Arts and Crafts movement

El movimiento Arts and Crafts constituyó una tendencia artística internacional dentro de las bellas artes y decorativas, que se originó y desarrolló de manera más integral en las Islas Británicas antes de diseminarse por todo el Imperio Británico, Europa y América del Norte.

Este movimiento, que surgió como respuesta a la disminución percibida en la calidad de las artes decorativas y sus métodos de producción, prosperó en Europa y América del Norte aproximadamente entre 1880 y 1920. Algunos estudiosos lo identifican como el precursor del Estilo Moderno, una manifestación británica que luego evolucionó hacia el movimiento Art Nouveau. Por el contrario, otros lo ven como la encarnación por excelencia del Art Nouveau dentro de Inglaterra.

Una perspectiva contrastante postula el movimiento Arts and Crafts como la antítesis del Art Nouveau, criticando específicamente la incorporación de materiales industriales como el hierro en el Art Nouveau.

En Japón, el movimiento se manifestó en la década de 1920 como el movimiento Mingei, enfatizando la artesanía tradicional y con frecuencia incorporando estilos decorativos medievales, románticos o populares. Defendió la reforma económica y social, adoptando una postura antiindustrial. El movimiento tuvo un impacto significativo en las artes europeas hasta su sustitución por el modernismo en la década de 1930, pero sus principios persistieron entre los artesanos, diseñadores y planificadores urbanos durante un período prolongado.

La designación "Arts and Crafts" fue acuñada por T. J. Cobden-Sanderson durante una reunión de 1887 de la Arts and Crafts Exhibition Society, aunque sus principios subyacentes y su estética habían estado evolucionando en Inglaterra durante al menos dos décadas antes. El movimiento se inspiró en las contribuciones intelectuales del historiador Thomas Carlyle, el crítico de arte John Ruskin y el diseñador William Morris. En Escocia, figuras destacadas como Charles Rennie Mackintosh están estrechamente relacionadas con su desarrollo. Además, los escritos de Viollet le Duc sobre la naturaleza y el arte gótico fueron fundamentales para dar forma a los fundamentos estéticos del movimiento Arts and Crafts.

Orígenes e Influencias

Reforma del diseño

El movimiento Arts and Crafts se originó a partir de esfuerzos por reformar el diseño y la ornamentación en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX. Constituyó una respuesta directa a un deterioro percibido en los estándares estéticos, que los reformadores atribuyeron a la maquinaria industrial y la fabricación fabril. Esta crítica se intensificó particularmente con las exhibiciones de la Gran Exposición de 1851, que consideraron demasiado ornamentadas, artificiales y sin apreciación de las propiedades materiales. El historiador de arte Nikolaus Pevsner observó que estas exhibiciones demostraban "ignorancia de esa necesidad básica en la creación de patrones, la integridad de la superficie" y exhibían "vulgaridad en detalle".

Las iniciativas de reforma del diseño fueron encabezadas por los organizadores de la exposición Henry Cole (1808–1882), Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) y Richard Redgrave (1804–1888), todos los cuales condenaron la ornamentación excesiva y los artículos poco prácticos o mal elaborados. Los organizadores expresaron una "condena unánime de las exposiciones". Owen Jones, por ejemplo, lamentaba que "el arquitecto, el tapicero, el manchador de papel, el tejedor, el impresor de percal y el alfarero" generaban "novedad sin belleza, o belleza sin inteligencia". Estas críticas a los productos manufacturados llevaron posteriormente a la publicación de varios trabajos que articulaban lo que sus autores consideraban principios de diseño sólidos. El Informe complementario sobre diseño (1852) de Richard Redgrave analizó meticulosamente los principios del diseño y la ornamentación, abogando por "más lógica en la aplicación de la decoración".

Las publicaciones posteriores continuaron con este enfoque temático, incluido Artes industriales del siglo XIX de Wyatt (1853), Wissenschaft, Industrie und» de Gottfried Semper. Kunst ("Ciencia, industria y arte") (1852), Análisis del ornamento de Ralph Wornum (1856), Manual de diseño de Redgrave (1876) y Gramática del ornamento de Jones (1856). En particular, Grammar of Ornament logró una influencia significativa, siendo ampliamente distribuida como premio académico y experimentando nueve reimpresiones en 1910.

Jones afirmó que la ornamentación debe estar subordinada al objeto que adorna, enfatizando la necesidad de una relación apropiada entre el adorno y el elemento decorado. Además, estipuló que los patrones en papeles pintados y alfombras deberían evocar exclusivamente una superficie plana o nivelada. En contraste con la preferencia de la Gran Exposición por motivos naturales representados con el máximo realismo, estos autores defendieron diseños naturales simplificados y bidimensionales. Redgrave, por su parte, sostuvo que el verdadero "estilo" requería una construcción robusta que precediera a cualquier ornamentación, junto con un conocimiento profundo de la calidad del material. Su famosa declaración fue: "La utilidad debe tener prioridad sobre la ornamentación".

Sin embargo, los reformadores del diseño de mediados del siglo XIX no se alinearon completamente con los principios adoptados más tarde por el movimiento Arts and Crafts. Su enfoque principal permaneció en la ornamentación más que en la integridad estructural, mostrando una comprensión insuficiente de los procesos de fabricación y absteniéndose de criticar directamente los métodos de producción industrial. En marcado contraste, el movimiento Arts and Crafts abarcó tanto el diseño como la reforma social, y sus figuras prominentes veían estos dos aspectos como inseparables.

A. W. N. Pugin

Augustus Pugin (1812–1852), una figura destacada del movimiento arquitectónico del Renacimiento gótico, presagió varios principios básicos de la filosofía de las Artes y los Oficios. Defendió principios como la fidelidad al material, la estructura y la función, reflejando la defensa posterior de los profesionales de Artes y Oficios. Pugin también articuló la inclinación crítica de los comentaristas sociales a yuxtaponer las deficiencias de la sociedad contemporánea (incluida la expansión urbana y la difícil situación de los empobrecidos) con las virtudes percibidas de la Edad Media, un enfoque comparativo que se convirtió en una práctica estándar para Ruskin, Morris y el movimiento Arts and Crafts. Su publicación de 1836, Contrastes, presentaba ilustraciones de una arquitectura y planificación urbana modernas defectuosas en oposición a sus equivalentes medievales ejemplares. La biógrafa Rosemary Hill observa que Pugin "llegó a conclusiones, casi de pasada, sobre la importancia de la artesanía y la tradición en la arquitectura que tomaría el resto del siglo y los esfuerzos combinados de Ruskin y Morris para resolver en detalle". Hill caracteriza además el mobiliario minimalista que Pugin especificó para un edificio de 1841, específicamente "sillas de junco y mesas de roble", como un "interior de artes y oficios en embrión".

John Ruskin

Los fundamentos filosóficos del movimiento Arts and Crafts surgieron en gran medida de las críticas sociales de John Ruskin, que a su vez fueron profundamente moldeadas por los escritos de Thomas Carlyle. Ruskin postuló una correlación directa entre el bienestar moral y social de una nación y las características de su arquitectura, así como la naturaleza intrínseca de su trabajo. Caracterizó la producción mecanizada y la división especializada del trabajo introducida por la Revolución Industrial como "trabajo servil", sosteniendo que una sociedad virtuosa y próspera necesitaba trabajadores autónomos que concibieran y ejecutaran sus propias creaciones. Ruskin consideraba que los artículos producidos en fábrica eran "deshonestos" y, en cambio, abogaba por el trabajo manual y la artesanía como procesos que imbuyen al trabajo con dignidad.

