Gótico internacional denota una fase del arte gótico que se originó en Borgoña, Francia y el norte de Italia a finales del siglo XIV y principios del XV. Posteriormente, su amplia difusión por toda Europa occidental dio lugar a su designación, término acuñado por el historiador del arte francés Louis Courajod a finales del siglo XIX.
La circulación generalizada de conceptos artísticos y obras de arte portátiles, en particular manuscritos iluminados, en toda Europa fomentó una convergencia estilística entre artistas y mecenas, disminuyendo así significativamente las variaciones regionales. Influencias clave emanaron del norte de Francia, el ducado de Borgoña, Flandes, Brabante, la corte imperial de Praga e Italia. Las uniones dinásticas, ejemplificadas por el matrimonio de Ricardo II de Inglaterra y Ana de Bohemia, facilitaron la difusión de esta tendencia artística.
Inicialmente caracterizada por el refinamiento cortesano, las interpretaciones más sólidas se extendieron posteriormente a las obras de arte encargadas por las florecientes clases mercantiles y la nobleza menor. En el norte de Europa, las manifestaciones del "gótico tardío" de este estilo, particularmente en sus aspectos ornamentales, persistieron hasta principios del siglo XVI, debido a la ausencia de un léxico decorativo alternativo localizado antes del resurgimiento renacentista del clasicismo.
La aplicación de esta terminología entre los historiadores del arte muestra variabilidad, y algunos académicos emplean el término de manera más estricta que otros. Ciertos historiadores del arte sostienen que el término "en muchos sentidos... no es muy útil... ya que tiende a pasar por alto tanto las diferencias como los detalles de la transmisión".
Desarrollo
Una importante iteración bohemia del estilo surgió en la corte de Carlos IV, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, en Praga, que sirvió brevemente como centro fundamental para el avance del arte europeo. Carlos, miembro de la dinastía luxemburguesa, recibió la tutela del futuro Papa Clemente VI y, durante su juventud, residió siete años en la corte francesa, además de realizar dos visitas a Italia. Estas experiencias y conexiones familiares establecieron estrechos vínculos con varias cortes francesas, abarcando el Papado de Aviñón y, desde 1363, el distinto Ducado Valois de Borgoña bajo Felipe el Temerario. Inicialmente, el estilo bohemio se diferenciaba de otros centros al no presentar figuras alargadas; sin embargo, su representación de figuras femeninas con notable riqueza y dulzura resultó muy influyente. Carlos poseía al menos un retablo italiano, aparentemente elaborado en Italia y posteriormente transportado a Praga, donde actualmente se encuentra dentro de su destacado castillo Karlštejn. Para la construcción de la catedral de San Vito en Praga, inicialmente contrató a un arquitecto francés y luego al alemán Peter Parler.
Una parte sustancial de la evolución del estilo tuvo lugar en Italia; su difusión hacia el norte a través de los Alpes hacia Francia probablemente se produjo en parte a través de la comunidad de artistas italianos asociados con la corte papal de Aviñón y a través de las obras de arte expuestas en esa residencia durante las décadas de 1330 y 1340 por Simone Martini, un precursor sienés del estilo. La Siena republicana influyó significativamente en el desarrollo del estilo, pero mantuvo su distintiva y digna estética gótica durante y más allá de esta época, mientras que la opulenta corte Visconti en Milán, que también mantenía estrechos vínculos con la familia real francesa, surgió como el principal centro italiano del estilo cortesano. Por el contrario, a medida que el estilo progresó en el norte de Europa, los artistas italianos absorbieron sus influencias.
El matrimonio en 1384 entre el joven rey Ricardo II de Inglaterra y Ana de Bohemia, hija de Carlos IV, facilitó una conexión cultural entre Praga y Londres, introduciendo así el estilo en Inglaterra, a pesar de la desaparición de Ana en 1394.
Retratos reales
Varias obras fundamentales dentro del corpus gótico internacional comprenden retratos votivos que representan a monarcas junto a figuras sagradas, que en ocasiones ilustran su recepción en el cielo, como lo ejemplifica una miniatura que representa a Jean, Duc de Berry y sus parientes siendo recibidos por San Pedro en Très Riches Heures du Duc de Berry. Esta época también produce los primeros retratos sobre paneles de monarcas que se conservan, y los manuscritos reales de esta época exhiben una incidencia significativamente elevada de representaciones realistas de los monarcas encargados.
Encuesta
Arquitectura
Dentro del ámbito de la arquitectura, donde este estilo demostró una longevidad considerable, sus manifestaciones regionales se identifican con frecuencia como arquitectura perpendicular en Inglaterra, Sondergotik en Alemania y Europa Central, gótico flamígero en Francia y, posteriormente, manuelina en Portugal e isabelina en España.
