El manierismo denota un estilo artístico prevalente en el arte europeo, originado en Italia durante la última fase del Alto Renacimiento, aproximadamente en 1520. Su influencia se expandió hacia 1530 y persistió hasta finales del siglo XVI en Italia, momento en el que el estilo barroco lo reemplazó en gran medida. Sin embargo, el manierismo nórdico extendió su presencia hasta principios del siglo XVII.
ElManierismo es un estilo del arte europeo que surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano alrededor de 1520, se extendió alrededor de 1530 y duró aproximadamente hasta finales del siglo XVI en Italia, cuando el estilo barroco lo reemplazó en gran medida. El manierismo norteño continuó hasta principios del siglo XVII.
Este movimiento artístico abarca diversas metodologías, tanto influenciadas como una reacción contra los principios armoniosos característicos de los maestros del Alto Renacimiento como Leonardo da Vinci, Rafael, Vasari y los primeros Miguel Ángel. Mientras que el arte del Alto Renacimiento prioriza la proporción, el equilibrio y la belleza idealizada, el manierismo frecuentemente amplifica estos atributos, dando lugar a composiciones que a menudo son asimétricas o poseen una elegancia antinatural. Distinguido por sus características artificiales más que naturalistas, este estilo favorece la tensión y la inestabilidad compositivas sobre el equilibrio y la claridad evidentes en la pintura renacentista anterior. En los ámbitos de la literatura y la música, el manierismo es reconocido por sus elaborados rasgos estilísticos y su complejidad intelectual.
La definición precisa de manierismo y sus etapas de desarrollo internas siguen siendo polémicas entre los historiadores del arte. Por ejemplo, ciertos académicos han extendido esta designación a formas literarias modernas tempranas específicas, particularmente poesía y composiciones musicales de los siglos XVI y XVII. Además, el término describe a algunos pintores del gótico tardío activos en el norte de Europa entre aproximadamente 1500 y 1530, en particular los manieristas de Amberes, un colectivo distinto del movimiento italiano. De manera análoga, el manierismo también se ha asociado con la Edad de Plata de la literatura latina.
Nomenclatura
El término "manierismo" se origina en la palabra italiana maniera, que significa "estilo" o "manera". Al igual que su contraparte inglesa, maniera puede denotar una categoría estilística particular (por ejemplo, un estilo elegante o duro) o una cualidad inherente que no requiere más especificación (por ejemplo, poseer "estilo"). En la segunda edición de 1568 de su obra fundamental, Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, Giorgio Vasari empleó maniera de tres maneras distintas: para referirse al método o enfoque de trabajo de un artista; para caracterizar un estilo individual o colectivo, como la frase maniera greca para el estilo medieval italo-bizantino, o simplemente la maniera de Miguel Ángel; y transmitir una valoración positiva del mérito artístico. Vasari, él mismo un artista manierista, caracterizó su período contemporáneo como "la maniera moderna" o el "estilo moderno". James V. Mirollo aclara cómo los poetas de "Bella maniera" se esforzaron por superar el virtuosismo que se encuentra en los sonetos de Petrarca. Este concepto de "Bella maniera" implica que los artistas, inspirándose en este principio, buscaron emular y refinar las obras de sus predecesores en lugar de interactuar directamente con la naturaleza. Fundamentalmente, "Bella maniera" implicó sintetizar elementos superiores de diversas fuentes para crear expresiones artísticas novedosas.
Definir "Manierismo" como una clasificación estilística presenta desafíos considerables. El historiador suizo Jacob Burckhardt empleó inicialmente el término, que ganó prominencia entre los historiadores del arte alemanes a principios del siglo XX. Su propósito era categorizar el arte italiano ostensiblemente inclasificable del siglo XVI, arte que divergía de las metodologías armoniosas y racionales características del Alto Renacimiento. El "Alto Renacimiento" en sí mismo denota una era marcada por la armonía, la magnificencia y un resurgimiento de la antigüedad clásica. Posteriormente, John Shearman redefinió el término "manierista" en 1967, un desarrollo que siguió a la exposición de pinturas manieristas de 1965 comisariada por Fritz Grossmann en la Galería de Arte del Manchester City.
Sin embargo, el consenso académico sigue siendo difícil de alcanzar sobre si el manierismo constituye un estilo distinto, un movimiento específico o un período histórico completo. Algunos estudiosos lo han designado alternativamente como el "Renacimiento tardío". A pesar de la controversia actual, el término sigue aplicándose ampliamente para caracterizar el arte y la cultura europeos durante el siglo XVI.
Origen y Desarrollo
Hacia el final del Alto Renacimiento, los artistas emergentes se encontraron con un importante dilema artístico al percibir que todos los logros imaginables ya se habían realizado. No parecía que quedaran sin resolver más desafíos técnicos o conceptuales. La profunda comprensión de la anatomía, la iluminación, la fisonomía y la representación matizada de las emociones humanas a través de la expresión y el gesto, junto con la aplicación innovadora de la forma humana en composiciones figurativas y el dominio de sutiles gradaciones tonales, se habían acercado colectivamente a la perfección. En consecuencia, estos jóvenes artistas se vieron obligados a identificar nuevos objetivos artísticos y explorar metodologías novedosas. Fue en esta coyuntura que el manierismo comenzó a manifestarse, y este estilo distintivo se desarrolló entre 1510 y 1520, originándose en Florencia, Roma o simultáneamente en ambos centros urbanos.
