Art Deco, una abreviatura del término francés Arts decoratifs (literalmente, literalmente, 'Artes Decorativas'), denota un estilo prominente en las artes visuales, la arquitectura y el diseño de productos. Surgió en París durante la década de 1910, justo antes de la Primera Guerra Mundial, y logró una proliferación internacional desde la década de 1920 hasta principios de la de 1930, influyendo en el diseño estético y estructural de objetos, desde grandes edificios hasta artículos pequeños, incluyendo ropa, moda y joyería. El impacto generalizado del Art Déco es perceptible en estructuras como rascacielos, cines, puentes y transatlánticos, así como en trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos como radios y aspiradoras.
Art Déco, abreviatura del francés Arts decoratifs (lit.'Decorative Arts'), es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño de productos que apareció por primera vez en París en la década de 1910, justo antes de la Primera Guerra Mundial, y floreció internacionalmente durante la década de 1920 y principios de la de 1930, a través del estilo y diseño del exterior y el interior de cualquier cosa, desde grandes estructuras hasta objetos pequeños, incluyendo ropa, moda y joyería. El Art Déco ha influido en edificios desde rascacielos hasta cines, puentes, transatlánticos, trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos, incluidas radios y aspiradoras.
La denominación 'Art Déco' ganó popularidad después de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas (Exposición Internacional) de 1925. de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París. Su génesis estilística se remonta a la pronunciada estética geométrica de la Secesión vienesa y el cubismo. Las primeras influencias del Art Déco incluyeron las vibrantes paletas del fauvismo y los Ballets Rusos, junto con las exóticas tradiciones artísticas de China, Japón, India, Persia, el antiguo Egipto y la civilización maya. Durante su período inicial, el estilo recibió varias designaciones, como estilo moderno, moderno, modernista o estilo contemporáneo, y entonces no se percibió como un movimiento artístico singular y cohesivo.
En su apogeo, el Art Déco encarnaba conceptos de lujo, glamour, exuberancia y una creencia optimista en lo social y tecnológico. avance. El movimiento se caracterizó por la incorporación de materiales raros y costosos, incluidos ébano y marfil, junto con una artesanía excepcional. Además, fue pionera en el uso de materiales novedosos como el cromado, el acero inoxidable y el plástico. Ejemplos arquitectónicos notables de este estilo de las décadas de 1920 y 1930 en la ciudad de Nueva York incluyen el Empire State Building y el Chrysler Building. A nivel mundial, Miami Beach, Florida, alberga la colección más extensa de arquitectura Art Déco.
La estética del Art Déco sufrió una moderación durante la Gran Depresión. La década de 1930 fue testigo del surgimiento de Streamline Moderne, una variante refinada caracterizada por formas curvilíneas y acabados elegantes y pulidos. Aunque el Art Déco logró reconocimiento internacional, su preeminencia disminuyó tras el inicio de la Segunda Guerra Mundial, cediendo ante los principios funcionales y minimalistas de la arquitectura moderna y el Estilo Internacional.
Terminología
La denominación 'Art Déco', abreviatura de Arts Décoratifs, se originó a partir de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, celebrada en París en 1925. En Francia, la clasificación de las artes decorativas se documentó inicialmente en el Bulletin de la Société française de photographie de 1858. Posteriormente, en 1868, Le Figaro empleó la frase objets d'art decoratifs para describir los accesorios escénicos creados para el Théâtre de l'Opéra. En 1875, el gobierno francés reconoció formalmente como artistas a varios artesanos, incluidos diseñadores de muebles, artesanos textiles, joyeros y vidrieros. La Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas (ENSAD) se fundó en 1920, consolidando aún más el reconocimiento institucional de las artes decorativas.
El término preciso Art déco apareció impreso por primera vez en 1966, como parte del título de la exposición moderna inaugural dedicada al tema: Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. Esta exposición, organizada por el Museo de Artes Decorativas de París, abarcó una variedad de estilos significativos de las décadas de 1920 y 1930. Posteriormente, Hillary Gelson utilizó el término en un artículo de 1966 publicado en The Times, donde describía los diversos estilos presentados en la exposición.
El término 'Art Déco' logró un amplio reconocimiento como descriptor estilístico en 1968, coincidiendo con la publicación del primer trabajo académico significativo sobre el tema por parte del historiador Bevis Hillier, titulado Art Déco de los años 20 y 30. Hillier observó que el término ya estaba en uso entre los marchantes de arte, citando referencias como The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo titulado Les Arts Déco en la revista Elle (noviembre de 1967) como prueba. En 1971, Hillier fue comisario de una exposición en el Instituto de Artes de Minneapolis, que está ampliamente documentada en su publicación posterior, El mundo del Art Déco.
Mike Hope enumera numerosas designaciones alternativas empleadas para la arquitectura Art Déco, entre las que se incluyen: estilo Odeon, estilo Liberty, estilo moderno, jazz moderno, zigzag moderno, estilo británico, estilo náutico, estilo de barco moderno, estilo Pacqueboat, estilo transatlántico, blanco moderno, art déco futurista, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderne, PWA Moderne, PWA/WPA Moderne, Federal Moderne, Depression Moderne, Classical Moderne, Modernismo clásico. Clásica modernista, Escuela de Chicago, Cubismo arquitectónico checo, Futurismo italiano, Escuela de la pradera, Teatro atmosférico, Med Deco, Escuela de Amsterdam, Nieuwe Zakelijkheid (Nueva objetividad), Renacimiento maya, Secesión japonesa, Estilo Pueblo español, Pueblo Deco, Romanticismo nacional finlandés, Neogótico, Neobizantino, Neoegipcio, Misión española, Escuela Internacional, Estilo Internacional Europeo, Wiener Werkstätte, Gratis Clasicismo, neoclasicismo despojado, clasicismo libre déco, clasicismo despojado, moderno de transición y Vogue Regency.
Orígenes
Materiales y tecnologías novedosos
El surgimiento y las características estéticas del Art Déco estuvieron determinados fundamentalmente por materiales y tecnologías innovadores, en particular el hormigón armado. François Coignet construyó la casa inaugural de hormigón en 1853 en los suburbios parisinos. Posteriormente, en 1877, Joseph Monier fue pionero en el concepto de hormigón armado mediante la integración de una malla de varillas de hierro dispuestas en configuración de rejilla. Auguste Perret avanzó aún más en esto en 1893 al construir el primer garaje de hormigón de París, seguido de un edificio de apartamentos, una residencia privada y, finalmente, en 1913, el Théâtre des Champs-Élysées.
Un crítico menospreció el teatro como el "Zeppelin de la Avenida Montaigne", atribuyendo su diseño a una supuesta influencia germánica derivada de la Secesión de Viena. Después de este período, la mayoría de las estructuras Art Déco se construyeron con hormigón armado, un material que brindaba una mayor flexibilidad formal y reducía la necesidad de pilares y columnas estructurales. Perret también innovó al revestir superficies de hormigón con baldosas cerámicas, que cumplen funciones protectoras y decorativas. Le Corbusier, el renombrado arquitecto, inicialmente adquirió conocimientos sobre aplicaciones de hormigón armado durante su mandato como dibujante en el estudio de Perret.
Los avances tecnológicos adicionales cruciales para el Art Déco incluyeron técnicas novedosas para fabricar placas de vidrio, que redujeron los costos y facilitaron la creación de ventanas significativamente más grandes y robustas. Además, la producción en masa de aluminio se volvió fundamental, inicialmente para la construcción y los marcos de ventanas, y posteriormente, gracias al trabajo de Corbusier, Warren McArthur y otros diseñadores, para muebles livianos.
La Secesión de Viena y Wiener Obras públicas (1897-1912)
Los arquitectos asociados con la Secesión de Viena, establecida en 1897, particularmente Josef Hoffmann, ejercieron una influencia significativa en el movimiento Art Déco. El Palacio Stoclet de Hoffmann en Bruselas (1905-1911) sirvió como un ejemplo arquetípico del naciente estilo Art Déco, caracterizado por sus volúmenes geométricos, composición simétrica, formas rectilíneas, superficies de hormigón adornadas con placas de mármol, ornamentación meticulosamente esculpida e interiores opulentos, en particular con frisos de mosaicos de Gustav Klimt. Además, Hoffmann cofundó Wiener Werkstätte (1903-1932), un influyente colectivo de artesanos y diseñadores de interiores dedicados a la estética emergente. Esta organización inspiró posteriormente la formación de la Compagnie des arts français en 1919, que unió a André Mare y Louis Süe, quienes se convirtieron en destacados diseñadores y decoradores franceses del Art Déco.
Sociedad de Artistas Decorativos (1901–1945)
La génesis del Art Déco estuvo intrínsecamente ligada a la elevada posición de los artistas decorativos, que hasta finales del siglo XIX habían sido categorizados simplemente como artesanos. En Francia, la denominación artes decorativas ganó popularidad a medida que aumentaba el prestigio de las artes decorativas. En 1875, el gobierno francés reconoció formalmente a los diseñadores de muebles, fabricantes textiles y otros artesanos cualificados como artistas legítimos. La Société des artistas decoradores (Sociedad de Artistas Decorativos), abreviada como SAD, se creó en 1901 y concedía a los artistas decorativos derechos de autoría equivalentes a los de pintores y escultores. En Italia se produjo una evolución artística paralela que culminó en 1902 en la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna en Turín, la exposición internacional inaugural dedicada exclusivamente a las artes decorativas.
París vio la creación de varias nuevas publicaciones periódicas dedicadas a las artes decorativas, en particular Arts et decoración y L'Art decoratif moderne. Se incorporaron secciones específicas para artes decorativas en las exposiciones anuales de la Sociéte des Artistes français, seguidas de su inclusión en el Salon d'Automne. El nacionalismo francés también contribuyó al resurgimiento de las artes decorativas, impulsado por las preocupaciones de los diseñadores franceses por la creciente afluencia de muebles alemanes más asequibles. En 1911, la SAD propuso una importante exposición internacional de artes decorativas, inicialmente prevista para 1912. Esta exposición pretendía presentar creaciones exclusivamente modernas, prohibiendo explícitamente las reproducciones de estilos históricos. Posteriormente, el evento se retrasó hasta 1914 y luego, debido a la guerra, se pospuso hasta 1925, momento en el que prestó su nombre a todo el movimiento estilístico conocido como "Déco".
Los grandes almacenes y los diseñadores de moda parisinos jugaron un papel decisivo en el surgimiento del Art Déco. Empresas líderes, entre ellas el fabricante de platería Christofle, el artista del vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron, comenzaron a desarrollar productos en estilos contemporáneos. A partir de 1900, los grandes almacenes comenzaron a emplear artistas decorativos dentro de sus estudios de diseño exclusivos. El esquema decorativo del Salon d'Automne de 1912 se asignó a los grandes almacenes Printemps, que posteriormente establecieron su propio taller, Primavera, ese mismo año.
