Art Deco

Art Déco, uma abreviatura do termo francês Arts decoratifs (literalmente, lit. 'Artes Decorativas'), denota um estilo proeminente nas artes visuais, arquitetura e design de produtos. Emergindo em Paris durante a década de 1910, pouco antes da Primeira Guerra Mundial, alcançou proliferação internacional entre a década de 1920 e o início da década de 1930, influenciando o design estético e estrutural de objetos, desde grandes edifícios até pequenos itens, incluindo roupas, moda e joias. O impacto generalizado do Art Déco é perceptível em estruturas como arranha-céus, cinemas, pontes e transatlânticos, bem como em trens, carros, caminhões, ônibus, móveis e objetos do cotidiano como rádios e aspiradores de pó.

Art Déco, abreviação de Arts décoratifs (lit.'Decorative Arts'), é um estilo de artes visuais, arquitetura e design de produtos que apareceu pela primeira vez em Paris na década de 1910, pouco antes da Primeira Guerra Mundial e floresceu internacionalmente durante a década de 1920 até o início da década de 1930, através do estilo e design do exterior e interior de qualquer coisa, desde grandes estruturas a pequenos objetos, incluindo roupas, moda e jóias. Art Déco influenciou edifícios, desde arranha-céus a cinemas, pontes, transatlânticos, trens, carros, caminhões, ônibus, móveis e objetos do cotidiano, incluindo rádios e aspiradores de pó. Exposição de Artes Decorativas e Industriais Modernas) em Paris. Sua gênese estilística pode ser atribuída à pronunciada estética geométrica da Secessão de Viena e do Cubismo. As primeiras influências no Art Déco incluíram as paletas vibrantes do Fauvismo e dos Ballets Russes, juntamente com as tradições artísticas exotizadas da China, Japão, Índia, Pérsia, antigo Egito e da civilização maia. Durante seu período inicial, o estilo foi referido por várias designações, como estilo moderno, Moderno, modernista ou estilo contemporâneo, e não era então percebido como um movimento artístico singular e coeso.

No seu apogeu, o Art Déco incorporava conceitos de luxo, glamour, exuberância e uma crença otimista no avanço social e tecnológico. O movimento caracterizou-se pela incorporação de materiais raros e caros, incluindo ébano e marfim, aliados a um artesanato excepcional. Além disso, foi pioneira no uso de novos materiais, como cromagem, aço inoxidável e plástico. Exemplos arquitetônicos notáveis ​​desse estilo das décadas de 1920 e 1930 na cidade de Nova York incluem o Empire State Building e o Chrysler Building. Globalmente, Miami Beach, Flórida, abriga a mais extensa coleção de arquitetura Art Déco.

A estética Art Déco passou por uma moderação durante a Grande Depressão. A década de 1930 testemunhou o surgimento do Streamline Moderne, uma variante refinada caracterizada por formas curvilíneas e acabamentos elegantes e polidos. Embora o Art Déco tenha alcançado reconhecimento internacional, a sua preeminência diminuiu após o início da Segunda Guerra Mundial, cedendo aos princípios funcionais e minimalistas da arquitetura moderna e do Estilo Internacional.

Terminologia

A designação 'Art Déco', abreviatura de Arts Décoratifs, originou-se da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, realizada em Paris em 1925. Na França, a classificação de arts décoratifs foi inicialmente documentada no Bulletin de la Société française de photography de 1858. Posteriormente, em 1868, Le Figaro empregou a frase objets d'art decoratifs para descrever adereços de palco criados para o Théâtre de l'Opéra. Em 1875, o governo francês reconheceu formalmente vários artesãos, incluindo designers de móveis, artesãos têxteis, joalheiros e vidreiros, como artistas. A École nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD) foi fundada em 1920, solidificando ainda mais o reconhecimento institucional das artes decorativas.

O termo preciso Art déco apareceu impresso pela primeira vez em 1966, como parte do título da exposição moderna inaugural dedicada ao tema: Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. Esta exposição, organizada pelo Museu de Artes Decorativas de Paris, abrangeu uma gama de estilos significativos das décadas de 1920 e 1930. Posteriormente, Hillary Gelson utilizou o termo em um artigo de 1966 publicado no The Times, onde descreveu os diversos estilos apresentados na exposição.

O termo 'Art Déco' alcançou amplo reconhecimento como descritor estilístico em 1968, coincidindo com a publicação do primeiro trabalho acadêmico significativo sobre o assunto pelo historiador Bevis Hillier, intitulado Art Déco dos anos 20 e 30. Hillier observou que o termo já era usado entre negociantes de arte, citando referências como The Times (2 de novembro de 1966) e um ensaio intitulado Les Arts Déco na revista Elle (novembro de 1967) como prova. Em 1971, Hillier foi curador de uma exposição no Minneapolis Institute of Arts, que está amplamente documentada em sua publicação subsequente, The World of Art Deco.

Mike Hope enumera inúmeras designações alternativas empregadas para a arquitetura Art Déco, incluindo: Odeon Style, Liberty style, Style Moderne, Jazz Moderne, Zigzag Moderne, British Moderne, Nautical Moderne, Modern Ship Style, Pacqueboat Style, Ocean Liner Style, White Modern, Futurist Art Deco, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderne, PWA Moderne, PWA/WPA Moderne, Federal Moderne, Depression Moderne, Classical Moderne, Modernismo Clássico, Clássico Modernista, Escola de Chicago, Cubismo Arquitetônico Tcheco, Futurismo Italiano, Escola da Pradaria, Teatro Atmosférico, Med Deco, Escola de Amsterdã, Nieuwe Zakelijkheid (Nova Objetividade), Renascimento Maia, Secessão Japonesa, Estilo Pueblo Espanhol, Pueblo Deco, Romantismo Nacional Finlandês, Neogótico, Neo-Bizantino, Neo-Egípcio, Missão Espanhola, Escola Internacional, Europeia Estilo Internacional, Wiener Werkstätte, Classicismo Livre, Neoclassicismo Despojado, Classicismo Livre Deco, Classicismo Despojado, Moderno Transicional e Vogue Regency.

Origens

Novos materiais e tecnologias

O surgimento e as características estéticas do Art Déco foram fundamentalmente moldados por materiais e tecnologias inovadoras, especialmente o concreto armado. François Coignet construiu a casa inaugural de concreto em 1853 nos subúrbios parisienses. Posteriormente, em 1877, Joseph Monier foi pioneiro no conceito de reforço de concreto através da integração de uma malha de barras de ferro dispostas em configuração de grade. Auguste Perret avançou ainda mais nisso em 1893, erguendo a primeira garagem de concreto de Paris, seguida por um prédio de apartamentos, uma residência privada e, finalmente, em 1913, o Théâtre des Champs-Élysées. Um crítico notoriamente menosprezou o teatro como o "Zeppelin da Avenida Montaigne", atribuindo seu design a uma suposta influência germânica derivada da Secessão de Viena. Após este período, a maioria das estruturas Art Déco foram construídas em concreto armado, material que proporcionou maior flexibilidade formal e reduziu a necessidade de pilares e colunas estruturais. Perret também inovou ao revestir superfícies de concreto com ladrilhos cerâmicos, servindo tanto para funções protetoras quanto decorativas. Le Corbusier, o renomado arquiteto, inicialmente adquiriu conhecimento de aplicações de concreto armado durante sua gestão como desenhista no estúdio de Perret.

Avanços tecnológicos adicionais cruciais para o Art Déco incluíram novas técnicas para fabricação de placas de vidro, que reduziram custos e facilitaram a criação de janelas significativamente maiores e mais robustas. Além disso, a produção em massa de alumínio tornou-se fundamental, inicialmente para edifícios e caixilhos de janelas e, posteriormente, através do trabalho de Corbusier, Warren McArthur e outros designers, para móveis leves.

A Secessão de Viena e Wiener Werkstätte (1897–1912)

Os arquitetos associados à Secessão de Viena, fundada em 1897, especialmente Josef Hoffmann, exerceram influência significativa no movimento Art Déco. O Palácio Stoclet de Hoffmann em Bruxelas (1905–1911) serviu como um exemplo arquetípico do nascente estilo Art Déco, caracterizado por seus volumes geométricos, composição simétrica, formas retilíneas, superfícies de concreto adornadas com placas de mármore, ornamentação meticulosamente esculpida e interiores opulentos, notavelmente apresentando frisos de mosaico de Gustav Klimt. Além disso, Hoffmann cofundou o Wiener Werkstätte (1903–1932), um influente coletivo de artesãos e designers de interiores dedicados à estética emergente. Esta organização posteriormente inspirou a formação da Compagnie des arts français em 1919, que uniu André Mare e Louis Süe, que se tornaram proeminentes designers e decoradores franceses de Art Déco.

Sociedade de Artistas Decorativos (1901–1945)

A génese da Art Déco esteve intrinsecamente ligada à elevada posição dos artistas decorativos, que antes eram classificados apenas como artesãos até finais do século XIX. Na França, a designação arts décoratifs ganhou popularidade à medida que o prestígio das artes decorativas aumentava. Em 1875, o governo francês reconheceu formalmente os designers de móveis, os fabricantes de têxteis e outros artesãos qualificados como artistas legítimos. A Société des artistes decorateurs (Sociedade de Artistas Decorativos), abreviadamente SAD, foi criada em 1901, concedendo aos artistas decorativos direitos de autoria equivalentes aos detidos por pintores e escultores. Uma evolução artística paralela ocorreu na Itália, culminando na Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 em Turim, a exposição internacional inaugural exclusivamente dedicada às artes decorativas.

Paris viu a criação de vários novos periódicos dedicados às artes decorativas, nomeadamente Arts et décoration e L'Art décoratif moderne. Seções específicas para artes decorativas foram incorporadas às exposições anuais da Sociéte des artistes français, seguidas de sua inclusão no Salon d'Automne. O nacionalismo francês também contribuiu para o renascimento das artes decorativas, impulsionado pelas preocupações dos designers franceses com o crescente influxo de mobiliário alemão mais acessível. Em 1911, a SAD propôs uma significativa exposição internacional de artes decorativas, inicialmente prevista para 1912. Esta exposição pretendia apresentar exclusivamente criações modernas, proibindo explicitamente as reproduções de estilos históricos. O evento foi posteriormente adiado para 1914 e depois, devido à guerra, adiado ainda mais para 1925, altura em que emprestou o seu nome a todo o movimento estilístico conhecido como "Déco".

As lojas de departamentos e os designers de moda parisienses foram fundamentais para o surgimento do Art Déco. Empresas líderes, incluindo o fabricante de prataria Christofle, o artista de vidro René Lalique e os joalheiros Louis Cartier e Boucheron, começaram a desenvolver produtos em estilos contemporâneos. A partir de 1900, as lojas de departamentos começaram a empregar artistas decorativos em seus estúdios de design dedicados. O esquema decorativo do Salon d'Automne de 1912 foi atribuído à loja de departamentos Printemps, que posteriormente estabeleceu sua própria oficina, Primavera, no mesmo ano.

