Art Deco

Art Deco, eine Abkürzung des französischen Begriffs Arts décoratifs (wörtlich: „Dekorative Kunst“), bezeichnet einen herausragenden Stil in der bildenden Kunst, Architektur und Produktdesign. Sie entstand in den 1910er Jahren, kurz vor dem Ersten Weltkrieg, in Paris und erlangte in den 1920er bis frühen 1930er Jahren internationale Verbreitung. Sie beeinflusste die ästhetische und strukturelle Gestaltung von Objekten, von großen Gebäuden bis hin zu kleinen Gegenständen, darunter Kleidung, Mode und Schmuck. Der allgegenwärtige Einfluss des Art Deco ist in Bauwerken wie Wolkenkratzern, Kinos, Brücken und Ozeandampfern sowie in Zügen, Autos, Lastwagen, Bussen, Möbeln und Alltagsgegenständen wie Radios und Staubsaugern erkennbar.

Art Deco, kurz für das französische Wort Arts décoratifs (lit.'Dekorative Künste'), ist ein Stil der bildenden Kunst, der Architektur und des Produktdesigns, der erstmals in auftrat Paris in den 1910er Jahren kurz vor dem Ersten Weltkrieg und erlebte in den 1920er bis frühen 1930er Jahren eine internationale Blütezeit durch die Gestaltung und Gestaltung des Äußeren und Inneren von allem, von großen Bauwerken bis hin zu kleinen Objekten, einschließlich Kleidung, Mode und Schmuck. Art Deco hat Gebäude von Wolkenkratzern bis hin zu Kinos, Brücken, Ozeandampfern, Zügen, Autos, Lastwagen, Bussen, Möbeln und Alltagsgegenständen, einschließlich Radios und Staubsaugern, beeinflusst.

Die Bezeichnung „Art Deco“ erlangte nach der Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Internationale Ausstellung für moderne Dekoration und Industrie) im Jahr 1925 Bedeutung Kunst) in Paris. Seine stilistische Genese lässt sich auf die ausgeprägte geometrische Ästhetik der Wiener Secession und des Kubismus zurückführen. Zu den frühen Einflüssen des Art Deco gehörten die lebendigen Farbpaletten des Fauvismus und der Ballets Russes sowie die exotisierten künstlerischen Traditionen Chinas, Japans, Indiens, Persiens, des alten Ägypten und der Maya-Zivilisation. In seiner Anfangsphase wurde der Stil mit verschiedenen Bezeichnungen wie style moderne, Moderne, modernistic oder style contemporain bezeichnet und damals nicht als eine einzigartige, zusammenhängende künstlerische Bewegung wahrgenommen.

Auf seinem Höhepunkt verkörperte Art Deco Konzepte von Luxus, Glamour, Überschwang und einen optimistischen Glauben an gesellschaftlichen und technologischen Fortschritt. Das Uhrwerk zeichnete sich durch die Verwendung seltener und kostbarer Materialien, darunter Ebenholz und Elfenbein, gepaart mit außergewöhnlicher Handwerkskunst aus. Darüber hinaus leistete das Unternehmen Pionierarbeit bei der Verwendung neuartiger Materialien wie Verchromung, Edelstahl und Kunststoff. Zu den bemerkenswerten architektonischen Beispielen dieses Stils aus den 1920er und 1930er Jahren in New York City zählen das Empire State Building und das Chrysler Building. Weltweit beherbergt Miami Beach, Florida, die umfangreichste Sammlung von Art-Deco-Architektur.

Die Ästhetik des Art-Deco erfuhr während der Weltwirtschaftskrise eine Abschwächung. In den 1930er Jahren entstand Streamline Moderne, eine raffinierte Variante, die sich durch geschwungene Formen und glatte, polierte Oberflächen auszeichnet. Obwohl Art Deco internationale Anerkennung erlangte, verlor seine Vormachtstellung nach dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs an Bedeutung und wich den funktionalen und minimalistischen Grundsätzen der modernen Architektur und des Internationalen Stils.

Terminologie

Die Bezeichnung „Art Deco“, eine Abkürzung für Arts Décoratifs, geht auf die Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst zurück, die 1925 in Paris stattfand. In Frankreich wurde die Klassifizierung der Arts Décoratifs erstmals im Bulletin de la Société française de photographie von 1858 dokumentiert. Anschließend, im Jahr 1868, verwendete Le Figaro den Ausdruck objets d'art décoratifs, um Bühnenrequisiten zu beschreiben, die für das Théâtre de l'Opéra geschaffen wurden. Im Jahr 1875 erkannte die französische Regierung verschiedene Handwerker, darunter Möbeldesigner, Textilhandwerker, Juweliere und Glasarbeiter, offiziell als Künstler an. Die École nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD) wurde 1920 gegründet und festigte damit die institutionelle Anerkennung dekorativer Künste weiter.

Der genaue Begriff Art déco erschien erstmals 1966 in gedruckter Form als Teil des Titels der ersten modernen Ausstellung, die diesem Thema gewidmet war: Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. Diese vom Museum für dekorative Kunst in Paris veranstaltete Ausstellung umfasste eine Reihe bedeutender Stile aus den 1920er und 1930er Jahren. Anschließend verwendete Hillary Gelson den Begriff in einem 1966 in The Times veröffentlichten Artikel, in dem sie die verschiedenen Stile beschrieb, die in der Ausstellung gezeigt wurden.

Der Begriff „Art Deco“ erlangte 1968 breite Anerkennung als Stilbeschreibung, zeitgleich mit der Veröffentlichung der ersten bedeutenden wissenschaftlichen Arbeit zu diesem Thema durch den Historiker Bevis Hillier mit dem Titel „Art Deco der 20er und 30er Jahre“. Hillier stellte fest, dass der Begriff bereits unter Kunsthändlern verwendet wurde, und führte Referenzen wie The Times (2. November 1966) und einen Aufsatz mit dem Titel Les Arts Déco in der Zeitschrift Elle (November 1967) als Beweis an. 1971 kuratierte Hillier eine Ausstellung im Minneapolis Institute of Arts, die in seiner späteren Veröffentlichung The World of Art Deco.

Mike Hope zählt zahlreiche alternative Bezeichnungen auf, die für Art-Deco-Architektur verwendet werden, darunter: Odeon-Stil, Liberty-Stil, Style Moderne, Jazz Moderne, Zigzag Moderne, British Moderne, Nautical Moderne, Modern Ship Style, Pacqueboat Style, Ocean Liner Style, White Modern, Futurist Art Deco, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderne, PWA Moderne, PWA/WPA Moderne, Federal Moderne, Depression Moderne, Classical Moderne, Classical Modernism, Modernist Classical, Chicago School, Czech Architectural Kubismus, italienischer Futurismus, Prärieschule, atmosphärisches Theater, Med Deco, Amsterdamer Schule, Nieuwe Zakelijkheid (Neue Sachlichkeit), Maya-Revival, japanische Sezession, spanischer Pueblo-Stil, Pueblo-Deco, finnische Nationalromantik, Neugotik, Neo-byzantinisch, neo-ägyptisch, spanische Mission, internationale Schule, europäischer internationaler Stil, Wiener Werkstätte, freier Klassizismus, entkleideter Neoklassizismus, Deco Free Klassizismus, entkleideter Klassizismus, Übergangsmoderne und Vogue Regency.

Ursprünge

Neuartige Materialien und Technologien

Die Entstehung und die ästhetischen Merkmale des Art Deco wurden grundlegend durch innovative Materialien und Technologien, insbesondere Stahlbeton, geprägt. François Coignet errichtete 1853 das erste Betonhaus in einem Pariser Vorort. Anschließend, im Jahr 1877, entwickelte Joseph Monier das Konzept der Betonverstärkung durch die Integration eines gitterförmig angeordneten Eisenstabgeflechts. Auguste Perret trieb dies 1893 weiter voran, indem er die erste Betongarage in Paris errichtete, gefolgt von einem Wohnhaus, einem Privathaus und schließlich 1913 dem Théâtre des Champs-Élysées.

Ein Kritiker verunglimpfte das Theater als „Zeppelin der Avenue Montaigne“ und führte seinen Entwurf auf einen angeblichen germanischen Einfluss zurück, der von der Wiener Secession herrührte. Nach dieser Zeit wurden die meisten Art-Déco-Bauwerke aus Stahlbeton errichtet, einem Material, das eine größere formale Flexibilität bot und die Notwendigkeit von tragenden Pfeilern und Stützen verringerte. Perret brachte auch Innovationen hervor, indem er Betonoberflächen mit Keramikfliesen verkleidete, die sowohl schützende als auch dekorative Funktionen erfüllten. Le Corbusier, der renommierte Architekt, eignete sich zunächst während seiner Tätigkeit als Zeichner in Perrets Atelier Kenntnisse über die Anwendung von Stahlbeton an.

Zu den weiteren für Art Deco entscheidenden technologischen Fortschritten gehörten neuartige Techniken zur Herstellung von Flachglas, die die Kosten senkten und die Herstellung deutlich größerer und robusterer Fenster ermöglichten. Darüber hinaus wurde die Massenproduktion von Aluminium maßgeblich, zunächst für Gebäude und Fensterrahmen und später, durch die Arbeit von Corbusier, Warren McArthur und anderen Designern, für Leichtmöbel.

Die Wiener Secession und die Wiener Werkstätte (1897–1912)

Die Architekten der 1897 gegründeten Wiener Secession, insbesondere Josef Hoffmann, übten maßgeblichen Einfluss auf die Art-déco-Bewegung aus. Hoffmanns Stoclet-Palast in Brüssel (1905–1911) diente als archetypisches Beispiel des aufkommenden Art-Deco-Stils, der sich durch geometrische Volumen, symmetrische Komposition, geradlinige Formen, mit Marmorplatten verzierte Betonoberflächen, sorgfältig geformte Ornamente und opulente Innenräume, insbesondere mit Mosaikfriesen von Gustav Klimt, auszeichnete. Darüber hinaus war Hoffmann Mitbegründer der Wiener Werkstätte (1903–1932), einem einflussreichen Kollektiv von Kunsthandwerkern und Innenarchitekten, das sich der aufkommenden Ästhetik widmete. Diese Organisation inspirierte später die Gründung der Compagnie des arts français im Jahr 1919, die André Mare und Louis Süe vereinte, die zu prominenten frühen französischen Art-Déco-Designern und -Dekorateuren wurden.

Gesellschaft dekorativer Künstler (1901–1945)

Die Entstehung des Art Deco war untrennbar mit der hohen Stellung dekorativer Künstler verbunden, die bis zum Ende des 19. Jahrhunderts lediglich als Kunsthandwerker kategorisiert wurden. In Frankreich gewann die Bezeichnung arts décoratifs an Bedeutung, da das Ansehen der dekorativen Künste zunahm. Im Jahr 1875 erkannte die französische Regierung Möbeldesigner, Textilhersteller und andere qualifizierte Handwerker offiziell als legitime Künstler an. Die Société des artistes décorateurs (Gesellschaft dekorativer Künstler), abgekürzt SAD, wurde 1901 gegründet und gewährte dekorativen Künstlern gleichwertige Urheberrechte wie Maler und Bildhauer. Eine parallele künstlerische Entwicklung fand in Italien statt und gipfelte 1902 in der Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna in Turin, der ersten internationalen Ausstellung, die ausschließlich der dekorativen Kunst gewidmet war.

In Paris wurden mehrere neue Zeitschriften gegründet, die sich der dekorativen Kunst widmeten, insbesondere Arts et décoration und L'Art décoratif moderne. Abschnitte speziell für dekorative Kunst wurden in die jährlichen Ausstellungen der Sociéte des artistes français integriert und anschließend in den Salon d'Automne aufgenommen. Der französische Nationalismus trug auch zur Wiederbelebung der dekorativen Künste bei, angetrieben durch die Besorgnis französischer Designer über den wachsenden Zustrom erschwinglicherer deutscher Möbel. Im Jahr 1911 schlug die SAD eine bedeutende internationale Ausstellung dekorativer Kunst vor, die ursprünglich für 1912 geplant war. Diese Ausstellung sollte ausschließlich moderne Kreationen zeigen und Reproduktionen historischer Stile ausdrücklich untersagen. Das Ereignis wurde später auf 1914 verschoben und dann aufgrund des Krieges noch einmal auf 1925 verschoben. Zu diesem Zeitpunkt gab es der gesamten als „Déco“ bekannten Stilrichtung seinen Namen.

Pariser Kaufhäuser und Modedesigner waren maßgeblich an der Entstehung des Art Deco beteiligt. Führende Unternehmen, darunter der Silberwarenhersteller Christofle, der Glaskünstler René Lalique und die Juweliere Louis Cartier und Boucheron, begannen mit der Entwicklung von Produkten im zeitgenössischen Stil. Ab 1900 begannen Kaufhäuser, in ihren eigenen Designstudios Dekorationskünstler zu beschäftigen. Der Dekorationsentwurf für den Salon d'Automne von 1912 wurde dem Kaufhaus Printemps übertragen, das im selben Jahr seine eigene Werkstatt, Primavera, gründete.

