Arts and Crafts movement

Die Arts-and-Crafts-Bewegung stellte einen internationalen künstlerischen Trend innerhalb der dekorativen und schönen Künste dar, der auf den Britischen Inseln entstand und sich am umfassendsten entwickelte, bevor er sich im gesamten Britischen Empire, Europa und Nordamerika verbreitete.

Diese Bewegung entstand als Reaktion auf den wahrgenommenen Qualitätsverlust der dekorativen Künste und ihrer Produktionsmethoden und blühte von etwa 1880 bis 1920 in ganz Europa und Nordamerika auf. Einige Wissenschaftler identifizieren sie als Vorläufer des Modern Style, einer britischen Manifestation, die sich später zur Art Nouveau-Bewegung entwickelte. Umgekehrt betrachten andere es als die Quintessenz des Jugendstils in England.

Eine andere Perspektive postuliert, dass die Arts-and-Crafts-Bewegung im Gegensatz zum Jugendstil steht, und kritisiert insbesondere die Einbeziehung industrieller Materialien wie Eisen durch den Jugendstil.

In Japan manifestierte sich die Bewegung in den 1920er Jahren als Mingei-Bewegung, die traditionelle Handwerkskunst betonte und häufig mittelalterliche, romantische oder volkstümliche Dekorationsstile einbezog. Sie setzte sich für wirtschaftliche und soziale Reformen ein und vertrat eine antiindustrielle Haltung. Die Bewegung beeinflusste die europäische Kunst bis zu ihrer Verdrängung durch die Moderne in den 1930er Jahren erheblich, doch ihre Prinzipien blieben unter Handwerkern, Designern und Stadtplanern über einen längeren Zeitraum bestehen.

Die Bezeichnung „Arts and Crafts“ wurde von T. J. Cobden-Sanderson während eines Treffens der Arts and Crafts Exhibition Society im Jahr 1887 geprägt, obwohl sich die zugrunde liegenden Prinzipien und die Ästhetik bereits mindestens zwei Jahrzehnte zuvor in England weiterentwickelt hatten. Die Bewegung ließ sich von den intellektuellen Beiträgen des Historikers Thomas Carlyle, des Kunstkritikers John Ruskin und des Designers William Morris inspirieren. In Schottland sind prominente Persönlichkeiten wie Charles Rennie Mackintosh eng mit seiner Entwicklung verbunden. Darüber hinaus waren Viollet le Ducs Schriften über Natur und gotische Kunst maßgeblich an der Gestaltung der ästhetischen Grundlagen der Arts-and-Crafts-Bewegung beteiligt.

Ursprünge und Einflüsse

Designreform

Die Arts and Crafts-Bewegung entstand aus Bemühungen, Design und Ornamentik Mitte des 19. Jahrhunderts in Großbritannien zu reformieren. Es stellte eine direkte Reaktion auf einen wahrgenommenen Verfall ästhetischer Standards dar, den die Reformer auf Industriemaschinen und Fabrikfertigung zurückführten. Diese Kritik wurde insbesondere durch die Exponate auf der Weltausstellung von 1851 verschärft, die sie als übermäßig verziert, künstlich und ohne Wertschätzung für Materialeigenschaften empfanden. Der Kunsthistoriker Nikolaus Pevsner stellte fest, dass diese Exponate „Unwissenheit über das Grundbedürfnis bei der Schaffung von Mustern, die Integrität der Oberfläche“, zeigten und „Vulgarität im Detail“ aufwiesen.

Initiativen zur Designreform wurden von den Ausstellungsorganisatoren Henry Cole (1808–1882), Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) und Richard Redgrave (1804–1888) angeführt, die allesamt übermäßige Verzierungen und unpraktische oder schlecht verarbeitete Gegenstände verurteilten. Die Organisatoren äußerten eine „einstimmige Verurteilung der Ausstellungen“. Owen Jones beispielsweise beklagte, dass „der Architekt, der Polsterer, der Papierbeize, der Weber, der Kattundrucker und der Töpfer“ „Neuheit ohne Schönheit oder Schönheit ohne Intelligenz“ hervorbrachten. Diese Kritik an hergestellten Produkten führte anschließend zur Veröffentlichung mehrerer Werke, in denen dargelegt wurde, was ihre Autoren als solide Designprinzipien betrachteten. Richard Redgraves Supplementary Report on Design (1852) analysierte akribisch Design- und Ornamentprinzipien und plädierte für „mehr Logik bei der Anwendung von Dekoration“.

Nachfolgende Veröffentlichungen setzten diesen thematischen Schwerpunkt fort, darunter Wyatts Industrial Arts of the Nineteenth Century (1853), Gottfried Sempers Wissenschaft, Industrie und Kunst („Science, Industry and Art") (1852), Ralph Wornums Analysis of Ornament (1856), Redgraves Manual of Design (1876) und Jones' Grammar of Ornament (1856). Bemerkenswert ist, dass Grammar of Ornament großen Einfluss erlangte, als es als akademischer Preis weit verbreitet war und bis 1910 neun Nachdrucke erlebte.

Jones behauptete, dass die Verzierung dem Objekt, das sie schmückt, untergeordnet sein sollte, und betonte die Notwendigkeit einer angemessenen Beziehung zwischen der Verzierung und dem dekorierten Gegenstand. Er legte außerdem fest, dass Muster auf Tapeten und Teppichen ausschließlich eine flache oder ebene Oberfläche hervorrufen sollten. Im Gegensatz zur Vorliebe der Weltausstellung für möglichst realistisch wiedergegebene Naturmotive setzten sich diese Autoren für vereinfachte, zweidimensionale Naturmotive ein. Redgrave seinerseits vertrat die Auffassung, dass echter „Stil“ eine robuste Bauweise vor jeglicher Verzierung sowie ein gründliches Verständnis der Materialqualität erfordere. Er erklärte bekanntlich: „Nützlichkeit muss Vorrang vor Verzierung haben.“

Trotzdem stimmten die Designreformer Mitte des 19. Jahrhunderts nicht vollständig mit den Prinzipien überein, die später von der Arts-and-Crafts-Bewegung übernommen wurden. Ihr Hauptaugenmerk lag weiterhin auf der Verzierung und nicht auf struktureller Integrität, sie zeigten ein unzureichendes Verständnis für Herstellungsprozesse und verzichteten auf direkte Kritik an industriellen Produktionsmethoden. Im krassen Gegensatz dazu umfasste die Arts-and-Crafts-Bewegung sowohl Design als auch soziale Reformen, wobei ihre prominenten Persönlichkeiten diese beiden Aspekte als untrennbar betrachteten.

A. W. N. Pugin

Augustus Pugin (1812–1852), eine prominente Persönlichkeit der Architekturbewegung des neugotischen Stils, war ein Vorbote mehrerer Grundprinzipien der Arts-and-Crafts-Philosophie. Er vertrat Prinzipien wie die Treue zu Material, Struktur und Funktion und spiegelte damit die spätere Befürwortung von Kunsthandwerkern wider. Pugin brachte auch die kritische Neigung sozialer Kommentatoren zum Ausdruck, die Mängel der heutigen Gesellschaft – einschließlich der Zersiedelung und der Not der Verarmten – den wahrgenommenen Tugenden des Mittelalters gegenüberzustellen, ein vergleichender Ansatz, der für Ruskin, Morris und die Arts-and-Crafts-Bewegung zur Standardpraxis wurde. Seine Veröffentlichung Contrasts aus dem Jahr 1836 präsentierte Illustrationen fehlerhafter moderner Architektur und Stadtplanung im Gegensatz zu beispielhaften mittelalterlichen Gegenstücken. Die Biografin Rosemary Hill stellt fest, dass Pugin „fast nebenbei zu Schlussfolgerungen über die Bedeutung von Handwerkskunst und Tradition in der Architektur gelangte, die erst im weiteren Verlauf des Jahrhunderts und durch die gemeinsamen Anstrengungen von Ruskin und Morris im Detail ausgearbeitet werden konnten.“ Darüber hinaus charakterisiert Hill die minimalistische Einrichtung, die Pugin für ein Gebäude aus dem Jahr 1841 spezifizierte, insbesondere „Stühle aus Binsenholz und Eichentische“, als „künstliches und handwerkliches Interieur im Embryo“.

John Ruskin

Die philosophischen Grundlagen der Arts-and-Crafts-Bewegung gingen größtenteils auf John Ruskins Gesellschaftskritik zurück, die wiederum tiefgreifend von Thomas Carlyles Schriften geprägt war. Ruskin postulierte einen direkten Zusammenhang zwischen dem moralischen und sozialen Wohlergehen einer Nation und den Merkmalen ihrer Architektur sowie der intrinsischen Natur ihrer Arbeit. Er bezeichnete die durch die Industrielle Revolution eingeführte mechanisierte Produktion und spezialisierte Arbeitsteilung als „unterwürfige Arbeit“ und behauptete, dass eine tugendhafte und blühende Gesellschaft autonome Arbeiter erfordere, die ihre eigenen Kreationen konzipierten und ausführten. Ruskin hielt fabrikgefertigte Gegenstände für „unehrlich“ und befürwortete stattdessen Handarbeit und Handwerkskunst als Prozesse, die der Arbeit Würde verleihen.

