Japonisme

Japonismo es un término francés que denota el atractivo generalizado y el impacto artístico del arte y el diseño japoneses entre varios artistas de Europa occidental en el siglo XIX, después de que Japón se comprometió nuevamente con el comercio internacional en 1858. El concepto de japonismo fue articulado inicialmente en 1872 por el crítico de arte y coleccionista francés Philippe Burty.

Aunque sus manifestaciones fueron posiblemente más prominentes dentro las artes visuales, su influencia impregnó la arquitectura, el diseño del paisaje, la horticultura y la moda. Las artes escénicas también experimentaron este impacto, con El Mikado de Gilbert y Sullivan como ejemplo notable.

A partir de la década de 1860, el ukiyo-e, un género de grabados en madera japoneses, surgió como una importante fuente de inspiración para numerosos artistas occidentales. Estas impresiones se produjeron originalmente para el mercado comercial interno de Japón. Si bien algunas impresiones habían llegado previamente a Occidente a través de las redes comerciales holandesas, la popularidad europea generalizada de las impresiones ukiyo-e no se materializó hasta la década de 1860. Los artistas occidentales quedaron particularmente cautivados por su innovadora aplicación del color y sus distintivas estructuras compositivas. Los rasgos característicos de los grabados ukiyo-e incluían pronunciados escorzos y disposiciones asimétricas.

Las artes decorativas japonesas, que abarcan cerámica, esmaltes, orfebrería y lacas, ejercieron una influencia en Occidente comparable a la de sus artes gráficas. A lo largo de la era Meiji (1868-1912), la cerámica japonesa alcanzó la exportación mundial. Basándose en una rica herencia en la fabricación de armamento samurái, los trabajadores metalúrgicos japoneses desarrollaron una extensa paleta de colores a través de sofisticadas técnicas de aleación y acabado de metales. El período comprendido entre 1890 y 1910 marcó la "edad de oro" del esmalte cloisonné japonés, durante la cual se lograron avances sin precedentes en la producción. Estos artefactos se volvieron muy notorios en toda la Europa del siglo XIX, exhibidos ante millones de personas en sucesivas ferias mundiales y posteriormente adquiridos por galerías y minoristas de lujo. Los escritos contemporáneos de críticos, coleccionistas y artistas transmitieron un entusiasmo significativo por esta forma de arte emergente. Destacados coleccionistas como Siegfried Bing y Christopher Dresser expusieron y documentaron estas creaciones. En consecuencia, los principios estéticos y elementos temáticos japoneses fueron reinterpretados e integrados en las creaciones de artistas y artesanos occidentales.

Historial

Aislamiento (1639–1858)

Durante la mayor parte del período Edo (1603-1867), Japón mantuvo una política de aislamiento nacional, y solo quedó operativo un puerto internacional. Tokugawa Iemitsu ordenó la construcción de Dejima, una isla artificial situada frente a Nagasaki, para que sirviera como punto de entrada exclusivo de Japón para las importaciones. Los holandeses eran los únicos occidentales a los que se les permitía comerciar con Japón; sin embargo, esta interacción limitada facilitó la transmisión de influencias artísticas japonesas a Occidente. Anualmente, flotas holandesas llegaban a Japón cargadas con productos occidentales para intercambiar. Su cargamento incluía, en particular, numerosos tratados holandeses sobre pintura y varios grabados holandeses. Shiba Kōkan (1747–1818) fue uno de los artistas japoneses que trabajaron con estos materiales importados. Kōkan produjo uno de los primeros grabados de Japón, una técnica que adquirió de un tratado importado. Posteriormente integró la técnica de la perspectiva lineal, también derivada de un tratado, en sus distintivas pinturas de estilo ukiyo-e.

Exportaciones tempranas

Inicialmente, las principales exportaciones de Japón comprendían la plata, que fue prohibida después de 1668, y el oro, principalmente en forma de monedas ovaladas, que enfrentó la prohibición después de 1763, seguido por el cobre en forma de barras. Posteriormente, las exportaciones japonesas disminuyeron y pasaron a productos artesanales, como cerámica, abanicos, papel, muebles, espadas, armaduras, artículos de nácar, biombos y artículos de laca, todos los cuales ya eran productos de exportación establecidos.