Bis 1920 war Primavera auf über 300 Künstler angewachsen, deren kreatives Schaffen ein Spektrum von modernisierten Interpretationen von Ludwig XIV., Ludwig XVI. und insbesondere Ludwig umfasste Philippe-Möbel, hergestellt von Louis Süe und der Werkstatt Primavera, bis hin zu zeitgenössischeren Designs aus der Werkstatt des Kaufhauses Au Louvre. Im Gegensatz dazu verzichteten Designer wie Émile-Jacques Ruhlmann und Paul Follot auf die Massenproduktion und plädierten für die individuelle Handwerkskunst jedes einzelnen Artikels. Die aufkommende Art-Deco-Ästhetik zeichnete sich durch opulente und seltene Materialien wie Ebenholz, Elfenbein und Seide sowie lebendige Farbpaletten und stilisierte Motive, insbesondere Körbe und verschiedene Blumenarrangements, aus, die insgesamt ein modernistisches Erscheinungsbild verliehen.

Während seiner Entstehungszeit zwischen 1910 und 1914 manifestierte sich Art Deco als lebendige chromatische Darstellung, charakterisiert durch brillante und oft kontrastierende Farbtöne, die oft in florale Muster auf Möbelpolstern, Teppichen, Bildschirmen, Tapeten und Stoffen eingearbeitet werden. Zahlreiche farbenfrohe Stücke, wie Stühle und ein Tisch von Maurice Dufrêne und ein farbenfroher Gobelin-Teppich von Paul Follot, wurden 1912 im Salon des artistes décorateurs ausgestellt. Zwischen 1912 und 1913 fertigte der Designer Adrien Karbowsky einen Blumenstuhl mit Papageienmotiv für das Jagdschloss des Kunstsammlers Jacques Doucet. Die Möbeldesigner Louis Süe und André Mare debütierten auf der Ausstellung 1912 unter dem Namen Atelier français, wo sie polychromatische Stoffe mit luxuriösen und exotischen Materialien wie Ebenholz und Elfenbein kombinierten. Nach dem Ersten Weltkrieg erlangte ihr Unternehmen eine herausragende Stellung unter den französischen Innenarchitekturunternehmen und richtete die erstklassigen Salons und Kabinen französischer Transatlantikdampfer ein.

Bei seiner Geburt zwischen 1910 und 1914 war Art Deco eine Explosion von Farben mit hellen und oft kontrastierenden Farbtönen, häufig in Blumenmustern, präsentiert in Möbelpolstern, Teppichen, Paravents, Tapeten und Stoffen. Viele farbenfrohe Werke, darunter Stühle und ein Tisch von Maurice Dufrêne sowie ein leuchtender Gobelin-Teppich von Paul Follot, wurden 1912 im Salon des artistes décorateurs präsentiert. In den Jahren 1912–1913 entwarf der Designer Adrien Karbowsky einen Blumenstuhl mit Papageienmuster für das Jagdschloss des Kunstsammlers Jacques Doucet. Die Möbeldesigner Louis Süe und André Mare traten zum ersten Mal auf der Ausstellung 1912 unter dem Namen Atelier français auf und kombinierten polychromatische Stoffe mit exotischen und teuren Materialien, darunter Ebenholz und Elfenbein. Nach dem Ersten Weltkrieg entwickelten sie sich zu einem der bedeutendsten französischen Innenarchitekturbüros und produzierten Möbel für die erstklassigen Salons und Kabinen der französischen Transatlantikdampfer.

Die lebendige Farbpalette des Art Déco ließ sich von verschiedenen Ursprüngen inspirieren, insbesondere von den exotischen Bühnenbildern, die Léon Bakst für die Ballets Russes schuf und die das Pariser Publikum kurz vor dem Ersten Weltkrieg faszinierten. Bestimmte Farben wurden von der vorangegangenen Fauvismus-Bewegung beeinflusst, die von Henri angeführt wurde Matisse; andere durch den Orphismus von Künstlern wie Sonia Delaunay; und noch andere der Les Nabis-Bewegung sowie die Kreationen des symbolistischen Malers Odilon Redon, der Kaminschirme und verschiedene Dekorationsgegenstände entwarf. Brillante Farbtöne waren ein Markenzeichen des Oeuvres des Modedesigners Paul Poiret, das sowohl die Art-Déco-Mode als auch das Innendesign maßgeblich beeinflusste.

Das Théâtre des Champs-Élysées, erbaut zwischen 1910 und 1913 von Auguste Perret, steht als Das erste denkmalgeschützte Art-déco-Gebäude wurde in Paris fertiggestellt. Zuvor wurde Stahlbeton ausschließlich im Industrie- und Wohnbau eingesetzt; Perret selbst hatte zuvor zwischen 1903 und 1904 das erste moderne Wohnhaus aus Stahlbeton in Paris in der Rue Benjamin Franklin fertiggestellt. Henri Sauvage, ein weiterer bedeutender Architekt, der später zum Art Deco beitrug, errichtete 1904 in der Rue Trétaigne 7 ein ähnliches Gebäude.

Das Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913) von Auguste Perret war das erste denkmalgeschützte Art-déco-Gebäude in Paris, das fertiggestellt wurde. Bisher wurde Stahlbeton nur für Industrie- und Wohngebäude verwendet. Perret hatte 1903–04 in der Rue Benjamin Franklin das erste moderne Wohngebäude aus Stahlbeton in Paris gebaut. Henri Sauvage, ein weiterer wichtiger zukünftiger Art-Deco-Architekt, baute 1904 ein weiteres in der Rue Trétaigne Nr. 7 (1904).

Von 1908 bis 1910 arbeitete der damals 21-jährige Le Corbusier als Zeichner in Perrets Büro und erwarb sich Fachwissen über Betonbaumethoden. Perrets architektonische Entwürfe, die sich durch ihre klaren rechteckigen Formen, geometrischen Ornamente und geraden Linien auszeichnen, waren Vorboten der besonderen Merkmale des Art Deco. Ebenso bahnbrechend war die Innenausstattung des Theaters mit Hochreliefs von Antoine Bourdelle an der Fassade, einer Kuppel von Maurice Denis, Gemälden von Édouard Vuillard und einem Art-Déco-Vorhang von Ker-Xavier Roussel. Dieser Veranstaltungsort war insbesondere Schauplatz zahlreicher Eröffnungsaufführungen der Ballets Russes. In den 1920er Jahren hatten sich Perret und Sauvage zu prominenten Art-Déco-Architekten in Paris entwickelt.

Kubismus

Die zwischen 1907 und 1912 in Frankreich entstandene kubistische Kunstbewegung beeinflusste maßgeblich die Entwicklung des Art Deco. Alistair Duncan bemerkte:

„Der Kubismus wurde in irgendeiner bastardisierten Form zur Verkehrssprache der dekorativen Künstler dieser Zeit.“

Kubistische Künstler wurden insbesondere von Paul Cézanne beeinflusst und zeigten ein Interesse daran, Formen auf ihre grundlegenden geometrischen Komponenten zu reduzieren: den Zylinder, die Kugel und den Kegel.

Bis 1912 präsentierten mit der Section d'Or verbundene Künstler Werke, die für die Öffentlichkeit deutlich verständlicher waren als der analytische Kubismus von Picasso und Braque. Diese Zugänglichkeit positionierte die kubistische Ästhetik so, dass sie Mode-, Möbel- und Innenarchitekten ansprach.

Im Salon d'Automne 1912 wurde in der Sektion Art Décoratif eine architektonische Installation mit dem Titel La Maison Cubiste gezeigt. Raymond Duchamp-Villon entwarf die Fassade, während André Mare für die Innenausstattung verantwortlich zeichnete. La Maison Cubiste war eine komplett eingerichtete Ausstellung mit einer Fassade, einer Treppe, schmiedeeisernen Geländern, einem Schlafzimmer und einem Wohnzimmer – genauer gesagt dem Salon Bourgeois –, in dem Gemälde von Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger und Roger de La Fresnaye ausgestellt waren. Tausende Besucher des Salons erkundeten dieses maßstabsgetreue Modell.

Duchamp-Villons Fassade für das Haus, obwohl sie prismatische Stürze und Giebel enthielt, galt nach zeitgenössischen Maßstäben nicht als außergewöhnlich radikal und ähnelte weitgehend der typischen Architektur dieser Zeit. Im Gegensatz dazu waren Mares Entwürfe für die beiden Innenräume revolutionär und enthielten Tapeten mit stilisierten Rosen und Blumenmustern sowie Polster, Möbel und Teppiche, die mit extravaganten und lebendigen Motiven verziert waren, was eine deutliche Abkehr vom herkömmlichen Dekor darstellte. Der Kritiker Emile Sedeyn beschrieb in der Zeitschrift Art et Décoration Mares Werk: „Er blamiert sich nicht mit Einfachheit, denn er vermehrt Blumen, wo immer sie hingestellt werden können. Der Effekt, den er anstrebt, ist offensichtlich malerisch und fröhlich. Er erreicht ihn.“ Das kubistische Element innerhalb der Installation geht vor allem auf die ausgestellten Gemälde zurück. Trotz anfänglicher kritischer Kritiken, die es als äußerst radikal bezeichneten, trug diese Kontroverse zu seinem weiten Erfolg bei. Die architektonische Installation wurde später zur Armory Show 1913 in New York City, Chicago und Boston gezeigt. Diese Ausstellung machte den Begriff „kubistisch“ deutlich populärer und führte zu seiner Anwendung auf verschiedene moderne Trends, von Frauenfrisuren bis hin zu Mode und Theateraufführungen.

Kubistische Einflüsse blieben im Art Déco bestehen, auch als sich die Bewegung in zahlreiche andere Stilrichtungen diversifizierte.

Die angedeutete Geometrie des Kubismus wurde in den 1920er Jahren zum Wahrzeichen der Welt. Durch die Weiterentwicklung der selektiven Geometrie des Kubismus im Art Déco zu einem breiteren Formenspektrum wurde der Kubismus als bildnerische Taxonomie einem viel breiteren Publikum und einer größeren Anziehungskraft zugänglich gemacht. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art)

Einflüsse

Europäische Stile vor dem Ersten Weltkrieg

Art Deco umfasste eine Vielzahl von Stilen, die oft widersprüchliche Merkmale aufwiesen, anstatt eine einzigartige Ästhetik darzustellen. Architektonisch gesehen entstand Art Deco als Nachfolger und stilistischer Kontrapunkt zum Jugendstil, der zwischen 1895 und 1900 in ganz Europa florierte. Er existierte auch neben den vorherrschenden Beaux-Arts- und neoklassizistischen Bewegungen in der europäischen und amerikanischen Architektur. Im Jahr 1905 veröffentlichte Eugène Grasset Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, ein Werk, das systematisch die dekorativen (ornamentalen) Dimensionen geometrischer Elemente, Formen, Motive und deren Variationen untersuchte. Diese Publikation stellte eine klare Abkehr vom wellenförmigen Jugendstil dar, der von Hector Guimard vorgelebt wurde und der noch wenige Jahre zuvor in Paris sehr beliebt war. Grasset betonte das Grundprinzip, dass allen kompositorischen Arrangements verschiedene einfache geometrische Formen wie Dreiecke und Quadrate zugrunde liegen. Die von Auguste Perret und Henri Sauvage entworfenen Stahlbetonkonstruktionen, insbesondere das Théâtre des Champs-Élysées, führten innovative Konstruktions- und Dekorationsmethoden ein, die anschließend weltweit nachgeahmt wurden.

Einflüsse von antiken und globalen Zivilisationen

Im Bereich der Dekoration integrierte der Art Déco vielfältige Stilelemente umfassend. Diese Einflüsse umfassten vormoderne globale Kunst, die für das Studium an Institutionen wie dem Musée du Louvre, dem Musée de l'Homme und dem Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie leicht zugänglich war. Darüber hinaus trug eine aufkeimende öffentliche Faszination für die Archäologie, die durch bedeutende Ausgrabungen in Pompeji und Troja und die Entdeckung des Grabes des Pharaos Tutanchamun aus der 18. Dynastie beflügelt wurde, zu dieser vielseitigen Anleihe bei. Folglich synthetisierten Künstler und Designer Motive aus dem alten Ägypten, Afrika, Mesopotamien, Griechenland, Rom, Asien, Mesoamerika und Ozeanien mit der zeitgenössischen Ästhetik des Maschinenzeitalters.