Em 1920, Primavera havia se expandido para incluir mais de 300 artistas, cuja produção criativa abrangia um espectro de interpretações modernizadas de Luís XIV, Luís XVI e, particularmente, Móveis Louis Philippe, elaborados por Louis Süe e pela oficina Primavera, até designs mais contemporâneos provenientes da oficina da loja de departamentos Au Louvre. Em contraste, designers como Émile-Jacques Ruhlmann e Paul Follot evitaram a produção em massa, defendendo o artesanato individual de cada item. A nascente estética Art Déco foi caracterizada por materiais opulentos e raros como ébano, marfim e seda, juntamente com paletas de cores vibrantes e motivos estilizados, nomeadamente cestas e diversos arranjos florais, que coletivamente conferiam uma aparência modernista.

Durante seu período de formação entre 1910 e 1914, o Art Déco se manifestou como uma exibição cromática vibrante, caracterizado por tons brilhantes e frequentemente contrastantes, muitas vezes incorporados em padrões florais em estofados de móveis, tapetes, telas, papel de parede e tecidos. Numerosas peças coloridas, como cadeiras e uma mesa de Maurice Dufrêne e um vívido tapete Gobelin de Paul Follot, foram exibidas no Salon des artistes décorateurs de 1912. Entre 1912 e 1913, o designer Adrien Karbowsky criou uma cadeira floral adornada com motivos de papagaio para o pavilhão de caça do colecionador de arte Jacques Doucet. Os designers de móveis Louis Süe e André Mare estrearam-se na exposição de 1912 sob o nome de Atelier français, onde integraram tecidos policromáticos com materiais luxuosos e exóticos, como o ébano e o marfim. Após a Primeira Guerra Mundial, sua empresa ganhou destaque entre as empresas francesas de design de interiores, mobiliando salões e cabines de primeira classe dos transatlânticos franceses.

No seu nascimento, entre 1910 e 1914, o Art Déco foi uma explosão de cores, apresentando matizes brilhantes e muitas vezes conflitantes, frequentemente em desenhos florais, apresentados em estofados de móveis, tapetes, biombos, papéis de parede e tecidos. Muitas obras coloridas, incluindo cadeiras e uma mesa de Maurice Dufrêne e um brilhante tapete Gobelin de Paul Follot foram apresentadas no Salon des artistes décorateurs de 1912. Em 1912-1913, o designer Adrien Karbowsky fez uma cadeira floral com desenho de papagaio para o pavilhão de caça do colecionador de arte Jacques Doucet. Os designers de mobiliário Louis Süe e André Mare apareceram pela primeira vez na exposição de 1912, sob o nome de Atelier français, combinando tecidos policromáticos com materiais exóticos e caros, incluindo ébano e marfim. Após a Primeira Guerra Mundial, eles se tornaram uma das mais proeminentes empresas francesas de design de interiores, produzindo móveis para os salões e cabines de primeira classe dos transatlânticos franceses.

A paleta de cores vibrantes característica do Art Déco inspirou-se em diversas origens, notadamente nos designs exóticos de palco criados por Léon Bakst para os Ballets Russes, que cativaram o público parisiense pouco antes da Primeira Guerra Mundial. Certas cores foram influenciadas pelo movimento Fauvismo anterior, liderado por Henri Matisse; outros pelo Orfismo de artistas como Sonia Delaunay; e ainda outras do movimento Les Nabis, além das criações do pintor simbolista Odilon Redon, que concebeu telas de lareira e diversos itens decorativos. Tons brilhantes foram uma marca registrada da obra do estilista Paul Poiret, que impactou significativamente tanto a moda Art Déco quanto o design de interiores.

O Théâtre des Champs-Élysées, construído entre 1910 e 1913 por Auguste Perret, é o edifício histórico Art Déco inaugural concluído em Paris. Antes disso, o concreto armado era empregado exclusivamente em estruturas industriais e residenciais; O próprio Perret já havia concluído o primeiro prédio moderno de apartamentos de concreto armado de Paris, na rue Benjamin Franklin, entre 1903 e 1904. Henri Sauvage, outro arquiteto importante que mais tarde contribuiria para a Art Déco, ergueu uma estrutura semelhante em 1904 na rue Trétaigne, 7.

O Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913), de Auguste Perret, foi o primeiro edifício histórico Art Déco concluído em Paris. Anteriormente, o concreto armado era usado apenas para edifícios industriais e de apartamentos. Perret construiu o primeiro prédio moderno de apartamentos de concreto armado em Paris, na rue Benjamin Franklin, em 1903-04. Henri Sauvage, outro importante futuro arquiteto Art Déco, construiu outro em 1904 na rue Trétaigne, 7 (1904).

De 1908 a 1910, Le Corbusier, então com 21 anos, atuou como desenhista no escritório de Perret, adquirindo experiência em métodos de construção em concreto. Os projetos arquitetônicos de Perret, caracterizados por suas formas retangulares limpas, ornamentação geométrica e linhas retas, prenunciaram as características distintivas do Art Déco. O design interior do teatro foi igualmente inovador, apresentando altos relevos de Antoine Bourdelle na fachada, uma cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard e uma cortina Art Déco de Ker-Xavier Roussel. Este local acolheu nomeadamente inúmeras apresentações inaugurais dos Ballets Russes. Na década de 1920, Perret e Sauvage emergiram como proeminentes arquitetos Art Déco em Paris.

Cubismo

Originado na França entre 1907 e 1912, o movimento artístico cubista influenciou significativamente a evolução do Art Déco. Alistair Duncan observou:

"O cubismo, de uma forma bastarda ou outra, tornou-se a língua franca dos artistas decorativos da época."

Os artistas cubistas foram notavelmente influenciados por Paul Cézanne, demonstrando interesse em reduzir as formas aos seus componentes geométricos fundamentais: o cilindro, a esfera e o cone.

Em 1912, os artistas associados à Seção d'Or apresentaram obras que eram significativamente mais compreensíveis ao público em comparação com o cubismo analítico de Picasso e Braque. Essa acessibilidade posicionou a estética cubista para atrair designers de moda, móveis e interiores.

No Salon d'Automne de 1912, na seção Art Décoratif, uma instalação arquitetônica intitulada La Maison Cubiste foi exibida. Raymond Duchamp-Villon desenhou a fachada, enquanto André Mare foi o responsável pela decoração interior. La Maison Cubiste era uma exposição totalmente mobiliada, com fachada, escada, corrimão de ferro forjado, quarto e sala de estar - especificamente o Salon Bourgeois - que exibia pinturas de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye. Milhares de participantes no salão exploraram este modelo em escala real.

A fachada da casa de Duchamp-Villon, embora incorporando vergas e frontões prismáticos, não foi considerada excepcionalmente radical pelos padrões contemporâneos, assemelhando-se em grande parte à arquitetura típica da época. Em contraste, os designs de Mare para os dois quartos interiores foram revolucionários, apresentando papel de parede com rosas estilizadas e padrões florais, ao lado de estofados, móveis e tapetes adornados com motivos extravagantes e vibrantes, marcando um claro afastamento da decoração convencional. O crítico Emile Sedeyn, escrevendo na revista Art et Décoration, descreveu o trabalho de Mare: “Ele não se envergonha da simplicidade, pois multiplica flores onde quer que possam ser colocadas. O elemento cubista dentro da instalação resultou principalmente das pinturas expostas. Apesar dos ataques críticos iniciais que o rotularam como extremamente radical, esta controvérsia contribuiu para o seu sucesso generalizado. A instalação arquitetônica posteriormente viajou para o Armory Show de 1913 na cidade de Nova York, Chicago e Boston. Esta exposição popularizou significativamente o termo "Cubista", levando à sua aplicação a várias tendências modernas, desde penteados femininos até moda e produções teatrais.

As influências cubistas persistiram no Art Déco, mesmo quando o movimento se diversificou em inúmeras outras direções estilísticas.

A geometria esboçada do cubismo tornou-se a moeda do reino na década de 1920. O desenvolvimento da geometria seletiva do cubismo pelo Art Déco em uma gama mais ampla de formas levou o cubismo como uma taxonomia pictórica a um público muito mais amplo e a um apelo mais amplo. (Richard Harrison Martin, Museu Metropolitano de Arte)

Influências

Estilos europeus anteriores à Primeira Guerra Mundial

Art Déco abrangia uma gama diversificada de estilos, muitas vezes exibindo características contraditórias, em vez de representar uma estética singular. Arquitetonicamente, o Art Déco emergiu como um sucessor e um contraponto estilístico contra o Art Nouveau, que floresceu em toda a Europa entre 1895 e 1900. Também coexistiu com as Beaux-Arts predominantes e os movimentos neoclássicos na arquitetura europeia e americana. Em 1905, Eugène Grasset publicou Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, uma obra que explorou sistematicamente as dimensões decorativas (ornamentais) de elementos geométricos, formas, motivos e suas variações. Esta publicação apresentou um claro afastamento do estilo ondulante Art Nouveau, exemplificado por Hector Guimard, que era muito popular em Paris apenas alguns anos antes. Grasset enfatizou o princípio fundamental de que várias formas geométricas simples, como triângulos e quadrados, sustentam todos os arranjos composicionais. As estruturas de concreto armado projetadas por Auguste Perret e Henri Sauvage, particularmente o Théâtre des Champs-Élysées, introduziram metodologias construtivas e decorativas inovadoras que foram posteriormente emuladas globalmente.

Influências de civilizações antigas e globais

No domínio da decoração, o Art Déco integrou extensivamente diversos elementos estilísticos. Essas influências abrangeram a arte global pré-moderna, facilmente acessível para estudo em instituições como o Musée du Louvre, o Musée de l'Homme e o Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. Além disso, um crescente fascínio público pela arqueologia, estimulado por escavações significativas em Pompéia, Tróia e pela descoberta da tumba do faraó Tutancâmon da 18ª dinastia, contribuiu para esse empréstimo eclético. Consequentemente, artistas e designers sintetizaram motivos derivados do antigo Egito, África, Mesopotâmia, Grécia, Roma, Ásia, Mesoamérica e Oceania com a estética contemporânea da Era da Máquina.