Artísticamente, Ruskin se inspiró en su contemporáneo, Viollet-le-Duc, cuyo trabajo presentó a todos sus estudiantes. En correspondencia con un alumno, Ruskin afirmó la famosa frase: "Sólo hay un libro de arquitectura de algún valor y que lo contiene todo, con razón, el Diccionario de Monsieur Viollet-le-Duc. Todo arquitecto debe aprender francés". Además, algunos estudiosos sugieren que la influencia de Viollet-le-Duc superó el impacto de Ruskin en el movimiento Arts and Crafts en 1860.

Los seguidores de Ruskin priorizaron la producción artesanal sobre la fabricación industrial y expresaron su aprensión por la erosión de las competencias tradicionales. Sin embargo, su principal preocupación eran las ramificaciones sociales del sistema fabril más que la maquinaria en sí. La concepción de "artesanía" de William Morris denotaba fundamentalmente trabajo realizado sin división de tareas, en lugar de trabajo totalmente desprovisto de asistencia mecánica. Si bien Morris tenía en alta estima Las siete lámparas de la arquitectura y Las piedras de Venecia de Ruskin y había examinado detenidamente a Pintores modernos, no compartía la admiración de Ruskin por J. M. W. Turner, y sus propios comentarios artísticos sugieren un desinterés general por la pintura de caballete. Por el contrario, Ruskin se opuso firmemente al principio emergente de Arts and Crafts de que la decoración debe ser plana y evitar la representación de formas tridimensionales.

William Morris

William Morris (1834–1896) surgió como la figura preeminente del diseño de finales del siglo XIX y el principal catalizador del movimiento Arts and Crafts. Los principios estéticos y sociales del movimiento se originaron a partir de conceptos que Morris desarrolló en la década de 1850 con el Birmingham Set, un grupo de estudiantes de la Universidad de Oxford, incluido Edward Burne-Jones, que fusionaron el aprecio por la literatura romántica con la dedicación a la reforma social. John William Mackail observó que, para este grupo, el Pasado y presente de Carlyle tenía un estatus equivalente al de los Pintores modernos de Ruskin como texto autorizado y divinamente inspirado. El medievalismo evidente en la Morte d'Arthur de Malory estableció el punto de referencia para su estilo artístico temprano. Como expresó Burne-Jones, su objetivo era "librar una guerra santa contra la época".

Posteriormente, Morris se dedicó a experimentar con diversas artesanías y el diseño de muebles e interiores. Su implicación personal se extendió tanto a la fabricación como al diseño, un rasgo característico del movimiento Arts and Crafts. John Ruskin había sostenido anteriormente que la separación entre el acto intelectual de diseño y el acto manual de creación física era perjudicial tanto desde la perspectiva social como estética. Morris desarrolló aún más este concepto, estipulando que ningún trabajo debería comenzar en sus talleres hasta que haya dominado personalmente las técnicas y materiales necesarios, afirmando que "sin una ocupación humana digna y creativa, la gente se desconectaba de la vida".

En 1861, Morris inició la producción comercial de muebles y artículos decorativos, basando sus diseños en la estética medieval y empleando formas atrevidas y colores vibrantes. Sus patrones incorporaban frecuentemente flora y fauna, mientras que sus productos se inspiraban en las tradiciones vernáculas o domésticas prevalecientes en la campiña británica. Ciertas piezas se dejaron intencionalmente sin terminar para resaltar la belleza inherente de los materiales y la habilidad del artesano, logrando así una estética rústica. Morris pretendía integrar todas las disciplinas artísticas dentro del ámbito doméstico, enfatizando los elementos naturales y la simplicidad formal.

Principios sociales y de diseño

A diferencia de sus homólogos estadounidenses, la mayoría de los practicantes de artes y oficios británicos albergaban sentimientos negativos fuertes, aunque algo inconsistentes, con respecto a la maquinaria. Conceptualizaron al "artesano" como un individuo autónomo y creativo dedicado a un trabajo manual, mientras percibían a "la máquina" como desprovista de alma, repetitiva y deshumanizante. Estas perspectivas dicotómicas se originaron en parte en Las piedras de Venecia de John Ruskin (1819-1900), una historia arquitectónica de Venecia que contenía una potente crítica del industrialismo moderno, un texto al que los diseñadores de Arts and Crafts se referían repetidamente. Esta desconfianza inherente hacia la maquinaria apuntaló la proliferación de numerosos pequeños talleres alrededor de 1900 que evitaban el mundo industrial y empleaban métodos preindustriales para producir lo que denominaban "artesanía".

Crítica de la industria

William Morris se alineó con la crítica de Ruskin a la sociedad industrial, condenando en varias ocasiones la fábrica moderna, la aplicación de maquinaria, la división del trabajo, el capitalismo y la erosión de las metodologías artesanales tradicionales. Sin embargo, su postura sobre la maquinaria mostró inconsistencia. Si bien una vez declaró que la producción de máquinas era "completamente un mal", también, en otras ocasiones, encargó trabajos a fabricantes capaces de cumplir con sus estándares de calidad con asistencia mecánica. Morris postuló que en una "verdadera sociedad", donde no se fabricaban artículos de lujo ni productos inferiores, la maquinaria podría refinarse y utilizarse para reducir las horas de trabajo. La historiadora cultural Fiona McCarthy señaló que, "a diferencia de fanáticos posteriores como Gandhi, William Morris no tenía objeciones prácticas al uso de maquinaria per se siempre que las máquinas produjeran la calidad que necesitaba".

Morris sostenía que el artista debería funcionar como un artesano-diseñador trabajando manualmente, abogando por una sociedad compuesta por artesanos independientes, un modelo que creía que había existido durante la Edad Media. Escribió: "Debido a que los artesanos disfrutaban de su trabajo, la Edad Media fue un período de grandeza en el arte de la gente común... Los tesoros de nuestros museos ahora son sólo los utensilios comunes utilizados en los hogares de esa época, cuando cientos de iglesias medievales, cada una de las cuales era una obra maestra, fueron construidas por campesinos poco sofisticados". El arte medieval sirvió como modelo fundamental para gran parte del diseño de Arts and Crafts, y el movimiento idealizó la vida, la literatura y la arquitectura medievales.

Los partidarios de Morris tenían perspectivas divergentes con respecto a la maquinaria industrial y el sistema fabril. C. R. Ashbee, una figura prominente dentro del movimiento Arts and Crafts, articuló en 1888: "No rechazamos la máquina, la damos la bienvenida. Pero desearíamos verla dominada". Tras su intento fallido de oponer su Gremio y Escuela de Artesanía a las técnicas de fabricación contemporáneas, Ashbee admitió que "la civilización moderna se basa en la maquinaria". Sin embargo, persistió en criticar los impactos perjudiciales de lo que denominó "mecanismo", afirmando que "la producción de ciertas mercancías mecánicas es tan mala para la salud nacional como lo es la producción de caña cultivada por esclavos o de artículos sudados por niños". Por el contrario, William Arthur Smith Benson integró fácilmente la estética Arts and Crafts en el trabajo en metal fabricado en condiciones industriales.