Integration der Avantgardebewegungen des frühen 20. Jahrhunderts

Zu den weiteren Stileinflüssen des Art Déco gehörten Futurismus, Orphismus, Funktionalismus und die breitere modernistische Bewegung. Als der Kubismus von der bildenden Kunst auf dekorative Anwendungen wie Textilien oder Tapeten übertragen wurde, offenbarte er sein inhärentes dekoratives Potenzial innerhalb der Art-Déco-Ästhetik. Sonia Delaunay konzipierte ihre Kleiderentwürfe insbesondere auf abstrakte und geometrische Weise und beschrieb sie als „lebende Gemälde oder Skulpturen lebender Formen“. Louis Barrilet fertigte auch kubistisch inspirierte Entwürfe für die Buntglasfenster der American Bar im Atrium Casino in Dax (1926) an, in die er geschickt die Namen modischer Cocktails einbezog. Architektonisch wurde das ausgeprägte Wechselspiel zwischen horizontalen und vertikalen Volumen, ein gemeinsames Merkmal des russischen Konstruktivismus und der Designprinzipien von Frank Lloyd Wright und Willem Marinus Dudok, zu einer vorherrschenden Technik zur Artikulation von Art-déco-Fassaden in verschiedenen Gebäudetypen, von Privathäusern und Wohnblöcken bis hin zu Kinos und Tankstellen. Darüber hinaus ließ sich Art Deco von den lebendigen, oft gegensätzlichen Farbpaletten und Designs des Fauvismus inspirieren, was insbesondere in den Werken von Henri Matisse und André Derain deutlich wird, die Art-Deco-Textilien, Tapeten und bemalte Keramik beeinflussten. Die Bewegung übernahm auch Elemente der zeitgenössischen Haute Couture, die durch geometrische Muster, Chevrons, Zickzackmuster und stilisierte Blumenarrangements gekennzeichnet sind. Weitere Einflüsse kamen von Entdeckungen in der Ägyptologie und einem aufkeimenden Interesse an orientalischer und afrikanischer Kunst. Nach 1925 diente die Faszination für neue Maschinen, darunter Luftschiffe, Autos und Ozeandampfer, häufig als Inspiration und gipfelte 1930 in dem eigenständigen Stil, der als Streamline Moderne bekannt ist.

Die Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst (1925)

Die Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst, die von April bis Oktober 1925 in Paris stattfand, stellte den Höhepunkt des Art-Déco-Stils dar und verlieh ihm seinen bleibenden Namen. Diese weitläufige Veranstaltung, die offiziell von der französischen Regierung gesponsert wurde, umfasste ein 55 Hektar großes Gelände in Paris, das sich vom Grand Palais am rechten Seine-Ufer bis zum Invalidendom am linken Seine-Ufer erstreckte. Im Grand Palais, der größten Ausstellungshalle der Stadt, wurden dekorative Künste aus den teilnehmenden Nationen ausgestellt. An der Ausstellung nahmen 15.000 Aussteller aus zwanzig Ländern teil, darunter Österreich, Belgien, die Tschechoslowakei, Dänemark, das Vereinigte Königreich, Italien, Japan, die Niederlande, Polen, Spanien, Schweden und die entstehende Sowjetunion. Deutschland erhielt aufgrund der Nachkriegsspannungen keine Einladung, während die USA die Teilnahme ablehnten, da sie das Kernziel der Ausstellung falsch interpretierten. Während ihrer siebenmonatigen Dauer zog die Veranstaltung 16 Millionen Besucher an. Eine Grundregel der Ausstellung sah vor, dass alle ausgestellten Werke einer modernen Ästhetik entsprechen und historische Stile strikt verboten sind. Das Hauptziel der Ausstellung bestand darin, französische Hersteller von Luxusgütern zu fördern, darunter Möbel, Porzellan, Glas, Metallarbeiten und Textilien. Um dieses Ziel zu erreichen, richteten alle großen Pariser Kaufhäuser und prominenten Designer ihre eigenen Pavillons ein. Ein zweiter Zweck der Ausstellung bestand darin, Produkte aus französischen Kolonien in Afrika und Asien wie Elfenbein und exotische Hölzer zu präsentieren.

Das Hôtel du Collectionneur entwickelte sich zu einer bemerkenswerten Attraktion der Ausstellung und zeigte neue Möbelentwürfe von Emile-Jacques Ruhlmann sowie Art-déco-Stoffe, Teppiche und ein Gemälde von Jean Dupas. Die Innenarchitektur orientierte sich an den Prinzipien der Symmetrie und geometrischen Formen, was sie vom Jugendstil unterschied, und vereinte lebendige Farben, exquisite Handwerkskunst und seltene, teure Materialien, wodurch sie sich von der strengen Funktionalität des modernistischen Stils abhob. Während die meisten Pavillons üppig geschmückt und mit handgefertigten Luxusmöbeln ausgestattet waren, übernahmen zwei Pavillons – der der Sowjetunion und der Pavillon de L'Esprit Nouveau, der von der gleichnamigen Zeitschrift unter der Leitung von Le Corbusier erbaut wurde – eine strenge Ästhetik mit schlichten weißen Wänden und minimaler Dekoration und stellten einige der frühesten Beispiele modernistischer Architektur dar.

Spätes Art Deco

Bis 1925 existierten im Art Déco zwei unterschiedliche und oft konkurrierende Denkrichtungen nebeneinander. Zu den Traditionalisten, die die Society of Decorative Artists gegründet hatten, gehörten Persönlichkeiten wie der Möbeldesigner Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, der Bildhauer Antoine Bourdelle und der Designer Paul Poiret. Diese Gruppe kombinierte moderne Formen mit traditioneller Handwerkskunst und verwendete kostspielige Materialien. Umgekehrt lehnten die Modernisten zunehmend historische Präzedenzfälle ab und plädierten für einen Stil, der auf technologischen Fortschritten, Einfachheit, dem Verzicht auf Verzierungen, billigen Materialien und Massenproduktion basierte. Die Modernisten gründeten 1929 ihre eigene Organisation, die Französische Union moderner Künstler. Zu ihren Mitgliedern gehörten in der Sowjetunion die Architekten Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier und Konstantin Melnikov; die irische Designerin Eileen Gray; Französische Designerin Sonia Delaunay; und die Juweliere Georges Fouquet und Jean Puiforcat. Sie übten heftige Kritik am traditionellen Art-Déco-Stil und bemängelten insbesondere Designer, die sich darauf konzentrierten, einzigartige, limitierte Stücke ausschließlich für eine wohlhabende Kundschaft zu schaffen. Aus modernistischer Sicht wurde die Zukunft der dekorativen Künste nicht nur von den ästhetischen Vorlieben der Wohlhabenden bestimmt, sondern erforderte vielmehr „exzellentes Design für alle“ im neuen Zeitalter. Sie postulierten, dass die Form von Natur aus der Funktion folgen sollte, und behaupteten, dass die Schönheit eines Objekts oder Gebäudes in seiner perfekten Eignung für den beabsichtigten Zweck liege. Darüber hinaus glaubten sie, dass moderne industrielle Methoden die Massenproduktion von Möbeln und Gebäuden ermöglichten, wodurch die alleinige Abhängigkeit von der Handarbeit entfiel, und dass Massenproduktion und Qualität sich nicht zwangsläufig gegenseitig ausschlossen.

Der französische Kunstgewerbedesigner Paul Follot plädierte für eine traditionellere, ornamentale Interpretation des Art Déco und behauptete, dass „das ‚Notwendige‘ allein für den Menschen nicht ausreicht und dass das Überflüssige für ihn unverzichtbar ist … andernfalls sollten wir auch Musik, Blumen, Parfüme … und das Lächeln der Damen unterdrücken!“ Im Gegensatz dazu erklärte Le Corbusier, ein prominenter Befürworter der modernistischen Architektur, ein Haus lediglich zu einer „Maschine zum Wohnen“ und propagierte unermüdlich den Modernismus als die Zukunft, indem er Art Deco als Relikt der Vergangenheit positionierte. Le Corbusiers Konzepte gewannen zunehmend an Bedeutung in der Architekturausbildung, was schließlich zur Abkehr von der Art-déco-Ästhetik führte. Paradoxerweise trugen genau die Eigenschaften, die ursprünglich die Beliebtheit des Art Déco förderten – die sorgfältige Handwerkskunst, die opulenten Materialien und die aufwändige Verzierung – letztendlich zu seinem Niedergang bei. Der Beginn der Weltwirtschaftskrise in den Vereinigten Staaten im Jahr 1929, die sich anschließend auf Europa auswirkte, reduzierte die Zahl der wohlhabenden Kunden, die maßgeschneiderte Möbel und Kunstgegenstände in Auftrag geben konnten, drastisch. Inmitten der wirtschaftlichen Sparmaßnahmen der Depression waren nur wenige Unternehmen geneigt, neue Wolkenkratzer zu bauen. Sogar die angesehene Firma Ruhlmann passte sich an, indem sie Möbel in Serie herstellte und sich von individuell handgefertigten Stücken entfernte. Zu den letzten Pariser Bauwerken, die in diesem unverwechselbaren Stil errichtet wurden, gehörten das Museum für öffentliche Arbeiten von Auguste Perret (heute Sitz des französischen Wirtschafts-, Sozial- und Umweltrats), das Palais de Chaillot von Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu und Léon Azéma sowie das Palais de Tokyo, die alle für die Pariser Weltausstellung 1937 fertiggestellt wurden. Diese Gebäude standen gegenüber dem imposanten Pavillon des nationalsozialistischen Deutschlands, der von Albert Speer entworfen wurde, dem wiederum der ebenso monumentale sozialistisch-realistische Pavillon der Sowjetunion Stalins gegenüberstand.

Nach dem Zweiten Weltkrieg entwickelte sich der Internationale Stil, der von Persönlichkeiten wie Le Corbusier und Mies van der Rohe vertreten wurde, zum vorherrschenden architektonischen Paradigma. Während in der Nachkriegszeit in Miami Beach eine begrenzte Anzahl von Art-Déco-Hotels gebaut wurde, ist der Stil anderswo weitgehend zurückgegangen und hat sich vor allem in industriellen Designanwendungen wie Automobildesign und Produkten wie Jukeboxen erhalten. In den 1960er Jahren kam es zu einem bescheidenen akademischen Wiederaufleben des Art Déco, was teilweise auf die wissenschaftlichen Beiträge von Architekturhistorikern, darunter Bevis Hillier, zurückzuführen war. In den 1970er Jahren wurden in den Vereinigten Staaten und in Europa Initiativen gestartet, um bedeutende Beispiele der Art-Déco-Architektur zu schützen, was zur Restaurierung und adaptiven Wiederverwendung zahlreicher Gebäude führte. Die in den 1980er Jahren entstandene postmoderne Architektur enthielt häufig rein dekorative Elemente, ein Merkmal, das sie mit dem Art Déco gemeinsam hatten. Die Deco-Ästhetik beeinflusst weiterhin zeitgenössische Designer und findet Anwendung in moderner Mode, Schmuck und Toilettenartikeln.

Malerei

Auf der Ausstellung von 1925 gab es keinen eigenen Bereich für Malerei. Art-Déco-Malerei war von Natur aus dekorativ und als Ergänzung zu einem Raum oder einer architektonischen Gestaltung konzipiert. Daher praktizierten nur wenige Künstler ausschließlich in diesem Stil. Dennoch werden zwei Maler besonders mit dem Art Déco in Verbindung gebracht. Jean Dupas schuf Art-déco-Wandgemälde für den Bordeaux-Pavillon auf der Kunstgewerbeausstellung 1925 in Paris und fertigte auch das Kaminsimsgemälde für die Maison du Collectionneur-Ausstellung auf derselben Ausstellung an, in der Möbel von Ruhlmann und anderen führenden Art-déco-Designern ausgestellt waren. Seine Wandgemälde waren auch ein wichtiger Bestandteil der Innenarchitektur des französischen Ozeandampfers SS Normandie. Sein künstlerisches Schaffen war rein dekorativ und sollte als Hintergrund oder Ergänzung zu anderen Designelementen dienen.

Tamara de Lempicka ist die andere Malerin, die eng mit dem Art-Déco-Stil identifiziert wird. Sie wurde in Polen geboren und zog nach der Russischen Revolution nach Paris. Sie setzte ihr Studium bei Maurice Denis und André Lhote fort und integrierte zahlreiche Stilelemente aus deren Schaffen. Ihre Porträts zeichnen sich durch eine realistische, dynamische und lebendige Art-Déco-Ästhetik aus.

In den 1930er Jahren entstand in den Vereinigten Staaten ein unverwechselbarer Art-déco-Malstil. Während der Weltwirtschaftskrise wurde das Federal Art Project, eine Initiative der Works Progress Administration, gegründet, um Künstlern Beschäftigung zu bieten. Zahlreiche Künstler wurden mit der Ausschmückung öffentlicher Gebäude beauftragt, darunter Regierungsgebäude, Krankenhäuser und Bildungseinrichtungen. Während bei diesen Wandgemälden keine einzigartige Art-Déco-Ästhetik vorherrschte, repräsentierten die für Regierungsaufträge engagierten Künstler unterschiedliche künstlerische Strömungen, die vom amerikanischen Regionalismus bis zum sozialen Realismus reichten. Zu den bemerkenswerten Mitwirkenden gehörten Reginald Marsh, Rockwell Kent und der mexikanische Maler Diego Rivera. Die Art-Déco-Klassifizierung dieser Wandgemälde ergab sich aus ihrem dekorativen Charakter und ihrer thematischen Relevanz für das jeweilige Gebäude oder den jeweiligen Ort. Beispielsweise verschönerten Reginald Marsh und Rockwell Kent US-Posteinrichtungen mit Darstellungen von Postangestellten, während Diego Rivera Arbeiter in Automobilfabriken für das Detroit Institute of Arts porträtierte. Riveras Wandgemälde Man at the Crossroads aus dem Jahr 1933, das für 30 Rockefeller Plaza in Auftrag gegeben wurde, enthielt umstrittenerweise ein nicht autorisiertes Abbild Lenins. Nachdem Rivera sich geweigert hatte, das Porträt herauszuschneiden, wurde das Kunstwerk zerstört und anschließend durch ein neues Wandgemälde des spanischen Künstlers Josep Maria Sert ersetzt.

