Der abstrakte Expressionismus entstand in den Vereinigten Staaten nach dem Zweiten Weltkrieg als eigenständige künstlerische Bewegung und erlangte in den 1950er Jahren große Anerkennung. Diese Entwicklung markierte eine deutliche Abkehr vom amerikanischen Sozialrealismus der 1930er Jahre, der durch die Weltwirtschaftskrise und den Einfluss mexikanischer Wandmaler geprägt war. Der Kunstkritiker Robert Coates wandte den Begriff erstmals 1946 auf amerikanische Kunst an. An der New York School, die als Epizentrum der Bewegung fungierte, waren unter anderem prominente Künstler wie Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov und Lee Krasner vertreten.
DerAbstrakte Expressionismus entwickelte sich in den Vereinigten Staaten nach dem Zweiten Weltkrieg zu einer eigenständigen Kunstbewegung und erlangte in den 1950er-Jahren allgemeine Akzeptanz, eine Abkehr vom amerikanischen sozialen Realismus der 1930er-Jahre, der von der Weltwirtschaftskrise und mexikanischen Wandmalern beeinflusst wurde. Der Begriff wurde erstmals 1946 vom Kunstkritiker Robert Coates auf amerikanische Kunst angewendet. Zu den Schlüsselfiguren der New York School, die das Zentrum dieser Bewegung bildete, gehörten unter anderem Künstler wie Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov und Lee Krasner.
Diese künstlerische Bewegung ging über die Malerei hinaus und umfasste einflussreiche Kollagisten und Bildhauer, darunter David Smith und Louise Nevelson. Der abstrakte Expressionismus ließ sich maßgeblich von den spontanen und unbewussten kreativen Prozessen inspirieren, die für surrealistische Künstler wie André Masson und Max Ernst charakteristisch sind. Vertreter der Bewegung kombinierten die emotionale Intensität des deutschen Expressionismus mit den innovativen visuellen Lexika europäischer Avantgarde-Bewegungen, darunter Futurismus, Bauhaus und synthetischer Kubismus.
Der abstrakte Expressionismus zeichnete sich durch seine rebellische und eigenwillige Natur aus und umfasste eine Vielzahl künstlerischer Stile. Es war die erste eindeutig amerikanische Bewegung, die internationale Bedeutung erlangte und New York City als Knotenpunkt der westlichen Kunstwelt neu positionierte, eine Rolle, die zuvor Paris innehatte. Kritiker zeitgenössischer Kunst waren maßgeblich an seiner Entwicklung beteiligt. Persönlichkeiten wie Clement Greenberg und Harold Rosenberg förderten die Werke abstrakter expressionistischer Künstler, insbesondere Jackson Pollock, durch ihre kritischen Schriften und ihr Mäzenatentum. Rosenbergs einflussreiches Konzept der Leinwand als „Arena, in der man agieren kann“ war grundlegend für die Gestaltung der Methodik der Action-Maler. Zu Beginn der 1960er Jahre war die kulturelle Dominanz des abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten geschwunden. Die anschließende Abkehr von der Betonung des Individualismus förderte die Entstehung von Bewegungen wie der Pop-Art und dem Minimalismus. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts blieb der Einfluss des abstrakten Expressionismus in verschiedenen künstlerischen Strömungen in den USA und Europa erkennbar, darunter Tachismus und Neoexpressionismus.
Die Bezeichnung „Abstrakter Expressionismus“ entstand vermutlich 1919 in Deutschland und erschien in der Zeitschrift Der Sturm im Zusammenhang mit dem deutschen Expressionismus. Alfred Barr verwendete diesen Begriff 1929, um die Kunstwerke von Wassily Kandinsky zu charakterisieren. In den Vereinigten Staaten verwendete Robert Coates den Begriff 1946 in seiner Rezension von achtzehn Gemälden von Hans Hofmann.
Stil
Der Surrealismus gilt als bedeutender Vorläufer, der sich durch seinen Fokus auf die spontane, automatische oder unbewusste künstlerische Erzeugung auszeichnet. Jackson Pollocks Technik, Farbe auf eine auf dem Boden ausgelegte Leinwand zu tropfen, geht auf die Praktiken von André Masson, Max Ernst und David Alfaro Siqueiros zurück. Die jüngste Forschung positioniert den im Exil lebenden Surrealisten Wolfgang Paalen zunehmend als einen zentralen Künstler und Theoretiker, der durch seine Kunstwerke und seine Zeitschrift DYN das Konzept eines betrachterabhängigen Möglichkeitsraums vorangetrieben hat. Paalen erforschte Prinzipien der Quantenmechanik und entwickelte unterschiedliche Interpretationen des totemistischen Sehens und der räumlichen Organisation, die in der indigenen Malerei aus British Columbia zu finden sind, und legte damit die konzeptionelle Grundlage für die aufkommenden räumlichen Perspektiven junger amerikanischer abstrakter Künstler. Sein umfangreicher Aufsatz Totem Art (1943) beeinflusste maßgeblich Künstler wie Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko und Barnett Newman. Ungefähr im Jahr 1944 unternahm Barnett Newman den Versuch, Amerikas entstehende Kunstbewegung zu erläutern, indem er eine Liste der „Männer der neuen Bewegung“ zusammenstellte. Paalen erscheint zweimal auf dieser Liste, neben Künstlern wie Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes und Gorky. Robert Motherwell wird mit einer Frage zur Kenntnis genommen. Eine weitere entscheidende frühe Manifestation dessen, was später zum abstrakten Expressionismus werden sollte, ist im Werk des amerikanischen Nordwestkünstlers Mark Tobey zu erkennen, insbesondere in seinen Leinwänden mit „weißer Schrift“, die trotz ihres typisch bescheidenen Maßstabs die „Allover“-Ästhetik charakterisieren, die für Pollocks Drip Paintings charakteristisch ist.