Morris y sus seguidores consideraban indeseable la división industrial del trabajo; sin embargo, el grado en que los diseñadores debían ejecutar personalmente cada aspecto de sus creaciones seguía siendo un tema polémico. No todos los profesionales de Arts and Crafts realizaron ellos mismos todas las etapas de la producción, y la integración completa del diseño y la ejecución recién se convirtió en una característica definitoria de la artesanía en el siglo XX. A pesar del reconocido compromiso práctico de Morris en numerosos oficios, incluidos el tejido, el teñido, la estampación, la caligrafía y el bordado, no percibió como problemática la separación entre diseñador y ejecutor dentro de sus propias operaciones de fabricación. Por el contrario, Walter Crane, un estrecho aliado político de Morris, se opuso vehementemente a la división del trabajo por motivos tanto éticos como estéticos, abogando por la ejecución unificada del diseño y la producción por parte de un solo individuo. Lewis Foreman Day, amigo y contemporáneo de Crane que compartía su profunda admiración por Morris, discrepó firmemente de la posición de Crane. Day sostuvo que la separación del diseño y la ejecución no solo era una consecuencia inevitable de la modernidad, sino también una especialización que fomentaba la excelencia tanto en la conceptualización como en la fabricación.

Un número limitado de fundadores de la Arts and Crafts Exhibition Society exigieron que el diseñador también actuara como creador, aunque priorizaron acreditar al artesano, una práctica que se refleja en los catálogos de sus exposiciones. Peter Floud, en su análisis de la década de 1950, observó que "los fundadores de la Sociedad... nunca ejecutaron sus propios diseños, sino que invariablemente los entregaron a empresas comerciales". El concepto del diseñador como creador y del creador como diseñador se originó "no en Morris o en las primeras enseñanzas de Arts and Crafts, sino más bien en la doctrina de elaboración de segunda generación elaborada en la primera década del siglo [XX] por hombres como W. R. Lethaby".

Socialismo

Un número significativo de diseñadores asociados con el movimiento Arts and Crafts eran socialistas, incluidas figuras prominentes como Morris, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, C. R. Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner y A. H. Mackmurdo. A principios de la década de 1880, Morris dedicó una mayor proporción de sus esfuerzos a promover los ideales socialistas que a su diseño y trabajo artesanal. Ashbee, por ejemplo, fundó el Guild of Handicraft, una comunidad de artesanos ubicada inicialmente en el este de Londres, que posteriormente se trasladó a Chipping Campden. Por el contrario, los partidarios no socialistas, como Alfred Hoare Powell, defendieron una dinámica más empática e individualizada entre empleadores y empleados. Lewis Foreman Day, otro destacado e influyente diseñador de Arts and Crafts, no era socialista, a pesar de su duradera amistad con Crane.

Asociación con otros movimientos reformistas

Dentro de Gran Bretaña, el movimiento Arts and Crafts mantuvo conexiones con varias iniciativas de reforma, incluida la reforma de la vestimenta, el ruralismo, el movimiento de la ciudad jardín y el resurgimiento de las canciones populares. Estos movimientos estaban, hasta cierto punto, unificados por el principio general de "la vida simple". En Europa continental, las afiliaciones del movimiento se centraron en la conservación de las tradiciones nacionales en las prácticas de construcción, las artes aplicadas, el diseño doméstico y el vestuario.

Desarrollo

Los diseños de Morris rápidamente ganaron prominencia y atrajeron una atención significativa cuando las creaciones de su empresa se exhibieron en la Exposición Internacional de 1862 en Londres. Una parte sustancial de estos primeros trabajos se inspiró directamente en el Diccionario de Viollet le Duc. Inicialmente, Morris & Co. realizó principalmente encargos para entornos eclesiásticos, y Morris consiguió notables proyectos de diseño de interiores en el Palacio de St James y el Museo de South Kensington (ahora conocido como el Museo de Victoria y Alberto). Posteriormente, su trabajo logró un gran atractivo entre las clases media y alta, un avance que se produjo a pesar de su ambición declarada de fomentar una forma de arte democrática. A finales del siglo XIX, la estética Arts and Crafts se había convertido en el estilo preeminente para la arquitectura residencial y los interiores domésticos en toda Gran Bretaña, influyendo incluso en los productos fabricados mediante procesos industriales convencionales.

La difusión de los principios de Arts and Crafts durante finales del siglo XIX y principios del XX condujo a la proliferación de numerosas asociaciones y comunidades artesanales. Sin embargo, el propio Morris tuvo una participación mínima con estos grupos debido a su dedicación simultánea a causas socialistas. Sólo en Gran Bretaña, se establecieron 130 organizaciones de Artes y Oficios, la mayoría de las cuales se formaron entre 1895 y 1905.

En 1881, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler y otros colaboradores fundaron la Asociación de Artes e Industrias del Hogar. Su objetivo era alentar a las personas de la clase trabajadora, particularmente a las de las zonas rurales, a dedicarse a la artesanía supervisada. Esta iniciativa no fue impulsada por motivos de lucro, sino que tenía como objetivo proporcionar ocupaciones beneficiosas y cultivar una mejor sensibilidad estética entre los participantes. En 1889, la asociación se había expandido hasta abarcar 450 clases, atendidas por 1000 maestros e instruyendo a 5000 estudiantes.

En 1882, el arquitecto A.H. Mackmurdo estableció el Century Guild, una asociación colaborativa de diseñadores que incluía a Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton y Benjamin Creswick.

El Art Workers Guild fue fundado en 1884 por cinco emergentes. arquitectos: William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney y Gerald C. Horsley. Su objetivo principal era integrar las bellas artes y las artes aplicadas y elevar el nivel profesional de estas últimas. George Blackall Simonds inicialmente fue su director. En 1890, el número de miembros del Gremio había aumentado a 150, lo que refleja el creciente número de practicantes que adoptaban el estilo Arts and Crafts. La organización permanece activa hoy.

Liberty & Co., unos grandes almacenes londinenses fundados en 1875, surgieron como un destacado minorista de productos que encarnaban el estilo Arts and Crafts, así como la "vestimenta artística" preferida por los seguidores del movimiento.

En 1887, la Sociedad de Exposiciones de Artes y Oficios, que finalmente prestó su nombre al movimiento más amplio, se constituyó formalmente con Walter Crane como presidente. La sociedad celebró su exposición inaugural en la New Gallery de Londres en noviembre de 1888. Este evento marcó la primera exhibición significativa de artes decorativas contemporáneas en Londres desde la Exposición de Invierno de 1881 de la Grosvenor Gallery. Co. estuvo ampliamente representada, exhibiendo muebles, telas, alfombras y bordados. Edward Burne-Jones destacó la importancia de la exposición y afirmó que "aquí, por primera vez, se puede medir un poco el cambio que ha ocurrido en los últimos veinte años". La sociedad continúa operando bajo su designación actual, Sociedad de Artesanos Diseñadores.

