L'art abstrait utilise un lexique visuel de forme, de couleur et de ligne pour construire des compositions qui possèdent un degré d'autonomie par rapport aux référents visuels du monde réel. L'art abstrait, l'art non figuratif, l'art non objectif et l'art non figuratif représentent des concepts étroitement liés. Bien que leurs significations soient similaires, elles ne sont pas nécessairement interchangeables.
De la Renaissance jusqu'au milieu du XIXe siècle, l'art occidental a été fondamentalement structuré par les principes de perspective et la tentative de reproduire l'illusion de la réalité visible. Cependant, à la fin du XIXe siècle, de nombreux artistes ont perçu la nécessité de forger un nouveau paradigme artistique capable d'intégrer les profondes transformations qui se produisent dans la technologie, la science et la philosophie. Les fondements théoriques adoptés par les artistes individuels étaient variés, reflétant les préoccupations sociales et intellectuelles dominantes dans toutes les facettes de la culture occidentale au cours de cette période.
L'abstraction, dans le contexte de l'art, signifie une divergence par rapport à la représentation réaliste de l'imagerie. De tels écarts par rapport à une représentation précise peuvent se manifester de manière subtile, partielle ou complète. Par conséquent, l’abstraction opère selon un spectre. Les œuvres d'art qui présentent des modifications délibérées, telles que des modifications visibles de la couleur ou de la forme, sont classées comme partiellement abstraites. À l’inverse, l’abstraction totale ne contient aucune allusion perceptible à des formes reconnaissables. Par exemple, l’abstraction géométrique évite généralement les références à des entités naturalistes. L’art figuratif et l’abstraction totale sont largement antithétiques. Néanmoins, l'art figuratif et représentationnel (ou réaliste) incorpore fréquemment des éléments d'abstraction partielle.
L'abstraction géométrique et lyrique sont souvent caractérisées par une abstraction complète. De nombreux mouvements artistiques illustrent l’abstraction partielle ; des exemples notables incluent le fauvisme, qui modifie visiblement et intentionnellement la couleur par rapport à la réalité, et le cubisme, qui reconfigure les formes des entités réelles représentées.
Historique
Le XIXe siècle en Europe
Au cours du XIXe siècle en Europe, le mécénat ecclésiastique déclina, tandis que le mécénat privé du public soutenait de plus en plus les artistes. Le romantisme, l’impressionnisme et l’expressionnisme étaient trois mouvements artistiques majeurs qui ont favorisé l’émergence de l’art abstrait. Le XIXe siècle marque également une période d’autonomie artistique croissante des praticiens. Un engagement objectif avec la perception visuelle est évident dans les œuvres de John Constable, J. M. W. Turner et Camille Corot, une lignée qui s'étend jusqu'aux impressionnistes, qui ont développé davantage la tradition de la peinture plein air de l'école de Barbizon. Les premiers signes d'une approche artistique naissante ont été démontrés par James McNeill Whistler, dont le tableau de 1872, Nocturne en noir et or : la fusée qui tombe, donnait la priorité à la sensation visuelle plutôt qu'à la représentation objective. Avant cela, les dessins « spirituels » de Georgiana Houghton, exposés en 1871, présentaient des formes abstraites qui s'alignaient sur l'essence non naturaliste de son sujet, à une époque où le concept d'abstraction n'était pas encore formellement articulé.
Les artistes expressionnistes ont été les pionniers de l'application audacieuse de la peinture, en utilisant des distorsions, des exagérations et des palettes de couleurs vibrantes. Leurs toiles chargées d'émotion ont servi de réponses et d'interprétations de l'expérience contemporaine, ainsi que de critiques de l'impressionnisme et d'autres tendances artistiques plus conventionnelles de la fin du XIXe siècle. L'expressionnisme a fondamentalement déplacé l'attention du sujet objectif vers la représentation d'états psychologiques internes. Si des personnalités telles qu'Edvard Munch et James Ensor se sont principalement inspirées d'œuvres postimpressionnistes, leurs contributions ont été cruciales pour l'émergence de l'abstraction au XXe siècle. Paul Cézanne, initialement impressionniste, poursuivait l'objectif de construire logiquement la réalité d'un point de vue singulier, en utilisant la couleur modulée dans des zones planes ; cette approche a ensuite constitué les principes fondamentaux d'un nouvel art visuel, qui a ensuite évolué vers le cubisme.
