El expresionismo abstracto surgió en los Estados Unidos como un movimiento artístico distinto después de la Segunda Guerra Mundial, y logró un amplio reconocimiento durante la década de 1950. Este desarrollo marcó un alejamiento significativo del realismo social estadounidense prevaleciente en la década de 1930, que había sido moldeado por la Gran Depresión y la influencia de los muralistas mexicanos. El crítico de arte Robert Coates aplicó el término por primera vez al arte estadounidense en 1946. La Escuela de Nueva York, que sirvió como epicentro del movimiento, contó con artistas prominentes como Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov y Lee Krasner, entre otros.
Elexpresionismo abstracto en los Estados Unidos surgió como un movimiento artístico distinto después de la Segunda Guerra Mundial y obtuvo aceptación generalizada en la década de 1950, un cambio con respecto al realismo social estadounidense de la década de 1930 influenciado por la Gran Depresión y los muralistas mexicanos. El término fue aplicado por primera vez al arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates. Entre las figuras clave de la Escuela de Nueva York, que fue el centro de este movimiento, se encontraban artistas como Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov y Lee Krasner, entre otros.
Este movimiento artístico se extendió más allá de la pintura para abarcar a influyentes collagistas y escultores, incluidos David Smith y Louise. Nevelson. El expresionismo abstracto se inspiró en gran medida en los procesos creativos espontáneos y subconscientes característicos de artistas surrealistas como André Masson y Max Ernst. Los practicantes del movimiento integraron la intensidad emocional del expresionismo alemán con los léxicos visuales innovadores de los movimientos de vanguardia europeos, incluidos el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético.
Caracterizado por su naturaleza rebelde e idiosincrásica, el expresionismo abstracto abarcaba una amplia gama de estilos artísticos. Marcó el primer movimiento claramente estadounidense que alcanzó prominencia internacional, reposicionando a la ciudad de Nueva York como el nexo del mundo del arte occidental, un papel que anteriormente desempeñaba París. Los críticos de arte contemporáneo jugaron un papel decisivo en su evolución. Figuras como Clement Greenberg y Harold Rosenberg defendieron las obras de artistas expresionistas abstractos, en particular Jackson Pollock, a través de sus escritos críticos y su patrocinio. El influyente concepto de Rosenberg del lienzo como un "escenario en el que actuar" fue fundamental para dar forma a la metodología de los pintores de acción. A principios de la década de 1960, el dominio cultural del expresionismo abstracto en Estados Unidos había disminuido. El posterior repudio de su énfasis en el individualismo fomentó el surgimiento de movimientos como el arte pop y el minimalismo. A lo largo de la segunda mitad del siglo XX, el impacto del expresionismo abstracto permaneció perceptible en varias corrientes artísticas en los EE. UU. y Europa, incluido el tachismo y el neoexpresionismo.
Se cree que la designación "expresionismo abstracto" se originó en Alemania en 1919 y apareció en la revista Der Sturm en relación con el expresionismo alemán. Posteriormente, Alfred Barr empleó este término en 1929 para caracterizar las obras de arte de Wassily Kandinsky. En Estados Unidos, Robert Coates utilizó el término en 1946 en su reseña de dieciocho pinturas de Hans Hofmann.
Estilo
El surrealismo se erige como un precursor importante, que se distingue por su enfoque en la generación artística espontánea, automática o subconsciente. La técnica de Jackson Pollock de gotear pintura sobre un lienzo colocado en el suelo deriva de las prácticas de André Masson, Max Ernst y David Alfaro Siqueiros. Los estudios recientes posicionan cada vez más al surrealista exiliado Wolfgang Paalen como un artista y teórico fundamental que avanzó el concepto de un espacio de posibilidad dependiente del espectador a través de sus obras de arte y su publicación periódica, DYN. Paalen exploró los principios de la mecánica cuántica y desarrolló interpretaciones distintivas de la visión totémica y la organización espacial que se encuentran en la pintura indígena de la Columbia Británica, sentando así las bases conceptuales para las perspectivas espaciales emergentes de los jóvenes artistas abstractos estadounidenses. Su extenso ensayo, Totem Art (1943), influyó significativamente en artistas como Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko y Barnett Newman. Aproximadamente en 1944, Barnett Newman se esforzó por dilucidar el naciente movimiento artístico de Estados Unidos, compilando una lista de "los hombres del nuevo movimiento". Paalen aparece dos veces en esta lista, junto a artistas como Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes y Gorky. Se observa a Robert Motherwell con una pregunta. Otra manifestación temprana crucial de lo que se convertiría en expresionismo abstracto es evidente en la obra del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey, en particular sus lienzos de "escritura blanca", que, a pesar de su escala típicamente modesta, presagian la característica estética "completa" de las pinturas de goteo de Pollock.
