L'arte astratta utilizza un lessico visivo di forma, forma, colore e linea per costruire composizioni che possiedono un certo grado di autonomia dai referenti visivi del mondo reale. Arte astratta, arte non figurativa, arte non oggettiva e arte non rappresentativa rappresentano concetti strettamente correlati. Sebbene i loro significati siano simili, non sono necessariamente intercambiabili.
Dal Rinascimento fino alla metà del XIX secolo, l'arte occidentale è stata fondamentalmente strutturata dai principi della prospettiva e dal tentativo di replicare l'illusione della realtà visibile. Tuttavia, verso la fine del XIX secolo, numerosi artisti percepirono la necessità di forgiare un nuovo paradigma artistico che potesse integrare le profonde trasformazioni che si verificavano nella tecnologia, nella scienza e nella filosofia. Le basi teoriche adottate dai singoli artisti erano varie, rispecchiando le preoccupazioni sociali e intellettuali prevalenti in tutti gli aspetti della cultura occidentale durante quel periodo.
L'astrazione, nel contesto dell'arte, significa una divergenza dalla rappresentazione realistica delle immagini. Tali deviazioni dalla rappresentazione precisa possono manifestarsi come sottili, parziali o complete. Di conseguenza, l’astrazione opera lungo uno spettro. Le opere d'arte che presentano alterazioni intenzionali, come modifiche evidenti al colore o alla forma, sono classificate come parzialmente astratte. Al contrario, l’astrazione totale non contiene allusioni discernibili a forme riconoscibili. Ad esempio, l’astrazione geometrica tipicamente evita i riferimenti a entità naturalistiche. L'arte figurativa e l'astrazione totale sono in gran parte antitetiche. Tuttavia, sia l'arte figurativa che quella rappresentativa (o realistica) spesso incorporano elementi di astrazione parziale.
Sia l'astrazione geometrica che quella lirica sono spesso caratterizzate da un'astrazione completa. Numerosi movimenti artistici esemplificano l'astrazione parziale; esempi degni di nota includono il Fauvismo, che modifica in modo vistoso e intenzionale il colore rispetto alla realtà, e il Cubismo, che riconfigura le forme delle entità della vita reale raffigurate.
Storia
Il XIX secolo in Europa
Durante il XIX secolo in Europa, il mecenatismo ecclesiastico diminuì, mentre il mecenatismo privato da parte del pubblico sostenne sempre più gli artisti. Romanticismo, impressionismo ed espressionismo furono tre movimenti artistici fondamentali che favorirono l’emergere dell’arte astratta. Il XIX secolo segnò anche un periodo di crescente autonomia artistica per i praticanti. Un impegno oggettivo con la percezione visiva è evidente nelle opere di John Constable, J. M. W. Turner e Camille Corot, un lignaggio che si estende agli impressionisti, che svilupparono ulteriormente la tradizione della pittura plein air della scuola di Barbizon. Le prime indicazioni di un approccio artistico nascente furono dimostrate da James McNeill Whistler, il cui dipinto del 1872, Notturno in nero e oro: il razzo che cade, dava priorità alla sensazione visiva rispetto alla rappresentazione oggettiva. In precedenza, i disegni "spirituali" di Georgiana Houghton, esposti nel 1871, presentavano forme astratte in linea con l'essenza non naturalistica dei suoi soggetti, in un'epoca in cui il concetto di astrazione non era ancora formalmente articolato.
Gli artisti espressionisti furono pionieri nell'audace applicazione della pittura, impiegando distorsioni, esagerazioni e tavolozze di colori vibranti. Le loro tele emotivamente cariche servirono come risposte e interpretazioni dell'esperienza contemporanea, così come critiche all'impressionismo e ad altre tendenze artistiche più convenzionali della fine del XIX secolo. L’espressionismo spostò fondamentalmente l’attenzione dai soggetti oggettivi alla rappresentazione degli stati psicologici interni. Sebbene figure come Edvard Munch e James Ensor trassero ispirazione principalmente dalle opere postimpressioniste, i loro contributi furono cruciali per l’emergere dell’astrazione nel 20° secolo. Paul Cézanne, inizialmente impressionista, perseguiva l'obiettivo di costruire la realtà logicamente da un punto di vista singolare, utilizzando colore modulato all'interno di aree planari; questo approccio successivamente costituì i principi fondamentali per una nuova arte visiva, che in seguito si evolse nel Cubismo.