Künstlerisch ließ sich Ruskin von seinem Zeitgenossen Viollet-le-Duc inspirieren, dessen Werk er allen seinen Schülern vorstellte. In einem Briefwechsel mit einem Schüler sagte Ruskin bekanntlich: „Es gibt nur ein Buch über Architektur von Wert, und das enthält zu Recht alles: das Wörterbuch von Monsieur Viollet-le-Duc. Jeder Architekt muss Französisch lernen.“ Darüber hinaus vermuten einige Wissenschaftler, dass Viollet-le-Ducs Einfluss Ruskins Einfluss auf die Arts-and-Crafts-Bewegung im Jahr 1860 ablöste.

Ruskins Anhänger gaben der handwerklichen Produktion Vorrang vor der industriellen Fertigung und äußerten ihre Besorgnis über die Erosion traditioneller Fertigkeiten. Ihr Hauptanliegen galt jedoch den gesellschaftlichen Auswirkungen des Fabriksystems und nicht den Maschinen selbst. William Morris‘ Konzeption von „Handwerk“ bezeichnete im Wesentlichen Arbeit, die ohne Aufgabenteilung ausgeführt wird, und nicht Arbeit, die völlig ohne mechanische Hilfe auskommt. Während Morris Ruskins „Die sieben Lampen der Architektur“ und „Die Steine ​​von Venedig“ sehr schätzte und sich mit „Moderne Maler“ beschäftigt hatte, teilte er Ruskins Bewunderung für J. M. W. Turner nicht, und seine eigenen künstlerischen Kommentare deuten auf ein allgemeines Desinteresse an der Staffeleimalerei hin. Umgekehrt widersetzte sich Ruskin entschieden dem aufkommenden Arts-and-Crafts-Grundsatz, dass die Dekoration flach sein und die Darstellung dreidimensionaler Formen vermeiden sollte.

William Morris

William Morris (1834–1896) entwickelte sich zur herausragenden Persönlichkeit des Designs des späten 19. Jahrhunderts und zum Hauptkatalysator der Arts-and-Crafts-Bewegung. Die ästhetischen und sozialen Prinzipien der Bewegung gingen auf Konzepte zurück, die Morris in den 1850er Jahren mit dem Birmingham Set entwickelte, einer Kohorte von Studenten der Universität Oxford, darunter Edward Burne-Jones, die eine Wertschätzung für romantische Literatur mit einem Engagement für soziale Reformen verbanden. John William Mackail stellte fest, dass Carlyles „Past and Present“ für diese Gruppe als maßgeblicher und göttlich inspirierter Text den gleichen Status hatte wie Ruskins „Modern Painters“. Der in Malorys Morte d'Arthur erkennbare Mittelalterstil bildete den Maßstab für ihren frühen künstlerischen Stil. Wie Burne-Jones es ausdrückte, bestand ihr Ziel darin, „einen heiligen Krieg gegen die Zeit zu führen“.

Morris experimentierte anschließend mit verschiedenen Handwerken und entwarf Möbel und Innenräume. Sein persönliches Engagement erstreckte sich sowohl auf die Fertigung als auch auf das Design, ein charakteristisches Merkmal der Arts and Crafts-Bewegung. John Ruskin hatte zuvor behauptet, dass die Trennung zwischen dem intellektuellen Akt des Entwurfs und dem manuellen Akt der physischen Schöpfung sowohl aus sozialer als auch aus ästhetischer Sicht schädlich sei. Morris führte dieses Konzept weiter aus und legte fest, dass in seinen Werkstätten nicht mit der Arbeit begonnen werden dürfe, bis er persönlich die erforderlichen Techniken und Materialien beherrschte, und behauptete, dass „die Menschen ohne würdige, kreative menschliche Beschäftigung vom Leben abgekoppelt wurden.“

Im Jahr 1861 begann Morris mit der kommerziellen Produktion von Möbeln und Dekorationsgegenständen, wobei er sich bei seinen Entwürfen an mittelalterlicher Ästhetik orientierte und kräftige Formen und leuchtende Farben verwendete. Seine Muster bezogen häufig Flora und Fauna ein, während seine Produkte von den einheimischen oder häuslichen Traditionen inspiriert waren, die auf dem britischen Land vorherrschen. Bestimmte Stücke wurden absichtlich unvollendet gelassen, um die natürliche Schönheit der Materialien und das Können des Handwerkers hervorzuheben und so eine rustikale Ästhetik zu erreichen. Morris zielte darauf ab, alle künstlerischen Disziplinen in den häuslichen Bereich zu integrieren und dabei natürliche Elemente und formale Einfachheit zu betonen.

Soziale und Designprinzipien

Im Gegensatz zu ihren amerikanischen Kollegen hegten die meisten britischen Kunsthandwerker eine starke, wenn auch etwas inkonsistente, negative Einstellung gegenüber Maschinen. Sie stellten sich „den Handwerker“ als autonomes, kreatives Individuum vor, das Handarbeit verrichtete, während sie „die Maschine“ als seelenlos, repetitiv und entmenschlichend wahrnahmen. Diese dichotomen Perspektiven stammen teilweise aus John Ruskins (1819–1900) „The Stones of Venice“, einer Architekturgeschichte Venedigs, die eine starke Kritik des modernen Industrialismus enthielt, ein Text, auf den sich Arts-and-Crafts-Designer immer wieder bezogen. Dieses inhärente Misstrauen gegenüber Maschinen führte um 1900 zur Entstehung zahlreicher kleiner Werkstätten, die sich von der industriellen Welt fernhielten und vorindustrielle Methoden nutzten, um das zu produzieren, was sie „Handwerk“ nannten.

Kritik der Industrie

William Morris schloss sich Ruskins Kritik an der Industriegesellschaft an und verurteilte zu verschiedenen Zeiten die moderne Fabrik, den Einsatz von Maschinen, die Arbeitsteilung, den Kapitalismus und die Erosion traditioneller Handwerksmethoden. Seine Haltung gegenüber Maschinen war jedoch widersprüchlich. Während er die maschinelle Produktion einst als „durch und durch ein Übel“ bezeichnete, gab er auch bei anderen Gelegenheiten Arbeiten bei Herstellern in Auftrag, die seinen Qualitätsansprüchen mit mechanischer Unterstützung gerecht werden konnten. Morris postulierte, dass in einer „wahren Gesellschaft“, in der weder Luxusgüter noch minderwertige Produkte hergestellt würden, Maschinen verfeinert und genutzt werden könnten, um die Arbeitszeit zu verkürzen. Die Kulturhistorikerin Fiona McCarthy bemerkte, dass „William Morris im Gegensatz zu späteren Eiferern wie Gandhi keine praktischen Einwände gegen den Einsatz von Maschinen per se hatte, solange die Maschinen die von ihm benötigte Qualität lieferten.“

Morris vertrat die Auffassung, dass der Künstler als manuell arbeitender Handwerker-Designer fungieren sollte und sich für eine Gesellschaft unabhängiger Handwerker einsetzte, ein Modell, das seiner Meinung nach im Mittelalter existiert hatte. Er schrieb: „Weil die Handwerker Freude an ihrer Arbeit hatten, war das Mittelalter eine Zeit der Größe in der Kunst des einfachen Volkes. ... Die Schätze in unseren Museen sind heute nur noch die alltäglichen Utensilien, die in den Haushalten dieser Zeit verwendet wurden, als Hunderte mittelalterlicher Kirchen – jede ein Meisterwerk – von einfachen Bauern gebaut wurden.“ Die mittelalterliche Kunst diente als grundlegendes Modell für einen Großteil des Arts-and-Crafts-Designs und die Bewegung idealisierte das mittelalterliche Leben, die Literatur und die Architektur.

Die Anhänger von Morris hatten unterschiedliche Ansichten über Industriemaschinen und das Fabriksystem. C. R. Ashbee, eine prominente Persönlichkeit innerhalb der Arts-and-Crafts-Bewegung, formulierte 1888: „Wir lehnen die Maschine nicht ab, wir begrüßen sie. Aber wir würden uns wünschen, dass sie beherrscht wird.“ Nach seinem erfolglosen Versuch, seiner Gilde und Handwerksschule zeitgenössische Fertigungstechniken entgegenzustellen, räumte Ashbee ein, dass „die moderne Zivilisation auf Maschinen beruht“. Dennoch kritisierte er weiterhin die schädlichen Auswirkungen dessen, was er als „Mechanismus“ bezeichnete, und behauptete, dass „die Produktion bestimmter mechanischer Waren ebenso schädlich für die nationale Gesundheit ist wie die Produktion von von Sklaven angebautem Zuckerrohr oder von Kindern geschwitzten Waren.“ Im Gegensatz dazu integrierte William Arthur Smith Benson die Arts-and-Crafts-Ästhetik bereitwillig in Metallarbeiten, die unter industriellen Bedingungen hergestellt wurden.

