L'espressionismo astratto è emerso negli Stati Uniti come movimento artistico distinto dopo la seconda guerra mondiale, ottenendo un ampio riconoscimento durante gli anni '50. Questo sviluppo segnò un significativo allontanamento dal realismo sociale americano prevalente negli anni ’30, che era stato plasmato dalla Grande Depressione e dall’influenza dei muralisti messicani. Il critico d'arte Robert Coates applicò per la prima volta il termine all'arte americana nel 1946. La New York School, che fungeva da epicentro del movimento, comprendeva artisti di spicco come Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov e Lee Krasner, tra gli altri.
L'espressionismo astratto negli Stati Uniti emerse come movimento artistico distinto all'indomani della seconda guerra mondiale e ottenne l'accettazione mainstream negli anni '50, un passaggio dal realismo sociale americano degli anni '30 influenzato dalla Grande Depressione e dai muralisti messicani. Il termine fu applicato per la prima volta all'arte americana nel 1946 dal critico d'arte Robert Coates. Figure chiave della New York School, che era il centro di questo movimento, includevano artisti come Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov e Lee Krasner tra gli altri.
Questo movimento artistico si estese oltre la pittura per comprendere influenti collagisti e scultori, tra cui David Smith e Louise Nevelson. L'espressionismo astratto trasse significativa ispirazione dai processi creativi spontanei e subconsci caratteristici di artisti surrealisti come André Masson e Max Ernst. I praticanti del movimento integrarono l'intensità emotiva riscontrata nell'espressionismo tedesco con i lessici visivi innovativi dei movimenti d'avanguardia europei, tra cui il futurismo, il Bauhaus e il cubismo sintetico.
Caratterizzato dalla sua natura ribelle e peculiare, l'espressionismo astratto comprendeva una vasta gamma di stili artistici. Ha segnato il primo movimento distintamente americano a raggiungere una rilevanza internazionale, riposizionando New York City come il nesso del mondo dell’arte occidentale, un ruolo precedentemente ricoperto da Parigi. I critici d’arte contemporanea sono stati determinanti nella sua evoluzione. Figure come Clement Greenberg e Harold Rosenberg sostennero le opere di artisti espressionisti astratti, in particolare Jackson Pollock, attraverso i loro scritti critici e il loro patrocinio. L'influente concetto di Rosenberg della tela come "arena in cui agire" è stato fondamentale nel plasmare la metodologia degli action pittori. All’inizio degli anni ’60, il predominio culturale dell’espressionismo astratto negli Stati Uniti era diminuito. Il successivo ripudio dell’enfasi sull’individualismo favorì l’emergere di movimenti come la Pop art e il Minimalismo. Per tutta la seconda metà del XX secolo, l'impatto dell'espressionismo astratto rimase evidente in varie correnti artistiche negli Stati Uniti e in Europa, tra cui il tachisme e il neoespressionismo.
Si ritiene che la denominazione "espressionismo astratto" abbia avuto origine in Germania nel 1919, apparendo sulla rivista Der Sturm in relazione all'espressionismo tedesco. Alfred Barr utilizzò successivamente questo termine nel 1929 per caratterizzare le opere di Wassily Kandinsky. Negli Stati Uniti, Robert Coates utilizzò il termine nel 1946 nella sua recensione di diciotto dipinti di Hans Hofmann.
Stile
Il surrealismo rappresenta un precursore significativo, caratterizzato dalla sua attenzione alla generazione artistica spontanea, automatica o subconscia. La tecnica di Jackson Pollock di far gocciolare la vernice su una tela posata sul pavimento deriva dalle pratiche di André Masson, Max Ernst e David Alfaro Siqueiros. Studi recenti posizionano sempre più il surrealista in esilio Wolfgang Paalen come un artista e teorico fondamentale che ha avanzato il concetto di uno spazio di possibilità dipendente dallo spettatore attraverso le sue opere e il suo periodico DYN. Paalen esplorò i principi della meccanica quantistica e sviluppò interpretazioni distintive della visione totemica e dell'organizzazione spaziale riscontrate nella pittura indigena della Columbia Britannica, ponendo così le basi concettuali per le prospettive spaziali emergenti dei giovani artisti astratti americani. Il suo ampio saggio, Totem Art (1943), influenzò in modo significativo artisti tra cui Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman. Intorno al 1944, Barnett Newman tentò di delucidare il nascente movimento artistico americano, compilando un elenco degli "uomini del nuovo movimento". Paalen appare due volte in questo elenco, insieme ad artisti come Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes e Gorky. Robert Motherwell viene notato con una domanda. Un'altra importante manifestazione iniziale di quello che sarebbe diventato l'espressionismo astratto è evidente nell'opera dell'artista americano del nord-ovest Mark Tobey, in particolare nelle sue tele di "scrittura bianca", che, nonostante la loro scala tipicamente modesta, prefigurano la caratteristica estetica "all-over" dei drip painting di Pollock.
La designazione di questo movimento artistico nasce dalla sintesi della profonda intensità emotiva e dell'ascetismo degli espressionisti tedeschi con i principi antifigurativi caratteristici delle scuole di arte astratta europee, tra cui il Futurismo, il Bauhaus e il Cubismo sintetico. Inoltre, il movimento è spesso percepito come ribelle, anarchico, altamente peculiare e, da alcuni, nichilista. In pratica, il termine comprende un gruppo eterogeneo di artisti, principalmente con sede a New York, che hanno esposto stili distinti, e si estende anche a opere che non sono né apertamente astratte né espressioniste. Jay Meuser, un espressionista astratto californiano noto per il suo stile non oggettivo, ha articolato la sua filosofia riguardo al suo dipinto Mare Nostrum: "È molto meglio catturare lo spirito glorioso del mare che dipingere tutte le sue piccole increspature". I dinamici "quadri d'azione" di Pollock, caratterizzati dalla loro vibrante energia, divergono tecnicamente ed esteticamente dalla violenta e grottesca serie figurativa Donne di Willem de Kooning, così come dai rettangoli cromatici dei dipinti Color Field di Rothko: opere che Rothko stesso negava fossero astratte e che non sono tipicamente etichettate come espressioniste. Nonostante queste variazioni stilistiche, tutti e quattro gli artisti sono classificati come espressionisti astratti.