Nella fine del XIX secolo, il misticismo dell'Europa orientale e la prima filosofia religiosa modernista, in particolare gli insegnamenti della teosofa Mme. Blavatsky, influenzò profondamente artisti geometrici pionieristici come Hilma af Klint e Wassily Kandinsky. Allo stesso modo, le dottrine mistiche di Georges Gurdjieff e P.D. Ouspensky ha plasmato in modo significativo i nascenti stili astratti geometrici di Piet Mondrian e dei suoi colleghi all’inizio del XX secolo. Questa corrente spiritualista ha ispirato anche l'arte astratta di Kasimir Malevich e František Kupka.
L'inizio del XX secolo
Fauvismo e Cubismo
All'inizio del XX secolo, Henri Matisse, insieme ad altri artisti emergenti come i pre-cubisti Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Jean Metzinger, rivoluzionò la scena artistica parigina. Il loro stile distintivo, caratterizzato da paesaggi e dipinti di figure vivaci, multicolori ed espressivi, è stato soprannominato dalla critica Fauvismo. L'uso innovativo del colore grezzo da parte dei Fauves influenzò profondamente Wassily Kandinsky, un'altra figura fondamentale nello sviluppo dell'astrazione.
Il cubismo, un movimento artistico basato sull'affermazione di Cézanne secondo cui tutte le forme naturali potevano essere distillate in forme geometriche fondamentali (il cubo, la sfera e il cono), emerse insieme al fauvismo come forza fondamentale che facilitò direttamente l'avvento dell'astrazione all'inizio del XX secolo.
Prima arte astratta
Al Salon de la Sezione d'Oro del 1912, František Kupka presentò il suo dipinto astratto Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga in due colori) (1912). Durante questo evento, il poeta Guillaume Apollinaire coniò il termine Orfismo per descrivere il lavoro di diversi artisti, tra cui Robert Delaunay. Apollinaire definì questo stile come "l'arte di dipingere nuove strutture a partire da elementi che non sono stati presi in prestito dalla sfera visiva, ma che sono stati creati interamente dall'artista... è un'arte pura."
Dall'inizio del XX secolo, fiorirono robusti scambi culturali tra gli artisti nelle principali città europee, guidati dall'ambizione collettiva di forgiare una forma d'arte commisurata agli ideali elevati del modernismo. La diffusione di idee attraverso libri d'artista, mostre e manifesti ha favorito un ambiente fertile per la sperimentazione e il discorso, stabilendo così le basi per diversi approcci all'astrazione. Un estratto da Il mondo a ritroso illustra l'ampia interconnessione culturale di quest'epoca: "La conoscenza di David Burliuk dei movimenti artistici moderni deve essere stata estremamente aggiornata, poiché la seconda mostra del Fante di quadri, tenutasi nel gennaio 1912 (a Mosca) comprendeva non solo dipinti inviati da Monaco, ma anche alcuni membri del gruppo tedesco Die Brücke, mentre da Parigi provenivano opere di Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger e Picasso. In primavera David Burliuk tiene due conferenze sul cubismo e progetta una pubblicazione polemica, che il Fante di quadri dovrà finanziare. In maggio si reca all'estero e torna deciso a rivaleggiare con l'almanacco Der Blaue Reiter uscito dalle tipografie mentre era in Germania".
Tra il 1909 e il 1913, numerosi artisti realizzano opere sperimentali alla ricerca di questa "purità". arte." Esempi degni di nota includono: Caoutchouc di Francis Picabia (1909 circa), La primavera (1912), Danze alla primavera e La processione di Siviglia (1912); Senza titolo (primo acquerello astratto) (1913), Improvvisazione 21A, la serie Impressioni e Quadro con cerchio (1911) di Wassily Kandinsky; I pezzi orfisti di František Kupka, Dischi di Newton (Studio per Fuga in due colori) (1912) e Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga in due colori) (1912); la serie di Robert Delaunay intitolata Simultaneous Windows e Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912–13); Colored Rhythm di Léopold Survage (studio per il film) (1913); e Tableau No. 1 e Composition No. 11 (1913) di Piet Mondrian.