En 1920, Primavera se había ampliado hasta incluir a más de 300 artistas, cuya producción creativa abarcaba un espectro que iba desde interpretaciones modernizadas de Luis XIV, Luis XVI y, en particular, Luis Desde muebles Philippe, elaborados por Louis Süe y el taller Primavera hasta diseños más contemporáneos procedentes del taller de los grandes almacenes Au Louvre. Por el contrario, diseñadores como Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot evitaron la producción en masa y abogaron por la artesanía individual de cada artículo. La naciente estética Art Déco se caracterizó por materiales raros y opulentos como el ébano, el marfil y la seda, junto con paletas de colores vibrantes y motivos estilizados, en particular cestas y diversos arreglos florales, que en conjunto impartían una apariencia modernista.
Durante su período de formación entre 1910 y 1914, el Art Déco se manifestó como una vibrante exhibición cromática, caracterizada por tonos brillantes y frecuentemente contrastantes, a menudo incorporados en patrones florales en tapicería de muebles, alfombras, biombos, papel tapiz y telas. En el Salón de artistas decoradores de 1912 se exhibieron numerosas piezas coloridas, como sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una vívida alfombra Gobelin de Paul Follot. Entre 1912 y 1913, el diseñador Adrien Karbowsky creó una silla floral adornada con un motivo de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet. Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare debutaron en la exposición de 1912 bajo el nombre de Atelier français, donde integraron telas policromáticas con materiales lujosos y exóticos, como el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, su empresa saltó a la fama entre las empresas francesas de diseño de interiores, amueblando los salones y cabinas de primera clase de los transatlánticos franceses.
En su nacimiento, entre 1910 y 1914, el Art Déco fue una explosión de colores, con tonos brillantes y a menudo contrastantes, frecuentemente en diseños florales, presentados en tapizados de muebles, alfombras, biombos, papel tapiz y telas. En el Salón de artistas decoradores de 1912 se presentaron muchas obras coloridas, incluidas sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una brillante alfombra Gobelin de Paul Follot. En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky hizo una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet. Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exposición de 1912, bajo el nombre de Atelier français, combinando tejidos policromados con materiales exóticos y caros, como el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtieron en una de las firmas francesas de diseño de interiores más destacadas, produciendo muebles para los salones y cabinas de primera clase de los transatlánticos franceses.
La vibrante paleta de colores característica del Art Déco se inspiró en diversos orígenes, en particular los exóticos diseños escénicos creados por Léon Bakst para los Ballets Rusos, que cautivaron al público parisino poco antes de la Primera Guerra Mundial. Ciertos colores fueron influenciados por el anterior movimiento fauvismo, encabezado por Henri. Matisse; otros por el orfismo de artistas como Sonia Delaunay; y otros del movimiento Les Nabis, así como las creaciones del pintor simbolista Odilon Redon, que concibió mamparas para chimeneas y diversos elementos decorativos. Los tonos brillantes fueron un sello distintivo de la obra del diseñador de moda Paul Poiret, que tuvo un impacto significativo tanto en la moda Art Déco como en el diseño de interiores.
El Teatro de los Campos Elíseos, construido entre 1910 y 1913 por Auguste Perret, se erige como el Se completa el emblemático edificio Art Déco inaugural en París. Antes de esto, el hormigón armado se utilizaba exclusivamente en estructuras industriales y residenciales; El propio Perret había completado previamente el primer edificio de apartamentos moderno de hormigón armado de París en la rue Benjamin Franklin entre 1903 y 1904. Henri Sauvage, otro importante arquitecto que más tarde contribuiría al Art Déco, erigió una estructura similar en 1904 en el número 7 de la rue Trétaigne.
El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret, fue el primer edificio emblemático Art Déco terminado en París. Hasta entonces, el hormigón armado sólo se utilizaba en edificios industriales y de viviendas; Perret construyó en 1903-1904 el primer edificio de viviendas moderno de hormigón armado en París, en la rue Benjamin Franklin. Henri Sauvage, otro importante futuro arquitecto Art Déco, construyó otro en 1904 en el número 7 de la rue Trétaigne (1904).
De 1908 a 1910, Le Corbusier, que entonces tenía 21 años, trabajó como dibujante en la oficina de Perret, adquiriendo experiencia en métodos de construcción con hormigón. Los diseños arquitectónicos de Perret, caracterizados por sus limpias formas rectangulares, ornamentación geométrica y líneas rectas, presagiaron los rasgos distintivos del Art Déco. El diseño interior del teatro fue igualmente innovador, con altos relieves de Antoine Bourdelle en la fachada, una cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard y un telón Art Déco de Ker-Xavier Roussel. Este lugar acogió en particular numerosas actuaciones inaugurales de los Ballets Rusos. En la década de 1920, Perret y Sauvage se habían convertido en destacados arquitectos Art Déco en París.
Cubismo
Con origen en Francia entre 1907 y 1912, el movimiento artístico cubista influyó significativamente en la evolución del Art Déco. Alistair Duncan observó:
- "El cubismo, de una forma bastarda u otra, se convirtió en la lengua franca de los artistas decorativos de la época."
Los artistas cubistas fueron notablemente influenciados por Paul Cézanne, demostrando un interés en reducir las formas a sus componentes geométricos fundamentales: el cilindro, la esfera y el cono.
En 1912, los artistas asociados con la Sección de Oro presentaron obras que eran significativamente más comprensibles para el público en comparación con el cubismo analítico de Picasso y Braque. Esta accesibilidad posicionó la estética cubista para atraer a los diseñadores de moda, muebles y interiores.
En el Salón de Otoño de 1912, dentro de la sección Art Décoratif, se exhibió una instalación arquitectónica titulada La Maison Cubiste. Raymond Duchamp-Villon diseñó su fachada, mientras que André Mare se encargó de la decoración interior. La Maison Cubiste era una exposición completamente amueblada, con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio y una sala de estar (específicamente el Salon Bourgeois) que exhibía pinturas de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger y Roger de La Fresnaye. Miles de asistentes al salón exploraron este modelo a escala real.
La fachada de Duchamp-Villon para la casa, aunque incorporaba dinteles y frontones prismáticos, no se consideraba excepcionalmente radical según los estándares contemporáneos, y se parecía en gran medida a la arquitectura típica de época. Por el contrario, los diseños de Mare para las dos habitaciones interiores fueron revolucionarios, presentando papel tapiz con rosas estilizadas y motivos florales, junto con tapizados, muebles y alfombras adornados con motivos extravagantes y vibrantes, marcando un claro alejamiento de la decoración convencional. El crítico Emile Sedeyn, en un artículo de la revista Art et Décoration, describió el trabajo de Mare: "No se avergüenza de la sencillez, pues multiplica las flores dondequiera que puedan colocarse. El efecto que busca es obviamente pintoresco y alegre. Lo logra". El elemento cubista dentro de la instalación surgió principalmente de las pinturas expuestas. A pesar de los ataques críticos iniciales que lo calificaron de extremadamente radical, esta controversia contribuyó a su éxito generalizado. La instalación arquitectónica viajó posteriormente al Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. Esta exposición popularizó significativamente el término "cubista", lo que llevó a su aplicación a varias tendencias modernas, desde los peinados de las mujeres hasta la moda y las producciones teatrales.
Las influencias cubistas persistieron dentro del Art Déco, incluso cuando el movimiento se diversificó en muchas otras direcciones estilísticas.
La geometría esbozada del cubismo se convirtió en moneda de cambio en la década de 1920. El desarrollo por parte del Art Déco de la geometría selectiva del cubismo en una gama más amplia de formas llevó el cubismo como taxonomía pictórica a un público mucho más amplio y a un atractivo más amplio. (Richard Harrison Martin, Museo Metropolitano de Arte)
Influencias
Estilos europeos anteriores a la Primera Guerra Mundial
El Art Déco abarcaba una amplia gama de estilos, que a menudo exhibían características contradictorias, en lugar de representar una estética singular. Arquitectónicamente, el Art Déco surgió como sucesor y contrapunto estilístico del Art Nouveau, que había florecido en toda Europa entre 1895 y 1900. También coexistió con los movimientos Beaux-Arts y neoclásicos predominantes en la arquitectura europea y americana. En 1905, Eugène Grasset publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, una obra que exploraba sistemáticamente las dimensiones decorativas (ornamentales) de elementos, formas, motivos y sus variaciones geométricos. Esta publicación presentaba una clara desviación del ondulante estilo Art Nouveau, ejemplificado por Héctor Guimard, que había sido muy popular en París sólo unos años antes. Grasset enfatizó el principio fundamental de que varias formas geométricas simples, como triángulos y cuadrados, sustentan todos los arreglos compositivos. Las estructuras de hormigón armado diseñadas por Auguste Perret y Henri Sauvage, en particular el Théâtre des Champs-Élysées, introdujeron metodologías constructivas y decorativas innovadoras que posteriormente fueron emuladas en todo el mundo.
Influencias de civilizaciones antiguas y globales
En el ámbito de la decoración, el Art Déco integró ampliamente diversos elementos estilísticos. Estas influencias abarcaron el arte global premoderno, fácilmente accesible para su estudio en instituciones como el Musée du Louvre, el Musée de l'Homme y el Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. Además, una creciente fascinación pública por la arqueología, estimulada por importantes excavaciones en Pompeya, Troya y el descubrimiento de la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII Dinastía, contribuyó a este préstamo ecléctico. En consecuencia, artistas y diseñadores sintetizaron motivos derivados del antiguo Egipto, África, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia, Mesoamérica y Oceanía con la estética contemporánea de la Era de las Máquinas.
Integración de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX
Las influencias estilísticas adicionales incorporadas al Art Déco incluyeron el futurismo, el orfismo, el funcionalismo y el movimiento modernista más amplio. El cubismo, cuando se adaptó de las bellas artes a aplicaciones decorativas como textiles o papel tapiz, reveló su potencial decorativo inherente dentro de la estética Art Déco. Sonia Delaunay conceptualizó notablemente sus diseños de vestidos de manera abstracta y geométrica, describiéndolos como "pinturas vivas o esculturas de formas vivas". Louis Barrilet también realizó diseños de inspiración cubista para las vidrieras del bar americano del Atrium Casino de Dax (1926), incorporando ingeniosamente los nombres de los cócteles de moda. Arquitectónicamente, la pronunciada interacción entre volúmenes horizontales y verticales, una característica compartida por el constructivismo ruso y los principios de diseño de Frank Lloyd Wright y Willem Marinus Dudok, se convirtió en una técnica predominante para articular fachadas Art Déco en varios tipos de edificios, desde residencias privadas y bloques de apartamentos hasta cines y gasolineras. Además, el Art Déco se inspiró en las paletas de colores y diseños vibrantes, a menudo contradictorios, del fauvismo, particularmente evidentes en las obras de Henri Matisse y André Derain, que influyeron en los textiles, el papel tapiz y las cerámicas pintadas del Art Déco. El movimiento también asimiló elementos de la alta costura contemporánea, caracterizada por patrones geométricos, galones, zigzags y arreglos florales estilizados. Otras influencias surgieron de los descubrimientos en egiptología y de un creciente interés por el arte oriental y africano. Después de 1925, la fascinación por la maquinaria emergente, incluidos dirigibles, automóviles y transatlánticos, sirvió con frecuencia de inspiración, culminando en 1930 en el estilo distintivo conocido como Streamline Moderne.