Skulptur

Monumentale und öffentliche Skulptur

Skulptur war ein allgegenwärtiges und grundlegendes Element der Art-déco-Architekturgestaltung. In Frankreich wurde das Théâtre des Champs-Élysées, das erste Art-Deco-Wahrzeichen von Paris, 1912 mit allegorischen Flachreliefs von Antoine Bourdelle geschmückt, die Themen aus Tanz und Musik darstellen. Auf dem gesamten Gelände der Ausstellung von 1925 waren bedeutende skulpturale Installationen zu sehen, mit Pavillons, die oft mit skulpturalen Friesen verziert waren, und speziellen Räumen für kleinere Atelierskulpturen. In den 1930er Jahren steuerte ein Kollektiv angesehener Bildhauer Werke zur Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne in Chaillot bei. Alfred Janniot etwa schuf die Reliefskulpturen für die Fassade des Palais de Tokyo. Das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris und die Promenade vor dem Palais de Chaillot mit Blick auf den Eiffelturm wurden mit neuen Statuen von Künstlern wie Charles Malfray und Henry Arnold bevölkert.

Öffentliche Art-déco-Skulpturen zeigten überwiegend gegenständliche Formen und zeigten typischerweise heroische oder allegorische Figuren, deren Themen mit der Funktion des Gebäudes oder Raums korrespondierten. Die thematische Auswahl wurde im Allgemeinen von Mäzenen und nicht von Künstlern bestimmt. Abstrakte Skulpturen für dekorative Zwecke waren außergewöhnlich ungewöhnlich.

In den Vereinigten Staaten entwickelte sich Paul Manship zum führenden Art-déco-Bildhauer für öffentliche Aufträge, der klassische und mythologische Motive im Art-déco-Rahmen neu interpretierte. Seine berühmteste Schöpfung ist die Prometheus-Statue im Rockefeller Center in New York City, die eine Interpretation eines klassischen Themas aus dem 20. Jahrhundert darstellt. Lee Lawrie steuerte auch bedeutende Werke zum Rockefeller Center bei, insbesondere die skulpturale Fassade und die Atlas-Statue.

Während der Weltwirtschaftskrise in den Vereinigten Staaten erhielten zahlreiche Bildhauer Aufträge zur Schaffung dekorativer Werke für Regierungsgebäude, die von der Works Progress Administration (WPA) finanziert wurden. Zu diesen Künstlern gehörte Sidney Biehler Waugh, der für föderale Verwaltungsstrukturen stilisierte und idealisierte Darstellungen von Arbeitern und ihren Berufen schuf. In San Francisco steuerte Ralph Stackpole Skulpturen zur Fassade des neu errichteten Gebäudes der San Francisco Stock Exchange bei. Gleichzeitig führte Michael Lantz Arbeiten für das Gebäude der Federal Trade Commission in Washington D.C. aus.

In Großbritannien schuf Eric Gill öffentliche Art-Déco-Statuen für das BBC Broadcasting House, während Ronald Atkinson die Lobby des ehemaligen Daily Express Building in London (1932) schmückte.

Zu den bekanntesten und zweifellos größten öffentlichen Art-Déco-Skulpturen gehört Christus der Erlöser, geschaffen vom französischen Bildhauer Paul Landowski. Dieses monumentale Werk wurde zwischen 1922 und 1931 fertiggestellt und befindet sich auf einem Berg mit Blick auf Rio de Janeiro, Brasilien.

Studioskulptur

Frühe Art-Déco-Skulpturen bestanden häufig aus kleineren Stücken, die zur Dekoration von Salons gedacht waren. Eine besondere Kategorie innerhalb dieses Genres war die Chryselephantin-Statuette, eine Bezeichnung, die sich aus der antiken griechischen Praxis der Herstellung von Tempelstatuen aus Gold und Elfenbein ableitet. Diese Statuetten wurden gelegentlich in Bronze gegossen, häufiger jedoch aus opulenten Materialien wie Elfenbein, Onyx, Alabaster und Blattgold.

Demétre Chiparus, ein in Rumänien geborener Künstler, der für seine lebendigen kleinen Tänzerskulpturen bekannt ist, entwickelte sich zu einem der bedeutendsten Art-déco-Salonbildhauer. Weitere bedeutende Persönlichkeiten der Salonskulptur waren Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol und Gustav Schmidtcassel. Harriet Whitney Frishmuth, eine einflussreiche amerikanische Bildhauerin, die in der Studiotradition arbeitet, erlangte ebenfalls Anerkennung, nachdem sie zuvor bei Auguste Rodin in Paris studiert hatte.

Pierre Le Paguays zeichnete sich als bemerkenswerter Art-Déco-Studiobildhauer aus, dessen Kreationen auf der Ausstellung von 1925 gezeigt wurden. Seine künstlerische Praxis umfasste eine Vielzahl wertvoller Materialien, darunter Bronze, Marmor, Elfenbein, Onyx, Gold und Alabaster.

François Pompon leistete Pionierarbeit in der modernen stilisierten Tierskulptur. Seine künstlerischen Beiträge erhielten erst im Alter von 67 Jahren während des Salon d'Automne 1922 volle Anerkennung für sein Werk Ours blanc, auch bekannt als Der weiße Bär, das heute im Musée d'Orsay in Paris aufbewahrt wird.

Gleichzeitig mit diesen Art-Déco-Bildhauern war eine Kohorte avantgardistischer und abstrakter modernistischer Bildhauer sowohl in Paris als auch in New York City aktiv. Zu den führenden Persönlichkeiten gehörten Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff und Pablo Gargallo.

Grafikkunst

Die Art-Déco-Ästhetik entstand schon früh in der grafischen Kunst, bereits vor dem Ersten Weltkrieg. Ihre ersten Manifestationen in Paris zeigten sich in Léon Baksts Plakat- und Kostümentwürfen für die Ballets Russes sowie in den Katalogen des Modedesigners Paul Poiret. Die Illustrationen von Georges Barbier und Georges Lepape sowie Bilder aus dem Modemagazin La Gazette du bon ton verkörperten die diesem Stil innewohnende Eleganz und Sinnlichkeit. In den 1920er Jahren entwickelte sich die vorherrschende Ästhetik weiter und betonte eher lässige, sportliche und gewagte Mode, oft dargestellt mit weiblichen Models, die Zigaretten rauchten. Prominente amerikanische Modezeitschriften, darunter Vogue, Vanity Fair und Harper's Bazaar, übernahmen diesen neuen Stil schnell und verbreiteten ihn in den gesamten Vereinigten Staaten. Darüber hinaus beeinflusste es die Arbeit amerikanischer Buchillustratoren wie Rockwell Kent. In Deutschland zeichnete sich Ludwig Hohlwein als der berühmteste Plakatkünstler seiner Zeit aus, der lebendige und dramatische Plakate für Musikfestivals, Brauereien und später in seiner Karriere für die NSDAP schuf.

Im Gegensatz zur Jugendstilzeit, als Plakate hauptsächlich für Theateraufführungen oder Kabaretts Werbung machten, erlebten die 1920er Jahre einen Aufschwung der Popularität von Reiseplakaten, die von Dampfschifflinien und Fluggesellschaften in Auftrag gegeben wurden. Der stilistische Ansatz erfuhr in diesem Jahrzehnt einen erheblichen Wandel und verlagerte den Fokus auf das beworbene Produkt. Die Bilder wurden vereinfachter, präziser, linearer und dynamischer und häufig vor monochromatischen Hintergründen platziert. In Frankreich gehörten zu den namhaften Art-Déco-Designern Charles Loupot und Paul Colin, wobei letzterer durch seine Plakate mit der amerikanischen Sängerin und Tänzerin Josephine Baker bekannt wurde. Jean Carlu schuf Plakate für Charlie-Chaplin-Filme, verschiedene Soaps und Theateraufführungen; Später wanderte er Ende der 1930er Jahre in die Vereinigten Staaten aus, wo er Plakate zur Unterstützung der Kriegsproduktion während des Zweiten Weltkriegs entwarf. Bekanntheit erlangte Charles Gesmar mit seinen Plakaten für die Sängerin Mistinguett und Air France. Cassandre, der für sein ikonisches Plakat des Ozeandampfers SS Normandie aus dem Jahr 1935 gefeiert wurde, gehört zu den bedeutendsten französischen Art-Déco-Plakatdesignern.

In den 1930er Jahren entstand in den Vereinigten Staaten inmitten der Weltwirtschaftskrise ein eigenes Genre von Plakaten. Das Federal Art Project beauftragte amerikanische Künstler mit der Produktion von Plakaten zur Förderung des Tourismus und verschiedener kultureller Veranstaltungen.

Architektur

Stile

Der Architekturstil Art Deco tauchte erstmals zwischen 1903 und 1904 in Paris auf, geprägt durch den Bau zweier Wohnhäuser: eines von Auguste Perret in der Rue Benjamin Franklin und eines von Henri Sauvage in der Rue Trétaigne. Diese beiden aufstrebenden Architekten leisteten Pionierarbeit bei der Verwendung von Stahlbeton in Pariser Wohngebäuden. Die daraus resultierenden Gebäude zeichneten sich durch klare Linien, rechteckige Formen und schmucklose Fassaden aus, was eine deutliche Abkehr vom Jugendstil bedeutete. Von 1910 bis 1913 nutzte Perret sein Fachwissen im Wohnungsbau aus Beton, um das Théâtre des Champs-Élysées in der Avenue Montaigne 15 zu errichten. Anschließend entwarf Sauvage zwischen 1925 und 1928 die neue Art-Déco-Fassade für das Kaufhaus La Samaritaine in Paris.

Der Einfluss des Art Deco ging über irdische Strukturen hinaus; Der Ozeandampfer SS Normandie, der 1935 seine Jungfernfahrt begann, präsentierte Art-déco-Ästhetik, insbesondere in einem Speisesaal mit einer Decke und dekorativen Elementen aus Glas von Lalique.

Art-déco-Architektur wird gelegentlich in drei verschiedene Stile eingeteilt: Zigzag Moderne (auch bekannt als Jazz Moderne), Classic Moderne und Streamline Moderne.

Zigzag Moderne

Zigzag Moderne (alternativ auch Jazz Moderne genannt) war die erste Manifestation des Art Deco in den Vereinigten Staaten. Das „Zickzack“-Merkmal bezeichnet die abgestuften Profile von Wolkenkratzern, die deren wahrgenommene Höhe verstärken sollen, und wurde vorwiegend bei großen öffentlichen und kommerziellen Gebäuden angewendet, darunter Hotels, Kinos, Restaurants, Hochhäuser und Kaufhäuser.

Klassische Moderne

Classic Moderne weist eine raffiniertere Ästhetik mit reduzierter Ornamentik auf. Dieser Stil wird gelegentlich auch als PWA (Public Works Administration) Moderne oder Depression Moderne bezeichnet, da er in von der PWA während der Weltwirtschaftskrise initiierten Projekten weit verbreitet war.

Streamline Moderne

In den späten 1930er Jahren entstand eine besondere Variante der Art-Déco-Architektur, bekannt als Streamline Moderne oder einfach Streamline. In Frankreich wurde es als Style Paquebot oder Ocean Liner-Stil bezeichnet. Strukturen in diesem Stil zeichneten sich durch abgerundete Ecken, längliche horizontale Linien und eine Konstruktion aus, die hauptsächlich aus Stahlbeton bestand und typischerweise in Weiß gehalten war. Sie enthielten häufig nautische Elemente wie Reling und Bullaugen, die an Schiffsdesigns erinnerten. Obwohl das Konzept der abgerundeten Ecken nichts Neues war, da es 1923 in Erich Mendelsohns Mossehaus in Berlin und später im Hoover Building, einem Industriekomplex in Perivale, London, Verwendung fand, war seine Anwendung in den Vereinigten Staaten eng mit der Verkehrsinfrastruktur verknüpft. Streamline Moderne wurde selten auf Bürogebäuden angewendet, fand jedoch häufige Anwendung in Busbahnhöfen und Flughafenterminals, einschließlich des LaGuardia Airport-Terminals in New York City, das die ersten Transatlantikflüge mit PanAm Clipper-Flugbooten ermöglichte, sowie in Straßenarchitekturen wie Tankstellen und Restaurants. Eine Reihe von Diners, die stromlinienförmige Eisenbahnwaggons nachahmen sollten, wurden in den späten 1930er Jahren in allen Städten Neuenglands hergestellt und installiert; Mindestens zwei dieser Beispiele sind heute noch als denkmalgeschützte Gebäude erhalten.