Incluso durante el período de aislamiento de Japón, las mercancías japonesas eran artículos de lujo muy codiciados entre la aristocracia europea. La fabricación de porcelana japonesa se expandió significativamente en el siglo XVII, tras la reubicación de los alfareros coreanos en la región de Kyushu. Estos inmigrantes, junto con sus descendientes y artesanos japoneses, descubrieron depósitos de arcilla caolín e iniciaron la producción de cerámica de calidad superior. Esta fusión de diversas tradiciones fomentó una industria japonesa única, dando lugar a estilos distintivos como la cerámica Imari y Kakiemon. Estos estilos impactaron posteriormente a los artistas cerámicos europeos y chinos. Las exportaciones de porcelana recibieron un impulso adicional de la transición Ming-Qing, que interrumpió la producción de porcelana china en Jingdezhen durante varias décadas. En consecuencia, los alfareros japoneses satisficieron la demanda produciendo porcelana adaptada a las preferencias europeas. La porcelana y los artefactos lacados surgieron como las principales exportaciones de Japón a Europa. Si bien un método opulento de exhibir porcelana implicaba dedicar una habitación entera con amplios estantes para piezas exóticas, adquirir algunos artículos se volvió cada vez más accesible para un segmento más amplio de la clase media. Entre los coleccionistas notables de laca japonesa se incluyen María Antonieta y María Teresa, cuyas colecciones se exhiben con frecuencia en el Louvre y el Palacio de Versalles. La emulación europea de las técnicas de laca asiáticas se denomina Japanning.

Reapertura (siglo XIX)

Durante la era Kaei (1848-1854), después de más de dos siglos de aislamiento, Japón comenzó a recibir visitas de buques mercantes extranjeros de diversos orígenes. Después de la Restauración Meiji en 1868, Japón concluyó su prolongado aislamiento nacional, abriendo sus fronteras a importaciones occidentales como la fotografía y las tecnologías de impresión. Esta renovada accesibilidad comercial condujo a la aparición de arte y artefactos japoneses en las tiendas de curiosidades de París y Londres. El japonismo se originó como un entusiasmo generalizado por coleccionar arte japonés, especialmente grabados ukiyo-e. Entre los ejemplos iniciales de ukiyo-e se observaron en París.

Al mismo tiempo, los artistas europeos buscaron activamente alternativas a las rígidas metodologías académicas prevalecientes en Europa. Aproximadamente en 1856, el artista francés Félix Bracquemond descubrió una copia del cuaderno de bocetos Hokusai Manga en el taller de imprenta de Auguste Delâtre. Los años posteriores a este hallazgo fueron testigos de un aumento del interés por los grabados japoneses. Estas impresiones se vendían al por menor en tiendas de curiosidades, almacenes de té y establecimientos comerciales más amplios. Minoristas como La Porte Chinoise se centraron en la distribución de productos importados japoneses y chinos. En particular, La Porte Chinoise se convirtió en un imán para artistas como James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet y Edgar Degas, quienes obtuvieron inspiración artística de estos grabados. Este establecimiento, junto con otros, acogió encuentros que promovieron la difusión del conocimiento sobre las prácticas y técnicas artísticas japonesas.

Artistas y japonismo

Los grabados Ukiyo-e constituyeron una influencia japonesa primaria en la expresión artística occidental. Los artistas occidentales encontraron inspiración en la utilización distintiva del espacio compositivo, el aplanamiento plano y las metodologías abstractas aplicadas al color. Un énfasis pronunciado en las diagonales, la asimetría y el espacio negativo se percibe en las creaciones de artistas occidentales que adoptaron elementos de esta estética.

Vincent van Gogh

La fascinación de Vincent van Gogh por los grabados japoneses comenzó cuando descubrió las ilustraciones de Félix Régamey, publicadas en The Illustrated London News y Le Monde illustré. Régamey produjo grabados en madera, emulando técnicas japonesas y con frecuencia retrató viñetas de la existencia cotidiana japonesa. Van Gogh consideraba a Régamey como una referencia autorizada para comprender las convenciones artísticas y la vida cotidiana japonesas. A partir de 1885, Van Gogh pasó de acumular ilustraciones de revistas, incluidas las de Régamey, a adquirir impresiones de ukiyo-e disponibles en modestos establecimientos parisinos. Posteriormente compartió estos grabados con sus compañeros artísticos y fue curador de una exposición de grabados japoneses en París en 1887.