L'espressionismo astratto condivide numerose somiglianze stilistiche con gli artisti russi dell'inizio del XX secolo, in particolare Wassily Kandinsky. Sebbene il senso di spontaneità, o la sua impressione, fosse un segno distintivo di molte opere dell'espressionismo astratto, la maggior parte di questi dipinti necessitava di una pianificazione meticolosa, soprattutto date le loro dimensioni considerevoli. Per artisti come Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz e successivamente Rothko, Newman e Agnes Martin, l'arte astratta fungeva da chiaro veicolo per esprimere concetti legati allo spirituale, all'inconscio e alla psiche umana.
L'adozione diffusa di questo stile artistico negli anni '50 rimane oggetto di discussione tra gli studiosi. Durante gli anni '30, il realismo sociale americano dominò la scena artistica, influenzato in modo significativo sia dalla Grande Depressione che dalle opere di muralisti messicani come David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera. Tuttavia, l'ambiente politico del secondo dopoguerra si dimostrò meno ricettivo ai commenti sociali inerenti alle opere di questi pittori. L'espressionismo astratto emerse durante gli anni della guerra e ottenne la prima visibilità all'inizio degli anni '40 nelle gallerie di New York, tra cui The Art of This Century Gallery. L’era McCarthy, successiva alla guerra, impone negli Stati Uniti un periodo di censura artistica. In questo contesto, argomenti del tutto astratti erano spesso percepiti come apolitici e quindi meno controversi. In alternativa, se l'arte trasmetteva messaggi politici, questi erano spesso codificati per un pubblico specializzato.
Sebbene l'espressionismo astratto sia prevalentemente legato alla pittura, la collagista Anne Ryan e diversi scultori hanno svolto un ruolo cruciale all'interno del movimento. Scultori degni di nota considerati membri significativi includono David Smith, sua moglie Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois e Louise Nevelson. Inoltre, artisti come David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero e gli scultori Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell e numerosi altri erano parte integrante del movimento dell'espressionismo astratto. Molti di questi scultori esposero le loro opere al rinomato Ninth Street Show, una mostra organizzata da Leo Castelli nel 1951 sulla East Ninth Street a New York City. Oltre a pittori e scultori, la New York School of Abstract Expressionism promosse anche una comunità di poeti sostenitori, tra cui Frank O'Hara, fotografi come Aaron Siskind e Fred McDarrah (la cui pubblicazione The Artist's World in Pictures raccontava la New York School negli anni '50) e registi, in particolare Robert Frank.
Mentre la scuola dell'espressionismo astratto si diffuse rapidamente negli Stati Uniti, i suoi principali centri di influenza furono New York. York e la zona della Baia di San Francisco in California.
Critici d'arte del secondo dopoguerra
Ad un certo momento la tela cominciò ad apparire a uno dopo l'altro pittore americano come un'arena in cui agire. Ciò che doveva andare sulla tela non era un quadro ma un evento.
Negli anni '40, la Vanguard di New York dovette far fronte alla scarsità di sedi espositive, come The Art of This Century, la Pierre Matisse Gallery e la Julien Levy Gallery, e di critici pronti a impegnarsi con il loro lavoro. Anche un gruppo selezionato di artisti, tra cui Robert Motherwell e Barnett Newman, contribuì al discorso critico, sfruttando il proprio background letterario.
Verso la fine degli anni Quaranta, nonostante la relativa oscurità dell'avanguardia newyorkese, molti artisti ora ampiamente riconosciuti beneficiavano di un consolidato mecenatismo critico. Clement Greenberg sostenne in particolare Jackson Pollock e i pittori Color Field tra cui Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann. Harold Rosenberg, al contrario, sembrava favorire pittori d'azione come Willem de Kooning e Franz Kline, insieme alle opere fondamentali di Arshile Gorky. Allo stesso tempo, Thomas B. Hess, caporedattore di ARTnews, era un importante sostenitore di Willem de Kooning.
Questi critici emergenti promuovevano i loro artisti preferiti classificando gli altri come semplici "seguaci" o ignorando coloro il cui lavoro non era in linea con i loro obiettivi promozionali.
Nel 1958, Mark Tobey raggiunse un traguardo significativo, diventando il primo pittore americano dai tempi di Whistler nel 1895 per assicurarsi il massimo riconoscimento alla Biennale di Venezia.
Barnett Newman, un membro successivo dell'Uptown Group, ha contribuito con prefazioni e recensioni del catalogo. Verso la fine degli anni Quaranta, iniziò a esporre la propria arte alla Betty Parsons Gallery, tenendo la sua mostra personale inaugurale nel 1948. Poco dopo questa mostra, Newman articolò una profonda dichiarazione durante una sessione di artisti allo Studio 35: "Stiamo creando il mondo, in una certa misura, a nostra immagine". Newman impiegò strategicamente le sue capacità letterarie per consolidare la sua fiorente identità artistica e per far avanzare la sua opera. Un notevole esempio di ciò è la sua lettera del 9 aprile 1955, indirizzata a Sidney Janis, in cui affermava: "... è vero che Rothko parla come un combattente. Combatte, tuttavia, per sottomettersi al mondo filisteo. La mia lotta contro la società borghese ha comportato il suo totale rifiuto."