En 1888, C.R. Ashbee, un notable exponente tardío del estilo Arts and Crafts en Inglaterra, estableció el Guild and School of Handicraft en el East End de Londres. Este gremio funcionó como una cooperativa artesanal, estructurada según el modelo de los gremios medievales, con la intención de fomentar la satisfacción en el trabajo artesanal entre los trabajadores. A artesanos cualificados, que operaban según los principios filosóficos de Ruskin y Morris, se les encomendó la tarea de producir productos artesanales y gestionar una escuela de aprendices. Si bien la iniciativa fue recibida con entusiasmo generalizado, Morris, que entonces estaba profundamente comprometido en la promoción del socialismo, descartó el esfuerzo de Ashbee como trivial. El gremio prosperó desde 1888 hasta 1902, empleando aproximadamente a 50 hombres. En 1902, Ashbee trasladó el gremio de Londres a Chipping Campden en los Cotswolds, con el objetivo de establecer una comunidad experimental. El trabajo distintivo del gremio presentaba superficies lisas de plata martillada, intrincados trabajos de alambre y piedras de colores engastadas con sencillez. El propio Ashbee diseñó joyas y vajillas de plata. Aunque el gremio floreció creativamente en Chipping Campden, no logró prosperidad financiera y finalmente fue liquidado en 1908. Sin embargo, algunos artesanos permanecieron en la zona, contribuyendo así a la perdurable tradición de la artesanía moderna en la región.

C.F.A. Voysey (1857-1941) fue un arquitecto de artes y oficios que también se destacó en el diseño de telas, azulejos, cerámica, muebles y orfebrería. Su estilo distintivo combinaba armoniosamente la sencillez con la sofisticación. Sus papeles pintados y textiles, caracterizados por motivos estilizados de pájaros y plantas representados con contornos atrevidos y colores planos, alcanzaron una gran popularidad.

Las contribuciones filosóficas de Morris influyeron significativamente en la ideología distributista propugnada por G. K. Chesterton e Hilaire Belloc.

A finales del siglo XIX, los principios del movimiento Arts and Crafts habían permeado varios dominios, incluyendo la arquitectura, la pintura, la escultura, el diseño gráfico, la ilustración, la producción de libros, la fotografía, la estética doméstica y las artes decorativas, abarcando muebles, carpintería, vidrieras, marroquinería, encajes, bordados, alfombras, tejidos, joyería, orfebrería, esmaltado y cerámica. En 1910, surgió una tendencia generalizada hacia las "Artes y oficios" y los artículos hechos a mano. Esta popularidad condujo a una proliferación de artesanías de aficionados de calidad inconsistente y al surgimiento de imitadores no calificados, lo que en consecuencia disminuyó la percepción pública, causando que el movimiento Arts and Crafts fuera visto como inferior en competencia y utilidad en comparación con los productos estándar producidos en masa.

La Sociedad de Exposiciones de Artes y Oficios organizó once exposiciones entre 1888 y 1916. Sin embargo, cuando comenzó la guerra en 1914, la sociedad estaba experimentando un declive y enfrentando una crisis significativa. Su exposición en 1912 provocó pérdidas económicas. Al mismo tiempo, los diseñadores de Europa continental eran pioneros en innovaciones y forjaban asociaciones industriales a través de empresas como Deutsche Werkbund, y estaban surgiendo nuevas iniciativas en Gran Bretaña, como los Talleres Omega y la Asociación de Diseño en Industrias. En contraste, la Arts and Crafts Exhibition Society, entonces gobernada por un liderazgo establecido, se retiró del compromiso comercial y la colaboración con los fabricantes, priorizando el trabajo manual purista y lo que Tania Harrod denominó "desmercantilización". Esta negativa a asumir una función comercial a menudo se considera un momento crucial en la trayectoria de la sociedad. Nikolaus Pevsner, en su obra Pioneros del diseño moderno, caracteriza el movimiento Arts and Crafts como diseñadores radicales que influyeron en el movimiento moderno pero que finalmente no lograron adaptarse y posteriormente fueron suplantados por él.

Influencias posteriores

Bernard Leach, un artista alfarero británico, introdujo en Inglaterra numerosos conceptos que había cultivado en Japón junto con el crítico social Yanagi Soetsu, relacionados con el significado ético y social de las artesanías simples; Ambos individuos eran ardientes admiradores de los escritos de Ruskin. Leach promovió activamente estas ideas, que resonaron entre los profesionales del oficio durante el período de entreguerras. Las articuló en A Potter's Book, publicado en 1940, una obra que condenaba la sociedad industrial con una vehemencia comparable a la de Ruskin y Morris. En consecuencia, la filosofía Arts and Crafts persistió entre los artesanos británicos durante las décadas de 1950 y 1960, mucho más allá de la conclusión formal del movimiento Arts and Crafts y durante el apogeo del modernismo. Los muebles utilitarios británicos de la década de 1940 también se inspiraron en los principios de Arts and Crafts.

Gordon Russell, un destacado defensor y presidente del Utility Furniture Design Panel, estuvo profundamente influenciado por los conceptos de Arts and Crafts. Estableció la fabricación de muebles en Cotswold Hills, un área conocida por la producción de muebles Arts and Crafts desde la época de Ashbee, y también fue miembro de la Arts and Crafts Exhibition Society. Fiona MacCarthy, biógrafa de William Morris, identificó la filosofía subyacente de Arts and Crafts en diversos contextos, incluido el Festival de Gran Bretaña (1951), los diseños de Terence Conran (1931-2020) y el establecimiento del British Crafts Council en la década de 1970.

Descripción general regional

Las Islas Británicas

Escocia

El movimiento Arts and Crafts en Escocia se originó con el resurgimiento de las vidrieras de la década de 1850, encabezado por James Ballantine (1806–1877). Sus importantes contribuciones abarcaron la gran ventana oeste de la Abadía de Dunfermline y el diseño integral de la Catedral de St. Giles, Edimburgo. En Glasgow, el movimiento fue iniciado por Daniel Cottier (1838-1891), quien probablemente se formó con Ballantine y se inspiró directamente en William Morris, Ford Madox Brown y John Ruskin. Entre sus obras destaca el Bautismo de Cristo en Paisley Abbey (c. 1880). Entre sus discípulos se encontraban Stephen Adam y su hijo de nombre idéntico.

Christopher Dresser (1834-1904), diseñador y teórico nacido en Glasgow, surgió como uno de los primeros y más importantes diseñadores independientes, desempeñando un papel fundamental en el movimiento estético y haciendo contribuciones sustanciales al movimiento anglojaponés relacionado. El movimiento experimentó un "florecimiento extraordinario" en Escocia, caracterizado por la evolución del "Estilo de Glasgow", que se basó en el talento artístico de la Escuela de Arte de Glasgow. Un renacimiento celta ganó importancia en esta región, lo que llevó a la popularización de motivos como la rosa de Glasgow. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) y la Escuela de Arte de Glasgow ejercieron posteriormente una influencia global.

Gales

El contexto en Gales divergió del de otras partes del Reino Unido. Si bien el movimiento Arts and Crafts funcionó principalmente como una iniciativa revivalista relacionada con la artesanía, Gales mantuvo una auténtica tradición artesanal, al menos hasta la Primera Guerra Mundial. Se empleaban habitualmente materiales autóctonos, como piedra y arcilla.

Dentro del movimiento Arts and Crafts, Escocia ganó reconocimiento por sus vidrieras, mientras que Gales se distinguió por su cerámica. A mediados del siglo XIX, los tradicionales esmaltes de sal pesados, utilizados durante mucho tiempo por los artesanos regionales, habían caído en desgracia, en gran parte debido a los precios competitivos de la cerámica producida en masa. Sin embargo, el Movimiento de Artes y Oficios fomentó un renovado aprecio por estas obras tradicionales. En 1885, Horace W. Elliot, un galerista inglés, visitó Ewenny Pottery, que se había establecido en el siglo XVII. Su objetivo era adquirir artefactos locales y promover un estilo alineado con los principios del movimiento. Los artículos que expuso posteriormente en Londres durante las siguientes dos décadas revitalizaron significativamente el interés por la cerámica galesa.

