arte abstracto emplea un léxico visual de formas, colores y líneas para construir composiciones que poseen un grado de autonomía de los referentes visuales del mundo real. El arte abstracto, el arte no figurativo, el arte no objetivo y el arte no representacional representan conceptos estrechamente relacionados. Si bien sus significados son similares, no son necesariamente intercambiables.
Desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, el arte occidental estuvo fundamentalmente estructurado por los principios de la perspectiva y el esfuerzo por replicar la ilusión de la realidad visible. Sin embargo, a finales del siglo XIX, numerosos artistas percibieron la necesidad de forjar un paradigma artístico novedoso que pudiera integrar las profundas transformaciones que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Los fundamentos teóricos adoptados por artistas individuales fueron variados, reflejando las preocupaciones sociales e intelectuales prevalecientes en todas las facetas de la cultura occidental durante ese período.
La abstracción, dentro del contexto del arte, significa una divergencia con la representación realista de las imágenes. Tales desviaciones de la representación precisa pueden manifestarse como sutiles, parciales o completas. En consecuencia, la abstracción opera a lo largo de un espectro. Las obras de arte que exhiben alteraciones deliberadas, como modificaciones notorias de color o forma, se clasifican como parcialmente abstractas. Por el contrario, la abstracción total no contiene alusiones discernibles a formas reconocibles. Por ejemplo, la abstracción geométrica suele evitar las referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son en gran medida antitéticos. Sin embargo, tanto el arte figurativo como el representacional (o realista) incorporan frecuentemente elementos de abstracción parcial.
Tanto la abstracción geométrica como la lírica se caracterizan frecuentemente por una abstracción completa. Numerosos movimientos artísticos ejemplifican la abstracción parcial; ejemplos notables incluyen el fauvismo, que modifica de manera llamativa e intencionada el color en relación con la realidad, y el cubismo, que reconfigura las formas de las entidades representadas de la vida real.
Historial
El siglo XIX en Europa
Durante el siglo XIX en Europa, el patrocinio eclesiástico disminuyó, mientras que el patrocinio privado del público sostenía cada vez más a los artistas. El romanticismo, el impresionismo y el expresionismo fueron tres movimientos artísticos fundamentales que fomentaron el surgimiento del arte abstracto. El siglo XIX también marcó un período de creciente autonomía artística para los practicantes. Un compromiso objetivo con la percepción visual es evidente en las obras de John Constable, J. M. W. Turner y Camille Corot, un linaje que se extendió hasta los impresionistas, quienes desarrollaron aún más la tradición de pintura al aire libre de la escuela de Barbizon. James McNeill Whistler demostró los primeros indicios de un enfoque artístico incipiente, cuya pintura de 1872, Nocturno en negro y oro: la caída del cohete, priorizaba la sensación visual sobre la representación objetiva. Antes de esto, los dibujos "espirituales" de Georgiana Houghton, exhibidos en 1871, presentaban formas abstractas que se alineaban con la esencia no naturalista de su tema, en un momento en que el concepto de abstracción aún no estaba articulado formalmente.
Los artistas expresionistas fueron pioneros en la aplicación audaz de la pintura, empleando distorsiones, exageraciones y paletas de colores vibrantes. Sus lienzos cargados de emociones sirvieron como respuestas e interpretaciones de la experiencia contemporánea, así como críticas del impresionismo y otras tendencias artísticas más convencionales de finales del siglo XIX. El expresionismo cambió fundamentalmente el enfoque del tema objetivo a la descripción de estados psicológicos internos. Si bien figuras como Edvard Munch y James Ensor se inspiraron principalmente en obras posimpresionistas, sus contribuciones fueron cruciales para el surgimiento de la abstracción en el siglo XX. Paul Cézanne, inicialmente impresionista, persiguió el objetivo de construir la realidad de forma lógica desde un punto de vista singular, utilizando colores modulados dentro de áreas planas; Posteriormente, este enfoque formó los principios fundamentales de un nuevo arte visual, que más tarde evolucionó hasta convertirse en el cubismo.