Exposición Internacional de Artes Modernas Decorativas e Industriales (1925)
La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, celebrada en París de abril a octubre de 1925, representó el pináculo del estilo Art Déco y le otorgó su nombre perdurable. Patrocinado oficialmente por el gobierno francés, este gran evento abarcó un sitio de 55 acres en París, que se extendía desde el Grand Palais en la margen derecha hasta Les Invalides en la margen izquierda y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, la sala de exposiciones más grande de la ciudad, exhibió artes decorativas de los países participantes. La exposición contó con 15.000 expositores en representación de veinte países, entre ellos Austria, Bélgica, Checoslovaquia, Dinamarca, el Reino Unido, Italia, Japón, los Países Bajos, Polonia, España, Suecia y la naciente Unión Soviética. Alemania no recibió una invitación debido a las tensiones de la posguerra, mientras que Estados Unidos declinó participar, habiendo malinterpretado el objetivo principal de la exposición. Durante sus siete meses de duración, el evento atrajo a dieciséis millones de visitantes. Una regla fundamental de la exposición exigía que todas las obras expuestas se adhirieran a la estética moderna, prohibiendo estrictamente los estilos históricos. El objetivo principal de la Exposición era promover los fabricantes franceses de artículos de lujo, incluidos muebles, porcelana, vidrio, metalistería y textiles. Para lograr este objetivo, todos los grandes almacenes parisinos y los diseñadores más destacados establecieron sus propios pabellones. Un objetivo secundario de la Exposición era mostrar productos de las colonias francesas en África y Asia, como marfil y maderas exóticas.
El Hôtel du Collectionneur surgió como una atracción notable en la Exposición, presentando nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, junto con telas Art Déco, alfombras y una pintura de Jean Dupas. Su diseño interior se adhirió a principios de simetría y formas geométricas, que lo distinguen del Art Nouveau, e incorporó colores vibrantes, artesanía exquisita y materiales raros y costosos, que lo distinguen de la austera funcionalidad del estilo modernista. Mientras que la mayoría de los pabellones estaban profusamente adornados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones (el de la Unión Soviética y el Pabellón de L'Esprit Nouveau, construido por la revista del mismo nombre bajo la dirección de Le Corbusier) adoptaron una estética austera con paredes blancas y una decoración mínima, lo que representa algunos de los primeros ejemplos de arquitectura modernista.
Art Déco tardío
En 1925, dos escuelas de pensamiento distintas y a menudo en competencia coexistían dentro del Art Déco. Entre los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos, se encontraban figuras como el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret. Este grupo integró formas modernas con artesanía tradicional y utilizó materiales costosos. Por el contrario, los modernistas rechazaron cada vez más los precedentes históricos y abogaron por un estilo arraigado en los avances tecnológicos, la simplicidad, la ausencia de ornamentación, los materiales baratos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos, en 1929. Entre sus miembros estaban los arquitectos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier y Konstantin Melnikov en la Unión Soviética; la diseñadora irlandesa Eileen Gray; la diseñadora francesa Sonia Delaunay; y los joyeros Georges Fouquet y Jean Puiforcat. Criticaron con vehemencia el estilo tradicional Art Déco, especialmente a los diseñadores que se centraban en crear piezas únicas de edición limitada exclusivamente para una clientela adinerada. Desde la perspectiva modernista, el futuro de las artes decorativas no estaba dictado únicamente por las preferencias estéticas de los ricos, sino que necesitaba "un diseño excelente para todos" en la nueva era. Postularon que la forma debería seguir inherentemente a la función, afirmando que la belleza de un objeto o edificio residía en su perfecta idoneidad para el propósito previsto. Además, creían que los métodos industriales modernos permitían la producción en masa de muebles y edificios, eliminando la dependencia exclusiva de la artesanía, y que la producción en masa y la calidad no eran inherentemente mutuamente excluyentes.
El diseñador francés de artes decorativas Paul Follot abogó por una interpretación más tradicional y ornamental del Art Déco, afirmando que "lo 'necesario' por sí solo no es suficiente para el hombre y que lo superfluo es indispensable para él... o suprimamos también la música, las flores, los perfumes... ¡y las sonrisas de las damas!" En contraste, Le Corbusier, un destacado defensor de la arquitectura modernista, declaró que una casa era simplemente "una máquina para vivir" y promovió incansablemente el modernismo como el futuro, posicionando al Art Déco como una reliquia del pasado. Los conceptos de Le Corbusier ganaron progresivamente fuerza dentro de la educación arquitectónica, lo que llevó al eventual abandono de la estética Art Déco. Paradójicamente, los mismos atributos que inicialmente impulsaron la popularidad del Art Déco (su meticulosa artesanía, materiales opulentos y ornamentación elaborada) contribuyeron en última instancia a su declive. El inicio de la Gran Depresión en los Estados Unidos en 1929, que posteriormente afectó a Europa, redujo drásticamente el número de clientes adinerados capaces de encargar muebles y objetos de arte a medida. En medio de la austeridad económica de la Depresión, pocas empresas se mostraron dispuestas a emprender la construcción de nuevos rascacielos. Incluso la estimada firma Ruhlmann se adaptó produciendo muebles en serie, alejándose de las piezas hechas a mano individualmente. Las últimas estructuras parisinas erigidas en este estilo distintivo incluyeron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (que ahora alberga el Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia), el Palacio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu y Léon Azéma, y el Palacio de Tokio, todos terminados para la Exposición Internacional de París de 1937. Estos edificios se encontraban frente al imponente pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer, que a su vez estaba frente al igualmente monumental pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el Estilo Internacional, defendido por figuras como Le Corbusier y Mies van der Rohe, surgió como el paradigma arquitectónico predominante. Si bien se construyó un número limitado de hoteles Art Deco en Miami Beach en la posguerra, el estilo retrocedió en gran medida en otros lugares, persistiendo principalmente en aplicaciones de diseño industrial como el diseño de automóviles y productos como máquinas de discos. La década de 1960 fue testigo de un modesto resurgimiento académico del Art Déco, en parte atribuible a las contribuciones académicas de los historiadores de la arquitectura, incluido Bevis Hillier. En la década de 1970, se lanzaron iniciativas en Estados Unidos y Europa para salvaguardar ejemplos importantes de arquitectura Art Déco, lo que resultó en la restauración y reutilización adaptativa de numerosos edificios. La arquitectura posmoderna, que surgió en la década de 1980, incorporaba frecuentemente elementos puramente decorativos, característica compartida con el Art Déco. La estética Deco continúa influyendo en los diseñadores contemporáneos y encuentra aplicación en la moda, las joyas y los artículos de tocador modernos.
Pintura
La Exposición de 1925 no contó con una sección dedicada a la pintura. La pintura Art Déco era inherentemente decorativa, concebida para complementar una habitación o un diseño arquitectónico, por lo que pocos artistas practicaban exclusivamente este estilo. Sin embargo, dos pintores están particularmente asociados con el Art Déco. Jean Dupas creó murales Art Déco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París y también produjo la pintura sobre la repisa de la repisa de la exposición Maison du Collectionneur en la misma exposición, que exhibía muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores Art Déco. Sus murales también fueron un elemento destacado en el diseño interior del transatlántico francés SS Normandie. Su producción artística fue puramente ornamental, destinada a servir como telón de fondo o complemento a otros elementos de diseño.
Tamara de Lempicka es la otra pintora muy identificada con el estilo Art Déco. Nacida en Polonia, se mudó a París después de la Revolución Rusa. Continuó sus estudios con Maurice Denis y André Lhote, integrando numerosos elementos estilísticos de sus obras. Sus retratos se caracterizan por una estética Art Déco realista, dinámica y vibrante.
La década de 1930 fue testigo del surgimiento de un estilo de pintura Art Déco distintivo en los Estados Unidos. Durante la Gran Depresión, se estableció el Proyecto Federal de Arte, una iniciativa de la Works Progress Administration, para proporcionar empleo a los artistas. Se encargó a numerosos artistas que adornaran estructuras públicas, incluidos edificios gubernamentales, hospitales e instituciones educativas. Si bien ninguna estética Art Déco singular dominó estos murales, los artistas contratados para encargos gubernamentales representaban diversos movimientos artísticos, que iban desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social. Entre los contribuyentes notables se encuentran Reginald Marsh, Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera. La clasificación Art Déco de estos murales se debió a su naturaleza decorativa y relevancia temática para el edificio o lugar específico. Por ejemplo, Reginald Marsh y Rockwell Kent embellecieron las instalaciones postales de Estados Unidos con representaciones de trabajadores postales, mientras que Diego Rivera retrató a trabajadores de una fábrica de automóviles para el Instituto de Artes de Detroit. El mural de Rivera de 1933, El hombre en la encrucijada, encargado para el número 30 de Rockefeller Plaza, incluía de manera controvertida una imagen no autorizada de Lenin. Tras la negativa de Rivera a eliminar el retrato, la obra de arte fue destruida y posteriormente sustituida por un nuevo mural ejecutado por el artista español Josep Maria Sert.
Escultura
Escultura monumental y pública
La escultura constituyó un elemento omnipresente y fundamental del diseño arquitectónico Art Déco. En Francia, el Théâtre des Champs-Élysées, el primer hito Art Déco de París, fue adornado en 1912 con bajorrelieves alegóricos de Antoine Bourdelle, que representan temas de danza y música. La Exposición de 1925 presentó importantes instalaciones escultóricas en todo su recinto, con pabellones a menudo adornados con frisos escultóricos y espacios dedicados a esculturas de estudio más pequeñas. Durante la década de 1930, un colectivo de distinguidos escultores contribuyó con obras a la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot, por ejemplo, creó las esculturas en relieve para la fachada del Palacio de Tokio. El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y la explanada frente al Palacio de Chaillot, con vista a la Torre Eiffel, fueron poblados con nuevas estatuas de artistas como Charles Malfray y Henry Arnold.
La escultura pública Art Déco presentaba predominantemente formas representativas, típicamente representando figuras heroicas o alegóricas cuyos temas correspondían a la función del edificio o espacio. Los mecenas, más que los artistas, generalmente determinaban estas selecciones temáticas. La escultura abstracta con fines decorativos era excepcionalmente poco común.