Pintura y escultura
En pintura y escultura, a este movimiento artístico se hace referencia ocasionalmente por sus designaciones alemanas, "Schöne Stil" o "Weicher Stil", que se traducen como "estilo hermoso" o "estilo suave". Sus características definitorias incluyen una elegancia refinada, que reemplazó a la monumentalidad anterior, complementada con opulentas paletas decorativas, formas humanas alargadas y líneas sinuosas. El estilo también demostró una aplicación más sofisticada de perspectiva, modelado y composición ambiental. A las figuras se les permitió cada vez más una mayor integración espacial dentro de sus entornos, junto con un creciente interés en la representación verista de la flora y la fauna. En particular, ciertas obras, en particular las famosas ilustraciones del calendario dentro de Très Riches Heures du Duc de Berry, exhiben las etapas incipientes de la auténtica pintura de paisaje. A medida que el estilo evolucionó en el norte de Europa, la ornamentación se volvió progresivamente elaborada, mientras que en Italia, el mayor refinamiento de la representación figurativa fue asimilado a la naciente tradición pictórica del Renacimiento temprano.
Los escultores italianos destacados mantuvieron en gran medida una afinidad por el clasicismo, mostrando menos susceptibilidad a esta corriente artística; Lorenzo Ghiberti, si bien compartía varios puntos en común estilísticos, al mismo tiempo mostró una temprana infusión del clasicismo renacentista. Claus Sluter, el escultor más destacado de Borgoña, aprovechó de forma única el estilo para lograr un poderoso impacto monumental. Las identidades de la mayoría de los escultores de este período no están registradas, y el estilo generalmente persistió más tiempo en la escultura del norte de Europa que en la pintura, principalmente porque el realismo intrincado característico de la pintura holandesa temprana resultó difícil de representar escultóricamente. Las figuras de madera pintadas a pequeña escala, que frecuentemente representaban a la Virgen, tuvieron una importancia considerable y, debido a su portabilidad, probablemente facilitaron la difusión generalizada del estilo en toda Europa.
Pintores distinguidos asociados con este período incluyen al Maestro Theoderic y al Maestro del Retablo de Třeboň en Bohemia; el Maestro del Parement, Jacquemart de Hesdin, y los hermanos holandeses Limbourg en Francia; y Gentile da Fabriano, Lorenzo Monaco y Pisanello en Italia, siendo Pisanello uniendo notablemente el estilo con el Renacimiento temprano. En Borgoña, artistas como Jean Malouel, Melchior Broederlam y Henri Bellechose fueron sucedidos por Robert Campin y Jan van Eyck, quienes impulsaron la pintura holandesa temprana hacia un mayor ilusionismo. El maestro Bertram y Conrad von Soest surgieron como destacados maestros regionales en Alemania, sirviendo principalmente a los mecenas urbanos. Las pinturas sobre tabla de alta calidad anteriores a 1390 son extremadamente escasas, con notables excepciones sólo en Italia y en la corte de Praga. Muchos de estos artistas realizaron extensos viajes entre países o regiones a lo largo de sus carreras, lo que facilitó la exposición a diversos centros artísticos. Específicamente, Broederlam residió en Italia durante varios años, y las conjeturas académicas sugieren que el Maestro del Parement pudo haber sido bohemio, dado el número limitado de sus obras francesas documentadas y su profunda afinidad estilística con el arte bohemio.
Los manuscritos iluminados continuaron sirviendo como conductos cruciales para el estilo, con obras como el Misal Sherborne que representan la principal contribución de Inglaterra, junto con las creaciones de vidrieras de John Thornton en York Minster y Thomas Glazier en Oxford y otros lugares. Las tallas de alabastro de Nottingham, producidas en masa por talleres según diseños estandarizados, se exportaron ampliamente a toda Europa occidental a iglesias parroquiales preocupadas por los costos. Las Horas del milanés Gian Galeazzo Visconti constituyeron una obra fundamental, al igual que la Biblia de Wenceslao (con texto en alemán), encargada por el hijo de Carlos IV. Ambos manuscritos, similares al Misal Sherborne, se distinguen por sus bordes profusamente adornados. Juan, duque de Berry, hijo y hermano de monarcas franceses, fue el mecenas más prodigioso de los manuscritos, siendo el principal empleador de los hermanos Limbourg, el maestro de las Iniciales de Bruselas y Jacquemart de Hesdin, además de contratar a muchos otros artistas. Otros coleccionistas importantes fueron Wenceslao, hijo de Carlos IV; Juan de Lancaster, primer duque de Bedford, hijo de Enrique IV de Inglaterra y "regente" de la Francia ocupada por los ingleses; y los duques de Borgoña. Durante el siglo XV, las ciudades flamencas, particularmente Brujas, superaron a París como centros preeminentes tanto para la iluminación de manuscritos como para la pintura sobre paneles.