La denominación de este movimiento artístico se origina en la síntesis de la profunda intensidad emocional y el ascetismo de los expresionistas alemanes con los principios antifigurativos característicos de las escuelas de arte abstracto europeas, incluido el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. Además, el movimiento suele ser percibido como rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, por algunos, nihilista. En la práctica, el término abarca un grupo diverso de artistas, principalmente radicados en Nueva York, que exhibieron distintos estilos, e incluso se extiende a obras que no son abiertamente abstractas ni expresionistas. Jay Meuser, un expresionista abstracto de California conocido por su estilo no objetivo, articuló su filosofía con respecto a su pintura Mare Nostrum: "Es mucho mejor capturar el glorioso espíritu del mar que pintar todas sus pequeñas ondas". Las dinámicas "pinturas de acción" de Pollock, caracterizadas por su energía vibrante, divergen técnica y estéticamente de la violenta y grotesca serie figurativa Mujeres de Willem de Kooning, así como de los rectángulos cromáticos de las pinturas Color Field de Rothko, obras que el propio Rothko negó que fueran abstractas y que no suelen ser etiquetadas como expresionistas. A pesar de estas variaciones estilísticas, los cuatro artistas están categorizados como expresionistas abstractos.
El expresionismo abstracto comparte numerosas semejanzas estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, en particular Wassily Kandinsky. Si bien la sensación de espontaneidad, o su impresión, era un sello distintivo de muchas obras del expresionismo abstracto, la mayoría de estas pinturas requirieron una planificación meticulosa, especialmente dada su escala sustancial. Para artistas como Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz y, más tarde, Rothko, Newman y Agnes Martin, el arte abstracto sirvió como un vehículo claro para expresar conceptos relacionados con lo espiritual, el inconsciente y la psique humana.
La adopción generalizada de este estilo artístico en la década de 1950 sigue siendo un tema de discusión académica. Durante la década de 1930, el realismo social estadounidense dominó la escena artística, influenciado significativamente tanto por la Gran Depresión como por las obras de muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. Sin embargo, el entorno político posterior a la Segunda Guerra Mundial resultó menos receptivo al comentario social inherente a las obras de estos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante los años de la guerra y obtuvo exposición inicial a principios de la década de 1940 en galerías de Nueva York, incluida la galería The Art of This Century. La era McCarthy, tras la guerra, impuso un período de censura artística en Estados Unidos. En este contexto, los temas enteramente abstractos se percibían a menudo como apolíticos y, por tanto, menos controvertidos. Alternativamente, si el arte transmitía mensajes políticos, estos frecuentemente estaban codificados para una audiencia especializada.
Aunque el expresionismo abstracto está predominantemente vinculado con la pintura, la collagista Anne Ryan y varios escultores desempeñaron papeles cruciales dentro del movimiento. Los escultores notables considerados miembros importantes incluyen a David Smith, su esposa Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson. Además, artistas como David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero y los escultores Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell y muchos otros fueron parte integral del movimiento expresionista abstracto. Muchos de estos escultores expusieron sus obras en el renombrado Ninth Street Show, una exposición organizada por Leo Castelli en 1951 en East Ninth Street en la ciudad de Nueva York. Más allá de los pintores y escultores, la Escuela de Expresionismo Abstracto de Nueva York también fomentó una comunidad de poetas solidarios, incluido Frank O'Hara, fotógrafos como Aaron Siskind y Fred McDarrah (cuya publicación The Artist's World in Pictures narraba la Escuela de Nueva York en la década de 1950) y cineastas, en particular Robert Frank.
Si bien la escuela expresionista abstracta se difundió rápidamente por todo Estados Unidos, sus principales centros de influencia fueron la ciudad de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco en California.
Críticos de arte posteriores a la Segunda Guerra Mundial
En cierto momento, un pintor estadounidense tras otro empezó a aparecer el lienzo como un escenario en el que actuar. Lo que iba a plasmarse en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento.
En la década de 1940, la Vanguardia de Nueva York enfrentó una escasez de lugares de exhibición, como The Art of This Century, la Galería Pierre Matisse y la Galería Julien Levy, y los críticos estaban preparados para involucrarse con su trabajo. Un grupo selecto de artistas, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, también contribuyeron al discurso crítico, aprovechando sus antecedentes literarios.
A finales de la década de 1940, a pesar de la relativa oscuridad de la vanguardia neoyorquina, muchos artistas ahora ampliamente reconocidos se beneficiaron del patrocinio crítico establecido. Clement Greenberg defendió notablemente a Jackson Pollock y a los pintores de Color Field, incluidos Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Hans Hofmann. Harold Rosenberg, por el contrario, parecía preferir a pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline, junto con las obras fundacionales de Arshile Gorky. Al mismo tiempo, Thomas B. Hess, editor en jefe de ARTnews, fue un destacado defensor de Willem de Kooning.
Estos críticos emergentes promovieron a sus artistas favoritos categorizando a otros como meros "seguidores" o ignorando a aquellos cuyo trabajo no se alineaba con sus objetivos promocionales.
En 1958, Mark Tobey logró un hito significativo, convirtiéndose en el primer pintor estadounidense desde Whistler en 1895. para conseguir el máximo premio en la Bienal de Venecia.
Barnett Newman, una incorporación posterior al Uptown Group, contribuyó con prólogos y reseñas del catálogo. A finales de la década de 1940, comenzó a exhibir su propio arte en la Galería Betty Parsons, y realizó su exposición individual inaugural en 1948. Poco después de esta exposición, Newman articuló una profunda declaración durante una sesión de artistas en Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen". Newman empleó estratégicamente sus habilidades literarias para solidificar su floreciente identidad artística y hacer avanzar su obra. Un ejemplo notable de esto es su carta fechada el 9 de abril de 1955, dirigida a Sidney Janis, donde afirmaba: "... es cierto que Rothko habla de luchador. Sin embargo, lucha para someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de ella".