Integração dos movimentos de vanguarda do início do século XX

Influências estilísticas adicionais incorporadas ao Art Déco incluíram Futurismo, Orfismo, Funcionalismo e o movimento modernista mais amplo. O cubismo, quando adaptado das belas-artes para aplicações decorativas como têxteis ou papel de parede, revelou o seu potencial decorativo inerente à estética Art Déco. Sonia Delaunay conceituou notavelmente seus designs de vestidos de maneira abstrata e geométrica, descrevendo-os como "pinturas vivas ou esculturas de formas vivas". Louis Barrilet também produziu designs de inspiração cubista para os vitrais do bar americano do Atrium Casino em Dax (1926), incorporando engenhosamente os nomes dos coquetéis da moda. Arquitetonicamente, a interação pronunciada entre volumes horizontais e verticais, uma característica compartilhada pelo construtivismo russo e pelos princípios de design de Frank Lloyd Wright e Willem Marinus Dudok, tornou-se uma técnica predominante para articular fachadas Art Déco em vários tipos de edifícios, desde residências privadas e blocos de apartamentos até cinemas e postos de gasolina. Além disso, o Art Déco inspirou-se nas paletas de cores e designs vibrantes, muitas vezes conflitantes, do Fauvismo, particularmente evidentes nas obras de Henri Matisse e André Derain, que influenciaram os têxteis Art Déco, o papel de parede e a cerâmica pintada. O movimento também assimilou elementos da alta costura contemporânea, caracterizados por padrões geométricos, divisas, ziguezagues e arranjos florais estilizados. Outras influências resultaram de descobertas na egiptologia e de um interesse crescente pela arte oriental e africana. Após 1925, o fascínio por máquinas emergentes, incluindo dirigíveis, automóveis e transatlânticos, serviu frequentemente de inspiração, culminando em 1930 no estilo distinto conhecido como Streamline Moderne.

A Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas (1925)

A Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, realizada em Paris de abril a outubro de 1925, representou o auge do estilo Art Déco e conferiu-lhe o seu nome duradouro. Patrocinado oficialmente pelo governo francês, este amplo evento abrangeu um terreno de 55 acres em Paris, estendendo-se desde o Grand Palais, na margem direita, até Les Invalides, na margem esquerda, e ao longo das margens do Sena. O Grand Palais, o maior salão de exposições da cidade, exibiu artes decorativas das nações participantes. A exposição contou com 15.000 expositores representando vinte países, incluindo Áustria, Bélgica, Checoslováquia, Dinamarca, Reino Unido, Itália, Japão, Holanda, Polónia, Espanha, Suécia e a nascente União Soviética. A Alemanha não recebeu o convite devido às tensões do pós-guerra, enquanto os Estados Unidos recusaram a participação, tendo interpretado mal o objetivo central da exposição. Ao longo dos sete meses de duração, o evento atraiu dezesseis milhões de visitantes. Uma regra fundamental da exposição determinava que todas as obras expostas seguissem a estética moderna, proibindo estritamente estilos históricos. O objetivo principal da Exposição era promover os fabricantes franceses de bens de luxo, incluindo móveis, porcelana, vidro, metalurgia e têxteis. Para promover este objectivo, todas as grandes lojas de departamentos parisienses e designers proeminentes estabeleceram os seus próprios pavilhões. Um objetivo secundário da Exposição era apresentar produtos das colônias francesas na África e na Ásia, como marfim e madeiras exóticas.

O Hôtel du Collectionneur emergiu como uma atração notável na Exposição, apresentando novos designs de móveis de Emile-Jacques Ruhlmann, ao lado de tecidos Art Déco, tapetes e uma pintura de Jean Dupas. Seu design interior aderiu aos princípios de simetria e formas geométricas, distinguindo-o do Art Nouveau, e incorporou cores vibrantes, artesanato requintado e materiais raros e caros, diferenciando-o da funcionalidade austera do estilo modernista. Enquanto a maioria dos pavilhões eram ricamente adornados e repletos de móveis de luxo feitos à mão, dois pavilhões - o da União Soviética e o Pavilhão de L'Esprit Nouveau, construído pela revista de mesmo nome sob a direção de Le Corbusier - adotaram uma estética austera com paredes brancas lisas e decoração minimalista, representando alguns dos primeiros exemplos da arquitetura modernista.

Art Déco tardio

Em 1925, duas escolas de pensamento distintas e muitas vezes concorrentes coexistiam dentro do Art Déco. Os tradicionalistas, que estabeleceram a Sociedade de Artistas Decorativos, incluíam figuras como o designer de móveis Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, o escultor Antoine Bourdelle e o designer Paul Poiret. Este grupo integrou formas modernas com artesanato tradicional e utilizou materiais caros. Por outro lado, os modernistas rejeitaram cada vez mais os precedentes históricos, defendendo um estilo enraizado nos avanços tecnológicos, na simplicidade, na ausência de ornamentação, em materiais baratos e na produção em massa. Os modernistas fundaram sua própria organização, a União Francesa de Artistas Modernos, em 1929. Seus membros incluíam os arquitetos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier e Konstantin Melnikov na União Soviética; a designer irlandesa Eileen Gray; a designer francesa Sonia Delaunay; e os joalheiros Georges Fouquet e Jean Puiforcat. Eles criticaram veementemente o estilo Art Déco tradicional, criticando particularmente os designers que se concentravam na criação de peças únicas e de edição limitada exclusivamente para uma clientela rica. Da perspectiva modernista, o futuro das artes decorativas não foi ditado apenas pelas preferências estéticas dos ricos, mas sim exigiu um "design excelente para todos" na nova era. Eles postulavam que a forma deveria seguir inerentemente a função, afirmando que a beleza de um objeto ou edifício residia na sua perfeita adequação ao propósito pretendido. Além disso, eles acreditavam que os métodos industriais modernos permitiam a produção em massa de móveis e edifícios, eliminando a dependência exclusiva do artesanato, e que a produção em massa e a qualidade não eram inerentemente mutuamente exclusivas.

O designer de artes decorativas francês Paul Follot defendeu uma interpretação mais tradicional e ornamental da Art Déco, afirmando que "o 'necessário' por si só não é suficiente para o homem e que o supérfluo é indispensável para ele... ou então suprimamos também a música, as flores, os perfumes... e os sorrisos das senhoras!" Em contraste, Le Corbusier, um proeminente defensor da arquitetura modernista, declarou famosamente que uma casa era apenas “uma máquina para viver” e promoveu incansavelmente o modernismo como o futuro, posicionando a Art Déco como uma relíquia do passado. Os conceitos de Le Corbusier ganharam progressivamente força na educação arquitetônica, levando ao eventual abandono da estética Art Déco. Paradoxalmente, os próprios atributos que inicialmente impulsionaram a popularidade do Art Déco – seu artesanato meticuloso, materiais opulentos e ornamentação elaborada – acabaram contribuindo para seu declínio. O início da Grande Depressão nos Estados Unidos em 1929, que posteriormente impactou a Europa, reduziu drasticamente o número de clientes abastados capazes de encomendar móveis e objetos de arte sob medida. No meio da austeridade económica da Depressão, poucas empresas estavam dispostas a empreender novas construções de arranha-céus. Até a conceituada firma Ruhlmann se adaptou produzindo móveis em série, afastando-se das peças artesanais individualmente. As últimas estruturas parisienses erguidas neste estilo distinto incluíram o Museu de Obras Públicas de Auguste Perret (agora abrigando o Conselho Econômico, Social e Ambiental Francês), o Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma, e o Palais de Tokyo, todos concluídos para a Exposição Internacional de Paris de 1937. Estes edifícios ficavam em frente ao imponente pavilhão da Alemanha nazista, projetado por Albert Speer, que por sua vez ficava de frente para o igualmente monumental pavilhão socialista-realista da União Soviética de Stalin.

Após a Segunda Guerra Mundial, o Estilo Internacional, defendido por figuras como Le Corbusier e Mies van der Rohe, emergiu como o paradigma arquitetônico predominante. Embora um número limitado de hotéis Art Déco tenha sido construído em Miami Beach no pós-guerra, o estilo retrocedeu em grande parte em outros lugares, persistindo principalmente em aplicações de design industrial, como estilo de automóveis e produtos como jukeboxes. A década de 1960 testemunhou um modesto ressurgimento acadêmico do Art Déco, em parte atribuível às contribuições acadêmicas de historiadores da arquitetura, incluindo Bevis Hillier. Na década de 1970, foram lançadas iniciativas nos Estados Unidos e na Europa para salvaguardar exemplos significativos da arquitetura Art Déco, resultando na restauração e reutilização adaptativa de numerosos edifícios. A arquitetura pós-moderna, surgida na década de 1980, frequentemente incorporava elementos puramente decorativos, característica compartilhada com o Art Déco. A estética Deco continua a influenciar os designers contemporâneos, encontrando aplicação na moda moderna, joias e produtos de higiene pessoal.

Pintura

A Exposição de 1925 não contou com seção dedicada à pintura. A pintura Art Déco era inerentemente decorativa, concebida para complementar uma sala ou projeto arquitetônico, por isso poucos artistas praticavam exclusivamente neste estilo. No entanto, dois pintores estão particularmente associados à Art Déco. Jean Dupas criou murais Art Déco para o Pavilhão de Bordeaux na Exposição de Artes Decorativas de 1925 em Paris e também produziu a pintura sobre a lareira para a exposição Maison du Collectionneur na mesma exposição, que exibiu móveis de Ruhlmann e outros designers Art Déco importantes. Seus murais também foram uma característica proeminente no design de interiores do transatlântico francês SS Normandie. A sua produção artística foi puramente ornamental, pretendendo servir de pano de fundo ou complemento a outros elementos de design.

Tamara de Lempicka é a outra pintora intimamente identificada com o estilo Art Déco. Nascida na Polónia, mudou-se para Paris após a Revolução Russa. Prosseguiu os seus estudos com Maurice Denis e André Lhote, integrando numerosos elementos estilísticos dos seus trabalhos. Seus retratos são caracterizados por uma estética Art Déco realista, dinâmica e vibrante.

A década de 1930 testemunhou o surgimento de um estilo distinto de pintura Art Déco nos Estados Unidos. Durante a Grande Depressão, o Federal Art Project, uma iniciativa da Works Progress Administration, foi criado para proporcionar emprego a artistas. Numerosos artistas foram contratados para adornar estruturas públicas, incluindo edifícios governamentais, hospitais e instituições educacionais. Embora nenhuma estética Art Déco singular dominasse esses murais, os artistas contratados para encomendas governamentais representavam diversos movimentos artísticos, que vão do regionalismo americano ao realismo social. Contribuintes notáveis ​​​​incluíram Reginald Marsh, Rockwell Kent e o pintor mexicano Diego Rivera. A classificação Art Déco destes murais resultou da sua natureza decorativa e relevância temática para o edifício ou local específico. Por exemplo, Reginald Marsh e Rockwell Kent embelezaram as instalações postais dos EUA com representações de funcionários dos correios, enquanto Diego Rivera retratou trabalhadores de fábricas de automóveis para o Instituto de Artes de Detroit. O mural de Rivera de 1933, Man at the Crossroads, encomendado para o número 30 do Rockefeller Plaza, incluía de forma controversa uma imagem não autorizada de Lenin. Após a recusa de Rivera em retirar o retrato, a obra foi destruída e posteriormente substituída por um novo mural executado pelo artista espanhol Josep Maria Sert.