El Retrato del padre Tanguy de Van Gogh (1887) representa a su comerciante de pintura, Julien Tanguy. Van Gogh produjo dos versiones distintas de este retrato. Ambas interpretaciones incorporan fondos adornados con grabados japoneses de artistas reconocidos como Hiroshige y Kunisada. Inspirándose en los grabados en madera japoneses y sus vívidas combinaciones de colores, Van Gogh integró una intensidad cromática comparable en su producción artística. Imbuyó el retrato de Tanguy con tonos brillantes, operando bajo la convicción de que los clientes habían perdido interés en las pinturas holandesas monocromáticas y que las obras de arte multicolores serían percibidas como contemporáneas y atractivas.

Alfred Stevens

Alfred Stevens, un pintor belga, surgió como un coleccionista pionero y admirador del arte japonés en París. Las posesiones de su estudio demostraron vívidamente su profundo interés por los muebles y elementos decorativos japoneses y otros exóticos. Stevens mantuvo estrechas relaciones tanto con Manet como con James McNeill Whistler, y compartió esta temprana fascinación con ellos. Un número significativo de sus contemporáneos desarrollaron un entusiasmo similar, particularmente después de la Exposición Internacional de 1862 en Londres y la Exposición Internacional de 1867 en París, eventos que marcaron la exhibición pública inicial de arte y artefactos japoneses.

A partir de mediados de la década de 1860, el japonismo se convirtió en un componente integral de numerosas pinturas de Stevens. Entre sus obras más reconocidas influenciadas por el japonismo se encuentra La parisienne japonaise (1872). Produjo múltiples retratos de mujeres jóvenes adornadas con kimonos, y los motivos japoneses son evidentes en muchos de sus otros lienzos. Los ejemplos incluyen la temprana La Dame en Rose (1866), que yuxtapone a una mujer elegantemente vestida dentro de un ambiente interior con una representación meticulosa de objetos japoneses, y The Psyché (1871), donde los grabados japoneses se exhiben de manera prominente en una silla, lo que significa su dedicación artística.

Edgar Degas

Durante la década de 1860, Edgar Degas comenzó a adquirir grabados japoneses en establecimientos como La Porte Chinoise y varias imprentas parisinas más pequeñas. Las actividades paralelas de recolección de sus compañeros le proporcionaron una amplia gama de material inspirador. En particular, entre las impresiones presentadas a Degas se encontraba una copia del Manga de Hokusai, que Bracquemond había obtenido después de encontrarlo en el taller de Delâtre. Se estima que Degas incorporó el japonismo a su grabado alrededor de 1875, como lo demuestra su distintiva estrategia compositiva de segmentar escenas individuales con divisiones verticales, diagonales y horizontales.

Reflejando los intereses temáticos de numerosos artistas japoneses, los grabados de Degas representan con frecuencia a mujeres y sus actividades cotidianas. La ubicación poco convencional de sus sujetos femeninos y su compromiso con el realismo en el grabado establecieron una conexión entre su trabajo y el de maestros japoneses como Hokusai, Utamaro y Sukenobu. Por ejemplo, en el grabado de Degas Mary Cassatt at the Louvre: The Etruscan Gallery (1879-1880), emplea una composición de dos figuras, una sentada y otra de pie, una disposición común en los grabados japoneses. Degas utilizó constantemente líneas para generar profundidad y delinear áreas espaciales dentro de sus composiciones. Su préstamo más explícito es la representación de una mujer apoyada en un paraguas cerrado, un motivo adaptado directamente del Manga de Hokusai.

James McNeill Whistler

El arte japonés apareció por primera vez en exposiciones británicas a principios de la década de 1850. Estas exhibiciones mostraron una amplia gama de artefactos japoneses, que incluían mapas, correspondencia, textiles y artículos de la existencia diaria. Estas exposiciones fomentaron un sentimiento de orgullo nacional dentro de Gran Bretaña y contribuyeron a establecer una identidad cultural japonesa distintiva, diferenciada de la clasificación más amplia y generalizada de "Oriente".