Orígenes y modelos
Esta época artística se ha caracterizado como una "extensión natural" de las obras de Andrea del Sarto, Miguel Ángel y Rafael. Miguel Ángel, en particular, cultivó un estilo profundamente original al principio de su carrera, que inicialmente obtuvo una inmensa admiración y posteriormente se convirtió en un tema frecuente de copia e imitación por parte de los artistas contemporáneos. Entre las cualidades más reverenciadas por sus compañeros se encontraba su terribilità, un profundo sentido de grandeza sobrecogedora, que artistas posteriores se esforzaron en emular. Muchos artistas asimilaron el estilo apasionado y altamente individualizado de Miguel Ángel a través de la práctica de copiar sus obras maestras, un método pedagógico convencional para estudiantes de pintura y escultura. El techo de su Capilla Sixtina ofreció numerosos ejemplos para emular, en particular sus representaciones de las figuras recopiladas a menudo denominadas ignudi y la Sibila Libia, así como su vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana, las figuras escultóricas de sus tumbas de los Medici y, sobre todo, su Juicio Final. Las obras posteriores de Miguel Ángel sirvieron así como modelo supremo para el manierismo. Se sabía que jóvenes artistas entraban ilícitamente en su residencia y robaban sus dibujos. En su obra fundamental, Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes, Giorgio Vasari documentó la afirmación de Miguel Ángel: "Aquellos que son seguidores nunca pueden pasar por alto a quienes siguen".
El espíritu competitivo
Los patrocinadores fomentaron un espíritu competitivo que incentivaba a los artistas patrocinados a resaltar sus habilidades técnicas virtuosas y competir por encargos. Esta dinámica impulsó a los artistas a buscar enfoques innovadores, lo que dio como resultado escenas dramáticamente iluminadas, prendas y composiciones elaboradas, proporciones alargadas, poses muy estilizadas y una deliberada ambigüedad de perspectiva. Por ejemplo, el gonfaloniere Piero Soderini encargó a Leonardo da Vinci y Miguel Ángel que adornaran una pared del Salón de los Quinientos de Florencia. Estos dos artistas estaban posicionados para pintar lado a lado, compitiendo directamente, intensificando así el impulso para la máxima innovación.
Manierismo temprano
Los manieristas iniciales en Florencia, particularmente los alumnos de Andrea del Sarto como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino, se distinguen por su uso de formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva comprimida, escenarios ilógicos e iluminación teatral. Al mismo tiempo, Parmigianino, alumno de Correggio, y Giulio Romano, asistente principal de Rafael, siguieron trayectorias estéticas estilizadas similares en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia omnipresente del Alto Renacimiento y su producción estilística se ha caracterizado como una reacción contra él o como una extensión exagerada de sus principios. En lugar de observar directamente la naturaleza, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar la escultura helenística y las pinturas de maestros del pasado. En consecuencia, este estilo se identifica frecuentemente como "anticlásico", aunque en ese momento se percibía como una evolución natural del Alto Renacimiento. Esta primera fase experimental del manierismo, reconocida por sus formas "anticlásicas", persistió hasta aproximadamente 1540 o 1550. Marcia B. Hall, profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, observa en su libro Después de Rafael que la prematura desaparición de Rafael marcó el advenimiento del manierismo en Roma.
Los análisis históricos indican que el manierismo surgió a principios del siglo XVI, coincidiendo con importantes transformaciones sociales, científicas, religiosas y políticas, incluido el heliocentrismo copernicano, el saqueo de Roma de 1527 y el creciente desafío planteado por la Reforma Protestante a la autoridad de la Iglesia Católica. En consecuencia, las formas alargadas y distorsionadas características del estilo se entendían anteriormente como una respuesta directa a las composiciones idealizadas dominantes en el arte del Alto Renacimiento. Sin embargo, esta interpretación del cambio estilístico radical alrededor de c. 1520 ya no es ampliamente aceptada por los estudiosos, a pesar de que las primeras obras manieristas siguen siendo claramente divergentes de las convenciones del Alto Renacimiento. La accesibilidad armoniosa y el equilibrio ejemplificados por la Escuela de Atenas de Rafael, por ejemplo, dejaron de cautivar a los artistas emergentes.
Alta Maniera
La segunda fase del manierismo se distingue típicamente de su período inicial, a menudo denominado "anticlásico". Los artistas manieristas posteriores enfatizaron la sofisticación intelectual y el virtuosismo técnico, características que llevaron a los críticos posteriores a describir su trabajo como una exhibición de una "manera" artificial y afectada (maniera). Estos practicantes de Maniera consideraban a Miguel Ángel, su contemporáneo mayor, como su principal ejemplo artístico, creando así un arte que emulaba otro arte en lugar de imitar directamente a la naturaleza. El historiador de arte Sydney Joseph Freedberg postula que la dimensión intelectual del arte maniera depende del reconocimiento y la apreciación por parte del público de estas alusiones visuales: un motivo familiar situado en un contexto desconocido, enmarcado por "comillas invisibles, pero sentidas". Un sello distintivo del artificio de Maniera es la inclinación del pintor a recontextualizar intencionalmente citas artísticas. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasari personifican esta tendencia Maniera, que prevaleció aproximadamente entre 1530 y 1580. Cultivado predominantemente en las cortes y entornos intelectuales europeos, el arte Maniera combina una elevada elegancia con una atención meticulosa a la superficie y a los detalles intrincados: las figuras con piel similar a la porcelana a menudo se representan reclinadas en una luz tenue y uniforme, saludando al espectador con una mirada indiferente, si hay contacto visual directo. hecho. Los temas de Maniera rara vez transmiten emociones fuertes, lo que lleva a que las obras de este estilo se caractericen con frecuencia como "frías" o "distantes". Esto ejemplifica el 'estilo elegante' maduro o Maniera.