Henri Matisse si è avvicinato all'astrazione pura attraverso la sua tavolozza di colori espressiva e il disegno libero e fantasioso, particolarmente evidente in opere come Finestra francese a Collioure (1914), Veduta di Notre-Dame (1914), e La tenda gialla (1915).
L'esplorazione dell'astrazione è progredita con i disegni Rayist (Luchizm) di Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, che utilizzavano linee simili a raggi di luce per costruire composizioni. Nel 1915, Kasimir Malevich produsse la sua opera inaugurale completamente astratta, il suprematista Quadrato nero. Allo stesso tempo, Liubov Popova, un altro membro del movimento suprematista, sviluppò le Costruzioni architettoniche e le Costruzioni di forza spaziale dal 1916 al 1921. Tra il 1915 e il 1919, Piet Mondrian perfezionò il suo linguaggio astratto, caratterizzato da linee orizzontali e verticali che si intersecano con rettangoli colorati. Questa estetica, nota come neoplasticismo, è stata concepita da Mondrian, Theo van Doesburg e altri artisti del gruppo De Stijl, con l'obiettivo di riconfigurare gli ambienti futuri.
Il movimento dell'avanguardia russa
Un numero significativo di artisti astratti russi ha abbracciato il costruttivismo, affermando che l'arte non dovrebbe essere un'entità distaccata ma piuttosto una parte integrante della vita stessa. Sostenevano che gli artisti adottassero il ruolo di tecnici, padroneggiando gli strumenti e le sostanze della produzione contemporanea. Il grido di battaglia di Vladimir Tatlin, L'arte nella vita!, racchiudeva l'etica di tutti i costruttivisti successivi. Figure come Varvara Stepanova e Alexandre Exter evitarono la tradizionale pittura da cavalletto, reindirizzando i loro sforzi creativi verso il design teatrale e le arti grafiche. Al contrario, Kazimir Malevich, Anton Pevsner e Naum Gabo sostenevano che l'arte costituiva uno sforzo intrinsecamente spirituale, focalizzato sullo stabilire la posizione di un individuo all'interno del cosmo, piuttosto che strutturare pragmaticamente la vita in modo materialista. Durante questo periodo, figure chiave dell'avanguardia russa si impegnarono in progetti di collaborazione con altri artisti costruttivisti dell'Europa orientale, tra cui Władysław Strzmiński, Katarzyna Kobro e Henryk Stażewski.
Numerosi artisti che si opponevano al concetto materialista di produzione artistica emigrarono dalla Russia. Anton Pevsner si trasferì in Francia, mentre Gabo inizialmente si trasferì a Berlino, successivamente in Inghilterra e infine in America. Kandinsky, dopo aver studiato a Mosca, partì per il Bauhaus. Verso la metà degli anni ’20 si concluse l’era rivoluzionaria (1917-1921), che aveva concesso agli artisti una notevole libertà sperimentale. Negli anni '30 solo il realismo socialista ricevette una sanzione ufficiale.
Influenze musicali
Man mano che l'arte visiva progrediva verso l'astrazione, cominciò a manifestare attributi simili alla musica, una forma d'arte che impiega intrinsecamente componenti astratte del suono e della segmentazione temporale. Wassily Kandinsky, anch'egli un musicista dilettante, trovò ispirazione nel potenziale dei segni visivi e dei colori evocativi di risuonare nell'anima. Questo concetto era stato precedentemente articolato da Charles Baudelaire, il quale postulò che mentre i nostri sensi reagiscono a stimoli diversi, sono interconnessi a uno strato estetico profondo.
Un concetto strettamente associato presuppone che l'arte possieda La dimensione spirituale, consentendole di trascendere l'esperienza mondana e raggiungere un regno spirituale. La Società Teosofica ha svolto un ruolo fondamentale nella diffusione dell'antica saggezza contenuta nei testi sacri dell'India e della Cina all'inizio del XX secolo. All'interno di questo ambiente intellettuale, artisti come Piet Mondrian, Wassily Kandinsky e Hilma af Klint, che perseguivano uno "stato senza oggetto" nel loro lavoro, svilupparono un interesse per l'occulto come mezzo per manifestare un oggetto "interiore". Le forme geometriche, il cerchio, il quadrato e il triangolo, rappresentano forme universali e senza tempo che fungono da elementi spaziali fondamentali nell'arte astratta e funzionano, proprio come il colore, come sistemi fondamentali alla base della realtà percepibile.