James Abbott McNeill Whistler, un artista estadounidense que ejerció principalmente en Gran Bretaña. A finales del siglo XIX, Whistler se apartó progresivamente del estilo de pintura realista favorecido por sus contemporáneos. En cambio, descubrió la simplicidad y la precisión técnica dentro de la estética japonesa. En lugar de replicar directamente artistas u obras de arte particulares, Whistler se inspiró en los principios generales japoneses de articulación y estructura compositiva, que posteriormente incorporó a sus propias creaciones.

Artistas influenciados por el arte y la cultura japoneses

Teatro

Las producciones teatrales iniciales ampliamente aclamadas que retrataban a Asia se originaron en Inglaterra y se centraron en Japón. La ópera cómica Kosiki, originalmente llamada El Mikado pero retitulada debido a las objeciones de Japón, fue compuesta en 1876. En 1885, Gilbert y Sullivan, aparentemente menos preocupados por las sensibilidades japonesas, estrenaron su propio Mikado. Esta ópera cómica alcanzó una extraordinaria popularidad en toda Europa, con diecisiete compañías representándola 9.000 veces en los dos años siguientes a su estreno. Tras su traducción al alemán en 1887, El Mikado mantuvo su estatus como la obra dramática más popular de Alemania durante toda la década de 1890. Tras este éxito generalizado, surgió una rápida proliferación de comedias ambientadas en Asia y protagonizadas por personajes asiáticos humorísticos, tanto en ópera cómica como en forma dramática.

La ópera de Sidney Jones La Geisha (1896) sucedió a El Mikado como el drama de temática japonesa más popular de Europa, presentando a la geisha como un personaje prominente que representaba a Japón. Esta figura se convirtió en uno de los "objetos" que simbolizaban inherentemente a Japón en Alemania y en todo el mundo occidental. Entre 1904 y 1918 se produjo en Europa un aumento significativo de los dramas sobre geishas, ​​siendo la ópera Madama Butterfly de Puccini la más famosa. Puccini, al parecer profundamente conmovido hasta las lágrimas por una puesta en escena de 1900 de la obra de David Belasco del mismo título, se inspiró para su ópera. La inmensa popularidad de Madama Butterfly generó posteriormente numerosas imitaciones, como Madames Cherry, Espirit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn y Tip Top, todas apareciendo alrededor de 1904 pero rápidamente perdiendo importancia. Sin embargo, su impacto colectivo fue duradero, solidificando el estatus de las geishas junto con los pergaminos, el jade y las imágenes del Monte Fuji como representaciones icónicas de Japón en Occidente. Así como esta figura humana de la geisha a menudo se reducía al nivel de otros objetos simbólicos del teatro, los artistas japoneses que viajaban por Alemania también sirvieron a los dramaturgos alemanes en sus esfuerzos por revitalizar el teatro alemán. De manera análoga a la utilidad del ukiyo-e en Francia, desvinculados de cualquier comprensión profunda de Japón, los grupos de actuación y danza japoneses que recorrían Europa proporcionaron material para "una nueva forma de dramatizar" en el escenario. Irónicamente, el atractivo y la influencia generalizados de estos dramas japoneses contribuyeron significativamente a la occidentalización del teatro japonés en general, y en particular de las piezas representadas en Europa.

El escenario giratorio, una innovación del teatro Kabuki japonés del siglo XVIII, se introdujo en los escenarios occidentales en el Teatro Residenz de Munich en 1896, influenciado por el japonismo predominante. Esto marcó el impacto japonés inicial en el diseño escénico alemán. Karl Lautenschlager adoptó el escenario giratorio Kabuki en 1896 y, una década más tarde, Max Reinhardt lo utilizó para el estreno de Frühlings Erwachen de Frank Wedekind. El escenario giratorio rápidamente se convirtió en tendencia en Berlín. Otra adaptación teatral del Kabuki preferida por los directores alemanes fue el Blumensteg, una extensión del escenario que se proyecta hacia el público. La familiaridad europea con el Kabuki surgió de viajes a Japón, fuentes textuales y giras de grupos japoneses. En 1893, Kawakami Otojiro y su compañía de actores llegaron a París, regresaron en 1900 y actuaron en Berlín en 1902. La compañía de Kawakami presentó dos piezas occidentalizadas, Kesa y Shogun, ambas interpretadas sin música y con un diálogo significativamente reducido, inclinándose así hacia la pantomima y la danza. Dramaturgos y críticos rápidamente reconocieron estas representaciones como una "reteatralización del teatro". Entre los actores se encontraba Sada Yacco, la primera estrella japonesa de Europa, que influyó en pioneras de la danza moderna como Loie Fuller e Isadora Duncan; actuó para la reina Victoria en 1900 y alcanzó un considerable estrellato europeo.