Clement Greenberg, un trotskista de Nueva York, es ampliamente considerado como una figura principal en la promoción de este estilo artístico. Como crítico de arte de larga data para Ppartian Review y The Nation, emergió como uno de los primeros y elocuentes defensores del expresionismo abstracto. Robert Motherwell, un artista de considerables recursos, colaboró con Greenberg en el avance de un estilo que resonaba con la atmósfera política predominante y la disidencia intelectual de la época.
Greenberg declaró que el expresionismo abstracto, y específicamente las contribuciones de Pollock, eran el cenit del logro estético. Defendió la obra de Pollock a través de una lente formalista, postulándola como la pintura más destacada de su época y la culminación de un linaje artístico que se remontaba al cubismo y a Cézanne hasta Monet. Esta tradición, en opinión de Greenberg, refinó progresivamente la pintura hacia un estado cada vez más "puro", concentrándose en el acto "esencial" de marcar en un plano bidimensional.
La producción artística de Pollock suscitó constantemente respuestas críticas divergentes. Rosenberg caracterizó el trabajo de Pollock como una transformación de la pintura en un drama existencial, donde "lo que iba a aparecer en el lienzo no era una imagen sino un evento". Postuló además que "el gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación del valor político, estético, moral".
John Canaday, crítico de arte de The New York Times, se destacó como un destacado detractor del expresionismo abstracto durante su período de formación. Por el contrario, Meyer Schapiro y Leo Steinberg, junto con Greenberg y Rosenberg, fueron influyentes historiadores del arte de la posguerra que respaldaron públicamente el movimiento. Desde principios hasta mediados de la década de 1960, una nueva generación de críticos de arte, incluidos Michael Fried, Rosalind Krauss y Robert Hughes, enriquecieron significativamente el discurso crítico en curso en torno al expresionismo abstracto.
Historial
Segunda Guerra Mundial y la posguerra
En los años anteriores y durante la Segunda Guerra Mundial, numerosos artistas, escritores, poetas e importantes coleccionistas y comerciantes modernistas buscaron refugio en los Estados Unidos, escapando del avance del régimen nazi en Europa. Un número considerable de los que no evacuaron murieron trágicamente. Entre las figuras notables que llegaron a Nueva York durante la guerra, algunas con la ayuda de Varian Fry, se encontraban Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger y Piet Mondrian. Por el contrario, unos pocos artistas selectos, entre ellos Picasso, Matisse y Pierre Bonnard, optaron por permanecer en Francia y sobrevivieron al conflicto.
La era de la posguerra sumió a las capitales europeas en el caos, lo que requirió una reconstrucción económica y física urgente junto con un realineamiento político. París, que alguna vez fue el epicentro de la cultura europea y la capital mundial del arte, experimentó un ambiente artístico catastrófico, lo que llevó al ascenso de Nueva York como el nuevo centro artístico internacional. La Europa de la posguerra fue testigo de la persistencia del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y la obra de Matisse. Al mismo tiempo, el Art Brut y la abstracción lírica, también conocido como tachismo (la contraparte europea del expresionismo abstracto), ganaron prominencia entre la generación emergente. Entre las figuras notables de la pintura europea de la posguerra se incluyen Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages y Jean Messagier. Mientras tanto, en Estados Unidos, un nuevo grupo de artistas estadounidenses saltó a la fama mundial, identificados como expresionistas abstractos.
Gorky, Hofmann y Graham
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York marcó el ascenso del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que sintetiza influencias de Matisse, Picasso, el surrealismo, Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano. Esta síntesis fue facilitada por destacados educadores de los Estados Unidos, en particular Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Ucrania. El impacto de Graham en el arte estadounidense a principios de la década de 1940 fue especialmente evidente en las obras de Gorky, de Kooning, Pollock y Richard Pousette-Dart, entre otros. Las profundas contribuciones de Gorki al arte estadounidense y mundial son ampliamente reconocidas. Su abstracción lírica introdujo un "nuevo lenguaje" e "iluminó el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses". La calidad pictórica espontánea de sus obras de madurez, como El hígado es la cresta del gallo, Los esponsales II y Un año, el algodoncillo, anticipó directamente el expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York reconocieron su importante influencia. Los primeros trabajos de Hyman Bloom también desempeñaron un papel influyente. Los artistas estadounidenses se beneficiaron además de la presencia de figuras como Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, así como de instituciones como la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim, The Art of This Century, entre otros factores que contribuyeron. Hans Hofmann, como profesor, mentor y artista, fue particularmente crucial e influyente a la hora de fomentar el desarrollo y el éxito del expresionismo abstracto en los Estados Unidos. Entre sus protegidos se encontraba Clement Greenberg, quien se convirtió en un crítico inmensamente influyente de la pintura estadounidense, y entre sus alumnos se encontraba Lee Krasner, quien posteriormente presentó a Hofmann a su marido, Jackson Pollock.
