L'Art Déco, abréviation du terme français Arts décoratifs (littéralement, lit. « Arts décoratifs »), désigne un style important dans les arts visuels, l'architecture et la conception de produits. Apparu à Paris dans les années 1910, juste avant la Première Guerre mondiale, il a connu une prolifération internationale entre les années 1920 et le début des années 1930, influençant la conception esthétique et structurelle d'objets, des grands édifices aux petits objets, notamment les vêtements, la mode et les bijoux. L'impact omniprésent de l'Art déco est perceptible dans des structures telles que les gratte-ciel, les cinémas, les ponts et les paquebots, ainsi que dans les trains, les voitures, les camions, les bus, les meubles et les objets du quotidien comme les radios et les aspirateurs.
Art Déco, abréviation de Arts décoratifs (lit.'Arts décoratifs'), est un style d'arts visuels, d'architecture et de conception de produits qui est apparu pour la première fois à Paris dans les années 1910, juste avant la Première Guerre mondiale, et a prospéré à l'échelle internationale entre les années 1920 et le début des années 1930, grâce au style et à la conception de l'extérieur et de l'intérieur de tout, des grandes structures aux petits objets, y compris les vêtements, la mode et les bijoux. L'Art déco a influencé les bâtiments, des gratte-ciel aux cinémas, en passant par les ponts, les paquebots, les trains, les voitures, les camions, les bus, les meubles et les objets du quotidien, y compris les radios et les aspirateurs.
L'appellation « Art déco » a gagné en popularité après l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes) de 1925 à Paris. Sa genèse stylistique peut être attribuée à l'esthétique géométrique prononcée de la Sécession viennoise et du Cubisme. Les premières influences de l'Art déco comprenaient les palettes vibrantes du fauvisme et des Ballets russes, ainsi que les traditions artistiques exotiques de la Chine, du Japon, de l'Inde, de la Perse, de l'Égypte ancienne et de la civilisation maya. Au cours de sa période initiale, le style était désigné par diverses désignations, telles que style moderne, Moderne, modernistic ou style contemporain, et n'était alors pas perçu comme un mouvement artistique singulier et cohérent.
À son apogée, l'Art déco incarnait les concepts de luxe, de glamour, d'exubérance et une croyance optimiste dans le progrès sociétal et technologique. Le mouvement se caractérisait par l'incorporation de matériaux rares et coûteux, notamment l'ébène et l'ivoire, associés à un savoir-faire exceptionnel. En outre, elle a été pionnière dans l’utilisation de nouveaux matériaux tels que le chromage, l’acier inoxydable et le plastique. Les exemples architecturaux notables de ce style des années 1920 et 1930 à New York comprennent l'Empire State Building et le Chrysler Building. À l'échelle mondiale, Miami Beach, en Floride, abrite la plus vaste collection d'architecture Art déco.
L'esthétique de l'Art déco a connu une modération pendant la Grande Dépression. Les années 1930 ont vu l'émergence de Streamline Moderne, une variante raffinée caractérisée par des formes curvilignes et des finitions élégantes et polies. Bien que l'Art Déco ait acquis une reconnaissance internationale, sa prééminence a diminué après le début de la Seconde Guerre mondiale, cédant aux principes fonctionnels et minimalistes de l'architecture moderne et du style international.
Terminologie
La désignation « Art Déco », abréviation de Arts Décoratifs, tire son origine de l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui s'est tenue à Paris en 1925. En France, la classification des arts décoratifs a été initialement documentée dans le Bulletin de la Société française de photographie de 1858. Par la suite, en 1868, Le Figaro emploie l'expression objets d'art décoratifs pour décrire les accessoires de scène créés pour le Théâtre de l'Opéra. En 1875, le gouvernement français reconnut officiellement divers artisans, notamment les créateurs de meubles, les artisans du textile, les bijoutiers et les verriers, comme artistes. L'École nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD) a été fondée en 1920, consolidant ainsi la reconnaissance institutionnelle des arts décoratifs.
Le terme précis Art déco est apparu pour la première fois sous forme imprimée en 1966, dans le cadre du titre de l'exposition inaugurale moderne consacrée au sujet : Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. Cette exposition, organisée par le Musée des Arts Décoratifs de Paris, englobait un éventail de styles significatifs des années 1920 et 1930. Par la suite, Hillary Gelson a utilisé le terme dans un article publié en 1966 dans The Times, où elle décrivait les divers styles présentés à l'exposition.
Le terme « Art déco » a été largement reconnu comme descripteur stylistique en 1968, coïncidant avec la publication du premier ouvrage universitaire important sur le sujet par l'historien Bevis Hillier, intitulé Art déco des années 20 et 30. Hillier a observé que le terme était déjà utilisé chez les marchands d'art, citant des références telles que The Times (2 novembre 1966) et un essai intitulé Les Arts Déco dans le magazine Elle (novembre 1967) comme preuve. En 1971, Hillier a organisé une exposition au Minneapolis Institute of Arts, qui est largement documentée dans sa publication ultérieure, The World of Art Deco.
Mike Hope énumère de nombreuses désignations alternatives utilisées pour l'architecture Art déco, notamment : Odeon Style, Liberty style, Style Moderne, Jazz Moderne, Zigzag Moderne, British Moderne, Nautical Moderne, Modern Ship Style, Pacqueboat Style, Ocean Liner Style, White Modern, Futurist Art Deco, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderne, PWA Moderne, PWA/WPA Moderne, Federal Moderne, Depression Moderne, Classical Moderne, Classical Modernism, Modernist Classical, Chicago School, Czech. Cubisme architectural, Futurisme italien, École des Prairies, Théâtre atmosphérique, Med Déco, École d'Amsterdam, Nieuwe Zakelijkheid (Nouvelle objectivité), Renaissance maya, Sécession japonaise, Style Pueblo espagnol, Pueblo Déco, Romantisme national finlandais, Néo-gothique, Néo-byzantin, Néo-égyptien, Mission espagnole, École internationale, Style international européen, Wiener Werkstätte, Classicisme libre, Dépouillé Néo-classicisme, classicisme déco libre, classicisme dépouillé, transitionnel moderne et Vogue Regency.
Origines
Nouveaux matériaux et technologies
L'émergence et les caractéristiques esthétiques de l'Art Déco ont été fondamentalement façonnées par des matériaux et des technologies innovantes, notamment le béton armé. François Coignet a construit la première maison en béton en 1853 en banlieue parisienne. Par la suite, en 1877, Joseph Monier fut le pionnier du concept de béton d’armature grâce à l’intégration d’un treillis en tiges de fer disposé en grille. Auguste Perret a fait progresser ce projet en 1893 en érigeant le premier garage en béton de Paris, suivi d'un immeuble d'appartements, d'une résidence privée et finalement, en 1913, du Théâtre des Champs-Élysées.
Un critique a dénigré le théâtre en le qualifiant de « Zeppelin de l'avenue Montaigne », attribuant sa conception à une prétendue influence germanique dérivée de la Sécession viennoise. Après cette période, la plupart des structures Art Déco ont été construites en béton armé, un matériau qui offrait une flexibilité formelle accrue et réduisait la nécessité de piliers et de colonnes structurelles. Perret a également innové en revêtant les surfaces en béton de carreaux de céramique, remplissant à la fois des fonctions protectrices et décoratives. Le Corbusier, le célèbre architecte, a d'abord acquis des connaissances sur les applications du béton armé au cours de son mandat de dessinateur dans l'atelier de Perret.
Les avancées technologiques supplémentaires cruciales pour l'Art déco comprenaient de nouvelles techniques de fabrication de verre plat, qui réduisaient les coûts et facilitaient la création de fenêtres beaucoup plus grandes et plus robustes. En outre, la production de masse d'aluminium est devenue essentielle, d'abord pour les cadres de bâtiments et de fenêtres, puis, grâce au travail de Corbusier, Warren McArthur et d'autres designers, pour les meubles légers.
La Sécession viennoise et Wiener Werkstätte (1897-1912)
Les architectes associés à la Sécession viennoise, créée en 1897, en particulier Josef Hoffmann, ont exercé une influence significative sur le mouvement Art déco. Le palais Stoclet d'Hoffmann à Bruxelles (1905-1911) est un exemple archétypal du style Art déco naissant, caractérisé par ses volumes géométriques, sa composition symétrique, ses formes rectilignes, ses surfaces en béton ornées de plaques de marbre, ses ornements méticuleusement sculptés et ses intérieurs opulents, comportant notamment des frises de mosaïque de Gustav Klimt. En outre, Hoffmann a cofondé la Wiener Werkstätte (1903-1932), un collectif influent d'artisans et d'architectes d'intérieur dédiés à l'esthétique émergente. Cette organisation a ensuite inspiré la création de la Compagnie des arts français en 1919, qui a réuni André Mare et Louis Süe, qui sont devenus d'éminents designers et décorateurs de l'Art déco français.
Société des artistes décoratifs (1901-1945)
La genèse de l'Art Déco était intrinsèquement liée au statut élevé des artistes décorateurs, qui étaient auparavant classés comme de simples artisans jusqu'à la fin du XIXe siècle. En France, l'appellation arts décoratifs a gagné en popularité à mesure que le prestige des arts décoratifs augmentait. En 1875, le gouvernement français reconnut officiellement les créateurs de meubles, les fabricants de textiles et autres artisans qualifiés comme artistes légitimes. La Société des artistes décorateurs, en abrégé SAD, a été créée en 1901, accordant aux artistes décorateurs des droits d'auteur équivalents à ceux détenus par les peintres et les sculpteurs. Une évolution artistique parallèle s'est produite en Italie, culminant avec l'Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 à Turin, la première exposition internationale exclusivement consacrée aux arts décoratifs.
Paris voit la création de plusieurs nouvelles revues consacrées aux arts décoratifs, notamment Arts et décoration et L'Art décoratif moderne. Des sections spécifiquement destinées aux arts décoratifs ont été intégrées aux expositions annuelles de la Société des artistes français, suivies de leur inclusion dans le Salon d'Automne. Le nationalisme français a également contribué à la renaissance des arts décoratifs, motivée par les inquiétudes des designers français face à l'afflux croissant de meubles allemands plus abordables. En 1911, la SAD propose une importante exposition internationale des arts décoratifs, initialement prévue en 1912. Cette exposition était destinée à présenter exclusivement des créations modernes, interdisant explicitement les reproductions de styles historiques. L'événement fut ensuite reporté à 1914, puis, en raison de la guerre, encore reporté jusqu'en 1925, date à laquelle il prêta son nom à l'ensemble du mouvement stylistique connu sous le nom de « Déco ».
Les grands magasins et créateurs de mode parisiens ont joué un rôle déterminant dans l'émergence de l'Art déco. De grandes entreprises, dont le fabricant d'argenterie Christofle, l'artiste verrier René Lalique et les joailliers Louis Cartier et Boucheron, ont commencé à développer des produits dans des styles contemporains. À partir de 1900, les grands magasins ont commencé à employer des artistes décorateurs au sein de leurs studios de design dédiés. Le projet décoratif du Salon d'Automne de 1912 fut confié au grand magasin Printemps, qui créa par la suite son propre atelier, Primavera, la même année.