Jardines japoneses

Los principios estéticos de los jardines japoneses se introdujeron en el mundo de habla inglesa a través de la obra fundamental de Josiah Conder, Landscape Gardening in Japan (publicado por Kelly & Walsh, 1893), que posteriormente inspiró la creación de los primeros jardines japoneses en Occidente. En 1912 se publicó una segunda edición de este influyente texto. En ocasiones, los principios esbozados por Conder han resultado difíciles de implementar:

Despojado de su vestimenta y gestos locales, el método japonés revela principios estéticos aplicables a los jardines de cualquier país, enseñando, al mismo tiempo, cómo convertir en un poema o imagen una composición que, con toda su variedad de detalles, de otro modo carece de unidad e intención.

Tassa (Saburo) Eida diseñó varios jardines influyentes, incluidos dos para la Exposición Japón-Británica en Londres en 1910 y uno construido meticulosamente durante cuatro años para William Walker, primer barón Wavertree. Este último jardín sigue siendo accesible al público en el Irish National Stud.

La publicación de Samuel Newsom de 1939, Japanese Garden Construction, propuso principios estéticos japoneses como remedio para el diseño de jardines de rocas occidentales, que habían surgido de forma independiente a mediados del siglo XIX a partir de la ambición de cultivar plantas alpinas en entornos simulados de pedregal. La Garden History Society informa que el arquitecto paisajista japonés Seyemon Kusumoto contribuyó a la creación de aproximadamente 200 jardines en todo el Reino Unido. Sus proyectos notables incluyeron exhibir un jardín de rocas en el Chelsea Flower Show de 1937, diseñar un jardín japonés en Burngreave Estate en Bognor Regis y Cottered en Hertfordshire, y desarrollar patios en Du Cane Court en Londres.

El artista impresionista Claude Monet incorporó elementos de diseño japonés en su jardín de Giverny, en particular el puente que cruza el estanque de nenúfares, un tema que representó repetidamente. Dentro de esta serie de pinturas, su enfoque en detalles específicos como el puente o los lirios reflejó una influencia de las técnicas visuales tradicionales japonesas que prevalecen en los grabados ukiyo-e, de los cuales poseía una extensa colección. Además, cultivó numerosas especies de plantas autóctonas japonesas para realzar el ambiente exótico del jardín.

Museos

En los Estados Unidos, el atractivo del arte japonés llevó al establecimiento de importantes colecciones tanto de coleccionistas privados como de museos, que persisten hoy y han impactado profundamente a sucesivas generaciones de artistas. Boston surgió como un centro principal para este interés, probablemente impulsado por Isabella Stewart Gardner, una destacada coleccionista de arte asiático. En consecuencia, el Museo de Bellas Artes de Boston afirma poseer la colección de arte japonés más distinguida a nivel mundial, fuera de Japón. Además, la Galería de Arte Freer y la Galería Arthur M. Sackler mantienen colectivamente la biblioteca de investigación de arte asiático más grande de los Estados Unidos, y curan arte japonés junto con obras de Whistler que demuestran la influencia japonesa.

Galería

Estilo anglojaponés

• Estilo anglo-japonés
• Animación influenciada por el anime
• Arabista – estilo "árabe"
• Chinoiserie: influencia china similar en el arte y el diseño occidentales
• Casa David B. Gamble
• Japanofilia
• Occidentalismo – para las visiones orientales de Occidente
• Orientalismo: representaciones románticas occidentales de temas asiáticos (más a menudo del Cercano Oriente)
• Turquería
• Web
• Impresión en madera en Japón
• Xilografía
• Distrito histórico de Yamashiro

Notas explicativas

Referencias

Citas

Referencias generales y citadas

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  • "Japonismo" del Museo Metropolitano de Arte Cronología de la historia del arte
  • "Japonismo: exploración y celebración"
  • La colección privada de Edgar Degas, texto totalmente digitalizado de las bibliotecas del Museo Metropolitano de Arte; contiene el ensayo "Degas, los grabados japoneses y el japonismo" (págs. 247–260)