Tapiz
Los centros de tejido de tapices en Arras, Tournai y París contribuyeron significativamente a la difusión del estilo gótico internacional, a pesar de la interrupción de la producción de tapices causada por la ocupación inglesa de 1418 a 1436. El patrocinio sostenido de los duques de Borgoña fomentó una estética gótica internacional cortesana caracterizada por figuras alargadas, detalles de vestuario elaborados y composiciones densamente pobladas dispuestas en gradas. Este estilo se inspiró en iluminadores de manuscritos y directamente en pintores; por ejemplo, Baudouin de Bailleul, un artista afincado en Arras, proporcionó dibujos animados para talleres de tapices tanto en Arras como en Tournai, lo que dificultaba la diferenciación de los elementos estilísticos locales (Weigert, p. 44). Las Cacerías de Chatsworth, que se encuentran en el Museo de Victoria y Alberto, obtienen su inspiración temática del tratado sobre caza de Gaston de Foix y de numerosas narrativas románticas contemporáneas que representan los ciclos de la Guerra de Troya.
El tapiz también sirvió como una forma de arte muy portátil. Juegos completos de tapices podían acompañar a sus nobles propietarios mientras se movían entre varios castillos sin calefacción ni muebles. Si bien a veces se convenció a los tejedores de tapices para que trasladaran sus talleres, sus operaciones siguieron dependiendo de la disponibilidad de lana inglesa. Dentro de esta forma de arte predominantemente secular, tanto los temas religiosos como los seculares competían por la prominencia.
Los tapices pintados representan un medio del gótico tardío que a menudo se pasa por alto debido a su casi total desaparición. Estos tapices funcionaban como una alternativa más económica a los tapices tejidos y podían producirse rápidamente con un contenido temático adecuado.
El cenit del movimiento
Aproximadamente entre 1390 y 1420, surgió una notable coherencia estilística entre las obras de arte creadas en regiones geográficamente dispares de Europa. Los ejemplos del norte de Europa incluyen las miniaturas de Très Riches Heures de los hermanos Limbourg, mientras que en Italia, la Adoración de los Magos de Lorenzo Mónaco, junto con esculturas y miniaturas de varias naciones, exhiben figuras alargadas y muy estilizadas, que a menudo representan a hombres mayores con imponentes barbas largas y posturas gráciles y oscilantes. Las figuras de escenas bíblicas se representan con frecuencia vistiendo prendas exóticas, ligeramente inspiradas en la vestimenta bizantina o del Medio Oriente contemporáneo; de hecho, muchas figuras parecen incluirse principalmente para exhibir estos elaborados trajes. La población dentro de muchos escenarios religiosos convencionales se expandió significativamente; por ejemplo, los Magos van acompañados de un extenso séquito y la Crucifixión frecuentemente se transforma en un espectáculo densamente poblado. Esta innovación particular persistió más allá de la vida útil del estilo en sí.
La decadencia del período gótico internacional
La presentación de la Adoración de los Magos de Gentile da Fabriano en Florencia en 1423, considerada "la obra culminante de la pintura gótica internacional", fue rápidamente sucedida por los frescos de Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci (1424-26), que fueron reconocidos como pioneros de un nuevo estilo artístico. De manera similar, la obra maestra de los hermanos Limbourg, las Très Riches Heures du Duc de Berry, fue sucedida al cabo de unos años por las Horas de Turín-Milán. Este último manuscrito, continuación de un trabajo iniciado décadas antes por el maestro Parement para el duque de Berry, introdujo un estilo pictórico claramente diferente, a pesar de conservar un marco estructural gótico.
Sin embargo, más allá de Florencia y las cortes principales, el estilo gótico internacional mantuvo su prominencia, evolucionando progresivamente en formas que nuevamente divergieron significativamente entre Italia y el norte de Europa. Posteriormente, tanto las artes como la arquitectura pasaron al Renacimiento temprano.
Galería
Arte gótico internacional en Italia
- Arte gótico internacional en Italia
- Virgen de Nesvačily
Notas
Referencias
- Levey, Michael. Pintura en la Corte. Weidenfeld & Nicolson, Londres, 1971.
- Hyman, Timoteo. Pintura de Siena. Támesis y Hudson, 2003. ISBN 0-500-20372-5.
- Marks, Richard y Nigel Morgan. La edad de oro de la pintura manuscrita inglesa, 1200-1400. Chatto & Windus, 1981. ISBN 0-7011-2540-3.
- Syson, Luke y Dillian Gordon. "Pisanello, pintor de la corte del Renacimiento". National Gallery Company, Londres, 2001. ISBN 1-85709-946-X.
- Tomás, Marcel. La edad de oro: pintura manuscrita en la época de Jean, duque de Berry. Chatto & Windus, 1979. ISBN 0-7011-2472-5.
Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Praga: la corona de Bohemia, 1347-1437. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 1588391612.
- Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Praga : la Corona de Bohemia, 1347-1437. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 1588391612.Exposición Metropolitana: Praga, La Corona de Bohemia, 1347-1437
- Exposición metropolitana Praga, la corona de Bohemia, 1347-1437