L'Arte Povera, un mouvement artistique dont le nom se traduit de l'italien par [ˈarte ˈpɔːvera] ou « art pauvre », a émergé en Italie à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Si Turin était une plaque tournante principale, le mouvement a également gagné du terrain à Milan, Rome, Gênes, Venise, Naples et Bologne. Cette désignation a été introduite en 1967 par le critique d'art italien Germano Celant, au milieu d'une période de troubles sociétaux considérables, incitant les artistes à adopter une posture radicale et à remettre en question les normes établies des institutions gouvernementales, industrielles et culturelles.
Arte Povera (italien : [ˈarteˈpɔːvera] ; littéralement « art pauvre ») était un mouvement artistique qui s'est développé de la fin des années 1960 au début des années 1970 dans les grandes villes d'Italie et surtout à Turin. Les autres villes où le mouvement fut également important sont Milan, Rome, Gênes, Venise, Naples et Bologne. Le terme a été inventé par le critique d’art italien Germano Celant en 1967 et introduit en Italie lors de la période de bouleversements de la fin des années 1960, lorsque les artistes adoptaient une position radicale. Les artistes ont commencé à attaquer les valeurs des institutions établies du gouvernement, de l'industrie et de la culture.
Les premières expositions présentant des artistes liés à l'Arte Povera ont eu lieu à la galerie Christian Stein de Turin, sous la direction de Margherita Stein. L'exposition phare "IM Spazio" (L'espace des pensées), organisée par Celant à la Galleria La Bertesca de Gênes de septembre à octobre 1967, est fréquemment reconnue comme la genèse officielle du mouvement. Celant, qui devint par la suite l'un des principaux défenseurs de l'Arte Povera, a organisé deux expositions en 1967 et 1968. Il a encore solidifié le cadre théorique du mouvement avec la publication du livre influent Arte Povera Storie e protagonisti/Arte Povera. Histoires et protagonistes d'Electa en 1985, qui défendait une pratique artistique révolutionnaire libérée des contraintes conventionnelles, des dynamiques de pouvoir structurelles et des pressions commerciales.
Malgré l'ambition de Celant de positionner l'Arte Povera dans un contexte artistique radical international plus large, le terme caractérisait principalement une cohorte d'artistes italiens. Ces artistes ont remis en question les idéologies corporatives à travers des œuvres utilisant des matériaux et des styles non conventionnels, incorporant fréquemment des objets trouvés. Parmi les personnalités intrinsèquement liées au mouvement figurent Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Enrico Castellani, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini et Gilberto Zorio. Les premiers innovateurs dans les arts visuels, considérés comme des artistes proto-Arte Povera, comprennent Antoni Tàpies et le mouvement Dau al Set, Alberto Burri, Piero Manzoni et Lucio Fontana avec le spatialisme. La marchande d'art Ileana Sonnabend était une ardente défenseure du mouvement.
Principales orientations thématiques et fondements conceptuels
- L'accent est mis sur les objets élémentaires et la communication simple.
- L'intégration du corps humain et des actions performatives en tant que médiums artistiques.
- Élévation des expériences quotidiennes à un contenu artistique significatif.
- Incorporation de vestiges naturels et industriels.
- Manifestation de dynamisme et de qualités énergétiques au sein des créations artistiques.
- Documentation des processus de transformation physiques et chimiques de la nature.
- Enquête sur les concepts de spatialité et d'expression linguistique.
- Désaccent mis sur la sémiotique complexe et symbolique.
- Un rejet radical des systèmes culturels et artistiques établis, posant l'art comme synonyme de la vie elle-même.
Médicaments artistiques et méthodologies
Les praticiens de l'Arte Povera ont largement utilisé un large éventail de matériaux, englobant des substances quotidiennes et « pauvres », des composants industriels et des matières organiques ou éphémères. Leur méthodologie artistique comprenait des processus naturels tels que la gravité, les interactions chimiques, les variations thermiques et l'exposition environnementale, qui permettaient aux œuvres d'art de subir une évolution, une dégradation ou une régénération in situ.