Gebäudetypologien

Wolkenkratzer

Amerikanische Wolkenkratzer stellten den Höhepunkt der Art-Déco-Bewegung dar und entwickelten sich zu den höchsten und ikonischsten modernen Bauwerken der Welt. Ihr Entwurf zielte darauf ab, das Prestige ihrer Entwickler durch imposante Höhe, markante Form, spezifische Farbpaletten und auffällige nächtliche Beleuchtung zu unterstreichen. Raymond Hoods American Radiator Building (1924) integrierte sowohl gotische als auch moderne Art-déco-Elemente. Die Fassade bestand aus schwarzen Ziegeln, die Kohle symbolisierten und ein Gefühl von Solidität und beachtlicher Masse vermitteln sollten. Andere Teile der Außenseite waren mit goldenen Ziegeln geschmückt, die Feuer darstellten, während der Eingang mit Marmor und schwarzen Spiegeln verziert war. Ein weiterer bemerkenswerter früher Art-déco-Wolkenkratzer war das 1929 eingeweihte Guardian Building in Detroit. Dieses vom Modernisten Wirt C. Rowland entworfene Gebäude war Vorreiter bei der Verwendung von Edelstahl als dekorativem Element und weitreichenden farbigen Mustern, die von herkömmlichen Ornamenten abwichen.

Das 1930 fertiggestellte und von William Van Alen entworfene Chrysler Building in Manhattan veränderte die Skyline von New York City tiefgreifend. Dieses 77-stöckige Gebäude diente als monumentale Werbung für Chrysler-Automobile. Seine Spitze wurde von einer Edelstahlspitze gekrönt und mit Art-déco-Wasserspeiern in Form von Kühlerdeckelornamenten aus Edelstahl geschmückt. Der Sockel des Turms, der 33 Stockwerke über dem Straßenniveau liegt, war mit lebhaften Art-déco-Friesen verziert, während die Lobby mit Art-déco-Symbolen und Bildern versehen war, die Themen der Moderne vermitteln.

Die Höhe des Chrysler Buildings wurde später durch das von William F. Lamb (1931) entworfene Empire State Building, das eine etwas zurückhaltendere Art-Déco-Ästhetik aufwies, und durch das von Raymond Hood (1933) entworfene RCA Building (heute 30 Rockefeller Plaza) übertroffen. Diese Bauwerke haben gemeinsam das architektonische Panorama von New York City neu definiert. Architektonisch waren die oberen Teile dieser Gebäude mit Art-Déco-Kronen und Türmen geschmückt, die mit Edelstahl verkleidet waren. Insbesondere das Chrysler Building enthielt von Heizkörperornamenten inspirierte Wasserspeier im Art-déco-Stil, während die Eingänge und Lobbys opulente Art-déco-Verzierungen aufwiesen, darunter Skulpturen, Keramik und komplizierte Designelemente. Vergleichbare, wenn auch weniger hoch aufragende Gebäude entstanden später in Chicago und anderen großen amerikanischen Metropolen. Das Rockefeller Center führte ein innovatives Stadtplanungskonzept ein, bei dem mehrere Hochhäuser um einen weitläufigen, offenen Platz mit einem Brunnen gruppiert waren.

In Newark, New Jersey, auf der anderen Seite des Hudson River wurden in den 1920er und 1930er Jahren Wolkenkratzer im Art-Déco-Stil errichtet. Bemerkenswerte Beispiele sind das New Jersey Bell Headquarters (1929), entworfen von Ralph Thomas Walker; das Lefcourt-Gebäude (1930) von Frank Grad; und das National Newark Building (1933) von John H. Wilson C. Ely. John Cotton Dana, der damals die Newark Public Library leitete, stellte fest, dass diese architektonischen Entwicklungen Newark von einem „riesigen, unhöflichen und gedankenlosen industriellen Frankenstein-Monster in einen Ort der Raffinesse“ verwandelten.

Kathedralen des Handels

Die prominentesten Beispiele amerikanischer Art-Déco-Innenarchitektur fanden sich in den Lobbys von Regierungsgebäuden, Theatern und insbesondere kommerziellen Bürogebäuden. Diese Innenräume zeichnen sich durch eine lebendige und dynamische Ästhetik aus und integrieren Skulpturen, Wandgemälde und komplizierte geometrische Muster aus Marmor, Glas, Keramik und Edelstahl. Ein frühes Beispiel ist das von Joseph Nathaniel French entworfene Fisher Building in Detroit, dessen Lobby aufwendig mit Skulpturen und Keramik geschmückt war. Das Guardian Building (ursprünglich das Union Trust Building) in Detroit, das 1929 von Wirt Rowland fertiggestellt wurde, zeigte roten und schwarzen Marmor neben farbenfroher Keramik, akzentuiert durch hochglanzpolierte Aufzugstüren und Theken aus Stahl. Seine an der Wand befestigten skulpturalen Elemente stellten die Tugenden von Fleiß und Sparsamkeit dar und führten dazu, dass das Gebäude sofort zur „Kathedrale des Handels“ ernannt wurde. Das von Timothy Pflueger entworfene Medical and Dental Building in der 450 Sutter Street in San Francisco ließ sich von der Maya-Architektur inspirieren und manifestierte sich in einer stark stilisierten Form. Dieses Bauwerk hatte Pyramidenformen und seine Innenwände waren mit stilisierten Reihen von Hieroglyphen verziert.

In Frankreich ist das Palais de la Porte Dorée (1931) das herausragende Beispiel für Art-déco-Innenarchitektur aus dieser Zeit, ein Gemeinschaftswerk von Albert Laprade, Léon Jaussely und Léon Bazin. Dieses Gebäude, in dem sich derzeit das Nationale Einwanderungsmuseum und ein Kelleraquarium befinden, wurde ursprünglich für die Pariser Kolonialausstellung 1931 zum Gedenken an die Bewohner und Waren der französischen Kolonien errichtet. Die Außenfassade war umfassend mit Skulpturen geschmückt, während die Lobby durch einen geometrisch gemusterten Holzparkettboden, ein Wandgemälde, das die Bevölkerung französischer Kolonien darstellt, und eine ausgewogene Anordnung vertikaler Türen und horizontaler Balkone eine Art-déco-Kohärenz erreichte.

Filmpaläste

Die prominentesten erhaltenen Beispiele der Art-Déco-Architektur finden sich häufig in Kinos, die in den 1920er und 1930er Jahren gebaut wurden. Diese Ära fiel mit dem Übergang vom Stummfilm zum Tonfilm zusammen und veranlasste Filmunternehmen, große Kinosäle in großen städtischen Zentren zu errichten, um das wachsende Publikum unterzubringen. In den Filmpalästen der 1920er Jahre wurden oft exotische Themen mit der Art-Déco-Ästhetik kombiniert. Beispielsweise ließ sich Graumans Egyptian Theatre in Hollywood (1922) von der antiken ägyptischen Grabarchitektur inspirieren, während das Fox Theatre in Bakersfield, Kalifornien, einen Turm im California-Mission-Stil mit einem Art-Déco-Auditorium integrierte. Das größte davon ist die Radio City Music Hall in New York City, die 1932 ihren Betrieb aufnahm. Ursprünglich als Theateraufführungsraum konzipiert, verwandelte sie sich schnell in ein Kino mit Platz für 6.015 Zuschauer. Das von Donald Deskey entworfene Innendesign nutzte Glas, Aluminium, Chrom und Leder, um ein beeindruckendes visuelles Erlebnis zu schaffen. Das von Timothy Pflueger entworfene Paramount Theater in Oakland, Kalifornien, verfügte über eine lebendige Keramikfassade, eine vierstöckige Lobby und einzigartige Raucherlounges im Art-Déco-Stil für Herren und Damen. In ganz Europa entstanden vergleichbar opulente Paläste. Das Grand Rex in Paris (1932), das sich durch seinen imposanten Turm auszeichnet, wurde nach dem Gaumont-Palace (1931–1973) mit 6.000 Plätzen zum größten Kino Europas. Das Londoner Gaumont State Cinema (1937) verfügte über einen dem Empire State Building nachempfundenen Turm, der mit cremefarbenen Keramikfliesen verkleidet war, und ein Interieur, das Art Deco mit italienischen Renaissancestilen vermischte. Das Paramount Theater in Shanghai, China (1933), ursprünglich als Tanzsaal mit dem Namen Das Tor der 100 Freuden konzipiert, wurde nach der kommunistischen Revolution von 1949 in ein Kino umfunktioniert und dient heute als Ballsaal und Diskothek. In den 1930er Jahren bauten italienische Architekten in Asmara im heutigen Eritrea einen kleineren Kinopalast, das Cinema Impero. Während viele dieser historischen Kinos inzwischen in Multiplexkinos unterteilt wurden, wurden andere restauriert und dienen nun als kulturelle Zentren innerhalb ihrer Gemeinden.

Dekorative Elemente und thematische Motive

Die Art-Déco-Ornamentik entwickelte sich in mehreren unterschiedlichen Phasen. Von 1910 bis 1920, zeitgleich mit dem Niedergang des Jugendstils, kehrte die Designästhetik zu traditionellen Formen zurück, was insbesondere in den Kreationen von Paul Iribe zum Ausdruck kam. Im Jahr 1912 veröffentlichte André Vera in der Zeitschrift L'Art Décoratif einen Aufsatz, in dem er sich für eine Rückkehr zur Handwerkskunst und den Materialien früherer Jahrhunderte einsetzte, gepaart mit einem neuartigen Repertoire natürlicher Formen, insbesondere Körben und Girlanden aus Früchten und Blumen. Gleichzeitig ließ sich ein anderer Art-Déco-Trend aus demselben Jahrzehnt von den lebendigen Farbpaletten der fauvistischen Kunstbewegung und den aufwändigen Kostümen und Bühnenbildern der Ballets Russes inspirieren. Dieser Stil manifestierte sich häufig durch exotische Materialien wie Haifischhaut, Perlmutt, Elfenbein, getöntes Leder, lackiertes und bemaltes Holz sowie dekorative Intarsien auf Möbeln, die seine geometrischen Qualitäten betonten. Diese besondere Stilperiode erreichte ihren Höhepunkt auf der Pariser Ausstellung für dekorative Künste im Jahr 1925. In den späten 1920er- und 1930er-Jahren wandelte sich der Dekorationsstil unter dem Einfluss neuer Materialien und technologischer Fortschritte. Es wurde schlanker und weniger verziert. Möbel, die architektonische Trends widerspiegelten, begannen, abgerundete Kanten aufzuweisen und ein poliertes, stromlinienförmiges Aussehen anzunehmen, das vom Stil der Streamline Moderne abgeleitet war. Neuartige Materialien, darunter vernickelter oder verchromter Stahl, Aluminium und Bakelit (ein früher synthetischer Kunststoff), setzten sich bei Möbeln und dekorativen Anwendungen durch.

Während der gesamten Art-Déco-Ära und insbesondere in den 1930er Jahren vermittelten dekorative Motive häufig die beabsichtigte Funktion des Gebäudes. Theater wurden mit Skulpturen geschmückt, die Musik, Tanz und Spannung illustrierten; Energieversorger zeigten Sonnenaufgänge; Das Chrysler Building war mit stilisierten Kühlerfiguren verziert. Beispielsweise stellten die Friese des Palais de la Porte Dorée auf der Pariser Kolonialausstellung 1931 die verschiedenen Nationalitäten dar, die in den französischen Kolonien lebten. Der Streamline-Stil vermittelte den Eindruck, als sei das Gebäude selbst in Bewegung. In ähnlicher Weise wurden in den Wandgemälden der Works Progress Administration (WPA) aus den 1930er-Jahren häufig alltägliche Personen – wie Fabrikarbeiter, Postangestellte, Familien und Bauern – als Protagonisten dargestellt, die von den traditionellen klassischen Helden abweichen.

Art Déco spiegelt die komplizierte Epoche wider, aus der es hervorging, und zeichnet sich am besten durch eine Reihe inhärenter Widersprüche aus, wie etwa das Zusammenspiel von Minimalismus und Maximalismus, Kantigkeit und Fließfähigkeit, Zikkuratformen und stromlinienförmigen Designs sowie Symmetrie und Unregelmäßigkeit. Die Ikonographie, die Art-déco-Künstler zur Darstellung dieser Zeit wählten, war ebenfalls voller Paradoxien. So koexistieren zum Beispiel schöne Mädchen in Kleidung aus dem 18. Jahrhundert neben schicken, kultivierten Frauen und liegenden Akten, während Blitze stilisierte Rosenknospen zum Leuchten bringen.

Möbel

Französische Möbel, die zwischen 1910 und den frühen 1920er Jahren hergestellt wurden, stellten in erster Linie eine Weiterentwicklung traditioneller französischer Möbelstile dar und enthielten Elemente aus den Jugendstilentwürfen von Louis Majorelle, Charles Plumet und anderen Herstellern. Französische Möbelhersteller sahen eine Bedrohung durch die zunehmende Bedeutung deutscher Hersteller und ihrer Stile, insbesondere des Biedermeier-Stils, der für seine Einfachheit und klaren Linien bekannt ist. Als Reaktion darauf lud Frantz Jourdain, ein französischer Designer und Präsident des Pariser Salon d'Automne, Designer aus München ein, am Salon 1910 teilzunehmen. Französische Designer, die die aufkommende deutsche Ästhetik beobachteten, beschlossen, dieser Herausforderung entgegenzuwirken. Daher beschlossen sie, neuartige französische Stile im Salon von 1912 zu präsentieren, dessen Reglement die ausschließliche Ausstellung moderner Designs vorsah. Alle großen französischen Möbeldesigner, darunter Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare und Louis Suë, nahmen teil und präsentierten innovative Stücke, die traditionelle französische Stile wie die von Louis XVI und Louis Philippe neu interpretierten. Diese neuen Designs enthielten vom Kubismus beeinflusste kantige Formen und lebendige Farbtöne, die vom Fauvismus und der Nabis-Bewegung abgeleitet waren.