En 1920, Primavera s'était élargie pour inclure plus de 300 artistes, dont la production créative englobait un spectre allant des interprétations modernisées de Louis XIV, Louis XVI et particulièrement Du mobilier Louis Philippe, réalisé par Louis Süe et l'atelier Primavera, aux créations plus contemporaines provenant de l'atelier du grand magasin Au Louvre. En revanche, des designers tels qu'Émile-Jacques Ruhlmann et Paul Follot ont évité la production de masse, prônant le savoir-faire individuel de chaque article. L'esthétique Art déco naissante était caractérisée par des matériaux opulents et rares comme l'ébène, l'ivoire et la soie, ainsi que par des palettes de couleurs vives et des motifs stylisés, notamment des paniers et diverses compositions florales, qui conféraient collectivement une apparence moderniste.
Au cours de sa période de formation entre 1910 et 1914, l'Art Déco s'est manifesté comme un affichage chromatique vibrant, caractérisé par des couleurs brillantes. et des teintes souvent contrastées, souvent incorporées dans des motifs floraux sur les tissus d'ameublement, les tapis, les paravents, le papier peint et les tissus. De nombreuses pièces colorées, comme des chaises et une table de Maurice Dufrêne et un tapis Gobelin aux couleurs vives de Paul Follot, ont été présentées au Salon des artistes décorateurs de 1912. Entre 1912 et 1913, le designer Adrien Karbowsky réalise une chaise fleurie ornée d'un motif de perroquet pour le pavillon de chasse du collectionneur d'art Jacques Doucet. Les créateurs de meubles Louis Süe et André Mare ont fait leurs débuts à l'exposition de 1912 sous le nom d'Atelier français, où ils ont intégré des tissus polychromes à des matériaux luxueux et exotiques, comme l'ébène et l'ivoire. Après la Première Guerre mondiale, leur entreprise s'est imposée parmi les entreprises françaises de design d'intérieur, en aménageant les salons et les cabines de première classe des paquebots transatlantiques français.
À sa naissance entre 1910 et 1914, l'Art Déco était une explosion de couleurs, avec des teintes vives et souvent contrastées, souvent dans des motifs floraux, présentés dans les tissus d'ameublement, les tapis, les paravents, les papiers peints et les tissus. De nombreuses œuvres colorées, dont des chaises et une table de Maurice Dufrêne et un tapis Gobelin lumineux de Paul Follot, sont présentées au Salon des artistes décorateurs de 1912. En 1912-1913, le designer Adrien Karbowsky réalise une chaise florale avec un motif de perroquet pour le pavillon de chasse du collectionneur d'art Jacques Doucet. Les créateurs de meubles Louis Süe et André Mare font leur première apparition à l'exposition de 1912, sous le nom de l'Atelier français, associant des tissus polychromes à des matériaux exotiques et coûteux, dont l'ébène et l'ivoire. Après la Première Guerre mondiale, ils sont devenus l'une des plus importantes entreprises françaises de design d'intérieur, produisant le mobilier des salons et des cabines de première classe des paquebots transatlantiques français.
La palette de couleurs vibrantes caractéristique de l'Art déco s'est inspirée de diverses origines, notamment les décors exotiques créés par Léon Bakst pour les Ballets Russes, qui ont captivé le public parisien peu avant la Première Guerre mondiale. Certaines couleurs ont été influencées par le mouvement fauviste précédent, dirigé par Henri Matisse ; d'autres par l'Orphisme d'artistes comme Sonia Delaunay ; et d'autres encore du mouvement Les Nabis, ainsi que les créations du peintre symboliste Odilon Redon, qui conçut des pare-cheminées et divers objets de décoration. Les nuances brillantes étaient une caractéristique de l'œuvre du créateur de mode Paul Poiret, qui a eu un impact significatif à la fois sur la mode Art déco et sur le design d'intérieur.
Le Le Théâtre des Champs-Élysées, construit entre 1910 et 1913 par Auguste Perret, constitue le premier édifice Art déco achevé à Paris. Avant cela, le béton armé était exclusivement utilisé dans les structures industrielles et résidentielles ; Perret lui-même avait déjà réalisé le premier immeuble moderne en béton armé de Paris rue Benjamin Franklin entre 1903 et 1904. Henri Sauvage, un autre architecte important qui contribuera plus tard à l'Art déco, érigea une structure similaire en 1904 au 7, rue Trétaigne.
Le Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), d'Auguste Perret, fut le premier bâtiment Art déco emblématique achevé à Paris. Auparavant, le béton armé n'était utilisé que pour les immeubles industriels et d'habitation. Perret avait construit le premier immeuble moderne en béton armé à Paris, rue Benjamin Franklin en 1903-1904. Henri Sauvage, autre futur architecte Art Déco important, en construisit un autre en 1904 au 7, rue Trétaigne (1904).
De 1908 à 1910, Le Corbusier, alors âgé de 21 ans, est dessinateur dans le bureau de Perret, acquérant ainsi une expertise dans les méthodes de construction en béton. Les conceptions architecturales de Perret, caractérisées par leurs formes rectangulaires épurées, leurs ornements géométriques et leurs lignes droites, préfiguraient les traits distinctifs de l'Art déco. Le design intérieur du théâtre était tout aussi révolutionnaire, avec des hauts-reliefs d'Antoine Bourdelle sur la façade, une coupole de Maurice Denis, des peintures d'Édouard Vuillard et un rideau Art déco de Ker-Xavier Roussel. Cette salle a notamment accueilli de nombreuses représentations inaugurales des Ballets Russes. Dans les années 1920, Perret et Sauvage étaient devenus des architectes Art déco de premier plan à Paris.
Cubisme
Originé en France entre 1907 et 1912, le mouvement artistique cubiste a considérablement influencé l'évolution de l'Art déco. Alistair Duncan a observé :
- "Le cubisme, sous une forme abâtardie ou autre, est devenu la lingua franca des artistes décorateurs de l'époque."
Les artistes cubistes ont été notamment influencés par Paul Cézanne, démontrant un intérêt pour la réduction des formes à leurs composants géométriques fondamentaux : le cylindre, la sphère et le cône.
En 1912, les artistes associés à la Section d'Or présentaient des œuvres nettement plus compréhensibles pour le public par rapport au cubisme analytique de Picasso et de Braque. Cette accessibilité a positionné l'esthétique cubiste pour attirer la mode, le mobilier et les designers d'intérieur.
Au Salon d'Automne de 1912, dans la section Art Décoratif, une installation architecturale intitulée La Maison Cubiste a été présentée. Raymond Duchamp-Villon a conçu sa façade, tandis qu'André Mare s'est chargé de la décoration intérieure. La Maison Cubiste était une exposition entièrement meublée, comprenant une façade, un escalier, des rampes en fer forgé, une chambre et un salon, plus précisément le Salon Bourgeois, qui présentait des peintures d'Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger et Roger de La Fresnaye. Des milliers de participants au salon ont exploré ce modèle grandeur nature.
La façade de la maison de Duchamp-Villon, bien qu'incorporant des linteaux et des frontons prismatiques, n'était pas considérée comme exceptionnellement radicale selon les normes contemporaines, ressemblant largement à l'architecture typique de l'époque. En revanche, les conceptions de Mare pour les deux pièces intérieures étaient révolutionnaires, avec du papier peint avec des roses stylisées et des motifs floraux, ainsi que des tissus d'ameublement, des meubles et des tapis ornés de motifs flamboyants et vibrants, marquant une nette rupture avec la décoration conventionnelle. Le critique Emile Sedeyn, écrivant dans la revue Art et Décoration, décrit le travail de Mare : "Il ne s'embarrasse pas de simplicité, car il multiplie les fleurs partout où elles peuvent être mises. L'effet qu'il recherche est évidemment celui du pittoresque et de la gaieté. Il y parvient." L'élément cubiste de l'installation provenait principalement des peintures exposées. Malgré les premières critiques critiques le qualifiant d’extrêmement radical, cette controverse a contribué à son succès généralisé. L'installation architecturale a ensuite été présentée à l'Armory Show de 1913 à New York, Chicago et Boston. Cette exposition a considérablement popularisé le terme « cubiste », conduisant à son application à diverses tendances modernes, depuis les coiffures féminines jusqu'à la mode et les productions théâtrales.
Les influences cubistes ont persisté au sein de l'Art déco, même si le mouvement s'est diversifié dans de nombreuses autres directions stylistiques.
La géométrie esquissée du cubisme est devenue monnaie courante dans les années 1920. Le développement par l'Art Déco de la géométrie sélective du Cubisme dans un plus large éventail de formes a amené le Cubisme en tant que taxonomie picturale à un public beaucoup plus large et à un attrait plus large. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art)
Influences
Styles européens d'avant la Première Guerre mondiale
L'Art Déco englobait un large éventail de styles, présentant souvent des caractéristiques contradictoires, plutôt que de représenter une esthétique singulière. Sur le plan architectural, l'Art Déco est apparu comme le successeur et le contrepoint stylistique de l'Art Nouveau, qui avait prospéré dans toute l'Europe entre 1895 et 1900. Il a également coexisté avec les Beaux-Arts et les mouvements néoclassiques prédominants dans l'architecture européenne et américaine. En 1905, Eugène Grasset publie la Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, un ouvrage qui explore systématiquement les dimensions décoratives (ornementales) des éléments géométriques, des formes, des motifs et de leurs variations. Cette publication s'écarte clairement du style onduleux de l'Art Nouveau, illustré par Hector Guimard, qui avait été très populaire à Paris quelques années auparavant. Grasset a souligné le principe fondamental selon lequel diverses formes géométriques simples, telles que les triangles et les carrés, sous-tendent tous les arrangements de composition. Les structures en béton armé conçues par Auguste Perret et Henri Sauvage, en particulier le Théâtre des Champs-Élysées, ont introduit des méthodologies de construction et de décoration innovantes qui ont ensuite été imitées dans le monde entier.
Influences des civilisations anciennes et mondiales
Dans le domaine de la décoration, l'Art Déco a largement intégré divers éléments stylistiques. Ces influences englobaient l'art mondial prémoderne, facilement accessible pour l'étude dans des institutions telles que le Musée du Louvre, le Musée de l'Homme et le Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. En outre, une fascination grandissante du public pour l'archéologie, stimulée par d'importantes fouilles à Pompéi, à Troie, et par la découverte du tombeau du pharaon Toutankhamon de la XVIIIe dynastie, a contribué à cet emprunt éclectique. Par conséquent, les artistes et les designers ont synthétisé des motifs dérivés de l'Égypte ancienne, de l'Afrique, de la Mésopotamie, de la Grèce, de Rome, de l'Asie, de la Méso-Amérique et de l'Océanie avec l'esthétique contemporaine de l'ère de la machine.