Supports éphémères et biodégradables
De nombreuses œuvres d'art incorporaient des substances vivantes ou dégradables pour mettre l'accent sur les concepts de temporalité et d'imprévisibilité. Par exemple, l'œuvre de Giovanni Anselmo de 1968, Untitled (Sculpture That Eats), présente une tête de laitue comprimée entre des blocs de granit par un fil de cuivre ; le flétrissement de la laitue altère l'équilibre, nécessitant son réapprovisionnement périodique. Jannis Kounellis a intégré des animaux vivants et des éléments bruts dans les espaces de la galerie, notamment en exposant douze chevaux vivants à la Galleria L'Attico à Rome en 1969. Les efforts artistiques de Giuseppe Penone explorent fréquemment les thèmes de la vie arboricole, de la croissance organique, de la respiration et des impressions corporelles, transformant ainsi les temporalités végétales en expressions sculpturales.
Substances manufacturées et courantes
Les artistes ont également réutilisé des matériaux industriels et des objets du quotidien, les employant souvent de manière intentionnellement non raffinée. Les Mirror Paintings de Michelangelo Pistoletto, par exemple, incorporent des surfaces en acier poli qui reflètent à la fois les observateurs et leur environnement, fusionnant ainsi l'image de l'œuvre d'art avec son environnement. Mario Merz a conçu des structures d'igloo qui combinent des structures métalliques, du verre, de la terre ou des sacs de terre argileuse avec des chiffres ou des éléments textuels au néon. Pier Paolo Calzolari a utilisé des unités de réfrigération, du plomb, du sel, du néon et du givre pour articuler divers états de la matière et explorer de subtiles transitions de température.
Processus artistique et dimensions temporelles
De nombreuses œuvres de l'Arte Povera ont été conçues comme des processus dynamiques plutôt que comme des formes statiques, s'alignant sur une évolution plus large vers des pratiques basées sur les processus et post-minimales à la fin des années 1960. Des expositions telles que Live in Your Head: When Attitudes Become Form de Harald Szeemann (Kunsthalle Bern, 1969) mettaient en lumière des installations construites, modifiées ou mises en scène sur place, privilégiant les cadres conceptuels, les actions et la variabilité plutôt que la permanence.
Oxydation et Patination
Au sein du mouvement Arte Povera, l'oxydation, englobant la rouille, le vert-de-gris et les patines analogues, servait à la fois d'indicateur temporel et de processus matériel intégral dans les créations artistiques. Germano Celant a noté comment des artistes comme Jannis Kounellis et Giovanni Anselmo ont mis l'accent sur la transformation des matériaux et les substances « appauvries » pour critiquer le raffinement industriel et la durabilité. L’historienne de l’art Florence de Meredieu a interprété la rouille à la fois comme un dépositaire de la mémoire et une force catalytique, conférant aux matériaux un caractère distinctif et une profondeur historique. Plus généralement, les critiques ont lié l'oxydation et d'autres phénomènes naturels au virage post-minimaliste, qui a permis aux matériaux d'évoluer et de se modifier de manière organique au fil du temps.
Documentation et éphémère
Étant donné la nature changeante ou périssable de nombreuses créations de l'Arte Povera, les expositions et les publications scientifiques dépendent souvent d'enregistrements photographiques, de reconstitutions et de directives des artistes. Des enquêtes et catalogues importants, notamment Zéro à l'infini : Arte Povera 1962-1972, ont situé ces approches méthodologiques dans le cadre d'une trajectoire historique plus large et de l'engagement curatorial dans le mouvement.
Exemples sélectionnés : matériaux et processus
- Giovanni Anselmo, Sans titre (Sculpture qui mange), 1968 – granit, fil de cuivre, laitue (utilisant la décomposition biologique comme élément structurel).
- Jannis Kounellis, Untitled (12 Horses), 1969 – douze chevaux vivants présentés dans un espace de galerie (intégrant les processus vivants dans le contexte de l'exposition).
- Mario Merz, Igloos, 1968– – armatures métalliques, verre, terre, néon (explorant les thèmes de l'abri et de l'énergie).
- Michelangelo Pistoletto, Mirror Paintings, 1962– – supports en acier poli qui reflètent le spectateur et son environnement (interrogeant la relation entre l'image et l'environnement).
- Pier Paolo Calzolari, œuvres intégrant le gel, le plomb, le sel, la réfrigération et le néon (étude des états de la matière et des seuils de transition).
- Giuseppe Penone, œuvres sur arbres et pièces sur le souffle – explorant la croissance végétale, les empreintes corporelles et la temporalité environnementale.