Difusión
En Italia, Roma, Florencia y Mantua sirvieron como centros fundamentales para el arte manierista, mientras que la pintura veneciana, ejemplificada por la extensa carrera de Tiziano, siguió una trayectoria distinta. El saqueo de Roma en 1527 impulsó a muchos de los primeros artistas manieristas, que habían estado activos en la ciudad durante la década de 1520, a partir. Su posterior dispersión por el continente en pos de encargos facilitó la difusión de su estilo por Italia y el norte de Europa, estableciendo el manierismo como el primer movimiento artístico internacional desde el período gótico. Aunque algunas regiones del norte de Europa carecieron de un contacto directo con los artistas italianos, la estética manierista impregnó los grabados y los libros ilustrados. Los monarcas europeos y otros mecenas adquirieron obras de arte italianas, mientras que los artistas del norte de Europa continuaron realizando viajes a Italia, contribuyendo así a la difusión más amplia del estilo. La presencia de artistas italianos individuales que trabajaban en el Norte también fomentó el surgimiento del manierismo norteño; por ejemplo, Francisco I de Francia recibió como regalo Venus, Cupido, Locura y Tiempo de Bronzino. En Italia, el estilo comenzó a declinar después de 1580, cuando una nueva generación de artistas, incluidos los hermanos Carracci, Caravaggio y Cigoli, iniciaron un resurgimiento del naturalismo. Walter Friedlaender caracterizó esta era posterior como "antimanierista", estableciendo un paralelo con la postura "anticlásica" de los primeros manieristas que reaccionaron contra los principios estéticos del Alto Renacimiento. Hoy en día, los hermanos Carracci y Caravaggio son ampliamente reconocidos por inaugurar la transición a la pintura barroca, que se convirtió en el estilo dominante en 1600.
Sin embargo, más allá de Italia, el manierismo persistió hasta el siglo XVII. En Francia, donde Rosso trabajó para la corte de Fontainebleau, el estilo es reconocido como el "estilo Enrique II" y ejerció una influencia notable en la arquitectura. Los centros continentales más destacados del manierismo del norte abarcaron la corte de Rodolfo II en Praga, junto con Haarlem, Amberes y Danzig (Gdańsk). La clasificación del manierismo se atribuye con menos frecuencia a las artes visuales y decorativas inglesas, que normalmente emplean designaciones indígenas como "isabelino" y "jacobeo". Una excepción notable es el manierismo artesanal del siglo XVII, un término aplicado a las prácticas arquitectónicas que se basaban en libros de patrones en lugar de precedentes europeos continentales establecidos.
En particular, la influencia flamenca en Fontainebleau integró el erotismo característico del estilo francés con una forma incipiente de la tradición vanitas, que posteriormente se convirtió en un tema dominante en la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. Durante este período se generalizó el concepto de pittore vago, en referencia a los pintores del norte que se asimilaron en talleres de Francia e Italia, contribuyendo así al desarrollo de un estilo artístico genuinamente internacional.
Escultura
Reflejando los avances en la pintura, la escultura manierista italiana temprana representó en gran medida un esfuerzo por forjar un estilo distintivo que supere los logros del Alto Renacimiento, particularmente los de Miguel Ángel en escultura. Esta lucha artística se manifestó con frecuencia en los encargos para la Piazza della Signoria de Florencia, adyacente al David de Miguel Ángel. Baccio Bandinelli asumió el encargo de Hércules y Caco directamente de Miguel Ángel; sin embargo, su recepción no fue más favorable entonces que hoy, y Benvenuto Cellini lo menospreció llamándolo "un saco de melones". A pesar de estas críticas, la obra ejerció una influencia duradera al aparentemente introducir paneles en relieve en los pedestales de las estatuas. En consonancia con otras creaciones manieristas, incluida la del propio Bandinelli, esta escultura implicó una eliminación de material significativamente mayor del bloque original de lo que Miguel Ángel solía emplear. Por el contrario, el bronce Perseo con la cabeza de Medusa de Cellini se erige como una obra maestra indiscutible, concebida para ser apreciada desde ocho puntos de vista distintos (un sello distintivo del diseño manierista) y exhibe una estilización artificial en comparación con las esculturas del David de Miguel Ángel y Donatello. Inicialmente formado como orfebre, el famoso Salero de oro y esmalte de Cellini (1543) marcó su obra escultórica inaugural, mostrando su excepcional destreza artística.
Las pequeñas figuras de bronce, que frecuentemente representaban temas mitológicos con desnudos para los gabinetes de los coleccionistas, constituían una forma de arte predominante en el Renacimiento. Giambologna, artista flamenco que estableció su carrera en Florencia, destacó especialmente en este género durante la segunda mitad del siglo. Además, produjo esculturas de tamaño natural, dos de las cuales se incorporaron a la colección expuesta en la Piazza della Signoria. Giambologna y sus seguidores desarrollaron interpretaciones elegantes y alargadas de la figura serpentinata, que frecuentemente presenta dos figuras entrelazadas, diseñadas para ofrecer un interés visual convincente desde múltiples perspectivas.
Primeros teóricos
Giorgio Vasari
Las perspectivas de Giorgio Vasari sobre el arte de la pintura son evidentes en los elogios que ofrece a sus colegas artistas dentro de su obra de varios volúmenes, Vidas de los artistas. Postuló que la excelencia artística requería refinamiento, abundancia de invención (invenzione) transmitida a través de una técnica virtuosa (maniera) y la manifestación de intelecto y estudio diligente en la obra de arte terminada. Estos criterios subrayaron colectivamente la capacidad intelectual del artista y el gusto exigente del mecenas. Los artistas ya no eran simplemente miembros hábiles de un Gremio de San Lucas local; en cambio, ascendieron a posiciones dentro de los círculos cortesanos, asociándose con eruditos, poetas y humanistas, dentro de un entorno que cultivaba el aprecio por la sofisticación y la complejidad. El escudo de armas de los mecenas de los Medici de Vasari se muestra de forma destacada en la cúspide de su retrato, casi como si fuera su emblema personal. El encuadre de la ilustración grabada en madera de Vidas de Vasari se clasificaría como "jacobeo" en un contexto de habla inglesa. Este marco incorpora elementos arquitectónicos "antiarquitectónicos" en la parte superior, un marco perforado similar al papel y desnudos sátiros en la base, todos inspirados en las tumbas de los Medici de Miguel Ángel. Como mero marco, su extravagancia es pronunciada, encarnando la esencia del manierismo.