À la fin du XIXe siècle, le mysticisme d'Europe de l'Est et la philosophie religieuse moderniste du début, en particulier les enseignements de la théosophe Mme. Blavatsky a profondément influencé des artistes géométriques pionniers tels que Hilma af Klint et Wassily Kandinsky. De même, les doctrines mystiques de Georges Gurdjieff et P.D. Ouspensky a façonné de manière significative les styles abstraits géométriques naissants de Piet Mondrian et de ses collègues au début du XXe siècle. Ce courant spiritualiste a également inspiré l'art abstrait de Kasimir Malevitch et František Kupka.
Le début du 20e siècle
Fauvisme et Cubisme
Au début du XXe siècle, Henri Matisse, aux côtés d'autres artistes émergents tels que les précubistes Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Jean Metzinger, ont révolutionné la scène artistique parisienne. Leur style distinctif, caractérisé par des paysages et des peintures de personnages vibrants, multicolores et expressifs, a été surnommé par la critique le fauvisme. L'utilisation innovante des couleurs brutes par les Fauves a profondément marqué Vassily Kandinsky, une autre figure marquante du développement de l'abstraction.
Le cubisme, un mouvement artistique fondé sur l'affirmation de Cézanne selon laquelle toutes les formes naturelles pouvaient être distillées en formes géométriques fondamentales (le cube, la sphère et le cône), a émergé aux côtés du fauvisme comme une force centrale facilitant directement l'avènement de l'abstraction au début du 20e siècle.
Premier art abstrait
Au Salon de la Section d'Or de 1912, František Kupka présente sa peinture abstraite Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fugue en deux couleurs) (1912). Lors de cet événement, le poète Guillaume Apollinaire a inventé le terme Orphisme pour décrire le travail de plusieurs artistes, dont Robert Delaunay. Apollinaire a caractérisé ce style comme « l'art de peindre de nouvelles structures à partir d'éléments qui n'ont pas été empruntés à la sphère visuelle, mais qui ont été entièrement créés par l'artiste... c'est un art pur. »
Depuis le début du XXe siècle, de solides échanges culturels ont fleuri entre les artistes des grandes villes européennes, animés par une ambition collective de forger une forme d'art à la hauteur des idéaux élevés du modernisme. La diffusion d'idées à travers des livres d'artistes, des expositions et des manifestes a favorisé un environnement fertile pour l'expérimentation et le discours, établissant ainsi les bases de diverses approches de l'abstraction. Un extrait de Le monde à l'envers illustre l'interdépendance culturelle étendue de cette époque : « Les connaissances de David Burliuk sur les mouvements d'art moderne devaient être extrêmement actuelles, car la deuxième exposition du Valet de diamant, organisée en janvier 1912 (à Moscou), comprenait non seulement des peintures envoyées de Munich, mais aussi certains membres du groupe allemand Die Brücke, tandis que de Paris venaient des œuvres de Robert Delaunay, Henri Matisse et Fernand Léger, ainsi que Picasso. Au printemps, David Burliuk donna deux conférences sur le cubisme et projeta une publication polémique que le Valet de Diamant devait financer. Il partit à l'étranger en mai et revint déterminé à rivaliser avec l'almanach Der Blaue Reiter qui était sorti des imprimeurs pendant son séjour en Allemagne".
Entre 1909 et 1913, de nombreux artistes produisirent des œuvres expérimentales dans la poursuite de cet "art pur". Des exemples notables incluent : Caoutchouc de Francis Picabia (vers 1909), Le Printemps (1912), Danses au printemps et La Procession de Séville (1912) ; Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Vassily Kandinsky (1913), Improvisation 21A, la série Impression et Image avec un cercle (1911) ; Les pièces orphistes de František Kupka, Disques de Newton (Étude pour Fugue en deux couleurs) (1912) et Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fugue en deux couleurs) (1912) ; les séries de Robert Delaunay intitulées Fenêtres simultanées et Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912-1913) ; Rythme coloré de Léopold Survage (Étude pour le film) (1913) ; et le Tableau n° 1 et la Composition n° 11 de Piet Mondrian (1913).