Pollock y las influencias abstractas
A finales de la década de 1940, el enfoque innovador de Jackson Pollock hacia la pintura transformó fundamentalmente el potencial del arte contemporáneo posterior. Pollock reconoció, en gran medida, que el proceso artístico en sí tenía tanta importancia como la obra de arte final. De manera similar a las reconfiguraciones innovadoras de la pintura y la escultura de Picasso a principios de siglo a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la producción artística, basándose en diversas influencias como las pinturas de arena navajo, el surrealismo, el análisis junguiano y el arte mural mexicano. Su alejamiento de la pintura de caballete tradicional y de los métodos convencionales sirvió como un impulso liberador para los artistas de su tiempo y los siguientes. Los artistas entendieron que el proceso distintivo de Pollock, que implicaba la colocación de lienzos en bruto sin estirar en el suelo, lo que permitía abordarlos desde todos los lados con materiales tanto artísticos como industriales; el goteo y lanzamiento de madejas lineales de pintura; y la incorporación de dibujo, tinción, pincel y elementos tanto figurativos como no figurativos, extendieron los límites de la creación artística más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto, como movimiento más amplio, amplió y refinó las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para crear nuevas obras.
Tras las contribuciones fundamentales de Pollock, otros expresionistas abstractos también lograron importantes avances artísticos. Las innovaciones colectivas de artistas como Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell y Peter Voulkos influyeron profundamente en la diversidad y amplitud de la expresión artística posterior. Los movimientos radicales antiformalistas de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Fluxus, Neo-Dada, el arte conceptual y el movimiento artístico feminista, derivan un linaje conceptual del expresionismo abstracto. Sin embargo, las reevaluaciones críticas del arte abstracto realizadas por historiadoras como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher resaltan que las artistas pioneras, a pesar de realizar innovaciones sustanciales en el arte moderno, fueron históricamente marginadas en las narrativas oficiales. Estos artistas finalmente obtuvieron un reconocimiento muy esperado en el período posterior al movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. El expresionismo abstracto solidificó su estatus como un movimiento artístico importante en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950, lo que llevó a destacadas galerías de arte a presentar expresionistas abstractos en exposiciones y como parte integral de sus listas de artistas. Las galerías notables de la zona alta incluyeron la Galería Charles Egan, la Galería Sidney Janis, la Galería Betty Parsons, la Galería Kootz, la Galería Tibor de Nagy, la Galería Stable y la Galería Leo Castelli. Al mismo tiempo, varios establecimientos del "centro", conocidos colectivamente como las galerías de la Calle Décima, exhibieron a numerosos artistas jóvenes emergentes que trabajaban dentro del lenguaje expresionista abstracto.
Pintura de acción
La pintura de acción, un estilo artístico predominante desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960, está intrínsecamente vinculada con el expresionismo abstracto; de hecho, algunos críticos han empleado los términos como sinónimos. Este movimiento artístico estadounidense se compara frecuentemente con el movimiento artístico francés conocido como Tachisme.
El crítico estadounidense Harold Rosenberg acuñó el término 'Action Painting' en 1952, marcando una reorientación significativa en el discurso estético entre los artistas y críticos de la Escuela de Nueva York. Rosenberg postuló que el lienzo funcionaba como "un escenario en el que actuar". Mientras que expresionistas abstractos como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning habían articulado consistentemente una visión de la pintura como un espacio para comprometerse con el acto creativo, críticos anteriores comprensivos, como Clement Greenberg, enfatizaron la "objetividad" de sus obras. Para Greenberg, las características físicas de las pinturas (específicamente sus superficies coaguladas y cubiertas de aceite) eran fundamentales para interpretarlas como registros de las luchas existenciales de los artistas.
El marco crítico de Rosenberg redirigió la atención académica del objeto de arte terminado a la lucha creativa misma, viendo la pintura terminada simplemente como una manifestación física o un "residuo" del esfuerzo artístico real, que residía en el proceso de su creación. Este compromiso espontáneo constituyó la "acción" del pintor, ejecutada a través de movimientos dinámicos de brazos y muñecas, gestos expresivos, pinceladas y diversas aplicaciones como pintura arrojada, salpicada, manchada, esparcida y goteada. En ocasiones, los artistas permitían que la pintura goteara sobre el lienzo mientras realizaban movimientos rítmicos, o incluso entraban físicamente en el espacio del lienzo. Este método implicaba a veces dejar que la pintura cayera de acuerdo con impulsos subconscientes, permitiendo así que la psique inconsciente se afirmara y se expresara. Sin embargo, articular o interpretar con precisión estos fenómenos sigue siendo un desafío, dado su supuesto origen como manifestaciones inconscientes de actos creativos puros.