Der Maler André Mare und der Möbeldesigner Louis Süe nahmen beide am Salon von 1912 teil. Nach dem Krieg gründeten die beiden Männer gemeinsam ihr eigenes Unternehmen, das offiziell Compagnie des Arts Française hieß, allgemein jedoch als Suë und Mare bezeichnet wurde. Im Gegensatz zu prominenten Jugendstildesignern wie Louis Majorelle, die jedes Stück individuell anfertigten, stellten Mare und Süe ein Team erfahrener Handwerker zusammen, um umfassende Innenarchitekturen zu entwerfen, die Möbel, Glaswaren, Teppiche, Keramik, Tapeten und Beleuchtung umfassten. Ihre Kreationen zeichneten sich durch lebendige Farben und die Verwendung erlesener Hölzer wie Ebenholz mit Perlmutt-Intarsien, Abalone und versilbertem Metall zur Gestaltung floraler Motive aus. Ihr Designportfolio reichte von der Innenausstattung von Ozeandampfern bis hin zu Parfümflaschen für das Label von Jean Patou. Obwohl das Unternehmen in den frühen 1920er-Jahren florierte, erwiesen sich seine Gründer eher als Handwerker als als Unternehmer. Infolgedessen wurde das Unternehmen 1928 veräußert, was zum Weggang beider Männer führte.

Émile-Jacques Ruhlmann, ein elsässischer Designer, wurde auf der Kunstgewerbeausstellung 1925 zum prominentesten Möbeldesigner. Er stellte seine Kreationen zunächst im Herbstsalon 1913 aus und richtete anschließend auf der Ausstellung 1925 seinen eigenen Pavillon „Das Haus des reichen Sammlers“ ein. Ruhlmann verwendete ausschließlich die seltensten und edelsten Materialien wie Ebenholz, Mahagoni, Palisander, Ambon und andere exotische Hölzer. Diese waren oft mit Einlagen aus Elfenbein, Schildpatt und Perlmutt verziert, während kleine Seidenpompons die Griffe von Schrankschubladen zierten. Seine Möbelentwürfe ließen sich von Vorbildern aus dem 18. Jahrhundert inspirieren, die er dann vereinfachte und neu konfigurierte. Ein Markenzeichen seiner Handwerkskunst war die vollständige Verschleierung der inneren Struktur der Möbel. Typischerweise wurde das Eichengerüst vollständig von einer ersten Auflage aus dünnen Holzstreifen umhüllt, gefolgt von einer zweiten Schicht aus seltenen und teuren Hölzern. Diese komplizierte Schichtung wurde dann furniert und poliert, wodurch der Eindruck entstand, das Stück sei aus einem einzigen, massiven Holzblock geformt worden. Das dunkle Holz wurde oft mit Elfenbeineinlagen, Schlüsselplatten und Griffen kontrastiert. Ruhlmann ging davon aus, dass Sessel besondere Designs erforderten, die auf die spezifischen Funktionen der Räume, in denen sie sich befanden, zugeschnitten waren: Wohnzimmersessel wurden für die Gastfreundschaft konzipiert, Bürostühle für Komfort und Salonstühle für Opulenz. Die Produktion jedes Möbeldesigns war auf eine kleine Stückzahl beschränkt, wobei die durchschnittlichen Kosten für eines seiner Betten oder Schränke die eines typischen Hauses überstiegen.

Jules Leleu, ursprünglich ein traditioneller Möbeldesigner, wechselte in den 1920er Jahren nahtlos zur Art-Déco-Bewegung. Zu seinen bemerkenswerten Aufträgen gehörten die Esszimmermöbel für den Élysée-Palast und die erstklassigen Kabinen des Dampfschiffs Normandie. Leleus unverwechselbarer Stil umfasste Ebenholz, Makassarholz und Walnuss, oft verziert mit Elfenbein- und Perlmuttplaketten. In den späten 1920er-Jahren war er der Pionier bei lackierten Art-Déco-Möbeln und führte in den späten 1930er-Jahren Designs aus Metall mit Rauchglasplatten ein. Gleichzeitig erlangte Gio Ponti in Italien Anerkennung für seine stromlinienförmige Möbelästhetik.

Die opulenten und exotischen Möbel, die von Designern wie Ruhlmann und anderen Traditionalisten hergestellt wurden, lösten bei Modernisten, insbesondere beim Architekten Le Corbusier, großen Zorn aus. Diese Unzufriedenheit veranlasste Le Corbusier dazu, eine prominente Artikelserie zu verfassen, in der er den Stil der arts décoratif vehement kritisierte. Er verurteilte Möbel, die ausschließlich den Wohlhabenden zugänglich waren, und plädierte stattdessen dafür, dass Designer Stücke aus preiswerten Materialien in einem zeitgenössischen Stil herstellen und sie so für die breite Bevölkerung erschwinglich machen. Anschließend entwickelte Le Corbusier seine eigenen Stuhlentwürfe, die speziell auf Kosteneffizienz und Massenproduktion ausgelegt waren.

In den 1930er Jahren entwickelten sich Möbeldesigns zu glatteren Oberflächen und geschwungenen Formen. Zu den herausragenden Vertretern dieses späteren Art-Déco-Stils gehörte Donald Deskey, ein äußerst einflussreicher Designer, der für die Innenausstattung der Radio City Music Hall verantwortlich war. Deskey kombinierte auf innovative Weise traditionelle und zeitgenössische Materialien wie Aluminium, Chrom und Bakelit, einen frühen Kunststoff. Zu den weiteren bedeutenden amerikanischen Art-Deco-Möbeldesignern der 1930er Jahre gehörten Gilbert Rohde, Warren McArthur und Kem Weber.

Der Wasserfallstil, der sich durch seine unverwechselbare Ästhetik auszeichnet, erfreute sich in den 1930er und 1940er Jahren großer Beliebtheit und wurde zur vorherrschenden Art-Déco-Möbelform dieser Zeit. Diese Stücke bestanden typischerweise aus Sperrholz mit blondem Furnier und abgerundeten Kanten, was den optischen Eindruck eines kaskadierenden Wasserfalls hervorrief.

Design

Streamline, eine eigenständige Variante des Art Déco, entstand Mitte der 1930er Jahre und wurde von zeitgenössischen aerodynamischen Prinzipien inspiriert, die für die Luftfahrt und Ballistik entwickelt wurden, um den Luftwiderstand bei hohen Geschwindigkeiten zu verringern. Designer wandten diese charakteristischen Geschossformen auf eine Vielzahl von Gegenständen an, darunter Autos, Züge und Schiffe, aber auch auf stationäre Objekte wie Kühlschränke, Zapfsäulen und architektonische Strukturen. Der Chrysler Airflow von 1933 war eines der ersten Serienfahrzeuge, das diesen Stil verkörperte. Trotz seiner kommerziellen Leistungsschwäche stellte der ästhetische Reiz und das funktionale Design des Airflow einen bedeutenden Präzedenzfall für die Moderne dar und beeinflusste das Automobildesign bis weit in die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg hinein.

Das Aufkommen neuartiger Industriematerialien hatte erhebliche Auswirkungen auf das Design von Automobilen und Haushaltsgegenständen. Zu diesen Materialien gehörten Aluminium, Chrom und Bakelit, ein früher synthetischer Kunststoff. Die inhärente Formbarkeit von Bakelit erleichterte seine schnelle Einführung in verschiedene Formen und führte zu seiner weit verbreiteten Verwendung in Telefonen, Radios und anderen Haushaltsgeräten.

Ozeandampfer übernahmen ebenfalls eine Art-Déco-Ästhetik, die auf Französisch als Style Paquebot oder „Ocean Liner Style“ bezeichnet wird. Die SS Normandie, die 1935 ihre erste Transatlantikreise antrat, gilt als das berühmteste Beispiel dieses Stils. Sein Design zielte speziell darauf ab, wohlhabende Amerikaner zum Einkaufen nach Paris zu transportieren. Die Kabinen und Salons des Schiffes waren mit modernsten Art-Déco-Möbeln und -Verzierungen ausgestattet. Bemerkenswert ist, dass der Große Salon des Schiffes, der als erstklassiges Restaurant diente, die Ausmaße des Spiegelsaals im Schloss von Versailles übertraf. Die Beleuchtung erfolgte durch elektrische Lichter, die in zwölf Lalique-Kristallsäulen integriert waren, ergänzt durch sechsunddreißig entsprechende Säulen an den Wänden, ein frühes Beispiel für Beleuchtung, die direkt in die architektonische Gestaltung integriert wurde. Dieser charakteristische Schiffsstil wurde später für die terrestrische Architektur adaptiert. Ein prominentes Beispiel ist das Gebäude des San Francisco Maritime Museum, das 1937 ursprünglich als öffentliches Bad erbaut wurde und durch seine Schiffsreling und abgerundeten Ecken an eine Fähre erinnert. Auch das Star Ferry Terminal in Hongkong nutzte eine Variante dieses architektonischen Ansatzes.

Textilien

Textilien stellten einen wesentlichen Bestandteil der Art-Déco-Ästhetik dar und manifestierten sich in farbenfrohen Tapeten, Polstern und Teppichen. In den 1920er Jahren ließen sich Designer von verschiedenen Quellen inspirieren, darunter von den Bühnenbildern der Ballets Russes, den Stoffentwürfen und Kostümen von Léon Bakst und den innovativen Kreationen der Wiener Werkstätte. Die frühen Innenarchitekturen von André Mare zeichneten sich durch farbenfrohe und stark stilisierte Girlanden aus Rosen und Blumen aus, die Wände, Böden und Möbel schmückten. Stilisierte Blumenmotive prägten gleichermaßen die Werke von Raoul Dufy und Paul Poiret sowie die Möbelentwürfe von J.E. Ruhlmann. Paul Poiret wird die Neuinterpretation des Blumenteppichs im Rahmen der unverwechselbaren Art-Déco-Sprache zugeschrieben.

Die Übernahme des Art-Déco-Stils wurde durch die Implementierung der Pochoir-Schablonendrucktechnik erheblich vorangetrieben, die es Designern ermöglichte, präzise Linien und lebendige Farben zu erzielen. Art-Déco-Ästhetik wurde in die von Designern wie Paul Poiret, Charles Worth und Jean Patou entworfenen Kleidungsstücke integriert. Nach dem Ersten Weltkrieg entwickelte sich der Export von Textilien und Bekleidung zur Hauptdevisenquelle Frankreichs.

Spätere Erscheinungsformen des Art Déco in Tapeten und Textilien enthielten häufig stilisierte Darstellungen von Industrielandschaften, Stadtpanoramen, Lokomotiven und anderen zeitgenössischen Motiven. Zu diesen Designs gehörten oft auch stilisierte Frauenfiguren, metallische Akzente und komplizierte geometrische Muster.

Mode

Die Mode erlebte in dieser Ära einen tiefgreifenden Wandel, der maßgeblich von den Designern Paul Poiret und später Coco Chanel beeinflusst wurde. Poiret war Pionier des Drapierungskonzepts und markierte damit eine deutliche Abkehr von traditionellen Schneider- und Musterherstellungsmethoden. Seine Entwürfe zeichneten sich durch gerade Linien geschnittene und aus rechteckigen Elementen zusammengesetzte Kleidungsstücke aus, die auf strukturelle Einfachheit Wert legten. Die restriktiven korsettierten Silhouetten und formalen Stile, die in der vorangegangenen Periode vorherrschten, wurden verworfen, was zu einer praktischeren und stromlinienförmigeren Mode führte. Dieser Wandel wurde durch die Einbeziehung neuartiger Materialien, leuchtenderer Farbtöne und innovativer Druckdesigns noch weiter erleichtert. Coco Chanel trieb diese Entwicklung weiter voran und machte einen Stil populär, der sich durch sportliche, lässige Eleganz auszeichnete.

Ein charakteristischer Archetyp dieser Zeit war der Flapper, der sich durch kurzes Bob-Haar, Cocktailkonsum, öffentliches Rauchen und nächtliches Tanzen in angesagten Clubs, Kabaretts oder Boheme-Lokalen auszeichnete. Allerdings handelte es sich bei dieser Darstellung größtenteils um eine Figur der populären Fantasie und nicht um die gelebte Realität der meisten Frauen. Eine weitere prominente weibliche Art-Déco-Ästhetik war die androgyne Garçonne der 1920er Jahre, die eine abgeflachte Brust, eine undefinierte Taille und freiliegende Beine aufwies, wodurch die Silhouette auf eine kurze, röhrenförmige Form reduziert wurde, oft ergänzt durch einen eng anliegenden Glockenhut.