Escultura

Escultura Monumental e Pública

A escultura constituiu um elemento difundido e fundamental do projeto arquitetônico Art Déco. Na França, o Théâtre des Champs-Élysées, marco inaugural da Art Déco em Paris, foi adornado em 1912 com baixos-relevos alegóricos de Antoine Bourdelle, retratando temas de dança e música. A Exposição de 1925 apresentou instalações escultóricas significativas em todo o seu terreno, com pavilhões muitas vezes embelezados por frisos escultóricos e espaços dedicados para esculturas de estúdio menores. Durante a década de 1930, um coletivo de escultores ilustres contribuiu com obras para a Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937 em Chaillot. Alfred Janniot, por exemplo, criou as esculturas em relevo para a fachada do Palais de Tokyo. O Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris e a esplanada em frente ao Palais de Chaillot, com vista para a Torre Eiffel, foram preenchidos com novas estátuas de artistas como Charles Malfray e Henry Arnold.

A escultura pública Art Déco apresentava predominantemente formas representacionais, tipicamente retratando figuras heróicas ou alegóricas cujos temas correspondiam à função do edifício ou espaço. Os patrocinadores, e não os artistas, geralmente determinavam essas seleções temáticas. A escultura abstrata para fins decorativos era excepcionalmente incomum.

Nos Estados Unidos, Paul Manship emergiu como o principal escultor Art Déco para encomendas públicas, reinterpretando motivos clássicos e mitológicos dentro de uma estrutura Art Déco. Sua criação mais célebre é a estátua de Prometeu no Rockefeller Center, em Nova York, representando uma versão do século XX de um tema clássico. Lee Lawrie também contribuiu com obras significativas para o Rockefeller Center, notadamente a fachada escultural e a estátua do Atlas.

Durante a Grande Depressão nos Estados Unidos, vários escultores receberam encomendas para criar obras decorativas para edifícios do governo federal, financiados pela Works Progress Administration (WPA). Entre esses artistas estava Sidney Biehler Waugh, que produziu retratos estilizados e idealizados de trabalhadores e suas ocupações para estruturas administrativas federais. Em São Francisco, Ralph Stackpole contribuiu com esculturas para a fachada do recém-construído edifício da Bolsa de Valores de São Francisco. Ao mesmo tempo, Michael Lantz executou obras para o prédio da Comissão Federal de Comércio em Washington D.C.

Na Grã-Bretanha, Eric Gill produziu estatuária pública Art Déco para a BBC Broadcasting House, enquanto Ronald Atkinson adornou o lobby do antigo edifício Daily Express em Londres (1932).

Entre as mais renomadas e inequivocamente as maiores esculturas públicas Art Déco está o Cristo Redentor, criado pelo escultor francês Paul Landowski. Concluída entre 1922 e 1931, esta obra monumental está situada no topo de uma montanha com vista para o Rio de Janeiro, Brasil.

Escultura em estúdio

As primeiras esculturas Art Déco frequentemente incluíam peças menores destinadas à decoração de salões. Uma categoria distinta dentro deste gênero era a estatueta Criselefantina, uma designação derivada da antiga prática grega de criar estátuas de templos em ouro e marfim. Essas estatuetas eram ocasionalmente fundidas em bronze, mas mais frequentemente feitas de materiais opulentos, incluindo marfim, ônix, alabastro e folhas de ouro.

Demétre Chiparus, um artista romeno conhecido por suas pequenas esculturas vibrantes de dançarinos, emergiu como um dos mais proeminentes escultores de salão Art Déco. Outras figuras significativas na escultura de salão incluíram Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol e Gustav Schmidtcassel. Harriet Whitney Frishmuth, uma influente escultora americana que trabalha na tradição de estúdio, também ganhou reconhecimento, tendo estudado anteriormente com Auguste Rodin em Paris. Pierre Le Paguays se destacou como um notável escultor de estúdio Art Déco, com suas criações apresentadas na Exposição de 1925. Sua prática artística envolveu uma ampla gama de materiais preciosos, incluindo bronze, mármore, marfim, ônix, ouro e alabastro.

François Pompon foi o pioneiro na escultura moderna estilizada de animais. Suas contribuições artísticas receberam pleno reconhecimento apenas aos 67 anos, durante o Salon d'Automne de 1922, por sua obra Ours blanc, também conhecida como O Urso Branco, que agora está instalada no Musée d'Orsay em Paris.

Simultaneamente com esses escultores Art Déco, um grupo de escultores modernistas de vanguarda e abstratos atuava em Paris e na cidade de Nova York. Figuras importantes entre eles incluíam Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff e Pablo Gargallo.

Artes gráficas

A estética Art Déco surgiu cedo nas artes gráficas, antes da Primeira Guerra Mundial. Suas manifestações iniciais em Paris ficaram evidentes nos pôsteres e figurinos de Léon Bakst para os Ballets Russes, bem como nos catálogos do estilista Paul Poiret. As ilustrações de Georges Barbier e Georges Lepape, juntamente com imagens publicadas na revista de moda La Gazette du bon ton, resumiram a elegância e a sensualidade inerentes ao estilo. Durante a década de 1920, a estética predominante evoluiu, enfatizando modas mais casuais, esportivas e audaciosas, muitas vezes retratadas com modelos femininas fumando cigarros. Publicações de moda americanas proeminentes, incluindo Vogue, Vanity Fair e Harper's Bazaar, rapidamente adotaram e divulgaram esse novo estilo nos Estados Unidos. Além disso, influenciou o trabalho de ilustradores de livros americanos como Rockwell Kent. Na Alemanha, Ludwig Hohlwein se destacou como o artista de cartazes mais célebre da época, produzindo cartazes vibrantes e dramáticos para festivais de música, cervejarias e, mais tarde em sua carreira, para o Partido Nazista.

Em contraste com o período Art Nouveau, quando os cartazes promoviam principalmente produções teatrais ou cabarés, a década de 1920 testemunhou um aumento na popularidade dos cartazes de viagens encomendados por companhias de navios a vapor e companhias aéreas. A abordagem estilística passou por uma transformação significativa nesta década, mudando o foco para o produto anunciado. Os visuais tornaram-se mais simplificados, precisos, lineares e dinâmicos, frequentemente colocados em fundos monocromáticos. Na França, notáveis ​​​​designers Art Déco incluíam Charles Loupot e Paul Colin, este último ganhando renome por seus pôsteres com a cantora e dançarina americana Josephine Baker. Jean Carlu criou pôsteres para filmes de Charlie Chaplin, diversas novelas e salas de teatro; mais tarde, ele emigrou para os Estados Unidos no final da década de 1930, onde desenhou cartazes para apoiar a produção de guerra durante a Segunda Guerra Mundial. Charles Gesmar obteve reconhecimento por seus pôsteres para o cantor Mistinguett e para a Air France. Cassandre, celebrado por seu icônico pôster de 1935 do transatlântico SS Normandie, está entre os mais ilustres designers franceses de pôsteres Art Déco.

Durante a década de 1930, um gênero distinto de pôsteres surgiu nos Estados Unidos em meio à Grande Depressão. O Federal Art Project contratou artistas americanos para produzir cartazes destinados a promover o turismo e diversos eventos culturais.

Arquitetura

Estilos

O estilo arquitetônico Art Déco surgiu em Paris entre 1903 e 1904, marcado pela construção de dois prédios de apartamentos: um de Auguste Perret na rue Benjamin Franklin e outro de Henri Sauvage na rue Trétaigne. Esses dois arquitetos nascentes foram pioneiros no uso de concreto armado em estruturas residenciais parisienses. Os edifícios resultantes apresentavam linhas limpas, formas retangulares e fachadas sem adornos, significando um claro afastamento do estilo Art Nouveau. De 1910 a 1913, Perret aproveitou sua experiência na construção de apartamentos de concreto para erguer o Théâtre des Champs-Élysées na avenida Montaigne, 15. Posteriormente, entre 1925 e 1928, Sauvage projetou a nova fachada Art Déco para a loja de departamentos La Samaritaine em Paris.

A influência do Art Déco estendeu-se além das estruturas terrestres; o transatlântico SS Normandie, que iniciou sua viagem inaugural em 1935, exibia a estética Art Déco, principalmente em uma sala de jantar com teto e elementos decorativos feitos de vidro por Lalique.

A arquitetura Art Déco é ocasionalmente categorizada em três estilos distintos: Zigzag Moderne (também conhecido como Jazz Moderne), Classic Moderne e Streamline Moderne.

Zigzag Moderno

Zigzag Moderne (alternativamente denominado Jazz Moderne) representou a manifestação inicial do Art Déco nos Estados Unidos. A característica "zigue-zague" denota os perfis escalonados dos arranha-céus, projetados para amplificar sua altura percebida, e foi aplicada predominantemente a edifícios públicos e comerciais substanciais, incluindo hotéis, cinemas, restaurantes, arranha-céus e lojas de departamentos.

Clássico Moderno

Classic Moderne exibe uma estética mais refinada com ornamentação reduzida. Este estilo também é ocasionalmente identificado como PWA (Administração de Obras Públicas) Moderna ou Depressão Moderna, dada a sua prevalência em projetos iniciados pela PWA durante a era da Grande Depressão.

Simplifique o Moderno

Durante o final da década de 1930, surgiu uma variante distinta da arquitetura Art Déco, conhecida como Streamline Moderne, ou simplesmente Streamline. Na França, foi denominado Estilo Paquebot, ou estilo Ocean Liner. As estruturas neste estilo eram caracterizadas por cantos arredondados, linhas horizontais alongadas e construção principalmente em concreto armado, normalmente com acabamento em branco. Freqüentemente incorporavam elementos náuticos, como grades e vigias que lembram designs de navios. Embora o conceito de cantos arredondados não fosse novo, tendo sido apresentado no Mossehaus de Erich Mendelsohn em Berlim em 1923 e posteriormente no Hoover Building, um complexo industrial em Perivale, Londres, a sua aplicação nos Estados Unidos tornou-se fortemente ligada à infra-estrutura de transportes. O Streamline Moderne raramente era aplicado em edifícios de escritórios, mas encontrou uso comum em estações de ônibus e terminais de aeroportos, incluindo o terminal do Aeroporto LaGuardia na cidade de Nova York, que facilitou os voos transatlânticos inaugurais por meio de barcos voadores PanAm Clipper, bem como na arquitetura rodoviária, como postos de gasolina e lanchonetes. Uma série de lanchonetes, projetadas para imitar vagões ferroviários aerodinâmicos, foram fabricadas e instaladas nas cidades da Nova Inglaterra no final da década de 1930; pelo menos dois destes exemplos persistem hoje como edifícios históricos registados.

Tipologias de construção

Arranha-céus

Os arranha-céus americanos representaram o auge do movimento Art Déco, evoluindo para as estruturas modernas mais altas e icônicas do mundo. Seu projeto teve como objetivo projetar o prestígio de seus desenvolvedores através de altura imponente, forma distinta, paletas de cores específicas e impressionante iluminação noturna. O American Radiator Building de Raymond Hood (1924) integrou componentes modernos góticos e art déco. Sua fachada apresentava tijolos pretos, simbolizando o carvão, escolhidos para transmitir uma sensação de solidez e massa substancial. Outras seções do exterior foram adornadas com tijolos dourados, representando o fogo, enquanto a entrada foi embelezada com mármore e espelhos pretos. Outro notável arranha-céu Art Déco foi o Guardian Building de Detroit, inaugurado em 1929. Concebido pelo modernista Wirt C. Rowland, este edifício foi pioneiro no uso do aço inoxidável como elemento decorativo e incorporou extensivamente designs coloridos, afastando-se da ornamentação convencional.