La designación "expresionismo abstracto" se aplica con frecuencia a numerosos artistas, principalmente radicados en Nueva York, a pesar de sus diversos enfoques estilísticos, y ocasionalmente abarca obras que no son claramente abstractas ni expresionistas. Por ejemplo, las dinámicas "pinturas de acción" de Pollock, caracterizadas por su intrincada densidad visual, difieren significativamente, tanto técnica como estéticamente, de la intensa y a menudo distorsionada serie Mujeres de De Kooning. Mujer V pertenece a una secuencia de seis pinturas creadas por De Kooning entre 1950 y 1953, cada una de las cuales representa una figura femenina de tres cuartos de largo. El artista inició el trabajo inicial de esta serie, Mujer I, en junio de 1950, realizando numerosas revisiones y sobrepinturas hasta enero o febrero de 1952, momento en el que el lienzo quedó incompleto. Posteriormente, el historiador de arte Meyer Schapiro observó la pintura en el estudio de De Kooning y abogó por el compromiso continuo del artista con el tema. En respuesta, de Kooning inició tres pinturas adicionales que exploraban el mismo tema: Mujer II, Mujer III y Mujer IV. A lo largo del verano de 1952, mientras residía en East Hampton, de Kooning desarrolló aún más este concepto temático a través de bocetos y pasteles. La finalización de Mujer I probablemente se produjo a finales de junio o potencialmente en noviembre de 1952, y las otras tres pinturas de "Mujer" presumiblemente se terminaron alrededor del mismo período. La serie Mujer representa inequívocamente una colección de pinturas figurativas.
Franz Kline representa otro artista importante dentro de este movimiento. Al igual que Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue categorizado como un "pintor de acción" debido a su técnica aparentemente espontánea y vigorosa, que priorizaba la manipulación del lienzo y la pincelada sobre la figuración o imágenes explícitas, ejemplificada en su pintura Número 2 (1954).
La escritura automática sirvió como un método crucial para los pintores de acción, incluidos Kline (particularmente en sus obras monocromáticas), Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly. Estos artistas emplearon gestos, texturas superficiales y líneas para generar símbolos lineales y caligráficos y patrones intrincados que evocaban formas lingüísticas y resonaban como potentes expresiones del inconsciente colectivo. En su serie Elegía a la República Española, Robert Motherwell produjo impactantes pinturas en blanco y negro, utilizando gestos, superficies y simbolismos para provocar profundas respuestas emocionales.
Al mismo tiempo, otros pintores de acción, incluidos De Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell y James Brooks, incorporaron imágenes, ya sea a través de paisajes abstractos o representaciones expresionistas de la figura humana, para transmitir sus declaraciones artísticas potentes y profundamente personales. Las pinturas de James Brooks fueron notablemente poéticas y notablemente anticipatorias de la abstracción lírica, un movimiento que ganó prominencia a finales de los años 1960 y 1970.
Campo de color
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Mark Rothko, cuyo trabajo presenta bloques de color serenamente brillantes (y que el propio Rothko rechazó como abstractos o típicamente expresionistas), están categorizados como expresionistas abstractos. Sin embargo, pertenecen a lo que Clement Greenberg identificó como la tendencia del campo de color dentro del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell se caracterizan con precisión como practicantes tanto de Action Painting como de Color Field Painting. Durante la década de 1940, las imágenes meticulosamente estructuradas de Richard Pousette-Dart frecuentemente recurrían a temas mitológicos y místicos, una característica también evidente en las pinturas de Gottlieb y Pollock durante la misma década.
Inicialmente, la pintura Color Field se categorizó como una forma distinta de expresionismo abstracto, que abarcaba en particular las obras de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de Joan Miró. Clement Greenberg identificó la pintura Color Field como un estilo que compartía afinidades con la pintura de acción pero mantenía sus propias características únicas. Los practicantes de la pintura Color Field pretendían despojar sus creaciones artísticas de cualquier elemento retórico extraño. Artistas destacados como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis y Mark Tobey, junto con Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra fundamental Vir heroicus sublimis se conserva en el MoMA, emplearon mínimas referencias naturalistas y demostraron una aplicación del color sofisticada y psicológicamente resonante. Estos artistas generalmente evitaron imágenes reconocibles, aunque Rothko y Gottlieb ocasionalmente incorporaron símbolos y signos como sustitutos de las formas de representación. Mientras que algunos artistas integraron alusiones al arte histórico o contemporáneo, la pintura Color Field postuló principalmente la abstracción como un objetivo intrínseco. A través de este enfoque modernista, los artistas se esforzaron por representar cada pintura como una entidad visual singular, unificada y monolítica.
En contraste con la intensa emocionalidad y la pincelada gestual características de los expresionistas abstractos como Pollock y de Kooning, los pintores de Color Field inicialmente presentaron una estética fría y austera. Minimizaron las marcas individuales, favoreciendo en cambio campos de color planos y expansivos, que consideraban fundamentales para la abstracción visual. Este enfoque también se extendió a la forma física del lienzo, un concepto que Frank Stella exploró notablemente en la década de 1960 a través de combinaciones poco convencionales de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura Color Field finalmente demostró una capacidad tanto para la sensualidad como para la expresividad profunda, aunque a través de métodos distintos de los del expresionismo abstracto gestual.
Si bien el expresionismo abstracto se difundió rápidamente por todo Estados Unidos, sus centros principales fueron la ciudad de Nueva York y California, particularmente dentro de la Escuela de Nueva York y el Área de la Bahía de San Francisco. Las obras de arte expresionistas abstractas exhiben atributos comunes, como la utilización de lienzos expansivos y una estrategia compositiva "completa", donde a toda la superficie se le otorga un significado uniforme en lugar de enfatizar un punto focal central sobre la periferia. El concepto del lienzo como una arena sirvió como principio fundamental para la pintura de acción, mientras que la integridad del plano pictórico se convirtió en un principio central para los pintores del campo de color. A lo largo de la década de 1950, una nueva generación de artistas, entre ellos Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas y Robert Goodnough, también comenzaron a exhibir obras influenciadas por el expresionismo abstracto.
