak opera ve oratoryo gibi diğer vokal türlerinin yerini aldı. Yine de opera varlığını sürdürdü; Klasik dönemde, bestecilerin ağırlıklı olarak İtalyan geleneğinden ayrılarak, daha geniş kamu tüketimi için yerel dillerde operalar yaratmaya başlamasıyla dikkate değer bir eğilim ortaya çıktı.
Vokalin öne çıkmasından daha sağlam ve farklı enstrümantal melodilere doğru ilerleyen geçişle eş zamanlı olarak, kontrpuan genellikle daha dekoratif bir role dönüştü ve sıklıkla bir eserin sonuna yakın veya tek bir hareket içinde ortaya çıktı. Tersine, piyano kompozisyonlarındaki arpejler ve Alberti bas (tekrarlanan sol el figürü) gibi daha basit eşlik eden desenler, ek, potansiyel olarak dikkat dağıtıcı, melodik çizgiler eklemeden müzik hareketlerini canlandırmak için kullanıldı. Giderek daha popüler hale gelen enstrümantal müziğe birkaç iyi tanımlanmış form hakim oldu: sonat, senfoni ve konçerto, ancak bunların teorik kodlanması ve pedagojik uygulamaları çağdaş müzik teorisindeki kadar resmileştirilmemişti. Bu formlar temel olarak, hem tüm bir eserin kapsayıcı yapısal ilkesi hem de bireysel hareketlerin iç organizasyonu olarak işlev gören sonat formundan türemiştir. Klasik dönem, sonat formunun olgunlaşmasına tanık olmuş ve 19. yüzyıl boyunca enstrümantal kompozisyonların baskın yapısal çerçevesi haline gelmiştir.
Erken Klasik dönem, Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz ve Christian Cannabich gibi bestecilerin de dahil olduğu Mannheim Okulu tarafından başlatılmıştır. Bu kurum, daha sonraki çalışmaları Avrupa müziğinin gidişatını şekillendiren Joseph Haydn'ı derinden etkiledi. Wolfgang Amadeus Mozart, Klasik dönemin en önemli figürü olarak duruyor; tüm türlerdeki olağanüstü ve çeşitli eserleri, dönemin müzikal kimliğini temelden tanımlıyor. Ludwig van Beethoven ve Franz Schubert, yerleşik müzik türlerini, formlarını ve işlevsel uygulamalarını yenilikçi bir şekilde genişleterek Romantik döneme köprü kuran önemli geçiş dönemi bestecileri olarak hizmet ettiler.
Romantik
Romantik dönemde müzikal ifade yoğunlaştı, duygusal açıdan daha yüklü hale geldi ve edebi, sanatsal ve felsefi hareketlerle bütünleşti. Önemli erken romantik besteciler arasında Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti ve Berlioz vardı. 19. yüzyılın sonları orkestra ölçeğinde önemli bir artışa ve kentsel sosyal yapılarda konserlerin artan önemine tanık oldu. Bu yüzyılın ikinci yarısının önde gelen bestecileri arasında II. Johann Strauss, Brahms, Liszt, Çaykovski, Verdi ve Wagner yer alıyordu. 1890'dan 1910'a kadar, aralarında Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini ve Sibelius'un da bulunduğu sonraki nesil besteciler, orta romantik öncüllerinin attığı temelleri genişleterek, karmaşıklığı artan ve genellikle daha uzun süreli müzik besteleri geliştirdiler. 19. yüzyıl sonu müziğinin ayırt edici bir özelliği, Dvořák, Sibelius ve Grieg gibi figürlerin örneklediği belirgin milliyetçi coşkuydu. Bu dönemin diğer etkili bestecileri arasında Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy ve Rimsky-Korsakov da vardı.
Yirminci Yüzyıl
Yirminci yüzyıl, radyonun dünya çapında yaygınlaşması ve müzik içeriğini kaydetme, düzenleme ve yaymaya yönelik yeni medya ve teknolojilerin ortaya çıkmasıyla birlikte müzik tüketimi açısından dönüştürücü bir çağa işaret etti. Müzikal performanslar, yayın ve kayıt yoluyla giderek daha görsel bir boyut kazandı.
Yirminci yüzyıl müziği, benzeri görülmemiş bir sanatsal özgürlük ve kapsamlı deneyler sunarak, önceki dönemlerin yerleşik müzik geleneklerine temelden meydan okuyan yeni tarzları ve biçimleri teşvik etti. Yirminci yüzyılın ortalarında müzikal amplifikasyonun ve elektronik enstrümanların, özellikle sentezleyicinin ortaya çıkışı, hem klasik hem de popüler müzikte derin bir devrim yarattı ve böylece yeni müzik formlarının evrimini hızlandırdı.
Klasik müzik içinde yüzyılın gidişatı esas olarak iki temel düşünce okulu tarafından şekillendirildi: Arnold Schoenberg ve Igor Stravinsky ile ilişkilendirilenler. Bununla birlikte, çok sayıda başka bestecinin de önemli etkileri olmuştur. Bunlar arasında Béla Bartók, Anton Webern, Dmitri Shostakovich, Olivier Messiaen, John Cage, Benjamin Britten, Karlheinz Stockhausen, Sofia Gubaidulina, Krzysztof Penderecki, Brian Ferneyhough ve Kaija Saariaho vardı.
Yirminci yüzyıl, geniş bir ilgi alanına sahip müzik olarak tanımlanan popüler müziğin benzersiz bir küresel yayılımına tanık oldu. Bu terimin doğuşu, 1880'lerde New York City'de ortaya çıkan etkili müzisyenler ve yayıncılardan oluşan bir kolektif olan American Tin Pan Alley'e kadar izlenebilir. Popüler müzik zaman zaman "pop müzik" olarak anılsa da, bu terimler tutarlı bir şekilde birbirinin yerine kullanılamaz. Popüler müzik, geniş bir demografiye hitap eden çeşitli türleri kapsarken, pop müzik genellikle daha geniş bir popüler müzik kategorisi içindeki belirli bir türü ifade eder. Popüler müzikteki besteler genellikle kolayca söylenebilen melodiler içerir. Popüler müziğin yapısal çerçevesi sıklıkla, kompozisyon boyunca yinelenen mısralar, korolar veya nakaratlarla bölümsel tekrarları içerirken, köprü tipik olarak zıt ve geçişli bir bölüm sunar.
Referanslar
Notlar
Alıntılar
Kaynaklar
Moldenhauer Arşivlerinden Birincil Kaynak Müzik Tarihi, Kongre Kütüphanesi.
- Kongre Kütüphanesi Moldenhauer Arşivlerindeki Birincil Kaynaklardan Müzik Tarihi
- On ciltlik Garland Dünya Müziği Ansiklopedisi'nin tamamı (abonelik gereklidir).