O Chrysler Building em Manhattan, concluído em 1930 e projetado por William Van Alen, transformou profundamente o horizonte da cidade de Nova York. Essa estrutura de setenta e sete andares funcionou como uma propaganda monumental dos automóveis Chrysler. Seu ápice era encimado por uma torre de aço inoxidável e adornado com "gárgulas" Art Déco em forma de ornamentos de tampa de radiador de aço inoxidável. A base da torre, situada trinta e três andares acima do nível da rua, foi embelezada com vibrantes frisos Art Déco, enquanto o lobby apresentava símbolos Art Déco e imagens que transmitiam temas de modernidade.

A altura do Chrysler Building foi posteriormente superada pelo Empire State Building, projetado por William F. Lamb (1931), que apresentava uma estética Art Déco um pouco mais contida, e pelo RCA Building (agora 30 Rockefeller Plaza), projetado por Raymond Hood (1933). Essas estruturas redefiniram coletivamente o panorama arquitetônico da cidade de Nova York. Arquitetonicamente, as seções superiores desses edifícios foram adornadas com coroas e pináculos Art Déco, revestidos de aço inoxidável. O Edifício Chrysler, especificamente, incorporou gárgulas Art Déco inspiradas em ornamentos de radiadores, enquanto suas entradas e saguões exibiam opulentos enfeites Art Déco, incluindo esculturas, cerâmicas e elementos de design intrincados. Edifícios comparáveis, embora menos imponentes, surgiram posteriormente em Chicago e em outras grandes metrópoles americanas. O Rockefeller Center introduziu um conceito inovador de planejamento urbano, apresentando vários arranha-céus agrupados em torno de uma ampla praça aberta, centrada por uma fonte.

Em Newark, Nova Jersey, do outro lado do Rio Hudson, arranha-céus Art Déco foram erguidos durante as décadas de 1920 e 1930. Exemplos notáveis ​​incluem a sede da Bell em Nova Jersey (1929), projetada por Ralph Thomas Walker; o Edifício Lefcourt (1930), de Frank Grad; e o Edifício Nacional Newark (1933), de John H. Wilson C. Ely. John Cotton Dana, que dirigia a Biblioteca Pública de Newark na época, observou que esses desenvolvimentos arquitetônicos transmutaram Newark de um "enorme, rude e impensado monstro industrial de Frankenstein em um lugar de refinamento".

Catedrais do Comércio

Os exemplares mais proeminentes do design de interiores Art Déco americano foram encontrados nos lobbies de edifícios governamentais, teatros e, especialmente, em edifícios de escritórios comerciais. Esses interiores apresentavam uma estética vibrante e dinâmica, integrando esculturas, murais e intrincados padrões geométricos executados em mármore, vidro, cerâmica e aço inoxidável. Uma das primeiras ilustrações é o Edifício Fisher em Detroit, projetado por Joseph Nathaniel French, onde o lobby era amplamente adornado com esculturas e cerâmicas. O Guardian Building (inicialmente Union Trust Building) em Detroit, concluído em 1929 por Wirt Rowland, exibia mármore vermelho e preto ao lado de cerâmicas de cores vivas, acentuadas por portas e balcões de elevador de aço altamente polido. Seus elementos escultóricos montados na parede retratavam as virtudes da indústria e da economia, levando à designação imediata do edifício como a "Catedral do Comércio". O Edifício Médico e Odontológico na 450 Sutter Street, em São Francisco, projetado por Timothy Pflueger, inspirou-se na arquitetura maia, manifestando-se de uma forma altamente estilizada. Essa estrutura incorporava formas piramidais e suas paredes internas eram embelezadas com fileiras estilizadas de hieróglifos.

Na França, o exemplo proeminente de design de interiores Art Déco desta época é o Palais de la Porte Dorée (1931), um trabalho colaborativo de Albert Laprade, Léon Jaussely e Léon Bazin. Este edifício, que atualmente abriga o Museu Nacional da Imigração e um aquário subterrâneo, foi originalmente construído para a Exposição Colonial de Paris de 1931, para homenagear os habitantes e as mercadorias das colônias francesas. A sua fachada exterior foi totalmente adornada com esculturas, enquanto o lobby alcançou uma coerência Art Déco através de um piso em parquet de madeira com padrões geométricos, um mural retratando as populações das colônias francesas e um arranjo equilibrado de portas verticais e varandas horizontais.

Palácios de Cinema

Os exemplos sobreviventes mais proeminentes da arquitetura Art Déco são frequentemente encontrados em cinemas construídos durante as décadas de 1920 e 1930. Esta era coincidiu com a transição dos filmes mudos para os filmes falados, levando as empresas cinematográficas a erguer grandes espaços cinematográficos nos principais centros urbanos para acomodar o crescente público. Os palácios de cinema da década de 1920 muitas vezes integravam temas exóticos com a estética Art Déco; por exemplo, o Teatro Egípcio de Grauman em Hollywood (1922) inspirou-se na arquitetura funerária egípcia antiga, enquanto o Fox Theatre em Bakersfield, Califórnia, integrou uma torre no estilo da Missão da Califórnia com um auditório Art Déco. O maior deles é o Radio City Music Hall da cidade de Nova York, que iniciou suas operações em 1932. Inicialmente concebido como um espaço para apresentações teatrais, rapidamente se transformou em um cinema com capacidade para 6.015 espectadores. Seu design interior, de Donald Deskey, utilizou vidro, alumínio, cromo e couro para criar uma experiência visual envolvente. O Paramount Theatre em Oakland, Califórnia, projetado por Timothy Pflueger, apresentava uma fachada de cerâmica vibrante, um lobby de quatro andares e distintas salas de fumantes Art Déco para cavalheiros e senhoras. Palácios opulentos comparáveis ​​surgiram em toda a Europa. O Grand Rex de Paris (1932), que se distingue pela sua torre imponente, tornou-se o maior cinema da Europa depois do Gaumont-Palace com 6.000 lugares (1931–1973). O Gaumont State Cinema de Londres (1937) ostentava uma torre inspirada no Empire State Building, revestida com azulejos de cerâmica creme, e um interior que combinava Art Déco com estilos renascentistas italianos. O Teatro Paramount em Xangai, China (1933), inicialmente concebido como um salão de dança denominado O portão dos 100 prazeres, foi reaproveitado como cinema após a Revolução Comunista de 1949 e atualmente funciona como salão de baile e discoteca. Na década de 1930, arquitetos italianos construíram um palácio de cinema menor, o Cinema Impero, em Asmara, localizado na atual Eritreia. Embora muitas dessas salas de cinema históricas tenham sido subdivididas em multiplexes, outras passaram por restauração e agora servem como centros culturais em suas comunidades.

Elementos Decorativos e Motivos Temáticos

A ornamentação Art Déco evoluiu através de várias fases distintas. De 1910 a 1920, concomitantemente ao declínio da Art Nouveau, a estética do design voltou às formas tradicionais, exemplificadas nomeadamente nas criações de Paul Iribe. Em 1912, André Vera publicou um ensaio na revista L'Art Décoratif defendendo o regresso ao artesanato e aos materiais dos séculos anteriores, aliado a um repertório inovador de formas naturais, nomeadamente cestos e guirlandas de frutas e flores. Ao mesmo tempo, outra tendência Art Déco da mesma década inspirou-se nas paletas vibrantes do movimento artístico fauvista e nos elaborados figurinos e cenários dos Ballets Russes. Este estilo manifestava-se frequentemente através de materiais exóticos como pele de tubarão, madrepérola, marfim, couro colorido, madeira lacada e pintada, e incrustações decorativas em móveis que acentuavam as suas qualidades geométricas. Este período estilístico particular culminou na Exposição de Artes Decorativas de Paris de 1925. No final da década de 1920 e ao longo da década de 1930, o estilo decorativo se transformou, influenciado por novos materiais e avanços tecnológicos. Tornou-se mais elegante e menos ornamentado. Os móveis, refletindo as tendências arquitetônicas, passaram a apresentar bordas arredondadas e a adotar uma aparência polida e aerodinâmica, derivada do estilo Streamline Moderne. Novos materiais, incluindo aço niquelado ou cromado, alumínio e baquelite (um dos primeiros plásticos sintéticos), tornaram-se predominantes em móveis e aplicações decorativas.

Ao longo da era Art Déco, e especialmente durante a década de 1930, os motivos decorativos frequentemente transmitiam a função pretendida do edifício. Os teatros eram adornados com esculturas que ilustravam música, dança e emoção; as empresas de energia exibiam o nascer do sol; o Edifício Chrysler apresentava ornamentos estilizados no capô. Por exemplo, os frisos do Palais de la Porte Dorée na Exposição Colonial de Paris de 1931 retratavam as diversas nacionalidades que habitavam as colônias francesas. O estilo Streamline transmitia a impressão de que o próprio edifício estava em movimento. Da mesma forma, os murais da Works Progress Administration (WPA) da década de 1930 frequentemente retratavam indivíduos comuns - como operários, funcionários dos correios, famílias e agricultores - como protagonistas, divergindo dos heróis clássicos tradicionais.

Art Déco, refletindo a era complexa da qual emergiu, é melhor caracterizado por uma série de contradições inerentes, como a interação entre minimalismo e maximalismo, angularidade e fluidez, formas de zigurate e designs aerodinâmicos, e simetria e irregularidade. A iconografia selecionada pelos artistas Art Déco para representar este período estava igualmente repleta de paradoxos. Por exemplo, belas donzelas em trajes do século XVIII coexistem ao lado de mulheres chiques e sofisticadas e nus reclinados, enquanto relâmpagos iluminam botões de rosa estilizados.

Móveis

Os móveis franceses produzidos entre 1910 e o início da década de 1920 constituíram principalmente uma evolução dos estilos de mobiliário tradicional francês, incorporando elementos dos designs Art Nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet e outros fabricantes. Os fabricantes de móveis franceses perceberam uma ameaça proveniente da crescente proeminência dos fabricantes alemães e dos seus estilos, especificamente o estilo Biedermeier, conhecido pela sua simplicidade e linhas limpas. Em resposta, Frantz Jourdain, designer francês e presidente do Salon d'Automne de Paris, convidou designers de Munique para participarem do Salão de 1910. Os designers franceses, observando a estética alemã emergente, resolveram enfrentar este desafio. Consequentemente, decidiram apresentar novos estilos franceses no Salão de 1912, cujo regulamento estipulava a exposição exclusiva de designs modernos. Todos os grandes designers de mobiliário franceses, incluindo Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare e Louis Suë, participaram, apresentando peças inovadoras que reinterpretaram estilos tradicionais franceses, como os de Luís XVI e Luís Philippe. Esses novos designs incorporaram formas angulares influenciadas pelo cubismo e tons vibrantes derivados do fauvismo e do movimento Nabis.