Morris und seine Anhänger hielten die industrielle Arbeitsteilung für unerwünscht; Das Ausmaß, in dem Designer jeden Aspekt ihrer Kreationen persönlich umsetzen sollten, blieb jedoch ein umstrittenes Thema. Nicht alle Praktiker des Kunsthandwerks führten jeden Produktionsschritt selbst durch, und die vollständige Integration von Design und Ausführung wurde erst im 20. Jahrhundert zu einem bestimmenden Merkmal des Handwerks. Trotz Morris‘ bekanntem praktischem Engagement in zahlreichen Handwerken, darunter Weben, Färben, Drucken, Kalligraphie und Stickerei, empfand er die Trennung von Designer und Ausführendem innerhalb seiner eigenen Produktionsbetriebe nicht als problematisch. Umgekehrt lehnte Walter Crane, ein enger politischer Verbündeter von Morris, die Arbeitsteilung sowohl aus ethischen als auch aus ästhetischen Gründen vehement ab und plädierte für die einheitliche Ausführung von Design und Produktion durch eine einzige Person. Lewis Foreman Day, ein Freund und Zeitgenosse von Crane, der seine tiefe Bewunderung für Morris teilte, widersprach Cranes Position entschieden. Day argumentierte, dass die Trennung von Design und Ausführung nicht nur eine unvermeidliche Folge der Moderne sei, sondern auch eine Spezialisierung, die Exzellenz sowohl in der Konzeptualisierung als auch in der Fertigung fördere.

Eine begrenzte Anzahl der Gründer der Arts and Crafts Exhibition Society verlangte, dass der Designer auch als Hersteller fungierte, obwohl sie der Anerkennung des Handwerkers Priorität einräumten, eine Praxis, die sich in ihren Ausstellungskatalogen widerspiegelte. Peter Floud stellte in seiner Analyse aus den 1950er Jahren fest, dass „die Gründer der Gesellschaft … nie ihre eigenen Entwürfe ausführten, sondern sie ausnahmslos kommerziellen Firmen übergaben.“ Das Konzept des Designers als Hersteller und des Herstellers als Designer entstand „nicht aus Morris oder den frühen Arts-and-Crafts-Lehren, sondern vielmehr aus der Ausarbeitungsdoktrin der zweiten Generation, die im ersten Jahrzehnt des [zwanzigsten] Jahrhunderts von Männern wie W. R. Lethaby ausgearbeitet wurde.“

Sozialismus

Eine beträchtliche Anzahl von Designern, die mit der Arts-and-Crafts-Bewegung in Verbindung standen, waren Sozialisten, darunter prominente Persönlichkeiten wie Morris, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, C. R. Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner und A. H. Mackmurdo. In den frühen 1880er Jahren widmete Morris einen größeren Teil seiner Bemühungen der Förderung sozialistischer Ideale als seiner Design- und Handwerksarbeit. Ashbee beispielsweise gründete die Guild of Handicraft, eine Handwerkergemeinschaft, die zunächst im Osten Londons ansässig war und später nach Chipping Campden umzog. Umgekehrt plädierten nichtsozialistische Anhänger wie Alfred Hoare Powell für eine einfühlsamere und individuellere Dynamik zwischen Arbeitgebern und Arbeitnehmern. Lewis Foreman Day, ein weiterer versierter und einflussreicher Arts-and-Crafts-Designer, war trotz seiner dauerhaften Freundschaft mit Crane kein Sozialist.

Assoziation mit anderen Reformbewegungen

Innerhalb Großbritanniens unterhielt die Arts and Crafts-Bewegung Verbindungen zu verschiedenen Reforminitiativen, darunter der Kleiderreform, dem Landleben, der Gartenstadtbewegung und der Wiederbelebung der Volkslieder. Diese Bewegungen waren bis zu einem gewissen Grad durch das übergeordnete Prinzip des „einfachen Lebens“ vereint. In Kontinentaleuropa konzentrierten sich die Zugehörigkeiten der Bewegung auf die Bewahrung nationaler Traditionen in den Bereichen Baupraktiken, angewandte Kunst, Wohndesign und Kostüme.

Entwicklung

Morris‘ Entwürfe gewannen schnell an Bedeutung und erregten große Aufmerksamkeit, als die Kreationen seines Unternehmens auf der Internationalen Ausstellung 1862 in London präsentiert wurden. Ein wesentlicher Teil dieses frühen Werks wurde direkt von Viollet le Ducs Dictionnaire inspiriert. Ursprünglich war Morris & Co. übernahm vor allem Aufträge für kirchliche Einrichtungen, wobei Morris bemerkenswerte Innenarchitekturprojekte im St. James's Palace und im South Kensington Museum (heute bekannt als Victoria and Albert Museum) sicherte. In der Folge erlangte sein Werk großen Anklang bei der Mittel- und Oberschicht, eine Entwicklung, die trotz seines erklärten Ehrgeizes, eine demokratische Kunstform zu fördern, erfolgte. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts war die Arts-and-Crafts-Ästhetik zum vorherrschenden Stil für die Wohnarchitektur und Inneneinrichtung in ganz Großbritannien geworden und hatte sogar Einfluss auf Produkte, die durch herkömmliche industrielle Prozesse hergestellt wurden.

Die Verbreitung der Arts-and-Crafts-Prinzipien im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert führte zur Entstehung zahlreicher Vereinigungen und Handwerksgemeinschaften. Allerdings war Morris selbst aufgrund seines gleichzeitigen Engagements für sozialistische Anliegen nur minimal an diesen Gruppen beteiligt. Allein in Großbritannien wurden 130 Kunsthandwerksorganisationen gegründet, die meisten davon zwischen 1895 und 1905.

Im Jahr 1881 gründeten Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler und andere Mitarbeiter die Home Arts and Industries Association. Ihr Ziel bestand darin, Einzelpersonen der Arbeiterklasse, insbesondere in ländlichen Gebieten, zu ermutigen, sich unter Aufsicht an der Handarbeit zu beteiligen. Diese Initiative wurde nicht von Profitmotiven angetrieben, sondern zielte darauf ab, nützliche Beschäftigungen zu schaffen und ein verbessertes ästhetisches Empfinden unter den Teilnehmern zu fördern. Bis 1889 war der Verein auf 450 Klassen angewachsen, die von 1.000 Lehrern betreut wurden und 5.000 Schüler unterrichteten.

Im Jahr 1882 gründete der Architekt A.H. Mackmurdo die Century Guild, eine Kooperation von Designern, zu der Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton und Benjamin Creswick gehörten.

Die Art Workers Guild wurde 1884 von gegründet fünf aufstrebende Architekten: William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney und Gerald C. Horsley. Ihr vorrangiges Ziel war es, die bildende und angewandte Kunst zu integrieren und deren berufliches Ansehen zu heben. Als Direktor fungierte zunächst George Blackall Simonds. Bis 1890 war die Mitgliederzahl der Gilde auf 150 angewachsen, was die wachsende Zahl von Praktikern widerspiegelte, die sich dem Arts and Crafts-Stil verschrieben hatten. Die Organisation ist bis heute aktiv.

Liberty & Co., ein 1875 gegründetes Londoner Kaufhaus, entwickelte sich zu einem bedeutenden Einzelhändler für Waren im Arts-and-Crafts-Stil sowie für die von Anhängern der Bewegung bevorzugte „künstlerische Kleidung“.

Im Jahr 1887 wurde die Arts and Crafts Exhibition Society, die letztendlich der breiteren Bewegung ihren Namen gab, offiziell mit Walter Crane als Präsident gegründet. Im November 1888 veranstaltete die Gesellschaft ihre Eröffnungsausstellung in der New Gallery in London. Diese Veranstaltung markierte die erste bedeutende Ausstellung zeitgenössischer dekorativer Kunst in London seit der Winterausstellung der Grosvenor Gallery im Jahr 1881. Morris & Co. war umfangreich vertreten und präsentierte Möbel, Stoffe, Teppiche und Stickereien. Edward Burne-Jones bemerkte zur Bedeutung der Ausstellung: „Hier kann man zum ersten Mal ein wenig den Wandel messen, der in den letzten zwanzig Jahren stattgefunden hat.“ Die Gesellschaft firmiert weiterhin unter ihrem derzeitigen Namen, der Society of Designer Craftsmen.