Schmuck

In den 1920er und 1930er Jahren versuchten prominente Designer wie René Lalique und Cartier, die konventionelle Vormachtstellung von Diamanten durch die Verwendung einer größeren Auswahl an leuchtenden Edelsteinen, darunter kleinere Smaragde, Rubine und Saphire, zu schwächen. Gleichzeitig legten sie Wert auf hochkomplizierte und raffinierte Gestaltungen und verwendeten oft leichter zugängliche Materialien wie Emaille, Glas, Horn und Elfenbein. Diamanten selbst wurden in unkonventionelle Formen gebracht; Auf der Ausstellung von 1925 wurden insbesondere zahlreiche Diamanten ausgestellt, die in Miniaturstäbe oder Streichhölzer geschnitten waren. Zu den weiteren beliebten Art-déco-Diamantschliffen gehörten:

• der Smaragdschliff, der sich durch seine länglichen Facetten im Stufenschliff auszeichnet;
• der Asscher-Schliff, der eine quadratischere Form als der Smaragd-Schliff hat, eine hohe Krone aufweist und als erster patentierter Diamantschliff bekannt ist;
• der Marquise-Schnitt, der den Eindruck größerer Größe und Hervorhebung erwecken soll;
• Der Baguette-Schliff zeichnet sich durch kleine, rechteckige Stufenschliffformen aus, die häufig verwendet werden, um größere zentrale Steine hervorzuheben;
• der alte europäische Schliff, eine von Hand facettierte runde Form, die so gestaltet ist, dass sie aus dem Inneren des Edelsteins Farbblitze, bekannt als „Feuer“, aussendet.

Diamantfassungen haben sich ebenfalls erheblich weiterentwickelt; Juweliere bevorzugten zunehmend Platin gegenüber Gold aufgrund seiner überlegenen Festigkeit und Flexibilität, was das Setzen von Steinclustern erleichterte. Darüber hinaus setzte sich die Verwendung dunklerer Materialien wie Emaille und schwarzer Onyx durch, die einen stärkeren Kontrast zur Brillanz von Diamanten boten.

Schmuckdesigns wurden deutlich lebendiger und stilistisch vielfältiger. Firmen wie Cartier und Boucheron integrierten Diamanten mit einer Reihe bunter Edelsteine, die sorgfältig in Formen geschnitten wurden, die an Blätter, Früchte oder Blumen erinnern, um Broschen, Ringe, Ohrringe, Clips und Anhänger herzustellen. Gleichzeitig erfreuten sich fernöstliche Motive großer Beliebtheit; Jade- und Korallenplaketten wurden mit Platin und Diamanten gepaart, während Kosmetikkoffer, Zigarettenetuis und Puderdosen mit japanischen und chinesischen Landschaftsszenen aus Perlmutt, Emaille und Lack verziert waren.

Die rasche Entwicklung der Kleidungsstile hatte direkten Einfluss auf die Entstehung neuer Schmuckdesigns. Die Verbreitung ärmelloser Kleider in den 1920er Jahren erforderte Armverzierungen, was Designer dazu veranlasste, schnell Armbänder aus Gold, Silber und Platin herzustellen, die oft mit Lapislazuli, Onyx, Korallen und anderen bunten Steinen besetzt waren. Einige Armbänder wurden speziell für den Oberarm entwickelt und es war üblich, mehrere Armbänder gleichzeitig zu tragen. Die in den 1920er-Jahren von Frauen übernommenen Bob-Frisuren beflügelten die Entwicklung komplizierter Art-déco-Ohrringdesigns. Mit der zunehmenden öffentlichen Sichtbarkeit rauchender Frauen entwickelten Designer reich verzierte Zigarettenetuis und Zigarettenspitzen aus Elfenbein. Die Erfindung der Armbanduhr vor dem Ersten Weltkrieg inspirierte Juweliere dazu, außergewöhnlich verzierte Zeitmesser herzustellen, die häufig mit Diamanten besetzt und mit Emaille, Gold und Silber plattiert waren. Darüber hinaus erfreuten sich auch an Bändern hängende Anhängeruhren großer Beliebtheit.

In dieser Zeit gründeten bedeutende Pariser Schmuckunternehmen wie Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin und Van Cleef & Arpels stellte allesamt Schmuck und Dekorationsgegenstände her, die die aufkommende Art-Déco-Ästhetik widerspiegeln. Chaumet beispielsweise fertigte hochgeometrische Zigarettenschachteln, Feuerzeuge, Pillendosen und Notizbücher aus harten Steinen, verziert mit Jade, Lapislazuli, Diamanten und Saphiren. In der Folge schlossen sich zahlreiche aufstrebende Designer dieser Bewegung an, die jeweils unterschiedliche Interpretationen des Déco-Stils beisteuerten. Raymond Templier schuf Stücke mit komplizierten geometrischen Motiven, zum Beispiel Silberohrringe, die an Wolkenkratzer erinnern. Gerard Sandoz begann seine Karriere als Schmuckdesigner 1921 im Alter von 18 Jahren und schuf viele gefeierte Werke, die sich durch das schlanke, polierte Erscheinungsbild zeitgenössischer Maschinen auszeichnen. Auch René Lalique, ein renommierter Glasdesigner, wagte sich in dieses Gebiet vor und fertigte Anhänger mit Früchten, Blumen, Fröschen, Feen oder Meerjungfrauen aus buntem, geformtem Glas an, die an mit Quasten verzierten Seidenschnüren aufgehängt waren. Der Juwelier Paul Brandt verwendete kontrastierende rechteckige und dreieckige Muster und bettete Perlen in linearen Anordnungen auf Onyxplatten ein. Auffällige Farbkontraste erzielte Jean Despres bei seinen Halsketten durch die Kombination von Materialien wie Silber mit schwarzem Lack oder Gold mit Lapislazuli. Viele seiner Kreationen erinnerten an die hochglanzpolierten Oberflächen industrieller Komponenten. Jean Dunand ließ sich ebenfalls von modernen Maschinen inspirieren und integrierte kräftige Rot- und Schwarztöne, die einen Kontrast zu poliertem Metall bildeten. Suzanne Belperron führte skulpturale Designs ein, bei denen Materialien wie Bergkristall und Halbedelsteine ​​zum Einsatz kamen, und betonte damit die Vorliebe unkonventioneller Elemente dieser Zeit. Jean Fouquet, beeinflusst vom Kubismus, verwendete Materialien wie Ebenholz und verchromten Stahl und verlieh Art-Déco-Schmuck eine ausgeprägte modernistische Sensibilität. Weitere bemerkenswerte Mitwirkende der Art-déco-Bewegung waren Boucheron, Lacloche und der dänische Silberschmied Georg Jensen, der für sein Fachwissen im Umgang mit Silber und leichter zugänglichen Edelsteinen bekannt ist. Amerikanische Schmuckfirmen, darunter Tiffany & Co., Black, Starr & Frost und Marcus & Co. leistete ebenfalls erhebliche Beiträge und produzierte Uhren, Kunstgegenstände und verschiedene Schmuckstücke.

Glaskunst

Ähnlich wie die vorangegangene Art-Nouveau-Ära stellte die Art-Deco-Periode eine bedeutende Epoche für exquisites Glas und andere Dekorationsgegenstände dar, die sorgfältig gefertigt wurden, um ihre architektonische Umgebung zu ergänzen. René Lalique entwickelte sich zum berühmtesten Schöpfer von Glasobjekten und seine vielfältigen Werke, die von Vasen bis hin zu Auto-Motorhaubenverzierungen reichten, wurden zum Sinnbild dieser Zeit. Vor dem Ersten Weltkrieg hatte Lalique Experimente mit Glas durchgeführt und insbesondere Flaschen für die Parfums von François Coty entworfen. Seine umfangreiche Produktion von Kunstglas begann jedoch erst nach dem Krieg. Im Jahr 1918, im Alter von 58 Jahren, erwarb er eine bedeutende Glasfabrik in Combs-la-Ville und begann anschließend mit der Herstellung von sowohl künstlerischen als auch Gebrauchsgegenständen aus Glas. Er betrachtete Glas als bildhauerisches Medium und fertigte Statuetten, Vasen, Schalen, Lampen und verschiedene Ornamente. Lalique verwendete Halbkristall anstelle von Bleikristall und begünstigte dessen weichere, formbarere Eigenschaften trotz seines geringeren Glanzes. Während er gelegentlich farbiges Glas verwendete, entschied er sich häufiger für opaleszierendes Glas, bei dem ein Teil oder die gesamte Außenfläche mit einer Lasur behandelt wurde. Laliques Beiträge erstreckten sich auf die Bereitstellung dekorativer Glasscheiben, Beleuchtungskörper und beleuchteter Glasdecken für die Ozeandampfer SS Île de France im Jahr 1927 und die SS Normandie im Jahr 1935 sowie für ausgewählte erstklassige Schlafwagen der französischen Eisenbahnen. Auf der Kunstgewerbeausstellung 1925 präsentierte er seinen eigenen Pavillon, entwarf einen Speisesaal mit Tischdekoration und passender Glasdecke für den Sèvres-Pavillon und entwarf einen Glasbrunnen für den Innenhof des Cours des Métiers – eine schlanke Glassäule, die an ihren Seiten Wasser ausstieß und nach Einbruch der Dunkelheit beleuchtet wurde.

Zu den anderen prominenten Art-déco-Glasproduzenten gehörte Marius-Ernest Sabino, dessen Fachwissen in der Kreation lag Figuren, Vasen, Schalen und Glasskulpturen mit Darstellungen von Fischen, Akten und Tieren. Für diese Kreationen verwendete er häufig opaleszierendes Glas, ein Material, dessen Farbe je nach Umgebungslichtbedingungen von Weiß über Blau bis hin zu Bernstein variieren kann. Charakteristisch für seine Vasen und Schalen waren geformte Friese mit Tieren, Akten oder Frauenbüsten, die mit Früchten oder Blumen geschmückt waren. Sabinos künstlerisches Schaffen war im Allgemeinen weniger zurückhaltend, aber lebendiger als das von Lalique.

Zu den weiteren prominenten Art-Déco-Glasdesignern gehörte Edmond Etling, der für seine leuchtenden Opaltöne bekannt ist, in die er oft geometrische Motive und skulpturale Akte einbezieht. Albert Simonet, Aristide Colotte und Maurice Marinot waren ebenfalls bemerkenswert, wobei Marinot besonders für seine tief gravierten skulpturalen Flaschen und Vasen bekannt war. Die Firma Daum aus Nancy, die zuvor für ihre Jugendstil-Glasarbeiten bekannt war, schuf anschließend eine Reihe von Art-Déco-Vasen und Glasskulpturen, die sich durch ihre massiven, geometrischen und substanziellen Formen auszeichnen. Im Gegensatz dazu wurden kompliziertere, mehrfarbige Stücke von Gabriel Argy-Rousseau gefertigt, der subtil schattierte Vasen mit geformten Schmetterlingen und Nymphen entwarf, und von François Decorchemont, dessen Vasen markante Streifen- und Marmormuster aufwiesen.

Die Weltwirtschaftskrise wirkte sich erheblich auf die dekorative Glasindustrie aus, die stark auf eine wohlhabende Kundschaft angewiesen war. Infolgedessen richteten einige Künstler ihre Bemühungen auf die Schaffung von Buntglasfenstern für kirchliche Aufträge. Im Jahr 1937 initiierte die Glasfirma Steuben ein Programm, bei dem renommierte Künstler mit der Gestaltung von Glaswaren beauftragt wurden. Insbesondere Louis Majorelle, berühmt für seine Jugendstilmöbel, entwarf ein außergewöhnliches Art-déco-Buntglasfenster mit der Darstellung von Stahlarbeitern für die Büros von Aciéries de Longwy, einem Stahlwerk in Longwy, Frankreich.

Ein seltenes Beispiel von Art-déco-Buntglasfenstern befindet sich in der Kapelle des Heiligen Herzens in der Kathedrale von Amiens, die zwischen 1932 und 1934 vom Pariser Glaskünstler Jean Gaudin nach Entwürfen von Jacques Le angefertigt wurde Bretonisch.

Metal-Kunst

Art-Déco-Praktizierende schufen eine Vielzahl funktionaler Objekte und nutzten dabei Industriematerialien von traditionellem Schmiedeeisen bis hin zu verchromtem Stahl. Der amerikanische Künstler Norman Bel Geddes entwarf beispielsweise ein von Wolkenkratzern inspiriertes Cocktail-Set aus verchromtem Stahl. Raymond Subes entwarf ein elegantes Metallgitter für den Eingang des Palais de la Porte Dorée, das als zentrales Element der Pariser Kolonialausstellung 1931 diente. Auch der französische Bildhauer Jean Dunand trug maßgeblich dazu bei, indem er 1935 prächtige Türen mit dem Thema „Die Jagd“ schuf, die mit Blattgold und Farbe auf Gips verziert waren.

Darstellungen in Belletristik

Art-Deco-Ästhetik und visuelle Motive wurden in zahlreiche Animationsfilme integriert, darunter Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia und Dornröschen. Darüber hinaus kommt der architektonische Stil in der fiktiven Unterwassermetropole Rapture innerhalb der Videospielreihe BioShock prominent zum Ausdruck.

Art-déco-visuelle Elemente dienten als architektonische Inspiration für Iacon City im animierten Science-Fiction-Film Transformers One.

Globale Art-Deco-Architektur

Während die Art-déco-Architektur 1939 ihren Ursprung in Europa hatte, waren ihre Beispiele in Großstädten auf allen Kontinenten und in fast jedem Land zu finden. Im Folgenden finden Sie eine Auswahl bemerkenswerter Bauwerke aus jedem Kontinent.