O pintor André Mare e o designer de móveis Louis Süe participaram do Salão de 1912. Após a guerra, os dois homens colaboraram para estabelecer a sua própria empresa, formalmente designada Compagnie des Arts Française, embora comumente referida como Suë and Mare. Em contraste com designers proeminentes da Art Nouveau, como Louis Majorelle, que criaram cada item individualmente, Mare e Süe reuniram uma equipe de artesãos qualificados para produzir designs de interiores abrangentes, abrangendo móveis, vidros, tapetes, cerâmicas, papel de parede e iluminação. Suas criações eram caracterizadas por cores vibrantes e pelo uso de madeiras requintadas, como ébano incrustado com madrepérola, abalone e metal prateado para formar motivos florais. Seu portfólio de design variava desde interiores de transatlânticos até frascos de perfume da marca Jean Patou. Embora a empresa tenha florescido no início da década de 1920, os seus fundadores provaram ser mais hábeis como artesãos do que como empresários. Consequentemente, a empresa foi alienada em 1928, levando à saída de ambos.Émile-Jacques Ruhlmann, um designer alsaciano, emergiu como o designer de móveis mais proeminente na Exposição de Artes Decorativas de 1925. Ele inicialmente exibiu suas criações no Salão de Outono de 1913, estabelecendo posteriormente seu pavilhão dedicado, "A Casa do Colecionador Rico", na Exposição de 1925. Ruhlmann empregou exclusivamente os materiais mais raros e caros, como ébano, mogno, pau-rosa, ambon e outras madeiras exóticas. Muitas vezes eram adornados com incrustações de marfim, tartaruga e madrepérola, enquanto pequenos pompons de seda embelezavam os puxadores das gavetas dos armários. Seus designs de móveis inspiraram-se em modelos do século XVIII, que ele simplificou e reconfigurou. Uma marca registrada de seu trabalho artesanal foi a ocultação completa da estrutura interna dos móveis. Normalmente, a estrutura de carvalho era inteiramente envolvida por uma camada inicial de finas tiras de madeira, seguida por uma segunda camada de madeiras raras e caras. Essa intrincada camada foi então folheada e polida, criando a ilusão de que a peça havia sido esculpida a partir de um único e sólido bloco de madeira. A madeira escura era frequentemente contrastada com incrustações, teclas e puxadores de marfim. Ruhlmann postulou que as poltronas precisavam de designs distintos, adaptados às funções específicas dos quartos que ocupavam: as poltronas da sala de estar foram concebidas para a hospitalidade, as cadeiras de escritório para o conforto e as cadeiras de salão para a opulência. A produção de cada desenho de mobiliário limitou-se a um pequeno número de peças, sendo o custo médio de uma das suas camas ou armários superior ao de uma casa típica.

Jules Leleu, inicialmente um designer de móveis tradicional, fez uma transição perfeita para o movimento Art Déco durante a década de 1920. Suas encomendas notáveis ​​incluíram a mobília da sala de jantar do Palácio do Eliseu e as cabines de primeira classe do navio a vapor Normandie. O estilo distinto de Leleu incorporava ébano, madeira Macassar e nogueira, muitas vezes embelezados com placas de marfim e madrepérola. Ele foi o pioneiro em móveis Art Déco lacados no final da década de 1920 e, no final da década de 1930, introduziu designs de metal com painéis de vidro fumê. Simultaneamente, na Itália, Gio Ponti ganhou reconhecimento por sua estética simplificada de móveis.

Os móveis opulentos e exóticos produzidos por designers como Ruhlmann e outros tradicionalistas provocaram considerável ira entre os modernistas, notadamente o arquiteto Le Corbusier. Este descontentamento levou Le Corbusier a escrever uma importante série de artigos criticando veementemente o estilo das artes decorativas. Ele condenou o mobiliário acessível exclusivamente aos ricos, defendendo, em vez disso, que os designers criassem peças a partir de materiais económicos num estilo contemporâneo, tornando-as assim acessíveis à população em geral. Le Corbusier posteriormente desenvolveu seus próprios designs de cadeiras, concebidos especificamente para economia e produção em massa. Durante a década de 1930, os designs de móveis evoluíram para apresentar superfícies mais suaves e formas curvilíneas. Entre os praticantes proeminentes deste estilo Art Déco posterior estava Donald Deskey, um designer altamente influente responsável pelo interior do Radio City Music Hall. Deskey combinou de forma inovadora materiais tradicionais e contemporâneos, como alumínio, cromo e baquelite, um dos primeiros plásticos. Outros importantes designers de móveis Art Déco americanos da década de 1930 incluíram Gilbert Rohde, Warren McArthur e Kem Weber.

O estilo Cachoeira, caracterizado por sua estética distinta, alcançou grande popularidade ao longo das décadas de 1930 e 1940, tornando-se a forma de mobiliário Art Déco predominante daquela época. Essas peças normalmente eram compostas de compensado com acabamento em folheado louro e bordas arredondadas, evocando a impressão visual de uma cascata.

Projeto

Streamline, uma variante distinta do Art Déco, surgiu em meados da década de 1930, inspirando-se nos princípios aerodinâmicos contemporâneos desenvolvidos para a aviação e balística para mitigar o arrasto em altas velocidades. Os designers aplicaram esses formatos característicos de balas a uma ampla gama de itens, incluindo automóveis, trens e navios, bem como objetos estacionários, como geladeiras, bombas de gasolina e estruturas arquitetônicas. O Chrysler Airflow 1933 representou um dos primeiros veículos de produção a incorporar este estilo. Apesar do seu fraco desempenho comercial, o apelo estético e o design funcional do Airflow estabeleceram um precedente significativo para a modernidade, influenciando o design automóvel até à era pós-Segunda Guerra Mundial.

O advento de novos materiais industriais teve um impacto significativo no design de automóveis e utensílios domésticos. Esses materiais incluíam alumínio, cromo e baquelite, um dos primeiros plásticos sintéticos. A moldabilidade inerente da baquelite facilitou sua rápida adoção em diversas formas, levando ao seu uso generalizado em telefones, rádios e outros eletrodomésticos.

Os transatlânticos também adotaram uma estética Art Déco, designada em francês como Style Paquebot, ou "Ocean Liner Style". O SS Normandie, que iniciou a sua viagem transatlântica inaugural em 1935, é a ilustração mais célebre deste estilo. Seu projeto visava especificamente transportar americanos ricos a Paris para fazer compras. As cabines e salões do navio exibiam os mais contemporâneos móveis e ornamentações Art Déco. Notavelmente, o Grande Salão do navio, servindo como restaurante de primeira classe, ultrapassou as dimensões da Galeria dos Espelhos do Palácio de Versalhes. A iluminação foi fornecida por luzes elétricas integradas em doze pilares de cristal Lalique, complementados por trinta e seis pilares correspondentes que revestem as paredes, representando um dos primeiros exemplos de iluminação diretamente incorporada no projeto arquitetônico. Este estilo distinto de navio foi posteriormente adaptado para a arquitetura terrestre. Um exemplo proeminente é o edifício do Museu Marítimo de São Francisco, originalmente construído como banho público em 1937, que evoca uma balsa através de suas grades de navio e cantos arredondados. O Star Ferry Terminal em Hong Kong também incorporou uma variação desta abordagem arquitetônica.

Têxteis

Os têxteis constituíam um componente significativo da estética Art Déco, manifestando-se em papéis de parede, estofados e tapetes vibrantes. Durante a década de 1920, os designers inspiraram-se em diversas fontes, incluindo os cenários dos Ballets Russes, os designs de tecidos e figurinos de Léon Bakst e as criações inovadoras da Wiener Werkstätte. Os primeiros designs de interiores de André Mare apresentavam guirlandas de rosas e flores em cores vivas e altamente estilizadas, adornando paredes, pisos e móveis. Motivos florais estilizados caracterizaram de forma semelhante as obras de Raoul Dufy e Paul Poiret, bem como os designs de móveis de JE Ruhlmann. Paul Poiret é responsável pela reinterpretação do tapete floral dentro do distinto idioma Art Déco.

A adoção do estilo Art Déco avançou significativamente com a implementação da técnica de impressão baseada em estêncil pochoir, que permitiu aos designers obter linhas precisas e cores vibrantes. A estética Art Déco foi integrada às roupas criadas por designers como Paul Poiret, Charles Worth e Jean Patou. Após a Primeira Guerra Mundial, a exportação de têxteis e vestuário emergiu como a principal fonte de divisas para a França.

As manifestações posteriores da Art Déco em papel de parede e têxteis incorporaram frequentemente representações estilizadas de paisagens industriais, panoramas urbanos, locomotivas e outros motivos contemporâneos. Esses designs também incluíam frequentemente figuras femininas estilizadas, detalhes metálicos e padrões geométricos complexos.

Moda

A moda passou por uma profunda transformação durante esta época, em grande parte influenciada pelos designers Paul Poiret e posteriormente Coco Chanel. Poiret foi o pioneiro no conceito de drapeado, marcando um afastamento significativo dos métodos tradicionais de alfaiataria e modelagem. Seus designs apresentavam peças recortadas com linhas retas e compostas por elementos retangulares, enfatizando a simplicidade estrutural. As silhuetas restritivas com espartilhos e os estilos formais predominantes no período anterior foram descartados, levando a uma moda mais prática e simplificada. Esta mudança foi ainda mais facilitada pela incorporação de novos materiais, tons mais brilhantes e designs impressos inovadores. Coco Chanel impulsionou ainda mais essa evolução, popularizando um estilo caracterizado pela elegância esportiva e casual.

Um arquétipo distinto do período foi a Flapper, caracterizada por seu cabelo curto e cortado, consumo de coquetéis, fumo em público e dança noturna em clubes da moda, cabarés ou locais boêmios. No entanto, este retrato representou em grande parte uma figura da imaginação popular e não a realidade vivida pela maioria das mulheres. Outra estética feminina Art Déco proeminente foi a andrógina garçonne da década de 1920, que apresentava busto achatado, cintura indefinida e pernas expostas, reduzindo assim a silhueta a uma forma curta e tubular, muitas vezes complementada por um chapéu cloche justo.

Jóias

Durante as décadas de 1920 e 1930, designers proeminentes como René Lalique e Cartier procuraram diminuir a supremacia convencional dos diamantes incorporando uma gama mais ampla de pedras preciosas vibrantes, incluindo esmeraldas menores, rubis e safiras. Ao mesmo tempo, eles priorizaram ambientes altamente complexos e refinados, muitas vezes utilizando materiais mais acessíveis, como esmalte, vidro, chifre e marfim. Os próprios diamantes foram moldados em formatos não convencionais; a Exposição de 1925 exibiu notavelmente numerosos diamantes cortados em hastes em miniatura ou palitos de fósforo. Cortes adicionais de diamantes Art Déco populares incluem:

• o corte esmeralda, que se distingue pelas suas facetas alongadas e escalonadas;
• o corte Asscher, que tem formato mais quadrado do que o corte esmeralda, apresentando uma coroa alta e notável como o primeiro corte de diamante patenteado;
• o corte marquise, projetado para criar uma impressão de maior tamanho e destaque;
• o corte baguete, caracterizado por pequenos cortes retangulares frequentemente empregados para acentuar pedras centrais maiores;
• o antigo corte europeu, um formato redondo facetado à mão projetado para emitir flashes de cor, conhecidos como 'fogo', de dentro da pedra preciosa.