Clement Greenberg, un trotskista di New York, è ampiamente considerato una figura primaria nella promozione di questo stile artistico. Critico d'arte di lunga data per Partisan Review e The Nation, è emerso come uno dei primi e articolati sostenitori dell'espressionismo astratto. Robert Motherwell, un artista di considerevoli mezzi, collaborò con Greenberg nel portare avanti uno stile che risuonava con l'atmosfera politica prevalente e il dissenso intellettuale del periodo.
Greenberg dichiarò l'espressionismo astratto, e in particolare i contributi di Pollock, come l'apice del successo estetico. Ha difeso l'opera di Pollock attraverso una lente formalistica, postulandola come il dipinto preminente del suo tempo e il culmine di un lignaggio artistico che risale al Cubismo e Cézanne fino a Monet. Questa tradizione, secondo Greenberg, ha progressivamente raffinato la pittura verso uno stato sempre più "puro", concentrandosi sull'atto "essenziale" di lasciare segni su un piano bidimensionale.
La produzione artistica di Pollock ha costantemente suscitato risposte critiche divergenti. Rosenberg ha caratterizzato il lavoro di Pollock come la trasformazione della pittura in un dramma esistenziale, dove "ciò che doveva andare sulla tela non era un quadro ma un evento". Ha inoltre affermato che "Il grande momento è arrivato quando si è deciso di dipingere 'solo per dipingere'. Il gesto sulla tela era un gesto di liberazione dai valori: politico, estetico, morale."
John Canaday, critico d'arte del The New York Times, si è distinto come un importante detrattore dell'Espressionismo astratto durante il suo periodo formativo. Al contrario, Meyer Schapiro e Leo Steinberg, insieme a Greenberg e Rosenberg, furono influenti storici dell’arte del dopoguerra che appoggiarono pubblicamente il movimento. Tra l'inizio e la metà degli anni '60, una nuova generazione di critici d'arte, tra cui Michael Fried, Rosalind Krauss e Robert Hughes, arricchirono in modo significativo il discorso critico in corso sull'espressionismo astratto.
Storia
La seconda guerra mondiale e il periodo postbellico
Negli anni precedenti e durante la Seconda Guerra Mondiale, numerosi artisti, scrittori, poeti e importanti collezionisti e commercianti modernisti cercarono rifugio negli Stati Uniti, sfuggendo all'avanzata del regime nazista in Europa. Un numero considerevole di coloro che non sono riusciti a evacuare sono morti tragicamente. Tra le figure importanti che arrivarono a New York durante la guerra, alcune assistite da Varian Fry, c'erano Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger e Piet Mondrian. Al contrario, alcuni artisti selezionati, tra cui Picasso, Matisse e Pierre Bonnard, scelsero di rimanere in Francia e sopravvissero al conflitto.
Il dopoguerra ha gettato le capitali europee nel caos, rendendo necessaria un'urgente ricostruzione economica e fisica insieme al riallineamento politico. Parigi, un tempo epicentro della cultura europea e capitale mondiale dell'arte, ha vissuto un ambiente artistico catastrofico, che ha portato all'ascesa di New York come nuovo centro artistico internazionale. L'Europa del dopoguerra fu testimone della persistenza del surrealismo, del cubismo, del dadaismo e dell'opera di Matisse. Allo stesso tempo, Art Brut e Lyrical Abstraction, noto anche come Tachisme (la controparte europea dell’espressionismo astratto), acquisirono importanza tra la generazione emergente. Figure notevoli della pittura europea del dopoguerra includono Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages e Jean Messagier. Nel frattempo, negli Stati Uniti, un nuovo gruppo di artisti americani è salito alla ribalta globale, identificati come espressionisti astratti.
Gorky, Hofmann e Graham
Gli anni '40 a New York segnarono l'ascesa dell'espressionismo astratto americano, un movimento modernista che sintetizzava influenze di Matisse, Picasso, Surrealismo, Miró, Cubismo, Fauvismo e il primo Modernismo. Questa sintesi è stata facilitata da eminenti educatori negli Stati Uniti, in particolare Hans Hofmann dalla Germania e John D. Graham dall’Ucraina. L'impatto di Graham sull'arte americana nei primi anni Quaranta fu particolarmente evidente nelle opere di Gorky, de Kooning, Pollock e Richard Pousette-Dart, tra gli altri. I profondi contributi di Gorky all'arte americana e globale sono ampiamente riconosciuti. La sua astrazione lirica ha introdotto un "nuovo linguaggio" e "ha illuminato la strada a due generazioni di artisti americani". La qualità pittorica spontanea delle sue opere mature, come The Liver Is the Cock's Comb, The Betrothal II e One Year the Milkweed, anticipò direttamente l'espressionismo astratto, con i dirigenti della New York School che riconobbero la sua significativa influenza. Anche i primi lavori di Hyman Bloom hanno avuto un ruolo influente. Gli artisti americani hanno inoltre beneficiato della presenza di figure come Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e del gruppo André Breton, nonché di istituzioni come la galleria di Pierre Matisse e la galleria di Peggy Guggenheim, The Art of This Century, tra gli altri fattori che contribuiscono. Hans Hofmann, come insegnante, mentore e artista, è stato particolarmente cruciale e influente nel promuovere lo sviluppo e il successo dell'espressionismo astratto negli Stati Uniti. Tra i suoi protetti c'era Clement Greenberg, che divenne un critico estremamente influente della pittura americana, e tra i suoi studenti c'era Lee Krasner, che successivamente presentò Hofmann a suo marito, Jackson Pollock.
