Abstrakte Kunst nutzt ein visuelles Lexikon von Form, Form, Farbe und Linie, um Kompositionen zu konstruieren, die ein gewisses Maß an Autonomie gegenüber realen visuellen Bezügen besitzen. Abstrakte Kunst, nicht-figurative Kunst, nicht-gegenständliche Kunst und nicht-gegenständliche Kunst stellen eng verwandte Konzepte dar. Obwohl ihre Bedeutungen ähnlich sind, sind sie nicht unbedingt austauschbar.
Von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts war die westliche Kunst im Wesentlichen durch die Prinzipien der Perspektive und das Bestreben strukturiert, die Illusion der sichtbaren Realität nachzubilden. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts erkannten jedoch zahlreiche Künstler die Notwendigkeit, ein neues künstlerisches Paradigma zu entwickeln, das die tiefgreifenden Veränderungen in Technologie, Wissenschaft und Philosophie integrieren konnte. Die von den einzelnen Künstlern übernommenen theoretischen Grundlagen waren vielfältig und spiegelten die vorherrschenden sozialen und intellektuellen Anliegen in allen Facetten der westlichen Kultur dieser Zeit wider.
Abstraktion bedeutet im Kontext der Kunst eine Abweichung von der realistischen Darstellung von Bildern. Solche Abweichungen von der präzisen Darstellung können subtil, teilweise oder vollständig auftreten. Folglich operiert die Abstraktion entlang eines Spektrums. Kunstwerke, die absichtliche Veränderungen aufweisen, wie zum Beispiel auffällige Veränderungen in Farbe oder Form, werden als teilweise abstrakt kategorisiert. Umgekehrt enthält die totale Abstraktion keine erkennbaren Anspielungen auf erkennbare Formen. Beispielsweise vermeidet die geometrische Abstraktion normalerweise Verweise auf naturalistische Einheiten. Figurative Kunst und totale Abstraktion sind weitgehend gegensätzlich. Dennoch enthalten sowohl figurative als auch gegenständliche (oder realistische) Kunst häufig Elemente der teilweisen Abstraktion.
Sowohl geometrische als auch lyrische Abstraktion sind häufig durch vollständige Abstraktion gekennzeichnet. Zahlreiche Kunstrichtungen veranschaulichen eine teilweise Abstraktion; Bemerkenswerte Beispiele sind der Fauvismus, der die Farbe auffällig und absichtlich im Verhältnis zur Realität verändert, und der Kubismus, der die Formen dargestellter realer Entitäten neu konfiguriert.
Verlauf
Das 19. Jahrhundert in Europa
Während des 19. Jahrhunderts nahm die kirchliche Schirmherrschaft in Europa ab, während die private Schirmherrschaft der Öffentlichkeit Künstler zunehmend unterstützte. Romantik, Impressionismus und Expressionismus waren drei zentrale Kunstrichtungen, die die Entstehung der abstrakten Kunst förderten. Das 19. Jahrhundert markierte auch eine Zeit zunehmender künstlerischer Autonomie für die Praktiker. Eine objektive Auseinandersetzung mit der visuellen Wahrnehmung zeigt sich in den Werken von John Constable, J. M. W. Turner und Camille Corot, einer Linie, die bis zu den Impressionisten reichte, die die Tradition der Freilichtmalerei der Schule von Barbizon weiterentwickelten. Erste Hinweise auf einen aufkeimenden künstlerischen Ansatz wurden von James McNeill Whistler demonstriert, dessen Gemälde „Nocturne in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete“ aus dem Jahr 1872 der visuellen Empfindung Vorrang vor der objektiven Darstellung einräumte. Zuvor zeigten Georgiana Houghtons „Geist“-Zeichnungen, die 1871 ausgestellt wurden, abstrakte Formen, die mit der nicht-naturalistischen Essenz ihres Themas übereinstimmten, zu einer Zeit, als das Konzept der Abstraktion noch nicht formal artikuliert war.