Intégration des mouvements d'avant-garde du début du XXe siècle
Les influences stylistiques supplémentaires incorporées à l'Art déco incluent le futurisme, l'orphisme, le fonctionnalisme et le mouvement moderniste plus large. Le cubisme, lorsqu'il est adapté des beaux-arts à des applications décoratives telles que les textiles ou le papier peint, a révélé son potentiel décoratif inhérent à l'esthétique Art déco. Sonia Delaunay a notamment conceptualisé ses créations vestimentaires de manière abstraite et géométrique, les décrivant comme « des peintures vivantes ou des sculptures de formes vivantes ». Louis Barrilet réalise également des dessins d'inspiration cubiste pour les vitraux du bar américain de l'Atrium Casino de Dax (1926), intégrant ingénieusement les noms de cocktails à la mode. Sur le plan architectural, l'interaction prononcée entre les volumes horizontaux et verticaux, une caractéristique partagée par le constructivisme russe et les principes de conception de Frank Lloyd Wright et Willem Marinus Dudok, est devenue une technique répandue pour articuler les façades Art déco dans différents types de bâtiments, des résidences privées et des immeubles d'appartements aux cinémas et stations-service. En outre, l'Art déco s'est inspiré des palettes de couleurs et des dessins vibrants, souvent contradictoires, du fauvisme, particulièrement évidents dans les œuvres d'Henri Matisse et d'André Derain, qui ont influencé les textiles, les papiers peints et les céramiques peintes de l'Art déco. Le mouvement assimile également des éléments de la haute couture contemporaine, caractérisés par des motifs géométriques, des chevrons, des zigzags et des compositions florales stylisées. D'autres influences découlaient des découvertes en égyptologie et d'un intérêt croissant pour l'art oriental et africain. Après 1925, une fascination pour les machines émergentes, notamment les dirigeables, les automobiles et les paquebots, a souvent servi d'inspiration, culminant en 1930 dans le style distinct connu sous le nom de Streamline Moderne.
Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925)
L'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui se tient à Paris d'avril à octobre 1925, représente l'apogée du style Art déco et lui confère son nom éternel. Officiellement parrainé par le gouvernement français, ce vaste événement s'étendait sur un site de 55 acres à Paris, s'étendant du Grand Palais sur la rive droite aux Invalides sur la rive gauche, et le long des rives de la Seine. Le Grand Palais, la plus grande salle d'exposition de la ville, présentait les arts décoratifs des nations participantes. L'exposition réunissait 15 000 exposants représentant vingt pays, dont l'Autriche, la Belgique, la Tchécoslovaquie, le Danemark, le Royaume-Uni, l'Italie, le Japon, les Pays-Bas, la Pologne, l'Espagne, la Suède et la jeune Union soviétique. L'Allemagne n'a pas reçu d'invitation en raison des tensions d'après-guerre, tandis que les États-Unis ont décliné leur participation, ayant mal interprété l'objectif principal de l'exposition. Au cours de ses sept mois, l'événement a attiré seize millions de visiteurs. Une règle fondamentale de l'exposition exigeait que toutes les œuvres exposées adhèrent à l'esthétique moderne, interdisant strictement les styles historiques. L'objectif principal de l'Exposition était de promouvoir les fabricants français de produits de luxe, notamment de meubles, de porcelaine, de verre, de ferronnerie et de textiles. Pour atteindre cet objectif, tous les grands magasins parisiens et les grands créateurs ont créé leurs propres pavillons. Un objectif secondaire de l'exposition était de présenter des produits des colonies françaises d'Afrique et d'Asie, tels que l'ivoire et les bois exotiques.
L'Hôtel du Collectionneur est devenu une attraction notable de l'exposition, présentant de nouveaux meubles conçus par Emile-Jacques Ruhlmann, aux côtés de tissus Art déco, de tapis et d'un tableau de Jean Dupas. Son design intérieur respectait les principes de symétrie et de formes géométriques, le distinguant de l'Art nouveau, et incorporait des couleurs vives, un savoir-faire exquis et des matériaux rares et coûteux, le distinguant de la fonctionnalité austère du style moderniste. Alors que la majorité des pavillons étaient richement ornés et remplis de meubles de luxe fabriqués à la main, deux pavillons – celui de l'Union soviétique et le Pavillon de l'Esprit Nouveau, construit par le magazine du même nom sous la direction de Le Corbusier – ont adopté une esthétique austère avec des murs blancs et une décoration minimaliste, représentant certains des premiers exemples d'architecture moderniste.
Art Déco tardif
En 1925, deux écoles de pensée distinctes et souvent concurrentes coexistaient au sein de l'Art Déco. Parmi les traditionalistes, qui ont fondé la Société des Artistes Décorateurs, figurent des personnalités telles que le designer de meubles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, le sculpteur Antoine Bourdelle et le designer Paul Poiret. Ce groupe a intégré des formes modernes à l’artisanat traditionnel et a utilisé des matériaux coûteux. À l’inverse, les modernistes rejetaient de plus en plus les précédents historiques, prônant un style ancré dans les progrès technologiques, la simplicité, l’absence d’ornementation, des matériaux peu coûteux et une production de masse. Les modernistes fondèrent leur propre organisation, l'Union française des artistes modernes, en 1929. Ses membres comprenaient les architectes Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier et Konstantin Melnikov en Union soviétique ; la créatrice irlandaise Eileen Gray ; la créatrice française Sonia Delaunay ; et les joailliers Georges Fouquet et Jean Puiforcat. Ils ont critiqué avec véhémence le style Art déco traditionnel, accusant particulièrement les designers qui se concentraient sur la création de pièces uniques en édition limitée exclusivement pour une clientèle aisée. Du point de vue moderniste, l’avenir des arts décoratifs n’était pas uniquement dicté par les préférences esthétiques des riches, mais nécessitait plutôt « un excellent design pour tous » dans la nouvelle ère. Ils affirmaient que la forme devait intrinsèquement suivre la fonction, affirmant que la beauté d'un objet ou d'un bâtiment résidait dans sa parfaite adéquation à l'usage auquel il était destiné. En outre, ils pensaient que les méthodes industrielles modernes permettaient la production de masse de meubles et de bâtiments, éliminant ainsi la seule dépendance à l'artisanat, et que la production de masse et la qualité ne s'excluaient pas mutuellement.
Le designer français d'arts décoratifs Paul Follot a plaidé pour une interprétation plus traditionnelle et ornementale de l'Art Déco, affirmant que "le "nécessaire" seul ne suffit pas à l'homme et que le superflu lui est indispensable... ou alors supprimons aussi la musique, les fleurs, les parfums... et les sourires des dames !" En revanche, Le Corbusier, un éminent partisan de l'architecture moderniste, a déclaré qu'une maison n'était qu'une « machine à vivre » et a sans cesse promu le modernisme comme l'avenir, positionnant l'Art déco comme une relique du passé. Les concepts de Le Corbusier ont progressivement gagné du terrain dans l'enseignement de l'architecture, conduisant finalement à l'abandon de l'esthétique Art Déco. Paradoxalement, les attributs mêmes qui ont initialement propulsé la popularité de l’Art Déco – son savoir-faire méticuleux, ses matériaux opulents et ses ornements élaborés – ont finalement contribué à son déclin. Le début de la Grande Dépression aux États-Unis en 1929, qui a ensuite touché l’Europe, a considérablement réduit le nombre de clients fortunés capables de commander des meubles et des objets d’art sur mesure. Au milieu de l’austérité économique de la Grande Dépression, peu d’entreprises étaient enclines à entreprendre la construction de nouveaux gratte-ciel. Même la célèbre entreprise Ruhlmann s'est adaptée en produisant des meubles en série, s'éloignant des pièces fabriquées individuellement à la main. Les dernières structures parisiennes érigées dans ce style distinctif comprenaient le Musée des Travaux Publics d'Auguste Perret (abritant aujourd'hui le Conseil Économique, Social et Environnemental français), le Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu et Léon Azéma, et le Palais de Tokyo, tous achevés pour l'Exposition Internationale de Paris de 1937. Ces bâtiments se trouvaient en face de l'imposant pavillon de l'Allemagne nazie, conçu par Albert Speer, qui à son tour faisait face au tout aussi monumental pavillon socialiste-réaliste de l'Union soviétique de Staline.
Après la Seconde Guerre mondiale, le style international, défendu par des personnalités telles que Le Corbusier et Mies van der Rohe, est devenu le paradigme architectural prédominant. Alors qu'un nombre limité d'hôtels Art déco ont été construits à Miami Beach après la guerre, le style a largement reculé ailleurs, persistant principalement dans les applications de design industriel comme le style automobile et des produits tels que les juke-box. Les années 1960 ont été témoins d’une modeste résurgence académique de l’Art déco, en partie attribuable aux contributions savantes d’historiens de l’architecture, dont Bevis Hillier. Dans les années 1970, des initiatives ont été lancées aux États-Unis et en Europe pour sauvegarder des exemples significatifs de l’architecture Art déco, aboutissant à la restauration et à la réutilisation adaptative de nombreux bâtiments. L'architecture postmoderne, apparue dans les années 1980, incorporait fréquemment des éléments purement décoratifs, une caractéristique partagée avec l'Art déco. L'esthétique déco continue d'influencer les designers contemporains et trouve des applications dans la mode, les bijoux et les articles de toilette modernes.
Peinture
L'Exposition de 1925 ne comportait pas de section dédiée à la peinture. La peinture Art Déco était intrinsèquement décorative, conçue pour compléter une pièce ou une conception architecturale, c'est pourquoi peu d'artistes pratiquaient exclusivement ce style. Néanmoins, deux peintres sont particulièrement associés à l'Art Déco. Jean Dupas a créé des peintures murales Art Déco pour le Pavillon de Bordeaux à l'Exposition des Arts Décoratifs de 1925 à Paris et a également réalisé la peinture du dessus de cheminée pour l'exposition de la Maison du Collectionneur lors de la même exposition, qui présentait des meubles de Ruhlmann et d'autres grands designers Art Déco. Ses peintures murales constituaient également un élément important de la décoration intérieure du paquebot français SS Normandie. Sa production artistique était purement ornementale, destinée à servir de toile de fond ou de complément à d'autres éléments de design.
Tamara de Lempicka est l'autre peintre étroitement identifiée au style Art déco. Née en Pologne, elle a déménagé à Paris après la révolution russe. Elle poursuit ses études auprès de Maurice Denis et d'André Lhote, intégrant de nombreux éléments stylistiques de leur œuvre. Ses portraits se caractérisent par une esthétique Art déco réaliste, dynamique et vibrante.
Les années 1930 ont vu l'émergence d'un style de peinture Art déco distinctif aux États-Unis. Pendant la Grande Dépression, le Federal Art Project, une initiative de la Works Progress Administration, a été créé pour fournir des emplois aux artistes. De nombreux artistes ont été chargés de décorer des structures publiques, notamment des bâtiments gouvernementaux, des hôpitaux et des établissements d'enseignement. Même si aucune esthétique Art déco ne dominait ces peintures murales, les artistes engagés pour les commandes gouvernementales représentaient divers mouvements artistiques, allant du régionalisme américain au réalisme social. Parmi les contributeurs notables figuraient Reginald Marsh, Rockwell Kent et le peintre mexicain Diego Rivera. La classification Art déco de ces peintures murales découle de leur nature décorative et de leur pertinence thématique par rapport au bâtiment ou au lieu spécifique. Par exemple, Reginald Marsh et Rockwell Kent ont embelli les installations postales américaines avec des représentations de postiers, tandis que Diego Rivera a représenté des ouvriers d'usine automobile pour le Detroit Institute of Arts. La fresque murale de Rivera de 1933, L'homme à la croisée des chemins, commandée pour le 30 Rockefeller Plaza, incluait de manière controversée une ressemblance non autorisée de Lénine. Suite au refus de Rivera d'exciser le portrait, l'œuvre d'art a été détruite puis remplacée par une nouvelle fresque réalisée par l'artiste espagnol Josep Maria Sert.