Die Bezeichnung dieser künstlerischen Bewegung ergibt sich aus der Synthese der tiefen emotionalen Intensität und Askese der deutschen Expressionisten mit den antifigurativen Prinzipien, die für europäische Schulen der abstrakten Kunst charakteristisch sind, darunter Futurismus, Bauhaus und synthetischer Kubismus. Darüber hinaus wird die Bewegung oft als rebellisch, anarchisch, äußerst eigenwillig und von manchen als nihilistisch wahrgenommen. In der Praxis umfasst der Begriff eine vielfältige Gruppe von Künstlern, die hauptsächlich in New York ansässig sind und unterschiedliche Stile zeigen, und erstreckt sich sogar auf Werke, die weder offenkundig abstrakt noch expressionistisch sind. Jay Meuser, ein kalifornischer abstrakter Expressionist, der für seinen unobjektiven Stil bekannt ist, formulierte seine Philosophie in Bezug auf sein Gemälde Mare Nostrum: „Es ist weitaus besser, den herrlichen Geist des Meeres einzufangen, als alle seine winzigen Wellen zu malen.“ Pollocks dynamische „Action Paintings“, die sich durch ihre lebendige Energie auszeichnen, weichen technisch und ästhetisch von Willem de Koonings gewalttätiger und grotesker figurativer Women-Serie sowie von den chromatischen Rechtecken von Rothkos Farbfeldgemälden ab – Werke, die Rothko selbst ablehnte, abstrakt zu sein und die normalerweise nicht als expressionistisch bezeichnet werden. Trotz dieser stilistischen Unterschiede werden alle vier Künstler als abstrakte Expressionisten eingestuft.
Der abstrakte Expressionismus weist zahlreiche stilistische Ähnlichkeiten mit russischen Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts auf, insbesondere mit Wassily Kandinsky. Während ein Sinn für Spontaneität oder deren Eindruck ein Markenzeichen vieler Werke des Abstrakten Expressionismus war, erforderten die meisten dieser Gemälde eine sorgfältige Planung, insbesondere angesichts ihres beträchtlichen Umfangs. Für Künstler wie Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz und später Rothko, Newman und Agnes Martin diente die abstrakte Kunst als klares Mittel zum Ausdruck von Konzepten im Zusammenhang mit dem Spirituellen, dem Unbewussten und der menschlichen Psyche.
Die weit verbreitete Übernahme dieses künstlerischen Stils in den 1950er Jahren bleibt Gegenstand wissenschaftlicher Diskussionen. In den 1930er Jahren dominierte der amerikanische soziale Realismus die Kunstszene, der maßgeblich sowohl von der Weltwirtschaftskrise als auch von den Werken mexikanischer Wandmaler wie David Alfaro Siqueiros und Diego Rivera beeinflusst wurde. Allerdings erwies sich das politische Umfeld nach dem Zweiten Weltkrieg als weniger empfänglich für den sozialen Kommentar, der den Werken dieser Maler innewohnt. Der abstrakte Expressionismus entstand während der Kriegsjahre und erlangte in den frühen 1940er Jahren erste Bekanntheit in New Yorker Galerien, darunter in der Art of This Century Gallery. Die McCarthy-Ära führte nach dem Krieg zu einer Zeit der künstlerischen Zensur in den Vereinigten Staaten. Völlig abstrakte Themen wurden in diesem Zusammenhang oft als unpolitisch und damit weniger kontrovers wahrgenommen. Wenn die Kunst alternativ politische Botschaften vermittelte, waren diese häufig für ein Fachpublikum kodiert.
Obwohl der Abstrakte Expressionismus überwiegend mit der Malerei verbunden ist, spielten die Künstlerin Anne Ryan und mehrere Bildhauer eine entscheidende Rolle innerhalb der Bewegung. Bemerkenswerte Bildhauer, die als bedeutende Mitglieder gelten, sind David Smith, seine Frau Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois und Louise Nevelson. Darüber hinaus waren Künstler wie David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero und die Bildhauer Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell und zahlreiche andere integraler Bestandteil der Bewegung des Abstrakten Expressionismus. Viele dieser Bildhauer stellten ihre Arbeiten auf der renommierten Ninth Street Show aus, einer Ausstellung, die 1951 von Leo Castelli in der East Ninth Street in New York City organisiert wurde. Neben Malern und Bildhauern förderte die New York School of Abstract Expressionism auch eine Gemeinschaft unterstützender Dichter, darunter Frank O'Hara, Fotografen wie Aaron Siskind und Fred McDarrah (dessen Publikation The Artist's World in Pictures die New York School in den 1950er Jahren dokumentierte) und Filmemacher, allen voran Robert Frank.
Während sich die Schule des Abstrakten Expressionismus schnell in den Vereinigten Staaten, ihren wichtigsten Einflusszentren, verbreitete waren New York City und die San Francisco Bay Area in Kalifornien.
Kunstkritiker nach dem Zweiten Weltkrieg
Ab einem bestimmten Zeitpunkt erschien die Leinwand einem amerikanischen Maler nach dem anderen als eine Arena, in der er agieren konnte. Was auf die Leinwand kommen sollte, war kein Bild, sondern ein Ereignis.
In den 1940er Jahren war die New York Vanguard mit einem Mangel an Ausstellungsorten wie „The Art of This Century“, „Pierre Matisse Gallery“ und „Julien Levy Gallery“ konfrontiert, und Kritiker waren bereit, sich mit ihrer Arbeit auseinanderzusetzen. Eine ausgewählte Gruppe von Künstlern, darunter Robert Motherwell und Barnett Newman, trugen ebenfalls zum kritischen Diskurs bei und nutzten ihren literarischen Hintergrund.
In den späten 1940er Jahren profitierten viele heute weithin anerkannte Künstler trotz der relativen Unbekanntheit der New Yorker Avantgarde von etablierter kritischer Schirmherrschaft. Clement Greenberg setzte sich insbesondere für Jackson Pollock und Color Field-Maler ein, darunter Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und Hans Hofmann. Harold Rosenberg hingegen schien neben den grundlegenden Werken von Arshile Gorki auch Actionmaler wie Willem de Kooning und Franz Kline zu bevorzugen. Gleichzeitig war Thomas B. Hess, Chefredakteur von ARTnews, ein prominenter Verfechter von Willem de Kooning.
Diese aufstrebenden Kritiker förderten ihre bevorzugten Künstler, indem sie andere entweder als bloße „Anhänger“ kategorisierten oder diejenigen ignorierten, deren Arbeit nicht mit ihren Werbezielen übereinstimmte.
Im Jahr 1958 erreichte Mark Tobey einen bedeutenden Meilenstein und wurde der erste amerikanische Maler seit Whistler im Jahr 1895, um sich den höchsten Preis auf der Biennale von Venedig zu sichern.