Pollock e le influenze astratte
Alla fine degli anni Quaranta, l'approccio rivoluzionario di Jackson Pollock alla pittura trasformò radicalmente il potenziale della successiva arte contemporanea. Pollock riconosceva, in misura significativa, che il processo artistico in sé aveva la stessa importanza dell’opera d’arte finale. Similmente alle innovative riconfigurazioni di pittura e scultura di Picasso all'inizio del secolo attraverso il cubismo e la scultura costruita, Pollock ridefinì la produzione artistica, attingendo a influenze diverse come i dipinti di sabbia Navajo, il surrealismo, l'analisi junghiana e l'arte murale messicana. Il suo allontanamento dalla tradizionale pittura da cavalletto e dai metodi convenzionali servì da impulso liberatorio per gli artisti del suo tempo e per quelli che seguirono. Gli artisti capirono il processo distintivo di Pollock, che prevedeva il posizionamento di tele grezze non tese sul pavimento, consentendo di avvicinarle da tutti i lati con materiali sia artistici che industriali; il gocciolamento e il lancio di lineari matasse di vernice; e l’incorporazione di disegno, colorazione, pennellatura ed elementi sia figurali che non figurali, ha esteso i confini della creazione artistica oltre ogni limite precedente. L'Espressionismo astratto, come movimento più ampio, ha ampliato e perfezionato le definizioni e le possibilità a disposizione degli artisti per creare nuove opere.
Seguendo i contributi fondamentali di Pollock, anche altri espressionisti astratti ottennero progressi artistici significativi. Le innovazioni collettive di artisti come Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell e Peter Voulkos influenzarono profondamente la successiva diversità e ampiezza dell'espressione artistica. I movimenti radicali anti-formalisti degli anni ’60 e ’70, tra cui Fluxus, Neo-Dada, l’arte concettuale e il movimento artistico femminista, derivano il lignaggio concettuale dall’espressionismo astratto. Tuttavia, le rivalutazioni critiche dell’arte astratta da parte di storici come Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher evidenziano che le artiste pioniere, nonostante abbiano apportato innovazioni sostanziali nell’arte moderna, sono state storicamente emarginate nelle narrazioni ufficiali. Questi artisti alla fine ottennero il riconoscimento atteso da tempo nel periodo successivo al movimento dell'espressionismo astratto degli anni Quaranta e Cinquanta. L'espressionismo astratto consolidò il suo status di importante movimento artistico a New York negli anni '50, portando importanti gallerie d'arte a presentare gli espressionisti astratti nelle mostre e come parte integrante dei loro elenchi di artisti. Notevoli gallerie "uptown" includevano la Charles Egan Gallery, la Sidney Janis Gallery, la Betty Parsons Gallery, la Kootz Gallery, la Tibor de Nagy Gallery, la Stable Gallery e la Leo Castelli Gallery. Allo stesso tempo, diversi locali del "centro città", noti collettivamente come le gallerie della Tenth Street, mettevano in mostra numerosi giovani artisti emergenti che lavoravano nell'ambito dell'idioma dell'espressionismo astratto.
Pittura d'azione
L'action painting, uno stile artistico prevalente dagli anni Quaranta ai primi anni Sessanta, è intrinsecamente legato all'Espressionismo astratto; in effetti, alcuni critici hanno utilizzato i termini come sinonimi. Questo movimento artistico americano viene spesso paragonato al movimento artistico francese noto come Tachisme.
Il critico americano Harold Rosenberg coniò il termine "Action Painting" nel 1952, segnando un significativo riorientamento nel discorso estetico tra gli artisti e i critici della New York School. Rosenberg ipotizzò che la tela funzionasse come "un'arena in cui agire". Mentre gli espressionisti astratti come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning avevano costantemente articolato una visione della pittura come spazio per impegnarsi nell'atto creativo, i primi critici simpatizzanti, come Clement Greenberg, enfatizzavano l'"oggettività" delle loro opere. Per Greenberg, le caratteristiche fisiche dei dipinti, in particolare le loro superfici rapprese e ricoperte di olio, erano fondamentali per interpretarli come testimonianze delle lotte esistenziali degli artisti.
Il quadro critico di Rosenberg ha reindirizzato l'attenzione degli studiosi dall'oggetto d'arte finito alla lotta creativa stessa, considerando il dipinto completato semplicemente come una manifestazione fisica o un "residuo" dell'effettivo sforzo artistico, che risiedeva nel processo della sua creazione. Questo impegno spontaneo costituiva l'"azione" del pittore, eseguita attraverso movimenti dinamici del braccio e del polso, gesti espressivi, pennellate e varie applicazioni come vernice lanciata, schizzata, macchiata, scrostata e gocciolata. Gli artisti occasionalmente lasciavano che la vernice gocciolasse sulla tela mentre si impegnavano in movimenti ritmici, o anche entrando fisicamente nello spazio della tela. Questo metodo talvolta comportava la caduta della vernice secondo gli impulsi del subconscio, consentendo così alla psiche inconscia di affermarsi ed esprimersi. Tuttavia, articolare o interpretare con precisione questi fenomeni rimane difficile, data la loro presunta origine come manifestazioni inconsce di puri atti creativi.