Sculpture
Sculpture monumentale et publique
La sculpture constituait un élément omniprésent et fondamental de la conception architecturale Art déco. En France, le Théâtre des Champs-Élysées, premier monument Art déco de Paris, a été orné en 1912 de bas-reliefs allégoriques d'Antoine Bourdelle, illustrant des thèmes de la danse et de la musique. L'Exposition de 1925 présentait d'importantes installations sculpturales sur tout son terrain, avec des pavillons souvent ornés de frises sculpturales et des espaces dédiés aux petites sculptures d'atelier. Au cours des années 1930, un collectif de sculpteurs distingués a contribué à l'Exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne de 1937 à Chaillot. Alfred Janniot a par exemple réalisé les sculptures en relief de la façade du Palais de Tokyo. Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris et l'esplanade faisant face au Palais de Chaillot, surplombant la Tour Eiffel, ont été peuplés de nouvelles statues d'artistes tels que Charles Malfray et Henry Arnold.
La sculpture publique Art déco présentait principalement des formes figuratives, représentant généralement des figures héroïques ou allégoriques dont les thèmes correspondaient à la fonction du bâtiment ou de l'espace. Les mécènes, plutôt que les artistes, déterminaient généralement ces sélections thématiques. La sculpture abstraite à des fins décoratives était exceptionnellement rare.
Aux États-Unis, Paul Manship est devenu le principal sculpteur Art déco pour les commandes publiques, réinterprétant des motifs classiques et mythologiques dans un cadre Art déco. Sa création la plus célèbre est la statue de Prométhée au Rockefeller Center de New York, représentant une interprétation du XXe siècle d'un thème classique. Lee Lawrie a également contribué à des œuvres importantes au Rockefeller Center, notamment la façade sculpturale et la statue de l'Atlas.
Pendant la Grande Dépression aux États-Unis, de nombreux sculpteurs ont reçu des commandes pour créer des œuvres décoratives pour des bâtiments du gouvernement fédéral, financées par la Works Progress Administration (WPA). Parmi ces artistes se trouvait Sidney Biehler Waugh, qui a produit des représentations stylisées et idéalisées des ouvriers et de leurs professions pour les structures administratives fédérales. À San Francisco, Ralph Stackpole a contribué à la sculpture de la façade du nouveau bâtiment de la Bourse de San Francisco. Parallèlement, Michael Lantz a exécuté des travaux pour le bâtiment de la Federal Trade Commission à Washington D.C.
En Grande-Bretagne, Eric Gill a produit des statues publiques Art déco pour la BBC Broadcasting House, tandis que Ronald Atkinson a orné le hall de l'ancien bâtiment du Daily Express à Londres (1932).
Parmi les sculptures publiques Art déco les plus renommées et sans équivoque les plus grandes se trouve le Christ Rédempteur, créé par le sculpteur français Paul Landowski. Achevée entre 1922 et 1931, cette œuvre monumentale est située au sommet d'une montagne surplombant Rio de Janeiro, au Brésil.
Sculpture en studio
Les premières sculptures Art déco comprenaient souvent des pièces plus petites destinées à la décoration de salon. Une catégorie distincte au sein de ce genre était la statuette chryséléphantine, une désignation dérivée de la pratique grecque antique consistant à fabriquer des statues de temple en or et en ivoire. Ces statuettes étaient parfois coulées en bronze, mais le plus souvent fabriquées à partir de matériaux opulents, notamment l'ivoire, l'onyx, l'albâtre et la feuille d'or.
Demétre Chiparus, un artiste d'origine roumaine réputé pour ses petites sculptures vibrantes de danseurs, s'est imposé comme l'un des sculpteurs de salon Art déco les plus éminents. D'autres figures importantes de la sculpture de salon comprenaient Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol et Gustav Schmidtcassel. Harriet Whitney Frismuth, une sculptrice américaine influente travaillant dans la tradition d'atelier, a également gagné en reconnaissance, après avoir étudié auprès d'Auguste Rodin à Paris.
Pierre Le Paguays s'est distingué en tant que sculpteur d'atelier Art déco remarquable, avec ses créations présentées à l'Exposition de 1925. Sa pratique artistique impliquait un large éventail de matériaux précieux, notamment le bronze, le marbre, l'ivoire, l'onyx, l'or et l'albâtre.
François Pompon a été le pionnier de la sculpture animalière stylisée moderne. Ses contributions artistiques ne furent pleinement reconnues qu'à l'âge de 67 ans, lors du Salon d'Automne de 1922, pour son œuvre Ours blanc, également connue sous le nom de L'Ours blanc, aujourd'hui conservée au musée d'Orsay à Paris.
Parallèlement à ces sculpteurs Art déco, une cohorte de sculpteurs modernistes d'avant-garde et abstraits était active à Paris et à New York. Parmi eux, figurent Constantin Brâncusi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff et Pablo Gargallo.
Arts graphiques
L'esthétique Art déco est apparue très tôt dans les arts graphiques, avant la Première Guerre mondiale. Ses premières manifestations à Paris étaient évidentes dans les créations d'affiches et de costumes de Léon Bakst pour les Ballets Russes, ainsi que dans les catalogues du couturier Paul Poiret. Les illustrations de Georges Barbier et Georges Lepape, ainsi que les images publiées dans le magazine de mode La Gazette du bon ton, incarnent l'élégance et la sensualité inhérentes au style. Au cours des années 1920, l’esthétique dominante évolue, mettant l’accent sur des modes plus décontractées, sportives et audacieuses, souvent représentées avec des modèles féminins fumant des cigarettes. Des publications de mode américaines de premier plan, notamment Vogue, Vanity Fair et Harper's Bazaar, ont rapidement adopté et diffusé ce nouveau style à travers les États-Unis. De plus, il a influencé le travail d’illustrateurs de livres américains tels que Rockwell Kent. En Allemagne, Ludwig Hohlwein s'est distingué comme l'affichiste le plus célèbre de son époque, produisant des affiches vibrantes et dramatiques pour des festivals de musique, des brasseries et, plus tard dans sa carrière, pour le parti nazi.
Contrairement à la période Art Nouveau, où les affiches faisaient principalement la promotion de productions théâtrales ou de cabarets, les années 1920 ont été témoins d'une montée en popularité des affiches de voyage commandées par les compagnies de bateaux à vapeur et les compagnies aériennes. L’approche stylistique a subi une transformation significative au cours de cette décennie, se concentrant désormais sur le produit annoncé. Les visuels sont devenus plus simplifiés, précis, linéaires et dynamiques, souvent placés sur des arrière-plans monochromes. En France, parmi les designers Art déco notables figuraient Charles Loupot et Paul Colin, ce dernier se faisant connaître pour ses affiches mettant en vedette la chanteuse et danseuse américaine Joséphine Baker. Jean Carlu a créé des affiches pour les films de Charlie Chaplin, divers feuilletons et salles de théâtre ; il a ensuite émigré aux États-Unis à la fin des années 1930, où il a conçu des affiches pour soutenir la production de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale. Charles Gesmar s'est fait connaître grâce à ses affiches pour le chanteur Mistinguett et Air France. Cassandre, célèbre pour son affiche emblématique de 1935 du paquebot SS Normandie, compte parmi les créateurs d'affiches Art déco français les plus éminents.
Au cours des années 1930, un genre distinct d'affiches a émergé aux États-Unis, au milieu de la Grande Dépression. Le Federal Art Project a chargé des artistes américains de réaliser des affiches destinées à promouvoir le tourisme et divers événements culturels.
Architecture
Styles
Le style architectural Art Déco apparaît pour la première fois à Paris entre 1903 et 1904, marqué par la construction de deux immeubles d'habitation : l'un par Auguste Perret rue Benjamin Franklin et l'autre par Henri Sauvage rue Trétaigne. Ces deux architectes naissants ont été les pionniers de l'utilisation du béton armé dans les structures résidentielles parisiennes. Les bâtiments qui en résultent présentent des lignes épurées, des formes rectangulaires et des façades sans fioritures, signifiant une rupture nette avec le style Art nouveau. De 1910 à 1913, Perret met à profit son savoir-faire dans la construction d'appartements en béton pour ériger le Théâtre des Champs-Élysées au 15 avenue Montaigne. Par la suite, entre 1925 et 1928, Sauvage conçoit la nouvelle façade Art Déco du grand magasin La Samaritaine à Paris.
L'influence de l'Art Déco s'est étendue au-delà des structures terrestres ; le paquebot SS Normandie, qui a commencé son voyage inaugural en 1935, a présenté l'esthétique Art déco, notamment dans une salle à manger dotée d'un plafond et d'éléments décoratifs en verre de Lalique.
L'architecture Art déco est parfois classée en trois styles distincts : Zigzag Moderne (également connu sous le nom de Jazz Moderne), Classic Moderne et Streamline Moderne.
Zigzag Moderne
Zigzag Moderne (également appelé Jazz Moderne) représentait la première manifestation de l'Art déco aux États-Unis. La caractéristique « zigzag » désigne les profils en escalier des gratte-ciel, conçus pour amplifier leur hauteur perçue, et était principalement appliquée aux édifices publics et commerciaux importants, notamment les hôtels, les cinémas, les restaurants, les gratte-ciel et les grands magasins.
Classique Moderne
Classic Moderne présente une esthétique plus raffinée avec une ornementation réduite. Ce style est également parfois identifié comme PWA (Public Works Administration) Moderne ou Depression Moderne, étant donné sa prévalence dans les projets initiés par la PWA pendant la Grande Dépression.
Streamline Moderne
À la fin des années 1930, une variante distincte de l'architecture Art déco a émergé, connue sous le nom de Streamline Moderne, ou simplement Streamline. En France, on l'appelait le Style Paquebot, ou style Ocean Liner. Les structures de ce style étaient caractérisées par des coins arrondis, des lignes horizontales allongées et une construction principalement en béton armé, généralement finie en blanc. Ils incorporaient fréquemment des éléments nautiques, tels que des balustrades et des hublots rappelant la conception des navires. Même si le concept des coins arrondis n'était pas nouveau, puisqu'il a été présenté dans le Mossehaus d'Erich Mendelsohn à Berlin en 1923, puis dans le Hoover Building, un complexe industriel de Perivale à Londres, son application aux États-Unis est devenue étroitement liée aux infrastructures de transport. Streamline Moderne était rarement appliqué aux immeubles de bureaux, mais était couramment utilisé dans les gares routières et les terminaux d'aéroport, y compris le terminal de l'aéroport LaGuardia de New York, qui facilitait les vols transatlantiques inauguraux via les hydravions PanAm Clipper, ainsi que dans l'architecture en bordure de route comme les stations-service et les restaurants. Une série de restaurants, conçus pour imiter les wagons de chemin de fer rationalisés, ont été fabriqués et installés dans les villes de la Nouvelle-Angleterre à la fin des années 1930 ; au moins deux de ces exemples persistent aujourd'hui en tant que bâtiments historiques enregistrés.