Expressionistische Künstler leisteten Pionierarbeit beim kühnen Auftragen von Farbe und verwendeten Verzerrungen, Übertreibungen und lebendige Farbpaletten. Ihre emotional aufgeladenen Leinwände dienten als Antworten und Interpretationen zeitgenössischer Erfahrungen sowie als Kritik am Impressionismus und anderen konventionelleren künstlerischen Strömungen des späten 19. Jahrhunderts. Der Expressionismus verlagerte den Fokus grundlegend von der objektiven Thematik auf die Darstellung innerer psychischer Zustände. Während sich Persönlichkeiten wie Edvard Munch und James Ensor hauptsächlich von postimpressionistischen Werken inspirieren ließen, waren ihre Beiträge entscheidend für die Entstehung der Abstraktion im 20. Jahrhundert. Paul Cézanne, ursprünglich ein Impressionist, verfolgte das Ziel, die Realität logisch aus einem einzigen Blickwinkel zu konstruieren, indem er modulierte Farben innerhalb planarer Bereiche nutzte; Dieser Ansatz bildete später die Grundprinzipien einer neuen bildenden Kunst, die sich später zum Kubismus entwickelte.
Im späten 19. Jahrhundert wurden die osteuropäische Mystik und die frühmoderne Religionsphilosophie, insbesondere die Lehren der Theosophin Mme. Blavatsky beeinflusste maßgeblich bahnbrechende geometrische Künstler wie Hilma af Klint und Wassily Kandinsky. Ebenso sind die mystischen Lehren von Georges Gurdjieff und P.D. Ouspensky prägte maßgeblich die aufkommenden geometrisch-abstrakten Stile von Piet Mondrian und seinen Kollegen im frühen 20. Jahrhundert. Diese spirituelle Strömung inspirierte auch die abstrakte Kunst von Kasimir Malewitsch und František Kupka.
Das frühe 20. Jahrhundert
Fauvismus und Kubismus
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts revolutionierte Henri Matisse zusammen mit anderen aufstrebenden Künstlern wie den Präkubisten Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy und Jean Metzinger die Pariser Kunstszene. Ihr unverwechselbarer Stil, der sich durch lebendige, vielfarbige und ausdrucksstarke Landschaften und Figurenmalereien auszeichnet, wurde von Kritikern als Fauvismus bezeichnet. Der innovative Einsatz roher Farben durch die Fauves hatte großen Einfluss auf Wassily Kandinsky, eine weitere wegweisende Figur in der Entwicklung der Abstraktion.
Der Kubismus, eine Kunstrichtung, die auf Cézannes Behauptung basierte, dass alle natürlichen Formen in grundlegende geometrische Formen – Würfel, Kugel und Kegel – destilliert werden könnten, entstand neben dem Fauvismus als zentrale Kraft, die das Aufkommen der Abstraktion im frühen 20. Jahrhundert direkt ermöglichte.
Frühe abstrakte Kunst
Im Salon de la Section d'Or 1912 präsentierte František Kupka sein abstraktes Gemälde Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuge in zwei Farben) (1912). Während dieser Veranstaltung prägte der Dichter Guillaume Apollinaire den Begriff Orphismus, um die Arbeit mehrerer Künstler, darunter Robert Delaunay, zu beschreiben. Apollinaire charakterisierte diesen Stil als „die Kunst, neue Strukturen aus Elementen zu malen, die nicht aus der visuellen Sphäre entlehnt, sondern vollständig vom Künstler geschaffen wurden … es ist eine reine Kunst.“
Seit der Wende des 20. Jahrhunderts blühte ein reger kultureller Austausch zwischen Künstlern in großen europäischen Städten auf, angetrieben von dem gemeinsamen Ehrgeiz, eine Kunstform zu schaffen, die den hohen Idealen der Moderne entspricht. Die Verbreitung von Ideen durch Künstlerbücher, Ausstellungen und Manifeste förderte ein fruchtbares Umfeld für Experimente und Diskurse und legte so die Grundlage für vielfältige Ansätze zur Abstraktion. Ein Auszug aus The World Backwards verdeutlicht die weitreichende kulturelle Vernetzung dieser Ära: „David Burliuks Wissen über moderne Kunstrichtungen muss äußerst aktuell gewesen sein, denn die zweite Ausstellung des Knave of Diamonds, die im Januar 1912 (in Moskau) stattfand, umfasste nicht nur Gemälde aus München, sondern auch einige Mitglieder der deutschen Gruppe „Die Brücke“, während aus Paris Werke von Robert Delaunay, Henri Matisse und Fernand Léger sowie Picasso kamen. Im Frühjahr hielt David Burliuk zwei Vorträge über den Kubismus und plante eine polemische Veröffentlichung, die der Knave of Diamonds finanzieren sollte. Er reiste im Mai ins Ausland und kam zurück, entschlossen, dem Almanach Der Blaue Reiter Konkurrenz zu machen, der während seines Aufenthalts in Deutschland aus den Druckereien hervorgegangen war.