La definizione "espressionismo astratto" viene spesso applicata a numerosi artisti, principalmente con sede a New York, nonostante i loro diversi approcci stilistici, e occasionalmente comprende opere che non sono né nettamente astratte né espressioniste. Ad esempio, i dinamici "quadri d'azione" di Pollock, caratterizzati dalla loro intricata densità visiva, divergono in modo significativo, sia tecnicamente che esteticamente, dall'intensa e spesso distorta serie Donne di De Kooning. Donna V appartiene a una sequenza di sei dipinti realizzati da de Kooning dal 1950 al 1953, ciascuno raffigurante una figura femminile di tre quarti. L'artista iniziò il lavoro iniziale di questa serie, Donna I, nel giugno 1950, intraprendendo numerose revisioni e ridipinture fino a gennaio o febbraio 1952, momento in cui la tela rimase incompleta. Successivamente, lo storico dell'arte Meyer Schapiro osservò il dipinto nello studio di de Kooning e sostenne il continuo impegno dell'artista con il tema. In risposta, de Kooning iniziò tre ulteriori dipinti che esploravano lo stesso soggetto: Donna II, Donna III e Donna IV. Per tutta l'estate del 1952, mentre risiedeva a East Hampton, de Kooning sviluppò ulteriormente questo concetto tematico attraverso schizzi e pastelli. Il completamento di Donna I avvenne probabilmente entro la fine di giugno o potenzialmente fino a novembre 1952, con gli altri tre dipinti di "Donna" presumibilmente terminati intorno allo stesso periodo. La serie Woman rappresenta inequivocabilmente una raccolta di dipinti figurativi.
Franz Kline rappresenta un altro artista significativo all'interno di questo movimento. Similmente a Jackson Pollock e ad altri espressionisti astratti, Kline è stato classificato come un "pittore d'azione" a causa della sua tecnica apparentemente spontanea e vigorosa, che dava priorità alla pennellata e alla manipolazione della tela rispetto a figurazioni o immagini esplicite, esemplificate dal suo dipinto Numero 2 (1954).
La scrittura automatica è stata un metodo cruciale per i pittori d'azione tra cui Kline (in particolare nelle sue opere monocromatiche), Pollock, Mark Tobey e Cy Twombly. Questi artisti utilizzavano il gesto, la struttura della superficie e la linea per generare simboli calligrafici e lineari e modelli intricati che evocavano forme linguistiche e risuonavano come potenti espressioni dell'inconscio collettivo. Nella sua serie Elegy to the Spanish Republic, Robert Motherwell ha prodotto dipinti in bianco e nero di grande impatto, utilizzando gesti, superficie e simbolismo per suscitare profonde risposte emotive.
Contemporaneamente, altri pittori d'azione, tra cui de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell e James Brooks, hanno incorporato immagini, attraverso paesaggi astratti o rappresentazioni espressionistiche della figura umana, per trasmettere le loro dichiarazioni artistiche profondamente personali e potenti. I dipinti di James Brooks erano particolarmente poetici e anticipatori dell'astrazione lirica, un movimento che guadagnò importanza tra la fine degli anni '60 e gli anni '70.
Campo colore
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Mark Rothko, il cui lavoro presenta blocchi di colore serenamente scintillanti (e che Rothko stesso ha sconfessato come astratti o tipicamente espressionisti), sono classificati come espressionisti astratti. Tuttavia, appartengono a ciò che Clement Greenberg ha identificato come la tendenza Color Field all’interno dell’espressionismo astratto. Sia Hans Hofmann che Robert Motherwell sono accuratamente caratterizzati come praticanti sia dell'Action Painting che del Color Field Painting. Durante gli anni '40, le immagini meticolosamente strutturate di Richard Pousette-Dart si ispiravano spesso a temi mitologici e mistici, una caratteristica evidente anche nei dipinti di Gottlieb e Pollock dello stesso decennio.
Inizialmente, la pittura Color Field era classificata come una forma distinta di espressionismo astratto, comprendendo in particolare le opere di Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt e varie serie di Joan Miró. Clement Greenberg ha identificato la pittura Color Field come uno stile che condivideva affinità con l'Action painting pur mantenendo le proprie caratteristiche uniche. I praticanti della pittura Color Field miravano a spogliare le loro creazioni artistiche da qualsiasi elemento retorico estraneo. Artisti di spicco come Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis e Mark Tobey, insieme ad Ad Reinhardt e Barnett Newman, la cui opera fondamentale Vir heroicus sublimis è ospitata al MoMA, hanno utilizzato riferimenti naturalistici minimi e hanno dimostrato un'applicazione sofisticata e psicologicamente risonante del colore. Questi artisti generalmente evitavano immagini riconoscibili, sebbene Rothko e Gottlieb occasionalmente incorporassero simboli e segni come sostituti delle forme rappresentative. Mentre alcuni artisti integravano allusioni all’arte storica o contemporanea, la pittura Color Field poneva principalmente l’astrazione come obiettivo intrinseco. Attraverso questo approccio modernista, gli artisti hanno cercato di rendere ogni dipinto come un'entità visiva singolare, unificata e monolitica.
In contrasto con l'intensa emotività e la pennellata gestuale caratteristica degli espressionisti astratti come Pollock e de Kooning, i pittori Color Field inizialmente presentavano un'estetica fresca e austera. Minimizzarono i singoli segni, favorendo invece campi di colore piatti e espansivi, che consideravano fondamentali per l'astrazione visiva. Questo approccio si estende anche alla forma fisica della tela, un concetto esplorato da Frank Stella negli anni '60 attraverso combinazioni non convenzionali di bordi curvi e diritti. Tuttavia, la pittura Color Field alla fine dimostrò una capacità sia di sensualità che di profonda espressività, anche se attraverso metodi distinti da quelli dell'espressionismo astratto gestuale.