En los Estados Unidos, Paul Manship surgió como el principal escultor Art Déco para encargos públicos, reinterpretando motivos clásicos y mitológicos dentro de un marco Art Déco. Su creación más famosa es la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York, que representa una interpretación del siglo XX de un tema clásico. Lee Lawrie también contribuyó con obras importantes al Rockefeller Center, en particular la fachada escultórica y la estatua del Atlas.
Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, numerosos escultores recibieron encargos para crear obras decorativas para edificios del gobierno federal, financiados por la Works Progress Administration (WPA). Entre estos artistas se encontraba Sidney Biehler Waugh, quien produjo representaciones estilizadas e idealizadas de trabajadores y sus ocupaciones para las estructuras administrativas federales. En San Francisco, Ralph Stackpole contribuyó con una escultura para la fachada del edificio recién construido de la Bolsa de Valores de San Francisco. Al mismo tiempo, Michael Lantz ejecutó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio en Washington D.C.
En Gran Bretaña, Eric Gill produjo estatuas públicas Art Déco para la BBC Broadcasting House, mientras que Ronald Atkinson adornó el vestíbulo del antiguo edificio Daily Express en Londres (1932).
Entre las esculturas públicas Art Déco más renombradas e inequívocamente la más grande se encuentra Cristo Redentor, creada por el escultor francés Paul Landowski. Completada entre 1922 y 1931, esta obra monumental está situada en la cima de una montaña con vistas a Río de Janeiro, Brasil.
Escultura de estudio
Las primeras esculturas Art Déco con frecuencia comprendían piezas más pequeñas destinadas a adornar salones. Una categoría distinta dentro de este género fue la estatuilla criselefantina, una designación derivada de la antigua práctica griega de elaborar estatuas de templos con oro y marfil. En ocasiones, estas estatuillas se fundían en bronce, pero la mayoría de las veces se elaboraban con materiales opulentos, como marfil, ónix, alabastro y pan de oro.
Demétre Chiparus, un artista nacido en Rumania conocido por sus pequeñas y vibrantes esculturas de bailarines, surgió como uno de los escultores de salón Art Déco más destacados. Otras figuras importantes de la escultura de salón fueron Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. Harriet Whitney Frishmuth, una influyente escultora estadounidense que trabaja en la tradición del estudio, también obtuvo reconocimiento, habiendo estudiado previamente con Auguste Rodin en París.
Pierre Le Paguays se distinguió como un notable escultor de estudio Art Déco, con sus creaciones presentadas en la Exposición de 1925. Su práctica artística involucró una amplia gama de materiales preciosos, incluidos bronce, mármol, marfil, ónix, oro y alabastro.
François Pompon fue pionero en la escultura animal estilizada moderna. Sus contribuciones artísticas recibieron pleno reconocimiento sólo a la edad de 67 años, durante el Salón de Otoño de 1922, por su obra Ours blanc, también conocida como El oso blanco, que ahora se encuentra en el Museo de Orsay de París.
Al mismo tiempo que estos escultores Art Déco, una cohorte de escultores modernistas abstractos y de vanguardia estuvo activa tanto en París como en la ciudad de Nueva York. Entre ellos se encontraban figuras destacadas como Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff y Pablo Gargallo.
Artes gráficas
La estética Art Déco surgió tempranamente dentro de las artes gráficas, antes de la Primera Guerra Mundial. Sus manifestaciones iniciales en París fueron evidentes en los diseños de carteles y vestuario de Léon Bakst para los Ballets Rusos, así como en los catálogos del diseñador de moda Paul Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepape, junto con las imágenes publicadas en la revista de moda La Gazette du bon ton, personificaban la elegancia y la sensualidad inherentes al estilo. Durante la década de 1920, la estética predominante evolucionó, enfatizando modas más informales, deportivas y audaces, a menudo representadas con modelos femeninas fumando cigarrillos. Destacadas publicaciones de moda estadounidenses, incluidas Vogue, Vanity Fair y Harper's Bazaar, adoptaron y difundieron rápidamente este nuevo estilo en todo Estados Unidos. Además, influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, Ludwig Hohlwein se distinguió como el cartelista más célebre de la época, produciendo carteles vibrantes y dramáticos para festivales de música, cervecerías y, más adelante en su carrera, para el Partido Nazi.
A diferencia del período Art Nouveau, cuando los carteles promocionaban principalmente producciones teatrales o cabarets, la década de 1920 fue testigo de un aumento en la popularidad de los carteles de viajes encargados por compañías navieras y aerolíneas. El enfoque estilístico sufrió una importante transformación durante esta década, desplazándose el foco hacia el producto anunciado. Las imágenes se volvieron más simplificadas, precisas, lineales y dinámicas, frecuentemente contrastadas con fondos monocromáticos. En Francia, destacados diseñadores Art Déco incluyeron a Charles Loupot y Paul Colin, este último ganó renombre por sus carteles con la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker. Jean Carlu creó carteles para películas de Charlie Chaplin, varias telenovelas y espacios teatrales; Posteriormente emigró a los Estados Unidos a finales de la década de 1930, donde diseñó carteles para apoyar la producción bélica durante la Segunda Guerra Mundial. Charles Gesmar logró reconocimiento por sus carteles para el cantante Mistinguett y Air France. Cassandre, célebre por su icónico cartel de 1935 del transatlántico SS Normandie, se encuentra entre los diseñadores de carteles art déco franceses más distinguidos.
Durante la década de 1930, surgió un género distinto de carteles en los Estados Unidos en medio de la Gran Depresión. El Federal Art Project encargó a artistas estadounidenses la producción de carteles destinados a promover el turismo y diversos eventos culturales.
Arquitectura
Estilos
El estilo arquitectónico Art Déco apareció por primera vez en París entre 1903 y 1904, marcado por la construcción de dos edificios de apartamentos: uno de Auguste Perret en la rue Benjamin Franklin y otro de Henri Sauvage en la rue Trétaigne. Estos dos arquitectos incipientes fueron pioneros en el uso del hormigón armado en estructuras residenciales parisinas. Los edificios resultantes presentaban líneas limpias, formas rectangulares y fachadas sin adornos, lo que significaba una clara desviación del estilo Art Nouveau. De 1910 a 1913, Perret aprovechó su experiencia en la construcción de viviendas en hormigón para erigir el Théâtre des Champs-Élysées en el número 15 de la Avenue Montaigne. Posteriormente, entre 1925 y 1928, Sauvage diseñó la nueva fachada Art Déco de los grandes almacenes La Samaritaine de París.
La influencia del Art Déco se extendió más allá de las estructuras terrestres; el transatlántico SS Normandie, que comenzó su viaje inaugural en 1935, exhibió la estética Art Déco, en particular en un comedor con un techo y elementos decorativos elaborados en vidrio por Lalique.
La arquitectura Art Déco se clasifica ocasionalmente en tres estilos distintos: Zigzag Moderne (también conocido como Jazz Moderne), Classic Moderne y Streamline Moderne.
Zigzag moderno
Zigzag Moderne (alternativamente denominado Jazz Moderne) representó la manifestación inicial del Art Déco en los Estados Unidos. La característica "zigzag" denota los perfiles escalonados de los rascacielos, diseñados para amplificar su altura percibida, y se aplicó predominantemente a importantes edificios públicos y comerciales, incluidos hoteles, cines, restaurantes, rascacielos y grandes almacenes.
Clásico moderno
Classic Moderne exhibe una estética más refinada con ornamentación reducida. Este estilo también se identifica ocasionalmente como PWA (Administración de Obras Públicas) Moderne o Depression Moderne, dada su prevalencia en proyectos iniciados por la PWA durante la era de la Gran Depresión.
Simplificar lo moderno
A finales de la década de 1930, surgió una variante distinta de la arquitectura Art Déco, conocida como Streamline Moderne, o simplemente Streamline. En Francia, se le denominó Style Paquebot, o estilo Ocean Liner. Las estructuras de este estilo se caracterizaban por esquinas redondeadas, líneas horizontales alargadas y una construcción principalmente de hormigón armado, normalmente con acabados en blanco. Con frecuencia incorporaban elementos náuticos, como barandillas y ojos de buey, que recordaban diseños de barcos. Si bien el concepto de esquinas redondeadas no era novedoso, ya que apareció en la Mossehaus de Erich Mendelsohn en Berlín en 1923 y posteriormente en el edificio Hoover, un complejo industrial en Perivale, Londres, su aplicación en los Estados Unidos quedó fuertemente vinculada con la infraestructura de transporte. Streamline Moderne se aplicó con poca frecuencia a edificios de oficinas, pero encontró un uso común en estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, incluida la terminal del aeropuerto LaGuardia en la ciudad de Nueva York, que facilitó los vuelos transatlánticos inaugurales a través de hidroaviones PanAm Clipper, así como en la arquitectura de las carreteras, como gasolineras y restaurantes. A finales de la década de 1930 se fabricaron e instalaron una serie de restaurantes, diseñados para emular vagones de ferrocarril aerodinámicos, en ciudades de Nueva Inglaterra; al menos dos de estos ejemplos persisten hoy como edificios históricos registrados.
Tipologías de edificios
Rascacielos
Los rascacielos estadounidenses representaron el pináculo del movimiento Art Déco y evolucionaron hasta convertirse en las estructuras modernas más altas y emblemáticas del mundo. Su diseño tenía como objetivo proyectar el prestigio de sus desarrolladores a través de una altura imponente, una forma distintiva, paletas de colores específicas y una sorprendente iluminación nocturna. El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) integró componentes modernos tanto góticos como art déco. Su fachada presentaba ladrillo negro, que simboliza el carbón, elegido para transmitir una sensación de solidez y masa sustancial. Otras secciones del exterior estaban adornadas con ladrillos dorados, que representaban el fuego, mientras que la entrada estaba adornada con mármol y espejos negros. Otro notable rascacielos Art Déco temprano fue el Guardian Building de Detroit, inaugurado en 1929. Concebido por el modernista Wirt C. Rowland, este edificio fue pionero en el uso de acero inoxidable como elemento decorativo e incorporó ampliamente diseños de colores, alejándose de la ornamentación convencional.
El edificio Chrysler en Manhattan, terminado en 1930 y diseñado por William Van Alen, transformó profundamente el horizonte de la ciudad de Nueva York. Esta estructura de setenta y siete pisos funcionó como un anuncio monumental de los automóviles Chrysler. Su vértice estaba coronado por una aguja de acero inoxidable y adornado con "gárgolas" Art Déco con forma de adornos de tapa de radiador de acero inoxidable. La base de la torre, situada a treinta y tres pisos sobre el nivel de la calle, estaba adornada con vibrantes frisos Art Déco, mientras que el vestíbulo presentaba símbolos e imágenes Art Déco que transmitían temas de modernidad.