Gian Paolo Lomazzo
Gian Paolo Lomazzo, otra figura literaria importante de la época, fue autor de dos obras distintas, una práctica y otra metafísica, que fueron fundamentales para articular la relación introspectiva del artista manierista con su oficio. Su Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milán, 1584) funciona en parte como un manual sobre el decoro contemporáneo, un concepto parcialmente heredado por el Renacimiento de la antigüedad pero ampliado significativamente por el manierismo. La codificación estética sistemática de Lomazzo, característica de las metodologías cada vez más formalizadas y académicas que prevalecían a finales del siglo XVI, subrayó la importancia de la armonía entre las funciones interiores y las decoraciones pintadas o esculpidas apropiadas. La iconografía intrincada y a menudo recóndita se convirtió en una característica más pronunciada dentro de los estilos manieristas. Su obra posterior, más metafísica, Idea del tempio della pittura (El templo ideal de la pintura, Milán, 1590), explora la naturaleza y la personalidad humanas a través de la lente de la teoría de los "cuatro temperamentos", delineando así la importancia de la individualidad en el juicio y la innovación artísticos.
Características de las obras de arte manieristas
El manierismo surgió como un movimiento anticlásico, divergiendo significativamente de los principios estéticos del Renacimiento. Si bien inicialmente fue recibido favorablemente, particularmente a través de los escritos de Vasari, el manierismo posteriormente obtuvo percepciones negativas, siendo visto simplemente como "una alteración de la verdad natural y una repetición trillada de fórmulas naturales". Como fenómeno artístico, el manierismo abarca numerosas características distintivas que reflejan un enfoque experimental de la percepción artística. A continuación se enumeran varias características específicas empleadas frecuentemente por los artistas manieristas en sus creaciones.
- Elongación de figuras: una característica prominente en el arte manierista fue la elongación de la figura humana, que ocasionalmente resultaba en imágenes peculiares o poco convencionales.
- Distorsión de la perspectiva: en pintura, la manipulación de la perspectiva sirvió para investigar ideales relacionados con la creación de arreglos espaciales perfectos. Sin embargo, esta búsqueda de la perfección se manifestó ocasionalmente en la generación de composiciones visuales distintivas. El escorzo era una técnica frecuentemente empleada para lograr tal distorsión. En casos de distorsión extrema, las imágenes resultantes podrían volverse casi indescifrables.
- Fondos negros: los artistas manieristas frecuentemente empleaban fondos negros planos para lograr marcados contrastes en los contornos, realzando así escenas dramáticas. Estos fondos oscuros también contribuyeron a una atmósfera etérea o fantástica dentro del tema representado.
- Uso de la oscuridad y la luz: muchos artistas manieristas buscaron evocar la esencia nocturna a través de una iluminación deliberada, frecuentemente imbuyendo escenas con una calidad fantástica. Se puso especial énfasis en representar la luz de las antorchas y la luz de la luna para realzar el efecto dramático.
- Formas escultóricas: El manierismo exhibió una influencia significativa de la escultura, un medio que experimentó un aumento en popularidad durante el siglo XVI. En consecuencia, los artistas manieristas frecuentemente modelaron sus representaciones del físico humano a partir de esculturas y grabados existentes. Esta práctica les permitió concentrarse en lograr una mayor sensación de tridimensionalidad.
- Claridad de líneas: una característica notable del manierismo fue la meticulosa atención prestada a los contornos precisos de las figuras, lo que lo distingue significativamente de los estilos barroco y del Alto Renacimiento. Estos contornos distintos con frecuencia facilitaron un mayor énfasis en detalles intrincados.
- Composición y espacio: los artistas manieristas se apartaron deliberadamente de los ideales del Renacimiento, en particular la convención de la perspectiva de un solo punto. En cambio, su atención se centró en los efectos atmosféricos y la distorsión deliberada de la perspectiva. Por lo tanto, las disposiciones espaciales en las obras de arte manieristas favorecieron composiciones densamente pobladas que presentaban numerosas formas y figuras o composiciones escasas que resaltaban fondos negros.
- Movimiento manierista: el profundo interés por la locomoción humana llevó con frecuencia a los artistas manieristas a representar poses distintivas y serpenteantes. Estas figuras a menudo inestables, a través de sus movimientos dinámicos, implican frecuentemente movimientos posteriores. Además, esta técnica ejemplifica el enfoque experimental de los artistas hacia la forma.
- Marcos pintados: en ciertas creaciones manieristas, los marcos pintados se integraron para armonizar con el fondo de la obra de arte, convirtiéndose ocasionalmente en una parte intrínseca de la composición general. Esta integración fue particularmente evidente cuando el enfoque principal era el detalle complejo.
- Los artistas manieristas empleaban con frecuencia el sfumato, una técnica caracterizada por "la representación de contornos o superficies suaves y brumosos", para representar el flujo de luz en sus composiciones.
- Más allá de la experimentación con la forma, la composición y la luz, el manierismo extendió de manera única su enfoque innovador al color. Numerosas obras de arte presentan tonos puros e intensos de azules, verdes, rosas y amarillos, que en ocasiones alteran el diseño general pero en otras ocasiones lo realzan. Al representar figuras, los artistas frecuentemente acentuaban la luminosidad de la tez e incorporaban matices azules.
Artistas destacados y obras ejemplares
Jacopo de Pontormo
La obra de Jacopo da Pontormo representa una contribución fundamental al manierismo. Su tema derivaba frecuentemente de narrativas religiosas y, significativamente influenciado por Miguel Ángel, a menudo hacía referencia o empleaba directamente formas escultóricas como modelos compositivos. Una característica distintiva de su arte es la representación de figuras cuyas miradas a menudo atraen directamente al espectador desde múltiples ángulos. Pontormo, conocido por su proceso de trabajo meticuloso y deliberado, frecuentemente expresó aprensión por la calidad de sus creaciones. Su legado duradero es muy apreciado, ya que influyó profundamente en artistas como Agnolo Bronzino y dio forma a los principios estéticos del manierismo tardío.