Mentre l'espressionismo astratto si diffuse rapidamente negli Stati Uniti, i suoi centri principali furono New York City e la California, in particolare all'interno della New York School e dell'area della Baia di San Francisco. Le opere dell'espressionismo astratto mostrano attributi comuni, come l'utilizzo di tele ampie e una strategia compositiva "all-over", in cui all'intera superficie viene attribuito un significato uniforme piuttosto che enfatizzare un punto focale centrale sulla periferia. Il concetto della tela come arena è servito come principio fondamentale per l'Action painting, mentre l'integrità del piano pittorico è diventato un principio fondamentale per i pittori Color Field. Nel corso degli anni '50, anche una nuova generazione di artisti, tra cui Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas e Robert Goodnough, iniziarono a esporre opere influenzate dall'espressionismo astratto.
Sebbene lo stile distintivo, la tecnica, il tocco pittorico e l'applicazione fisica della pittura di Pollock lo associno fortemente all'Action Painting, i critici d'arte hanno anche tracciato parallelismi tra il suo lavoro e la pittura Color Field. Una notevole prospettiva critica, avanzata da Greenberg, collega le tele all-over di Pollock alla serie su larga scala Ninfee di Claude Monet degli anni '20. Critici come Michael Fried e Greenberg hanno osservato che l'impressione generale trasmessa dalle creazioni più famose di Pollock, i suoi dipinti gocciolamento, è quella di campi estesi composti da elementi lineari accumulati. Notano che queste opere si manifestano spesso come vasti complessi di matasse di vernice di valore simile e campi completi di colore e disegno, riecheggiando i Monet di dimensioni murali, che sono similmente costruiti da segni pennellati e scrostati di grande valore che si risolvono anche in campi di colore e disegno. L'adozione della composizione all-over da parte di Pollock stabilisce un collegamento sia filosofico che fisico con i metodi impiegati dai pittori Color Field come Newman, Rothko e Still nel costruire le loro superfici ininterrotte e, nel caso di Still, rotte. In diversi dipinti eseguiti dopo il periodo fondamentale della pittura goccia (1947-1950), Pollock utilizzò la tecnica di colorare olio fluido e pittura domestica direttamente sulla tela grezza. Nel 1951, produsse una serie di dipinti semi-figurativi a macchie nere, seguiti da dipinti a macchie di colore nel 1952. La sua mostra del novembre 1952 alla Sidney Janis Gallery di New York City presentava Numero 12, 1952, un monumentale e magistrale dipinto a macchie che ricorda un paesaggio macchiato dai colori vivaci, ricoperto da vernice scura ampiamente gocciolata; quest'opera è stata acquisita da Nelson Rockefeller per la sua collezione personale direttamente dalla mostra.
Arshile Gorky, riconosciuto come una figura fondamentale dell'espressionismo astratto e un surrealista, fu anche tra i primi pittori della New York School a utilizzare la tecnica della colorazione. Gorky sviluppò ampi campi di colore vivido, aperto e continuo, che utilizzò spesso come fondi in molti dei suoi dipinti. Nelle sue opere di maggior impatto e compiute tra il 1941 e il 1948, applicò costantemente intensi campi di colore macchiati, spesso permettendo alla vernice di scorrere e gocciolare sotto e attorno al suo caratteristico lessico di forme organiche e biomorfiche e linee delicate. James Brooks rappresenta un altro espressionista astratto le cui opere degli anni '40 prefigurano i dipinti a macchie prevalenti negli anni '60 e '70. Brooks incorporò regolarmente la colorazione come tecnica nei suoi dipinti dalla fine degli anni Quaranta in poi. Iniziò a diluire la pittura ad olio per ottenere colori fluidi adatti a essere versati, gocciolati e colorati sulla tela prevalentemente grezza che preferiva. Queste composizioni spesso integravano la calligrafia con forme astratte. Durante gli ultimi tre decenni della sua carriera, lo stile distintivo di Sam Francis, un luminoso espressionismo astratto su larga scala, divenne strettamente associato alla pittura Color Field. La sua opera si colloca a cavallo tra entrambe le fazioni principali dell'espressionismo astratto: Action Painting e Color Field Painting.
Ispirandosi ai dipinti di Pollock del 1951, che presentavano pittura a olio nera diluita macchiata su tela grezza, Frankenthaler iniziò a produrre dipinti a macchie utilizzando vari colori a olio su tela grezza nel 1952. La sua opera più celebre di quel periodo è Montagne e mare. È riconosciuta come una delle fondatrici del movimento Color Field, emerso alla fine degli anni '50. Frankenthaler ha intrapreso anche gli studi con Hans Hofmann.
La produzione artistica di Hofmann, esemplificata da The Gate, 1959–1960, è caratterizzata da una vibrante tavolozza cromatica. Ottenne il riconoscimento non solo come pittore ma anche come influente educatore artistico, inizialmente nella sua nativa Germania e successivamente negli Stati Uniti. Arrivato negli Stati Uniti dalla Germania all'inizio degli anni '30, Hofmann introdusse i principi del Modernismo. Durante i suoi anni formativi come artista nella Parigi prima della prima guerra mondiale, Hofmann collaborò con Robert Delaunay e ottenne un'esposizione diretta ai contributi rivoluzionari di Picasso e Matisse. L'opera di Matisse ha avuto un impatto significativo sulla prospettiva artistica di Hofmann, in particolare sulla sua comprensione della capacità espressiva del colore e del potenziale intrinseco dell'astrazione. Hofmann emerse come teorico pionieristico della pittura a campi di colore e le sue strutture concettuali influenzarono profondamente artisti e critici, in particolare Clement Greenberg, negli anni '30 e '40. Nel 1953, Morris Louis e Kenneth Noland sperimentarono un profondo cambiamento artistico dopo aver osservato i dipinti a macchie di Helen Frankenthaler durante uno studio. Al loro ritorno a Washington, D.C., iniziarono la creazione di opere fondamentali che fondarono il movimento color field alla fine degli anni '50.