Zwischen 1909 und 1913 schufen zahlreiche Künstler experimentelle Werke auf der Suche nach dieser „reinen Kunst“. Bemerkenswerte Beispiele sind: Francis Picabias Kautschuk (ca. 1909), Der Frühling (1912), Tänze am Frühling und Die Prozession in Sevilla (1912); Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolour) (1913), Improvisation 21A, die Impression-Serie und Picture with a Circle (1911); František Kupkas orphistische Stücke, Discs of Newton (Studie für Fuge in zwei Farben) (1912) und Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuge in zwei Farben) (1912); Robert Delaunays Serie mit dem Titel Simultaneous Windows und Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912–13); Léopold Survages Colored Rhythm (Studie zum Film) (1913); und Piet Mondrians Tableau No. und Der gelbe Vorhang (1915).
Die Erforschung der Abstraktion wurde mit den Rayist-Zeichnungen (Luchizm) von Natalia Goncharova und Mikhail Larionov vorangetrieben, in denen Linien verwendet wurden, die Lichtstrahlen ähneln, um Kompositionen zu konstruieren. Im Jahr 1915 schuf Kasimir Malewitsch sein erstes völlig abstraktes Werk, das suprematistische Schwarze Quadrat. Gleichzeitig entwickelte Liubov Popova, ein weiteres Mitglied der suprematistischen Bewegung, von 1916 bis 1921 die architektonischen Konstruktionen und räumlichen Kraftkonstruktionen. Zwischen 1915 und 1919 verfeinerte Piet Mondrian seine abstrakte Sprache, die durch horizontale und vertikale Linien gekennzeichnet ist, die sich mit farbigen Rechtecken schneiden. Diese als Neoplastizismus bekannte Ästhetik wurde von Mondrian, Theo van Doesburg und anderen Künstlern der De Stijl-Gruppe mit dem Ziel konzipiert, zukünftige Umgebungen neu zu gestalten.
Die russische Avantgarde-Bewegung
Eine beträchtliche Anzahl russischer abstrakter Künstler befürwortete den Konstruktivismus und vertrat die Auffassung, dass Kunst keine losgelöste Einheit, sondern vielmehr ein integraler Bestandteil des Lebens selbst sein sollte. Sie plädierten dafür, dass Künstler die Rolle von Technikern übernehmen und die Instrumente und Materialien der zeitgenössischen Fertigung beherrschen sollten. Vladimir Tatlins Schlachtruf „Kunst ins Leben!“ fasste das Ethos aller nachfolgenden Konstruktivisten zusammen. Persönlichkeiten wie Varvara Stepanova und Alexandre Exter verzichteten auf die traditionelle Staffeleimalerei und richteten ihre kreativen Bemühungen auf Theaterdesign und Grafik. Im Gegensatz dazu vertraten Kasimir Malewitsch, Anton Pevsner und Naum Gabo die Auffassung, dass Kunst ein inhärent spirituelles Unterfangen sei, das sich darauf konzentriere, die Position eines Individuums im Kosmos zu etablieren, und nicht darauf, das Leben pragmatisch auf materialistische Weise zu strukturieren. In dieser Zeit engagierten sich Schlüsselfiguren der russischen Avantgarde in Kooperationsprojekten mit anderen osteuropäischen konstruktivistischen Künstlern, darunter Władysław Strzmiński, Katarzyna Kobro und Henryk Stażewski.