Henri Matisse a abordé l'abstraction pure à travers sa palette de couleurs expressives et son dessin libre et imaginatif, particulièrement évident dans des œuvres telles que Porte-fenêtre de Collioure (1914), Vue de Notre-Dame (1914), et Le rideau jaune (1915).
L'exploration de l'abstraction a progressé avec les dessins Rayist (Luchizm) de Natalia Goncharova et Mikhail Larionov, qui utilisaient des lignes ressemblant à des rayons lumineux pour construire des compositions. En 1915, Kasimir Malevitch réalise sa première pièce entièrement abstraite, le Carré Noir suprématiste. Parallèlement, Liubov Popova, autre membre du mouvement suprématiste, développe les constructions architecturales et les constructions de forces spatiales de 1916 à 1921. Entre 1915 et 1919, Piet Mondrian affine son langage abstrait, caractérisé par des lignes horizontales et verticales se croisant avec des rectangles colorés. Cette esthétique, connue sous le nom de néo-plasticisme, a été conçue par Mondrian, Theo van Doesburg et d'autres artistes du groupe De Stijl, dans le but de reconfigurer les environnements futurs.
Le mouvement d'avant-garde russe
Un nombre important d'artistes abstraits russes ont embrassé le constructivisme, affirmant que l'art ne devrait pas être une entité détachée mais plutôt une partie intégrante de la vie elle-même. Ils ont plaidé pour que les artistes adoptent le rôle de techniciens, maîtrisant les instruments et les substances de la fabrication contemporaine. Le cri de ralliement de Vladimir Tatline, L'art dans la vie !, résume la philosophie de tous les constructivistes ultérieurs. Des personnalités telles que Varvara Stepanova et Alexandre Exter ont évité la peinture traditionnelle sur chevalet et ont réorienté leurs efforts créatifs vers la conception théâtrale et les arts graphiques. En revanche, Kazimir Malevitch, Anton Pevsner et Naum Gabo soutenaient que l'art constituait une entreprise intrinsèquement spirituelle, axée sur l'établissement de la position de l'individu dans le cosmos, plutôt que sur la structuration pragmatique de la vie de manière matérialiste. Au cours de cette période, des figures clés de l'avant-garde russe se sont engagées dans des projets de collaboration avec d'autres artistes constructivistes d'Europe de l'Est, notamment Władysław Strzmiński, Katarzyna Kobro et Henryk Stażewski.
De nombreux artistes opposés au concept de production artistique matérialiste ont émigré de Russie. Anton Pevsner a déménagé en France, tandis que Gabo a d'abord déménagé à Berlin, puis en Angleterre et finalement en Amérique. Kandinsky, après ses études à Moscou, part pour le Bauhaus. Au milieu des années 1920, l’ère révolutionnaire (1917-1921), qui avait accordé aux artistes une liberté expérimentale considérable, prit fin. Dans les années 1930, seul le réalisme socialiste reçut une sanction officielle.
Influences musicales
À mesure que l'art visuel progressait vers l'abstraction, il a commencé à manifester des attributs proches de la musique, une forme d'art employant de manière inhérente des composants abstraits de segmentation sonore et temporelle. Vassily Kandinsky, lui-même musicien amateur, s'est inspiré du potentiel des marques visuelles et des couleurs évocatrices à résonner dans l'âme. Ce concept a déjà été formulé par Charles Baudelaire, qui a postulé que même si nos sens réagissent à divers stimuli, ils sont interconnectés à une couche esthétique profonde.
Un concept étroitement associé postule que l'art possède La dimension spirituelle, lui permettant de transcender l'expérience banale et d'atteindre un domaine spirituel. La Société Théosophique a joué un rôle central dans la diffusion de la sagesse ancienne contenue dans les textes sacrés de l'Inde et de la Chine au début du XXe siècle. Au sein de ce milieu intellectuel, des artistes tels que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky et Hilma af Klint, qui poursuivaient un « état sans objet » dans leur travail, ont développé un intérêt pour l'occulte comme moyen de manifester un objet « intérieur ». Les formes géométriques – le cercle, le carré et le triangle – représentent des formes universelles et intemporelles qui servent d'éléments spatiaux fondamentaux dans l'art abstrait, fonctionnant, tout comme la couleur, comme des systèmes fondamentaux qui sous-tendent la réalité perceptible.
