Art Deco

Art Deco, un'abbreviazione del termine francese Arts Décoratifs (letteralmente, 'Arti decorative'), denota uno stile prominente nelle arti visive, nell'architettura e nel design del prodotto. Emerso a Parigi negli anni '10, poco prima della prima guerra mondiale, raggiunse una proliferazione internazionale dagli anni '20 all'inizio degli anni '30, influenzando il design estetico e strutturale di oggetti, dai grandi edifici ai piccoli oggetti, inclusi abbigliamento, moda e gioielli. L'impatto pervasivo dell'Art Déco è riconoscibile in strutture come grattacieli, cinema, ponti e transatlantici, nonché in treni, automobili, camion, autobus, mobili e oggetti di uso quotidiano come radio e aspirapolvere.

Art Deco, abbreviazione del francese arte decorativa (lit.'arti decorative), è uno stile di arti visive, architettura e design di prodotto apparso per la prima volta a Parigi nel 1910 poco prima della prima guerra mondiale e fiorì a livello internazionale tra gli anni '20 e l'inizio degli anni '30, attraverso lo stile e il design degli esterni e degli interni di qualsiasi cosa, dalle grandi strutture ai piccoli oggetti, inclusi abbigliamento, moda e gioielli. L'Art Déco ha influenzato edifici, dai grattacieli ai cinema, ai ponti, ai transatlantici, ai treni, alle automobili, ai camion, agli autobus, ai mobili e agli oggetti di uso quotidiano, tra cui radio e aspirapolvere.

L'appellativo "Art Déco" ha guadagnato terreno in seguito all'Exposition internationale des arts decorationatifs et industriels modernes del 1925 a Parigi. La sua genesi stilistica può essere fatta risalire alla marcata estetica geometrica della Secessione viennese e del Cubismo. Le prime influenze sull’Art Déco includevano le vibranti tavolozze del Fauvismo e dei Balletti Russi, insieme alle tradizioni artistiche esotiche di Cina, Giappone, India, Persia, antico Egitto e civiltà Maya. Durante il suo periodo iniziale, lo stile veniva indicato con varie denominazioni, come style moderne, Moderne, modernistic o style contemporain, e non veniva quindi percepito come un movimento artistico singolare e coeso.

Al suo apice, l'Art Déco incarnava concetti di lusso, glamour, esuberanza e una fiducia ottimistica nel progresso sociale e tecnologico. Il movimento era caratterizzato dall'incorporazione di materiali rari e costosi, tra cui ebano e avorio, abbinati a un'eccezionale maestria. Inoltre, ha aperto la strada all’uso di nuovi materiali come la cromatura, l’acciaio inossidabile e la plastica. Notevoli esempi architettonici di questo stile degli anni '20 e '30 a New York City includono l'Empire State Building e il Chrysler Building. A livello globale, Miami Beach, in Florida, ospita la più vasta collezione di architettura Art Déco.

L'estetica dell'Art Déco subì una moderazione durante la Grande Depressione. Gli anni '30 videro l'emergere di Streamline Moderne, una variante raffinata caratterizzata da forme curvilinee e finiture eleganti e lucide. Sebbene l'Art Déco abbia ottenuto il riconoscimento internazionale, la sua preminenza diminuì dopo l'inizio della seconda guerra mondiale, cedendo ai principi funzionali e minimalisti dell'architettura moderna e dello stile internazionale.

Terminologia

La denominazione "Art Deco", abbreviazione di Arts Décoratifs, ha origine dall'Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne, tenutasi a Parigi nel 1925. In Francia, la classificazione delle arti decorative fu inizialmente documentata nel Bulletin de la Société française de photographie del 1858. Successivamente, nel 1868, Le Figaro utilizzò la frase objets d'art Décoratifs per descrivere gli oggetti di scena creati per il Théâtre de l'Opéra. Nel 1875, il governo francese riconobbe formalmente come artisti vari artigiani, tra cui designer di mobili, artigiani tessili, gioiellieri e vetrai. L'École nationale supérieure des arts decorationatifs (ENSAD) è stata fondata nel 1920, consolidando ulteriormente il riconoscimento istituzionale delle arti decorative.

Il termine preciso Art déco è apparso per la prima volta in stampa nel 1966, come parte del titolo della mostra moderna inaugurale dedicata all'argomento: Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. Questa mostra, ospitata dal Museo delle Arti Decorative di Parigi, comprendeva una gamma di stili significativi degli anni '20 e '30. Successivamente, Hillary Gelson utilizzò il termine in un articolo del 1966 pubblicato su The Times, in cui descriveva i diversi stili presenti alla mostra.

Il termine "Art Deco" ottenne un ampio riconoscimento come descrittore stilistico nel 1968, in coincidenza con la pubblicazione del primo importante lavoro accademico sull'argomento da parte dello storico Bevis Hillier, intitolato Art Deco degli anni '20 e '30. Hillier osservò che il termine era già in uso tra i mercanti d'arte, citando riferimenti come The Times (2 novembre 1966) e un saggio intitolato Les Arts Déco sulla rivista Elle (novembre 1967) come prova. Nel 1971, Hillier curò una mostra al Minneapolis Institute of Arts, ampiamente documentata nella sua successiva pubblicazione, The World of Art Deco.

Mike Hope enumera numerose designazioni alternative utilizzate per l'architettura Art Déco, tra cui: stile Odeon, stile Liberty, stile Moderne, Jazz Moderne, Zigzag Moderne, British Moderne, Nautical Moderne, Modern Ship Style, Pacqueboat Style, Ocean Liner Style, White Modern, Futurist Art Deco, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderne, PWA Moderne, PWA/WPA Moderne, Federal Moderne, Depression Moderne, Classical Moderne, Modernismo classico, Classico modernista, Scuola di Chicago, Cubismo architettonico ceco, Futurismo italiano, Scuola della prateria, Teatro atmosferico, Med Deco, Scuola di Amsterdam, Nieuwe Zakelijkheid (Nuova Oggettività), Revival Maya, Secessione giapponese, Stile Pueblo spagnolo, Pueblo Deco, Romanticismo nazionale finlandese, Neogotico, Neobizantino, Neoegiziano, Missione spagnola, Scuola internazionale, Stile internazionale europeo, Wiener Werkstätte, Classicismo libero, Neoclassicismo essenziale, Classicismo privo di decorazioni, Classicismo essenziale, Moderno di transizione e Vogue Regency.

Origini

Nuovi materiali e tecnologie

L'emergere e le caratteristiche estetiche dell'Art Déco furono fondamentalmente plasmate da materiali e tecnologie innovativi, in particolare dal cemento armato. François Coignet costruì la prima casa in cemento nel 1853 nella periferia parigina. Successivamente, nel 1877, Joseph Monier fu pioniere del concetto di armatura del calcestruzzo attraverso l'integrazione di una rete di tondini di ferro disposta secondo una configurazione a griglia. Auguste Perret fece avanzare ulteriormente questo progetto nel 1893 costruendo il primo garage in cemento di Parigi, seguito da un condominio, una residenza privata e infine, nel 1913, il Théâtre des Champs-Élysées.

Un critico notoriamente denigrò il teatro definendolo lo "Zeppelin di Avenue Montaigne", attribuendo il suo design a una presunta influenza germanica derivata dalla Secessione di Vienna. Dopo questo periodo, la maggior parte delle strutture Art Déco furono costruite utilizzando cemento armato, un materiale che offriva una maggiore flessibilità formale e riduceva la necessità di pilastri e colonne strutturali. Perret ha anche innovato rivestendo le superfici in calcestruzzo con piastrelle di ceramica, che svolgono sia funzioni protettive che decorative. Le Corbusier, il famoso architetto, acquisì inizialmente la conoscenza delle applicazioni del cemento armato durante il suo incarico come disegnatore nello studio di Perret.