Barnett Newman, ein späteres Mitglied der Uptown Group, steuerte Vorworte und Rezensionen zum Katalog bei. In den späten 1940er Jahren begann er, seine eigene Kunst in der Betty Parsons Gallery auszustellen und veranstaltete 1948 seine erste Einzelausstellung. Kurz nach dieser Ausstellung formulierte Newman während einer Künstlersitzung im Studio 35 eine tiefgreifende Aussage: „Wir sind dabei, die Welt bis zu einem gewissen Grad nach unserem eigenen Bild zu erschaffen.“ Newman nutzte seine literarischen Fähigkeiten strategisch, um seine aufkeimende künstlerische Identität zu festigen und sein Gesamtwerk voranzutreiben. Ein bemerkenswertes Beispiel dafür ist sein Brief vom 9. April 1955 an Sidney Janis, in dem er behauptete: „Es ist wahr, dass Rothko der Kämpfer ist. Er kämpft jedoch dafür, sich der Welt des Spießbürgers zu unterwerfen. Mein Kampf gegen die bürgerliche Gesellschaft beinhaltete ihre völlige Ablehnung.“
Clement Greenberg, ein New Yorker Trotzkist, gilt weithin als eine der Hauptfiguren bei der Förderung dieses künstlerischen Stils. Als langjähriger Kunstkritiker für die Partisan Review und The Nation entwickelte er sich zu einem frühen und deutlichen Verfechter des Abstrakten Expressionismus. Robert Motherwell, ein Künstler mit beträchtlichen Mitteln, arbeitete mit Greenberg zusammen, um einen Stil voranzutreiben, der mit der vorherrschenden politischen Atmosphäre und dem intellektuellen Dissens der Zeit übereinstimmte.
Greenberg erklärte den Abstrakten Expressionismus und insbesondere Pollocks Beiträge zum Höhepunkt ästhetischer Errungenschaften. Er verteidigte Pollocks Oeuvre durch eine formalistische Linse und postulierte es als das herausragende Gemälde seiner Zeit und den Höhepunkt einer künstlerischen Linie, die über den Kubismus und Cézanne bis zu Monet zurückreicht. Nach Greenbergs Ansicht verfeinerte diese Tradition die Malerei zunehmend zu einem immer „reineren“ Zustand und konzentrierte sich auf den „wesentlichen“ Akt des Markierens auf einer zweidimensionalen Ebene.
Pollocks künstlerisches Schaffen löste durchweg unterschiedliche kritische Reaktionen aus. Rosenberg charakterisierte Pollocks Werk als eine Verwandlung der Malerei in ein existenzielles Drama, in dem „das, was auf die Leinwand kommen sollte, kein Bild, sondern ein Ereignis“ war. Er postulierte weiter: „Der große Moment kam, als beschlossen wurde, ‚nur um zu malen‘ zu malen. Die Geste auf der Leinwand war eine Geste der Befreiung von Werten – politischen, ästhetischen, moralischen.“
John Canaday, der Kunstkritiker der The New York Times, trat als prominenter Kritiker des Abstrakten Expressionismus in seiner Gründungsphase hervor. Umgekehrt waren Meyer Schapiro und Leo Steinberg neben Greenberg und Rosenberg einflussreiche Kunsthistoriker der Nachkriegszeit, die die Bewegung öffentlich unterstützten. Anfang bis Mitte der 1960er Jahre bereicherte eine neue Generation von Kunstkritikern, darunter Michael Fried, Rosalind Krauss und Robert Hughes, den laufenden kritischen Diskurs um den Abstrakten Expressionismus erheblich.
Verlauf
Zweiter Weltkrieg und die Nachkriegszeit
In den Jahren vor und während des Zweiten Weltkriegs suchten zahlreiche modernistische Künstler, Schriftsteller, Dichter sowie bedeutende Sammler und Händler Zuflucht in den Vereinigten Staaten, um dem Vormarsch des Nazi-Regimes in Europa zu entkommen. Eine beträchtliche Anzahl derjenigen, die nicht evakuiert werden konnten, kam auf tragische Weise ums Leben. Zu den bemerkenswerten Persönlichkeiten, die während des Krieges in New York ankamen, einige mit Unterstützung von Varian Fry, gehörten Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger und Piet Mondrian. Umgekehrt entschieden sich einige ausgewählte Künstler, darunter Picasso, Matisse und Pierre Bonnard, dafür, in Frankreich zu bleiben und überlebten den Konflikt.
Die Nachkriegszeit stürzte die europäischen Hauptstädte in Unordnung und erforderte neben einer politischen Neuausrichtung dringend einen wirtschaftlichen und physischen Wiederaufbau. Paris, einst Epizentrum der europäischen Kultur und globale Kunsthauptstadt, erlebte ein katastrophales künstlerisches Umfeld, das zum Aufstieg New Yorks zum neuen internationalen Kunstzentrum führte. Das Nachkriegseuropa erlebte das Fortbestehen des Surrealismus, des Kubismus, des Dadaismus und des Schaffens von Matisse. Gleichzeitig gewannen Art Brut und lyrische Abstraktion, auch bekannt als Tachisme (das europäische Gegenstück zum abstrakten Expressionismus), bei der aufstrebenden Generation an Bedeutung. Bemerkenswerte Persönlichkeiten der europäischen Nachkriegsmalerei sind Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages und Jean Messagier. Unterdessen erlangte in den Vereinigten Staaten eine neue Kohorte amerikanischer Künstler weltweite Bekanntheit, die als abstrakte Expressionisten bezeichnet werden.
Gorky, Hofmann und Graham
Die 1940er Jahre markierten in New York City den Aufstieg des amerikanischen abstrakten Expressionismus, einer modernistischen Bewegung, die Einflüsse von Matisse, Picasso, Surrealismus, Miró, Kubismus, Fauvismus und der frühen Moderne vereinte. Diese Synthese wurde von prominenten Pädagogen in den Vereinigten Staaten ermöglicht, insbesondere Hans Hofmann aus Deutschland und John D. Graham aus der Ukraine. Grahams Einfluss auf die amerikanische Kunst in den frühen 1940er Jahren zeigte sich unter anderem in den Werken von Gorky, de Kooning, Pollock und Richard Pousette-Dart. Gorkis tiefgreifende Beiträge zur amerikanischen und globalen Kunst sind weithin anerkannt. Seine lyrische Abstraktion führte eine „neue Sprache“ ein und „ebnete den Weg für zwei Generationen amerikanischer Künstler“. Die spontane malerische Qualität seiner reifen Werke wie Die Leber ist der Hahnenkamm, Die Verlobung II und Ein Jahr die Seidenpflanze nahm den Abstrakten Expressionismus direkt vorweg, wobei die Leiter der New York School seinen bedeutenden Einfluss anerkannten. Auch das Frühwerk von Hyman Bloom spielte eine einflussreiche Rolle. Amerikanische Künstler profitierten außerdem von der Anwesenheit von Persönlichkeiten wie Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und der André-Breton-Gruppe sowie von Institutionen wie der Galerie von Pierre Matisse und Peggy Guggenheims Galerie „The Art of This Century“ und anderen Faktoren, die dazu beitrugen. Hans Hofmann war als Lehrer, Mentor und Künstler besonders entscheidend und einflussreich für die Entwicklung und den Erfolg des abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten. Zu seinen Schützlingen gehörte Clement Greenberg, der ein äußerst einflussreicher Kritiker der amerikanischen Malerei wurde, und zu seinen Schülern gehörte Lee Krasner, die Hofmann später ihrem Ehemann Jackson Pollock vorstellte.