Zahlreiche Künstler, die sich dem materialistischen Produktionskonzept der Kunst widersetzten, emigrierten aus Russland. Anton Pevsner zog nach Frankreich, während Gabo zunächst nach Berlin, dann nach England und schließlich nach Amerika zog. Kandinsky ging nach seinem Studium in Moskau zum Bauhaus. Mitte der 1920er Jahre endete die revolutionäre Ära (1917–1921), die den Künstlern beträchtliche experimentelle Freiheit gelassen hatte. In den 1930er Jahren erhielt nur der sozialistische Realismus offizielle Zustimmung.
Musikalische Einflüsse
Als die visuelle Kunst sich in Richtung Abstraktion weiterentwickelte, begann sie Eigenschaften zu zeigen, die der Musik ähnelten, einer Kunstform, die von Natur aus abstrakte Klangkomponenten und zeitliche Segmentierung nutzt. Wassily Kandinsky, selbst Amateurmusiker, ließ sich von der Möglichkeit inspirieren, dass visuelle Zeichen und eindrucksvolle Farben in der Seele widerhallen. Dieses Konzept wurde zuvor von Charles Baudelaire formuliert, der postulierte, dass unsere Sinne zwar auf verschiedene Reize reagieren, aber auf einer tiefgreifenden ästhetischen Ebene miteinander verbunden sind.
Ein eng damit verbundenes Konzept geht davon aus, dass Kunst die spirituelle Dimension besitzt, die es ihr ermöglicht, über alltägliche Erfahrungen hinauszugehen ein spirituelles Reich erreichen. Die Theosophische Gesellschaft spielte eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung der alten Weisheit, die in den heiligen Texten Indiens und Chinas im frühen 20. Jahrhundert enthalten war. Innerhalb dieses intellektuellen Milieus entwickelten Künstler wie Piet Mondrian, Wassily Kandinsky und Hilma af Klint, die in ihrer Arbeit einen „objektlosen Zustand“ anstrebten, ein Interesse am Okkulten als Mittel zur Manifestation eines „inneren“ Objekts. Geometrische Formen – Kreis, Quadrat und Dreieck – stellen universelle und zeitlose Formen dar, die als grundlegende räumliche Elemente in der abstrakten Kunst dienen und ähnlich wie Farben als grundlegende Systeme fungieren, die die wahrnehmbare Realität untermauern.
Die Bauhaus-Bewegung
Die 1919 von Walter Gropius gegründete Bauhaus-Schule in Weimar, Deutschland, basierte auf einer Grundphilosophie, die die Synthese aller bildenden und bildenden Künste betonte und Disziplinen von Architektur und Malerei bis hin zu Weberei und Glasmalerei umfasste. Dieser pädagogische Ansatz entstand aus den Prinzipien der englischen Arts and Crafts-Bewegung und des Deutschen Werkbundes. Bemerkenswerte Fakultätsmitglieder waren Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers und László Moholy-Nagy. 1925 wurde die Anstalt nach Dessau verlegt und nach der Machtübernahme der NSDAP 1932 eingestellt. 1937 zeigte eine Ausstellung mit dem Titel „Entartete Kunst“ verschiedene Formen avantgardistischer Kunst, die vom NS-Regime als inakzeptabel galten. Anschließend begann eine bedeutende Abwanderung von Künstlern, nicht nur aus dem Bauhaus, sondern aus ganz Europa, die viele nach Paris, London und Amerika führte. Während sich Paul Klee in der Schweiz niederließ, wanderten zahlreiche Bauhaus-Künstler in die USA aus.