Im Jahr 1888 gründete C.R. Ashbee, ein bemerkenswerter später Vertreter des Arts and Crafts-Stils in England, die Guild and School of Handicraft im Londoner East End. Diese Zunft fungierte als Handwerksgenossenschaft nach dem Vorbild mittelalterlicher Zünfte mit der Absicht, die Zufriedenheit der Arbeiter mit dem Handwerk zu fördern. Erfahrene Handwerker, die nach den philosophischen Grundsätzen von Ruskin und Morris arbeiteten, wurden mit der Herstellung handgefertigter Waren und der Leitung einer Lehrlingsschule beauftragt. Während die Initiative auf breite Begeisterung stieß, tat Morris, der sich damals intensiv für die Förderung des Sozialismus engagierte, Ashbees Unterfangen als trivial ab. Die Gilde florierte von 1888 bis 1902 und beschäftigte etwa 50 Männer. Im Jahr 1902 verlegte Ashbee die Gilde von London nach Chipping Campden in den Cotswolds mit dem Ziel, eine experimentelle Gemeinschaft zu gründen. Die charakteristische Arbeit der Gilde zeichnete sich durch schlichte Oberflächen aus gehämmertem Silber, komplizierte fließende Drahtarbeiten und einfach gefasste farbige Steine ​​aus. Ashbee selbst entwarf Schmuck und Silbergeschirr. Obwohl die Gilde in Chipping Campden kreativ florierte, erreichte sie keinen finanziellen Wohlstand und wurde schließlich 1908 aufgelöst. Dennoch blieben einige Handwerker in der Gegend und trugen so zur dauerhaften Tradition des modernen Handwerks in der Region bei.

C.F.A. Voysey (1857–1941) war ein Kunst- und Handwerksarchitekt, der sich auch durch die Gestaltung von Stoffen, Fliesen, Keramik, Möbeln und Metallarbeiten auszeichnete. Sein unverwechselbarer Stil verband Schlichtheit harmonisch mit Raffinesse. Seine Tapeten und Textilien, die sich durch stilisierte Vogel- und Pflanzenmotive mit kräftigen Umrissen und matten Farben auszeichnen, erlangten große Popularität.

Morris' philosophische Beiträge beeinflussten maßgeblich die distributistische Ideologie von G. K. Chesterton und Hilaire Belloc.

Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts hatten die Prinzipien der Arts-and-Crafts-Bewegung verschiedene Bereiche durchdrungen, darunter Architektur, Malerei, Skulptur, Grafikdesign, Illustration, Buchproduktion, Fotografie, häusliche Ästhetik und dekorative Kunst, darunter Möbel, Holzarbeiten, Glasmalerei, Lederarbeiten, Spitzenherstellung, Stickereien, Teppichherstellung, Weberei, Schmuck, Metallarbeiten, Emaillieren und Keramik. Im Jahr 1910 zeichnete sich ein weit verbreiteter Trend zu „Kunsthandwerk“ und handgefertigten Gegenständen ab. Diese Popularität führte zu einer Zunahme von Amateur-Kunsthandwerken von uneinheitlicher Qualität und zum Aufkommen ungelernter Nachahmer, was in der Folge die öffentliche Wahrnehmung schmälerte und dazu führte, dass die Arts-and-Crafts-Bewegung im Vergleich zu Standard-Massenprodukten als minderwertig in Kompetenz und Nützlichkeit angesehen wurde.

Die Arts and Crafts Exhibition Society organisierte von 1888 bis 1916 elf Ausstellungen. Als der Krieg 1914 ausbrach, erlebte die Gesellschaft jedoch einen Niedergang und war mit einer schweren Krise konfrontiert. Seine Ausstellung im Jahr 1912 hatte zu finanziellen Verlusten geführt. Gleichzeitig leisteten Designer in Kontinentaleuropa Pionierarbeit bei Innovationen und knüpften Industriepartnerschaften durch Unternehmungen wie den Deutschen Werkbund, und in Großbritannien entstanden neue Initiativen wie die Omega Workshops und die Design in Industries Association. Im Gegensatz dazu zog sich die Arts and Crafts Exhibition Society, die damals von einer etablierten Führung geleitet wurde, aus kommerziellem Engagement und der Zusammenarbeit mit Herstellern zurück und priorisierte puristische Handarbeit und das, was Tania Harrod als „Dekommoditisierung“ bezeichnete. Diese Weigerung, eine kommerzielle Funktion anzunehmen, wird oft als entscheidender Moment in der Entwicklung der Gesellschaft angesehen. Nikolaus Pevsner charakterisiert in seinem Werk Pioneers of Modern Design die Arts and Crafts-Bewegung als radikale Designer, die die moderne Bewegung beeinflussten, sich aber letztendlich nicht anpassten und anschließend von ihr verdrängt wurden.

Nachträgliche Einflüsse

Bernard Leach, ein britischer Künstler und Töpfer, führte in England zahlreiche Konzepte ein, die er in Japan zusammen mit dem Gesellschaftskritiker Yanagi Soetsu gepflegt hatte und die die ethische und gesellschaftliche Bedeutung einfacher Handwerke betrafen; Beide Personen waren glühende Bewunderer von Ruskins Schriften. Leach förderte aktiv diese Ideen, die in der Zwischenkriegszeit bei Handwerkspraktikern großen Anklang fanden. Er artikulierte sie in dem 1940 veröffentlichten Werk „A Potter's Book“, das die Industriegesellschaft mit einer Heftigkeit verurteilte, die mit der von Ruskin und Morris vergleichbar war. Folglich blieb die Arts-and-Crafts-Philosophie unter den britischen Handwerkern in den 1950er und 1960er Jahren bestehen, weit über den formellen Abschluss der Arts-and-Crafts-Bewegung hinaus und während des Höhepunkts der Moderne. Auch britische Gebrauchsmöbel aus den 1940er Jahren ließen sich von den Prinzipien des Arts and Crafts inspirieren.

Gordon Russell, ein prominenter Verfechter und Vorsitzender des Utility Furniture Design Panel, wurde stark von den Konzepten des Arts and Crafts beeinflusst. Er gründete die Möbelherstellung in den Cotswold Hills, einem Gebiet, das seit der Zeit von Ashbee für die Herstellung von Kunsthandwerksmöbeln bekannt ist, und war außerdem Mitglied der Arts and Crafts Exhibition Society. Fiona MacCarthy, die Biografin von William Morris, identifizierte die zugrunde liegende Arts-and-Crafts-Philosophie in verschiedenen Kontexten, darunter beim Festival of Britain (1951), den Entwürfen von Terence Conran (1931–2020) und der Gründung des British Crafts Council in den 1970er Jahren.

Regionale Übersicht

Die Britischen Inseln

Schottland

Die Arts and Crafts-Bewegung in Schottland entstand mit der Wiederbelebung der Glasmalerei in den 1850er Jahren, angeführt von James Ballantine (1806–1877). Zu seinen bedeutenden Beiträgen gehörten das große Westfenster der Dunfermline Abbey und der umfassende Entwurf für die St. Giles Cathedral in Edinburgh. In Glasgow wurde die Bewegung von Daniel Cottier (1838–1891) ins Leben gerufen, der wahrscheinlich bei Ballantine ausgebildet wurde und direkt von William Morris, Ford Madox Brown und John Ruskin inspiriert wurde. Bemerkenswert unter seinen Werken ist die Taufe Christi in der Paisley Abbey (um 1880). Zu seinen Schülern gehörten Stephen Adam und sein gleichnamiger Sohn.

Christopher Dresser (1834–1904), ein in Glasgow geborener Designer und Theoretiker, entwickelte sich zu einem der frühesten und bedeutendsten unabhängigen Designer, spielte eine zentrale Rolle in der ästhetischen Bewegung und leistete wesentliche Beiträge zur damit verbundenen anglo-japanischen Bewegung. Die Bewegung erlebte in Schottland eine „außergewöhnliche Blüte“, die durch die Entwicklung des „Glasgow-Stils“ gekennzeichnet war, der sich auf das künstlerische Talent der Glasgow School of Art stützte. Eine keltische Wiederbelebung gewann in dieser Region an Bedeutung und führte zur Popularisierung von Motiven wie der Glasgower Rose. Charles Rennie Mackintosh (1868–1928) und die Glasgow School of Art übten in der Folge weltweiten Einfluss aus.

Wales

Der Kontext in Wales unterschied sich von dem in anderen Teilen des Vereinigten Königreichs. Während die Arts-and-Crafts-Bewegung in erster Linie als Wiederbelebung-Initiative für das Handwerk fungierte, pflegte Wales zumindest bis zum Ersten Weltkrieg eine authentische Handwerkstradition. Einheimische Materialien wie Stein und Ton wurden routinemäßig verwendet.