Pollock und abstrakte Einflüsse
In den späten 1940er Jahren veränderte Jackson Pollocks bahnbrechender Ansatz zur Malerei das Potenzial der späteren zeitgenössischen Kunst grundlegend. Pollock erkannte weitgehend, dass der künstlerische Prozess selbst ebenso wichtig war wie das endgültige Kunstwerk. Ähnlich wie Picassos innovative Neukonfigurationen von Malerei und Skulptur um die Jahrhundertwende durch Kubismus und konstruierte Skulpturen definierte Pollock die künstlerische Produktion neu und stützte sich dabei auf verschiedene Einflüsse wie Sandmalereien der Navajo, Surrealismus, Jungsche Analyse und mexikanische Wandmalerei. Seine Abkehr von der traditionellen Staffeleimalerei und konventionellen Methoden diente den Künstlern seiner Zeit und denen, die ihm folgten, als befreiender Impuls. Den Künstlern war klar, dass Pollocks charakteristischer Prozess darin bestand, eine ungedehnte Rohleinwand auf dem Boden zu platzieren, sodass sie von allen Seiten mit künstlerischen und industriellen Materialien angegangen werden konnte; das Tropfen und Werfen linearer Farbstränge; und die Einbeziehung von Zeichnen, Bemalen, Pinseln und sowohl figuralen als auch nichtfiguralen Elementen – erweiterte die Grenzen des Kunstschaffens über alle bisherigen Grenzen hinaus. Der Abstrakte Expressionismus als breitere Bewegung erweiterte und verfeinerte die Definitionen und Möglichkeiten, die Künstlern für die Schaffung neuer Werke zur Verfügung standen.
Nach Pollocks bahnbrechenden Beiträgen erzielten auch andere Künstler des Abstrakten Expressionismus bedeutende künstlerische Fortschritte. Die kollektiven Innovationen von Künstlern wie Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell und Peter Voulkos beeinflussten tiefgreifend die spätere Vielfalt und Breite des künstlerischen Ausdrucks. Radikale antiformalistische Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre, darunter Fluxus, Neo-Dada, Konzeptkunst und die feministische Kunstbewegung, leiten ihre konzeptionelle Linie vom Abstrakten Expressionismus ab. Kritische Neubewertungen der abstrakten Kunst durch Historikerinnen wie Linda Nochlin, Griselda Pollock und Catherine de Zegher zeigen jedoch, dass wegweisende Künstlerinnen, obwohl sie wesentliche Innovationen in der modernen Kunst hervorbrachten, in offiziellen Narrativen historisch gesehen an den Rand gedrängt wurden. Diese Künstler erlangten schließlich in der Zeit nach der Bewegung des Abstrakten Expressionismus in den 1940er und 1950er Jahren die längst überfällige Anerkennung. Der Abstrakte Expressionismus festigte in den 1950er Jahren seinen Status als bedeutende Kunstbewegung in New York City und führte dazu, dass prominente Kunstgalerien den Abstrakten Expressionismus in Ausstellungen und als integralen Bestandteil ihrer Künstlerliste präsentierten. Zu den bemerkenswerten Uptown-Galerien gehörten die Charles Egan Gallery, die Sidney Janis Gallery, die Betty Parsons Gallery, die Kootz Gallery, die Tibor de Nagy Gallery, die Stable Gallery und die Leo Castelli Gallery. Gleichzeitig präsentierten mehrere „Downtown“-Einrichtungen, die zusammen als „Tenth Street Gallery“ bekannt sind, zahlreiche aufstrebende jüngere Künstler, die im Bereich des Abstrakten Expressionismus arbeiteten.
Action Painting
Action Painting, ein vorherrschender künstlerischer Stil der 1940er bis frühen 1960er Jahre, ist untrennbar mit dem Abstrakten Expressionismus verbunden; Tatsächlich haben einige Kritiker die Begriffe synonym verwendet. Diese amerikanische Kunstbewegung wird häufig mit der französischen Kunstbewegung Tachisme verglichen.
Der amerikanische Kritiker Harold Rosenberg prägte 1952 den Begriff „Action Painting“ und markierte damit eine bedeutende Neuorientierung im ästhetischen Diskurs unter Künstlern und Kritikern der New York School. Rosenberg postulierte, dass die Leinwand als „eine Arena zum Handeln“ fungierte. Während abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock, Franz Kline und Willem de Kooning stets eine Sichtweise der Malerei als Raum für die Auseinandersetzung mit dem kreativen Akt artikuliert hatten, betonten frühere sympathische Kritiker wie Clement Greenberg die „Objekthaftigkeit“ ihrer Werke. Für Greenberg waren die physischen Eigenschaften der Gemälde – insbesondere ihre verklumpten und ölverkrusteten Oberflächen – von größter Bedeutung, um sie als Aufzeichnungen der existenziellen Kämpfe der Künstler zu interpretieren.
Rosenbergs kritischer Rahmen lenkte die wissenschaftliche Aufmerksamkeit vom fertigen Kunstobjekt auf den kreativen Kampf selbst und betrachtete das fertige Gemälde lediglich als physische Manifestation oder „Rest“ des tatsächlichen künstlerischen Unterfangens, das im Prozess seiner Entstehung lag. Dieses spontane Engagement stellte die „Aktion“ des Malers dar, die durch dynamische Arm- und Handgelenkbewegungen, ausdrucksstarke Gesten, Pinselstriche und verschiedene Anwendungen wie geworfene, bespritzte, befleckte, verstreute und tropfende Farbe ausgeführt wurde. Manchmal ließen Künstler Farbe auf die Leinwand tropfen, während sie sich rhythmisch bewegten oder sogar den Leinwandraum physisch betraten. Diese Methode beinhaltete manchmal, die Farbe entsprechend unbewusster Impulse fallen zu lassen und so der unbewussten Psyche zu ermöglichen, sich zu behaupten und auszudrücken. Allerdings bleibt es eine Herausforderung, diese Phänomene genau zu artikulieren oder zu interpretieren, da sie angeblich ihren Ursprung in unbewussten Manifestationen reiner kreativer Akte haben.