José en Egipto de Pontormo, terminado en 1517, presenta una narrativa continua que abarca cuatro episodios bíblicos distintos que representan la reunión de José con su familia. El lado izquierdo de la composición ilustra a José presentando a su familia al faraón de Egipto. A la derecha, se representa a José encima de un banco rodante, rodeado de querubines, otras figuras y rocas distantes a lo largo de un camino. Por encima de estas escenas, asciende una escalera de caracol, por la que José guía a uno de sus hijos hacia su madre en la cima. La escena final, situada a la derecha, retrata los momentos finales de la vida de Jacob, observados por sus hijos.
José en Egipto ejemplifica varias características manieristas clave. En particular, emplea combinaciones de colores incongruentes, con diversos tonos de rosas y azules dominando el lienzo. Otro rasgo manierista es la representación temporal y espacial inconexa de la narrativa de José en múltiples escenas. Al integrar estas cuatro narrativas distintas, Pontormo construye una composición densamente empaquetada, que transmite una impresión general de complejidad visual y actividad.
Rosso Fiorentino y la Escuela de Fontainebleau
Rosso Fiorentino, contemporáneo de Pontormo en el estudio de Andrea del Sarto, introdujo el manierismo florentino en Fontainebleau en 1530. Allí, emergió como una figura fundamental en el establecimiento del manierismo francés del siglo XVI, posteriormente conocido como la Escuela de Fontainebleau.
La estética decorativa opulenta y dinámica desarrollada en Fontainebleau propagó significativamente el estilo italiano. Esta difusión se produjo principalmente a través del grabado, llegando hasta Amberes y posteriormente extendiéndose por el norte de Europa, desde Londres hasta Polonia. Los principios del diseño manierista también se aplicaron a artículos de lujo, incluidos artículos de platería y muebles tallados. Los rasgos característicos de este estilo abarcan una elevada sensación de tensión controlada transmitida a través de intrincados simbolismos y alegorías, junto con una representación idealizada de la belleza femenina marcada por proporciones alargadas.
Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzino, alumno de Pontormo, desarrolló un estilo muy influyente que frecuentemente complicaba la atribución de numerosas obras de arte. A lo largo de su carrera, Bronzino también colaboró con Vasari, trabajando como escenógrafo para la producción "Comedia de magos", durante la cual realizó numerosos retratos. Su arte era muy codiciado y logró considerable reconocimiento tras su nombramiento como pintor de la corte de la familia Medici en 1539. Un rasgo manierista distintivo en la obra de Bronzino fue su representación característica de tez luminosa, casi lechosa.
El cuadro de Bronzino, Venus, Cupido, la locura y el tiempo, representa una enigmática escena erótica que provoca numerosas interpretaciones. El primer plano muestra a Cupido y Venus a punto de besarse, aparentemente interrumpidos en mitad del acto. Sobre ellos, las figuras mitológicas incluyen al Padre Tiempo a la derecha, descorriendo una cortina para revelar a la pareja, y la diosa de la noche a la izquierda. La composición incorpora además una colección de máscaras, una criatura híbrida que combina rasgos de una niña y una serpiente, y una figura en intensa agonía. Se han propuesto varias teorías sobre el significado de la pintura, como su posible comentario sobre los peligros de la sífilis o su función como diversión cortesana.
Los retratos manieristas de Bronzino se caracterizan por una elegancia tranquila y un enfoque exigente en los detalles intrincados. En consecuencia, sus sujetos a menudo transmiten una impresión de desapego y distancia emocional del observador. Un aspecto notable es la interpretación magistral de los patrones precisos y el brillo lustroso de los opulentos textiles. En Venus, Cupido, Locura y Tiempo, Bronzino emplea específicamente técnicas manieristas, que incluyen movimientos distintivos, detalles meticulosos, colores vibrantes y formas escultóricas. Las posturas incómodas y retorcidas de Cupido y Venus, mientras se abrazan parcialmente, ejemplifican este movimiento manierista. Bronzino presenta notablemente la tez de las figuras con un blanco impecable, similar a la porcelana, borrando suavemente su musculatura para evocar la superficie pulida de la escultura.
Alessandro Allori
Susanna y los ancianos de Alessandro Allori (1535-1607) se destaca por su sutil erotismo y sus elementos de naturaleza muerta deliberadamente llamativos, todos integrados en una composición densa y retorcida.
Jacopo Tintoretto
Jacopo Tintoretto es reconocido por sus distintas contribuciones a la pintura veneciana, que difieren significativamente del legado de Tiziano. Su producción artística, que difería notablemente de la de sus predecesores, generó críticas de Vasari por su "estilo fantástico, extravagante y extraño". Tintoretto incorporó elementos manieristas en su obra, alejándose así de las convenciones tradicionales de la pintura veneciana. Con frecuencia produjo arte que combinaba componentes fantásticos con naturalismo. Otras características distintivas de la obra de Tintoretto incluyen su énfasis en el color, logrado mediante la aplicación constante de pinceladas ásperas y el uso experimental de pigmentos para generar ilusiones ópticas.
La Última Cena de Tintoretto, encargada por Michele Alabardi para San Giorgio Maggiore en 1591, ejemplifica las características manieristas. En esta representación, la escena se representa desde la perspectiva de un grupo ubicado en el lado derecho de la composición. A la izquierda, Cristo y los Apóstoles están sentados a un lado de la mesa, con Judas notoriamente aislado. El entorno predominantemente oscuro presenta fuentes de luz limitadas, que emanan en particular del halo de Cristo y de una antorcha suspendida sobre la mesa.
La composición distintiva de la Última Cena de Tintoretto muestra de manera prominente rasgos manieristas. Una característica clave empleada por Tintoretto es el fondo oscuro. Si bien la pintura sugiere un entorno interior a través de la perspectiva, los bordes compositivos están en gran medida envueltos en sombras, lo que realza el impacto dramático de la escena central de la Última Cena. Además, Tintoretto emplea una iluminación dramática, particularmente evidente en el halo de Cristo y la antorcha suspendida que ilumina la mesa. Un tercer rasgo manierista utilizado por Tintoretto implica la representación atmosférica de figuras, que parecen formadas a partir de humo y flotan dentro de la composición.