Innerhalb der Arts-and-Crafts-Bewegung erlangte Schottland Anerkennung für seine Glasmalereien, während Wales für seine Töpferwaren berühmt wurde. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts waren die traditionellen schweren Salzglasuren, die lange Zeit von regionalen Kunsthandwerkern verwendet wurden, in Ungnade gefallen, vor allem aufgrund der wettbewerbsfähigen Preise für Massenkeramik. Dennoch förderte die Arts and Crafts-Bewegung eine erneute Wertschätzung dieser traditionellen Werke. Im Jahr 1885 besuchte Horace W. Elliot, ein englischer Galerist, die im 17. Jahrhundert gegründete Ewenny Pottery. Sein Ziel war es, lokale Artefakte zu erwerben und einen Stil zu fördern, der den Prinzipien der Bewegung entsprach. Die Gegenstände, die er in den folgenden zwei Jahrzehnten in London ausstellte, belebten das Interesse an walisischer Keramik erheblich.

Owen Morgan Edwards entwickelte sich zu einem zentralen Befürworter der Arts and Crafts-Bewegung in Wales. Als reformorientierter Politiker setzte sich Edwards dafür ein, den walisischen Nationalstolz durch die Förderung seiner Sprache und seines historischen Erbes wiederzubeleben. Er behauptete: „Es gibt nichts, was Wales mehr erfordert als eine Ausbildung in Kunst und Handwerk.“ Allerdings war Edwards' Hauptmotivation eher das Wiederaufleben des walisischen Nationalismus als eine ästhetische Wertschätzung für Glasuren oder rustikale Handwerkskunst.

Architektonisch bemühte sich Clough Williams-Ellis, das Interesse an historischen Bautechniken wiederzubeleben, insbesondere durch die Wiedereinführung der „gestampften Erde“ oder des Pisé-Baus in Großbritannien.

Irland

Die Bewegung weitete ihren Einfluss auf Irland aus und markierte damit eine bedeutende Periode für die kulturelle Entwicklung des Landes. Es diente als visuelle Parallele zur zeitgenössischen Wiederbelebung der Literatur und trug zum Ausdruck des irischen Nationalismus bei. Die Verwendung von Buntglas im Rahmen des Kunsthandwerks erfreute sich in Irland großer Beliebtheit, insbesondere durch die Werke von Harry Clarke, dem berühmtesten Künstler, und Evie Hone. Zu den architektonischen Beispielen dieses Stils gehört die Honan-Kapelle (1916) in der Stadt Cork, die sich auf dem Campus des University College Cork befindet. Zu den weiteren in Irland tätigen Architekten gehörten Sir Edwin Lutyens, verantwortlich für das Heywood House in der Grafschaft Laois, Lambay Island, und die Irish National War Memorial Gardens in Dublin, sowie Frederick „Pa“ Hicks, der Bauwerke für das Malahide Castle-Anwesen und seinen runden Turm entwarf. Irische keltische Motive wurden von der Bewegung in verschiedenen Handwerken weithin übernommen, darunter Silberschmiedearbeiten, Teppichdesign, Buchillustrationen und handgeschnitzte Möbel.

Kontinentaleuropa

In ganz Kontinentaleuropa war die Wiederbelebung und Bewahrung unterschiedlicher nationaler Stile ein Hauptanstoß für Kunsthandwerksdesigner. In Deutschland beispielsweise wurde dies nach der Wiedervereinigung im Jahr 1871 durch Organisationen wie den Bund für Heimatschutz (gegründet 1897) und die Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, gegründet 1898 von Karl Schmidt, gefördert. Auch in Ungarn setzte sich Károly Kós für die Wiederbelebung der siebenbürgischen Volksarchitektur ein. In Mitteleuropa, wo zahlreiche verschiedene Nationalitäten unter dominanten Imperien (Deutschland, Österreich-Ungarn und Russland) koexistierten, war die Erforschung einheimischer Traditionen mit der Bestätigung der nationalen Identität und dem Streben nach Autonomie verknüpft. Während die Befürworter des britischen Arts and Crafts ihren idealen Stil oft in der mittelalterlichen Ästhetik suchten, ließen sich ihre mitteleuropäischen Kollegen in abgelegenen Bauerndörfern inspirieren.

Die dem Arts and Crafts-Stil innewohnende Einfachheit, die in ganz Europa weit verbreitet ist, beeinflusste Designer wie Henry van de Velde und inspirierte später Bewegungen wie den Jugendstil, die niederländische De Stijl-Gruppe, die Wiener Secession und schließlich den Bauhaus-Stil. Pevsner betrachtete diesen Stil als Vorläufer des Modernismus, der sich durch die Verwendung schlichter, einfacher Formen auszeichnete.

Die ersten Manifestationen der künstlerischen und handwerklichen Tätigkeit in Kontinentaleuropa fanden um 1890 in Belgien statt. Hier diente der englische Stilansatz als Inspiration für Künstler und Architekten, darunter Henry Van de Velde, Gabriel Van Dievoet, Gustave Serrurier-Bovy und das als La Libre Esthétique bekannte Kollektiv.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erregten Kunsthandwerksprodukte große Bewunderung in Österreich und Deutschland und führten in diesen Ländern zu raschen Fortschritten im Design, im Gegensatz zu einer Zeit der Stagnation in Großbritannien. Die 1903 von Josef Hoffmann und Koloman Moser gegründete Wiener Werkstätte übernahm vor allem Grundsätze des Kunstgewerbes wie die „Einheit der Künste“ und legte Wert auf handgefertigte Produktion. Gleichzeitig wurde 1907 der Deutsche Werkbund gegründet, der Künstler, Architekten, Designer und Industrielle mit dem Ziel vereinte, die globale Wettbewerbsfähigkeit deutscher Unternehmen zu stärken. Diese Organisation wurde durch ihr Eintreten für eine standardisierte Produktion maßgeblich an der Entwicklung der modernen Architektur und des Industriedesigns beteiligt. Unter den prominenten Mitgliedern van de Velde und Hermann Muthesius kam es jedoch zu Meinungsverschiedenheiten über die Standardisierung. Muthesius behauptete, dass die Standardisierung für Deutschland von entscheidender Bedeutung sei, um eine Vormachtstellung in Handel und Kultur zu erlangen. Umgekehrt behauptete van de Velde, der eine traditionellere Kunst- und Handwerksperspektive vertrat, dass Künstler ständig „gegen die Auferlegung von Befehlen oder Standardisierungen protestieren“ würden und dass „der Künstler … sich niemals aus eigenem Antrieb einer Disziplin unterwerfen wird, die ihm einen Kanon oder einen Typus auferlegt.“

In Finnland wurde von Herman Gesellius, Armas Lindgren und Eliel eine idealistische Künstlerkolonie in Helsinki gegründet Saarinen, dessen Werk vom Stil der Nationalromantik geprägt war und Ähnlichkeiten mit der britischen Neugotik aufwies.

In Ungarn erkundete ein Künstler- und Architektenkollektiv, darunter Károly Kós, Aladár Körösfői-Kriesch und Ede Toroczkai Wigand, beeinflusst von den Philosophien von Ruskin und Morris, die Volkskunst und einheimische Architektur Siebenbürgens. Dieser Einfluss zeigt sich in zahlreichen von Kós entworfenen Gebäuden, beispielsweise im Budapester Zoo und im Wekerle-Anwesen in derselben Stadt.

In Russland bemühten sich Viktor Hartmann, Viktor Vasnetsov, Yelena Polenova und andere mit der Abramtsevo-Kolonie verbundene Künstler unabhängig voneinander, die Qualität der mittelalterlichen russischen dekorativen Kunst wiederzubeleben, die sich von der Bewegung in Großbritannien unterscheidet.

In Island zeigt das künstlerische Schaffen von Sölvi Helgason einen Einfluss aus der Arts and Crafts-Bewegung.

Nordamerika

In den Vereinigten Staaten hat der Arts-and-Crafts-Stil verschiedene Initiativen angeregt, die europäischen Arts-and-Crafts-Prinzipien an einen amerikanischen Kontext anzupassen. Zu diesen Erscheinungsformen gehörten Architektur, Möbel und andere dekorative Künste im „Craftsman“-Stil, beispielhaft dargestellt durch Entwürfe, die Gustav Stickley in seiner Zeitschrift „The Craftsman“ bewarb, und solche, die vom Roycroft-Campus stammten und in Elbert Hubbards „The Fra“ veröffentlicht wurden. Beide Personen nutzten ihre jeweiligen Veröffentlichungen, um Waren zu vermarkten, die in Stickleys Craftsman-Werkstatt in Eastwood, New York, und auf Elbert Hubbards Roycroft-Campus in East Aurora, New York, hergestellt wurden. Stickleys Möbelentwürfe, die häufig fälschlicherweise als „Mission Style“ bezeichnet wurden, wurden weithin nachgeahmt, unter anderem von drei von seinen Brüdern gegründeten Unternehmen.