Afrika

Afrika

Die meisten Art-Déco-Bauwerke in Afrika wurden während der Zeit der europäischen Kolonialverwaltung errichtet, häufig unter der Entwurfsleitung italienischer, französischer und portugiesischer Architekten.

Asien

Während zahlreiche Art-Déco-Gebäude in Asien von europäischen Architekten entworfen wurden, waren auf den Philippinen lokale Architekten wie Juan Nakpil, Juan Arellano und Pablo Antonio besonders prominent. Obwohl viele Art-déco-Wahrzeichen in ganz Asien während der bedeutenden wirtschaftlichen Expansion des späten 20. Jahrhunderts abgerissen wurden, gibt es noch immer einige bemerkenswerte architektonische Enklaven, insbesondere in Shanghai und Mumbai.

Das 1929 in Mumbai gegründete Indian Institute of Architects hat die Art-déco-Bewegung maßgeblich vorangetrieben. Im November 1937 organisierte das Institut die „Ideal Home Exhibition“ im Rathaus von Mumbai, eine Veranstaltung, die 12 Tage dauerte und etwa 100.000 Besucher anzog. Diese Ausstellung wurde anschließend vom „Journal of the Indian Institute of Architects“ als Triumph gelobt. Die Ausstellungen zeigten optimale bzw. zeitgemäße Wohnkonfigurationen, wobei der Schwerpunkt auf sorgfältigem Design lag, um architektonische Mängel auszuschließen und hocheffiziente, durchdachte Prototypen zu präsentieren. Die Ausstellung umfasste verschiedene Haushaltskomponenten, darunter Möbel, Innendekorationselemente und Geräte wie Radios und Kühlschränke, die alle neuartige und wissenschaftlich relevante Materialien und Methoden beinhalteten. Angetrieben von dem Bestreben, westliche Trends widerzuspiegeln, waren indische Architekten von der industriellen Modernität des Art Deco fasziniert. Westliche Eliten erforschten zunächst die technologisch anspruchsvollen Aspekte des Art Déco, was Architekten dazu veranlasste, in den frühen 1930er Jahren mit seiner Integration zu beginnen.

In den 1930er Jahren förderte Mumbais aufkeimender Hafenhandel die Ausbreitung einer gebildeten Mittelschicht. Gleichzeitig wanderte ein Zustrom von Menschen auf der Suche nach Arbeit nach Mumbai, was die Nachfrage nach neuer Infrastruktur verstärkte. Dies erforderte eine umfangreiche Stadtentwicklung, einschließlich Landgewinnungsplänen und den Bau zahlreicher öffentlicher Gebäude und Wohngebäude. Gleichzeitig erleichterten die sich entwickelnde politische Landschaft innerhalb des Landes und der anspruchsvolle Charakter der Art-Déco-Ästhetik die weit verbreitete Übernahme dieses Architekturstils bei der Stadterweiterung. Eine beträchtliche Konzentration von Bauwerken aus dieser Zeit ist über verschiedene Stadtviertel verteilt, darunter Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra und Chembur.

Australien und Neuseeland

In Australien gibt es in Melbourne und Sydney mehrere markante Art-Déco-Bauwerke. Bemerkenswerte Beispiele in Melbourne sind das Manchester Unity Building und das ehemalige Russell Street Police Headquarters. Auch das Castlemaine Art Museum in Castlemaine im Zentrum von Victoria repräsentiert diesen Stil. Zu Sydneys bedeutenden Art-Deco-Gebäuden gehören das Grace Building, der AWA Tower und das Anzac Memorial.

Nach dem Erdbeben in Hawke's Bay im Jahr 1931 wurden mehrere neuseeländische Städte, insbesondere Napier und Hastings, im Art-Deco-Stil umgebaut. Viele dieser Gebäude wurden inzwischen geschützt und restauriert. Napier wurde für die Ernennung zum UNESCO-Weltkulturerbe vorgeschlagen und markiert damit Neuseelands erste Nominierung als Kulturstätte. Wellington bewahrt außerdem eine umfangreiche Sammlung von Art-déco-Architektur.

Nordamerika

In Kanada befinden sich erhaltene Art-Déco-Strukturen überwiegend in großen städtischen Zentren. Diese reichen von öffentlichen Gebäuden wie dem Rathaus von Vancouver bis hin zu Gewerbeimmobilien wie dem College Park und öffentlicher Versorgungsinfrastruktur, beispielhaft dargestellt durch die Wasseraufbereitungsanlage R. C. Harris.

Mexikos auffälligste Art-Déco-Manifestation ist das Innere des Palacio de Bellas Artes (Palast der Schönen Künste), der 1934 fertiggestellt wurde und sich durch sein aufwendiges Dekor und seine Wandgemälde auszeichnet. Im Stadtteil Condesa ist die Wohnarchitektur im Art-déco-Stil deutlich zu erkennen, wobei viele Entwürfe Francisco J. Serrano zugeschrieben werden.

In den gesamten Vereinigten Staaten ist die Art-déco-Architektur in Großstädten von Küste zu Küste weit verbreitet. Seine Anwendung fand am häufigsten in kommerziellen Gebäuden wie Bürogebäuden, Bahnhöfen, Flughafenterminals und Kinos statt, während Beispiele für Wohnzwecke eher selten sind. In den 1920er und 1930er Jahren integrierten Architekten im Südwesten der USA, insbesondere in New Mexico, Elemente des Pueblo Revival und des Territorial Style mit Art Deco, um „Pueblo Deco“ zu schmieden, ein Beispiel dafür ist das KiMo Theater in Albuquerque. In den 1930er Jahren kam der minimalistischere Streamline-Moderne-Stil auf. Obwohl zwischen 1945 und den späten 1960er Jahren zahlreiche Gebäude abgerissen wurden, begannen nachfolgende Denkmalschutzinitiativen, um erstklassige Beispiele zu schützen. Die Stadt Miami Beach hat beispielsweise den Miami Beach Architectural District gegründet, um ihre bedeutende Sammlung von Art-déco-Gebäuden zu bewahren.

Mittelamerika und die Karibik

Art-Déco-Strukturen sind in ganz Mittelamerika, einschließlich Kuba, verbreitet.

Europa

Der Art-Déco-Architekturstil hat seinen Ursprung in Paris, beispielhaft dargestellt durch Auguste Perrets Théâtre des Champs-Élysées (1910–13). Anschließend verbreitete es sich rasch in ganz Europa, wobei Vorkommen in großen städtischen Zentren von London bis Moskau entstanden. In den 1920er und 1930er Jahren erlebte Deutschland die Verbreitung zweier unterschiedlicher Art-Déco-Varianten: des Stils der Neuen Sachlichkeit und der expressionistischen Architektur. Prominente Beispiele sind Erich Mendelsohns Mossehaus und Schaubühne in Berlin, Fritz Högers Chilehaus in Hamburg und seine Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin sowie der Anzeigerturm in Hannover und der Borsigturm in Berlin.

Die Nationalbasilika des Heiligen Herzens in Koekelberg, Brüssel, gilt als eines der bedeutendsten Art-déco-Bauwerke Westeuropas. Im Jahr 1925 erhielt der Architekt Albert van Huffel den Großen Preis für Architektur für sein maßstabsgetreues Basilika-Modell auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.

Spanien und Portugal weisen bemerkenswerte Beispiele der Art-Déco-Architektur auf, die sich besonders in ihren Kinosälen zeigt. Zu den prominenten Beispielen in Portugal zählen das Capitólio-Theater (1931) und das Éden Cine-Theater (1937) in Lissabon, das Rivoli-Theater (1937) und das Coliseu (1941) in Porto sowie das Rosa-Damasceno-Theater (1937) in Santarém. Zu Spaniens Beiträgen gehört das Cine Rialto in Valencia (1939).

In den 1930er Jahren beeinflusste Art Deco maßgeblich die Gestaltung von Wohnhäusern und öffentlichen Gebäuden im gesamten Vereinigten Königreich. Zu den charakteristischen Merkmalen dieser Epoche gehörten geradlinige, weiß verputzte Hausfassaden, die in Flachdächern mündeten, deutlich geometrische Türeinfassungen, langgestreckte Fenster und konvex gekrümmte Eckfenster aus Metall.

Das Londoner U-Bahn-System ist bekannt für seine zahlreichen architektonischen Beispiele im Art-déco-Stil. Darüber hinaus befinden sich entlang der Golden Mile von Brentford mehrere Bauwerke in diesem Stil. In West-London wurde das Hoover Building, das ursprünglich für die Hoover Company errichtet wurde, in den frühen 1990er-Jahren in einen Supermarkt umgebaut.

Bukarest, historisch als „Klein-Paris“ des 19. Jahrhunderts bezeichnet, erlebte nach dem Ersten Weltkrieg eine bedeutende gestalterische Neuausrichtung und ließ sich dabei von New York City inspirieren. Die 1930er Jahre leiteten eine neue kulturelle Ästhetik ein, die Kino, Theater, Tanz, Kunst und Architektur beeinflusste. In diesem Jahrzehnt erlebte Bukarest eine starke Verbreitung der Art-Déco-Architektur, die sich an prominenten Durchgangsstraßen wie dem Bulevardul Magheru bis hin zu Privathäusern und kleineren Vierteln zeigte. Der Telefonpalast, ein frühes Wahrzeichen des modernen Bukarest, war der erste Wolkenkratzer der Stadt. Mit einer Höhe von 52,5 Metern (172 Fuß) blieb es von 1933 bis in die 1950er Jahre das höchste Bauwerk der Stadt. Der Entwurf wurde den Architekten Louis Weeks und Edmond van Saanen Algi zugeschrieben, wobei Walter Troy als Ingenieur fungierte. Diese Art-Deco-Denkmäler sind ein wesentlicher Bestandteil der Identität Bukarests und kennzeichnen eine entscheidende Zwischenkriegszeit (Erster bis Zweiter Weltkrieg) in seiner historischen Entwicklung. Allerdings sind die meisten dieser Bauwerke aus dieser Zeit anfällig für seismische Ereignisse, da Bukarest innerhalb einer Erdbebenzone liegt.

Art Deco in Südamerika

Die Präsenz des Art Deco in Südamerika ist besonders ausgeprägt in Ländern, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine starke Einwanderung erlebten, wobei bedeutende architektonische Beiträge in wohlhabenden Städten wie São Paulo und Rio de Janeiro in Brasilien, Buenos Aires in Argentinien und Montevideo in Uruguay zu finden waren. Das von Sánchez, Lagos und de la Torre entworfene Kavanagh-Gebäude in Buenos Aires (1934) ist ein Beispiel für den späten Art-Déco-Stil und wurde nach seiner Fertigstellung als höchstes Stahlbetonbauwerk anerkannt.

Konservierungsbemühungen und Neo-Art-Deco-Entwicklungen

In zahlreichen städtischen Zentren wurden Initiativen gestartet, um erhaltene Art-Déco-Strukturen zu schützen. In den Vereinigten Staaten wurden zahlreiche historische Art-déco-Kinos erhalten und zu Kulturzentren umfunktioniert. Darüber hinaus sind bescheidenere Art-Déco-Gebäude als Elemente des architektonischen Erbes Amerikas erhalten geblieben; Beispielsweise steht ein Art-Déco-Café und eine Tankstelle an der Route 66 in Shamrock, Texas, unter Denkmalschutz. Der Miami Beach Architectural District schützt aktiv Hunderte historischer Gebäude und schreibt vor, dass Neubauten der Art-Déco-Ästhetik entsprechen. Im Gegensatz dazu ist in Havanna, Kuba, eine beträchtliche Anzahl von Art-déco-Gebäuden stark verfallen. Derzeit laufen Restaurierungsbemühungen, um diese Strukturen wieder in ihren ursprünglichen Zustand zu versetzen.

Im 21. Jahrhundert entstanden in verschiedenen städtischen Zentren Amerikas zeitgenössische Varianten des Art Deco, die als Neo Art Deco (oder Neo-Art Deco) bezeichnet werden und sich von den typischen Art-Deco-Strukturen der 1920er und 1930er Jahre inspirieren ließen. Bemerkenswerte Beispiele sind der NBC Tower in Chicago, der auf das 30 Rockefeller Plaza in New York City verweist; das Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, mit Art-déco-Motiven, die an den Hoover-Staudamm erinnern; 99 Hudson in Jersey City, New Jersey, gilt als das höchste Gebäude des Staates und als das 46. höchste in den Vereinigten Staaten und zeichnet sich durch seine vom Art Deco beeinflussten linearen Details aus Kalkstein und Glas aus; und der Brooklyn Tower in Brooklyn, New York, das höchste Gebäude des Bezirks und das 19. höchste im ganzen Land, das sich durch sein schwarzes Glas und seine Bronzerohre auszeichnet.

Referenzen

Referenzen

Bibliographie

Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). Design des 20. Jahrhunderts (25. Jubiläumsausgabe). Köln: Taschen. S. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.

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  • Art Deco Miami Beach
  • Art Deco Montreal
  • Wohnzimmer-Innenarchitektur
  • Art Deco Shanghai
  • Art Deco Society New York
  • Art-Deco-Spaziergang in Montreal