Nel 1972, Henry Geldzahler, allora curatore del Metropolitan Museum of Art, articolò quanto segue:
Clement Greenberg presentò le creazioni di Morris Louis e Kenneth Noland in una mostra da lui organizzata alla Kootz Gallery all'inizio degli anni '50. Greenberg è stato il primo osservatore a discernere la loro promessa artistica. Ha esteso loro un invito a Quest'opera eccezionalmente bella, che traeva ispirazione sia da Pollock che da Gorky, rappresentava anche una delle prime immagini a macchie, un pionieristico dipinto su larga scala che utilizzava la tecnica delle macchie, forse il primo in assoluto. Louis e Noland hanno osservato il dipinto srotolato sul pavimento del suo studio prima di tornare a Washington, D.C., dove hanno esplorato in collaborazione le implicazioni di questo approccio pittorico innovativo per un periodo.
Sviluppi negli anni '60 successivi all'espressionismo astratto
Durante gli anni '50 e '60, la pittura astratta ha assistito all'emergere di diverse direzioni innovative, tra cui la pittura Hard-edge, esemplificata da John McLaughlin. Allo stesso tempo, come controrisposta al soggettivismo intrinseco dell'espressionismo astratto, forme alternative di astrazione geometrica iniziarono a manifestarsi negli studi degli artisti e all'interno dei circoli dell'avanguardia progressista. Greenberg ha assunto un ruolo di primo piano nel sostenere l'astrazione post-pittore; curando un'importante mostra di pittura contemporanea che ha visitato le principali istituzioni artistiche degli Stati Uniti nel 1964. Questo periodo ha visto l'ascesa della pittura Color field, della pittura Hard-edge e dell'astrazione lirica come traiettorie artistiche rivoluzionarie.
Espressionismo astratto e contesto della Guerra Fredda
Dalla metà degli anni '70, il discorso accademico ha ipotizzato che l'espressionismo astratto avesse attirato l'attenzione della CIA all'inizio degli anni '50. Secondo quanto riferito, l’agenzia percepiva lo stile come emblematico degli Stati Uniti come bastione della libertà intellettuale e dei mercati aperti, sfidando contemporaneamente l’estetica realista socialista prevalente nelle nazioni comuniste e il dominio consolidato dei mercati dell’arte europei. Il libro di Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (pubblicato nel Regno Unito come Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) descrive meticolosamente il coinvolgimento finanziario e organizzativo della CIA nella promozione degli espressionisti astratti americani come componente dell'imperialismo culturale attraverso il Congress for Cultural Freedom dal 1950 al 1967. In particolare, la serie di Robert Motherwell Elegia alla Repubblica spagnola affrontava direttamente alcune di queste dimensioni politiche. Tom Braden, capo inaugurale della Divisione Organizzazioni Internazionali (IOD) della CIA ed ex segretario esecutivo del Museum of Modern Art, ha dichiarato in un'intervista che la considerava "la divisione più cruciale che l'agenzia possedeva" e credeva che "giocasse un ruolo monumentale nella Guerra Fredda".
Contrapponendosi a questa prospettiva revisionista, un saggio di Michael Kimmelman, il principale critico d'arte del The New York Times, intitolato Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, sostiene che una parte sostanziale delle informazioni riguardanti la scena artistica americana durante gli anni Quaranta e Cinquanta, insieme alle interpretazioni dei revisionisti, sono imprecise o decontestualizzate. Ulteriori lavori accademici su questo argomento includono Art in the Cold War di Christine Lindey, che esamina anche l'arte dell'Unione Sovietica della stessa epoca, e Pollock and After, a cura di Francis Frascina, che ha ripubblicato l'articolo di Kimmelman.
Conseguenze
Il pittore canadese Jean-Paul Riopelle (1923–2002), membro del gruppo di ispirazione surrealista Les Automatistes con sede a Montreal, contribuì all'introduzione di uno stile impressionista astratto correlato nel mondo dell'arte parigino a partire dal 1949. Anche il libro fondamentale di Michel Tapié, Un Art Autre (1952), si dimostrò profondamente influente in questo contesto. Tapié, che fu anche curatore e organizzatore di mostre, sostenne l'arte di Pollock e Hans Hofmann in tutta Europa. Negli anni '60, l'impatto iniziale del movimento era stato assorbito, ma le sue metodologie e i suoi sostenitori continuarono a esercitare un'influenza artistica significativa, plasmando profondamente la produzione degli artisti successivi. L’espressionismo astratto servì da precursore e influenzò i successivi movimenti degli anni ’60 e ’70, tra cui il Tachisme, la pittura Color Field, l’astrazione lirica, Fluxus, la Pop Art, il Minimalismo, il Postminimalismo e il Neoespressionismo. Al contrario, i movimenti emersi come risposte dirette o ribellioni contro l’espressionismo astratto includevano la pittura hard-edge, esemplificata da artisti come Frank Stella e Robert Indiana, e la Pop Art, con figure di spicco come Andy Warhol, Claes Oldenburg e Roy Lichtenstein negli Stati Uniti, insieme a Richard Hamilton in Gran Bretagna. Negli Stati Uniti, Robert Rauschenberg e Jasper Johns stabiliscono un legame cruciale tra l’espressionismo astratto e la Pop Art. Il minimalismo, ad esempio, ha trovato i suoi esempi in artisti come Donald Judd, Robert Mangold e Agnes Martin.