Die Bezeichnungen American Craftsman oder Craftsman Style werden häufig verwendet, um die in den Vereinigten Staaten zwischen den vorherrschenden Perioden des Jugendstils und des Art Deco, etwa ab 1910, vorherrschende Architektur, Innenarchitektur und dekorative Kunst zu charakterisieren bis 1925. Die Bewegung war besonders bemerkenswert für die Erweiterung der beruflichen Möglichkeiten für Frauen, die als Kunsthandwerkerinnen, Designerinnen und Unternehmerinnen auftraten und erfolgreiche Unternehmen wie Kalo Shops, Pewabic Pottery, Rookwood Pottery und Tiffany Studios gründeten, leiteten oder dort angestellt waren. In Kanada wird überwiegend der Begriff Arts and Crafts verwendet, obwohl auch Craftsman anerkannt ist.

Während europäische Befürworter versuchten, die durch die Industrialisierung verdrängten tugendhaften Handwerke wiederherzustellen, wollten amerikanische Anhänger eine neue Form der Tugend kultivieren, um die heroische handwerkliche Produktion zu ersetzen: das gut ausgestattete bürgerliche Zuhause. Sie postulierten, dass die einfache, aber raffinierte Ästhetik der dekorativen Künste von Arts and Crafts die aufkommende Erfahrung des industriellen Konsumismus verbessern und dadurch eine größere individuelle Rationalität und gesellschaftliche Harmonie fördern würde. Die amerikanische Arts-and-Crafts-Bewegung fungierte als ästhetisches Gegenstück zur zeitgenössischen politischen Philosophie des Progressivismus. Bezeichnenderweise nahm die Arts and Crafts Society in Chicago ihre Aktivitäten im Oktober 1897 im Hull House auf, einem der bahnbrechenden amerikanischen Siedlungshäuser, die sich der sozialen Reform widmeten.

Die Verbreitung der Ideale des Kunsthandwerks in Amerika, vor allem durch journalistische und periodische Veröffentlichungen, wurde durch Gesellschaften, die Vortragsreihen organisierten, weiter gefördert. Die erste derartige Gesellschaft entstand Ende der 1890er Jahre in Boston und wurde von einem Konsortium prominenter Architekten, Designer und Pädagogen mit dem Ziel gegründet, die von William Morris in Großbritannien initiierten Designreformen in den Vereinigten Staaten einzuführen. Ihr ursprüngliches Ziel war es, eine Ausstellung mit zeitgenössischen Kunsthandwerksgegenständen zu organisieren. Dieses Gründungstreffen fand am 4. Januar 1897 im Museum of Fine Arts (MFA) in Boston statt, um speziell eine Ausstellung modernen Kunsthandwerks zu planen. Die Anerkennung der ästhetischen und technischen Fähigkeiten, die den angewandten Künsten innewohnen, durch Handwerker, Verbraucher und Hersteller löste anschließend die Designreformbewegung in Boston aus. Zu den Teilnehmern dieser wichtigen Zusammenkunft gehörten General Charles Loring, der als Vorsitzender des MFA-Treuhänders fungierte; William Sturgis Bigelow und Denman Ross, beide Sammler, Schriftsteller und MFA-Treuhänder; Ross Turner, ein Maler; Sylvester Baxter, Kunstkritiker für das Boston Transcript; Howard Baker; A.W. Longfellow Jr.; und Ralph Clipson Sturgis, ein Architekt.

Die erste American Arts and Crafts Exhibition begann am 5. April 1897 in der Copley Hall in Boston und zeigte über 1.000 von 160 Kunsthandwerkern geschaffene Gegenstände, wobei Frauen die Hälfte der Mitwirkenden ausmachten. Zu den bemerkenswerten Befürwortern dieser Ausstellung gehörten Langford Warren, der Gründer der Harvard School of Architecture; Frau Richard Morris Hunt; Sozialreformer Arthur Astor Carey und Edwin Mead; und Grafikdesigner Will H. Bradley. Der Erfolg der Ausstellung führte am 28. Juni 1897 zur offiziellen Gründung der Society of Arts and Crafts (SAC) mit dem erklärten Ziel, „höhere Standards im Kunsthandwerk zu entwickeln und zu fördern“. Die einundzwanzig Gründer bekundeten ein Interesse, das über den kommerziellen Verkauf hinausging, und legten den Schwerpunkt auf die Ermutigung von Künstlern, Werke zu schaffen, die sich durch überlegene Handwerkskunst und Design auszeichnen. Dieser grundlegende Auftrag wurde anschließend zu einem Credo ausgearbeitet, das möglicherweise vom ersten Präsidenten des SAC, Charles Eliot Norton, verfasst wurde und die folgenden Prinzipien formulierte:

Diese Gesellschaft wurde mit dem Ziel gegründet, künstlerische Bestrebungen in allen Formen des Kunsthandwerks voranzutreiben. Ziel ist es, wechselseitig vorteilhafte Beziehungen zwischen Designern und Kunsthandwerkern zu fördern und Kunsthandwerker zu motivieren, ihre eigenen kreativen Entwürfe zu verwirklichen. Die Gesellschaft ist bestrebt, unter Kunsthandwerkern ein Verständnis für die inhärente Würde und den Wert von Klangdesign zu fördern und gleichzeitig die vorherrschende Missachtung etablierter Prinzipien von Gesetz und Form sowie die Neigung zu übermäßiger Verzierung und oberflächlicher Originalität zu mildern. Darüber hinaus wird die entscheidende Bedeutung von Mäßigung und Disziplin, einer systematischen Organisation, einer angemessenen Berücksichtigung der funktionalen Beziehung zwischen der Form eines Objekts und seinem beabsichtigten Zweck sowie der Kohärenz und Eignung seiner dekorativen Elemente hervorgehoben.

Das Castle in the Clouds, auch bekannt als Lucknow, ist ein Paradebeispiel für den amerikanischen Craftsman-Architekturstil in Neuengland. Dieses Anwesen auf einem Berggipfel in den Ossipee Mountains in New Hampshire wurde zwischen 1913 und 1914 vom Bostoner Architekten J. Williams Beal für Tom and Olive Plant erbaut.

Weitere bedeutende Einflüsse waren die von Elbert Hubbard in Buffalo und East Aurora, New York gegründete Roycroft-Gemeinschaft; Joseph Marbella; utopische Siedlungen wie die Byrdcliffe Colony in Woodstock, New York, und Rose Valley, Pennsylvania; geplante Siedlungen wie Mountain Lakes, New Jersey, gekennzeichnet durch Ansammlungen von Bungalows und Schlossresidenzen, entworfen von Herbert J. Hapgood; und die sich entwickelnde zeitgenössische Studio-Craft-Bewegung. Der allgegenwärtige Einfluss der Arts and Crafts-Bewegung zeigt sich in verschiedenen Formen der Studiokeramik, insbesondere bei der Grueby Faience Company, Newcomb Pottery in New Orleans, Marblehead Pottery, Teco Pottery, Overbeck and Rookwood Pottery und Mary Chase Perry Stratton's Pewabic Pottery in Detroit sowie der Van Briggle Pottery Company in Colorado Springs, Colorado. Dieser Einfluss erstreckt sich auch auf die unverwechselbaren Kunstfliesen von Ernest A. Batchelder in Pasadena, Kalifornien, und die einzigartigen Möbelkreationen von Charles Rohlfs.

In Kanada trat George Agnew Reid (1860–1947), ein versierter Künstler, Pädagoge und Architekt, als prominenter Verfechter der Arts and Crafts-Bewegung hervor. Reid zeigte großes Interesse an der Verbindung zwischen Kunst und gesellschaftlichen Belangen und war fest davon überzeugt, dass sowohl bildende als auch angewandte Kunst die Fähigkeit besitzen, individuelle und gemeinschaftliche Verbesserungen durch weitreichende Auseinandersetzung mit ästhetischer Qualität und überlegenem Design zu ermöglichen. Diese „Kunst um des Lebens willen“-Philosophie durchdrang Reids künstlerische Bemühungen, was insbesondere in den Wandgemälden deutlich wird, die er im gesamten Raum Toronto anfertigte. Darüber hinaus war Reid Gründungsvizepräsident der Arts and Crafts Society of Canada, einer Organisation, die später in Canadian Society of Applied Arts umbenannt wurde.