Abstraktion in der Pariser und Londoner Kunstszene
In den 1930er Jahren entwickelte sich Paris zu einem Zufluchtsort für Künstler, die vor totalitären Regimen in Russland, Deutschland, den Niederlanden und anderen europäischen Ländern flohen. Sophie Tauber und Jean Arp führten gemeinsame Projekte durch und schufen Gemälde und Skulpturen, die organische und geometrische Formen integrierten. Die polnische Künstlerin Katarzyna Kobro hat mathematisch abgeleitete Konzepte in ihre skulpturalen Arbeiten integriert. Die Konvergenz verschiedener abstrakter Kunstformen veranlasste Künstler, ihre unterschiedlichen konzeptuellen und ästhetischen Kategorien zu analysieren. Eine Ausstellung mit 46 Mitgliedern der Gruppe Cercle et Carré, kuratiert von Joaquín Torres-García mit Unterstützung von Michel Seuphor, zeigte Werke von Neoplastikern neben einer Reihe von Abstraktionisten, darunter Kandinsky, Anton Pevsner und Kurt Schwitters. Theo van Doesburg kritisierte die Sammlung als zu unbestimmt und veröffentlichte anschließend die Zeitschrift Art Concret, die ein Manifest enthielt, in dem sie behauptete, dass in der abstrakten Kunst Linie, Farbe und Oberfläche die einzige konkrete Realität darstellen. Abstraction-Création wurde 1931 als integrativeres Kollektiv gegründet und diente als wichtiger Bezugspunkt für abstrakte Künstler. Als sich das politische Klima 1935 verschlechterte, kamen viele Künstler wieder zusammen, insbesondere in London. In England fand 1935 die erste Ausstellung britischer abstrakter Kunst statt. Im darauffolgenden Jahr organisierte Nicolete Gray die stärker international ausgerichtete Ausstellung „Abstract and Concrete“ mit Werken von Künstlern wie Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth und Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson und Gabo zogen nach St. Ives, Cornwall, um ihre konstruktivistischen künstlerischen Bemühungen fortzusetzen.
Ende des 20. Jahrhunderts
In den 1930er Jahren, als der Nationalsozialismus an die Macht kam, wanderten zahlreiche Künstler aus Europa in die Vereinigten Staaten aus. In den frühen 1940er Jahren war New York City zu einem Zentrum für große moderne Kunstbewegungen geworden, darunter Expressionismus, Kubismus, Abstraktion, Surrealismus und Dada. Zu seinen Bewohnern gehörten im Exil lebende europäische Künstler wie Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst und André Breton. Die tiefgreifenden kulturellen Beiträge dieser europäischen Künstler wurden von lokalen New Yorker Malern aufgenommen und weiterentwickelt. Die Atmosphäre der künstlerischen Freiheit in New York förderte die Verbreitung dieser vielfältigen Einflüsse. Kunstgalerien, die sich zuvor vorwiegend auf europäische Kunst konzentrierten, begannen, die aufkeimende lokale Kunstszene und die reifenden Werke jüngerer amerikanischer Künstler anzuerkennen. In dieser Zeit entwickelten mehrere Künstler in ihren reifen Werken einen deutlich abstrakten Stil. Piet Mondrians Gemälde Komposition Nr. 10 (1939–1942) mit Primärfarben, weißem Grund und schwarzen Gitterlinien war ein Beispiel für seine radikale und dennoch klassische Herangehensweise an das Rechteck und die abstrakte Kunst im Allgemeinen. Einige Künstler dieser Zeit widersetzten sich einer einfachen Kategorisierung; Zum Beispiel blieb Georgia O'Keeffe, eine modernistische Abstraktionistin, eine unabhängige Figur, die hochabstrakte Formen schuf, ohne sich einer bestimmten Gruppe dieser Zeit anzuschließen.