Si bien el estilo, la técnica, el toque pictórico y la aplicación física de la pintura distintivos de Pollock lo asocian fuertemente con la pintura de acción, los críticos de arte también han establecido paralelismos entre su trabajo y la pintura Color Field. Una perspectiva crítica notable, propuesta por Greenberg, conecta los lienzos integrales de Pollock con la serie a gran escala Nenúfares de Claude Monet de la década de 1920. Críticos como Michael Fried y Greenberg han observado que la impresión general que transmiten las creaciones más famosas de Pollock (sus pinturas drip) es la de campos expansivos compuestos de elementos lineales acumulados. Señalan que estas obras con frecuencia se manifiestan como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar y campos integrales de color y dibujo, haciéndose eco de los Monet del tamaño de un mural, que se construyen de manera similar a partir de marcas de pincel y esparcidas de valor similar que también se resuelven en campos de color y dibujo. La adopción por parte de Pollock de una composición integral establece un vínculo tanto filosófico como físico con los métodos empleados por pintores del campo de color como Newman, Rothko y Still para construir sus superficies intactas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas ejecutadas después de su período fundamental de pintura por goteo (1947-1950), Pollock utilizó la técnica de teñir aceite fluido y pintura doméstica directamente sobre lienzo en bruto. Durante 1951, produjo una serie de pinturas semifigurativas con manchas negras, seguidas de pinturas con manchas de color en 1952. Su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis de la ciudad de Nueva York presentó Number 12, 1952, una pintura con manchas monumental y magistral que recuerda a un paisaje manchado de colores vibrantes, superpuesto con pintura oscura ampliamente goteada; esta obra fue adquirida por Nelson Rockefeller para su colección personal directamente de la exposición.
Arshile Gorky, reconocido como una figura fundamental del expresionismo abstracto y surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York en emplear la técnica de tinción. Gorky desarrolló amplios campos de color vivo, abierto y continuo, que utilizó con frecuencia como fondo en muchas de sus pinturas. En sus obras más impactantes y logradas entre 1941 y 1948, aplicó consistentemente intensos campos de color, permitiendo a menudo que la pintura corriera y goteara debajo y alrededor de su léxico característico de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. James Brooks representa otro expresionista abstracto cuyas obras de la década de 1940 presagian las pinturas sobre manchas que prevalecieron en las décadas de 1960 y 1970. Brooks incorporó regularmente la tinción como técnica en sus pinturas desde finales de la década de 1940 en adelante. Comenzó a diluir su pintura al óleo para lograr colores fluidos adecuados para verter, gotear y teñir sobre el lienzo predominantemente crudo que prefería. Estas composiciones integraban frecuentemente caligrafía con formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, el estilo distintivo de Sam Francis, de brillante expresionismo abstracto a gran escala, se asoció estrechamente con la pintura Color Field. Su obra abarcó efectivamente ambas facciones principales dentro de la rúbrica expresionista abstracta: pintura de acción y pintura de campo de color.
Inspirándose en las pinturas de Pollock de 1951, que presentaban pintura al óleo negra diluida teñida sobre lienzo en bruto, Frankenthaler comenzó a producir pinturas con tintes utilizando varios colores al óleo sobre lienzo en bruto en 1952. Su obra más famosa de ese período es Montañas y mar. Se la reconoce como una de las creadoras del movimiento Color Field, que surgió a finales de los años cincuenta. Frankenthaler también realizó estudios con Hans Hofmann.
La producción artística de Hofmann, ejemplificada en The Gate, 1959-1960, se caracteriza por una vibrante paleta cromática. Logró reconocimiento no sólo como pintor sino también como un influyente educador artístico, inicialmente en su Alemania natal y posteriormente en los Estados Unidos. Al llegar a Estados Unidos procedente de Alemania a principios de la década de 1930, Hofmann introdujo los principios del modernismo. Durante sus años de formación como artista en el París anterior a la Primera Guerra Mundial, Hofmann colaboró con Robert Delaunay y obtuvo contacto directo con las contribuciones innovadoras de Picasso y Matisse. La obra de Matisse tuvo un impacto significativo en la perspectiva artística de Hofmann, particularmente en su comprensión de la capacidad expresiva del color y el potencial inherente de la abstracción. Hofmann surgió como un teórico pionero de la pintura de campos de color, y sus marcos conceptuales influyeron profundamente en artistas y críticos, en particular Clement Greenberg, a lo largo de las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland experimentaron un profundo cambio artístico después de observar las pinturas de manchas de Helen Frankenthaler durante un estudio. A su regreso a Washington, D.C., comenzaron la creación de obras fundamentales que establecieron el movimiento del campo de color a finales de la década de 1950.