Le mouvement Bauhaus
Créée en 1919 par Walter Gropius, l'école du Bauhaus à Weimar, en Allemagne, fonctionnait selon une philosophie fondamentale mettant l'accent sur la synthèse de tous les arts visuels et plastiques, englobant des disciplines allant de l'architecture et de la peinture au tissage et au vitrail. Cette approche pédagogique trouve son origine dans les principes du mouvement anglais Arts and Crafts et du Deutscher Werkbund. Parmi les membres notables du corps professoral figuraient Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers et László Moholy-Nagy. L'institution a déménagé à Dessau en 1925 et ses activités ont cessé en 1932 après l'arrivée au pouvoir du parti nazi. En 1937, une exposition intitulée « Entartete Kunst » (Art dégénéré) présentait diverses formes d'art d'avant-garde jugées inacceptables par le régime nazi. Par la suite, un exode important d’artistes a commencé, non seulement du Bauhaus mais de l’Europe dans son ensemble, conduisant beaucoup d’entre eux vers Paris, Londres et l’Amérique. Tandis que Paul Klee s'installait en Suisse, un nombre important d'artistes du Bauhaus émigrèrent aux États-Unis.
L'abstraction dans les scènes artistiques parisiennes et londoniennes
Dans les années 1930, Paris est devenue un sanctuaire pour les artistes fuyant les régimes totalitaires de Russie, d'Allemagne, des Pays-Bas et d'autres pays européens. Sophie Tauber et Jean Arp se sont engagés dans des projets collaboratifs, créant des peintures et des sculptures intégrant des formes organiques et géométriques. L'artiste polonaise Katarzyna Kobro a incorporé des concepts mathématiques dans ses œuvres sculpturales. La convergence de diverses formes d’art abstrait a incité les artistes à analyser leurs catégories conceptuelles et esthétiques distinctes. Une exposition réunissant quarante-six membres du groupe Cercle et Carré, organisée par Joaquín Torres-García avec l'aide de Michel Seuphor, présentait des œuvres de néo-plasticiens aux côtés de divers abstractionnistes, dont Kandinsky, Anton Pevsner et Kurt Schwitters. Theo van Doesburg, critiquant la collection comme trop indéfinie, a ensuite publié la revue Art Concret, qui comprenait un manifeste affirmant que dans l'art abstrait, la ligne, la couleur et la surface constituent la seule réalité concrète. Abstraction-Création, fondé en 1931 en tant que collectif plus inclusif, a servi de point de référence important pour les artistes abstraits. Alors que le climat politique se détériore en 1935, de nombreux artistes se réunissent à nouveau, notamment à Londres. L'Angleterre a accueilli la première exposition d'art abstrait britannique en 1935. L'année suivante, Nicolete Gray a organisé l'exposition Abstract and Concrete, plus axée sur l'international, présentant des œuvres d'artistes tels que Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth et Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson et Gabo ont déménagé à St. Ives, en Cornouailles, pour poursuivre leurs efforts artistiques constructivistes.
Fin du 20e siècle
Dans les années 1930, alors que le nazisme gagnait en puissance, de nombreux artistes émigrèrent d’Europe vers les États-Unis. Au début des années 1940, la ville de New York était devenue une plaque tournante des grands mouvements d'art moderne, notamment l'expressionnisme, le cubisme, l'abstraction, le surréalisme et Dada, avec parmi ses résidents des artistes européens exilés tels que Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst et André Breton. Les profondes contributions culturelles de ces artistes européens ont été assimilées et développées par les peintres locaux de New York. L'atmosphère de liberté artistique de New York a favorisé la prolifération de ces diverses influences. Les galeries d’art, auparavant principalement axées sur l’art européen, ont commencé à reconnaître la communauté artistique locale en plein essor et les œuvres matures de jeunes artistes américains. Au cours de cette période, plusieurs artistes ont développé un style nettement abstrait dans leurs œuvres matures. La peinture de Piet Mondrian Composition n° 10 (1939-1942), présentant des couleurs primaires, un fond blanc et des lignes de quadrillage noires, illustre son approche radicale mais classique du rectangle et de l'art abstrait en général. Certains artistes de cette époque ont résisté à une catégorisation facile ; par exemple, Georgia O'Keeffe, une abstractionniste moderniste, est restée une figure indépendante, créant des formes très abstraites sans s'affilier à aucun groupe particulier de l'époque.