Typologies de bâtiments
Gratte-ciel
Les gratte-ciel américains représentaient l'apogée du mouvement Art déco, évoluant pour devenir les structures modernes les plus hautes et les plus emblématiques du monde. Leur conception visait à projeter le prestige de leurs promoteurs grâce à une hauteur imposante, une forme distinctive, des palettes de couleurs spécifiques et un éclairage nocturne saisissant. L'American Radiateur Building (1924) de Raymond Hood intégrait des éléments modernes gothiques et Art déco. Sa façade était en brique noire, symbolisant le charbon, choisie pour transmettre une impression de solidité et de masse substantielle. D'autres parties de l'extérieur étaient ornées de briques dorées, représentant le feu, tandis que l'entrée était ornée de marbre et de miroirs noirs. Un autre gratte-ciel Art déco remarquable était le Guardian Building de Détroit, inauguré en 1929. Conçu par le moderniste Wirt C. Rowland, cet édifice a été le pionnier de l'utilisation de l'acier inoxydable comme élément décoratif et a largement incorporé des motifs colorés, s'éloignant de l'ornementation conventionnelle.
Le Chrysler Building de Manhattan, achevé en 1930 et conçu par William Van Alen, a profondément transformé l'horizon de la ville de New York. Cette structure de soixante-dix-sept étages servait de publicité monumentale pour les automobiles Chrysler. Son sommet était surmonté d'une flèche en acier inoxydable et orné de « gargouilles » Art déco en forme d'ornements de bouchons de radiateur en acier inoxydable. La base de la tour, située trente-trois étages au-dessus du niveau de la rue, était ornée de frises Art déco vibrantes, tandis que le hall présentait des symboles et des images Art déco véhiculant des thèmes de modernité.
La hauteur du Chrysler Building a ensuite été dépassée par l'Empire State Building, conçu par William F. Lamb (1931), qui présentait une esthétique Art déco un peu plus sobre, et par le RCA Building (aujourd'hui 30 Rockefeller Plaza), conçu par Raymond Hood (1933). Ces structures ont collectivement redéfini le panorama architectural de la ville de New York. Sur le plan architectural, les parties supérieures de ces bâtiments étaient ornées de couronnes et de flèches Art déco, revêtues d'acier inoxydable. Le Chrysler Building, en particulier, incorporait des gargouilles Art déco inspirées des ornements de radiateurs, tandis que leurs entrées et halls présentaient d'opulents embellissements Art déco, notamment des sculptures, des céramiques et des éléments de conception complexes. Des édifices comparables, quoique moins imposants, ont ensuite vu le jour à Chicago et dans d’autres grandes métropoles américaines. Le Rockefeller Center a introduit un concept d'urbanisme innovant, comprenant plusieurs structures de grande hauteur regroupées autour d'une vaste place ouverte, centrée par une fontaine.
À Newark, dans le New Jersey, de l'autre côté du fleuve Hudson, des gratte-ciel Art déco ont été érigés dans les années 1920 et 1930. Des exemples notables incluent le siège social de New Jersey Bell (1929), conçu par Ralph Thomas Walker ; le bâtiment Lefcourt (1930), de Frank Grad ; et le National Newark Building (1933), par John H. Wilson C. Ely. John Cotton Dana, qui dirigeait la bibliothèque publique de Newark à l'époque, a observé que ces développements architecturaux ont transformé Newark d'un « monstre industriel énorme, grossier et irréfléchi de Frankenstein en un lieu de raffinement ».
Cathédrales du Commerce
Les exemples les plus marquants du design d'intérieur Art déco américain ont été trouvés dans les halls d'édifices gouvernementaux, les théâtres et surtout les immeubles de bureaux commerciaux. Ces intérieurs présentaient une esthétique vibrante et dynamique, intégrant des sculptures, des peintures murales et des motifs géométriques complexes exécutés en marbre, verre, céramique et acier inoxydable. Une des premières illustrations est le Fisher Building à Détroit, conçu par Joseph Nathaniel French, dont le hall était largement orné de sculptures et de céramiques. Le Guardian Building (initialement Union Trust Building) à Détroit, achevé en 1929 par Wirt Rowland, présentait du marbre rouge et noir aux côtés de céramiques aux couleurs vives, accentuées par des portes et des comptoirs d'ascenseur en acier hautement poli. Ses éléments sculpturaux muraux représentaient les vertus de l'industrie et de l'épargne, ce qui a valu au bâtiment la désignation immédiate de « Cathédrale du Commerce ». Le bâtiment médical et dentaire situé au 450 Sutter Street à San Francisco, conçu par Timothy Pflueger, s'est inspiré de l'architecture maya, se manifestant sous une forme hautement stylisée. Cette structure incorporait des formes pyramidales et ses murs intérieurs étaient agrémentés de rangées stylisées de hiéroglyphes.
En France, l'exemple prééminent de design d'intérieur Art déco de cette époque est le Palais de la Porte Dorée (1931), une œuvre collaborative d'Albert Laprade, Léon Jaussely et Léon Bazin. Cet édifice, abritant actuellement le Musée national de l'immigration et un aquarium en sous-sol, a été construit à l'origine pour l'Exposition coloniale de Paris de 1931 afin de commémorer les habitants et les marchandises des colonies françaises. Sa façade extérieure était entièrement ornée de sculptures, tandis que le hall d'entrée obtenait une cohérence Art déco grâce à un parquet en bois à motifs géométriques, une peinture murale représentant les populations des colonies françaises et une disposition équilibrée des portes verticales et des balcons horizontaux.
Palais du cinéma
Les exemples les plus remarquables de l'architecture Art déco se trouvent fréquemment dans les cinémas construits dans les années 1920 et 1930. Cette époque a coïncidé avec la transition des films muets vers les films parlants, incitant les sociétés cinématographiques à ériger de grandes salles de cinéma dans les grands centres urbains pour accueillir un public en plein essor. Les palais de cinéma des années 1920 intégraient souvent des thèmes exotiques à l'esthétique Art déco ; par exemple, le Théâtre égyptien de Grauman à Hollywood (1922) s'est inspiré de l'architecture funéraire égyptienne ancienne, tandis que le Théâtre Fox de Bakersfield, en Californie, a intégré une tour de style mission californienne à un auditorium Art déco. Le plus grand d'entre eux est le Radio City Music Hall de New York, qui a commencé ses activités en 1932. Initialement conçu comme un espace de représentation théâtrale, il s'est rapidement transformé en un cinéma pouvant accueillir 6 015 spectateurs. Son design intérieur, réalisé par Donald Deskey, utilisait du verre, de l'aluminium, du chrome et du cuir pour créer une expérience visuelle immersive. Le Paramount Theatre d'Oakland, en Californie, conçu par Timothy Pflueger, présentait une façade en céramique vibrante, un hall de quatre étages et des fumoirs Art déco distincts pour hommes et femmes. Des palais opulents comparables ont émergé à travers l’Europe. Le Grand Rex de Paris (1932), caractérisé par sa tour imposante, devient le plus grand cinéma d'Europe après le Gaumont-Palace de 6 000 places (1931-1973). Le cinéma Gaumont State de Londres (1937) se vantait d'une tour inspirée de l'Empire State Building, revêtue de carreaux de céramique crème et d'un intérieur mêlant l'Art déco aux styles de la Renaissance italienne. Le Paramount Theatre de Shanghai, en Chine (1933), initialement conçu comme une salle de danse nommée La porte des 100 plaisirs, a été reconverti en cinéma après la révolution communiste de 1949 et fonctionne actuellement comme salle de bal et discothèque. Dans les années 1930, des architectes italiens ont construit un petit palais de cinéma, le Cinema Impero, à Asmara, dans l'actuelle Érythrée. Alors que bon nombre de ces cinémas historiques ont depuis été subdivisés en multiplexes, d'autres ont été restaurés et servent désormais de pôles culturels au sein de leurs communautés.
Éléments décoratifs et motifs thématiques
L'ornementation Art Déco a évolué à travers plusieurs phases distinctes. De 1910 à 1920, parallèlement au déclin de l'Art nouveau, l'esthétique du design revient aux formes traditionnelles, notamment illustrées dans les créations de Paul Iribe. En 1912, André Vera publie un essai dans la revue L'Art Décoratif prônant un retour à l'artisanat et aux matériaux des siècles précédents, couplé à un répertoire inédit de formes naturelles, notamment des paniers et des guirlandes de fruits et de fleurs. Parallèlement, une autre tendance Art déco de la même décennie s'inspire des palettes vibrantes du mouvement artistique fauviste et des costumes et décors élaborés des Ballets Russes. Ce style se manifeste fréquemment à travers des matériaux exotiques tels que la peau de requin, la nacre, l'ivoire, le cuir teinté, le bois laqué et peint et des incrustations décoratives sur les meubles qui accentuent ses qualités géométriques. Cette période stylistique particulière culmine avec l’Exposition des Arts Décoratifs de Paris en 1925. À la fin des années 1920 et tout au long des années 1930, le style décoratif se transforme, influencé par les nouveaux matériaux et les progrès technologiques. Il est devenu plus élégant et moins orné. Les meubles, reflétant les tendances architecturales, ont commencé à présenter des bords arrondis et à adopter une apparence polie et épurée, dérivée du style Streamline Moderne. De nouveaux matériaux, notamment l'acier nickelé ou chromé, l'aluminium et la bakélite (un des premiers plastiques synthétiques), sont devenus répandus dans les meubles et les applications décoratives.
Tout au long de l'ère Art déco, et en particulier dans les années 1930, les motifs décoratifs traduisaient fréquemment la fonction prévue du bâtiment. Les théâtres étaient ornés de sculptures illustrant la musique, la danse et l'excitation ; les compagnies d’électricité affichaient des levers de soleil ; le Chrysler Building présentait des ornements de capot stylisés. Par exemple, les frises du Palais de la Porte Dorée lors de l'Exposition coloniale de Paris de 1931 représentaient les diverses nationalités habitant les colonies françaises. Le style Streamline donnait l’impression que le bâtiment lui-même était en mouvement. De même, les peintures murales de la Works Progress Administration (WPA) des années 1930 représentaient souvent des individus ordinaires, tels que des ouvriers d'usine, des postiers, des familles et des agriculteurs, comme des protagonistes, s'écartant des héros classiques traditionnels.
L'Art Déco, à l'image de l'époque complexe dont il a émergé, se caractérise mieux par une série de contradictions inhérentes, telles que l'interaction entre minimalisme et maximalisme, angulaire et fluidité, formes en ziggourat et dessins épurés, et symétrie et irrégularité. L’iconographie choisie par les artistes Art Déco pour représenter cette période était également pleine de paradoxes. Par exemple, des jeunes filles blondes en tenue du XVIIIe siècle cohabitent avec des femmes chics et sophistiquées et des gisants nus, tandis que des éclairs illuminent des boutons de roses stylisés.
Meubles
Les meubles français produits entre 1910 et le début des années 1920 constituaient principalement une évolution des styles de meubles français traditionnels, incorporant des éléments des créations Art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet et d'autres fabricants. Les fabricants de meubles français percevaient une menace liée à l'importance croissante des fabricants allemands et de leurs styles, en particulier le style Biedermeier, réputé pour sa simplicité et ses lignes épurées. En réponse, Frantz Jourdain, designer français et président du Salon d'Automne de Paris, a invité les designers de Munich à participer au Salon de 1910. Les designers français, observant l'esthétique allemande émergente, ont décidé de relever ce défi. Ils décidèrent donc de présenter les nouveaux styles français au Salon de 1912, dont le règlement prévoyait l'exposition exclusive des créations modernes. Tous les grands créateurs de meubles français, dont Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare et Louis Suë, ont participé, présentant des pièces innovantes réinterprétant les styles français traditionnels, comme ceux de Louis XVI et Louis Philippe. Ces nouvelles créations incorporaient des formes angulaires influencées par le cubisme et des teintes vibrantes dérivées du fauvisme et du mouvement Nabis.