Owen Morgan Edwards surgió como un defensor fundamental del movimiento Arts and Crafts en Gales. Como político reformista, Edwards estaba comprometido a revitalizar el orgullo nacional galés mediante la promoción de su lengua y herencia histórica. Afirmó: "No hay nada que Gales requiera más que una educación en artes y oficios". Sin embargo, la motivación principal de Edwards se inclinaba más hacia el resurgimiento del nacionalismo galés que hacia una apreciación estética por los vidriados o la artesanía rústica.

Arquitectónicamente, Clough Williams-Ellis se esforzó por reavivar el interés en las técnicas de construcción histórica, reintroduciendo específicamente la "tierra apisonada" o la construcción pisé en Gran Bretaña.

Irlanda

El movimiento extendió su influencia a Irlanda, marcando un período significativo para la evolución cultural de la nación. Sirvió como paralelo visual al renacimiento literario contemporáneo y contribuyó a la expresión del nacionalismo irlandés. La aplicación de vidrieras en el marco de Arts and Crafts ganó considerable popularidad en Irlanda, especialmente a través de las obras de Harry Clarke, el artista más renombrado, y Evie Hone. Ejemplos arquitectónicos de este estilo incluyen la Capilla Honan (1916) en la ciudad de Cork, situada en el campus de la University College Cork. Otros arquitectos activos en Irlanda fueron Sir Edwin Lutyens, responsable de la Casa Heywood en el condado de Laois, la isla de Lambay y los jardines del Memorial Nacional de la Guerra de Irlanda en Dublín, así como Frederick 'Pa' Hicks, quien diseñó las estructuras para la finca del Castillo de Malahide y su torre redonda. Los motivos celtas irlandeses fueron ampliamente adoptados por el movimiento en diversas artesanías, incluida la platería, el diseño de alfombras, las ilustraciones de libros y los muebles tallados a mano.

Europa continental

En toda Europa continental, un impulso principal para los diseñadores de Arts and Crafts fue la revitalización y conservación de distintos estilos nacionales. Por ejemplo, en Alemania, tras su unificación en 1871, esto fue fomentado por organizaciones como el Bund für Heimatschutz (establecido en 1897) y la Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, fundada en 1898 por Karl Schmidt. De manera similar, en Hungría, Károly Kós defendió el resurgimiento de la arquitectura vernácula de Transilvania. En Europa Central, donde coexistieron numerosas nacionalidades diversas bajo imperios dominantes (Alemania, Austria-Hungría y Rusia), la exploración de las tradiciones vernáculas se entrelazó con la afirmación de la identidad nacional y la búsqueda de la autonomía. Mientras que los defensores británicos de Arts and Crafts a menudo buscaban la estética medieval como estilo ideal, sus homólogos de Europa Central buscaban inspiración en remotas aldeas campesinas.

La simplicidad inherente del estilo Arts and Crafts, ampliamente exhibido en toda Europa, influyó en diseñadores como Henry van de Velde y posteriormente inspiró movimientos como el Art Nouveau, el grupo holandés De Stijl, la Secesión de Viena y, en última instancia, el estilo Bauhaus. Pevsner consideró este estilo un precursor del modernismo, caracterizado por la utilización de formas simples y sin adornos.

Las manifestaciones iniciales de la actividad Arts and Crafts en la Europa continental surgieron en Bélgica alrededor de 1890. Aquí, el enfoque estilístico inglés sirvió de inspiración para artistas y arquitectos, entre ellos Henry Van de Velde, Gabriel Van Dievoet, Gustave Serrurier-Bovy y el colectivo conocido como La Libre Esthétique.

A principios del siglo XX, los productos Arts and Crafts obtuvieron una gran admiración en Austria y Alemania, inspirando rápidos avances en el diseño dentro de estas naciones, en contraste con un período de estancamiento en Gran Bretaña. La Wiener Werkstätte, fundada en 1903 por Josef Hoffmann y Koloman Moser, adoptó notablemente principios de Arts and Crafts como la "unidad de las artes" y el énfasis en la producción artesanal. Al mismo tiempo, en 1907 se fundó la Deutscher Werkbund (Asociación Alemana de Artesanos), que unía a artistas, arquitectos, diseñadores e industriales con el objetivo de mejorar la competitividad global de las empresas alemanas. Esta organización jugó un papel decisivo en la evolución de la arquitectura moderna y el diseño industrial a través de su defensa de la producción estandarizada. Sin embargo, surgió una divergencia de opiniones sobre la estandarización entre sus miembros destacados, van de Velde y Hermann Muthesius. Muthesius afirmó que la estandarización era crucial para que Alemania alcanzara la preeminencia en el comercio y la cultura. Por el contrario, van de Velde, que encarna una perspectiva más tradicional de Arts and Crafts, sostenía que los artistas perpetuamente "protestarían contra la imposición de órdenes o estandarización" y que "el artista... nunca, por su propia voluntad, se someterá a una disciplina que le imponga un canon o un tipo".

En Finlandia, Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen, cuyo trabajo se caracterizó por la Estilo romántico nacional, que guarda similitudes con el renacimiento gótico británico.

En Hungría, influenciado por las filosofías de Ruskin y Morris, un colectivo de artistas y arquitectos, entre ellos Károly Kós, Aladár Körösfői-Kriesch y Ede Toroczkai Wigand, exploraron el arte popular y la arquitectura vernácula de Transilvania. Esta influencia es evidente en numerosos edificios diseñados por Kós, como los del zoológico de Budapest y la finca Wekerle en la misma ciudad.

En Rusia, Viktor Hartmann, Viktor Vasnetsov, Yelena Polenova y otros artistas afiliados a la Colonia Abramtsevo se esforzaron de forma independiente por revitalizar la calidad de las artes decorativas rusas medievales, distintas del movimiento en Gran Bretaña.

En Islandia, la producción artística de Sölvi Helgason demuestra una influencia del movimiento Arts and Crafts.

América del Norte

En los Estados Unidos, el estilo Arts and Crafts impulsó varias iniciativas para adaptar los principios europeos de Arts and Crafts al contexto estadounidense. Estas manifestaciones incluyeron arquitectura, muebles y otras artes decorativas de estilo "Craftsman", ejemplificadas por los diseños promovidos por Gustav Stickley en su revista, The Craftsman, y aquellos originados en el campus de Roycroft, publicitados en The Fra de Elbert Hubbard. Ambos individuos utilizaron sus respectivas publicaciones para comercializar productos producidos en el taller Craftsman de Stickley en Eastwood, Nueva York, y en el campus Roycroft de Elbert Hubbard en East Aurora, Nueva York. Los diseños de muebles de Stickley, frecuentemente etiquetados erróneamente como "Estilo Misión", fueron ampliamente imitados, incluso por tres empresas fundadas por sus hermanos.

Las designaciones American Craftsman o estilo Craftsman se emplean comúnmente para caracterizar la arquitectura, el diseño de interiores y las artes decorativas prevalecientes en los Estados Unidos entre los períodos dominantes del Art Nouveau y el Art Déco, que abarcan aproximadamente desde 1910 hasta 1925. El movimiento fue particularmente notable por ampliar las oportunidades profesionales para las mujeres, que surgieron como artesanas, diseñadoras y empresarias, estableciendo, administrando o siendo empleadas en empresas exitosas como Kalo Shops, Pewabic Pottery, Rookwood Pottery y Tiffany Studios. En Canadá, el término Arts and Crafts se utiliza predominantemente, aunque también se reconoce Craftsman.