Die Bezeichnung „Abstrakter Expressionismus“ wird trotz ihrer unterschiedlichen stilistischen Ansätze häufig auf zahlreiche, vorwiegend in New York ansässige Künstler angewendet und umfasst gelegentlich Werke, die weder eindeutig abstrakt noch expressionistisch sind. Beispielsweise weichen Pollocks dynamische „Action Paintings“, die sich durch ihre komplexe visuelle Dichte auszeichnen, sowohl technisch als auch ästhetisch deutlich von De Koonings intensiver und oft verzerrter Women-Serie ab. Woman V gehört zu einer Reihe von sechs Gemälden, die de Kooning zwischen 1950 und 1953 schuf und die jeweils eine weibliche Dreiviertelfigur darstellen. Der Künstler begann im Juni 1950 mit dem ersten Werk dieser Serie, Woman I, und nahm bis Januar oder Februar 1952 zahlreiche Überarbeitungen und Übermalungen vor, bis die Leinwand unvollständig blieb. Anschließend beobachtete der Kunsthistoriker Meyer Schapiro das Gemälde in de Koonings Atelier und plädierte für die weitere Auseinandersetzung des Künstlers mit dem Thema. Als Reaktion darauf initiierte de Kooning drei weitere Gemälde, die sich mit demselben Thema befassten: Frau II, Frau III und Frau IV. Während seines Aufenthalts in East Hampton im Sommer 1952 entwickelte de Kooning dieses thematische Konzept durch Skizzen und Pastelle weiter. Die Fertigstellung von Woman I erfolgte wahrscheinlich Ende Juni oder möglicherweise erst im November 1952, während die anderen drei „Woman“-Gemälde vermutlich etwa im gleichen Zeitraum fertiggestellt wurden. Die Woman-Serie stellt eindeutig eine Sammlung figurativer Gemälde dar.
Franz Kline repräsentiert einen weiteren bedeutenden Künstler dieser Bewegung. Ähnlich wie Jackson Pollock und andere abstrakte Expressionisten wurde Kline aufgrund seiner scheinbar spontanen und kraftvollen Technik, die der Pinselführung und der Manipulation der Leinwand Vorrang vor expliziter Figuration oder Bildsprache einräumte, als „Action-Maler“ eingestuft, wie sein Gemälde Nummer 2 (1954) zeigt.
Automatisches Schreiben diente als entscheidende Methode für Action-Maler, darunter Kline (insbesondere in seinen monochromatischen Werken), Pollock, Mark Tobey und Cy Twombly. Diese Künstler nutzten Gesten, Oberflächenstrukturen und Linien, um kalligrafische, lineare Symbole und komplizierte Muster zu erzeugen, die sprachliche Formen hervorriefen und als kraftvolle Ausdrucksformen des kollektiven Unbewussten nachhallten. In seiner Serie „Elegy to the Spanish Republic“ schuf Robert Motherwell wirkungsvolle Schwarz-Weiß-Gemälde, bei denen er Gesten, Oberflächen und Symbolik nutzte, um tiefgreifende emotionale Reaktionen hervorzurufen.
Gleichzeitig verwendeten andere Action-Maler, darunter de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell und James Brooks, Bilder, entweder durch abstrakte Landschaften oder expressionistische Darstellungen der menschlichen Figur, um ihre zutiefst persönlichen und kraftvollen künstlerischen Aussagen zu vermitteln. Die Gemälde von James Brooks waren besonders poetisch und nahmen die lyrische Abstraktion bemerkenswert vorweg, eine Bewegung, die in den späten 1960er und 1970er Jahren an Bedeutung gewann.
Farbfeld
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und Mark Rothko, deren Werk heiter schimmernde Farbblöcke aufweist (und die Rothko selbst als abstrakt oder typisch expressionistisch ablehnte), werden als abstrakte Expressionisten kategorisiert. Sie gehören jedoch zu dem, was Clement Greenberg als Farbfeldtendenz innerhalb des abstrakten Expressionismus identifizierte. Sowohl Hans Hofmann als auch Robert Motherwell werden treffend als Praktiker sowohl des Action Painting als auch des Color Field Painting beschrieben. In den 1940er Jahren griff Richard Pousette-Darts sorgfältig strukturierte Bildsprache häufig auf mythologische und mystische Themen auf, ein Merkmal, das auch in den Gemälden von Gottlieb und Pollock aus demselben Jahrzehnt deutlich wurde.
Ursprünglich wurde die Farbfeldmalerei als eigenständige Form des abstrakten Expressionismus kategorisiert und umfasste insbesondere die Werke von Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt und verschiedene Serien von Joan Miró. Clement Greenberg identifizierte die Farbfeldmalerei als einen Stil, der Ähnlichkeiten mit der Aktionsmalerei aufweist und dennoch seine eigenen einzigartigen Merkmale beibehält. Ziel der Praktiker der Farbfeldmalerei war es, ihre künstlerischen Schöpfungen von jeglichen überflüssigen rhetorischen Elementen zu befreien. Prominente Künstler wie Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis und Mark Tobey sowie Ad Reinhardt und Barnett Newman – deren bahnbrechendes Werk Vir heroicus sublimis im MoMA ausgestellt ist – verwendeten minimale naturalistische Bezüge und demonstrierten einen raffinierten, psychologisch nachvollziehbaren Einsatz von Farbe. Diese Künstler verzichteten im Allgemeinen auf erkennbare Bilder, obwohl Rothko und Gottlieb gelegentlich Symbole und Zeichen als Ersatz für Darstellungsformen verwendeten. Während einige Künstler Anspielungen auf historische oder zeitgenössische Kunst integrierten, postulierte die Farbfeldmalerei in erster Linie die Abstraktion als wesentliches Ziel. Durch diesen modernistischen Ansatz versuchten die Künstler, jedes Gemälde als eine einzigartige, einheitliche und monolithische visuelle Einheit wiederzugeben.