En 1972, Henry Geldzahler, entonces curador del Museo Metropolitano de Arte, articuló lo siguiente:
Clement Greenberg presentó las creaciones de Morris Louis y Kenneth Noland en una exposición que organizó en la Galería Kootz a principios de la década de 1950. Greenberg fue el observador inicial en discernir su promesa artística. Les extendió una invitación a Esta obra excepcionalmente hermosa, que se inspiró tanto en Pollock como en Gorky, también representaba una de las primeras pinturas sobre manchas, una pintura de campo pionera a gran escala que empleaba la técnica de las manchas, posiblemente la primera. Louis y Noland observaron la pintura desenrollada en el suelo de su estudio antes de regresar a Washington, D.C., donde exploraron en colaboración las implicaciones de este innovador enfoque pictórico durante un tiempo.
Acontecimientos en la década de 1960 después del expresionismo abstracto
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta fue testigo del surgimiento de varias direcciones novedosas, incluida la pintura Hard-edge, ejemplificada por John McLaughlin. Al mismo tiempo, como contrarrespuesta al subjetivismo inherente del expresionismo abstracto, comenzaron a manifestarse formas alternativas de abstracción geométrica en los estudios de los artistas y dentro de los círculos progresistas de vanguardia. Greenberg asumió un papel destacado en la defensa de la abstracción pospictórica al curar una importante exposición de pintura contemporánea que recorrió las principales instituciones de arte de los Estados Unidos en 1964. Este período vio el surgimiento de la pintura de campo de color, la pintura de bordes duros y la abstracción lírica como trayectorias artísticas innovadoras.
El expresionismo abstracto y el contexto de la Guerra Fría
Desde mediados de la década de 1970, el discurso académico ha postulado que el expresionismo abstracto atrajo la atención de la CIA a principios de la década de 1950. Según se informa, la agencia percibió el estilo como emblemático de los Estados Unidos como un bastión de libertad intelectual y mercados abiertos, desafiando simultáneamente la estética realista socialista prevalente en las naciones comunistas y el dominio establecido de los mercados del arte europeos. El libro de Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (publicado en el Reino Unido como Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) detalla meticulosamente la participación financiera y organizativa de la CIA en la promoción de los expresionistas abstractos estadounidenses como un componente del imperialismo cultural a través del Congreso para la Libertad Cultural de 1950 a 1967. En particular, el libro de Robert Motherwell La serie Elegía a la República Española abordó directamente algunas de estas dimensiones políticas. Tom Braden, jefe inaugural de la División de Organizaciones Internacionales (IOD) de la CIA y ex secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno, afirmó en una entrevista que la consideraba "la división más crucial que poseía la agencia" y creía que "desempeñó un papel monumental en la Guerra Fría".
En contra de esta perspectiva revisionista, un ensayo de Michael Kimmelman, el principal crítico de arte de The New York Times, titulado Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, sostiene que una porción sustancial de la información sobre la escena artística estadounidense durante las décadas de 1940 y 1950, junto con las interpretaciones de los revisionistas, es inexacta o descontextualizada. Otros trabajos académicos sobre este tema incluyen Art in the Cold War de Christine Lindey, que también examina el arte de la Unión Soviética de la misma época, y Pollock and After, editado por Francis Frascina, que volvió a publicar el artículo de Kimmelman.
Ramificaciones
El pintor canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002), miembro del grupo de inspiración surrealista Les Automatistes, con sede en Montreal, contribuyó a la introducción de un estilo impresionista abstracto relacionado en el mundo del arte parisino a partir de 1949. El libro fundamental de Michel Tapié, Un Art Autre (1952), también resultó profundamente influyente en este contexto. Tapié, que también fue curador y organizador de exposiciones, defendió el arte de Pollock y Hans Hofmann en toda Europa. En la década de 1960, el impacto inicial del movimiento había sido absorbido, pero sus metodologías y defensores continuaron ejerciendo una influencia artística significativa, moldeando profundamente la producción de artistas posteriores. El expresionismo abstracto sirvió como precursor e influyó en los movimientos posteriores de las décadas de 1960 y 1970, incluidos el tachismo, la pintura de campos de color, la abstracción lírica, Fluxus, el arte pop, el minimalismo, el posminimalismo y el neoexpresionismo. Por el contrario, los movimientos que surgieron como respuestas directas o rebeliones contra el expresionismo abstracto incluyeron la pintura de vanguardia, ejemplificada por artistas como Frank Stella y Robert Indiana, y el arte pop, con figuras prominentes como Andy Warhol, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein en los Estados Unidos, junto con Richard Hamilton en Gran Bretaña. En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns establecieron un vínculo crucial entre el expresionismo abstracto y el arte pop. El minimalismo, por ejemplo, encontró sus ejemplos en artistas como Donald Judd, Robert Mangold y Agnes Martin.
Sin embargo, muchos pintores, incluidos Jules Olitski, Joan Mitchell y Antoni Tàpies, persistieron en emplear el estilo expresionista abstracto durante un período prolongado, extendiendo y ampliando así sus dimensiones visuales y filosóficas, una práctica continuada por numerosos artistas abstractos contemporáneos a través de estilos como la abstracción lírica y Neoexpresionismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial, un colectivo de artistas de Nueva York estableció una de las primeras escuelas artísticas distintas en Estados Unidos, inaugurando una nueva época en el arte estadounidense a través del expresionismo abstracto. Este desarrollo catalizó un importante auge del arte estadounidense, fomentando el surgimiento de estilos como el arte pop. Al mismo tiempo, contribuyó a la transformación de la ciudad de Nueva York en un destacado centro cultural y artístico.