Ulteriori progressi tecnologici cruciali per l'Art Déco includevano nuove tecniche per la produzione di lastre di vetro, che riducevano i costi e facilitavano la creazione di finestre significativamente più grandi e robuste. Inoltre, la produzione di massa dell'alluminio divenne determinante, inizialmente per l'edilizia e gli infissi e successivamente, attraverso il lavoro di Corbusier, Warren McArthur e altri designer, per mobili leggeri.

La Secessione di Vienna e la Wiener Werkstätte (1897-1912)

Gli architetti associati alla Secessione viennese, fondata nel 1897, in particolare Josef Hoffmann, esercitarono un'influenza significativa sul movimento Art Déco. Il Palazzo Stoclet di Hoffmann a Bruxelles (1905-1911) fu un esempio archetipico del nascente stile Art Déco, caratterizzato da volumi geometrici, composizione simmetrica, forme rettilinee, superfici di cemento ornate con placche di marmo, ornamenti meticolosamente scolpiti e interni opulenti, in particolare con fregi a mosaico di Gustav Klimt. Inoltre, Hoffmann ha co-fondato la Wiener Werkstätte (1903-1932), un influente collettivo di artigiani e designer di interni dedito all'estetica emergente. Questa organizzazione ispirò successivamente la formazione della Compagnie des arts français nel 1919, che unì André Mare e Louis Süe, che divennero importanti designer e decoratori francesi dell'Art Déco.

Società degli artisti decorativi (1901–1945)

La genesi dell'Art Déco era intrinsecamente legata all'elevata posizione degli artisti decorativi, che in precedenza erano stati classificati semplicemente come artigiani fino alla fine del XIX secolo. In Francia, la denominazione arti decorative ha guadagnato terreno con l'aumento del prestigio delle arti decorative. Nel 1875, il governo francese riconobbe formalmente i designer di mobili, i produttori tessili e altri artigiani qualificati come artisti legittimi. La Société des artistes decorationateurs (Società degli artisti decorativi), abbreviata in SAD, è stata fondata nel 1901, garantendo agli artisti decorativi diritti di paternità equivalenti a quelli detenuti da pittori e scultori. Un'evoluzione artistica parallela si è verificata in Italia, culminando nell'Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna di Torino del 1902, la mostra internazionale inaugurale dedicata esclusivamente alle arti decorative.

Parigi vide la nascita di numerosi nuovi periodici dedicati alle arti decorative, in particolare Arts et decoration e L'Art Décoratif moderne. Sezioni specifiche per le arti decorative furono incorporate nelle mostre annuali della Sociéte des artistes français, seguite dalla loro inclusione nel Salon d'Automne. Anche il nazionalismo francese contribuì alla rinascita delle arti decorative, spinto dalle preoccupazioni dei designer francesi per il crescente afflusso di mobili tedeschi più convenienti. Nel 1911, il SAD propose un'importante esposizione internazionale di arti decorative, inizialmente prevista per il 1912. Questa mostra doveva presentare esclusivamente creazioni moderne, vietando esplicitamente le riproduzioni di stili storici. L'evento venne successivamente posticipato al 1914 e poi, a causa della guerra, ulteriormente rinviato al 1925, anno in cui diede il nome all'intero movimento stilistico denominato "Déco".

I grandi magazzini e gli stilisti parigini furono determinanti nell'emergere dell'Art Déco. Imprese leader, tra cui il produttore di argenteria Christofle, l'artista del vetro René Lalique e i gioiellieri Louis Cartier e Boucheron, iniziarono a sviluppare prodotti in stili contemporanei. Dal 1900 in poi, i grandi magazzini iniziarono ad impiegare artisti decorativi nei loro studi di design dedicati. Lo schema decorativo per il Salon d'Automne del 1912 fu assegnato al grande magazzino Printemps, che successivamente fondò nello stesso anno il proprio laboratorio, Primavera.

Nel 1920, Primavera si era ampliato fino a includere oltre 300 artisti, la cui produzione creativa comprendeva uno spettro che spaziava dalle interpretazioni modernizzate di Luigi XIV, Luigi XVI e in particolare Mobili Luigi Filippo, realizzati da Louis Süe e dal laboratorio Primavera, fino a design più contemporanei provenienti dal laboratorio del grande magazzino Au Louvre. Al contrario, designer come Émile-Jacques Ruhlmann e Paul Follot evitarono la produzione di massa, sostenendo l’artigianato individuale di ogni articolo. La nascente estetica Art Déco era caratterizzata da materiali opulenti e rari come l'ebano, l'avorio e la seta, insieme a tavolozze di colori vivaci e motivi stilizzati, in particolare cesti e diverse composizioni floreali, che nel loro insieme conferivano un aspetto modernista.

Durante il suo periodo formativo tra il 1910 e il 1914, l'Art Déco si manifestò come una vibrante esposizione cromatica, caratterizzata da tonalità brillanti e spesso contrastanti, spesso incorporate in motivi floreali su rivestimenti di mobili, tappeti, paraventi, carta da parati e tessuti. Numerosi pezzi colorati, come le sedie e un tavolo di Maurice Dufrêne e un vivace tappeto Gobelin di Paul Follot, furono esposti al Salon des artistes Décorateurs del 1912. Tra il 1912 e il 1913, il designer Adrien Karbowsky realizzò una sedia floreale ornata con il motivo di un pappagallo per il capanno da caccia del collezionista d'arte Jacques Doucet. I designer di mobili Louis Süe e André Mare debuttarono alla mostra del 1912 con il soprannome di Atelier français, dove integrarono tessuti policromi con materiali lussuosi ed esotici, come l'ebano e l'avorio. Dopo la prima guerra mondiale, la loro azienda divenne famosa tra le aziende francesi di interior design, arredando saloni e cabine di prima classe dei transatlantici francesi.

Alla sua nascita tra il 1910 e il 1914, l'Art Déco fu un'esplosione di colori, caratterizzata da tonalità brillanti e spesso contrastanti, spesso in disegni floreali, presentati in rivestimenti di mobili, tappeti, paraventi, carta da parati e tessuti. Molte opere colorate, tra cui sedie e un tavolo di Maurice Dufrêne e un luminoso tappeto Gobelin di Paul Follot, furono presentate al Salon des artistes decorationateurs del 1912. Nel 1912-1913 il designer Adrien Karbowsky realizzò una sedia floreale con il disegno di un pappagallo per il capanno da caccia del collezionista d'arte Jacques Doucet. I designer di mobili Louis Süe e André Mare fecero la loro prima apparizione alla mostra del 1912, sotto il nome di Atelier français, combinando tessuti policromi con materiali esotici e costosi, tra cui ebano e avorio. Dopo la prima guerra mondiale, divennero una delle più importanti aziende francesi di interior design, producendo mobili per i saloni e le cabine di prima classe dei transatlantici francesi.

La vibrante tavolozza di colori caratteristica dell'Art Déco traeva ispirazione da diverse origini, in particolare le scenografie esotiche create da Léon Bakst per i Ballets Russes, che affascinarono il pubblico parigino poco prima della prima guerra mondiale. Alcuni colori furono influenzati dal precedente movimento Fauvismo, guidato da Henri Matisse; altri dall'orfismo di artisti come Sonia Delaunay; e altri ancora del movimento Les Nabis, così come le creazioni del pittore simbolista Odilon Redon, che concepì paracamini e vari oggetti decorativi. Le tonalità brillanti sono state un segno distintivo dell'opera dello stilista Paul Poiret, che ha avuto un impatto significativo sia sulla moda Art Déco che sul design degli interni.

Il Théâtre des Champs-Élysées, costruito tra il 1910 e il 1913 da Auguste Perret, è il il primo edificio Art Déco, punto di riferimento, è stato completato a Parigi. Prima di questo, il cemento armato veniva utilizzato esclusivamente nelle strutture industriali e residenziali; Perret stesso aveva precedentemente completato il primo moderno condominio in cemento armato di Parigi in rue Benjamin Franklin tra il 1903 e il 1904. Henri Sauvage, un altro importante architetto che in seguito avrebbe contribuito all'Art Déco, eresse una struttura simile nel 1904 al 7 di rue Trétaigne.