A finales del siglo XIX, el misticismo de Europa del Este y la filosofía religiosa modernista temprana, particularmente las enseñanzas de la teósofa Mme. Blavatsky, influyó profundamente en artistas geométricos pioneros como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky. De manera similar, las doctrinas místicas de Georges Gurdjieff y P.D. Ouspensky dio forma significativa a los nacientes estilos abstractos geométricos de Piet Mondrian y sus colegas a principios del siglo XX. Esta corriente espiritualista también inspiró el arte abstracto de Kasimir Malevich y František Kupka.
Principios del siglo XX
Fauvismo y Cubismo
A principios del siglo XX, Henri Matisse, junto con otros artistas emergentes como los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Jean Metzinger, revolucionaron la escena artística parisina. Su estilo distintivo, caracterizado por paisajes y pinturas de figuras vibrantes, multicolores y expresivos, fue denominado críticamente fauvismo. El uso innovador del color crudo por parte de los fauves impactó profundamente a Wassily Kandinsky, otra figura fundamental en el desarrollo de la abstracción.
El cubismo, un movimiento artístico basado en la afirmación de Cézanne de que todas las formas naturales podían destilarse en formas geométricas fundamentales (el cubo, la esfera y el cono) surgió junto con el fauvismo como una fuerza fundamental que facilitó directamente el advenimiento de la abstracción a principios del siglo XX.
Arte abstracto temprano
En el Salón de la Sección de Oro de 1912, František Kupka presentó su pintura abstracta Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga en dos colores) (1912). Durante este evento, el poeta Guillaume Apollinaire acuñó el término orfismo para describir el trabajo de varios artistas, entre ellos Robert Delaunay. Apollinaire caracterizó este estilo como "el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que han sido creados enteramente por el artista... es un arte puro".
Desde principios del siglo XX, florecieron sólidos intercambios culturales entre artistas en las principales ciudades europeas, impulsados por una ambición colectiva de forjar una forma de arte acorde con los elevados ideales del modernismo. La difusión de ideas a través de libros de artistas, exposiciones y manifiestos fomentó un entorno fértil para la experimentación y el discurso, estableciendo así una base para diversos enfoques de la abstracción. Un extracto de El mundo al revés ilustra la extensa interconexión cultural de esta época: "El conocimiento de David Burliuk sobre los movimientos del arte moderno debe haber sido extremadamente actualizado, ya que la segunda exposición Sota de Diamantes, celebrada en enero de 1912 (en Moscú) incluyó no sólo pinturas enviadas desde Munich, sino también algunos miembros del grupo alemán Die Brücke, mientras que desde París llegaron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, como así como Picasso. Durante la primavera, David Burliuk dio dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que la Sota de Diamantes iba a financiar. En mayo viajó al extranjero y regresó decidido a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había salido de la imprenta mientras estaba en Alemania".
Entre 1909 y 1913, numerosos artistas produjeron obras experimentales en pos de este 'arte puro'. Ejemplos notables incluyen: Caoutchouc de Francis Picabia (c. 1909), La primavera (1912), Danzas en la primavera y La procesión de Sevilla (1912); Sin título (primera acuarela abstracta) de Wassily Kandinsky (1913), Improvisación 21A, la serie Impresión y Cuadro con círculo (1911); Las piezas orfistas de František Kupka, Discos de Newton (Estudio para Fuga en dos colores) (1912) y Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga en dos colores) (1912); La serie de Robert Delaunay titulada Ventanas simultáneas y Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912-13); Ritmo coloreado de Léopold Survage (estudio para la película) (1913); y Tableau No. 1 y Composición No. 11 (1913) de Piet Mondrian.
Henri Matisse se acercó a la abstracción pura a través de su paleta de colores expresiva y su dibujo imaginativo y sin restricciones, particularmente evidente en obras como Ventana francesa en Collioure (1914), Vista de Notre-Dame (1914) y La cortina amarilla (1915).