Il movimento Bauhaus
Fondata nel 1919 da Walter Gropius, la scuola Bauhaus di Weimar, in Germania, operava secondo una filosofia fondativa che enfatizzava la sintesi di tutte le arti visive e plastiche, comprendendo discipline dall'architettura e pittura alla tessitura e al vetro colorato. Questo approccio pedagogico ha origine dai principi del movimento inglese Arts and Crafts e del Deutscher Werkbund. Membri di facoltà degni di nota includevano Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers e László Moholy-Nagy. L'istituzione si trasferì a Dessau nel 1925 e le sue attività cessarono nel 1932 in seguito all'ascesa al potere del partito nazista. Nel 1937, una mostra intitolata "Entartete Kunst" (Arte degenerata) metteva in mostra varie forme di arte d'avanguardia ritenute inaccettabili dal regime nazista. Successivamente iniziò un significativo esodo di artisti, non solo dal Bauhaus ma dall’Europa in generale, portando molti a Parigi, Londra e in America. Mentre Paul Klee si stabilì in Svizzera, un numero considerevole di artisti Bauhaus emigrò negli Stati Uniti.
Astrazione nelle scene artistiche parigine e londinesi
Negli anni '30, Parigi emerse come santuario per gli artisti in fuga dai regimi totalitari in Russia, Germania, Paesi Bassi e altre nazioni europee. Sophie Tauber e Jean Arp si sono impegnati in progetti di collaborazione, creando dipinti e sculture che integravano forme organiche e geometriche. L'artista polacca Katarzyna Kobro ha incorporato concetti derivati matematicamente nelle sue opere scultoree. La convergenza di diverse forme di arte astratta ha spinto gli artisti ad analizzare le loro distinte categorie concettuali ed estetiche. Una mostra con quarantasei membri del gruppo Cercle et Carré, curata da Joaquín Torres-García con l'assistenza di Michel Seuphor, ha presentato opere di neoplasticisti insieme a una serie di astrattisti tra cui Kandinsky, Anton Pevsner e Kurt Schwitters. Theo van Doesburg, criticando la collezione come eccessivamente indefinita, pubblicò successivamente la rivista Art Concret, che includeva un manifesto in cui affermava che nell'arte astratta, linea, colore e superficie costituiscono l'unica realtà concreta. Abstraction-Création, fondato nel 1931 come collettivo più inclusivo, è stato un punto di riferimento significativo per gli artisti astratti. Con il peggioramento del clima politico nel 1935, molti artisti si riunirono nuovamente, in particolare a Londra. L'Inghilterra ospitò la mostra inaugurale dell'arte astratta britannica nel 1935. L'anno successivo, Nicolete Gray organizzò la mostra Abstract and Concrete, più focalizzata a livello internazionale, con opere di artisti come Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson e Gabo si trasferirono a St. Ives, in Cornovaglia, per continuare i loro sforzi artistici costruttivisti.
Fine XX secolo
Negli anni '30, con la presa del potere del nazismo, numerosi artisti emigrarono dall'Europa negli Stati Uniti. All'inizio degli anni '40, New York City era diventata un centro per i principali movimenti artistici moderni, tra cui espressionismo, cubismo, astrazione, surrealismo e Dada, con artisti europei in esilio come Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst e André Breton tra i suoi residenti. I profondi contributi culturali di questi artisti europei furono assimilati e ulteriormente sviluppati dai pittori locali di New York. L'atmosfera di libertà artistica di New York ha favorito la proliferazione di queste diverse influenze. Le gallerie d'arte, precedentemente focalizzate prevalentemente sull'arte europea, iniziarono a riconoscere la fiorente comunità artistica locale e le opere in maturazione dei giovani artisti americani. Durante questo periodo, diversi artisti svilupparono uno stile decisamente astratto nelle loro opere mature. Il dipinto di Piet Mondrian Composizione n. 10 (1939-1942), caratterizzato da colori primari, fondo bianco e linee di griglia nere, esemplifica il suo approccio radicale ma classico al rettangolo e all'arte astratta in generale. Alcuni artisti di quest'epoca resistettero a una facile categorizzazione; ad esempio, Georgia O'Keeffe, un'astrattista modernista, rimase una figura indipendente, creando forme altamente astratte senza affiliarsi ad alcun gruppo particolare del periodo.