As configurações de diamante também evoluíram significativamente; os joalheiros preferiam cada vez mais a platina ao ouro devido à sua resistência e flexibilidade superiores, o que facilitava a fixação de cachos de pedras. Além disso, a incorporação de materiais mais escuros, como esmaltes e ônix preto, tornou-se predominante, oferecendo um contraste mais acentuado com o brilho dos diamantes.

Os designs de joias tornaram-se notavelmente mais vibrantes e estilisticamente diversificados. Empresas como Cartier e Boucheron integraram diamantes com uma variedade de pedras preciosas coloridas, meticulosamente cortadas em formas que lembram folhas, frutas ou flores, para criar broches, anéis, brincos, clipes e pingentes. Ao mesmo tempo, os motivos do Extremo Oriente ganharam popularidade considerável; placas de jade e coral foram combinadas com platina e diamantes, enquanto estojos de toucador, cigarreiras e caixas de pó foram adornados com cenas de paisagens japonesas e chinesas feitas de madrepérola, esmalte e laca.

A rápida evolução dos estilos de roupas influenciou diretamente o surgimento de novos designs de joias. A prevalência de vestidos sem mangas na década de 1920 exigia ornamentação nos braços, levando os designers a produzir rapidamente pulseiras feitas de ouro, prata e platina, muitas vezes incrustadas com lápis-lazúli, ônix, coral e outras pedras coloridas. Algumas pulseiras foram projetadas especificamente para a parte superior do braço e era comum o uso simultâneo de várias pulseiras. Os penteados curtos adotados pelas mulheres na década de 1920 estimularam a criação de intrincados designs de brincos Art Déco. Com a crescente visibilidade pública das mulheres que fumam, os designers desenvolveram cigarreiras e piteiras de marfim altamente ornamentadas. A invenção do relógio de pulso antes da Primeira Guerra Mundial inspirou joalheiros a criar relógios excepcionalmente decorados, frequentemente incrustados com diamantes e banhados com esmalte, ouro e prata. Além disso, relógios pendentes, suspensos por fitas, também ganharam popularidade.

Durante esta época, importantes estabelecimentos joalheiros parisienses, como Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin e Van Cleef & A Arpels produzia joias e itens decorativos refletindo a estética Art Déco emergente. Chaumet, por exemplo, fabricava cigarreiras, isqueiros, porta-remédios e cadernos altamente geométricos com pedras duras, enfeitados com jade, lápis-lazúli, diamantes e safiras. Numerosos designers emergentes aderiram posteriormente a este movimento, cada um contribuindo com interpretações distintas do estilo Deco. Raymond Templier criou peças com intrincados motivos geométricos, exemplificados por brincos de prata que lembram arranha-céus. Gerard Sandoz, iniciando sua carreira de design de joias em 1921, aos 18 anos, produziu muitos trabalhos aclamados, caracterizados pela aparência elegante e polida das máquinas contemporâneas. René Lalique, um renomado designer de vidro, também se aventurou neste domínio, confeccionando pingentes representando frutas, flores, sapos, fadas ou sereias em vidro esculpido de cores vivas, suspensos em cordões de seda adornados com borlas. O joalheiro Paul Brandt empregou padrões retangulares e triangulares contrastantes, incorporando pérolas em arranjos lineares em placas de ônix. Jean Despres conseguiu contrastes de cores marcantes em seus colares combinando materiais como prata com laca preta ou ouro com lápis-lazúli. Muitas de suas criações evocaram superfícies altamente polidas de componentes industriais. Jean Dunand também se inspirou em máquinas modernas, integrando vermelhos e pretos vibrantes que contrastavam com o metal polido. Suzanne Belperron introduziu designs esculturais, utilizando materiais como cristal de rocha e pedras semipreciosas, enfatizando assim a adoção de elementos não convencionais pelo período. Jean Fouquet, influenciado pelo cubismo, incorporou materiais como ébano e aço cromado, infundindo nas joias Art Déco uma distinta sensibilidade modernista. Outros contribuidores notáveis ​​para o movimento Art Déco incluíram Boucheron, Lacloche e o ourives dinamarquês Georg Jensen, reconhecido por sua experiência com prata e pedras preciosas mais acessíveis. Joalherias americanas, incluindo Tiffany & Co., Black, Starr & Frost e Marcus & Co., também fez contribuições substanciais, produzindo relógios, objetos de arte e diversas peças de joalheria.

Arte em vidro

Semelhante à era Art Nouveau anterior, o período Art Déco representou uma época distinta para vidros requintados e outros itens decorativos meticulosamente trabalhados para complementar seus ambientes arquitetônicos. René Lalique emergiu como o mais célebre criador de objetos de vidro, com suas diversas obras, que vão de vasos a enfeites de capô de automóveis, tornando-se emblemáticos do período. Antes da Primeira Guerra Mundial, Lalique realizou experimentos com vidro, principalmente projetando frascos para os perfumes de François Coty; no entanto, sua produção substancial de vidro artístico começou somente após a guerra. Em 1918, aos 58 anos, adquiriu uma importante fábrica de vidro em Combs-la-Ville, iniciando posteriormente a fabricação de peças de vidro artísticas e utilitárias. Ele abordou o vidro como meio escultural, produzindo estatuetas, vasos, tigelas, lâmpadas e vários ornamentos. Lalique utilizou semicristal em vez de cristal de chumbo, favorecendo suas propriedades mais suaves e maleáveis, apesar de seu menor brilho. Embora ocasionalmente utilizasse vidro colorido, optou com mais frequência pelo vidro opalescente, onde uma parte ou a totalidade da superfície externa era tratada com uma lavagem. As contribuições de Lalique estenderam-se ao fornecimento de painéis de vidro decorativos, luminárias e tetos de vidro iluminados para os transatlânticos SS Île de France em 1927 e o SS Normandie em 1935, bem como para vagões-leito selecionados de primeira classe nas ferrovias francesas. Na Exposição de Artes Decorativas de 1925, ele exibiu seu próprio pavilhão, concebeu uma sala de jantar completa com mesa e teto de vidro coordenado para o Pavilhão Sèvres e criou uma fonte de vidro para o pátio do Cours des Métiers - uma esbelta coluna de vidro que emitia água pelas laterais e era iluminada após o anoitecer.

Entre outros proeminentes produtores de vidro Art Déco estava Marius-Ernest Sabino, cuja especialidade estava em criando estatuetas, vasos, tigelas e esculturas de vidro representando peixes, nus e animais. Ele frequentemente empregava vidro opalescente para essas criações, um material capaz de mudar de cor do branco para o azul e para o âmbar, dependendo das condições de iluminação ambiente. Seus vasos e tigelas eram caracterizados por frisos moldados com animais, nus ou bustos de mulheres adornados com frutas ou flores. A produção artística de Sabino foi geralmente menos discreta, mas mais vibrante do que a de Lalique.

Outros designers de vidro Art Déco proeminentes incluem Edmond Etling, reconhecido por seus vibrantes tons opalescentes, muitas vezes incorporando motivos geométricos e nus esculpidos. Albert Simonet, Aristide Colotte e Maurice Marinot também foram notáveis, sendo Marinot particularmente aclamado por suas garrafas e vasos esculturais profundamente gravados. A empresa Daum de Nancy, anteriormente conhecida por seu trabalho em vidro Art Nouveau, criou posteriormente uma série de vasos Art Déco e esculturas de vidro caracterizadas por suas formas sólidas, geométricas e substanciais. Em contraste, peças mais complexas e multicoloridas foram criadas por Gabriel Argy-Rousseau, que desenhou vasos sutilmente sombreados adornados com borboletas e ninfas esculpidas, e François Decorchemont, cujos vasos apresentavam padrões distintos de listras e mármore.

A Grande Depressão afetou significativamente a indústria do vidro decorativo, que dependia fortemente de uma clientela abastada. Consequentemente, alguns artistas redirecionaram seus esforços para a criação de vitrais para encomendas eclesiásticas. Em 1937, a empresa de vidro Steuben iniciou um programa de contratação de artistas renomados para projetar artigos de vidro. Notavelmente, Louis Majorelle, famoso por seus móveis Art Nouveau, concebeu um excepcional vitral Art Déco representando metalúrgicos para os escritórios da Aciéries de Longwy, uma siderúrgica localizada em Longwy, França.

Um raro exemplo de vitrais Art Déco pode ser encontrado na Capela do Sagrado Coração na Catedral de Amiens, fabricada entre 1932 e 1934 pelo artista vidreiro parisiense Jean Gaudin, com base em projetos de Jacques Le Bretão.

Arte Metal

Os praticantes da Art Déco criaram uma gama diversificada de objetos funcionais, utilizando materiais industriais que vão desde o tradicional ferro forjado até o aço cromado. O artista americano Norman Bel Geddes, por exemplo, projetou um conjunto de coquetéis inspirado em arranha-céus, feito de aço cromado. Raymond Subes concebeu uma elegante grade de metal para a entrada do Palais de la Porte Dorée, que serviu como elemento central da Exposição Colonial de Paris de 1931. O escultor francês Jean Dunand também contribuiu significativamente, produzindo magníficas portas com o tema "A Caçada", adornadas com folhas de ouro e tinta sobre gesso em 1935.

Representações em ficção

A estética e os motivos visuais Art Déco foram incorporados em vários filmes de animação, incluindo Batman, Night Hood, Feira de Todos na Feira, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia e Bela Adormecida. Além disso, o estilo arquitetônico é exibido com destaque na metrópole subaquática fictícia de Rapture, dentro da franquia de videogame BioShock.

Os elementos visuais Art Déco serviram de inspiração arquitetônica para Iacon City no filme animado de ficção científica Transformers One.

Arquitetura Art Déco Global

Embora a arquitetura Art Déco tenha se originado na Europa, em 1939, seus exemplos podiam ser encontrados nas principais cidades de todos os continentes e em quase todas as nações. A seguir apresentamos uma seleção de estruturas notáveis de cada continente.

África

África

A maioria das estruturas Art Déco em África foram construídas durante o período da administração colonial europeia, frequentemente sob a direção de arquitetos italianos, franceses e portugueses.

Ásia

Embora vários edifícios Art Déco na Ásia tenham sido concebidos por arquitetos europeus, profissionais locais como Juan Nakpil, Juan Arellano e Pablo Antonio foram particularmente proeminentes nas Filipinas. Embora muitos marcos Art Déco em toda a Ásia tenham sido desmantelados durante a significativa expansão económica do final do século XX, vários enclaves arquitectónicos notáveis persistem, nomeadamente em Xangai e Mumbai.