El Greco
El Greco, el pintor español nacido en Creta, buscaba transmitir emociones religiosas a través de rasgos exagerados. Siguiendo los logros del Alto Renacimiento en la representación humana realista y el dominio de la perspectiva, ciertos artistas distorsionaron intencionalmente las proporciones dentro de espacios fragmentados e ilógicos para lograr un impacto expresivo y estético. El Greco sigue siendo un artista profundamente original, a quien los estudiosos contemporáneos describen como tan distintivo que desafía la categorización dentro de cualquier escuela convencional. Los elementos manieristas destacados en la obra de El Greco abarcan una paleta de colores "ácidos" discordantes, formas anatómicas alargadas y retorcidas, perspectiva e iluminación ilógicas y una iconografía enigmática e inquietante. El estilo distintivo de El Greco representó una síntesis de desarrollos artísticos únicos arraigados en su herencia griega y sus viajes por España e Italia.
La producción artística de El Greco integró diversos elementos estilísticos, abarcando influencias bizantinas, las técnicas de Caravaggio y Parmigianino, y paletas de colores venecianas. Su profundo énfasis en el color fue un aspecto fundamental de su pintura, que consideraba primordial. A lo largo de su carrera, las creaciones de El Greco obtuvieron constantemente una demanda significativa, lo que llevó a importantes encargos, incluidos aquellos para instituciones como el Colegio de la Encarnación de Madrid.
El estilo pictórico distintivo de El Greco y su alineación con los atributos manieristas son evidentes en su obra de 1610, Laocoonte. Esta pintura ilustra la narración mitológica de Laocoonte, quien advirtió a los troyanos sobre el peligro del caballo de madera, presentado por los griegos como ofrenda de paz a la diosa Atenea. En consecuencia, Atenea (o su homóloga romana, Minerva) se vengó enviando serpientes para matar a Laocoonte y sus dos hijos. En lugar de representar Troya como escenario, El Greco ubicó la escena cerca de Toledo, España, con la intención de "universalizar la historia resaltando su relevancia para el mundo contemporáneo".
El estilo distintivo del Laocoonte de El Greco sirve como excelente ilustración de numerosas características manieristas. En particular, la composición presenta formas humanas alargadas y movimientos serpentinos, que en conjunto imparten una impresión de elegancia. Además, la pintura exhibe efectos atmosféricos manieristas a través de la representación de El Greco de un cielo brumoso y un paisaje de fondo borroso.
Benvenuto Cellini
En 1540, Benvenuto Cellini elaboró el Salero Cellini, una exquisita pieza realizada en oro y esmalte. Presenta figuras de Poseidón y Anfitrite, que simbolizan el agua y la tierra, representadas en poses poco convencionales y con proporciones alargadas. Esta obra es ampliamente reconocida como una obra maestra fundamental de la escultura manierista.
Lavinia Fontana
Lavinia Fontana (1552-1614) fue una destacada retratista manierista, frecuentemente reconocida como la primera artista femenina profesional en Europa occidental. Ocupó el estimado cargo de retratista ordinaria en el Vaticano. Su enfoque artístico se distingue por influencias de la familia de pintores Carracci y las paletas de colores vibrantes características de la Escuela Veneciana. Fontana es particularmente famosa por sus retratos de mujeres nobles y sus representaciones de figuras desnudas, un tema considerado poco convencional para una artista femenina durante su época.
Taddeo Zuccaro (o Zuccari)
Taddeo Zuccaro nació en Sant'Angelo in Vado, un pueblo cerca de Urbino, como hijo de Ottaviano Zuccari, un pintor de limitado renombre. Su hermano, Federico, nacido alrededor de 1540, también siguió la carrera de pintor y arquitecto.
Federico Zuccaro (o Zuccari)
La carrera artística profesional de Federico Zuccaro comenzó en 1550, tras su traslado a Roma como aprendiz de su hermano mayor, Taddeo. Posteriormente, realizó trabajos decorativos para el Papa Pío IV y contribuyó a la decoración de los frescos de la Villa Farnese de Caprarola. De 1563 a 1565, Zuccaro estuvo comprometido en Venecia, colaborando con la familia Grimani de Santa María Formosa. Durante este mandato veneciano, viajó por Friuli en compañía de Palladio.
Joaquín Wtewael
Joachim Wtewael (1566-1638) mantuvo un estilo pictórico manierista del norte durante toda su vida, sin tener en cuenta en particular el surgimiento del arte barroco. Esta adhesión lo posiciona potencialmente como el último artista manierista destacado que permanece activo. Su obra abarcó extensas composiciones de naturalezas muertas, que recuerdan a Pieter Aertsen, junto con escenas mitológicas. Muchas de sus obras eran pequeñas pinturas de gabinete, meticulosamente realizadas sobre cobre, y frecuentemente presentaban figuras desnudas.
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo es reconocido principalmente por sus distintivas obras de arte que integran elementos de naturaleza muerta y retratos. Su enfoque artístico se categoriza como manierista, caracterizado por un estilo de ensamblaje donde frutas y verduras forman composiciones que pueden interpretarse en múltiples orientaciones, incluida la invertida. Las creaciones de Arcimboldo también se alinean con el manierismo a través del humor que imparten a los espectadores, alejándose de la profunda seriedad que a menudo se asocia con el arte del Renacimiento. Estilísticamente, sus pinturas destacan por su meticulosa observación de la naturaleza y la conceptualización de una "apariencia monstruosa".
Entre las obras de Arcimboldo que exhiben características manieristas distintivas se encuentra la pintura Vertumnus. Representado sobre un fondo negro, presenta un retrato de Rodolfo II, cuya forma se compone enteramente de diversas verduras, flores y frutas. El aspecto humorístico de la pintura transmite un comentario sobre el poder, sugiriendo que el emperador Rodolfo II ocultaba un yo interior más oscuro detrás de su personalidad pública. Por el contrario, su trasfondo serio presagia la prosperidad prevista durante su mandato imperial.