Nel corso del tempo, gli artisti americani, che inizialmente lavoravano con stili diversi, iniziarono a convergere in gruppi stilistici coesi. I più importanti collettivi di artisti americani furono riconosciuti come gli Espressionisti astratti e la New York School. New York City ha promosso un ambiente favorevole al discorso artistico e ha offerto nuove opportunità di apprendimento e sviluppo. Gli artisti ed educatori John D. Graham e Hans Hofmann fungerono da intermediari cruciali tra i modernisti europei recentemente arrivati e la generazione emergente di artisti americani. Mark Rothko, un artista di origine russa, inizialmente utilizzò un forte immaginario surrealista, che successivamente si evolse nelle sue composizioni cromatiche di grande impatto dei primi anni '50. Per Jackson Pollock, Robert Motherwell e Franz Kline, il gesto espressionista e l'atto stesso del dipingere hanno acquisito un significato fondamentale. Allo stesso tempo, le opere figurative di Arshile Gorky e Willem de Kooning passarono all'astrazione verso la fine degli anni Quaranta. New York City è diventata un epicentro artistico globale, attirando artisti da tutto il mondo, comprese altre regioni dell'America.
21° secolo
L'arte digitale, la pittura hard-edge, l'astrazione geometrica, il minimalismo, l'astrazione lirica, l'op art, l'espressionismo astratto, la pittura a colori, la pittura monocromatica, l'assemblaggio, il neo-Dada e la pittura su tela sagomata rappresentano alcune delle diverse traiettorie legate all'astrazione nella seconda metà del XX secolo.
Negli Stati Uniti, le manifestazioni contemporanee di arte astratta includono Arte come oggetto, esemplificata dalle sculture minimaliste di Donald Judd e dai dipinti di Frank Stella. Ulteriori esempi includono l'astrazione lirica e l'applicazione evocativa del colore evidente nelle opere di artisti come Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell e Veronica Ruiz de Velasco.
Analisi
Un'interpretazione storico-sociale, associata in particolare a Theodor W. Adorno, postula che la crescente importanza dell'astrazione nell'arte moderna costituisce sia una risposta che un riflesso della crescente astrazione delle relazioni sociali all'interno delle società industriali.
Frederic Jameson interpreta in modo simile l'astrazione modernista come una conseguenza dell'influenza astrattiva del denaro, che omogeneizza tutte le entità in valori di scambio equivalenti. Di conseguenza, la dimensione sociale dell'arte astratta incarna esattamente il carattere astratto dell'esistenza sociale – manifestato attraverso formalismi legali, spersonalizzazione burocratica e dinamiche di informazione e potere – nel contesto della tarda modernità.
Al contrario, le prospettive post-junghiane suggeriscono che le teorie quantistiche, sfidando le nozioni convenzionali di forma e materia, sostengono la separazione tra concreto e astratto osservata nell'arte moderna.
L'artista Al Capp ha fornito una valutazione più diretta, caratterizzando l'astratto. l'arte come "Un prodotto di persone senza talento, venduto da chi è senza principi a chi è completamente disorientato."
Galleria
In altri media
- In altri media
- Musica assoluta
- Animazione astratta
- Fumetti astratti
- Fotografia astratta
- Atonalità
- Musica d'avanguardia
- Danze Bauhaus
- Poesia concreta
- Film sperimentale
- Indeterminatezza
- Sciocchezze letterarie
- Musica minimale
- Danza moderna
- Arte moderna
- Musica concreta
- Nuovo formalismo
- Musica rumorosa
- Poesia sonora
Riferimenti
Fonti
- ^ Compton, Susan (1978). Il mondo all'indietro: libri futuristi russi 1912-1916. La Biblioteca britannica. ISBN 978-0-7141-0396-9.^ Stangos, Nikos, ed. (1981). Concepts of Modern Art. Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.^ Gooding, Mel (2001). Arte astratta. Serie Movimenti nell'arte moderna. Pubblicazione Tate. ISBN 978-1-85437-302-1.^ Rump, Gerhard Charles (1985). Come guardare un dipinto astratto. Inter Nationes.
- Il termine "Astrazione" di cui parla al Museum of Modern Art da Nelson Goodman di Grove Art Online
- L'arte astratta demistificata