La altura del edificio Chrysler fue superada posteriormente por el Empire State Building, diseñado por William F. Lamb (1931), que presentaba una estética Art Déco algo más sobria, y por el edificio RCA (ahora 30 Rockefeller Plaza), diseñado por Raymond Hood (1933). Estas estructuras redefinieron colectivamente el panorama arquitectónico de la ciudad de Nueva York. Arquitectónicamente, las secciones superiores de estos edificios estaban adornadas con coronas y chapiteles Art Déco, revestidos de acero inoxidable. El edificio Chrysler, específicamente, incorporó gárgolas Art Deco inspiradas en adornos de radiadores, mientras que sus entradas y vestíbulos exhibían opulentos adornos Art Deco, que incluían esculturas, cerámicas y elementos de diseño intrincados. Posteriormente surgieron edificios comparables, aunque menos imponentes, en Chicago y otras metrópolis estadounidenses importantes. El Rockefeller Center introdujo un concepto de planificación urbana innovador, con múltiples estructuras de gran altura agrupadas alrededor de una amplia plaza abierta, centrada por una fuente.
En Newark, Nueva Jersey, al otro lado del río Hudson, se erigieron rascacielos Art Déco durante las décadas de 1920 y 1930. Ejemplos notables incluyen la sede de New Jersey Bell (1929), diseñada por Ralph Thomas Walker; el Edificio Lefcourt (1930), de Frank Grad; y el Edificio Nacional Newark (1933), de John H. Wilson C. Ely. John Cotton Dana, que dirigía la Biblioteca Pública de Newark en aquella época, observó que estos desarrollos arquitectónicos transmutaron a Newark de "un monstruo Frankenstein industrial enorme, grosero e irreflexivo a un lugar de refinamiento".
Catedrales de Comercio
Los ejemplos más destacados del diseño de interiores Art Déco estadounidense se encontraron en los vestíbulos de edificios gubernamentales, teatros y, especialmente, edificios de oficinas comerciales. Estos interiores presentaban una estética vibrante y dinámica, integrando esculturas, murales e intrincados patrones geométricos ejecutados en mármol, vidrio, cerámica y acero inoxidable. Un ejemplo temprano es el edificio Fisher en Detroit, diseñado por Joseph Nathaniel French, donde el vestíbulo estaba ampliamente adornado con esculturas y cerámicas. El Guardian Building (inicialmente Union Trust Building) en Detroit, terminado en 1929 por Wirt Rowland, exhibía mármol rojo y negro junto con cerámicas de colores vivos, acentuadas por puertas y mostradores de ascensor de acero altamente pulido. Sus elementos escultóricos montados en la pared representaban las virtudes de la industria y el ahorro, lo que llevó a la designación inmediata del edificio como "Catedral del Comercio". El edificio médico y dental en 450 Sutter Street en San Francisco, diseñado por Timothy Pflueger, se inspiró en la arquitectura maya y se manifestó en una forma muy estilizada. Esta estructura incorporaba formas piramidales y sus paredes interiores estaban adornadas con hileras estilizadas de jeroglíficos.
En Francia, el ejemplo más destacado de diseño de interiores Art Déco de esta época es el Palais de la Porte Dorée (1931), una obra colaborativa de Albert Laprade, Léon Jaussely y Léon Bazin. Este edificio, que actualmente alberga el Museo Nacional de la Inmigración y un acuario en el sótano, fue construido originalmente para la Exposición Colonial de París de 1931 para conmemorar a los habitantes y las mercancías de las colonias francesas. Su fachada exterior estaba completamente adornada con esculturas, mientras que el vestíbulo logró una coherencia Art Déco a través de un piso de parquet de madera con patrones geométricos, un mural que retrata las poblaciones de las colonias francesas y una disposición equilibrada de puertas verticales y balcones horizontales.
Palacios del Cine
Los ejemplos más destacados de la arquitectura Art Déco que se conservan se encuentran con frecuencia en los cines construidos durante las décadas de 1920 y 1930. Esta era coincidió con la transición del cine mudo al sonoro, lo que llevó a las compañías cinematográficas a construir grandes salas cinematográficas en los principales centros urbanos para dar cabida a las crecientes audiencias. Los cines de la década de 1920 a menudo integraban temas exóticos con la estética Art Déco; por ejemplo, el Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood (1922) se inspiró en la arquitectura funeraria del antiguo Egipto, mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, California, integró una torre estilo Misión de California con un auditorio Art Déco. El más grande de ellos es el Radio City Music Hall de la ciudad de Nueva York, que comenzó a funcionar en 1932. Inicialmente concebido como un espacio para representaciones teatrales, rápidamente se transformó en un cine con capacidad para 6.015 espectadores. Su diseño interior, de Donald Deskey, utilizó vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear una experiencia visual inmersiva. El Paramount Theatre en Oakland, California, diseñado por Timothy Pflueger, presentaba una vibrante fachada de cerámica, un vestíbulo de cuatro pisos y distintos salones para fumadores Art Deco para caballeros y damas. En toda Europa surgieron palacios opulentos comparables. El Grand Rex de París (1932), distinguido por su imponente torre, se convirtió en el cine más grande de Europa después del Palacio Gaumont (1931-1973), con capacidad para 6.000 espectadores. El Gaumont State Cinema de Londres (1937) contaba con una torre modelada según el Empire State Building, revestida con azulejos de cerámica color crema y un interior que combinaba el Art Déco con los estilos del Renacimiento italiano. El Teatro Paramount en Shanghai, China (1933), inicialmente concebido como un salón de baile llamado La puerta de los 100 placeres, fue reutilizado como cine después de la Revolución Comunista de 1949 y actualmente funciona como salón de baile y discoteca. En la década de 1930, arquitectos italianos construyeron un cine más pequeño, el Cinema Impero, en Asmara, situada en la actual Eritrea. Si bien muchas de estas salas de cine históricas se han subdividido en multicines, otras han sido restauradas y ahora sirven como centros culturales dentro de sus comunidades.
Elementos decorativos y motivos temáticos
La ornamentación Art Déco evolucionó a través de varias fases distintas. De 1910 a 1920, coincidiendo con el declive del Art Nouveau, la estética del diseño volvió a las formas tradicionales, ejemplificadas notablemente en las creaciones de Paul Iribe. En 1912, André Vera publicó un ensayo en la revista L'Art Décoratif abogando por un retorno a la artesanía y los materiales de siglos anteriores, junto con un novedoso repertorio de formas naturales, en particular cestas y guirnaldas de frutas y flores. Al mismo tiempo, otra tendencia Art Déco de la misma década se inspiró en las paletas vibrantes del movimiento artístico fauvista y en los elaborados trajes y escenografías de los Ballets Rusos. Este estilo se manifestaba frecuentemente a través de materiales exóticos como piel de tiburón, nácar, marfil, cuero teñido, madera lacada y pintada e incrustaciones decorativas en muebles que acentuaban sus cualidades geométricas. Este período estilístico particular culminó en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. A finales de los años 20 y durante toda la década de los 30, el estilo decorativo se transformó, influenciado por nuevos materiales y avances tecnológicos. Se volvió más elegante y menos ornamentado. Los muebles, que reflejan las tendencias arquitectónicas, comenzaron a presentar bordes redondeados y adoptar una apariencia pulida y estilizada, derivada del estilo Streamline Moderne. Materiales novedosos, como el acero niquelado o cromado, el aluminio y la baquelita (uno de los primeros plásticos sintéticos), prevalecieron en muebles y aplicaciones decorativas.
A lo largo de la era Art Déco, y especialmente durante la década de 1930, los motivos decorativos frecuentemente transmitían la función prevista para el edificio. Los teatros estaban adornados con esculturas que ilustraban música, danza y emoción; las compañías eléctricas mostraban amaneceres; El edificio Chrysler presentaba adornos estilizados en el capó. Por ejemplo, los frisos del Palacio de la Porte Dorée en la Exposición Colonial de París de 1931 representaban las diversas nacionalidades que habitaban las colonias francesas. El estilo Streamline daba la impresión de que el edificio mismo estaba en movimiento. De manera similar, los murales de la Works Progress Administration (WPA) de la década de 1930 a menudo retrataban a individuos comunes, como trabajadores de fábricas, empleados postales, familias y agricultores, como protagonistas, divergiendo de los héroes clásicos tradicionales.
El Art Déco, que refleja la intrincada era de la que surgió, se caracteriza mejor por una serie de contradicciones inherentes, como la interacción entre minimalismo y maximalismo, angularidad y fluidez, formas de zigurat y diseños estilizados, y simetría e irregularidad. La iconografía seleccionada por los artistas Art Déco para representar este período estaba igualmente repleta de paradojas. Por ejemplo, bellas doncellas con atuendos del siglo XVIII coexisten con mujeres elegantes y sofisticadas y desnudos yacentes, mientras los relámpagos iluminan estilizados capullos de rosa.
Muebles
Los muebles franceses producidos entre 1910 y principios de la década de 1920 constituyeron principalmente una evolución de los estilos de muebles tradicionales franceses, incorporando elementos de los diseños Art Nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet y otros fabricantes. Los fabricantes de muebles franceses percibieron una amenaza por el creciente protagonismo de los fabricantes alemanes y sus estilos, concretamente el estilo Biedermeier, que destaca por su sencillez y líneas limpias. En respuesta, Frantz Jourdain, diseñador francés y presidente del Salón de Otoño de París, extendió una invitación a los diseñadores de Munich para participar en el Salón de 1910. Los diseñadores franceses, al observar la estética alemana emergente, decidieron contrarrestar este desafío. En consecuencia, decidieron exhibir novedosos estilos franceses en el Salón de 1912, cuyo reglamento estipulaba la exposición exclusiva de diseños modernos. Participaron todos los principales diseñadores de muebles franceses, incluidos Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare y Louis Suë, presentando piezas innovadoras que reinterpretaron los estilos tradicionales franceses, como los de Luis XVI y Luis Felipe. Estos nuevos diseños incorporaron formas angulares influenciadas por el cubismo y tonos vibrantes derivados del fauvismo y el movimiento nabis.
El pintor André Mare y el diseñador de muebles Louis Süe participaron en el Salón de 1912. Después de la guerra, los dos hombres colaboraron para establecer su propia empresa, formalmente denominada Compagnie des Arts Française, aunque comúnmente conocida como Suë y Mare. A diferencia de destacados diseñadores de Art Nouveau como Louis Majorelle, que elaboraban cada artículo individualmente, Mare y Süe reunieron un equipo de hábiles artesanos para producir diseños de interiores integrales, que abarcaban muebles, cristalería, alfombras, cerámica, papel tapiz e iluminación. Sus creaciones se caracterizaron por los colores vibrantes y el uso de maderas exquisitas, como el ébano con incrustaciones de nácar, abulón y metal plateado para formar motivos florales. Su cartera de diseños abarcaba desde interiores de transatlánticos hasta frascos de perfume para la marca Jean Patou. Aunque la empresa floreció a principios de la década de 1920, sus fundadores demostraron ser más hábiles como artesanos que como empresarios. En consecuencia, la empresa se vendió en 1928, lo que provocó la salida de ambos.