Artistes
Michelangelo Pistoletto a commencé ses peintures-miroirs en 1962, reliant ainsi le médium artistique aux réalités dynamiques et évolutives qui entourent l'œuvre d'art. À la fin des années 1960, il a commencé à juxtaposer des chiffons avec des moulages de la statuaire italienne classique omniprésente, dans le but de démanteler les distinctions hiérarchiques entre « l'art » et les objets quotidiens. L'utilisation de matériaux pauvres constitue un aspect fondamental de la définition de l'Arte Povera. Dans son œuvre de 1967, Muretto di Stracci (Mur de chiffon), Pistoletto a façonné une tapisserie étonnamment riche et élaborée en enfermant des briques ordinaires dans des restes de tissu mis au rebut.
Jannis Kounellis et Mario Merz se sont efforcés de renforcer l'immédiateté de l'expérience artistique tout en favorisant un lien plus profond entre l'individu et la nature. Dans sa pièce (Untitled /Twelve Horses), Kounellis a introduit de vrais chevaux vivants dans l'environnement de la galerie, présentant douze animaux attachés aux murs. Évoquant des parallèles avec le mouvement Dada et Marcel Duchamp, Kounellis a cherché à remettre en question les limites de la définition artistique. Cependant, contrairement à Duchamp, il a préservé les objets comme réels et animés, réévaluant ainsi les concepts de vie et d'art tout en maintenant l'autonomie des deux domaines.
L'effet de réalité n'est pas secondaire mais constitutif. (...) Kounellis déplace la frontière de ce qui peut être défini comme art, mais il n'y a jamais l'idée que l'art doive se dissoudre dans la vie. Au contraire, l'art reçoit un nouveau message en tant que rite d'initiation à travers lequel revivre la vie.
Piero Gilardi, reflétant les objectifs fondamentaux de l'Arte Povera, s'est concentré sur la réconciliation du naturel et de l'artificiel. Son travail de 1965, (Nature Carpets), qui lui a valu la reconnaissance et l'intégration dans le mouvement Arte Povera, consistait à construire des tapis tridimensionnels en polyuréthane. Ces pièces incorporaient des éléments « naturels » tels que des feuilles, des roches et de la terre comme motifs décoratifs, fusionnant ainsi le design et l'art pour remettre en question les perceptions sociétales dominantes de l'authenticité et de la nature, et pour critiquer l'ancrage croissant de l'artificialité dans la sphère commercialisée contemporaine.
Liste des artistes
Jerzy Grotowski
- Jerzy Grotowski
- Nnenna Okore
Remarques
Références
- Célant, Germano. Arte Povera : histoires et protagonistes. Milan : Electa, 1985. ISBN 88-435-1043-6. Réédité par la suite sous le titre Arte Povera : Histoire et histoires en 2011, avec l'ISBN 978-88-370-7542-2.
- Celant, Germano, Tommaso Trini, Jean-Christophe Ammann, Harald Szeemann et Ida Gianelli. Arte pauvre. Milan : Charta, 2001. ISBN 978-88-8158-316-4.
- Christov-Bakargiev, Carolyn (éd.). Arte Pauvre. Londres : Phaidon, 1999. ISBN 0-7148-3413-0.
- Flood, Richard et Frances Morris. Zéro à l'infini : Arte Povera 1962-1972. Londres : Tate Publishing, 2001. ISBN 978-0-935640-69-4.
- Lista, Giovanni. L'Arte Pauvre. Milan-Paris : Cinq Continents Éditions, 2006. ISBN 978-88-7439-205-6.
- Lumley, Robert. Arte Pauvre. Londres : Tate Publishing ; New York : distribué en Amérique du Nord par Harry N. Abrams, 2004. ISBN 1-85437-588-1 ; ISBN 978-1-85437-588-9.
- Galimberti, Jacopo. "Un art tiers-mondiste ? L'invention de l'Arte Povera par Germano Celant." *Histoire de l'art* 36, non. 2 (2013) : 418-441. ISSN 1467-8365.
- Manacorda, Francesco et Robert Lumley. Marcello Levi : Portrait d'un collectionneur. Turin : Hopefulmonster, 2005. Publié en collaboration avec la Estorick Collection, Londres. ISBN 88-7757-195-0.
- L'Arte Povera sur Artcyclopedia
- « Arte Povera » dans le Glossaire d'art, d'architecture et d'art ; Design depuis 1945, 3e édition, via art design café à la Wayback Machine (archivé le 11 décembre 2010)
- Revue du magazine Studio International sur l'exposition Arte Povera à la Wayback Machine (archivée le 19 juin 2009)