Il Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), di Auguste Perret, fu il primo importante edificio Art Déco completato a Parigi. In precedenza, il cemento armato veniva utilizzato solo per edifici industriali e condominiali, Perret aveva costruito il primo moderno condominio in cemento armato a Parigi in rue Benjamin Franklin nel 1903-2004. Henri Sauvage, un altro importante futuro architetto Art Déco, ne costruì un altro nel 1904 al 7 di rue Trétaigne (1904).

Dal 1908 al 1910, Le Corbusier, allora ventunenne, lavorò come disegnatore nell'ufficio di Perret, acquisendo esperienza nei metodi di costruzione del calcestruzzo. I progetti architettonici di Perret, caratterizzati da forme rettangolari pulite, ornamenti geometrici e linee rette, prefiguravano le caratteristiche distintive dell'Art Déco. Il design degli interni del teatro era altrettanto innovativo, con altorilievi di Antoine Bourdelle sulla facciata, una cupola di Maurice Denis, dipinti di Édouard Vuillard e un sipario Art Déco di Ker-Xavier Roussel. Questa sede ha ospitato in particolare numerose esibizioni inaugurali dei Ballets Russes. Negli anni '20 Perret e Sauvage erano emersi come importanti architetti Art Déco a Parigi.

Cubismo

Nato in Francia tra il 1907 e il 1912, il movimento artistico cubista ha influenzato in modo significativo l'evoluzione dell'Art Déco. Alistair Duncan ha osservato:

"Il cubismo, in una forma imbastardita o nell'altra, divenne la lingua franca degli artisti decorativi dell'epoca."

Gli artisti cubisti furono notevolmente influenzati da Paul Cézanne, dimostrando interesse nel ridurre le forme ai loro componenti geometrici fondamentali: il cilindro, la sfera e il cono.

Nel 1912, gli artisti associati alla Sezione d'Oro presentarono opere che erano significativamente più comprensibili al pubblico rispetto al cubismo analitico di Picasso e Braque. Questa accessibilità ha consentito all'estetica cubista di attrarre moda, mobili e designer di interni.

Al Salon d'Automne del 1912, all'interno della sezione Art Décoratif, fu presentata un'installazione architettonica intitolata La Maison Cubiste. Raymond Duchamp-Villon ne progettò la facciata, mentre André Mare si occupò dell'arredamento interno. La Maison Cubiste era una mostra completamente arredata, caratterizzata da una facciata, una scala, ringhiere in ferro battuto, una camera da letto e un soggiorno, in particolare il Salon Bourgeois, che esponeva dipinti di Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye. Migliaia di partecipanti al salone hanno esplorato questo modello in scala reale.

La facciata della casa di Duchamp-Villon, sebbene incorporasse architravi e frontoni prismatici, non era considerata eccezionalmente radicale per gli standard contemporanei, somigliando in gran parte alla tipica architettura d'epoca. Al contrario, i progetti di Mare per le due stanze interne erano rivoluzionari, presentando carta da parati con rose stilizzate e motivi floreali, accanto a tappezzerie, mobili e tappeti decorati con motivi sgargianti e vivaci, segnando un chiaro allontanamento dall'arredamento convenzionale. Il critico Emile Sedeyn, scrivendo sulla rivista Art et Décoration, ha descritto il lavoro di Mare: "Non si mette in imbarazzo con la semplicità, perché moltiplica i fiori ovunque possano essere messi. L'effetto che cerca è ovviamente uno di pittoresco e allegria. Ci riesce." L'elemento cubista all'interno dell'installazione derivava principalmente dai dipinti esposti. Nonostante gli attacchi critici iniziali che lo etichettavano come estremamente radicale, questa controversia contribuì al suo diffuso successo. L'installazione architettonica successivamente viaggiò all'Armory Show del 1913 a New York, Chicago e Boston. Questa mostra rese popolare in modo significativo il termine "cubista", portandolo alla sua applicazione a varie tendenze moderne, dalle acconciature femminili alla moda e alle produzioni teatrali.

Le influenze cubiste persistettero all'interno dell'Art Déco, anche se il movimento si diversificò in numerose altre direzioni stilistiche.

La geometria adombrata del cubismo divenne la moneta del regno negli anni '20. Lo sviluppo dell'Art Déco della geometria selettiva del cubismo in una gamma più ampia di forme portò il cubismo come tassonomia pittorica a un pubblico molto più ampio e ad un fascino più ampio. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art)

Influenze

Stili europei pre-prima guerra mondiale

L'Art Déco comprendeva una vasta gamma di stili, spesso esibendo caratteristiche contraddittorie, piuttosto che rappresentare un'estetica singolare. Dal punto di vista architettonico, l’Art Déco emerse come successore e contrappunto stilistico contro l’Art Nouveau, fiorito in tutta Europa tra il 1895 e il 1900. Coesisteva anche con le Beaux-Arts prevalenti e i movimenti neoclassici nell’architettura europea e americana. Nel 1905, Eugène Grasset pubblicò Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, un'opera che esplorava sistematicamente le dimensioni decorative (ornamentali) di elementi geometrici, forme, motivi e le loro variazioni. Questa pubblicazione presentava un netto allontanamento dallo stile ondulato Art Nouveau, esemplificato da Hector Guimard, che era stato molto popolare a Parigi solo pochi anni prima. Grasset ha sottolineato il principio fondamentale secondo cui varie forme geometriche semplici, come triangoli e quadrati, sono alla base di tutte le disposizioni compositive. Le strutture in cemento armato progettate da Auguste Perret e Henri Sauvage, in particolare il Théâtre des Champs-Élysées, hanno introdotto metodologie costruttive e decorative innovative che sono state successivamente emulate a livello globale.

Influenze da civiltà antiche e globali

Nel regno della decorazione, l'Art Déco integrava ampiamente diversi elementi stilistici. Queste influenze comprendevano l'arte globale premoderna, facilmente accessibile per lo studio presso istituzioni come il Musée du Louvre, il Musée de l'Homme e il Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. Inoltre, un crescente fascino del pubblico per l'archeologia, stimolato da importanti scavi a Pompei e Troia e dalla scoperta della tomba del faraone Tutankhamon della XVIII dinastia, ha contribuito a questo prestito eclettico. Di conseguenza, artisti e designer hanno sintetizzato motivi derivati dall'antico Egitto, Africa, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia, Mesoamerica e Oceania con l'estetica contemporanea dell'Era delle Macchine.

Integrazione dei movimenti d'avanguardia dell'inizio del XX secolo

Ulteriori influenze stilistiche incorporate nell'Art Déco includevano il futurismo, l'orfismo, il funzionalismo e il più ampio movimento modernista. Il cubismo, quando adattato dalle belle arti alle applicazioni decorative come tessuti o carta da parati, ha rivelato il suo potenziale decorativo intrinseco all’estetica Art Déco. Sonia Delaunay in particolare ha concettualizzato i suoi modelli di abiti in modo astratto e geometrico, descrivendoli come "dipinti vivi o sculture di forme viventi". Louis Barrilet realizzò anche progetti di ispirazione cubista per le vetrate dell'American bar dell'Atrium Casino a Dax (1926), incorporando ingegnosamente i nomi dei cocktail alla moda. Dal punto di vista architettonico, la pronunciata interazione tra volumi orizzontali e verticali, una caratteristica condivisa dal costruttivismo russo e dai principi di progettazione di Frank Lloyd Wright e Willem Marinus Dudok, divenne una tecnica prevalente per articolare le facciate Art Déco in vari tipi di edifici, dalle residenze private e condomini ai cinema e alle stazioni di servizio. Inoltre, l’Art Déco trasse ispirazione dalle tavolozze di colori vibranti, spesso contrastanti, e dai disegni del Fauvismo, particolarmente evidenti nelle opere di Henri Matisse e André Derain, che influenzarono i tessuti, le carte da parati e le ceramiche dipinte Art Déco. Il movimento assimilò anche elementi dell'alta moda contemporanea, caratterizzati da motivi geometrici, chevron, zigzag e composizioni floreali stilizzate. Ulteriori influenze derivarono dalle scoperte in egittologia e da un crescente interesse per l'arte orientale e africana. Dopo il 1925, la passione per i macchinari emergenti, tra cui dirigibili, automobili e transatlantici, servì spesso da ispirazione, culminando nel 1930 nello stile distinto noto come Streamline Moderne.

Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne (1925)

L'Esposizione Internazionale delle Arti Decorative e Industriali Moderne, tenutasi a Parigi da aprile a ottobre 1925, rappresentò l'apice dello stile Art Déco e gli diede il suo nome duraturo. Sponsorizzato ufficialmente dal governo francese, questo vasto evento comprendeva un sito di 55 acri a Parigi, che si estendeva dal Grand Palais sulla riva destra a Les Invalides sulla riva sinistra e lungo le rive della Senna. Il Grand Palais, la sala espositiva più grande della città, ha presentato le arti decorative delle nazioni partecipanti. La mostra comprendeva 15.000 espositori in rappresentanza di venti paesi, tra cui Austria, Belgio, Cecoslovacchia, Danimarca, Regno Unito, Italia, Giappone, Paesi Bassi, Polonia, Spagna, Svezia e la nascente Unione Sovietica. Alla Germania non è stato esteso l'invito a causa delle tensioni del dopoguerra, mentre gli Stati Uniti hanno rifiutato la partecipazione, avendo interpretato male l'obiettivo principale della mostra. Nel corso dei suoi sette mesi, l'evento ha attirato sedici milioni di visitatori. Una regola fondamentale della mostra prevedeva che tutte le opere esposte aderissero all'estetica moderna, vietando severamente gli stili storici. L'obiettivo principale dell'Esposizione era promuovere i produttori francesi di beni di lusso, inclusi mobili, porcellana, vetro, lavorazione dei metalli e tessuti. Per promuovere questo obiettivo, tutti i principali grandi magazzini parigini e importanti designer hanno allestito i propri padiglioni. Uno scopo secondario dell'Esposizione era quello di mettere in mostra prodotti provenienti dalle colonie francesi in Africa e Asia, come avorio e legni esotici.

L'Hôtel du Collectionneur è emerso come un'attrazione notevole all'Esposizione, presentando nuovi design di mobili di Emile-Jacques Ruhlmann, insieme a tessuti Art Déco, tappeti e un dipinto di Jean Dupas. Il suo design degli interni aderiva ai principi di simmetria e forme geometriche, distinguendolo dall'Art Nouveau, e incorporava colori vivaci, squisita fattura e materiali rari e costosi, distinguendolo dall'austera funzionalità dello stile modernista. Mentre la maggior parte dei padiglioni era riccamente decorata e piena di mobili di lusso realizzati a mano, due padiglioni, quello dell'Unione Sovietica e il Pavilion de L'Esprit Nouveau, costruito dall'omonima rivista sotto la direzione di Le Corbusier, adottavano un'estetica austera con semplici pareti bianche e decorazioni minimali, che rappresentavano alcuni dei primi esempi di architettura modernista.

Tardo Art Déco

Nel 1925, due scuole di pensiero distinte e spesso concorrenti coesistevano all'interno dell'Art Déco. I tradizionalisti, che avevano fondato la Società degli artisti decorativi, includevano figure come il designer di mobili Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, lo scultore Antoine Bourdelle e il designer Paul Poiret. Questo gruppo integrava forme moderne con l'artigianato tradizionale e utilizzava materiali costosi. Al contrario, i modernisti rifiutavano sempre più i precedenti storici, sostenendo uno stile radicato nei progressi tecnologici, nella semplicità, nell’assenza di ornamenti, nei materiali poco costosi e nella produzione di massa. I modernisti fondarono la propria organizzazione, L'Unione francese degli artisti moderni, nel 1929. I suoi membri comprendevano gli architetti Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier e Konstantin Melnikov nell'Unione Sovietica; la designer irlandese Eileen Gray; la stilista francese Sonia Delaunay; e i gioiellieri Georges Fouquet e Jean Puiforcat. Criticarono con veemenza il tradizionale stile Art Deco, in particolare criticando i designer che si concentravano sulla creazione di pezzi unici in edizione limitata esclusivamente per una clientela facoltosa. Dal punto di vista modernista, il futuro delle arti decorative non era dettato esclusivamente dalle preferenze estetiche dei ricchi, ma piuttosto necessitava di un "design eccellente per tutti" nella nuova era. Sostenevano che la forma dovesse intrinsecamente seguire la funzione, affermando che la bellezza di un oggetto o di un edificio risiedeva nella sua perfetta idoneità allo scopo previsto. Inoltre, credevano che i moderni metodi industriali consentissero la produzione di massa di mobili ed edifici, eliminando la dipendenza esclusiva dall'artigianato, e che la produzione di massa e la qualità non fossero intrinsecamente esclusive a vicenda.

Il designer francese di arti decorative Paul Follot sosteneva un'interpretazione più tradizionale e ornamentale dell'Art Déco, affermando che "il 'necessario' da solo non è sufficiente per l'uomo e che il superfluo gli è indispensabile... altrimenti sopprimiamo anche la musica, i fiori, i profumi... e i sorrisi delle donne!" Al contrario, Le Corbusier, un importante sostenitore dell’architettura modernista, dichiarò notoriamente una casa semplicemente “una macchina in cui vivere” e promosse incessantemente il modernismo come futuro, posizionando l’Art Déco come una reliquia del passato. I concetti di Le Corbusier hanno progressivamente guadagnato terreno nell'ambito dell'educazione architettonica, portando all'eventuale abbandono dell'estetica Art Déco. Paradossalmente, gli stessi attributi che inizialmente alimentarono la popolarità dell'Art Déco - la sua meticolosa lavorazione artigianale, i materiali opulenti e gli elaborati ornamenti - alla fine contribuirono al suo declino. L’inizio della Grande Depressione negli Stati Uniti nel 1929, che successivamente colpì l’Europa, ridusse drasticamente il numero di ricchi mecenati capaci di commissionare arredi e oggetti d’arte su misura. Nel contesto dell’austerità economica della Depressione, poche imprese erano disposte a intraprendere la costruzione di nuovi grattacieli. Anche la stimata azienda Ruhlmann si è adeguata producendo mobili in serie, allontanandosi dai pezzi realizzati artigianalmente singolarmente. Le ultime strutture parigine erette in questo stile distintivo includevano il Museo dei lavori pubblici di Auguste Perret (che ora ospita il Consiglio economico, sociale e ambientale francese), il Palais de Chaillot di Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma e il Palais de Tokyo, tutti completati per l'Esposizione internazionale di Parigi del 1937. Questi edifici si trovavano di fronte all'imponente padiglione della Germania nazista, progettato da Albert Speer, che a sua volta si affacciava sull'altrettanto monumentale padiglione socialista-realista dell'Unione Sovietica di Stalin.