Mientras los defensores europeos buscaban restaurar las artesanías virtuosas que estaban siendo desplazadas por la industrialización, los partidarios estadounidenses pretendían cultivar una forma novedosa de virtud para reemplazar la producción artesanal heroica: el hogar bien equipado de la clase media. Postularon que la estética simple pero refinada de las artes decorativas Arts and Crafts elevaría la experiencia emergente del consumismo industrial, fomentando así una mayor racionalidad individual y armonía social. El movimiento American Arts and Crafts funcionó como la contraparte estética de la filosofía política contemporánea del progresismo. Significativamente, la Sociedad de Artes y Oficios de Chicago comenzó sus actividades en octubre de 1897 en Hull House, una de las casas de asentamiento estadounidenses pioneras dedicadas a la reforma social.

La difusión de los ideales de Arts and Crafts en Estados Unidos, principalmente a través de publicaciones periodísticas y periódicas, se vio aumentada aún más por sociedades que organizaban series de conferencias. La primera sociedad de este tipo surgió en Boston a finales de la década de 1890, formada por un consorcio de destacados arquitectos, diseñadores y educadores decididos a introducir en los Estados Unidos las reformas del diseño iniciadas por William Morris en Gran Bretaña. Su objetivo inicial era organizar una exposición que mostrara artículos de artesanía contemporánea. Esta reunión fundacional se produjo el 4 de enero de 1897, en el Museo de Bellas Artes (MFA) de Boston, específicamente para planificar una exposición de artesanía moderna. El reconocimiento de las capacidades estéticas y técnicas inherentes a las artes aplicadas por parte de artesanos, consumidores y fabricantes catalizó posteriormente el movimiento de reforma del diseño en Boston. Entre los asistentes a esta reunión fundamental se encontraban el General Charles Loring, quien se desempeñó como Presidente de los Fideicomisarios del MFA; William Sturgis Bigelow y Denman Ross, ambos coleccionistas, escritores y fideicomisarios del MFA; Ross Turner, pintor; Sylvester Baxter, crítico de arte del Boston Transcript; Howard panadero; A.W. Longfellow Jr.; y Ralph Clipson Sturgis, arquitecto.

La exposición inaugural de artes y oficios estadounidenses comenzó el 5 de abril de 1897 en Copley Hall de Boston y exhibió más de 1000 artículos creados por 160 artesanos, y la mitad de los contribuyentes fueron mujeres. Entre los defensores notables de esta exposición se encuentran Langford Warren, fundador de la Escuela de Arquitectura de Harvard; Sra. Richard Morris Hunt; los reformadores sociales Arthur Astor Carey y Edwin Mead; y el diseñador gráfico Will H. Bradley. El éxito de la exposición llevó al establecimiento formal de la Sociedad de Artes y Oficios (SAC) el 28 de junio de 1897, con el objetivo declarado de "desarrollar y fomentar estándares más altos en la artesanía". Los veintiún fundadores afirmaron un interés que se extendía más allá de las ventas comerciales, dando prioridad al estímulo de los artistas para crear obras que se distinguieran por su artesanía y diseño superiores. Este mandato fundacional fue posteriormente elaborado en un credo, potencialmente escrito por el primer presidente del SAC, Charles Eliot Norton, que articuló los siguientes principios:

Esta Sociedad se estableció con el objetivo de promover los esfuerzos artísticos en todas las formas de artesanía. Su objetivo es fomentar relaciones recíprocas beneficiosas entre diseñadores y artesanos, y motivar a los artesanos a realizar sus propios diseños creativos. La Sociedad se esfuerza por cultivar entre los artesanos una comprensión de la dignidad y el valor inherentes del diseño sólido, al mismo tiempo que busca mitigar el desprecio predominante por los principios establecidos de Ley y Forma, y ​​la inclinación hacia la ornamentación excesiva y la originalidad superficial. Además, enfatizará la importancia crítica de la moderación y la disciplina, de la organización sistemática, de la consideración adecuada de la relación funcional entre la forma de un objeto y su propósito previsto, y de la coherencia e idoneidad de sus elementos decorativos.

El Castillo en las Nubes, también identificado como Lucknow, es una excelente ilustración del estilo arquitectónico American Craftsman en Nueva Inglaterra. Esta finca en la cima de una montaña, situada en las montañas Ossipee de New Hampshire, fue construida entre 1913 y 1914 por el arquitecto de Boston J. Williams Beal para Tom y Olive Plant.

Otras influencias significativas incluyeron la comunidad Roycroft, establecida por Elbert Hubbard en Buffalo y East Aurora, Nueva York; José Marbella; asentamientos utópicos como la Colonia Byrdcliffe en Woodstock, Nueva York, y Rose Valley, Pensilvania; desarrollos planificados como Mountain Lakes, Nueva Jersey, caracterizados por grupos de bungalows y residencias tipo castillo diseñados por Herbert J. Hapgood; y el movimiento artesanal de estudio contemporáneo en evolución. El impacto generalizado del movimiento Arts and Crafts es evidente en diversas formas de cerámica de estudio, ejemplificadas notablemente por Grueby Faience Company, Newcomb Pottery en Nueva Orleans, Marblehead Pottery, Teco Pottery, Overbeck y Rookwood Pottery, y Pewabic Pottery de Mary Chase Perry Stratton en Detroit, junto con la compañía Van Briggle Pottery en Colorado Springs, Colorado. Esta influencia también se extiende a los distintivos azulejos artísticos producidos por Ernest A. Batchelder en Pasadena, California, y a las creaciones de muebles únicas de Charles Rohlfs.

En Canadá, George Agnew Reid (1860-1947), un consumado artista, educador y arquitecto, surgió como un destacado defensor del movimiento Arts and Crafts. Reid demostró un gran interés en el nexo entre el arte y las preocupaciones sociales, creyendo firmemente que tanto las artes visuales como las aplicadas poseían la capacidad de facilitar el mejoramiento individual y comunitario a través de una exposición generalizada a la calidad estética y al diseño superior. Esta filosofía de "arte por el bien de la vida" impregnó los esfuerzos artísticos de Reid, particularmente evidente en los murales que produjo en toda el área de Toronto. Además, Reid ocupó el cargo de vicepresidente fundador de la Sociedad de Artes y Oficios de Canadá, una organización que luego pasó a llamarse Sociedad Canadiense de Artes Aplicadas.

Expresiones Arquitectónicas y Artísticas

La "Escuela de la pradera" de Frank Lloyd Wright, George Washington Maher y otros arquitectos con sede en Chicago, junto con el movimiento Country Day School y los estilos de bungalows y casas de bungalows populares popularizados por Greene y Greene, Julia Morgan y Bernard Maybeck, representan manifestaciones clave de American Arts and Crafts y de la arquitectura American Craftsman. Los ejemplos restaurados y protegidos persisten en todo Estados Unidos, particularmente en Berkeley y Pasadena en California, y en distritos de otros municipios que se originaron durante este período y no fueron sujetos a la reurbanización urbana de la posguerra. Mission Revival, Prairie School y los estilos de construcción residencial 'bungalow de California' siguen siendo los preferidos en el diseño residencial estadounidense contemporáneo.