Le peintre André Mare et le designer de meubles Louis Süe ont tous deux participé au Salon de 1912. Après la guerre, les deux hommes ont collaboré pour créer leur propre compagnie, officiellement désignée Compagnie des Arts Française, bien que communément appelée Suë et Mare. Contrairement à d'éminents designers Art Nouveau tels que Louis Majorelle, qui fabriquaient individuellement chaque article, Mare et Süe ont réuni une équipe d'artisans qualifiés pour produire des aménagements intérieurs complets, comprenant des meubles, de la verrerie, des tapis, de la céramique, du papier peint et de l'éclairage. Leurs créations se caractérisaient par des couleurs vibrantes et l'utilisation de bois exquis, comme l'ébène incrusté de nacre, d'ormeau et de métal argenté pour former des motifs floraux. Leur portefeuille de designs s'étendait des intérieurs des paquebots aux flacons de parfum de la marque Jean Patou. Même si l'entreprise prospéra au début des années 1920, ses fondateurs se révélèrent plus habiles en tant qu'artisans qu'en tant qu'entrepreneurs. Par conséquent, l'entreprise est cédée en 1928, entraînant le départ des deux hommes.
Émile-Jacques Ruhlmann, designer alsacien, s'impose comme le créateur de meubles le plus en vue à l'Exposition des Arts Décoratifs de 1925. Il présente d'abord ses créations au Salon d'automne de 1913, puis établit son pavillon dédié, « La Maison du riche collectionneur », à l'Exposition de 1925. Ruhlmann employait exclusivement les matériaux les plus rares et les plus coûteux, comme l'ébène, l'acajou, le palissandre, l'ambon et d'autres bois exotiques. Ceux-ci étaient souvent ornés d'incrustations d'ivoire, d'écaille de tortue et de nacre, tandis que de petits pompons en soie embellissaient les poignées des tiroirs des armoires. Ses créations de meubles s'inspirent de modèles du XVIIIe siècle, qu'il simplifie et reconfigure ensuite. Une des caractéristiques de son savoir-faire était la dissimulation complète de la structure interne du meuble. Généralement, la charpente en chêne était entièrement enveloppée par une première superposition de fines lattes de bois, suivie d'une seconde couche de bois rares et coûteux. Cette stratification complexe a ensuite été plaquée et polie, créant l'illusion que la pièce avait été sculptée à partir d'un seul bloc de bois solide. Le bois sombre contrastait souvent avec les incrustations, les plaques à clés et les poignées en ivoire. Ruhlmann postulait que les fauteuils nécessitaient des conceptions distinctes adaptées aux fonctions spécifiques des pièces qu'ils occupaient : les fauteuils de salon étaient conçus pour l'hospitalité, les chaises de bureau pour le confort et les chaises de salon pour l'opulence. La production de chaque modèle de meuble était limitée à un petit nombre de pièces, le coût moyen d'un de ses lits ou armoires dépassant celui d'une maison typique.
Jules Leleu, initialement designer de meubles traditionnels, s'est progressivement tourné vers le mouvement Art déco dans les années 1920. Ses commandes notables comprenaient le mobilier de la salle à manger du palais de l'Élysée et les cabines de première classe du bateau à vapeur Normandie. Le style distinctif de Leleu incorporait l'ébène, le bois de macassar et le noyer, souvent agrémenté de plaques d'ivoire et de nacre. Il fut le pionnier du mobilier Art Déco laqué à la fin des années 1920 et, à la fin des années 1930, introduisit des modèles en métal avec des panneaux de verre fumé. Parallèlement, en Italie, Gio Ponti est reconnu pour l'esthétique épurée de ses meubles.
Les meubles opulents et exotiques produits par des designers comme Ruhlmann et d'autres traditionalistes ont provoqué une colère considérable parmi les modernistes, notamment l'architecte Le Corbusier. Ce mécontentement a conduit Le Corbusier à rédiger une importante série d'articles critiquant avec véhémence le style des arts décoratifs. Il a condamné les meubles exclusivement accessibles aux riches, préconisant plutôt que les designers fabriquent des pièces à partir de matériaux économiques dans un style contemporain, les rendant ainsi abordables pour le grand public. Le Corbusier a ensuite développé ses propres modèles de chaises, spécialement conçus pour être rentables et produire en série.
Au cours des années 1930, les modèles de meubles ont évolué pour présenter des surfaces plus lisses et des formes curvilignes. Parmi les praticiens éminents de ce style Art déco ultérieur se trouvait Donald Deskey, un designer très influent responsable de l'intérieur du Radio City Music Hall. Deskey a combiné de manière innovante des matériaux traditionnels et contemporains, tels que l'aluminium, le chrome et la bakélite, un des premiers plastiques. D'autres créateurs de meubles Art déco américains importants des années 1930 comprenaient Gilbert Rohde, Warren McArthur et Kem Weber.
Le style Waterfall, caractérisé par son esthétique distinctive, a acquis une grande popularité tout au long des années 1930 et 1940, devenant ainsi la forme de mobilier Art déco prédominante de cette époque. Ces pièces étaient généralement constituées de contreplaqué fini avec un placage blond et présentaient des bords arrondis, évoquant l'impression visuelle d'une cascade en cascade.
Conception
Streamline, une variante distincte de l'Art déco, a émergé au milieu des années 1930, s'inspirant des principes aérodynamiques contemporains développés pour l'aviation et la balistique afin d'atténuer la traînée à grande vitesse. Les concepteurs ont appliqué ces formes de balle caractéristiques à une large gamme d'objets, notamment des automobiles, des trains et des navires, ainsi qu'à des objets fixes tels que des réfrigérateurs, des pompes à essence et des structures architecturales. La Chrysler Airflow de 1933 représentait l'un des premiers véhicules de production à incarner ce style. Malgré sa sous-performance commerciale, l'attrait esthétique et la conception fonctionnelle de l'Airflow ont établi un précédent important en matière de modernité, influençant la conception automobile jusqu'après la Seconde Guerre mondiale.
L'avènement de nouveaux matériaux industriels a eu un impact significatif sur la conception des automobiles et des articles ménagers. Ces matériaux comprenaient l'aluminium, le chrome et la bakélite, un des premiers plastiques synthétiques. La malléabilité inhérente de la bakélite a facilité son adoption rapide sous diverses formes, conduisant à son utilisation généralisée dans les téléphones, les radios et autres appareils électroménagers.
Les paquebots ont également adopté une esthétique Art déco, désignée en français sous le nom de Style Paquebot, ou "Ocean Liner Style". Le SS Normandie, qui a entamé son premier voyage transatlantique en 1935, est l'illustration la plus célèbre de ce style. Sa conception visait spécifiquement à transporter les Américains aisés à Paris pour faire du shopping. Les cabines et les salons du navire présentaient le mobilier et l'ornementation Art déco les plus contemporains. Notamment, le Grand Salon du navire, servant de restaurant de première classe, dépassait les dimensions de la galerie des Glaces du château de Versailles. L'éclairage était assuré par des lumières électriques intégrées dans douze piliers en cristal Lalique, complétés par trente-six piliers correspondants tapissant les murs, représentant un des premiers exemples d'éclairage directement intégré à la conception architecturale. Ce style de navire distinctif a ensuite été adapté à l'architecture terrestre. Un exemple frappant est le bâtiment du musée maritime de San Francisco, construit à l'origine comme bain public en 1937, qui évoque un ferry à travers ses balustrades de navire et ses coins arrondis. Le terminal Star Ferry de Hong Kong a également incorporé une variante de cette approche architecturale.
Textiles
Les textiles constituaient une composante importante de l'esthétique Art déco, se manifestant par des papiers peints, des tissus d'ameublement et des tapis vibrants. Au cours des années 1920, les créateurs s'inspirent de diverses sources, notamment des décors des Ballets Russes, des dessins de tissus et des costumes de Léon Bakst et des créations innovantes de la Wiener Werkstätte. Les premiers aménagements intérieurs d'André Mare mettaient en évidence des guirlandes de roses et de fleurs aux couleurs vives et très stylisées, ornant les murs, les sols et les meubles. Des motifs floraux stylisés caractérisent également les œuvres de Raoul Dufy et Paul Poiret, ainsi que les créations de meubles de J.E. Ruhlmann. On attribue à Paul Poiret la réinterprétation du tapis floral dans le langage distinctif de l'Art déco.
L'adoption du style Art Déco a été considérablement avancée grâce à la mise en œuvre de la technique d'impression au pochoir pochoir, qui a permis aux designers d'obtenir des lignes précises et des couleurs vibrantes. L'esthétique Art déco a été intégrée aux vêtements créés par des designers tels que Paul Poiret, Charles Worth et Jean Patou. Après la Première Guerre mondiale, l'exportation de textiles et de vêtements est devenue la principale source de devises pour la France.
Les manifestations ultérieures de l'Art déco dans les papiers peints et les textiles incorporaient fréquemment des représentations stylisées de paysages industriels, de panoramas urbains, de locomotives et d'autres motifs contemporains. Ces créations comprenaient également souvent des figures féminines stylisées, des accents métalliques et des motifs géométriques complexes.
Mode
La mode a connu une profonde transformation à cette époque, largement influencée par les créateurs Paul Poiret puis Coco Chanel. Poiret a été le pionnier du concept de drapé, marquant une rupture significative avec les méthodes traditionnelles de couture et de création de patrons. Ses créations présentaient des vêtements coupés avec des lignes droites et composés d'éléments rectangulaires, mettant l'accent sur la simplicité structurelle. Les silhouettes corsetées restrictives et les styles formels qui prévalaient dans la période précédente ont été abandonnés, conduisant à une mode plus pratique et épurée. Ce changement a été encore facilité par l’incorporation de nouveaux matériaux, de teintes plus vives et de motifs imprimés innovants. Coco Chanel a encore propulsé cette évolution, popularisant un style caractérisé par une élégance sportive et décontractée.
Un archétype distinctif de cette période était la Flapper, caractérisée par ses cheveux courts et coupés au carré, sa consommation de cocktails, son tabagisme en public et ses danses nocturnes dans les clubs à la mode, les cabarets ou les lieux bohèmes. Cependant, cette représentation représentait largement une figure de l’imaginaire populaire plutôt que la réalité vécue par la majorité des femmes. Une autre esthétique féminine importante de l'Art Déco était la garçonne androgyne des années 1920, qui présentait un buste aplati, une taille indéfinie et des jambes exposées, réduisant ainsi la silhouette à une forme courte et tubulaire, souvent complétée par un chapeau cloche bien ajusté.