Émile-Jacques Ruhlmann, un diseñador alsaciano, emergió como el diseñador de muebles más destacado en la Exposición de Artes Decorativas de 1925. Inicialmente exhibió sus creaciones en el Salón de Otoño de 1913, y posteriormente estableció su pabellón dedicado, "La Casa del Coleccionista Rico", en la Exposición de 1925. Ruhlmann empleó exclusivamente los materiales más raros y costosos, como ébano, caoba, palo de rosa, ambón y otras maderas exóticas. A menudo estaban adornados con incrustaciones de marfil, carey y nácar, mientras que pequeños pompones de seda adornaban los tiradores de los cajones de los gabinetes. Sus diseños de muebles se inspiraron en modelos del siglo XVIII, que luego simplificó y reconfiguró. Un sello distintivo de su artesanía fue el completo ocultamiento de la estructura interna de los muebles. Normalmente, la estructura de roble estaba completamente envuelta por una capa inicial de finas tiras de madera, seguida de una segunda capa de maderas raras y caras. Luego, estas intrincadas capas fueron enchapadas y pulidas, creando la ilusión de que la pieza había sido esculpida a partir de un solo bloque sólido de madera. La madera oscura a menudo contrastaba con incrustaciones de marfil, placas de llaves y manijas. Ruhlmann postuló que los sillones requerían diseños distintos adaptados a las funciones específicas de las habitaciones que ocupaban: los sillones de sala fueron concebidos para la hospitalidad, las sillas de oficina para la comodidad y los sillones de salón para la opulencia. La producción de cada diseño de mobiliario se limitó a una pequeña cantidad de piezas, y el costo promedio de una de sus camas o gabinetes excedía el de una casa típica.
Jules Leleu, inicialmente un diseñador de muebles tradicional, hizo una transición perfecta al movimiento Art Déco durante la década de 1920. Entre sus encargos más destacados se encuentran los muebles del comedor del Palacio del Eliseo y los camarotes de primera clase del vapor Normandie. El estilo distintivo de Leleu incorporaba ébano, madera de Macassar y nogal, a menudo adornado con placas de marfil y nácar. Fue pionero en muebles Art Déco lacados a finales de la década de 1920 y, a finales de la década de 1930, introdujo diseños de metal con paneles de vidrio ahumado. Al mismo tiempo, en Italia, Gio Ponti ganó reconocimiento por la estética estilizada de sus muebles.
Los muebles opulentos y exóticos producidos por diseñadores como Ruhlmann y otros tradicionalistas provocaron una ira considerable entre los modernistas, en particular el arquitecto Le Corbusier. Este descontento llevó a Le Corbusier a escribir una destacada serie de artículos que criticaban con vehemencia el estilo artes decorativas. Condenó los muebles exclusivamente accesibles a los ricos, y abogó por que los diseñadores crearan piezas a partir de materiales económicos en un estilo contemporáneo, haciéndolas así asequibles para la población en general. Posteriormente, Le Corbusier desarrolló sus propios diseños de sillas, concebidos específicamente para la rentabilidad y la producción en masa.
Durante la década de 1930, los diseños de muebles evolucionaron para presentar superficies más suaves y formas curvilíneas. Entre los practicantes más destacados de este estilo Art Déco posterior se encontraba Donald Deskey, un diseñador muy influyente responsable del interior del Radio City Music Hall. Deskey combinó de manera innovadora materiales tradicionales y contemporáneos, como el aluminio, el cromo y la baquelita, uno de los primeros plásticos. Otros importantes diseñadores de muebles Art Déco estadounidenses de la década de 1930 fueron Gilbert Rohde, Warren McArthur y Kem Weber.
El estilo Cascada, caracterizado por su estética distintiva, alcanzó una gran popularidad durante las décadas de 1930 y 1940, convirtiéndose en la forma de mobiliario Art Déco predominante de esa época. Estas piezas generalmente estaban compuestas de madera contrachapada terminada con chapa rubia y presentaban bordes redondeados, evocando la impresión visual de una cascada.
Diseño
Streamline, una variante distinta del Art Déco, surgió a mediados de la década de 1930, inspirándose en los principios aerodinámicos contemporáneos desarrollados para la aviación y la balística para mitigar la resistencia a altas velocidades. Los diseñadores aplicaron estas características formas de bala a una amplia gama de artículos, incluidos automóviles, trenes y barcos, así como a objetos estacionarios como refrigeradores, surtidores de gasolina y estructuras arquitectónicas. El Chrysler Airflow de 1933 representó uno de los primeros vehículos de producción en incorporar este estilo. A pesar de su bajo rendimiento comercial, el atractivo estético y el diseño funcional del Airflow establecieron un precedente significativo para la modernidad, influyendo en el diseño automotriz hasta bien entrada la era posterior a la Segunda Guerra Mundial.
La llegada de nuevos materiales industriales impactó significativamente el diseño de automóviles y artículos para el hogar. Estos materiales incluían aluminio, cromo y baquelita, uno de los primeros plásticos sintéticos. La moldeabilidad inherente de la baquelita facilitó su rápida adopción en diversas formas, lo que llevó a su uso generalizado en teléfonos, radios y otros electrodomésticos.
Los transatlánticos adoptaron de manera similar una estética Art Déco, designada en francés como Estilo Paquebot, o "Estilo de Transatlántico". El SS Normandie, que inició su viaje transatlántico inaugural en 1935, es el ejemplo más célebre de este estilo. Su diseño tenía como objetivo específico transportar a los estadounidenses adinerados a París para ir de compras. Los camarotes y salones del barco exhibían los muebles y ornamentación Art Deco más contemporáneos. En particular, el Gran Salón del barco, que funcionaba como restaurante de primera clase, superó las dimensiones del Salón de los Espejos del Palacio de Versalles. La iluminación fue proporcionada por luces eléctricas integradas dentro de doce pilares de cristal Lalique, complementados por treinta y seis pilares correspondientes que recubren las paredes, lo que representa un ejemplo temprano de iluminación incorporada directamente al diseño arquitectónico. Este estilo de barco distintivo se adaptó posteriormente a la arquitectura terrestre. Un ejemplo destacado es el edificio del Museo Marítimo de San Francisco, construido originalmente como baño público en 1937, que evoca un ferry a través de sus barandillas y esquinas redondeadas. La terminal Star Ferry de Hong Kong también incorporó una variación de este enfoque arquitectónico.
Textiles
Los textiles constituyeron un componente importante de la estética Art Déco, manifestándose en papel tapiz, tapizados y alfombras vibrantes. Durante la década de 1920, los diseñadores se inspiraron en diversas fuentes, incluidas las escenografías de los Ballets Russes, los diseños de telas y el vestuario de Léon Bakst y las creaciones innovadoras de Wiener Werkstätte. Los primeros diseños de interiores de André Mare destacaban guirnaldas de rosas y flores de colores brillantes y muy estilizadas, que adornaban paredes, suelos y muebles. Motivos florales estilizados caracterizaron de manera similar las obras de Raoul Dufy y Paul Poiret, así como los diseños de muebles de J.E. Ruhlmann. A Paul Poiret se le atribuye la reinterpretación de la alfombra floral dentro del distintivo lenguaje Art Déco.
La adopción del estilo Art Déco avanzó significativamente con la implementación de la técnica de impresión basada en plantillas pochoir, que permitió a los diseñadores lograr líneas precisas y colores vibrantes. La estética Art Déco se integró en la indumentaria creada por diseñadores como Paul Poiret, Charles Worth y Jean Patou. Después de la Primera Guerra Mundial, la exportación de textiles y prendas de vestir surgió como una fuente principal de divisas para Francia.
Las manifestaciones posteriores del Art Déco en papel tapiz y textiles incorporaron con frecuencia representaciones estilizadas de paisajes industriales, panoramas urbanos, locomotoras y otros motivos contemporáneos. Estos diseños también incluían a menudo figuras femeninas estilizadas, detalles metálicos y patrones geométricos intrincados.
Moda
La moda experimentó una profunda transformación durante esta época, en gran medida influenciada por los diseñadores Paul Poiret y posteriormente Coco Chanel. Poiret fue pionero en el concepto de drapeado, marcando un alejamiento significativo de los métodos tradicionales de sastrería y patronaje. Sus diseños presentaban prendas cortadas con líneas rectas y compuestas por elementos rectangulares, enfatizando la simplicidad estructural. Se descartaron las restrictivas siluetas encorsetadas y los estilos formales que prevalecían en el período anterior, dando lugar a una moda más práctica y estilizada. Este cambio se vio facilitado aún más por la incorporación de materiales novedosos, tonos más brillantes y diseños impresos innovadores. Coco Chanel impulsó aún más esta evolución, popularizando un estilo caracterizado por la elegancia deportiva y casual.
Un arquetipo distintivo de la época fue la Flapper, caracterizada por su cabello corto, consumo de cócteles, fumar en público y bailar hasta altas horas de la noche en clubes de moda, cabarets o lugares bohemios. Sin embargo, esta representación representaba en gran medida una figura de la imaginación popular más que la realidad vivida por la mayoría de las mujeres. Otra estética femenina destacada del Art Déco fue la andrógina garçonne de la década de 1920, que presentaba un busto aplanado, una cintura indefinida y piernas expuestas, reduciendo así la silueta a una forma corta y tubular, a menudo complementada con un sombrero campana ajustado.
Joyas
Durante las décadas de 1920 y 1930, diseñadores destacados como René Lalique y Cartier intentaron disminuir la supremacía convencional de los diamantes incorporando una gama más amplia de piedras preciosas vibrantes, incluidas esmeraldas, rubíes y zafiros más pequeños. Al mismo tiempo, dieron prioridad a entornos muy complejos y refinados, utilizando a menudo materiales más accesibles como esmalte, vidrio, cuerno y marfil. Los propios diamantes tenían formas poco convencionales; La Exposición de 1925 mostró en particular numerosos diamantes tallados en varillas o cerillas en miniatura. Otros cortes de diamantes Art Déco populares incluyen:
- la talla esmeralda, que se distingue por sus facetas alargadas y escalonadas;
- la talla Asscher, que tiene una forma más cuadrada que la talla esmeralda, presenta una corona alta y destaca como la primera talla de diamante patentada;
- el corte marquesa, diseñado para crear una impresión de mayor tamaño y prominencia;
- el corte baguette, caracterizado por pequeñas formas rectangulares escalonadas que se emplean frecuentemente para acentuar piedras centrales más grandes;
- la antigua talla europea, una forma redonda facetada a mano diseñada para emitir destellos de color, conocidos como "fuego", desde el interior de la piedra preciosa.