Im Gegensatz zur intensiven Emotionalität und gestischen Pinselführung, die für abstrakte Expressionisten wie Pollock und de Kooning charakteristisch ist, präsentierten die Farbfeldmaler zunächst eine kühle und strenge Ästhetik. Sie minimierten einzelne Markierungen und bevorzugten stattdessen ausgedehnte, flache Farbfelder, die sie als grundlegend für die visuelle Abstraktion betrachteten. Dieser Ansatz erstreckte sich auch auf die physische Form der Leinwand, ein Konzept, das Frank Stella insbesondere in den 1960er Jahren durch unkonventionelle Kombinationen von geschwungenen und geraden Kanten erforschte. Nichtsdestotrotz bewies die Farbfeldmalerei letztendlich die Fähigkeit sowohl zu Sinnlichkeit als auch zu tiefgreifender Ausdruckskraft, wenn auch mit Methoden, die sich von denen des gestischen Abstrakten Expressionismus unterscheiden.
Während sich der Abstrakte Expressionismus rasch in den Vereinigten Staaten verbreitete, waren seine Hauptzentren New York City und Kalifornien, insbesondere innerhalb der New York School und der San Francisco Bay Area. Kunstwerke des abstrakten Expressionismus weisen gemeinsame Merkmale auf, wie die Verwendung ausgedehnter Leinwände und eine „all-over“-Kompositionsstrategie, bei der der gesamten Oberfläche eine einheitliche Bedeutung beigemessen wird, anstatt einen zentralen Schwerpunkt über der Peripherie zu betonen. Das Konzept der Leinwand als Arena diente als Grundprinzip für die Aktionsmalerei, während die Integrität der Bildebene zu einem zentralen Grundsatz für Farbfeldmaler wurde. In den 1950er Jahren begann eine neue Generation von Künstlern, darunter Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas und Robert Goodnough, ebenfalls Werke auszustellen, die vom Abstrakten Expressionismus beeinflusst waren.
Während Pollocks unverwechselbarer Stil, seine Technik, sein malerischer Touch und sein physischer Farbauftrag ihn stark mit Action Painting in Verbindung bringen, haben Kunstkritiker auch Parallelen zwischen seiner Arbeit und der Farbfeldmalerei gezogen. Eine bemerkenswerte kritische Perspektive, die von Greenberg vertreten wurde, verbindet Pollocks Allover-Leinwände mit Claude Monets großformatiger Seerosen-Serie aus den 1920er Jahren. Kritiker wie Michael Fried und Greenberg haben beobachtet, dass der übergreifende Eindruck, den Pollocks berühmteste Kreationen – seine Drip Paintings – vermitteln, der von ausgedehnten Feldern ist, die aus angehäuften linearen Elementen bestehen. Sie stellen fest, dass sich diese Werke häufig als riesige Komplexe gleichwertiger Farbstränge und umfassender Farb- und Zeichnungsfelder manifestieren und an die wandgroßen Monets erinnern, die in ähnlicher Weise aus gleichwertigen Pinsel- und Lasurstrichen aufgebaut sind, die sich ebenfalls in Farb- und Zeichnungsfelder auflösen. Pollocks Übernahme der Gesamtkomposition stellt sowohl eine philosophische als auch physische Verbindung zu den Methoden her, die Farbfeldmaler wie Newman, Rothko und Still bei der Konstruktion ihrer ungebrochenen und in Stills Fall gebrochenen Oberflächen verwendeten. In mehreren Gemälden, die nach seiner bahnbrechenden Phase der Tropfmalerei (1947–1950) entstanden, nutzte Pollock die Technik, flüssige Öl- und Anstrichfarben direkt auf die rohe Leinwand zu färben. Im Jahr 1951 schuf er eine Reihe halbfigurativer schwarzer Fleckenbilder, denen 1952 farbige Fleckenbilder folgten. In seiner Ausstellung im November 1952 in der Sidney Janis Gallery in New York City war Nummer 12, 1952 zu sehen, ein monumentales und meisterhaftes Fleckengemälde, das an eine farbenprächtige, fleckige Landschaft erinnert, überzogen mit breit getropfter dunkler Farbe; Dieses Werk wurde von Nelson Rockefeller für seine persönliche Sammlung direkt aus der Ausstellung erworben.
Arshile Gorky, anerkannt als eine der Grundfiguren des Abstrakten Expressionismus und Surrealisten, gehörte auch zu den ersten Malern der New York School, die die Färbetechnik anwendeten. Gorki entwickelte ausgedehnte Felder mit lebendigen, offenen und kontinuierlichen Farben, die er häufig als Grund in vielen seiner Gemälde verwendete. In seinen wirkungsvollsten und vollendetsten Werken zwischen 1941 und 1948 verwendete er konsequent intensiv gebeizte Farbfelder und ließ die Farbe oft unter und um sein charakteristisches Lexikon aus organischen und biomorphen Formen und zarten Linien herumlaufen und tropfen. James Brooks repräsentiert einen weiteren Abstrakten Expressionisten, dessen Werke aus den 1940er Jahren die in den 1960er und 1970er Jahren vorherrschenden Fleckenbilder vorwegnehmen. Seit den späten 1940er-Jahren verwendete Brooks in seinen Gemälden regelmäßig das Beizen als Technik. Er begann, seine Ölfarbe zu verdünnen, um flüssige Farben zu erhalten, die sich zum Gießen, Tropfen und Bemalen auf die von ihm bevorzugte überwiegend rohe Leinwand eigneten. Diese Kompositionen kombinierten häufig Kalligraphie mit abstrakten Formen. In den letzten drei Jahrzehnten seiner Karriere wurde Sam Francis‘ unverwechselbarer Stil des großformatigen, hellen Abstrakten Expressionismus eng mit der Farbfeldmalerei verbunden. Sein Werk umfasste effektiv beide Hauptfraktionen innerhalb der Rubrik des Abstrakten Expressionismus: Aktionsmalerei und Farbfeldmalerei.
Inspiriert von Pollocks Gemälden aus dem Jahr 1951, bei denen verdünnte schwarze Ölfarbe auf rohe Leinwand aufgetragen wurde, begann Frankenthaler 1952 mit der Produktion von Fleckengemälden unter Verwendung verschiedener Ölfarben auf roher Leinwand. Ihr berühmtestes Werk aus dieser Zeit ist Berge und Meer. Sie gilt als eine der Begründerinnen der Farbfeldbewegung, die Ende der 1950er Jahre entstand. Frankenthaler studierte auch bei Hans Hofmann.