Architektonische und künstlerische Ausdrucksformen

Die „Prairie School“ von Frank Lloyd Wright, George Washington Maher und anderen in Chicago ansässigen Architekten repräsentieren neben der Country Day School-Bewegung und den Bungalow- und ultimativen Bungalowhausstilen, die von Greene und Greene, Julia Morgan und Bernard Maybeck populär gemacht wurden, wichtige Manifestationen des American Arts and Crafts und der American Craftsman-Architektur. Restaurierte und unter Denkmalschutz stehende Exemplare gibt es überall in den Vereinigten Staaten, insbesondere in den kalifornischen Städten Berkeley und Pasadena sowie in Bezirken anderer Gemeinden, die in dieser Zeit entstanden sind und nach dem Krieg keiner städtischen Sanierung unterzogen wurden. Mission Revival, Prairie School und der „California Bungalow“-Stil des Wohnbaus erfreuen sich nach wie vor großer Beliebtheit im zeitgenössischen amerikanischen Wohndesign.

Als Theoretiker, Pädagogen und produktive Künstler, die in allen Medien von der Druckgrafik bis zur Töpferei und Pastell arbeiteten, erwiesen sich Arthur Wesley Dow (1857–1922) an der Ostküste und Pedro Joseph de Lemos (1882–1954) in Kalifornien als zwei der am meisten verbreiteten einflussreiche Persönlichkeiten. Dow, der eine Lehrtätigkeit an der Columbia University innehatte und die Ipswich Summer School of Art gründete, veröffentlichte 1899 sein bahnbrechendes Werk Composition. Diese Veröffentlichung fasste die Kernprinzipien der japanischen Komposition in einer einzigartigen amerikanischen Methodik zusammen und integrierte drei grundlegende Elemente zu einer zusammenhängenden und ästhetisch ansprechenden Synthese: Einfachheit der Linie, „Notan“ (das Gleichgewicht von hellen und dunklen Bereichen) und Symmetrie der Farbe.

Dow's pädagogisches Ziel, das sich auf die Herstellung sorgfältig gefertigter und ästhetisch raffinierter Objekte konzentriert. Sein Schüler de Lemos, der später Leiter des San Francisco Art Institute, Direktor des Stanford University Museum and Art Gallery und Chefredakteur des School Arts Magazine wurde, hat Dows theoretischen Rahmen in mehr als 150 Monographien und Artikeln für Kunstschulen in den Vereinigten Staaten und Großbritannien erheblich ausgearbeitet und verfeinert. Zu den unkonventionellen pädagogischen Prinzipien von de Lemos gehörte insbesondere die Behauptung, dass Industrieprodukte „die erhabene Schönheit“ verkörpern könnten und dass ein tiefgreifendes künstlerisches Verständnis aus den abstrakten „Designformen“ abgeleitet werden könne, die den präkolumbianischen Zivilisationen innewohnen.

Museen

Das Museum of the American Arts and Crafts Movement in St. Petersburg, Florida, hat 2021 seinen Betrieb aufgenommen.

Asien

In Japan ließ sich Yanagi Sōetsu, der Gründer der Mingei-Bewegung, die sich ab den 1920er Jahren für die Volkskunst einsetzte, von den philosophischen Werken von Morris und Ruskin inspirieren. Als Spiegelbild der europäischen Kunst- und Handwerksbewegung bemühte sich Mingei, die traditionelle Handwerkskunst inmitten des Drucks der industriellen Modernisierung zu bewahren.

Architektur

Die Bewegung ... stellt in gewisser Weise eine Revolte gegen das harte, mechanische, konventionelle Leben und seine Unempfindlichkeit gegenüber Schönheit dar (ganz etwas anderes als Ornament). Es ist ein Protest gegen den sogenannten industriellen Fortschritt, der minderwertige Waren hervorbringt, deren Billigkeit durch das Leben ihrer Produzenten und die Erniedrigung ihrer Benutzer bezahlt wird. Es ist ein Protest gegen die Verwandlung von Menschen in Maschinen, gegen künstliche Unterscheidungen in der Kunst und dagegen, den unmittelbaren Marktwert oder die Gewinnmöglichkeit zum Haupttest künstlerischen Verdienstes zu machen. Es fördert auch den Anspruch aller und jedes Einzelnen auf den gemeinsamen Besitz von Schönheit in alltäglichen und vertrauten Dingen und würde den Sinn für diese Schönheit wecken, der jetzt allzu oft abgestumpft und deprimiert ist, entweder einerseits durch luxuriöse Überflüssigkeiten, andererseits durch das Fehlen der alltäglichsten Notwendigkeiten und die nagende Sorge um die Mittel zum Lebensunterhalt; Ganz zu schweigen von den alltäglichen Hässlichkeiten, an die wir unsere Augen gewöhnt haben, verwirrt durch die Flut des falschen Geschmacks oder verdunkelt durch das hastige Leben moderner Städte, in denen riesige Ansammlungen von Menschen leben, die gleichermaßen von Kunst und Natur und ihren freundlichen und verfeinernden Einflüssen entfernt sind.

Eine beträchtliche Anzahl der Befürworter der Arts and Crafts-Bewegung erhielten eine formale Ausbildung in Architektur (z. B. William Morris, A. H. Mackmurdo, C. R. Ashbee, W. R. Lethaby); Infolgedessen übte die Bewegung ihren tiefgreifendsten und nachhaltigsten Einfluss im Bereich des architektonischen Designs aus.

Das Red House in Bexleyheath, London, das 1859 vom Architekten Philip Webb für Morris entworfen wurde, dient als Inbegriff der entstehenden Arts-and-Crafts-Ästhetik, die sich durch ausgewogene, robuste Formen, weitläufige Veranden, scharf geneigte Dächer, spitze Fensterbögen, Backsteinfeuerstellen und Holzeinbauten auszeichnet. Webb verzichtete bewusst auf klassische und andere historische Wiederbelebungsstile, die von monumentalen Bauwerken abgeleitet waren, und basierte sein Design stattdessen auf der britischen Volksarchitektur. Dieser Ansatz betonte die inhärente Textur gängiger Materialien wie Stein und Fliesen in einer asymmetrischen und visuell ansprechenden architektonischen Komposition.

Der Londoner Vorort Bedford Park, der überwiegend in den 1880er und 1890er Jahren entstand, umfasst etwa 360 Wohnhäuser im Arts-and-Crafts-Stil und war historisch für seine Bewohner der ästhetischen Bewegung bekannt. Mehrere Armenhäuser übernahmen ebenfalls die Ästhetik des Arts and Crafts, insbesondere Whiteley Village in Surrey, das zwischen 1914 und 1917 mit über 280 Gebäuden erbaut wurde, und die Dyers Almshouses in Sussex, die von 1939 bis 1971 erbaut wurden. Letchworth Garden City, bekannt als die erste Gartenstadt, leitete ihre Grundprinzipien von den Idealen des Arts and Crafts ab.

Die ersten Residenzen wurden von Barry Parker und entworfen Raymond Unwin nutzte den durch die Bewegung populären einheimischen Architekturstil und assoziierte die Stadt damit mit Prinzipien des gehobenen Denkens und des schmucklosen Lebens. Edward Carpenters Werkstatt zur Herstellung von Sandalen wurde von Yorkshire nach Letchworth Garden City verlegt, und George Orwells bekannte satirische Bemerkung über die Versammlung „jeder Fruchtsafttrinker, Nudisten, Sandalenträger, Sexwahnsinnigen, Quäker, Naturheilmittel-Quacksalber, Pazifisten und Feministen in England“ auf einer sozialistischen Konferenz in Letchworth hat beträchtliche Berühmtheit erlangt.

Illustrative Architekturarbeiten

• Rotes Haus – Upton, Bexley Heath, Kent – 1859
• David Parr House – Cambridge, England – 1886–1926
• Wightwick Manor – Wolverhampton, England – 1887–1893
• Inglewood – Leicester, England – 1892
• Standen – East Grinstead, England – 1894
• Swedenborgian Church – San Francisco, Kalifornien – 1895
• Mary Ward House – Bloomsbury, London – 1896–1898
• Blackwell – Lake District, England – 1898
• Derwent House – Chislehurst, Bromley, Kent – 1899
• Stoneywell – Ulverscroft, Leicestershire – 1899
• Long Street Methodist Church – Rochdale, England – 1899
• Spade House – Sandgate, Kent – 1900
• Caledonian Estate – Islington, London – 1900–1907
• Horniman Museum – Forest Hill, London – 1901
• All Saints' Church, Brockhampton – 1901–02
• Shaw's Corner – Ayot St Lawrence, Hertfordshire – 1902
• Pierre P. Ferry House – Seattle, Washington – 1903–1906
• Winterbourne House – Birmingham, England – 1904
• Der schwarze Mönch – Blackfriars, London – 1905
• Marston House – San Diego, Kalifornien – 1905
• Edgar Wood Centre – Manchester, England – 1905
• Debenham House – Holland Park, London – 1905–1907
• Belrock – Greater Sudbury, Ontario – 1907
• Robert R. Blacker House – Pasadena, Kalifornien – 1907
• Stotfold, Bickley, Kent – 1907
• Gamble House – Pasadena, Kalifornien – 1908
• Oregon Public Library – Oregon, Illinois – 1909
• Thorsen House – Berkeley, Kalifornien – 1909
• Rodmarton Manor – Rodmarton, in der Nähe von Cirencester, Gloucestershire – 1909–1929
• Whare Ra – Havelock North, Neuseeland – 1912
• Sutton Garden Vorort – Benhilton, Sutton, London – 1912–1914
• Das Omni Grove Park Inn – Asheville, North Carolina – 1913
• Schloss in den Wolken – Ossipee Mountains am Lake Winnipesaukee, New Hampshire – 1913–14
• Honan Chapel – University College Cork, Irland – ca. 1916
• St. Francis Xavier's Cathedral – Geraldton, Westaustralien 1916–1938
• Bedales School Memorial Library – in der Nähe von Petersfield, Hampshire – 1919–1921
• House of the Democrat – Rose Valley, Pennsylvania 1911–12