Estabelecido em Mumbai em 1929, o Instituto Indiano de Arquitetos avançou significativamente o movimento Art Déco. Em novembro de 1937, o instituto orquestrou a 'Exposição da Casa Ideal' na Câmara Municipal de Mumbai, um evento que durou 12 dias e atraiu aproximadamente 100.000 participantes. Esta exposição foi posteriormente elogiada como um triunfo pelo 'Journal of the Indian Institute of Architects'. As exibições exibiam configurações residenciais ideais, ou melhor, contemporâneas, enfatizando um design meticuloso para evitar deficiências arquitetônicas e apresentar protótipos altamente eficientes e cuidadosamente concebidos. A exposição abrangeu diversos componentes domésticos, incluindo móveis, elementos de decoração de interiores e eletrodomésticos como rádios e geladeiras, todos incorporando materiais e metodologias novas e cientificamente pertinentes. Impulsionados pela aspiração de espelhar as tendências ocidentais, os arquitetos indianos foram cativados pela modernidade industrial inerente ao Art Déco. As elites ocidentais exploraram inicialmente os aspectos tecnologicamente sofisticados da Art Déco, o que levou os arquitectos a iniciarem a sua integração no início da década de 1930.

Durante a década de 1930, o florescente comércio portuário de Mumbai promoveu a expansão de uma população demográfica instruída de classe média. Simultaneamente, um afluxo de indivíduos migrou para Mumbai em busca de emprego, intensificando a procura de novas infra-estruturas. Isto exigiu um amplo desenvolvimento urbano, incluindo Esquemas de Recuperação de Terras e a construção de numerosos edifícios públicos e residenciais. Simultaneamente, a evolução do cenário político no país e a natureza aspiracional da estética Art Déco facilitaram a adoção generalizada deste estilo arquitetônico na expansão urbana da cidade. Uma concentração significativa de estruturas desta época está distribuída por vários bairros da cidade, incluindo Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra e Chembur.

Austrália e Nova Zelândia

Na Austrália, Melbourne e Sydney apresentam diversas estruturas Art Déco proeminentes. Exemplos notáveis ​​​​em Melbourne incluem o Manchester Unity Building e a antiga sede da polícia de Russell Street. O Castlemaine Art Museum em Castlemaine, no centro de Victoria, também representa esse estilo. Os importantes edifícios Art Déco de Sydney incluem o Grace Building, a AWA Tower e o Anzac Memorial.

Após o terremoto de Hawke's Bay em 1931, várias cidades da Nova Zelândia, principalmente Napier e Hastings, passaram por reconstrução no estilo Art Déco. Desde então, muitos desses edifícios receberam proteção e restauração. Napier foi proposto para designação de Patrimônio Mundial da UNESCO, marcando-o como a indicação de local cultural inaugural da Nova Zelândia. Wellington também preserva uma coleção substancial de arquitetura Art Déco.

América do Norte

No Canadá, as estruturas Art Déco existentes estão predominantemente localizadas nos principais centros urbanos. Eles variam de edifícios cívicos, como a Prefeitura de Vancouver, a propriedades comerciais como College Park e infraestrutura de utilidade pública, exemplificada pela Estação de Tratamento de Água R. C. Harris.

A manifestação Art Déco mais marcante do México é o interior do Palacio de Bellas Artes (Palácio de Belas Artes), concluído em 1934 e que se distingue por sua decoração e murais intrincados. A arquitetura residencial Art Déco é evidente no bairro de Condesa, com muitos projetos atribuídos a Francisco J. Serrano.

Em todos os Estados Unidos, a arquitetura Art Déco é predominante nas principais cidades de costa a costa. Sua aplicação era mais comum em estruturas comerciais, como edifícios de escritórios, estações ferroviárias, terminais de aeroportos e cinemas, enquanto exemplos residenciais permanecem incomuns. Durante as décadas de 1920 e 1930, arquitetos do sudoeste dos Estados Unidos, especialmente do Novo México, integraram elementos do Pueblo Revival e do estilo territorial com o Art Déco para forjar o 'Pueblo Deco', exemplificado pelo KiMo Theatre de Albuquerque. A década de 1930 testemunhou a ascensão do estilo mais minimalista Streamline Moderne. Embora numerosos edifícios tenham sido demolidos entre 1945 e o final da década de 1960, iniciativas subsequentes de preservação começaram para salvaguardar exemplos importantes. A cidade de Miami Beach, por exemplo, criou o Miami Beach Architectural District para conservar sua distinta coleção de edifícios Art Déco.

América Central e Caribe

As estruturas Art Déco estão distribuídas pela América Central, incluindo Cuba.

Europa

O estilo arquitetônico Art Déco originou-se em Paris, exemplificado pelo Théâtre des Champs-Élysées de Auguste Perret (1910–13). Posteriormente, disseminou-se rapidamente por toda a Europa, com casos emergentes nos principais centros urbanos, desde Londres a Moscovo. Durante as décadas de 1920 e 1930, a Alemanha testemunhou a proliferação de duas variações distintas do Art Déco: o estilo Neue Sachlichkeit e a arquitetura expressionista. Exemplos proeminentes incluem Mossehaus e Schaubühne de Erich Mendelsohn em Berlim, Chilehaus de Fritz Höger em Hamburgo e sua Kirche am Hohenzollernplatz em Berlim, ao lado da Torre Anzeiger em Hanover e da Torre Borsig em Berlim.

A Basílica Nacional do Sagrado Coração em Koekelberg, Bruxelas, é um dos edifícios Art Déco mais substanciais da Europa Ocidental. Em 1925, o arquitecto Albert van Huffel recebeu o Grande Prémio de Arquitectura pela sua maquete de basílica na Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes em Paris.

Espanha e Portugal apresentam exemplos notáveis ​​de arquitectura Art Déco, particularmente evidentes nos seus espaços cinematográficos. Em Portugal, destacam-se o Teatro Capitólio (1931) e o Cine-Teatro Éden (1937) em Lisboa, o Teatro Rivoli (1937) e o Coliseu (1941) no Porto, e o Teatro Rosa Damasceno (1937) em Santarém. As contribuições da Espanha incluem o Cine Rialto em Valência (1939).

Ao longo da década de 1930, o Art Déco influenciou significativamente o design de edifícios residenciais e públicos em todo o Reino Unido. As características desta época incluíam fachadas retilíneas de casas pintadas de branco culminando em telhados planos, molduras de portas distintamente geométricas, janelas alongadas e janelas de canto de metal curvadas convexas.

O sistema de metrô de Londres é conhecido por seus numerosos exemplos arquitetônicos Art Déco. Além disso, várias estruturas neste estilo estão localizadas ao longo da Golden Mile de Brentford. No oeste de Londres, o Edifício Hoover, inicialmente construído para a The Hoover Company, foi convertido em uma superloja no início da década de 1990. Bucareste, historicamente conhecida como a "Pequena Paris" do século XIX, passou por uma significativa reorientação de design após a Primeira Guerra Mundial, inspirando-se na cidade de Nova York. A década de 1930 inaugurou uma nova estética cultural, influenciando o cinema, o teatro, a dança, a arte e a arquitetura. Durante esta década, Bucareste experimentou uma proliferação de arquitetura Art Déco, evidente em vias públicas proeminentes, como Bulevardul Magheru, até residências privadas e bairros menores. O Palácio do Telefone, um marco inicial da Bucareste moderna, representou o arranha-céu inaugural da cidade. Com 52,5 metros (172 pés), permaneceu como a estrutura mais alta da cidade de 1933 até a década de 1950. Seu projeto foi atribuído aos arquitetos Louis Weeks e Edmond van Saanen Algi, com Walter Troy atuando como engenheiro. Estes monumentos Art Déco são parte integrante da identidade de Bucareste, significando um período crucial entre guerras (Primeira Guerra Mundial – Segunda Guerra Mundial) no seu desenvolvimento histórico. No entanto, a maioria destas estruturas daquela época são suscetíveis a eventos sísmicos, dada a localização de Bucareste dentro de uma zona sísmica.

Art Déco na América do Sul

A presença da Art Déco na América do Sul é particularmente pronunciada em nações que experimentaram uma imigração substancial durante a primeira metade do século XX, com contribuições arquitetônicas significativas encontradas em cidades ricas como São Paulo e Rio de Janeiro no Brasil, Buenos Aires na Argentina e Montevidéu no Uruguai. O Edifício Kavanagh em Buenos Aires (1934), projetado por Sánchez, Lagos e de la Torre, exemplifica o estilo Art Déco tardio e foi reconhecido como a estrutura de concreto armado mais alta após sua conclusão.

Esforços de preservação e desenvolvimentos Neo-Art Déco

Em vários centros urbanos, foram lançadas iniciativas para salvaguardar as estruturas Art Déco existentes. Nos Estados Unidos, vários cinemas históricos Art Déco foram preservados e reaproveitados como centros culturais. Além disso, edifícios Art Déco mais modestos foram conservados como elementos do legado arquitetônico da América; por exemplo, um café e posto de gasolina Art Déco ao longo da Rota 66 em Shamrock, Texas, detém o status de monumento histórico. O Distrito Arquitetônico de Miami Beach protege ativamente centenas de edifícios históricos e exige que as novas construções sigam a estética Art Déco. Por outro lado, em Havana, Cuba, um número significativo de edifícios Art Déco sofreu grave deterioração. Atualmente, estão em andamento esforços de restauração para restabelecer essas estruturas à sua condição original.

Durante o século 21, iterações contemporâneas de Art Déco, designadas como Neo Art Deco (ou neo-Art Deco), surgiram em vários centros urbanos americanos, inspirando-se nas estruturas Art Déco por excelência das décadas de 1920 e 1930. Exemplos notáveis ​​​​incluem a NBC Tower em Chicago, que faz referência ao 30 Rockefeller Plaza na cidade de Nova York; o Smith Center for the Performing Arts em Las Vegas, Nevada, incorporando motivos Art Déco que lembram a Represa Hoover; 99 Hudson em Jersey City, Nova Jersey, reconhecido como o edifício mais alto do estado e o 46º mais alto dos Estados Unidos, distinguido por seu calcário com influência Art Déco e detalhes lineares de vidro; e a Brooklyn Tower, no Brooklyn, Nova York, o edifício mais alto do bairro e o 19º mais alto do país, caracterizado por seu vidro preto e tubulações de bronze.

Referências

Referências

Bibliografia

Fiell, Charlotte; Fiel, Peter (2005). Design do século 20 (edição do 25º aniversário). Colônia: Taschen. págs. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.

• Fiell, Charlotte; Fiel, Peter (2005). Design do século 20 (edição do 25º aniversário). Colônia: Taschen. págs. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
  • Art Déco Miami Beach
  • Art Déco Montreal
  • design de interiores de sala de estar
  • Art Déco Xangai
  • Sociedade Art Déco de Nova York
  • Caminhada Art Déco em Montreal