La exploración de la abstracción avanzó con los dibujos rayistas (Luchizm) de Natalia Goncharova y Mikhail Larionov, que empleaban líneas que se asemejaban a rayos de luz para construir composiciones. En 1915, Kasimir Malevich produjo su obra inaugural totalmente abstracta, el suprematista Cuadrado negro. Al mismo tiempo, Liubov Popova, otro miembro del movimiento suprematista, desarrolló las construcciones arquitectónicas y las construcciones de fuerza espacial de 1916 a 1921. Entre 1915 y 1919, Piet Mondrian refinó su lenguaje abstracto, caracterizado por líneas horizontales y verticales que se cruzan con rectángulos de colores. Esta estética, conocida como Neoplasticismo, fue concebida por Mondrian, Theo van Doesburg y otros artistas del grupo De Stijl, con el objetivo de reconfigurar entornos futuros.
El movimiento de vanguardia ruso
Un número significativo de artistas abstractos rusos abrazaron el constructivismo, afirmando que el arte no debería ser una entidad separada sino más bien una parte integral de la vida misma. Abogaron por que los artistas adoptaran el papel de técnicos, dominando los instrumentos y sustancias de la manufactura contemporánea. El grito de guerra de Vladimir Tatlin, ¡Arte en vida!, resumió el espíritu de todos los constructivistas posteriores. Figuras como Varvara Stepanova y Alexandre Exter evitaron la pintura de caballete tradicional y redirigieron sus esfuerzos creativos hacia el diseño teatral y las artes gráficas. Por el contrario, Kazimir Malevich, Anton Pevsner y Naum Gabo sostuvieron que el arte constituía un esfuerzo inherentemente espiritual, centrado en establecer la posición de un individuo dentro del cosmos, en lugar de estructurar pragmáticamente la vida de manera materialista. Durante este período, figuras clave de la vanguardia rusa participaron en proyectos de colaboración con otros artistas constructivistas de Europa del Este, incluidos Władysław Strzmiński, Katarzyna Kobro y Henryk Stażewski.
Numerosos artistas que se oponían al concepto de producción materialista del arte emigraron de Rusia. Anton Pevsner se mudó a Francia, mientras que Gabo inicialmente se mudó a Berlín, luego a Inglaterra y finalmente a Estados Unidos. Kandinsky, después de estudiar en Moscú, partió hacia la Bauhaus. A mediados de la década de 1920, concluyó la era revolucionaria (1917-1921), que había brindado a los artistas una considerable libertad experimental. En la década de 1930, sólo el realismo socialista recibió sanción oficial.
Influencias musicales
A medida que el arte visual avanzaba hacia la abstracción, comenzó a manifestar atributos similares a la música, una forma de arte que emplea inherentemente componentes abstractos de sonido y segmentación temporal. Wassily Kandinsky, un músico aficionado, encontró inspiración en el potencial de las marcas visuales y los colores evocadores para resonar en el alma. Este concepto fue articulado previamente por Charles Baudelaire, quien postuló que si bien nuestros sentidos reaccionan a diversos estímulos, están interconectados en un estrato estético profundo.
Un concepto estrechamente asociado postula que el arte posee la dimensión espiritual, lo que le permite trascender la experiencia mundana y alcanzar un reino espiritual. La Sociedad Teosófica jugó un papel fundamental en la difusión de la antigua sabiduría contenida en los textos sagrados de la India y China a principios del siglo XX. Dentro de este medio intelectual, artistas como Piet Mondrian, Wassily Kandinsky y Hilma af Klint, que buscaban un "estado sin objeto" en su trabajo, desarrollaron un interés por lo oculto como medio para manifestar un objeto "interior". Las formas geométricas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) representan formas universales y atemporales que sirven como elementos espaciales fundamentales en el arte abstracto y funcionan, al igual que el color, como sistemas fundamentales que sustentan la realidad perceptible.