Como teóricos, educadores y artistas prolíficos que trabajan en diferentes medios, desde el grabado hasta la cerámica y el pastel, Arthur Wesley Dow (1857-1922) en la costa este y Pedro Joseph de Lemos (1882-1954) en California emergieron como dos de las figuras más influyentes. Dow, que ocupó un puesto docente en la Universidad de Columbia y estableció la Escuela de Arte de Verano de Ipswich, publicó su obra fundamental Composición en 1899. Esta publicación sintetizó los principios básicos de la composición japonesa en una metodología exclusivamente estadounidense, integrando tres elementos fundamentales en una síntesis cohesiva y estéticamente agradable: simplicidad de línea, "notan" (el equilibrio entre áreas claras y oscuras) y simetría de color.

Dow's objetivo pedagógico centrado en la producción de objetos minuciosamente elaborados y estéticamente refinados. Su alumno, de Lemos, quien posteriormente se convirtió en director del Instituto de Arte de San Francisco, director del Museo y Galería de Arte de la Universidad de Stanford y editor en jefe de la School Arts Magazine, elaboró ​​y perfeccionó significativamente el marco teórico de Dow en más de 150 monografías y artículos para escuelas de arte en Estados Unidos y Gran Bretaña. En particular, los principios pedagógicos poco convencionales de De Lemos incluían la afirmación de que los productos industriales podían encarnar "la belleza sublime" y que se podía derivar una comprensión artística profunda de las "formas de diseño" abstractas inherentes a las civilizaciones precolombinas.

Museos

El Museo del Movimiento Americano de Artes y Oficios en San Petersburgo, Florida, comenzó a funcionar en 2021.

Asia

En Japón, Yanagi Sōetsu, el fundador del movimiento Mingei, que defendió el arte popular desde la década de 1920 en adelante, se inspiró en las obras filosóficas de Morris y Ruskin. Reflejando el movimiento europeo de Artes y Oficios, Mingei se esforzó por salvaguardar la artesanía tradicional en medio de las presiones de la modernización industrial.

Arquitectura

El movimiento... representa en cierto sentido una rebelión contra la dura vida mecánica convencional y su insensibilidad a la belleza (otra cosa muy distinta a la ornamentación). Es una protesta contra el llamado progreso industrial que produce productos de mala calidad, cuyo bajo precio se paga con las vidas de sus productores y la degradación de sus usuarios. Es una protesta contra la transformación de los hombres en máquinas, contra las distinciones artificiales en el arte y contra hacer del valor inmediato de mercado, o la posibilidad de obtener ganancias, la principal prueba del mérito artístico. También promueve el reclamo de todos y cada uno de la posesión común de la belleza en las cosas comunes y familiares, y despertaría el sentido de esta belleza, apagada y deprimida como lo está ahora con demasiada frecuencia, ya sea por un lado por superfluidades lujosas, o por el otro por la ausencia de las necesidades más comunes y la ansiedad persistente por los medios de subsistencia; por no hablar de las fealdades cotidianas a las que hemos acostumbrado nuestros ojos, confundidos por la avalancha de falso gusto, u oscurecidos por la vida apresurada de las ciudades modernas en las que existen enormes agregaciones de humanidad, igualmente alejadas tanto del arte como de la naturaleza y sus influencias amables y refinadoras.

Un número significativo de defensores del movimiento Arts and Crafts recibieron formación formal en arquitectura (p. ej., William Morris, A. H. Mackmurdo, C. R. Ashbee, W. R. Lethaby); en consecuencia, el movimiento ejerció su impacto más profundo y duradero dentro del ámbito del diseño arquitectónico.

Red House, ubicada en Bexleyheath, Londres, y diseñada para Morris en 1859 por el arquitecto Philip Webb, sirve como una ilustración por excelencia de la naciente estética Arts and Crafts, caracterizada por sus formas equilibradas y robustas, amplias terrazas, techos de pendiente pronunciada, arcos de fenestración apuntados, hogares de ladrillo y accesorios de madera. Webb evitó deliberadamente los estilos clásicos y otros estilos de renacimiento histórico derivados de estructuras monumentales, y en su lugar basó su diseño en la arquitectura vernácula británica. Este enfoque enfatizó la textura inherente de los materiales comunes, como la piedra y los azulejos, dentro de una composición arquitectónica asimétrica y visualmente atractiva.

El suburbio londinense de Bedford Park, desarrollado predominantemente durante las décadas de 1880 y 1890, abarca aproximadamente 360 residencias en el estilo Arts and Crafts y fue históricamente reconocido por sus habitantes del movimiento estético. Varias casas de beneficencia también adoptaron la estética Arts and Crafts, en particular Whiteley Village en Surrey, construida entre 1914 y 1917 con más de 280 estructuras, y Dyers Almshouses en Sussex, construida entre 1939 y 1971. Letchworth Garden City, distinguida como la ciudad jardín inaugural, derivó sus principios fundacionales de los ideales de Arts and Crafts.

Las residencias iniciales fueron concebidas por Barry Parker y Raymond Unwin. empleando el estilo arquitectónico vernáculo popularizado por el movimiento, asociando así a la ciudad con principios de pensamiento elevado y vida sin adornos. El taller de fabricación de sandalias de Edward Carpenter se trasladó de Yorkshire a Letchworth Garden City, y el conocido comentario satírico de George Orwell sobre la congregación de "todos los bebedores de zumos de frutas, nudistas, usuarios de sandalias, maníacos sexuales, cuáqueros, curanderos de 'Nature Cure', pacifistas y feministas de Inglaterra" en una conferencia socialista en Letchworth ha alcanzado considerable notoriedad.

Obras arquitectónicas ilustrativas

• Casa Roja – Upton, Bexley Heath, Kent – 1859
• Casa de David Parr – Cambridge, Inglaterra – 1886–1926
• Wightwick Manor – Wolverhampton, Inglaterra – 1887–1893
• Inglewood – Leicester, Inglaterra – 1892
• Standen – East Grinstead, Inglaterra – 1894
• Iglesia Swedishborgiana – San Francisco, California – 1895
• Casa de Mary Ward – Bloomsbury, Londres – 1896–1898
• Blackwell – Distrito de los Lagos, Inglaterra – 1898
• Casa Derwent – Chislehurst, Bromley, Kent – 1899
• Stoneywell – Ulverscroft, Leicestershire – 1899
• Iglesia Metodista de Long Street – Rochdale, Inglaterra – 1899
• Casa Spade – Sandgate, Kent – 1900
• Caledonian Estate – Islington, Londres – 1900–1907
• Museo Horniman – Forest Hill, Londres – 1901
• Iglesia de Todos los Santos, Brockhampton – 1901–02
• El rincón de Shaw – Ayot St Lawrence, Hertfordshire – 1902
• Casa de Pierre P. Ferry – Seattle, Washington – 1903–1906
• Casa Winterbourne – Birmingham, Inglaterra – 1904
• El fraile negro – Blackfriars, Londres – 1905
• Casa Marston – San Diego, California – 1905
• Centro Edgar Wood – Manchester, Inglaterra – 1905
• Casa Debenham – Holland Park, Londres – 1905-1907
• Belrock – Gran Sudbury, Ontario – 1907
• Casa de Robert R. Blacker – Pasadena, California – 1907
• Stotfold, Bickley, Kent – 1907
• Casa Gamble – Pasadena, California – 1908
• Biblioteca Pública de Oregon – Oregón, Illinois – 1909
• Casa Thorsen – Berkeley, California – 1909
• Rodmarton Manor – Rodmarton, cerca de Cirencester, Gloucestershire – 1909–1929
• Whare Ra – Havelock North, Nueva Zelanda – 1912
• Suburbio de Sutton Garden – Benhilton, Sutton, Londres – 1912–1914
• El Omni Grove Park Inn – Asheville, Carolina del Norte – 1913
• Castillo en las nubes – Montañas Ossipee en el lago Winnipesaukee, New Hampshire – 1913–14
• Capilla Honan – University College Cork, Irlanda – c. 1916
• Catedral de San Francisco Javier – Geraldton, Australia Occidental, 1916–1938
• Biblioteca conmemorativa de la escuela Bedales, cerca de Petersfield, Hampshire, 1919-1921
• Cámara del Demócrata – Rose Valley, Pensilvania, 1911–12