Dopo la seconda guerra mondiale, lo stile internazionale, sostenuto da figure come Le Corbusier e Mies van der Rohe, emerse come paradigma architettonico predominante. Mentre un numero limitato di hotel Art Déco furono costruiti a Miami Beach nel dopoguerra, lo stile in gran parte si ritirò altrove, persistendo principalmente in applicazioni di design industriale come lo stile automobilistico e prodotti come i jukebox. Gli anni ’60 furono testimoni di una modesta rinascita accademica dell’Art Déco, in parte attribuibile ai contributi accademici degli storici dell’architettura, tra cui Bevis Hillier. Negli anni '70 furono lanciate iniziative negli Stati Uniti e in Europa per salvaguardare esempi significativi di architettura Art Déco, con conseguente restauro e riutilizzo adattivo di numerosi edifici. L’architettura postmoderna, emersa negli anni ’80, spesso incorporava elementi puramente decorativi, una caratteristica condivisa con l’Art Déco. L'estetica Deco continua a influenzare i designer contemporanei, trovando applicazione nella moda moderna, nei gioielli e negli articoli da toeletta.

Pittura

L'Esposizione del 1925 non prevedeva una sezione dedicata alla pittura. La pittura Art Déco era intrinsecamente decorativa, concepita per completare una stanza o un progetto architettonico, quindi pochi artisti praticavano esclusivamente questo stile. Tuttavia, due pittori sono particolarmente associati all’Art Déco. Jean Dupas creò murales Art Déco per il padiglione di Bordeaux all'Esposizione di arti decorative di Parigi del 1925 e produsse anche il dipinto sopra il caminetto per la mostra Maison du Collectionneur nella stessa esposizione, che metteva in mostra mobili di Ruhlmann e altri importanti designer Art Déco. I suoi murales furono anche un elemento di spicco nel design degli interni del transatlantico francese SS Normandie. La sua produzione artistica era puramente ornamentale, intesa a fungere da sfondo o complemento ad altri elementi di design.

Tamara de Lempicka è l'altra pittrice strettamente identificata con lo stile Art Déco. Nata in Polonia, si è trasferita a Parigi dopo la rivoluzione russa. Ha proseguito i suoi studi con Maurice Denis e André Lhote, integrando numerosi elementi stilistici del loro lavoro. I suoi ritratti sono caratterizzati da un'estetica Art Déco realistica, dinamica e vibrante.

Gli anni '30 videro l'emergere di uno stile pittorico Art Déco distintivo negli Stati Uniti. Durante la Grande Depressione, fu istituito il Federal Art Project, un'iniziativa della Works Progress Administration, per fornire lavoro agli artisti. Numerosi artisti furono incaricati di adornare strutture pubbliche, inclusi edifici governativi, ospedali e istituzioni educative. Sebbene nessuna singolare estetica Art Déco dominasse questi murales, gli artisti impegnati per commissioni governative rappresentavano diversi movimenti artistici, che vanno dal regionalismo americano al realismo sociale. Tra i contributori degni di nota figurano Reginald Marsh, Rockwell Kent e il pittore messicano Diego Rivera. La classificazione Art Déco di questi murales derivava dalla loro natura decorativa e dalla rilevanza tematica per l'edificio o il luogo specifico. Ad esempio, Reginald Marsh e Rockwell Kent abbellirono le strutture postali degli Stati Uniti con raffigurazioni di impiegati delle poste, mentre Diego Rivera ritrasse operai di fabbriche automobilistiche per il Detroit Institute of Arts. Il murale di Rivera del 1933, Man at the Crossroads, commissionato per 30 Rockefeller Plaza, includeva controversa una somiglianza non autorizzata di Lenin. In seguito al rifiuto di Rivera di asportare il ritratto, l'opera d'arte fu distrutta e successivamente sostituita da un nuovo murale eseguito dall'artista spagnolo Josep Maria Sert.

Scultura

Scultura monumentale e pubblica

La scultura costituiva un elemento pervasivo e fondamentale della progettazione architettonica Art Déco. In Francia, il Théâtre des Champs-Élysées, il primo punto di riferimento Art Déco di Parigi, fu adornato nel 1912 con bassorilievi allegorici di Antoine Bourdelle, raffiguranti temi di danza e musica. L'Esposizione del 1925 presentava significative installazioni scultoree in tutto il suo parco, con padiglioni spesso abbelliti da fregi scultorei e spazi dedicati per sculture in studio più piccole. Durante gli anni '30, un collettivo di illustri scultori contribuì con opere all'Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne del 1937 a Chaillot. Alfred Janniot, ad esempio, ha creato le sculture in rilievo per la facciata del Palais de Tokyo. Il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris e la spianata di fronte al Palais de Chaillot, con vista sulla Torre Eiffel, furono popolati con nuove statue di artisti come Charles Malfray e Henry Arnold.

La scultura pubblica Art Déco presentava prevalentemente forme rappresentative, tipicamente raffiguranti figure eroiche o allegoriche i cui temi corrispondevano alla funzione dell'edificio o dello spazio. I mecenati, piuttosto che gli artisti, generalmente determinavano queste selezioni tematiche. La scultura astratta per scopi decorativi era eccezionalmente rara.

Negli Stati Uniti, Paul Manship emerse come il principale scultore Art Déco per commissioni pubbliche, reinterpretando motivi classici e mitologici in una cornice Art Déco. La sua creazione più celebre è la statua di Prometeo al Rockefeller Center di New York City, che rappresenta una versione novecentesca di un tema classico. Lee Lawrie contribuì anche con opere significative al Rockefeller Center, in particolare la facciata scultorea e la statua dell'Atlante.

Durante la Grande Depressione negli Stati Uniti, numerosi scultori ricevettero incarichi per creare opere decorative per gli edifici del governo federale, finanziati dalla Works Progress Administration (WPA). Tra questi artisti c'era Sidney Biehler Waugh, che produsse rappresentazioni stilizzate e idealizzate dei lavoratori e delle loro occupazioni per le strutture amministrative federali. A San Francisco, Ralph Stackpole ha contribuito con la scultura alla facciata dell'edificio della Borsa di San Francisco di nuova costruzione. Allo stesso tempo, Michael Lantz eseguì lavori per l'edificio della Federal Trade Commission a Washington D.C.

In Gran Bretagna, Eric Gill produsse statue pubbliche Art Déco per la BBC Broadcasting House, mentre Ronald Atkinson adornò l'atrio dell'ex Daily Express Building a Londra (1932).

Tra le più famose e inequivocabilmente più grandi sculture pubbliche Art Déco c'è il Cristo Redentore, creato dallo scultore francese Paul Landowski. Completata tra il 1922 e il 1931, quest'opera monumentale è situata in cima a una montagna che domina Rio de Janeiro, in Brasile.

Scultura da studio

Le prime sculture Art Déco comprendevano spesso pezzi più piccoli destinati all'ornamento dei saloni. Una categoria distinta all'interno di questo genere era la statuetta criselefantina, una designazione derivata dall'antica pratica greca di realizzare statue del tempio in oro e avorio. Queste statuette venivano occasionalmente fuse in bronzo, ma più spesso realizzate con materiali opulenti tra cui avorio, onice, alabastro e foglia d'oro.

Demétre Chiparus, un artista di origine rumena rinomato per le sue vivaci piccole sculture di ballerini, è emerso come uno dei più importanti scultori da salotto Art Déco. Altre figure significative nella scultura da salotto includevano Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol e Gustav Schmidtcassel. Anche Harriet Whitney Frishmuth, un influente scultore americano che lavorava nella tradizione dello studio, ottenne riconoscimenti, avendo precedentemente studiato con Auguste Rodin a Parigi.

Pierre Le Paguays si distinse come un notevole scultore in studio Art Déco, con le sue creazioni presentate all'Esposizione del 1925. La sua pratica artistica coinvolgeva una vasta gamma di materiali preziosi, tra cui bronzo, marmo, avorio, onice, oro e alabastro.

François Pompon è stato il pioniere della moderna scultura animalier stilizzata. I suoi contributi artistici ricevettero pieno riconoscimento solo all'età di 67 anni, durante il Salon d'Automne del 1922, per la sua opera Ours blanc, conosciuta anche come L'orso bianco, che ora è ospitata al Musée d'Orsay a Parigi.

Contemporaneamente a questi scultori Art Déco, una coorte di scultori modernisti astratti e d'avanguardia era attiva sia a Parigi che a New York. Tra loro figurano Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff e Pablo Gargallo.