Los engastes de diamantes también evolucionaron significativamente; Los joyeros preferían cada vez más el platino al oro debido a su resistencia y flexibilidad superiores, lo que facilitaba el engaste de racimos de piedras. Además, prevaleció la incorporación de materiales más oscuros, como esmaltes y ónix negro, ofreciendo un marcado contraste con el brillo de los diamantes.
Los diseños de joyería se volvieron notablemente más vibrantes y estilísticamente diversos. Empresas como Cartier y Boucheron integraron diamantes con una variedad de piedras preciosas de colores, meticulosamente cortadas en formas que recuerdan a hojas, frutas o flores, para crear broches, anillos, aretes, clips y colgantes. Al mismo tiempo, los motivos del Lejano Oriente ganaron considerable popularidad; placas de jade y coral se combinaron con platino y diamantes, mientras que estuches de tocador, pitilleras y polveras se adornaron con escenas de paisajes japoneses y chinos elaborados con nácar, esmalte y laca.
La rápida evolución de los estilos de ropa influyó directamente en la aparición de nuevos diseños de joyería. La prevalencia de los vestidos sin mangas en la década de 1920 requirió ornamentación en los brazos, lo que llevó a los diseñadores a producir rápidamente pulseras elaboradas en oro, plata y platino, a menudo con incrustaciones de lapislázuli, ónix, coral y otras piedras coloridas. Algunas pulseras estaban diseñadas específicamente para la parte superior del brazo y era común usar varias pulseras simultáneamente. Los peinados bob adoptados por las mujeres en la década de 1920 estimularon la creación de intrincados diseños de aretes Art Déco. Con la creciente visibilidad pública de las mujeres fumadoras, los diseñadores desarrollaron pitilleras y boquillas de marfil muy ornamentadas. La invención del reloj de pulsera antes de la Primera Guerra Mundial inspiró a los joyeros a crear relojes excepcionalmente decorados, frecuentemente con incrustaciones de diamantes y chapados en esmalte, oro y plata. Además, los relojes colgantes, suspendidos de cintas, también ganaron popularidad.
Durante esta época, destacados establecimientos de joyería parisinos como Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin y Van Cleef & Arpels produjo joyas y artículos decorativos que reflejaban la estética Art Déco emergente. Chaumet, por ejemplo, fabricó cajas de cigarrillos, encendedores, pastilleros y cuadernos altamente geométricos con piedras duras, adornados con jade, lapislázuli, diamantes y zafiros. Posteriormente, numerosos diseñadores emergentes se unieron a este movimiento, cada uno de los cuales aportó distintas interpretaciones del estilo Deco. Raymond Templier creó piezas con intrincados motivos geométricos, ejemplificados por aretes de plata que se asemejan a rascacielos. Gerard Sandoz, que comenzó su carrera como diseñador de joyas en 1921, a la edad de 18 años, produjo muchas obras aclamadas caracterizadas por la apariencia elegante y pulida de la maquinaria contemporánea. René Lalique, un renombrado diseñador de vidrio, también se aventuró en este ámbito, creando colgantes que representaban frutas, flores, ranas, hadas o sirenas a partir de vidrio esculpido de colores brillantes, suspendidos de cordones de seda adornados con borlas. El joyero Paul Brandt empleó patrones rectangulares y triangulares contrastantes, incrustando perlas en disposiciones lineales sobre placas de ónix. Jean Despres consiguió llamativos contrastes cromáticos en sus collares combinando materiales como la plata con laca negra o el oro con lapislázuli. Muchas de sus creaciones evocaban las superficies altamente pulidas de componentes industriales. Jean Dunand también se inspiró en la maquinaria moderna, integrando rojos y negros vibrantes que contrastaban con el metal pulido. Suzanne Belperron introdujo diseños escultóricos, utilizando materiales como cristal de roca y piedras semipreciosas, enfatizando así la adopción de elementos no convencionales en la época. Jean Fouquet, influenciado por el cubismo, incorporó materiales como el ébano y el acero cromado, infundiendo a las joyas Art Déco una clara sensibilidad modernista. Otros contribuyentes notables al movimiento Art Déco fueron Boucheron, Lacloche y el platero danés Georg Jensen, reconocido por su experiencia con la plata y las piedras preciosas más accesibles. Las firmas de joyería estadounidenses, incluidas Tiffany & Co., negro, Starr &Amp Frost y Marcus & Co., también hizo contribuciones sustanciales, produciendo relojes, objetos de arte y diversas piezas de joyería.
Arte del vidrio
Al igual que la era Art Nouveau anterior, el período Art Déco representó una época distinguida por el vidrio exquisito y otros elementos decorativos meticulosamente elaborados para complementar sus entornos arquitectónicos. René Lalique surgió como el creador de objetos de vidrio más célebre, con sus diversas obras, que van desde jarrones hasta adornos para capós de automóviles, convirtiéndose en emblemáticas de la época. Antes de la Primera Guerra Mundial, Lalique había realizado experimentos con vidrio, en particular diseñando frascos para los perfumes de François Coty; sin embargo, su importante producción de vidrio artístico no comenzó hasta después de la guerra. En 1918, a la edad de 58 años, adquirió una importante fábrica de vidrio en Combs-la-Ville, iniciando posteriormente la fabricación de artículos de vidrio tanto artísticos como utilitarios. Abordó el vidrio como medio escultórico, produciendo estatuillas, jarrones, cuencos, lámparas y diversos adornos. Lalique utilizó semicristal en lugar de cristal de plomo, favoreciendo sus propiedades más suaves y maleables, a pesar de su menor brillo. Si bien ocasionalmente empleó vidrio coloreado, optó con mayor frecuencia por vidrio opalescente, donde una parte o la totalidad de la superficie exterior se trataba con un lavado. Las contribuciones de Lalique se extendieron al suministro de paneles de vidrio decorativos, accesorios de iluminación y techos de vidrio iluminados para los transatlánticos SS Île de France en 1927 y el SS Normandie en 1935, así como para selectos vagones cama de primera clase en los ferrocarriles franceses. En la Exposición de Artes Decorativas de 1925, exhibió su propio pabellón, concibió un comedor completo con una mesa y un techo de vidrio a juego para el Pabellón de Sèvres, e ideó una fuente de vidrio para el patio Cours des Métiers: una esbelta columna de vidrio que emitía agua por sus lados y se iluminaba después del anochecer.
Entre otros destacados productores de vidrio Art Déco se encontraba Marius-Ernest Sabino, cuya experiencia residía en la creación figurillas, jarrones, cuencos y esculturas de vidrio que representan peces, desnudos y animales. Con frecuencia empleó vidrio opalescente para estas creaciones, un material capaz de cambiar de color del blanco al azul y al ámbar, dependiendo de las condiciones de iluminación ambiental. Sus jarrones y cuencos se caracterizaban por frisos moldeados con animales, desnudos o bustos de mujeres adornados con frutas o flores. La producción artística de Sabino fue en general menos discreta pero más vibrante que la de Lalique.
Otros destacados diseñadores de vidrio Art Déco incluyeron a Edmond Etling, reconocido por sus vibrantes tonos opalescentes, que a menudo incorporan motivos geométricos y desnudos esculpidos. Albert Simonet, Aristide Colotte y Maurice Marinot también fueron notables, y Marinot fue particularmente aclamado por sus botellas y jarrones esculturales profundamente grabados. La firma Daum de Nancy, anteriormente conocida por su cristalería Art Nouveau, creó posteriormente una gama de jarrones y esculturas de vidrio Art Déco caracterizados por sus formas sólidas, geométricas y sustanciales. Por el contrario, Gabriel Argy-Rousseau, que diseñó jarrones sutilmente sombreados adornados con mariposas y ninfas esculpidas, y François Decorchemont, cuyos jarrones presentaban patrones distintivos de rayas y mármol, crearon piezas más complejas y multicolores.
La Gran Depresión afectó significativamente a la industria del vidrio decorativo, que dependía en gran medida de la clientela adinerada. En consecuencia, algunos artistas reorientaron sus esfuerzos hacia la creación de vidrieras para encargos eclesiásticos. En 1937, la empresa de vidrio Steuben inició un programa para encargar a artistas de renombre el diseño de cristalería. En particular, Louis Majorelle, célebre por sus muebles Art Nouveau, concibió un excepcional vitral Art Déco que representa a trabajadores siderúrgicos para las oficinas de Aciéries de Longwy, una fábrica de acero ubicada en Longwy, Francia.
Un raro ejemplo de vidrieras Art Déco se puede encontrar en la Capilla del Sagrado Corazón de la Catedral de Amiens, fabricado entre 1932 y 1934 por el artista vidriero parisino Jean Gaudin, basado en diseños de Jacques Le Bretón.
Arte del metal
Los practicantes del Art Déco crearon una amplia gama de objetos funcionales, utilizando materiales industriales que van desde el tradicional hierro forjado hasta el acero cromado. El artista estadounidense Norman Bel Geddes, por ejemplo, diseñó un juego de cóctel inspirado en un rascacielos elaborado en acero cromado. Raymond Subes concibió una elegante reja metálica para la entrada del Palacio de la Porte Dorée, que sirvió como elemento central de la Exposición Colonial de París de 1931. El escultor francés Jean Dunand también contribuyó significativamente, produciendo magníficas puertas con el tema "La caza", adornadas con pan de oro y pintura sobre yeso en 1935.
Representaciones en ficción
La estética y los motivos visuales Art Deco se han incorporado en numerosas películas animadas, incluidas Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia y La Bella Durmiente. Además, el estilo arquitectónico se muestra de manera destacada en la metrópolis submarina ficticia de Rapture dentro de la franquicia de videojuegos BioShock.
Los elementos visuales Art Deco sirvieron como inspiración arquitectónica para Iacon City en la película animada de ciencia ficción Transformers One.
Arquitectura Art Déco global
Si bien la arquitectura Art Déco se originó en Europa, en 1939, sus ejemplos se podían encontrar en las principales ciudades de todos los continentes y en casi todas las naciones. A continuación se proporciona una selección de estructuras notables de cada continente.
África
África
La mayoría de las estructuras Art Déco en África se construyeron durante el período de la administración colonial europea, frecuentemente bajo la dirección de diseño de arquitectos italianos, franceses y portugueses.
Asia
Si bien numerosos edificios Art Déco en Asia fueron concebidos por arquitectos europeos, los profesionales locales como Juan Nakpil, Juan Arellano y Pablo Antonio fueron particularmente prominentes en Filipinas. Aunque muchos monumentos Art Déco en toda Asia fueron desmantelados durante la importante expansión económica de finales del siglo XX, persisten varios enclaves arquitectónicos notables, especialmente en Shanghai y Mumbai.