La obra Vertumnus incorpora varios elementos manieristas, evidentes tanto en su composición como en su contenido temático. Una característica notable es el fondo negro y plano, empleado por Arcimboldo para subrayar el estatus y la identidad del Emperador, al tiempo que acentúa la naturaleza fantástica de su gobierno. En este retrato de Rodolfo II, Arcimboldo se desvía de la representación naturalista típica del Renacimiento, explorando en cambio la construcción compositiva al representar al Emperador a partir de un conjunto de frutas, verduras, plantas y flores. Además, la pintura ejemplifica el manierismo a través de su narrativa dual, yuxtaponiendo el humor con un mensaje serio, una desviación de la típica ausencia de humor en el arte del Renacimiento.
Arquitectura
La arquitectura manierista se distinguió por el engaño visual y los elementos poco convencionales que subvirtieron las convenciones renacentistas establecidas. Los artistas flamencos, muchos de los cuales habían asimilado las innovaciones manieristas durante sus viajes por Italia, desempeñaron un papel fundamental en la difusión de estas tendencias en toda Europa al norte de los Alpes, particularmente en el diseño arquitectónico. Durante este período, los arquitectos experimentaron utilizando formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El énfasis del Renacimiento en la armonía dio paso a ritmos compositivos más fluidos e imaginativos. Miguel Ángel (1475-1564), pionero de la Biblioteca Laurenciana, es reconocido como el arquitecto más destacado asociado con el estilo manierista. Se le atribuye la concepción del orden gigante, una pilastra o columna monumental que se extiende verticalmente a lo largo de varios pisos de una fachada, que empleó en su diseño para la Piazza del Campidoglio en Roma. Al mismo tiempo, el estilo arquitectónico herreriano surgió en España durante el último tercio del siglo XVI bajo el reinado de Felipe II (1556-1598), persistiendo hasta el siglo XVII, aunque transformado por el estilo barroco predominante. Este estilo representa la tercera y última fase de la arquitectura renacentista española, caracterizada por una progresiva simplificación ornamental, pasando del plateresco inicial y el purismo clásico de mediados del siglo XVI a la total austeridad decorativa introducida por el estilo herreriano.
Antes del siglo XX, el término Manierismo tenía connotaciones peyorativas; sin embargo, ahora se emplea para caracterizar el período histórico en términos más amplios y no evaluativos. También se ha invocado la arquitectura manierista para describir una tendencia de mediados del siglo XX (décadas de 1960 y 1970) que desafió y reconoció simultáneamente las convenciones de la arquitectura modernista. En este contexto, el arquitecto y autor Robert Venturi definió el manierismo como: "Manierismo para la arquitectura de nuestro tiempo que reconoce el orden convencional en lugar de la expresión original, pero rompe el orden convencional para dar cabida a la complejidad y la contradicción y, por lo tanto, aborda la ambigüedad sin ambigüedades".
Ejemplos del Renacimiento
La Villa Farnese en Caprarola, situada en la escarpada campiña romana, es un ejemplo destacado de arquitectura manierista. La actividad generalizada de los grabadores durante el siglo XVI facilitó la difusión de los estilos manieristas a un ritmo sin precedentes en comparación con movimientos artísticos anteriores.
La ornamentada entrada del castillo de Colditz, rica en detalles "romanos", ejemplifica el estilo manierista del norte, aplicado típicamente como un elemento arquitectónico distintivo y aislado contra la mampostería vernácula sin adornos.
A partir de finales de la década de 1560, se construyeron numerosas estructuras en La Valeta, la nueva Malta. capital establecida, fueron concebidos por el arquitecto Girolamo Cassar en el lenguaje manierista. Estos edificios abarcan la Concatedral de San Juan, el Palacio del Gran Maestro y los siete albergues originales. Si bien muchas de las construcciones de Cassar sufrieron modificaciones posteriores, particularmente durante la era barroca, un número selecto, incluido el Auberge d'Aragon y el exterior de la Concatedral de San Juan, conservan en gran medida la estética manierista inicial de Cassar.
Si bien muchos estilos arquitectónicos exploran ideales armoniosos, el manierismo avanza más allá de las normas estilísticas convencionales al explorar la estética de la hipérbole y la exageración. Se distingue por su sofisticación intelectual y sus características artificiales, más que naturalistas. El manierismo prioriza la tensión y la inestabilidad compositivas sobre el equilibrio y la claridad tradicionales. La definición precisa de manierismo y sus fases internas sigue siendo un tema de debate académico continuo entre los historiadores del arte.
El manierismo del Norte, o de Amberes, precedió y divergió del manierismo italiano. Durante su prosperidad económica del siglo XVI, Amberes desarrolló un estilo distintivo, que representa la fase final de la pintura holandesa temprana al tiempo que incorpora elementos del Renacimiento temprano. Amberes sirvió como conducto crucial para la difusión generalizada de los estilos renacentista y manierista en Inglaterra, Alemania y en toda Europa del norte y del este.
Literatura y Música
El manierismo literario abarcó figuras destacadas como Miguel Ángel, Clément Marot, Giovanni della Casa, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso, Verónica Franco y Miguel de Cervantes, entre otros.
En la literatura inglesa, el manierismo se asocia frecuentemente con las características de los "poetas metafísicos", siendo John Donne el más renombrado. Una distinción concisa entre los objetivos artísticos barrocos y manieristas la proporciona la astuta crítica de John Dryden, un escritor barroco, dirigida a la poesía de John Donne de la generación anterior:
Afecta la metafísica, no sólo en sus sátiras sino en sus versos amorosos, donde sólo debe reinar la naturaleza; y confunde las mentes del bello sexo con agradables especulaciones de filosofía cuando debería involucrar sus corazones y entretenerlos con las suavidades del amor.