Grundsätze der Gartengestaltung

Gertrude Jekyll hat insbesondere die Prinzipien des Kunsthandwerks in ihren Ansatz zur Gartengestaltung integriert. Sie arbeitete intensiv mit dem angesehenen englischen Architekten Sir Edwin Lutyens zusammen, für den sie zahlreiche Landschaftspläne entwarf und der wiederum ihr persönliches Wohnhaus Munstead Wood in der Nähe von Godalming in Surrey entwarf. Jekyll war auch für die Gärten von Bishopsbarns verantwortlich, dem Wohnsitz des Yorker Architekten Walter Brierley, einem prominenten Verfechter der Arts and Crafts-Bewegung, der oft als „Lutyens des Nordens“ bezeichnet wird. Die Landschaft für Brierleys ultimatives Vorhaben, Goddards in York, wurde von George Dillistone gestaltet, einem Gärtner, der zuvor mit Lutyens und Jekyll auf Castle Drogo zusammengearbeitet hatte. Bei Goddards umfasste die Gartengestaltung mehrere Elemente, die die Arts-and-Crafts-Ästhetik des Haupthauses widerspiegelten, einschließlich des strategischen Einsatzes von Hecken und Kräuterrabatten, um den Garten in eine Abfolge unterschiedlicher Außenräume abzugrenzen.

Der von Lawrence Johnston konzipierte Hidcote Manor Garden stellt ein weiteres bedeutendes Beispiel eines Arts-and-Crafts-Gartens dar, der ähnlich als Abfolge von Außenräumen strukturiert ist. In diesem Entwurf, analog zu Goddards, nimmt die Formalität der Landschaftsgestaltung zunehmend ab, je weiter sie sich vom Hauptwohnsitz entfernt. Weitere Beispiele für Arts-and-Crafts-Gärten sind Hestercombe Gardens, Lytes Cary Manor und das Gelände, das mit mehreren der oben genannten architektonischen Beispiele der Bewegung verbunden ist.

Kunstpädagogik

Die Konzepte von William Morris wurden später in den späten 1880er Jahren in die New Education-Bewegung integriert. Diese Bewegung führte insbesondere den Handwerksunterricht an Institutionen wie Abbotsholme (1889) und Bedales (1892) ein. Darüber hinaus ist Morris‘ Einfluss in den sozialen Initiativen erkennbar, die Mitte des 20. Jahrhunderts in Dartington Hall durchgeführt wurden.

Britische Arts-and-Crafts-Befürworter äußerten erhebliche Missbilligung des staatlichen Rahmens für die Kunsterziehung, der abstraktem Design Vorrang vor praktischem Handwerksunterricht einräumte. Dieser Mangel an handwerklicher Ausbildung löste auch in der Industrie und im öffentlichen Sektor Besorgnis aus. Infolgedessen befürwortete eine königliche Kommission im Jahr 1884 auf Anraten von William Morris eine Kunsterziehung, um die Kongruenz zwischen Entwurf und dem für seine Ausführung vorgesehenen Material hervorzuheben. Die Birmingham School of Arts and Crafts leistete Pionierarbeit bei diesem pädagogischen Wandel und war maßgeblich daran beteiligt, „ausgeführtes Design landesweit in den Kunst- und Designunterricht einzuführen (Arbeiten mit dem Material, für das das Design gedacht war, anstatt auf Papier zu entwerfen).“ In seinem externen Prüferbericht von 1889 lobte Walter Crane die Birmingham School of Art für ihren Ansatz und stellte fest, dass sie „Design in Bezug auf Materialien und Verwendung berücksichtigte“. Unter der Leitung von Edward Taylor, der von 1877 bis 1903 als Schulleiter fungierte, und mit Beiträgen von Henry Payne und Joseph Southall entwickelte sich die Birmingham School zu einem bedeutenden Zentrum der Arts and Crafts-Bewegung.

Gleichzeitig begannen andere kommunale Bildungseinrichtungen, mehr praxisnahen Handwerksunterricht zu integrieren. In den 1890er Jahren wurden die Prinzipien der Arts and Crafts-Bewegung von Mitgliedern der Art Workers Guild an allen nationalen Kunstschulen verbreitet. Diese Gildenmitglieder hatten bedeutende Rollen inne: Walter Crane leitete die Manchester School of Art und später das Royal College of Art; F.M. Simpson, Robert Anning Bell und C.J. Allen waren Professoren für Architektur, Dozenten für Malerei und Design bzw. Dozenten für Bildhauerei an der Liverpool School of Art. Robert Catterson-Smith, von 1902 bis 1920 Direktor der Birmingham Art School, war ebenfalls Mitglied der AWG. W. R. Lethaby und George Frampton fungierten als Inspektoren und Berater des Bildungsausschusses des London County Council (LCC). Im Jahr 1896 gründete das LCC vor allem aufgrund ihrer Bemühungen die Central School of Arts and Crafts und ernannte sie zu gemeinsamen Schulleitern. Vor der Gründung des Bauhauses in Deutschland galt die Zentralschule weithin als Europas fortschrittlichste Kunstinstitution. Bald nach ihrer Gründung wurde die Camberwell School of Arts and Crafts vom örtlichen Gemeinderat nach den Grundsätzen des Arts and Crafts gegründet.

Im Jahr 1898 bemühte sich Crane als Direktor des Royal College of Art um die Umsetzung von Reformen, die auf einen praktischeren Lehrplan abzielten. Er trat jedoch nach einem Jahr zurück, was am bürokratischen Widerstand des Bildungsausschusses scheiterte. Anschließend wurde Augustus Spencer damit beauftragt, Cranes vorgeschlagenen Plan auszuführen. Spencer rekrutierte Lethaby als Leiter der Designschule und engagierte mehrere Mitglieder der Art Workers' Guild als Ausbilder. Ein Jahrzehnt nach diesen Reformen bewertete ein Untersuchungsausschuss das RCA und kam zu dem Schluss, dass es bei der Vorbereitung von Studenten auf Karrieren in der Industrie weiterhin unzureichend sei.

Nach der Verbreitung des Berichts des Ausschusses kam es zu einer anschließenden Debatte. C.R. Ashbee verfasste einen scharfkritischen Aufsatz mit dem Titel Sollten wir aufhören, Kunst zu unterrichten, in dem er sich für die vollständige Abschaffung des bestehenden Kunsterziehungssystems aussprach und vorschlug, Handwerkskunst stattdessen in staatlich subventionierten Werkstätten zu unterrichten. Umgekehrt präsentierte Lewis Foreman Day, eine prominente Persönlichkeit der Arts-and-Crafts-Bewegung, in seinem abweichenden Bericht an den Untersuchungsausschuss eine alternative Perspektive. Er plädierte für eine stärkere Fokussierung auf Designprinzipien und stellte damit die zunehmend vorherrschende Methodik des Designunterrichts durch direkte materielle Auseinandersetzung in Frage. Trotz dieser unterschiedlichen Standpunkte durchdrang der Arts-and-Crafts-Ethos die britischen Kunstschulen weitgehend und blieb laut dem Kunstpädagogikhistoriker Stuart MacDonald bis nach dem Zweiten Weltkrieg bestehen.

Prominente Praktiker

Galerie für dekorative Kunst

Moderner Stil (britischer Jugendstil)

• Moderner Stil (britischer Jugendstil)
• Philip Clissett
• Das Englische Haus
• Charles Prendergast
• William Morris Tapetendesigns
• William Morris Textile Designs
• Geschichte wirtschaftlicher Denkschulen in Bezug auf Kunst und Kultur

Referenzen

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  • Das erste öffentliche Museum, das ausschließlich der amerikanischen Kunst und Kultur gewidmet ist. Handwerksbewegung
  • Kataloglisten mit Bildern der wichtigsten amerikanischen Kunst- und Kunstausstellungen. Handwerkliche Möbelhersteller Archiviert am 21. Juni 2017 bei der Wayback Machine