Establecido en Mumbai en 1929, el Instituto Indio de Arquitectos impulsó significativamente el movimiento Art Déco. En noviembre de 1937, el instituto orquestó la "Exposición del hogar ideal" en el Ayuntamiento de Mumbai, un evento que duró 12 días y atrajo aproximadamente a 100.000 asistentes. Posteriormente, esta exposición fue elogiada como un triunfo por la 'Revista del Instituto Indio de Arquitectos'. Las exhibiciones mostraron configuraciones residenciales óptimas, o más bien contemporáneas, enfatizando un diseño meticuloso para evitar deficiencias arquitectónicas y presentar prototipos altamente eficientes y cuidadosamente concebidos. La exposición abarcó diversos componentes domésticos, incluidos muebles, elementos de decoración de interiores y electrodomésticos como radios y refrigeradores, todos incorporando materiales y metodologías novedosos y científicamente pertinentes. Impulsados por la aspiración de reflejar las tendencias occidentales, los arquitectos indios quedaron cautivados por la modernidad industrial inherente al Art Déco. Las élites occidentales inicialmente exploraron los aspectos tecnológicamente sofisticados del Art Déco, lo que llevó a los arquitectos a iniciar su integración a principios de la década de 1930.
Durante la década de 1930, el floreciente comercio portuario de Mumbai fomentó la expansión de un grupo demográfico de clase media educada. Al mismo tiempo, una afluencia de personas emigró a Mumbai en busca de empleo, intensificando la demanda de nueva infraestructura. Esto requirió un amplio desarrollo urbano, incluidos planes de recuperación de tierras y la construcción de numerosos edificios públicos y residenciales. Al mismo tiempo, la evolución del panorama político dentro de la nación y la naturaleza aspiracional de la estética Art Deco facilitaron la adopción generalizada de este estilo arquitectónico en la expansión urbana de la ciudad. Una importante concentración de estructuras de esta época se distribuye en varios barrios de la ciudad, incluidos Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra y Chembur.
Australia y Nueva Zelanda
En Australia, Melbourne y Sydney cuentan con varias estructuras Art Déco destacadas. Ejemplos notables en Melbourne incluyen el Manchester Unity Building y la antigua sede de la policía de Russell Street. El Museo de Arte de Castlemaine en Castlemaine, en el centro de Victoria, también representa este estilo. Los importantes edificios Art Déco de Sídney incluyen el Grace Building, la Torre AWA y el Anzac Memorial.
Tras el terremoto de Hawke's Bay de 1931, varias ciudades de Nueva Zelanda, en particular Napier y Hastings, fueron objeto de reconstrucción en estilo Art Déco. Desde entonces, muchos de estos edificios han recibido protección y restauración. Napier ha sido propuesto para la designación de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, lo que lo marca como la nominación de sitio cultural inaugural de Nueva Zelanda. Wellington también conserva una importante colección de arquitectura Art Déco.
América del Norte
En Canadá, las estructuras Art Déco existentes se encuentran predominantemente en los principales centros urbanos. Estos van desde edificios cívicos, como el Ayuntamiento de Vancouver, hasta propiedades comerciales como College Park e infraestructura de servicios públicos, ejemplificada por la Planta de Tratamiento de Agua R. C. Harris.
La manifestación Art Deco más sorprendente de México es el interior del Palacio de Bellas Artes, terminado en 1934 y que se distingue por su intrincada decoración y murales. La arquitectura residencial Art Déco es evidente en el distrito de Condesa, con muchos diseños atribuidos a Francisco J. Serrano.
En todo Estados Unidos, la arquitectura Art Déco prevalece en las principales ciudades de costa a costa. Su aplicación fue más común en estructuras comerciales como edificios de oficinas, estaciones de tren, terminales de aeropuertos y cines, mientras que los ejemplos residenciales siguen siendo poco comunes. Durante las décadas de 1920 y 1930, los arquitectos del suroeste de los Estados Unidos, particularmente de Nuevo México, integraron elementos de Renacimiento Pueblo y Estilo Territorial con el Art Déco para forjar el 'Pueblo Déco', ejemplificado por el Teatro KiMo de Albuquerque. La década de 1930 fue testigo del surgimiento del estilo Streamline Moderne, más minimalista. Aunque numerosos edificios fueron demolidos entre 1945 y finales de la década de 1960, se iniciaron iniciativas de preservación posteriores para salvaguardar los mejores ejemplos. La ciudad de Miami Beach, por ejemplo, creó el Distrito Arquitectónico de Miami Beach para conservar su distinguida colección de edificios Art Deco.
Centroamérica y el Caribe
Las estructuras Art Déco se distribuyen por Centroamérica, incluida Cuba.
Europa
El estilo arquitectónico Art Déco se originó en París, ejemplificado por el Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) de Auguste Perret. Posteriormente, se difundió rápidamente por toda Europa, surgiendo casos en los principales centros urbanos, desde Londres hasta Moscú. Durante las décadas de 1920 y 1930, Alemania fue testigo de la proliferación de dos variaciones distintas del Art Déco: el estilo Neue Sachlichkeit y la arquitectura expresionista. Ejemplos destacados incluyen Mossehaus y Schaubühne de Erich Mendelsohn en Berlín, Chilehaus de Fritz Höger en Hamburgo y su Kirche am Hohenzollernplatz en Berlín, junto con la Torre Anzeiger en Hannover y la Torre Borsig en Berlín.
La Basílica Nacional del Sagrado Corazón en Koekelberg, Bruselas, se erige como uno de los edificios Art Déco más importantes de Europa occidental. En 1925, el arquitecto Albert van Huffel recibió el Gran Premio de Arquitectura por su modelo a escala de basílica en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de París.
España y Portugal presentan ejemplos notables de arquitectura Art Déco, especialmente evidentes en sus sedes cinematográficas. En Portugal, ejemplos destacados incluyen el Teatro Capitólio (1931) y el Cine-Teatro Éden (1937) en Lisboa, el Teatro Rivoli (1937) y el Coliseu (1941) en Oporto, y el Teatro Rosa Damasceno (1937) en Santarém. Las contribuciones de España incluyen el Cine Rialto en Valencia (1939).
A lo largo de la década de 1930, el Art Déco influyó significativamente en el diseño de edificios residenciales y públicos en todo el Reino Unido. Los rasgos característicos de esta época incluían fachadas de casas rectilíneas, enlucidas en blanco, que culminaban en techos planos, marcos de puertas claramente geométricos, ventanas alargadas y ventanas de esquina metálicas con curvas convexas.
El sistema de metro de Londres es famoso por sus numerosos ejemplos arquitectónicos Art Deco. Además, varias estructuras de este estilo se encuentran a lo largo de la Milla de Oro de Brentford. En el oeste de Londres, el edificio Hoover, construido inicialmente para The Hoover Company, se convirtió en un hipermercado a principios de la década de 1990.
Bucarest, históricamente conocida como el "Pequeño París" del siglo XIX, experimentó una importante reorientación de diseño después de la Primera Guerra Mundial, inspirándose en la ciudad de Nueva York. La década de 1930 marcó el comienzo de una nueva estética cultural que influyó en el cine, el teatro, la danza, el arte y la arquitectura. Durante esta década, Bucarest experimentó una proliferación de la arquitectura Art Déco, evidente desde calles destacadas como Bulevardul Magheru hasta residencias privadas y barrios más pequeños. El Palacio del Teléfono, uno de los primeros hitos de la Bucarest moderna, representó el rascacielos inaugural de la ciudad. Con una altura de 52,5 metros (172 pies), siguió siendo la estructura más alta de la ciudad desde 1933 hasta la década de 1950. Su diseño se atribuyó a los arquitectos Louis Weeks y Edmond van Saanen Algi, con Walter Troy como ingeniero. Estos monumentos Art Déco son parte integral de la identidad de Bucarest y representan un período de entreguerras fundamental (Primera Guerra Mundial y Segunda Guerra Mundial) en su desarrollo histórico. Sin embargo, la mayoría de estas estructuras de esa época son susceptibles a eventos sísmicos, dada la ubicación de Bucarest dentro de una zona sísmica.
Art Déco en Sudamérica
La presencia del Art Déco en América del Sur es particularmente pronunciada en naciones que experimentaron una inmigración sustancial durante la primera mitad del siglo XX, con importantes contribuciones arquitectónicas encontradas en ciudades prósperas como São Paulo y Río de Janeiro en Brasil, Buenos Aires en Argentina y Montevideo en Uruguay. El edificio Kavanagh en Buenos Aires (1934), diseñado por Sánchez, Lagos y de la Torre, ejemplifica el estilo Art Déco tardío y fue reconocido como la estructura de hormigón armado más alta una vez finalizado.
Esfuerzos de preservación y desarrollos neo-Art Deco
En numerosos centros urbanos se han lanzado iniciativas para salvaguardar las estructuras Art Déco existentes. En los Estados Unidos, se han conservado y reutilizado como centros culturales numerosos cines históricos Art Deco. Además, se han conservado edificios Art Déco más modestos como elementos del legado arquitectónico de Estados Unidos; por ejemplo, una cafetería y gasolinera Art Deco a lo largo de la Ruta 66 en Shamrock, Texas, tiene estatus de monumento histórico. El Distrito Arquitectónico de Miami Beach protege activamente cientos de edificios históricos y exige que las nuevas construcciones se adhieran a la estética Art Deco. Por el contrario, en La Habana, Cuba, un número importante de edificios Art Deco han sufrido un grave deterioro. Actualmente se están realizando esfuerzos de restauración para restablecer estas estructuras a su condición original.
Durante el siglo XXI, han surgido versiones contemporáneas del Art Déco, denominadas Neo Art Déco (o neo-Art Déco), en varios centros urbanos estadounidenses, inspirándose en las estructuras Art Déco por excelencia de las décadas de 1920 y 1930. Ejemplos notables incluyen la Torre NBC en Chicago, que hace referencia al 30 Rockefeller Plaza en la ciudad de Nueva York; el Centro Smith para las Artes Escénicas de Las Vegas, Nevada, que incorpora motivos Art Déco que recuerdan a la presa Hoover; 99 Hudson en Jersey City, Nueva Jersey, reconocido como el edificio más alto del estado y el 46º más alto de los Estados Unidos, que se distingue por sus detalles lineales de vidrio y piedra caliza con influencia Art Deco; y la Torre de Brooklyn en Brooklyn, Nueva York, el edificio más alto del distrito y el 19º más alto a nivel nacional, caracterizado por su vidrio negro y sus tuberías de bronce.
Referencias
Referencias
Bibliografía
Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). Diseño del siglo XX (edición del 25 aniversario). Colonia: Taschen. págs. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
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- Art Déco Miami Beach
- Art Déco de Montreal
- Diseño de interiores de salón
- Art Déco Shanghái
- Sociedad Art Déco de Nueva York
- Paseo Art Déco en Montreal