Los expresionistas abstractos priorizan el organismo dinámico sobre el todo estático, enfatizan el devenir sobre el ser, privilegian la expresión sobre la perfección, favorecen la vitalidad sobre el mero acabado, prefieren la fluctuación al reposo, valoran el sentimiento por sobre la formulación rígida, abrazan lo desconocido sobre lo conocido, lo velado sobre lo claro, el individuo sobre las normas sociales y la experiencia interna sobre la apariencia externa.
Escultura mayor
Lista de expresionistas abstractos
Artistas expresionistas abstractos
- Artistas importantes cuyo trabajo maduro definió el expresionismo abstracto estadounidense:
Otros artistas
- Artistas importantes cuyo trabajo maduro se relaciona con el movimiento expresionista abstracto estadounidense:
Estilos, tendencias, escuelas y movimientos relacionados
Estilos, tendencias, escuelas y movimientos relacionados
Otros temas relacionados
- Barba Azul, de Kurt Vonnegut, presenta una autobiografía ficticia atribuida al expresionista abstracto ficticio Rabo Karabekian.
- Michel Tapié (crítico y organizador de exposiciones fundamental en la difusión del expresionismo abstracto en Europa, Japón y América Latina)
Referencias
Libros
- Belgrado, Daniel. La cultura de la espontaneidad. La improvisación y las artes en los Estados Unidos de la posguerra University of Chicago Press, Chicago & Londres, 1998. ISBN 978-966-359-305-0
- Anfam, David. Expresionismo abstracto (Nueva York y Londres: Thames & Hudson, 1990). ISBN 0-500-20243-5
- Craven, David, El expresionismo abstracto como crítica cultural: disidencia durante el período McCarthy (Cambridge; Nueva York: Cambridge University Press, 1999.) ISBN 0-521-43415-7
- Marika Herskovic, Expresionismo figurativo y abstracto estadounidense: el estilo es oportuno El arte es atemporal (New York School Press, 2009.) ISBN 978-0-9677994-2-1
- Marika Herskovic, Expresionismo abstracto estadounidense de la década de 1950: una encuesta ilustrada, (New York School Press, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4
- Marika Herskovic, Artistas expresionistas abstractos de la Escuela de Nueva York elegidos por artistas, (New York School Press, 2000.) ISBN 0-9677994-0-6
- Papanikolas, Theresa y Stephen Salel, Stephen, Expresionismo abstracto, mirando al Este desde el Lejano Oeste, Museo de Arte de Honolulu, 2017, ISBN 9780937426920
- Serge Guilbaut. Cómo Nueva York robó la idea del arte moderno, University of Chicago Press, 1983.
Bibliografía
- Anfam, David. Expresionismo abstracto: un mundo en otro lugar. Nueva York: Anca de venado, 2008.
- Greenberg, Clemente. "'Pintura de tipo americano ". En Arte y Cultura: Ensayos Críticos. Boston: Beacon Press, 1961, págs. 208–29.
- Jachec, Nancy. La filosofía y la política del expresionismo abstracto 1940-1960. Cambridge University Press: Cambridge, 2000, ISBN 0-521-65154-9.
- O'Connor, Francis V. Jackson Pollock [catálogo de la exposición]. Nueva York: Museo de Arte Moderno, [1967], OCLC 165852.
- Saunders, Frances Stonor. La Guerra Fría Cultural: La CIA y el mundo de las artes y las letras. Nueva York: New Press, distribuido por W.W. Norton & Co., 2000, ISBN 1-56584-596-X.
- Tapié, Michel. Hans Hofmann: Paintings 1962: 23 de abril – 18 de mayo de 1963. París: Galerie Anderson-Mayer, 1963. [Catálogo y comentario de la exposición], OCLC 62515192.
- Tapié, Michel. Pollock. París: P. Facchetti, 1952, OCLC 30601793.
- Wechsler, Jeffrey. (2007). Caminos y paralelos: caminos hacia el expresionismo abstracto. Nueva York: Galerías Hollis Taggart, ISBN 978-0-9759954-9-5.
- Jackson Pollock
- Philip Guston
- Perle Fine Expresionismo abstracto: pintor de acción neoyorquino de los años 50 en YouTube
- Albert Kotin Expresionismo abstracto de los años 50-pintura de acción de la Escuela de Nueva York de los años 50 en YouTube
- Expresionismo abstracto de James Brooks: pintura de acción de la Escuela de Nueva York de los años 50 en YouTube
- Comienzos de la escuela de Nueva York de los años 50: expresionismo abstracto de los años 50 en YouTube
- Expresionismo abstracto Década de 1950: artistas de la escuela de Nueva York del 9th St Show Reminisce en YouTube
- Nicolas Carone-Expresionismo abstracto-Artista del 9th St. Show en YouTube
- Expresionismo abstracto de Robert Richenburg años 50-Escuela de Nueva York años 50 en YouTube
- Charlas HENI, ¿Qué es: el expresionismo abstracto?