Im Laufe der Zeit begannen sich amerikanische Künstler, die zunächst in unterschiedlichen Stilrichtungen arbeiteten, zu zusammenhängenden Stilgruppen zusammenzuschließen. Das bekannteste Kollektiv amerikanischer Künstler wurde als Abstrakte Expressionisten und New York School anerkannt. New York City förderte ein dem künstlerischen Diskurs förderliches Umfeld und bot neue Möglichkeiten zum Lernen und zur Entwicklung. Die Künstler und Pädagogen John D. Graham und Hans Hofmann fungierten als wichtige Vermittler zwischen den kürzlich angekommenen europäischen Modernisten und der aufstrebenden Generation amerikanischer Künstler. Mark Rothko, ein in Russland geborener Künstler, verwendete zunächst stark surrealistische Bilder, die sich später zu seinen eindrucksvollen Farbkompositionen der frühen 1950er Jahre entwickelten. Für Jackson Pollock, Robert Motherwell und Franz Kline erlangten die expressionistische Geste und der Akt des Malens eine überragende Bedeutung. Gleichzeitig gingen die figurativen Werke von Arshile Gorky und Willem de Kooning Ende der 1940er Jahre in die Abstraktion über. New York City entwickelte sich zu einem globalen künstlerischen Epizentrum und zog Künstler aus der ganzen Welt an, darunter auch aus anderen Regionen Amerikas.
21. Jahrhundert
Digitale Kunst, Hard-Edge-Malerei, geometrische Abstraktion, Minimalismus, lyrische Abstraktion, Op-Art, abstrakter Expressionismus, Farbfeldmalerei, monochrome Malerei, Assemblage, Neo-Dada und geformte Leinwandmalerei repräsentieren einige der vielfältigen Entwicklungen im Zusammenhang mit der Abstraktion in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.
In den Vereinigten Staaten gehören zu den zeitgenössischen Erscheinungsformen der abstrakten Kunst Kunst als Objekt, beispielhaft dargestellt durch die minimalistischen Skulpturen von Donald Judd und die Gemälde von Frank Stella. Weitere Beispiele umfassen die lyrische Abstraktion und den eindrucksvollen Einsatz von Farbe, die in den Werken von Künstlern wie Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell und Veronica Ruiz de Velasco zu finden sind.
Analyse
Eine sozialhistorische Interpretation, die insbesondere mit Theodor W. Adorno in Verbindung gebracht wird, geht davon aus, dass die zunehmende Bedeutung der Abstraktion in der modernen Kunst sowohl eine Reaktion auf als auch eine Widerspiegelung der zunehmenden Abstraktion sozialer Beziehungen in Industriegesellschaften darstellt.
Frederic Jameson interpretiert die modernistische Abstraktion in ähnlicher Weise als Folge des abstrahierenden Einflusses des Geldes, das alle Entitäten zu gleichwertigen Tauschwerten homogenisiert. Folglich verkörpert die soziale Dimension der abstrakten Kunst genau den abstrakten Charakter der sozialen Existenz – manifestiert durch rechtliche Formalismen, bürokratische Depersonalisierung und die Dynamik von Information und Macht – im Kontext der Spätmoderne.
Umgekehrt legen postjungianische Perspektiven nahe, dass Quantentheorien, indem sie konventionelle Vorstellungen von Form und Materie in Frage stellen, die in der modernen Kunst beobachtete Trennung von Konkretem und Abstraktem untermauern.
Der Künstler Al Capp lieferte eine einfachere Erklärung Einschätzung, die abstrakte Kunst als „ein Produkt der Unbegabten, verkauft von den Prinzipienlosen an die völlig Verwirrten“ charakterisiert.
Galerie
In anderen Medien
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Referenzen
Quellen
- ^ Compton, Susan (1978). Die Welt rückwärts: Russische futuristische Bücher 1912–16. Die Britische Bibliothek. ISBN 978-0-7141-0396-9.^ Stangos, Nikos, Hrsg. (1981). Concepts of Modern Art. Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.^ Gooding, Mel (2001). Abstrakte Kunst. Reihe „Bewegungen in der modernen Kunst“. Tate Publishing. ISBN 978-1-85437-302-1.^ Rump, Gerhard Charles (1985). Wie man ein abstraktes Gemälde betrachtet. Inter Nationes.
- Der Begriff „Abstraktion“ wird im Museum of Modern Art von Nelson Goodman von Grove Art Online erwähnt
- Abstrakte Kunst entmystifiziert