Hofmanns künstlerisches Schaffen, beispielhaft dargestellt durch The Gate 1959–1960, zeichnet sich durch eine lebendige Farbpalette aus. Er erlangte nicht nur als Maler Anerkennung, sondern auch als einflussreicher Kunstpädagoge, zunächst in seiner Heimat Deutschland und später in den Vereinigten Staaten. Als Hofmann Anfang der 1930er Jahre aus Deutschland in die USA kam, führte er die Prinzipien des Modernismus ein. Während seiner prägenden Jahre als Künstler im Paris vor dem Ersten Weltkrieg arbeitete Hofmann mit Robert Delaunay zusammen und bekam direkten Kontakt zu den bahnbrechenden Beiträgen von Picasso und Matisse. Das Werk von Matisse hatte großen Einfluss auf Hofmanns künstlerische Perspektive, insbesondere auf sein Verständnis der Ausdrucksfähigkeit der Farbe und des inhärenten Potenzials der Abstraktion. Hofmann entwickelte sich zu einem bahnbrechenden Theoretiker der Farbfeldmalerei, und seine konzeptuellen Konzepte beeinflussten Künstler und Kritiker, insbesondere Clement Greenberg, in den 1930er und 1940er Jahren nachhaltig. Im Jahr 1953 erlebten Morris Louis und Kenneth Noland einen tiefgreifenden künstlerischen Wandel, nachdem sie Helen Frankenthalers Fleckenbilder in einem Atelier beobachtet hatten. Nach ihrer Rückkehr nach Washington, D.C. begannen sie mit der Schaffung bahnbrechender Werke, die Ende der 1950er Jahre die Farbfeldbewegung begründeten.
1972 formulierte Henry Geldzahler, damals Kurator am Metropolitan Museum of Art, Folgendes:
Clement Greenberg präsentierte die Werke von Morris Louis und Kenneth Noland in einer Ausstellung, die er Anfang der 1950er Jahre in der Kootz Gallery organisierte. Greenberg war der erste Beobachter, der ihr künstlerisches Versprechen erkannte. Er lud sie ein: Dieses außergewöhnlich schöne Werk, das sowohl von Pollock als auch von Gorki inspiriert wurde, stellte auch eines der frühesten Fleckenbilder dar, ein bahnbrechendes großformatiges Feldgemälde mit der Fleckentechnik, möglicherweise das allererste. Louis und Noland beobachteten, wie das Gemälde auf dem Boden ihres Ateliers ausgerollt wurde, bevor sie nach Washington, D.C. zurückkehrten, wo sie eine Zeit lang gemeinsam die Auswirkungen dieses innovativen Malansatzes erkundeten.
Entwicklungen in den 1960er Jahren nach dem Abstrakten Expressionismus
In den 1950er und 1960er Jahren entstanden in der abstrakten Malerei mehrere neuartige Richtungen, darunter die Hard-Edge-Malerei, beispielhaft dargestellt durch John McLaughlin. Gleichzeitig begannen sich als Gegenreaktion zum inhärenten Subjektivismus des abstrakten Expressionismus alternative Formen der geometrischen Abstraktion in Künstlerateliers und in Kreisen der progressiven Avantgarde zu manifestieren. Greenberg übernahm eine herausragende Rolle bei der Verfechtung der Post-malerischen Abstraktion, indem er 1964 eine bedeutende Ausstellung zeitgenössischer Malerei kuratierte, die durch große Kunstinstitutionen in den Vereinigten Staaten tourte. In dieser Zeit entstanden die Farbfeldmalerei, die Hard-Edge-Malerei und die lyrische Abstraktion als bahnbrechende künstlerische Entwicklungen.
Abstrakter Expressionismus und der Kontext des Kalten Krieges
Seit Mitte der 1970er Jahre wird im wissenschaftlichen Diskurs davon ausgegangen, dass der abstrakte Expressionismus in den frühen 1950er Jahren die Aufmerksamkeit der CIA auf sich zog. Berichten zufolge empfand die Agentur den Stil als Sinnbild für die Vereinigten Staaten als Bastion geistiger Freiheit und offener Märkte und stellte gleichzeitig die in kommunistischen Ländern vorherrschende sozialistisch-realistische Ästhetik und die etablierte Dominanz der europäischen Kunstmärkte in Frage. Das Buch von Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War – The CIA and the World of Arts and Letters (im Vereinigten Königreich unter dem Titel Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) veröffentlicht, beschreibt detailliert die finanzielle und organisatorische Beteiligung der CIA an der Förderung amerikanischer abstrakter Expressionisten als Bestandteil des Kulturimperialismus durch den Congress for Cultural Freedom von 1950 bis 1967. Insbesondere das von Robert Motherwell Die Serie Elegy to the Spanish Republic befasste sich direkt mit einigen dieser politischen Dimensionen. Tom Braden, der erste Leiter der International Organizations Division (IOD) der CIA und ehemaliger Exekutivsekretär des Museum of Modern Art, erklärte in einem Interview, dass er sie für „die wichtigste Abteilung der Agentur“ halte und glaube, „sie spielte eine monumentale Rolle im Kalten Krieg.“
Dieser revisionistischen Perspektive widerspricht ein Essay von Michael Kimmelman, dem Chef-Kunstkritiker der The New York Times, mit dem Titel Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, dass ein erheblicher Teil der Informationen über die amerikanische Kunstszene in den 1940er und 1950er Jahren sowie die Interpretationen der Revisionisten entweder ungenau oder dekontextualisiert sind. Zu den weiteren wissenschaftlichen Arbeiten zu diesem Thema gehören „Art in the Cold War“ von Christine Lindey, das auch die Kunst der Sowjetunion aus derselben Zeit untersucht, und „Pollock and After“, herausgegeben von Francis Frascina, das Kimmelmans Artikel erneut veröffentlichte.