Arti grafiche

L'estetica Art Déco è emersa presto nelle arti grafiche, prima della prima guerra mondiale. Le sue prime manifestazioni a Parigi erano evidenti nei poster e nei costumi di Léon Bakst per i Ballets Russes, nonché nei cataloghi dello stilista Paul Poiret. Le illustrazioni di Georges Barbier e Georges Lepape, insieme alle immagini presenti nella rivista di moda La Gazette du bon ton, incarnavano l'eleganza e la sensualità intrinseche dello stile. Durante gli anni '20, l'estetica prevalente si evolse, enfatizzando mode più casual, sportive e audaci, spesso raffigurate con modelle che fumavano sigarette. Importanti pubblicazioni di moda americane, tra cui Vogue, Vanity Fair e Harper's Bazaar, adottarono e diffusero rapidamente questo nuovo stile in tutti gli Stati Uniti. Inoltre, ha influenzato il lavoro di illustratori di libri americani come Rockwell Kent. In Germania, Ludwig Hohlwein si distinse come il cartellonista più celebre dell'epoca, producendo manifesti vibranti e drammatici per festival musicali, birrerie e, più avanti nella sua carriera, per il partito nazista.

In contrasto con il periodo Art Nouveau, quando i manifesti promuovevano principalmente produzioni teatrali o cabaret, gli anni '20 videro un'impennata della popolarità dei manifesti di viaggio commissionati dalle compagnie di navi a vapore e dalle compagnie aeree. L'approccio stilistico subisce una significativa trasformazione nel corso di questo decennio, spostando l'attenzione sul prodotto pubblicizzato. Le immagini sono diventate più semplificate, precise, lineari e dinamiche, spesso impostate su sfondi monocromatici. In Francia, importanti designer Art Déco includevano Charles Loupot e Paul Colin, quest'ultimo diventato famoso per i suoi poster con la cantante e ballerina americana Josephine Baker. Jean Carlu ha creato poster per film di Charlie Chaplin, varie soap e luoghi teatrali; in seguito emigrò negli Stati Uniti alla fine degli anni '30, dove disegnò manifesti a sostegno della produzione bellica durante la seconda guerra mondiale. Charles Gesmar ha ottenuto riconoscimenti per i suoi manifesti per il cantante Mistinguett e Air France. Cassandre, celebrato per il suo iconico poster del 1935 del transatlantico SS Normandie, è uno dei più illustri disegnatori di poster Art Déco francesi.

Durante gli anni '30, negli Stati Uniti emerse un genere distinto di poster nel mezzo della Grande Depressione. Il Federal Art Project ha incaricato artisti americani di produrre manifesti volti a promuovere il turismo e vari eventi culturali.

Architettura

Stili

Lo stile architettonico Art Déco fa la sua prima apparizione a Parigi tra il 1903 e il 1904, segnato dalla costruzione di due condomini: uno di Auguste Perret in rue Benjamin Franklin e un altro di Henri Sauvage in rue Trétaigne. Questi due nascenti architetti furono i pionieri dell'uso del cemento armato nelle strutture residenziali parigine. Gli edifici risultanti presentavano linee pulite, forme rettangolari e facciate disadorne, a significare un chiaro allontanamento dallo stile Art Nouveau. Dal 1910 al 1913, Perret sfruttò la sua esperienza nella costruzione di appartamenti in cemento per erigere il Théâtre des Champs-Élysées al 15 di avenue Montaigne. Successivamente, tra il 1925 e il 1928, Sauvage progettò la nuova facciata Art Déco per i grandi magazzini La Samaritaine a Parigi.

L'influenza dell'Art Déco si estendeva oltre le strutture terrestri; il transatlantico SS Normandie, che iniziò il suo viaggio inaugurale nel 1935, mostrava l'estetica Art Déco, in particolare in una sala da pranzo con soffitto ed elementi decorativi realizzati in vetro da Lalique.

L'architettura Art Déco è occasionalmente classificata in tre stili distinti: Zigzag Moderne (noto anche come Jazz Moderne), Classic Moderne e Streamline Moderne.

Zigzag Moderno

Zigzag Moderne (anche chiamato Jazz Moderne) ha rappresentato la manifestazione iniziale dell'Art Déco negli Stati Uniti. La caratteristica "a zigzag" denota i profili a gradini dei grattacieli, progettati per amplificarne l'altezza percepita, ed è stata applicata prevalentemente a importanti edifici pubblici e commerciali, inclusi hotel, cinema, ristoranti, grattacieli e grandi magazzini.

Classico moderno

Classic Moderne presenta un'estetica più raffinata con ornamenti ridotti. Questo stile viene occasionalmente identificato anche come PWA (Public Works Administration) Moderne o Depression Moderne, data la sua prevalenza nei progetti avviati dalla PWA durante l'era della Grande Depressione.

Semplifica la modernità

Durante la fine degli anni '30 emerse una variante distinta dell'architettura Art Déco, nota come Streamline Moderne o semplicemente Streamline. In Francia, era chiamato Stile Paquebot, o stile Ocean Liner. Le strutture in questo stile erano caratterizzate da angoli arrotondati, linee orizzontali allungate e costruzioni principalmente in cemento armato, tipicamente rifinite in bianco. Spesso incorporavano elementi nautici, come ringhiere e oblò che ricordavano il design delle navi. Sebbene il concetto di angoli arrotondati non fosse nuovo, essendo stato presentato nella Mossehaus di Erich Mendelsohn a Berlino nel 1923 e successivamente nell'Hoover Building, un complesso industriale a Perivale, Londra, la sua applicazione negli Stati Uniti divenne fortemente legata alle infrastrutture di trasporto. Streamline Moderne è stato applicato raramente agli edifici per uffici, ma ha trovato uso comune nelle stazioni degli autobus e nei terminal aeroportuali, incluso il terminal dell'aeroporto LaGuardia a New York City, che ha facilitato i voli transatlantici inaugurali tramite gli idrovolanti PanAm Clipper, nonché nell'architettura lungo la strada come stazioni di servizio e ristoranti. Una serie di diner, progettati per emulare vagoni ferroviari aerodinamici, furono prodotti e installati nelle città del New England alla fine degli anni '30; almeno due di questi esempi persistono oggi come edifici storici registrati.

Tipologie di edifici

Grattacieli

I grattacieli americani rappresentavano l'apice del movimento Art Déco, evolvendosi nelle strutture moderne più alte e iconiche del mondo. Il loro design mirava a proiettare il prestigio dei loro sviluppatori attraverso altezza imponente, forma distintiva, tavolozze di colori specifiche e sorprendente illuminazione notturna. L'American Radiator Building di Raymond Hood (1924) integrava componenti moderni sia in stile gotico che in stile Art Déco. La sua facciata era caratterizzata da mattoni neri, che simboleggiavano il carbone, scelti per trasmettere un senso di solidità e massa sostanziale. Altre parti dell'esterno erano adornate con mattoni dorati, rappresentanti il ​​fuoco, mentre l'ingresso era impreziosito da marmi e specchi neri. Un altro dei primi grattacieli Art Déco degno di nota fu il Guardian Building di Detroit, inaugurato nel 1929. Concepito dal modernista Wirt C. Rowland, questo edificio fu il pioniere dell'uso dell'acciaio inossidabile come elemento decorativo e incorporò ampiamente disegni colorati, discostandosi dagli ornamenti convenzionali.

Il Chrysler Building a Manhattan, completato nel 1930 e progettato da William Van Alen, trasformò profondamente lo skyline di New York City. Questa struttura di settantasette piani fungeva da pubblicità monumentale per le automobili Chrysler. Il suo apice era sormontato da una guglia in acciaio inossidabile e adornato con "doccioni" Art Déco a forma di ornamenti del tappo del radiatore in acciaio inossidabile. La base della torre, situata a trentatré piani sopra il livello stradale, era impreziosita da vivaci fregi Art Déco, mentre la lobby presentava simboli e immagini Art Déco che trasmettevano temi di modernità.