El movimiento Bauhaus
Establecida en 1919 por Walter Gropius, la escuela Bauhaus en Weimar, Alemania, operaba bajo una filosofía fundamental que enfatizaba la síntesis de todas las artes visuales y plásticas, abarcando disciplinas desde la arquitectura y la pintura hasta el tejido y las vidrieras. Este enfoque pedagógico se originó a partir de los principios del movimiento inglés Arts and Crafts y del Deutscher Werkbund. Entre los profesores notables se encontraban Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers y László Moholy-Nagy. La institución se trasladó a Dessau en 1925 y sus operaciones cesaron en 1932 tras el ascenso al poder del partido nazi. En 1937, una exposición titulada 'Entartete Kunst' (Arte Degenerado) mostraba diversas formas de arte de vanguardia consideradas inaceptables por el régimen nazi. Posteriormente, se inició un importante éxodo de artistas, no sólo de la Bauhaus sino de toda Europa, que llevó a muchos a París, Londres y Estados Unidos. Mientras Paul Klee se instalaba en Suiza, un número considerable de artistas de la Bauhaus emigró a Estados Unidos.
Abstracción en las escenas artísticas parisinas y londinenses
En la década de 1930, París surgió como un santuario para los artistas que huían de los regímenes totalitarios de Rusia, Alemania, los Países Bajos y otras naciones europeas. Sophie Tauber y Jean Arp participaron en proyectos colaborativos, creando pinturas y esculturas que integraban formas orgánicas y geométricas. La artista polaca Katarzyna Kobro incorporó conceptos derivados matemáticamente en sus obras escultóricas. La convergencia de diversas formas de arte abstracto impulsó a los artistas a analizar sus distintas categorías conceptuales y estéticas. Una exposición con cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré, comisariada por Joaquín Torres-García con la asistencia de Michel Seuphor, mostró obras de neoplasticistas junto con una variedad de abstraccionistas, incluidos Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters. Theo van Doesburg, criticando la colección por considerarla demasiado indefinida, publicó posteriormente la revista Art Concret, que incluía un manifiesto en el que afirmaba que en el arte abstracto, la línea, el color y la superficie constituyen la única realidad concreta. Abstraction-Création, establecido en 1931 como un colectivo más inclusivo, sirvió como un importante punto de referencia para los artistas abstractos. A medida que el clima político se deterioró en 1935, muchos artistas volvieron a reunirse, particularmente en Londres. Inglaterra acogió la exposición inaugural de arte abstracto británico en 1935. Al año siguiente, Nicolete Gray organizó la exposición Abstract and Concrete, más internacional, con obras de artistas como Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth y Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson y Gabo se mudaron a St. Ives, Cornwall, para continuar con sus esfuerzos artísticos constructivistas.
Finales del siglo XX
En la década de 1930, a medida que el nazismo ganaba poder, numerosos artistas emigraron de Europa a Estados Unidos. A principios de la década de 1940, la ciudad de Nueva York se había convertido en un centro de importantes movimientos artísticos modernos, incluidos el expresionismo, el cubismo, la abstracción, el surrealismo y el dadaísmo, con artistas europeos exiliados como Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst y André Breton entre sus residentes. Las profundas contribuciones culturales de estos artistas europeos fueron asimiladas y desarrolladas aún más por los pintores locales de Nueva York. La atmósfera de libertad artística de Nueva York fomentó la proliferación de estas diversas influencias. Las galerías de arte, que antes se centraban predominantemente en el arte europeo, comenzaron a reconocer la floreciente comunidad artística local y las obras maduras de artistas estadounidenses más jóvenes. Durante este período, varios artistas desarrollaron un estilo claramente abstracto en sus obras maduras. La pintura de Piet Mondrian Composición n.º 10 (1939-1942), que presenta colores primarios, un fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, ejemplifica su enfoque radical pero clásico del rectángulo y el arte abstracto en general. Algunos artistas de esta época se resistieron a una categorización fácil; por ejemplo, Georgia O'Keeffe, una abstraccionista modernista, siguió siendo una figura independiente, creando formas muy abstractas sin afiliarse a ningún grupo particular de la época.