Au fil du temps, les artistes américains, travaillant initialement dans des styles divers, ont commencé à converger vers des groupes stylistiques cohérents. Le collectif d'artistes américains le plus important est devenu reconnu sous le nom des expressionnistes abstraits et de l'école de New York. La ville de New York a favorisé un environnement propice au discours artistique et a offert de nouvelles opportunités d'apprentissage et de développement. Les artistes et éducateurs John D. Graham et Hans Hofmann ont servi d’intermédiaires cruciaux entre les modernistes européens récemment arrivés et la génération émergente d’artistes américains. Mark Rothko, un artiste d'origine russe, a d'abord utilisé une imagerie surréaliste forte, qui a ensuite évolué vers ses compositions colorées percutantes du début des années 1950. Pour Jackson Pollock, Robert Motherwell et Franz Kline, le geste expressionniste et l’acte même de peindre ont acquis une importance primordiale. Parallèlement, les œuvres figuratives d’Arshile Gorky et de Willem de Kooning se transforment en abstraction à la fin des années 1940. La ville de New York est devenue un épicentre artistique mondial, attirant des artistes du monde entier, y compris d'autres régions d'Amérique.
21e siècle
L'art numérique, la peinture hard-edge, l'abstraction géométrique, le minimalisme, l'abstraction lyrique, l'op art, l'expressionnisme abstrait, la peinture sur champs de couleurs, la peinture monochrome, l'assemblage, le néo-Dada et la peinture sur toile façonnée représentent quelques-unes des diverses trajectoires liées à l'abstraction dans la seconde moitié du XXe siècle.
Aux États-Unis, les manifestations contemporaines de l'art abstrait incluent L'art en tant qu'objet, illustré par les sculptures minimalistes de Donald Judd et les peintures de Frank Stella. D'autres exemples incluent l'abstraction lyrique et l'application évocatrice de la couleur évidente dans les œuvres d'artistes tels que Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell et Veronica Ruiz de Velasco.
Analyse
Une interprétation socio-historique, notamment associée à Theodor W. Adorno, postule que l'importance croissante de l'abstraction dans l'art moderne constitue à la fois une réponse et un reflet de l'abstraction croissante des relations sociales au sein des sociétés industrielles.
Frederic Jameson interprète de la même manière l'abstraction moderniste comme une conséquence de l'influence abstraite de l'argent, qui homogénéise toutes les entités en valeurs d'échange équivalentes. Par conséquent, la dimension sociale de l'art abstrait incarne précisément le caractère abstrait de l'existence sociale, manifesté par les formalismes juridiques, la dépersonnalisation bureaucratique et la dynamique de l'information et du pouvoir, dans le contexte de la modernité tardive.
À l'inverse, les perspectives post-jungiennes suggèrent que les théories quantiques, en remettant en question les notions conventionnelles de forme et de matière, sous-tendent la séparation du concret et de l'abstrait observée dans l'art moderne.
L'artiste Al Capp a fourni une évaluation plus simple : caractérisant l'art abstrait comme "un produit de sans talent, vendu par des gens sans principes à des gens complètement désorientés."
Galerie
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Références
Sources
- ^ Compton, Susan (1978). Le monde à l'envers : livres futuristes russes 1912-1916. La Bibliothèque britannique. ISBN 978-0-7141-0396-9.^ Stangos, Nikos, éd. (1981). Concepts de l'art moderne. Thames et Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.^ Gooding, Mel (2001). Art abstrait. Série Mouvements dans l’art moderne. Éditions Tate. ISBN 978-1-85437-302-1.^ Rump, Gerhard Charles (1985). Comment regarder une peinture abstraite. Inter Nationes.
- Le terme « abstraction » évoqué au Museum of Modern Art par Nelson Goodman de Grove Art Online
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