L'altezza del Chrysler Building fu successivamente superata dall'Empire State Building, progettato da William F. Lamb (1931), che presentava un'estetica Art Déco un po' più sobria, e dall'RCA Building (ora 30 Rockefeller Plaza), progettato da Raymond Hood (1933). Queste strutture ridefinirono collettivamente il panorama architettonico di New York City. Architettonicamente, le sezioni superiori di questi edifici erano adornate con corone e guglie Art Déco, rivestite in acciaio inossidabile. Il Chrysler Building, in particolare, incorporava doccioni Art Déco ispirati agli ornamenti dei radiatori, mentre i loro ingressi e lobby esibivano opulenti abbellimenti Art Déco, tra cui sculture, ceramiche ed intricati elementi di design. Edifici comparabili, anche se meno imponenti, emersero successivamente a Chicago e in altre grandi metropoli americane. Il Rockefeller Center ha introdotto un concetto di pianificazione urbana innovativo, caratterizzato da molteplici grattacieli raggruppati attorno a un'ampia piazza aperta, centrata da una fontana.

A Newark, nel New Jersey, dall'altra parte del fiume Hudson, furono eretti grattacieli Art Déco negli anni '20 e '30. Esempi degni di nota includono il quartier generale della Bell del New Jersey (1929), progettato da Ralph Thomas Walker; il Lefcourt Building (1930), di Frank Grad; e il National Newark Building (1933), di John H. Wilson C. Ely. John Cotton Dana, che all'epoca dirigeva la Biblioteca pubblica di Newark, osservò che questi sviluppi architettonici trasformarono Newark da un "enorme, rozzo e sconsiderato mostro industriale di Frankenstein in un luogo di raffinatezza".

Cattedrali del Commercio

Gli esempi più importanti dell'interior design Art Déco americano sono stati trovati nelle lobby degli edifici governativi, nei teatri e soprattutto negli edifici per uffici commerciali. Questi interni presentavano un'estetica vibrante e dinamica, integrando sculture, murali e intricati motivi geometrici eseguiti in marmo, vetro, ceramica e acciaio inossidabile. Un primo esempio è il Fisher Building a Detroit, progettato da Joseph Nathaniel French, dove l'atrio era ampiamente adornato con sculture e ceramiche. Il Guardian Building (inizialmente Union Trust Building) a Detroit, completato nel 1929 da Wirt Rowland, presentava marmo rosso e nero insieme a ceramiche dai colori vivaci, accentuati da porte e banconi dell'ascensore in acciaio lucidato. I suoi elementi scultorei montati a parete raffiguravano le virtù dell'industria e della parsimonia, portando all'immediata designazione dell'edificio come "Cattedrale del Commercio". Il Medical and Dental Building al 450 Sutter Street a San Francisco, progettato da Timothy Pflueger, trae ispirazione dall'architettura Maya, manifestandosi in una forma altamente stilizzata. Questa struttura incorporava forme piramidali e le sue pareti interne erano impreziosite da file stilizzate di geroglifici.

In Francia, l'esempio più importante di design d'interni Art Déco di quest'epoca è il Palais de la Porte Dorée (1931), un'opera collaborativa di Albert Laprade, Léon Jaussely e Léon Bazin. Questo edificio, che attualmente ospita il Museo Nazionale dell'Immigrazione e un acquario nel seminterrato, fu originariamente costruito per l'Esposizione Coloniale di Parigi del 1931 per commemorare gli abitanti e le merci delle colonie francesi. La facciata esterna era completamente decorata con sculture, mentre la lobby raggiungeva una coerenza Art Déco attraverso un pavimento in parquet di legno a motivi geometrici, un murale raffigurante le popolazioni delle colonie francesi e una disposizione equilibrata di porte verticali e balconi orizzontali.

Palazzi del cinema

I più importanti esempi sopravvissuti di architettura Art Déco si trovano spesso nei cinema costruiti negli anni '20 e '30. Quest'epoca coincise con il passaggio dal cinema muto al sonoro, spingendo le compagnie cinematografiche a costruire grandi sale cinematografiche nei principali centri urbani per accogliere il crescente pubblico. I palazzi cinematografici degli anni '20 spesso integravano temi esotici con l'estetica Art Déco; per esempio, il Grauman's Egyptian Theatre di Hollywood (1922) trasse ispirazione dall'antica architettura funeraria egiziana, mentre il Fox Theatre di Bakersfield, in California, integrò una torre in stile California Mission con un auditorium Art Déco. Il più grande di questi è il Radio City Music Hall di New York City, che iniziò le sue attività nel 1932. Inizialmente concepito come uno spazio per spettacoli teatrali, si trasformò rapidamente in un cinema in grado di ospitare 6.015 spettatori. Il design degli interni, di Donald Deskey, ha utilizzato vetro, alluminio, cromo e pelle per creare un'esperienza visiva coinvolgente. Il Paramount Theatre di Oakland, in California, progettato da Timothy Pflueger, presentava una vivace facciata in ceramica, una lobby a quattro piani e distinte sale fumatori in stile Art Déco per gentiluomini e signore. Palazzi opulenti paragonabili emersero in tutta Europa. Il Grand Rex di Parigi (1932), caratterizzato dalla sua imponente torre, divenne il cinema più grande d'Europa dopo il Gaumont-Palace da 6.000 posti (1931–1973). Il Gaumont State Cinema di Londra (1937) vantava una torre modellata sull'Empire State Building, rivestita con piastrelle di ceramica color crema, e interni che fondevano l'Art Déco con gli stili rinascimentali italiani. Il Paramount Theatre di Shanghai, Cina (1933), inizialmente concepito come una sala da ballo chiamata La porta dei 100 piaceri, è stato riconvertito come cinema dopo la rivoluzione comunista del 1949 e attualmente funziona come sala da ballo e discoteca. Negli anni '30, gli architetti italiani costruirono un palazzo cinematografico più piccolo, il Cinema Impero, ad Asmara, nell'attuale Eritrea. Mentre molti di questi cinema storici sono stati da allora suddivisi in multiplex, altri sono stati restaurati e ora fungono da centri culturali all'interno delle rispettive comunità.

Elementi decorativi e motivi tematici

Gli ornamenti Art Déco si sono evoluti attraverso diverse fasi distinte. Dal 1910 al 1920, in concomitanza con il declino dell'Art Nouveau, l'estetica del design tornò alle forme tradizionali, esemplificate in particolare nelle creazioni di Paul Iribe. Nel 1912, André Vera pubblicò un saggio sulla rivista L'Art Décoratif sostenendo un ritorno all'artigianato e ai materiali dei secoli precedenti, insieme a un nuovo repertorio di forme naturali, in particolare cesti e ghirlande di frutta e fiori. Allo stesso tempo, un’altra tendenza Art Déco dello stesso decennio trasse ispirazione dalle vibranti tavolozze del movimento artistico Fauvista e dagli elaborati costumi e scenografie dei Ballets Russes. Questo stile si manifestava spesso attraverso materiali esotici come pelle di squalo, madreperla, avorio, pelle colorata, legno laccato e dipinto e intarsi decorativi sui mobili che ne accentuavano le qualità geometriche. Questo particolare periodo stilistico culminò all'Esposizione di Arti Decorative di Parigi del 1925. Alla fine degli anni '20 e per tutti gli anni '30, lo stile decorativo si trasformò, influenzato da nuovi materiali e progressi tecnologici. È diventato più elegante e meno ornato. I mobili, rispecchiando le tendenze architettoniche, iniziarono a presentare bordi arrotondati e ad adottare un aspetto lucido e aerodinamico, derivato dallo stile Streamline Moderne. Nuovi materiali, tra cui acciaio nichelato o cromato, alluminio e bachelite (una delle prime plastiche sintetiche), divennero prevalenti nei mobili e nelle applicazioni decorative.