Bijoux
Au cours des années 1920 et 1930, d'éminents créateurs comme René Lalique et Cartier ont cherché à diminuer la suprématie conventionnelle des diamants en incorporant une gamme plus large de pierres précieuses vibrantes, notamment des émeraudes, des rubis et des saphirs plus petits. Parallèlement, ils ont donné la priorité à des décors très complexes et raffinés, utilisant souvent des matériaux plus accessibles tels que l'émail, le verre, la corne et l'ivoire. Les diamants eux-mêmes étaient façonnés dans des formes non conventionnelles ; l'Exposition de 1925 présentait notamment de nombreux diamants taillés en tiges miniatures ou en allumettes. Autres tailles de diamants Art Déco populaires incluses :
- la taille émeraude, qui se distingue par ses facettes allongées taillées en gradins ;
- la taille Asscher, qui est de forme plus carrée que la taille émeraude, avec une couronne haute et remarquable comme première taille de diamant brevetée ;
- la coupe marquise, conçue pour créer une impression de taille et de proéminence accrue ;
- la taille baguette, caractérisée par de petites formes rectangulaires taillées en gradins, fréquemment utilisées pour mettre en valeur les pierres centrales plus grandes ;
- l'ancienne taille européenne, une forme ronde facettée à la main conçue pour émettre des éclairs de couleur, connus sous le nom de « feu », depuis l'intérieur de la pierre précieuse.
Les sertissages des diamants ont également évolué de manière significative ; les bijoutiers préféraient de plus en plus le platine à l'or en raison de sa résistance et de sa flexibilité supérieures, ce qui facilitait le sertissage des grappes de pierres. De plus, l'incorporation de matériaux plus sombres, tels que les émaux et l'onyx noir, est devenue courante, offrant un contraste plus marqué avec l'éclat des diamants.
Les créations de bijoux sont devenues nettement plus dynamiques et diversifiées sur le plan stylistique. Des entreprises telles que Cartier et Boucheron ont intégré des diamants à une gamme de pierres précieuses colorées, méticuleusement taillées en formes ressemblant à des feuilles, des fruits ou des fleurs, pour créer des broches, des bagues, des boucles d'oreilles, des clips et des pendentifs. Parallèlement, les motifs d'Extrême-Orient gagnèrent en popularité ; les plaques de jade et de corail étaient associées au platine et aux diamants, tandis que les vanity cases, les étuis à cigarettes et les poudrières étaient ornés de scènes de paysages japonais et chinois réalisées en nacre, en émail et en laque.
L'évolution rapide des styles vestimentaires a directement influencé l'émergence de nouveaux modèles de bijoux. La prédominance des robes sans manches dans les années 1920 a nécessité l’ornementation des bras, ce qui a incité les créateurs à produire rapidement des bracelets en or, argent et platine, souvent incrustés de lapis-lazuli, d’onyx, de corail et d’autres pierres colorées. Certains bracelets étaient spécialement conçus pour le haut du bras et il était courant que plusieurs bracelets soient portés simultanément. Les coiffures au carré adoptées par les femmes dans les années 1920 ont stimulé la création de modèles de boucles d'oreilles Art déco complexes. Avec la visibilité publique croissante des femmes qui fument, les designers ont développé des étuis à cigarettes et des fume-cigarettes en ivoire très ornés. L'invention de la montre-bracelet avant la Première Guerre mondiale a inspiré les bijoutiers à fabriquer des montres exceptionnellement décorées, souvent incrustées de diamants et plaquées d'émail, d'or et d'argent. De plus, les montres pendentifs, suspendues à des rubans, ont également gagné en popularité.
À cette époque, d'éminents établissements de joaillerie parisiens tels que Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin et Van Cleef & Arpels produisait tous des bijoux et des objets de décoration reflétant l’esthétique émergente de l’Art Déco. Chaumet, par exemple, fabriquait des boîtes à cigarettes, des briquets, des piluliers et des carnets très géométriques à partir de pierres dures, ornés de jade, de lapis-lazuli, de diamants et de saphirs. De nombreux designers émergents ont ensuite rejoint ce mouvement, chacun apportant des interprétations distinctes du style déco. Raymond Templier a créé des pièces présentant des motifs géométriques complexes, illustrés par des boucles d'oreilles en argent ressemblant à des gratte-ciel. Gérard Sandoz, qui a débuté sa carrière de créateur de bijoux en 1921, à l'âge de 18 ans, a réalisé de nombreuses œuvres acclamées caractérisées par l'apparence élégante et polie des machines contemporaines. René Lalique, créateur verrier de renom, s'est également aventuré dans ce domaine en confectionnant des pendentifs représentant des fruits, des fleurs, des grenouilles, des fées ou des sirènes dans du verre sculpté aux couleurs vives, suspendus à des cordons de soie ornés de pompons. Le joaillier Paul Brandt a utilisé des motifs rectangulaires et triangulaires contrastés, incrustant des perles dans des arrangements linéaires sur des plaques d'onyx. Jean Despres a réalisé des contrastes de couleurs saisissants dans ses colliers en combinant des matières telles que l'argent avec de la laque noire ou l'or avec du lapis-lazuli. Beaucoup de ses créations évoquaient les surfaces hautement polies des composants industriels. Jean Dunand s'est également inspiré des machines modernes, intégrant des rouges et des noirs vibrants contrastant avec le métal poli. Suzanne Belperron a introduit des conceptions sculpturales, utilisant des matériaux comme le cristal de roche et des pierres semi-précieuses, soulignant ainsi l'adoption d'éléments non conventionnels par l'époque. Jean Fouquet, influencé par le cubisme, a incorporé des matériaux tels que l'ébène et l'acier chromé, insufflant aux bijoux Art déco une sensibilité moderniste distincte. Parmi les autres contributeurs notables au mouvement Art déco figurent Boucheron, Lacloche et l'orfèvre danois Georg Jensen, reconnu pour son expertise avec l'argent et les pierres précieuses plus accessibles. Des sociétés de joaillerie américaines, dont Tiffany & Co., Noir, Starr & ; Frost, et Marcus & Co., a également apporté des contributions substantielles, produisant des horloges, des objets d'art et divers bijoux.
Art du verre
Semblable à l'ère Art Nouveau précédente, la période Art Déco représentait une époque distinguée pour le verre exquis et d'autres objets décoratifs méticuleusement conçus pour compléter leurs environnements architecturaux. René Lalique s'impose comme le créateur d'objets en verre le plus célèbre, avec ses œuvres diverses, allant des vases aux ornements de capot d'automobile, devenant emblématiques de l'époque. Avant la Première Guerre mondiale, Lalique avait mené des expériences avec le verre, concevant notamment des flacons pour les parfums de François Coty ; cependant, sa production importante de verre d'art ne commença qu'après la guerre. En 1918, à 58 ans, il acquiert une importante verrerie à Combs-la-Ville, se lançant par la suite dans la fabrication d'objets en verre artistiques et utilitaires. Il a abordé le verre comme un matériau sculptural, produisant des statuettes, des vases, des bols, des lampes et divers ornements. Lalique a utilisé du demi-cristal au lieu du cristal au plomb, privilégiant ses propriétés plus douces et plus malléables, malgré son moindre éclat. S'il emploie occasionnellement du verre coloré, il opte plus fréquemment pour du verre opalescent, où une partie ou la totalité de la surface extérieure est traitée par un lavis. Les contributions de Lalique se sont étendues à la fourniture de panneaux de verre décoratifs, de luminaires et de plafonds de verre éclairés pour les paquebots SS Île de France en 1927 et le SS Normandie en 1935, ainsi que pour certaines voitures-lits de première classe des chemins de fer français. À l'Exposition des Arts Décoratifs de 1925, il présenta son propre pavillon, conçut une salle à manger dotée d'une table et d'un plafond de verre assorti au pavillon de Sèvres, et imagina une fontaine en verre pour la cour du cours des Métiers : une fine colonne de verre qui émettait de l'eau par ses côtés et était éclairée la nuit tombée.
Parmi d'autres producteurs de verre Art déco de premier plan se trouvait Marius-Ernest Sabino, dont l'expertise résidait dans la création de figurines, de vases, bols et sculptures en verre représentant des poissons, des nus et des animaux. Il utilisait fréquemment du verre opalescent pour ces créations, un matériau capable de changer de couleur du blanc au bleu en passant par l'ambre, en fonction des conditions d'éclairage ambiant. Ses vases et bols étaient caractérisés par des frises moulées représentant des animaux, des nus ou des bustes de femmes ornés de fruits ou de fleurs. La production artistique de Sabino était généralement moins discrète mais plus vibrante que celle de Lalique.
Parmi d'autres créateurs de verre Art déco de premier plan, citons Edmond Etling, reconnu pour ses teintes opalescentes vibrantes, incorporant souvent des motifs géométriques et des nus sculptés. Albert Simonet, Aristide Colotte et Maurice Marinot étaient également remarquables, Marinot étant particulièrement acclamé pour ses bouteilles et vases sculpturaux profondément gravés. La maison Daum de Nancy, autrefois réputée pour ses verreries Art Nouveau, crée ensuite une gamme de vases et de sculptures en verre Art Déco caractérisées par leurs formes solides, géométriques et substantielles. En revanche, des pièces multicolores plus complexes ont été réalisées par Gabriel Argy-Rousseau, qui a conçu des vases aux nuances subtiles ornées de papillons et de nymphes sculptés, et par François Decorchemont, dont les vases présentaient des motifs striés et marbrés distinctifs.
La Grande Dépression a considérablement affecté l'industrie du verre décoratif, qui dépendait fortement d'une clientèle aisée. Par conséquent, certains artistes réorientent leurs efforts vers la création de vitraux pour des commandes ecclésiastiques. En 1937, la société de verre Steuben a lancé un programme consistant à confier à des artistes renommés la conception de verrerie. Notamment, Louis Majorelle, célèbre pour ses meubles Art Nouveau, a conçu un vitrail Art Déco exceptionnel représentant des métallurgistes pour les bureaux des Aciéries de Longwy, une aciérie située à Longwy, en France.
Un exemple rare de vitraux Art Déco se trouve dans la chapelle du Sacré-Cœur de la cathédrale d'Amiens, fabriqué entre 1932 et 1934 par l'artiste verrier parisien Jean Gaudin, d'après les dessins de Jacques Le Breton.
Artistique du métal
Les praticiens de l'Art déco ont créé une gamme diversifiée d'objets fonctionnels, en utilisant des matériaux industriels allant du fer forgé traditionnel à l'acier chromé. L'artiste américain Norman Bel Geddes, par exemple, a conçu un service à cocktail inspiré des gratte-ciel et fabriqué en acier chromé. Raymond Subes a conçu une élégante grille métallique pour l'entrée du Palais de la Porte Dorée, qui a servi d'élément central de l'Exposition coloniale de Paris de 1931. Le sculpteur français Jean Dunand a également contribué de manière significative, en produisant de magnifiques portes sur le thème « La Chasse », ornées de feuilles d'or et de peinture sur plâtre en 1935.
Représentations dans la fiction
L'esthétique Art déco et les motifs visuels ont été incorporés dans de nombreux films d'animation, notamment Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia et Sleeping Beauty. De plus, le style architectural est mis en évidence dans la métropole sous-marine fictive de Rapture dans la franchise de jeux vidéo BioShock.
Les éléments visuels Art déco ont servi d'inspiration architecturale à Iacon City dans le film d'animation de science-fiction Transformers One.
Architecture Art Déco mondiale
Bien que l'architecture Art déco soit née en Europe, dès 1939, ses exemples pouvaient être trouvés dans les grandes villes de tous les continents et dans presque tous les pays. Ce qui suit présente une sélection de structures notables de chaque continent.
Afrique
Afrique
La majorité des structures Art déco en Afrique ont été construites pendant la période de l'administration coloniale européenne, souvent sous la direction d'architectes italiens, français et portugais.