Con el tiempo, los artistas estadounidenses, que inicialmente trabajaron en diversos estilos, comenzaron a converger en grupos estilísticos cohesivos. El colectivo más destacado de artistas estadounidenses llegó a ser reconocido como los expresionistas abstractos y la Escuela de Nueva York. La ciudad de Nueva York fomentó un entorno propicio para el discurso artístico y ofreció nuevas oportunidades de aprendizaje y desarrollo. Los artistas y educadores John D. Graham y Hans Hofmann actuaron como intermediarios cruciales entre los modernistas europeos recién llegados y la generación emergente de artistas estadounidenses. Mark Rothko, un artista nacido en Rusia, inicialmente empleó fuertes imágenes surrealistas, que posteriormente evolucionaron hasta sus impactantes composiciones en color de principios de la década de 1950. Para Jackson Pollock, Robert Motherwell y Franz Kline, el gesto expresionista y el acto mismo de pintar adquirieron una importancia primordial. Al mismo tiempo, las obras figurativas de Arshile Gorky y Willem de Kooning pasaron a la abstracción a finales de la década de 1940. La ciudad de Nueva York surgió como un epicentro artístico global, atrayendo a artistas de todo el mundo, incluidas otras regiones de América.
Siglo XXI
El arte digital, la pintura de vanguardia, la abstracción geométrica, el minimalismo, la abstracción lírica, el op art, el expresionismo abstracto, la pintura de campos de color, la pintura monocromática, el ensamblaje, el neodadá y la pintura sobre lienzos moldeados representan algunas de las diversas trayectorias relacionadas con la abstracción en la segunda mitad del siglo XX.
En Estados Unidos, las manifestaciones contemporáneas del arte abstracto incluyen el Arte como objeto, ejemplificado por las esculturas minimalistas de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella. Ejemplos adicionales incluyen la abstracción lírica y la evocadora aplicación del color evidente en las obras de artistas como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell y Veronica Ruiz de Velasco.
Análisis
Una interpretación sociohistórica, notablemente asociada con Theodor W. Adorno, postula que la creciente prominencia de la abstracción en el arte moderno constituye tanto una respuesta como un reflejo de la creciente abstracción de las relaciones sociales dentro de las sociedades industriales.
Frederic Jameson interpreta de manera similar la abstracción modernista como una consecuencia de la influencia abstracción del dinero, que homogeneiza todas las entidades en valores de cambio equivalentes. En consecuencia, la dimensión social del arte abstracto encarna precisamente el carácter abstracto de la existencia social, manifestado a través de formalismos legales, despersonalización burocrática y la dinámica de la información y el poder, dentro del contexto de la modernidad tardía.
Por el contrario, las perspectivas posjunguianas sugieren que las teorías cuánticas, al desafiar las nociones convencionales de forma y materia, sustentan la separación de lo concreto y lo abstracto observada en el arte moderno.
El artista Al Capp proporcionó una evaluación más directa, caracterizando El arte abstracto es "un producto de personas sin talento, vendido por personas sin principios a personas completamente desconcertadas".
Galería
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Referencias
Fuentes
- ^ Compton, Susan (1978). El mundo al revés: libros futuristas rusos 1912-16. La biblioteca británica. ISBN 978-0-7141-0396-9.^ Stangos, Nikos, ed. (1981). Conceptos de arte moderno. Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.^ Gooding, Mel (2001). Arte abstracto. Serie Movimientos en el Arte Moderno. Editorial Tate. ISBN 978-1-85437-302-1.^ Rump, Gerhard Charles (1985). Cómo mirar una pintura abstracta. Inter Nationes.
- El término "Abstracción" mencionado en el Museo de Arte Moderno por Nelson Goodman de Grove Art Online
- Arte abstracto desmitificado