Principios del diseño de jardines

Gertrude Jekyll integró notablemente los principios de Arts and Crafts en su enfoque del diseño de jardines. Colaboró ​​ampliamente con el distinguido arquitecto inglés Sir Edwin Lutyens, para quien concibió numerosos proyectos paisajísticos y quien, a su vez, diseñó su residencia personal, Munstead Wood, situada cerca de Godalming en Surrey. Jekyll también fue responsable de los jardines de Bishopsbarns, la morada del arquitecto neoyorquino Walter Brierley, un destacado defensor del movimiento Arts and Crafts, a menudo denominado los "Lutyens del Norte". El paisaje de la última empresa de Brierley, Goddards en York, fue ejecutado por George Dillistone, un horticultor que había colaborado anteriormente con Lutyens y Jekyll en Castle Drogo. En Goddards, el diseño del jardín incorporó varios elementos que reflejaban la estética Arts and Crafts de la casa principal, incluido el despliegue estratégico de setos y bordes herbáceos para delinear el jardín en una secuencia de distintos espacios al aire libre.

Hidcote Manor Garden, concebido por Lawrence Johnston, representa otro ejemplo significativo de un jardín Arts and Crafts, estructurado de manera similar como una progresión de habitaciones al aire libre. En este diseño, análogo al de Goddards, el paisaje disminuye progresivamente en formalidad a medida que se extiende más allá de la residencia principal. Ejemplos adicionales de jardines Arts and Crafts incluyen los jardines Hestercombe, Lytes Cary Manor y los terrenos asociados con varios de los ejemplos arquitectónicos del movimiento antes mencionados.

Educación artística

Los conceptos de William Morris se integraron posteriormente en el Movimiento de Nueva Educación a finales de la década de 1880. Este movimiento introdujo notablemente la instrucción artesanal en instituciones como Abbotsholme (1889) y Bedales (1892). Además, el impacto de Morris es discernible en las iniciativas sociales llevadas a cabo en Dartington Hall a lo largo de mediados del siglo XX.

Los defensores de British Arts and Crafts expresaron una significativa desaprobación del marco gubernamental de educación artística, que priorizaba el diseño abstracto sobre la instrucción práctica de manualidades. Esta deficiencia en la formación artesanal también generó aprensión dentro de los sectores industriales y oficiales. En consecuencia, en 1884, una Comisión Real, siguiendo el consejo de William Morris, abogó por que la educación artística enfatizara la congruencia entre el diseño y el material destinado a su ejecución. La Escuela de Artes y Oficios de Birmingham fue pionera en este cambio pedagógico y jugó un papel decisivo en "introducir el diseño ejecutado en la enseñanza del arte y el diseño a nivel nacional (trabajando en el material para el que estaba destinado el diseño en lugar de diseñar en papel)". En su informe de examinador externo de 1889, Walter Crane elogió a la Escuela de Arte de Birmingham por su enfoque, señalando que "'consideraba el diseño en relación con los materiales y el uso".

Al mismo tiempo, otras instituciones educativas de las autoridades locales comenzaron a integrar una instrucción artesanal más práctica. En la década de 1890, los miembros del Art Workers Guild estaban propagando los principios del movimiento Arts and Crafts en las escuelas de arte nacionales. Estos miembros del gremio desempeñaron papeles importantes: Walter Crane dirigió la Escuela de Arte de Manchester y más tarde el Royal College of Art; FM Simpson, Robert Anning Bell y C.J. Allen ocuparon cargos como profesores de arquitectura, instructores de pintura y diseño e instructores de escultura, respectivamente, en la Escuela de Arte de Liverpool. Robert Catterson-Smith, director de la Escuela de Arte de Birmingham de 1902 a 1920, también fue miembro del AWG. W. R. Lethaby y George Frampton se desempeñaron como inspectores y asesores de la junta de educación del Consejo del Condado de Londres (LCC). En 1896, en gran parte gracias a sus esfuerzos, la LCC estableció la Escuela Central de Artes y Oficios, nombrándolos codirectores. Antes del establecimiento de la Bauhaus en Alemania, la Escuela Central era considerada la institución artística más progresista de Europa. Poco después de su creación, el consejo municipal local fundó la Escuela de Artes y Oficios de Camberwell, adhiriéndose a los principios de Artes y Oficios.

En 1898, como director del Royal College of Art, Crane se esforzó por implementar reformas destinadas a un plan de estudios más práctico. Sin embargo, dimitió al cabo de un año, frustrado por la resistencia burocrática de la Junta de Educación. Posteriormente, se nombró a Augustus Spencer para ejecutar el plan propuesto por Crane. Spencer reclutó a Lethaby para dirigir la escuela de diseño y contrató a varios miembros del Art Workers' Guild como instructores. Una década después de estas reformas, un comité de investigación evaluó la RCA y concluyó que seguía siendo insuficiente para preparar a los estudiantes para carreras industriales.

Tras la difusión del informe del comité, surgió un debate posterior. C.R. Ashbee contribuyó con un ensayo muy crítico titulado Deberíamos dejar de enseñar arte, abogando por la abolición total del sistema de educación artística existente y proponiendo que, en su lugar, se enseñen artesanías en talleres subsidiados por el estado. Por el contrario, Lewis Foreman Day, una figura prominente dentro del movimiento Arts and Crafts, presentó una perspectiva alternativa en su informe disidente al comité de investigación. Abogó por un mayor enfoque en los principios del diseño, desafiando la metodología cada vez más prevalente de enseñar diseño a través del compromiso material directo. A pesar de estos diferentes puntos de vista, el espíritu de Arts and Crafts impregnó ampliamente las escuelas de arte británicas y, según el historiador de educación artística Stuart MacDonald, perduró hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

Practicantes destacados

Galería de Artes Decorativas

Estilo moderno (Art Nouveau británico)

• Estilo moderno (estilo Art Nouveau británico)
• Philip Clissett
• La Casa Inglesa
• Charles Prendergast
• Diseños de papel tapiz de William Morris
• Diseños textiles de William Morris
• Historia de las escuelas de pensamiento económico en relación con las artes y la cultura

Referencias

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  • El primer museo público dedicado exclusivamente a las artes y las artes estadounidenses. Movimiento artesanal
  • Listas de catálogos con imágenes de las principales obras artísticas y artísticas de Estados Unidos. Fabricantes de muebles artesanales Archivado el 21 de junio de 2017 en Wayback Machine