Asie
Alors que de nombreux bâtiments Art déco en Asie ont été conçus par des architectes européens, des praticiens locaux tels que Juan Nakpil, Juan Arellano et Pablo Antonio étaient particulièrement importants aux Philippines. Bien que de nombreux monuments Art déco en Asie aient été démantelés lors de l'expansion économique significative de la fin du XXe siècle, plusieurs enclaves architecturales remarquables subsistent, notamment à Shanghai et Mumbai.
Créé à Mumbai en 1929, l'Institut indien des architectes a considérablement fait progresser le mouvement Art déco. En novembre 1937, l'institut organisa l'« Exposition de la maison idéale » à l'hôtel de ville de Mumbai, un événement qui dura 12 jours et attira environ 100 000 participants. Cette exposition a ensuite été saluée comme un triomphe par le « Journal of the Indian Institute of Architects ». Les expositions présentaient des configurations résidentielles optimales, ou plutôt contemporaines, mettant l'accent sur une conception méticuleuse pour éviter les défauts architecturaux et présentant des prototypes très efficaces et soigneusement conçus. L'exposition englobait divers composants domestiques, notamment des meubles, des éléments de décoration intérieure et des appareils électroménagers tels que des radios et des réfrigérateurs, tous incorporant des matériaux et des méthodologies nouveaux et scientifiquement pertinents. Poussés par l’aspiration à refléter les tendances occidentales, les architectes indiens ont été captivés par la modernité industrielle inhérente à l’Art Déco. Les élites occidentales ont d'abord exploré les aspects technologiquement sophistiqués de l'Art déco, incitant les architectes à initier son intégration au début des années 1930.
Au cours des années 1930, le commerce portuaire en plein essor de Mumbai a favorisé l'expansion d'une classe moyenne instruite. Parallèlement, un afflux de personnes ont migré vers Mumbai à la recherche d'un emploi, intensifiant la demande de nouvelles infrastructures. Cela a nécessité un développement urbain étendu, y compris des programmes de remise en état des terres et la construction de nombreux édifices publics et résidentiels. Simultanément, l'évolution du paysage politique au sein du pays et la nature ambitieuse de l'esthétique Art Déco ont facilité l'adoption généralisée de ce style architectural dans l'expansion urbaine de la ville. Une concentration importante de structures de cette époque est répartie dans divers quartiers de la ville, notamment Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra et Chembur.
Australie et Nouvelle-Zélande
En Australie, Melbourne et Sydney abritent plusieurs structures Art déco de premier plan. Des exemples notables à Melbourne incluent le Manchester Unity Building et l'ancien quartier général de la police de Russell Street. Le Castlemaine Art Museum à Castlemaine, dans le centre de Victoria, représente également ce style. Les principaux édifices Art déco de Sydney comprennent le Grace Building, la tour AWA et l'Anzac Memorial.
À la suite du tremblement de terre de Hawke's Bay en 1931, plusieurs villes néo-zélandaises, notamment Napier et Hastings, ont subi une reconstruction dans le style Art déco. Beaucoup de ces bâtiments ont depuis été protégés et restaurés. Napier a été proposé pour la désignation de site du patrimoine mondial de l'UNESCO, ce qui en fait la première nomination de site culturel de la Nouvelle-Zélande. Wellington conserve également une importante collection d'architecture Art déco.
Amérique du Nord
Au Canada, les structures Art déco existantes sont principalement situées dans les grands centres urbains. Ceux-ci vont des édifices civiques, tels que l'hôtel de ville de Vancouver, aux propriétés commerciales comme College Park, en passant par les infrastructures de services publics, illustrées par l'usine de traitement des eaux R. C. Harris.
La manifestation Art déco la plus frappante du Mexique est l'intérieur du Palacio de Bellas Artes (Palais des Beaux-Arts), achevé en 1934 et qui se distingue par son décor complexe et ses peintures murales. L'architecture résidentielle Art déco est évidente dans le quartier de Condesa, avec de nombreuses conceptions attribuées à Francisco J. Serrano.
Partout aux États-Unis, l'architecture Art déco est répandue dans les grandes villes d'un océan à l'autre. Son application était plus courante dans les structures commerciales telles que les immeubles de bureaux, les gares, les terminaux d'aéroport et les cinémas, tandis que les exemples résidentiels restent rares. Au cours des années 1920 et 1930, les architectes du sud-ouest des États-Unis, en particulier du Nouveau-Mexique, ont intégré des éléments du renouveau Pueblo et du style territorial à l'Art déco pour forger le « Pueblo Deco », illustré par le théâtre KiMo d'Albuquerque. Les années 1930 ont vu l’essor du style Streamline Moderne, plus minimaliste. Bien que de nombreux bâtiments aient été rasés entre 1945 et la fin des années 1960, des initiatives de préservation ultérieures ont été lancées pour sauvegarder les meilleurs exemples. La ville de Miami Beach, par exemple, a créé le quartier architectural de Miami Beach pour conserver sa remarquable collection d'édifices Art déco.
Amérique centrale et Caraïbes
Les structures Art déco sont réparties dans toute l'Amérique centrale, y compris à Cuba.
Europe
Le style architectural Art déco est originaire de Paris, illustré par le Théâtre des Champs-Élysées d'Auguste Perret (1910-1913). Par la suite, il s’est rapidement répandu à travers l’Europe, avec des exemples apparaissant dans les grands centres urbains allant de Londres à Moscou. Au cours des années 1920 et 1930, l'Allemagne a été témoin de la prolifération de deux variantes Art déco distinctes : le style Neue Sachlichkeit et l'architecture expressionniste. Parmi les exemples marquants figurent le Mossehaus et la Schaubühne d'Erich Mendelsohn à Berlin, le Chilehaus de Fritz Höger à Hambourg et son Kirche am Hohenzollernplatz à Berlin, aux côtés de la tour Anzeiger à Hanovre et de la tour Borsig à Berlin.
La basilique nationale du Sacré-Cœur de Koekelberg, à Bruxelles, est l'un des édifices Art déco les plus importants d'Europe occidentale. En 1925, l'architecte Albert van Huffel a reçu le Grand Prix d'architecture pour sa maquette de basilique à l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de Paris.
L'Espagne et le Portugal présentent des exemples remarquables d'architecture Art déco, particulièrement évidents dans leurs salles de cinéma. Au Portugal, les exemples marquants incluent le Théâtre Capitólio (1931) et le Ciné-Théâtre Éden (1937) à Lisbonne, le Théâtre Rivoli (1937) et le Coliseu (1941) à Porto, et le Théâtre Rosa Damasceno (1937) à Santarém. Les contributions de l'Espagne incluent le Cine Rialto à Valence (1939).
Tout au long des années 1930, l'Art déco a influencé de manière significative la conception des bâtiments résidentiels et publics à travers le Royaume-Uni. Les caractéristiques de cette époque comprenaient des façades de maisons rectilignes et enduites de blanc, culminant par des toits plats, des encadrements de portes distinctement géométriques, des fenêtres allongées et des fenêtres d'angle métalliques incurvées de manière convexe.
Le métro de Londres est réputé pour ses nombreux exemples architecturaux Art déco. De plus, plusieurs structures de ce style sont situées le long du Golden Mile de Brentford. Dans l'ouest de Londres, le Hoover Building, initialement construit pour The Hoover Company, a été transformé en supermarché au début des années 1990.
Bucarest, historiquement appelée le « Petit Paris » du XIXe siècle, a subi une réorientation conceptuelle importante après la Première Guerre mondiale, en s'inspirant de la ville de New York. Les années 1930 ont marqué le début d’une nouvelle esthétique culturelle, influençant le cinéma, le théâtre, la danse, l’art et l’architecture. Au cours de cette décennie, Bucarest a connu une prolifération de l'architecture Art Déco, évidente depuis les artères importantes telles que le Bulevardul Magheru jusqu'aux résidences privées et aux petits quartiers. Le Palais du Téléphone, un des premiers monuments de la Bucarest moderne, représentait le premier gratte-ciel de la ville. Mesurant 52,5 mètres (172 pieds), elle est restée la plus haute structure de la ville de 1933 aux années 1950. Sa conception a été attribuée aux architectes Louis Weeks et Edmond van Saanen Algi, avec Walter Troy comme ingénieur. Ces monuments Art déco font partie intégrante de l'identité de Bucarest, signifiant une période charnière de l'entre-deux-guerres (Première et Seconde Guerre mondiale) dans son développement historique. Cependant, la majorité de ces structures de cette époque sont sensibles aux événements sismiques, étant donné la situation de Bucarest dans une zone sismique.
L'Art déco en Amérique du Sud
La présence de l'Art déco en Amérique du Sud est particulièrement prononcée dans les pays qui ont connu une immigration importante au cours de la première moitié du XXe siècle, avec d'importantes contributions architecturales trouvées dans des villes riches telles que São Paulo et Rio de Janeiro au Brésil, Buenos Aires en Argentine et Montevideo en Uruguay. Le bâtiment Kavanagh à Buenos Aires (1934), conçu par Sánchez, Lagos et de la Torre, illustre le style Art déco tardif et a été reconnu comme la plus haute structure en béton armé une fois achevée.
Efforts de préservation et développements néo-Art déco
Dans de nombreux centres urbains, des initiatives ont été lancées pour sauvegarder les structures Art déco existantes. Aux États-Unis, de nombreux cinémas Art déco historiques ont été préservés et reconvertis en centres culturels. En outre, des édifices Art déco plus modestes ont été conservés en tant qu'éléments de l'héritage architectural américain ; par exemple, un café Art déco et une station-service le long de la route 66 à Shamrock, au Texas, ont le statut de monument historique. Le quartier architectural de Miami Beach protège activement des centaines de bâtiments historiques et exige que les nouvelles constructions adhèrent à l'esthétique Art déco. À l’inverse, à La Havane, à Cuba, un nombre important de bâtiments Art déco ont subi une forte détérioration. Des efforts de restauration sont actuellement en cours pour remettre ces structures dans leur état d'origine.
Au cours du XXIe siècle, des itérations contemporaines de l'Art déco, désignées sous le nom de Néo Art Déco (ou néo-Art Déco), ont émergé dans divers centres urbains américains, s'inspirant des structures Art Déco par excellence des années 1920 et 1930. Des exemples notables incluent la NBC Tower à Chicago, qui fait référence au 30 Rockefeller Plaza à New York ; le Smith Center for the Performing Arts à Las Vegas, Nevada, incorporant des motifs Art déco rappelant le barrage Hoover ; 99 Hudson à Jersey City, New Jersey, reconnu comme le plus haut édifice de l'État et le 46e plus haut des États-Unis, se distinguant par ses détails linéaires en pierre calcaire et en verre d'influence Art déco ; et la Brooklyn Tower à Brooklyn, New York, le plus haut bâtiment de l'arrondissement et le 19e plus haut au niveau national, caractérisé par son verre noir et ses canalisations en bronze.
Références
Références
Bibliographie
Fiell, Charlotte ; Fiell, Peter (2005). Design du 20e siècle (éd. 25e anniversaire). Cologne : Taschen. pp. 48-53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
- Fiell, Charlotte ; Fiell, Peter (2005). Design du 20e siècle (éd. 25e anniversaire). Cologne : Taschen. pp. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
- Art Déco Miami Beach
- Art Déco Montréal
- aménagement intérieur du salon
- Art déco de Shanghai
- Société Art Déco de New York
- Promenade Art Déco à Montréal