Auswirkungen
Der kanadische Maler Jean-Paul Riopelle (1923–2002), Mitglied der in Montreal ansässigen, vom Surrealismus inspirierten Gruppe Les Automatistes, trug ab 1949 zur Einführung eines verwandten abstrakt-impressionistischen Stils in der Pariser Kunstwelt bei. Michel Tapiés bahnbrechendes Buch Un Art Autre (1952) erwies sich in diesem Zusammenhang ebenfalls als äußerst einflussreich. Tapié, der auch als Kurator und Ausstellungsorganisator tätig war, setzte sich europaweit für die Kunst von Pollock und Hans Hofmann ein. In den 1960er-Jahren war der anfängliche Einfluss der Bewegung bereits verflogen, doch ihre Methoden und Befürworter übten weiterhin erheblichen künstlerischen Einfluss aus und prägten das Schaffen nachfolgender Künstler tiefgreifend. Der abstrakte Expressionismus diente als Vorläufer und beeinflusste nachfolgende Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre, darunter Tachismus, Farbfeldmalerei, lyrische Abstraktion, Fluxus, Pop Art, Minimalismus, Postminimalismus und Neoexpressionismus. Zu den Bewegungen, die als direkte Reaktionen oder Rebellionen gegen den abstrakten Expressionismus entstanden, gehörten hingegen die Hard-Edge-Malerei, beispielhaft dargestellt von Künstlern wie Frank Stella und Robert Indiana, und die Pop-Art mit prominenten Persönlichkeiten wie Andy Warhol, Claes Oldenburg und Roy Lichtenstein in den Vereinigten Staaten sowie Richard Hamilton in Großbritannien. In den Vereinigten Staaten stellten Robert Rauschenberg und Jasper Johns eine entscheidende Verbindung zwischen abstraktem Expressionismus und Pop Art her. Der Minimalismus beispielsweise fand seine Vorbilder bei Künstlern wie Donald Judd, Robert Mangold und Agnes Martin.
Trotzdem beharrten viele Maler, darunter Jules Olitski, Joan Mitchell und Antoni Tàpies, über einen längeren Zeitraum darauf, den abstrakten expressionistischen Stil zu verwenden und dadurch seine visuellen und philosophischen Dimensionen zu erweitern und zu erweitern, eine Praxis, die von zahlreichen zeitgenössischen abstrakten Künstlern durch Stile wie Lyrische Abstraktion und Lyrische Abstraktion fortgeführt wurde Neoexpressionismus.
Nach dem Zweiten Weltkrieg gründete ein Kollektiv New Yorker Künstler eine der ersten eigenständigen Kunstschulen in Amerika und leitete durch den abstrakten Expressionismus eine neue Epoche in der amerikanischen Kunst ein. Diese Entwicklung löste einen bedeutenden amerikanischen Kunstboom aus und förderte die Entstehung von Stilen wie der Pop Art. Gleichzeitig trug es zur Umwandlung von New York City in ein bedeutendes kulturelles und künstlerisches Zentrum bei.
Abstrakte Expressionisten geben dem dynamischen Organismus Vorrang vor dem statischen Ganzen, betonen das Werden vor dem Sein, privilegieren den Ausdruck vor der Perfektion, bevorzugen die Vitalität gegenüber dem bloßen Ziel, ziehen Schwankungen der Ruhe vor, schätzen das Gefühl über der starren Formulierung, begrüßen das Unbekannte über das Bekannte, das Verschleierte über das Klare, das Individuum über gesellschaftliche Normen und die innere Erfahrung über die äußere Erscheinung.
Große Skulptur
Liste der abstrakten Expressionisten
Künstler des abstrakten Expressionismus
- Bedeutende Künstler, deren reifes Werk den amerikanischen abstrakten Expressionismus prägte:
Andere Künstler
- Bedeutende Künstler, deren reifes Werk sich auf die amerikanische Bewegung des abstrakten Expressionismus bezieht:
Verwandte Stile, Trends, Schulen und Bewegungen
Verwandte Stile, Trends, Schulen und Bewegungen
Andere verwandte Themen
- Bluebeard von Kurt Vonnegut präsentiert eine fiktive Autobiografie, die dem fiktiven abstrakten Expressionisten Rabo Karabekian zugeschrieben wird.
- Michel Tapié (Kritiker und Ausstellungsorganisator, maßgeblich an der Verbreitung des abstrakten Expressionismus in Europa, Japan und Lateinamerika beteiligt)
Referenzen
Bücher
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- Anfam, David. Abstrakter Expressionismus (New York und London: Thames & Hudson, 1990). ISBN 0-500-20243-5
- Craven, David, Abstrakter Expressionismus als Kulturkritik: Dissens während der McCarthy-Zeit (Cambridge; New York: Cambridge University Press, 1999.) ISBN 0-521-43415-7
- Marika Herskovic, American Abstract and Figurative Expressionism: Style Is Timely Art Is Timeless (New York School Press, 2009.) ISBN 978-0-9677994-2-1
- Marika Herskovic, American Abstract Expressionism of the 1950s An Illustrated Survey, (New York School Press, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4
- Marika Herskovic, New York School Abstract Expressionists Artists Choice by Artists, (New York School Press, 2000.) ISBN 0-9677994-0-6
- Papanikolas, Theresa und Stephen Salel, Stephen, Abstract Expressionism, Looking East from the Far West, Honolulu Museum of Art, 2017, ISBN 9780937426920
- Serge Guilbaut. How New York Stole the Idea of Modern Art, University of Chicago Press, 1983.
Bibliographie
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- Saunders, Frances Stonor. Der kulturelle Kalte Krieg: Die CIA und die Welt der Künste und Briefe. New York: New Press, vertrieben von W.W. Norton & Co., 2000, ISBN 1-56584-596-X.
- Tapié, Michel. Hans Hofmann: Gemälde 1962: 23. April – 18. Mai 1963. Paris: Galerie Anderson-Mayer, 1963. [Ausstellungskatalog und Kommentar], OCLC 62515192.
- Tapié, Michel. Pollock. Paris: P. Facchetti, 1952, OCLC 30601793.
- Wechsler, Jeffrey. (2007). Wege und Parallelen: Wege zum Abstrakten Expressionismus. New York: Hollis Taggart Galleries, ISBN 978-0-9759954-9-5.
- Jackson Pollock
- Philip Guston
- Perle Fine Abstrakter Expressionismus – New Yorker Actionmaler der 1950er Jahre auf YouTube
- Albert Kotin Abstrakter Expressionismus der 1950er Jahre – Aktionsmalerei der New York School der 1950er Jahre auf YouTube
- James Brooks Abstrakter Expressionismus – Aktionsmalerei der 1950er Jahre der New York School auf YouTube
- Beginn der New York School der 1950er Jahre – Abstrakter Expressionismus der 1950er Jahre auf YouTube
- Abstrakter Expressionismus der 1950er Jahre – New York School Artists of the 9th St Show Reminisce auf YouTube
- Nicolas Carone – Abstrakter Expressionismus – Künstler der 9th St. Show auf YouTube
- Robert Richenburg Abstrakter Expressionismus der 1950er Jahre – New York School der 1950er Jahre auf YouTube
- HENI Talks, Was ist: Abstrakter Expressionismus?