El abundante potencial musical inherente a la poesía de finales del siglo XVI y principios del XVII ofreció una base convincente para el madrigal. Esta forma rápidamente alcanzó prominencia como el género musical más importante dentro de la cultura italiana, como observó Tim Carter:
El madrigal, particularmente en su apariencia aristocrática, fue obviamente un vehículo para el "estilo elegante" del manierismo, con poetas y músicos que se deleitaban con ingeniosas ideas y otros trucos visuales, verbales y musicales para deleitar al conocedor.
El término 'manierismo' también se ha aplicado para caracterizar la música polifónica muy ornamentada y contrapuntísticamente intrincada compuesta a finales del siglo XIV en Francia. Esta era ahora se denomina más comúnmente ars subtilior.
Manierismo y Teatro
La primera Commedia dell'Arte (1550-1621): el contexto manierista de Paul Castagno examina la influencia del manierismo en el teatro profesional contemporáneo. La investigación de Castagno marcó el intento inicial de categorizar una forma teatral como manierista, utilizando la terminología del manierismo y *maniera* para analizar la tipificación, exageración y effetto meraviglioso inherentes a los comici dell'arte. El estudio es predominantemente iconográfico y ofrece evidencia pictórica de que numerosos artistas responsables de pintar o imprimir imágenes de *commedia* se originaron en talleres contemporáneos profundamente arraigados en la tradición *maniera*.
Los intrincados detalles de los minúsculos grabados de Jacques Callot parecen sugerir una escala de acción mucho mayor. Balli di Sfessania de Callot (lit.'danza de las nalgas') representa el erotismo abierto de la *comedia* a través de elementos como falos protuberantes, lanzas colocadas con la implicación de una penetración cómica y máscaras grotescamente exageradas que fusionan características bestiales y humanas. El erotismo asociado a los innamorados ("amantes"), manifestado a través de elementos como pechos desnudos o velos elaborados, estuvo muy de moda en pinturas y grabados de la segunda escuela de Fontainebleau, especialmente en aquellos que exhiben una influencia franco-flamenca. Castagno establece conexiones iconográficas entre la pintura de género y las figuras de la *commedia dell'arte*, ilustrando cómo esta forma teatral se integró profundamente en las tradiciones culturales del *cinquecento* tardío.
Commedia dell'arte, disegno interno y la discordia concors
Existen correlaciones significativas entre el disegno interno, que reemplazó al disegno esterno (diseño externo) en la pintura manierista. Este concepto implica proyectar una perspectiva profundamente subjetiva que anula las formas naturales o los principios establecidos (como la perspectiva lineal), cambiando así el énfasis del objeto a su sujeto y resaltando la ejecución, el virtuosismo o las técnicas distintivas. Esta visión interna es fundamental para el desempeño de la comedia. Por ejemplo, durante la improvisación, un actor demuestra virtuosismo sin adherirse a restricciones formales, decoro, unidad o un texto prescrito. Arlecchino personificó la discordia concors manierista (la unión de los opuestos); podía ser gentil y benévolo en un momento y luego transformarse abruptamente en un ladrón violento involucrado en un conflicto. Arlecchino podría exhibir movimientos elegantes, sólo para tropezar torpemente en el instante siguiente. Liberado de regulaciones externas, el actor celebró la naturaleza efímera del momento, de manera muy similar a como Benvenuto Cellini cautivó a sus clientes al cubrir sus esculturas y revelarlas con una iluminación dramática y una sensación de asombro. La presentación de un objeto se volvió así tan crucial como el objeto mismo.
Neo-Manierismo
En el siglo XX, el surgimiento del neomanierismo se originó con el artista Ernie Barnes. El estilo estuvo profundamente influenciado por las comunidades judía y afroamericana, y culminó con la exposición "La belleza del gueto", que estuvo de gira entre 1972 y 1979. Esta exposición viajó a las principales ciudades estadounidenses y recibió el patrocinio de dignatarios, atletas profesionales y celebridades. Cuando la exposición se exhibió en 1974 en el Museo de Arte Africano de Washington, D.C., el representante John Conyers subrayó su importante mensaje positivo en el Registro del Congreso.
El estilo neomanierista, desarrollado por Barnes, presenta sujetos caracterizados por extremidades y cuerpos alargados, junto con movimientos exagerados. Otro motivo recurrente son los ojos cerrados de los sujetos, que simbolizan "lo ciegos que estamos ante la humanidad de los demás". Barnes articuló esto de la siguiente manera: "Nos miramos unos a otros y decidimos de inmediato: esta persona es negra, por lo que debe serlo... Esta persona vive en la pobreza, por lo que debe ser...".
Teatro y cine
En una entrevista, el director de cine Peter Greenaway citó a Federico Fellini y Bill Viola como principales inspiraciones para su exploración extensa y autorreferencial de la tensión inherente entre la estructura de la base de datos de imágenes y las diversas interfaces analógicas y digitales que las organizan cinematográficamente. Este compromiso puede clasificarse como neomanierista precisamente porque se distingue del (neo)barroco: "Así como el catolicismo romano ofrecería el paraíso y el cielo, hay un paraíso comercial equivalente que se ofrece en gran medida por todo el efecto capitalista, que está asociado con el cine occidental. Esta es mi analogía política en términos del uso de multimedia como arma política. Yo equipararía, en cierto sentido, la gran Contrarreforma barroca, su actividad cultural, con lo que el cine, principalmente el cine estadounidense, ha estado haciendo. en los últimos setenta años."
Como término de crítica
Según el crítico de arte Jerry Saltz, el "neomanierismo" (nuevo manierismo) es uno de varios clichés que están "exprimiendo la vida del mundo del arte". Saltz define el neomanierismo como el arte del siglo XXI producido por estudiantes cuyos instructores académicos "los han asustado para que sean agradablemente mansos, imitativos y comunes y corrientes".
Contra-Maniera
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- Cronología de los artistas italianos hasta 1800
- Manierismo en Brasil
- Philippe Millereau
- Arte de finales del siglo XVI en Milán
Notas al pie
Referencias
- Un artículo titulado "Manierismo: Bronzino (1503-1572) y sus contemporáneos" del Museo Metropolitano de Arte.