Tuttavia, molti pittori, tra cui Jules Olitski, Joan Mitchell e Antoni Tàpies, persistettero nell'impiegare lo stile espressionista astratto per un lungo periodo, estendendo e ampliando così le sue dimensioni visive e filosofiche, una pratica continuata da numerosi artisti astratti contemporanei attraverso stili come l'astrazione lirica e il neoespressionismo.
Nel Dopo la seconda guerra mondiale, un collettivo di artisti di New York fondò una delle prime scuole artistiche distinte in America, inaugurando una nuova epoca nell'arte americana attraverso l'espressionismo astratto. Questo sviluppo ha catalizzato un significativo boom dell’arte americana, favorendo l’emergere di stili come la Pop Art. Allo stesso tempo, ha contribuito alla trasformazione di New York City in un importante centro culturale e artistico.
Gli espressionisti astratti danno priorità all'organismo dinamico rispetto all'insieme statico, enfatizzano il divenire rispetto all'essere, privilegiano l'espressione rispetto alla perfezione, preferiscono la vitalità rispetto alla mera finitura, preferiscono la fluttuazione al riposo, apprezzano il sentimento rispetto alla formulazione rigida, abbracciano l'ignoto rispetto al conosciuto, il velato rispetto al chiaro, l'individuo rispetto alle norme sociali e l'esperienza interiore rispetto all'apparenza esterna.
Grande scultura
Elenco degli espressionisti astratti
Artisti espressionisti astratti
- Artisti significativi il cui lavoro maturo ha definito l'espressionismo astratto americano:
Altri artisti
- Artisti significativi il cui lavoro maturo si riferisce al movimento espressionista astratto americano:
Stili, tendenze, scuole e movimenti correlati
Stili, tendenze, scuole e movimenti correlati
Altri argomenti correlati
- Barbablu, di Kurt Vonnegut, presenta un'autobiografia immaginaria attribuita all'espressionista astratto immaginario Rabo Karabekian.
- Michel Tapié (critico e organizzatore di mostre determinante nella diffusione dell'espressionismo astratto in Europa, Giappone e America Latina)
Riferimenti
Libri
- Belgrado, Daniele. La cultura della spontaneità. Improvvisazione e arti nell'America del dopoguerra University of Chicago Press, Chicago & Londra, 1998. ISBN 978-966-359-305-0
- Anfam, David. Espressionismo astratto (New York e Londra: Thames & Hudson, 1990). ISBN 0-500-20243-5
- Craven, David, Espressionismo astratto come critica culturale: dissenso durante il periodo McCarthy (Cambridge; New York: Cambridge University Press, 1999.) ISBN 0-521-43415-7
- Marika Herskovic, Espressionismo astratto e figurativo americano: lo stile è attuale, l'arte è senza tempo (New York School Press, 2009.) ISBN 978-0-9677994-2-1
- Marika Herskovic, Espressionismo astratto americano degli anni '50 An Illustrated Survey, (New York School Press, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4
- Marika Herskovic, New York School Abstract Expressionists Artists Choice by Artists, (New York School Press, 2000.) ISBN 0-9677994-0-6
- Papanikolas, Theresa e Stephen Salel, Stephen, Espressionismo astratto, guardando dall'estremo ovest, Honolulu Museum of Art, 2017, ISBN 9780937426920
- Serge Guilbaut. Come New York ha rubato l'idea dell'arte moderna, University of Chicago Press, 1983.
Bibliografia
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- Greenberg, Clemente. "Pittura 'tipo americano'". In Arte e cultura: saggi critici. Boston: Beacon Press, 1961, pp. 208–29.
- Jachec, Nancy. Filosofia e politica dell'espressionismo astratto 1940-1960. Cambridge University Press: Cambridge, 2000, ISBN 0-521-65154-9.
- O'Connor, Francis V. Jackson Pollock [catalogo della mostra]. New York: Museo d'Arte Moderna, [1967], OCLC 165852.
- Saunders, Frances Stonor. La guerra fredda culturale: la CIA e il mondo delle arti e delle lettere. New York: New Press, distribuito da W.W. Norton & Co., 2000, ISBN 1-56584-596-X.
- Tapie, Michel. Hans Hofmann: Paintings 1962: 23 aprile – 18 maggio 1963. Parigi: Galerie Anderson-Mayer, 1963. [Catalogo della mostra e commento], OCLC 62515192.
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- Wechsler, Jeffrey. (2007). Percorsi e paralleli: strade verso l'espressionismo astratto. New York: Gallerie Hollis Taggart, ISBN 978-0-9759954-9-5.
- Jackson Pollock
- Filippo Guston
- Perle Fine Abstract Expressionism - Pittore d'azione newyorkese degli anni '50 su YouTube
- Espressionismo astratto di Albert Kotin anni '50-Action painting della New York School degli anni '50 su YouTube
- Action painting anni '50 dell'Espressionismo astratto di James Brooks-New York School su YouTube
- Inizio della New York School degli anni '50 - Espressionismo astratto degli anni '50 su YouTube
- Espressionismo astratto anni '50-New York School Artists of the 9th St Show Reminisce su YouTube
- Nicolas Carone-Espressionismo astratto-Artista della 9th St. Show su YouTube
- Espressionismo astratto di Robert Richenburg anni '50-Scuola di New York anni '50 su YouTube
- HENI Talks, Che cos'è: l'espressionismo astratto?