Durante l'era Art Déco, e soprattutto durante gli anni '30, i motivi decorativi spesso trasmettevano la funzione prevista per l'edificio. I teatri erano adornati con sculture che illustravano musica, danza ed eccitazione; le compagnie elettriche mostravano le albe; il Chrysler Building presentava ornamenti stilizzati sul cofano. Ad esempio, i fregi del Palais de la Porte Dorée all’Esposizione coloniale di Parigi del 1931 raffiguravano le diverse nazionalità che abitavano le colonie francesi. Lo stile Streamline dava l'impressione che l'edificio stesso fosse in movimento. Allo stesso modo, i murales della Works Progress Administration (WPA) degli anni '30 raffiguravano spesso individui di tutti i giorni, come operai, impiegati delle poste, famiglie e agricoltori, come protagonisti, divergendo dai tradizionali eroi classici.

L'Art Déco, rispecchiando l'epoca intricata da cui è emerso, è caratterizzato al meglio da una serie di contraddizioni intrinseche, come l'interazione tra minimalismo e massimalismo, angolosità e fluidità, forme ziggurat e design aerodinamici, simmetria e irregolarità. Anche l’iconografia scelta dagli artisti Art Déco per rappresentare questo periodo era piena di paradossi. Ad esempio, belle fanciulle in abiti settecenteschi convivono insieme a donne eleganti e sofisticate e nudi sdraiati, mentre i lampi illuminano boccioli di rosa stilizzati.

Mobili

I mobili francesi prodotti tra il 1910 e l'inizio degli anni '20 costituivano principalmente un'evoluzione degli stili di mobili francesi tradizionali, incorporando elementi dei design Art Nouveau di Louis Majorelle, Charles Plumet e altri produttori. I produttori di mobili francesi percepivano una minaccia derivante dalla crescente importanza dei produttori tedeschi e dei loro stili, in particolare lo stile Biedermeier, noto per la sua semplicità e le linee pulite. In risposta, Frantz Jourdain, designer francese e presidente del Salon d'Automne di Parigi, estese un invito ai designer di Monaco a partecipare al Salon del 1910. I designer francesi, osservando l'estetica tedesca emergente, hanno deciso di contrastare questa sfida. Di conseguenza, decisero di presentare i nuovi stili francesi al Salon del 1912, il cui regolamento prevedeva l'esposizione esclusiva di design moderni. Tutti i principali designer di mobili francesi, tra cui Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare e Louis Suë, hanno partecipato, presentando pezzi innovativi che reinterpretavano gli stili tradizionali francesi, come quelli di Luigi XVI e Luigi Filippo. Questi nuovi design incorporavano forme spigolose influenzate dal cubismo e tonalità vivaci derivate dal fauvismo e dal movimento Nabis.

Il pittore André Mare e il designer di mobili Louis Süe parteciparono entrambi al Salon del 1912. Dopo la guerra, i due uomini collaborarono per fondare la propria compagnia, formalmente designata Compagnie des Arts Française, anche se comunemente chiamata Suë e Mare. In contrasto con importanti designer Art Nouveau come Louis Majorelle, che realizzavano individualmente ogni oggetto, Mare e Süe riunirono un team di abili artigiani per produrre progetti di interni completi, che comprendevano mobili, vetreria, tappeti, ceramiche, carta da parati e illuminazione. Le loro creazioni erano caratterizzate da colori vivaci e dall'uso di legni pregiati, come l'ebano intarsiato con madreperla, abalone e metallo argentato per formare motivi floreali. Il loro portfolio di design spaziava dagli interni dei transatlantici alle bottiglie di profumo per l'etichetta di Jean Patou. Sebbene l'azienda fiorisse all'inizio degli anni '20, i suoi fondatori si dimostrarono più abili come artigiani che come imprenditori. Di conseguenza, l'azienda fu ceduta nel 1928, portando alla partenza di entrambi gli uomini.

Émile-Jacques Ruhlmann, un designer alsaziano, emerse come il designer di mobili più importante all'Esposizione di arti decorative del 1925. Inizialmente presentò le sue creazioni al Salon d'autunno del 1913, per poi istituire il suo padiglione dedicato, "La casa del ricco collezionista", all'Esposizione del 1925. Ruhlmann utilizzava esclusivamente i materiali più rari e costosi, come l'ebano, il mogano, il palissandro, l'ambon e altri legni esotici. Questi erano spesso decorati con intarsi di avorio, tartaruga e madreperla, mentre piccoli pompon di seta impreziosivano le maniglie dei cassetti dell'armadio. I suoi progetti di mobili traevano ispirazione da modelli del XVIII secolo, che poi semplificò e riconfigurato. Una caratteristica della sua maestria era il completo occultamento della struttura interna del mobile. Tipicamente, l'ossatura in rovere era interamente avvolta da un primo strato di sottili listelli di legno, seguito da un secondo strato di legni rari e costosi. Questa intricata stratificazione è stata poi impiallacciata e lucidata, creando l'illusione che il pezzo fosse stato scolpito da un unico blocco di legno solido. Il legno scuro era spesso in contrasto con intarsi, placche e maniglie in avorio. Ruhlmann ipotizzò che le poltrone necessitassero di design distinti su misura per le funzioni specifiche delle stanze che occupavano: le poltrone da soggiorno erano concepite per l'ospitalità, le sedie da ufficio per il comfort e le sedie da salone per l'opulenza. La produzione di ogni progetto di mobile era limitata a un numero limitato di pezzi, con il costo medio di uno dei suoi letti o armadietti che superava quello di una casa tipica.

Jules Leleu, inizialmente un designer di mobili tradizionale, passò senza problemi al movimento Art Déco negli anni '20. Tra le sue commissioni più importanti figurano i mobili della sala da pranzo del Palazzo dell'Eliseo e le cabine di prima classe del piroscafo Normandie. Lo stile distintivo di Leleu incorporava ebano, legno Macassar e noce, spesso impreziositi da placche in avorio e madreperla. È stato il pioniere dei mobili Art Déco laccati alla fine degli anni '20 e, alla fine degli anni '30, ha introdotto design in metallo con pannelli in vetro fumé. Allo stesso tempo, in Italia, Gio Ponti ottenne riconoscimenti per la sua estetica semplificata dei mobili.

I mobili opulenti ed esotici prodotti da designer come Ruhlmann e altri tradizionalisti provocarono una notevole ira tra i modernisti, in particolare l'architetto Le Corbusier. Questo malcontento portò Le Corbusier a scrivere un'importante serie di articoli che criticavano con veemenza lo stile arti decorative. Condannò i mobili accessibili esclusivamente ai ricchi, sostenendo invece che i designer realizzassero pezzi con materiali economici in uno stile contemporaneo, rendendoli così accessibili alla popolazione generale. Successivamente Le Corbusier sviluppò i propri progetti di sedie, concepiti specificatamente per l'economicità e la produzione di massa.

Durante gli anni '30, il design dei mobili si evolse per presentare superfici più lisce e forme curvilinee. Tra i più eminenti professionisti di questo successivo stile Art Déco c'era Donald Deskey, un designer molto influente responsabile degli interni del Radio City Music Hall. Deskey ha combinato in modo innovativo materiali tradizionali e contemporanei, come alluminio, cromo e bachelite, una delle prime materie plastiche. Altri importanti designer americani di mobili Art Déco degli anni '30 includevano Gilbert Rohde, Warren McArthur e Kem Weber.

Lo stile Waterfall, caratterizzato dalla sua estetica distintiva, raggiunse una popolarità diffusa negli anni '30 e '40, diventando la forma di arredamento Art Déco predominante di quell'epoca. Questi pezzi erano tipicamente costituiti da compensato rifinito con impiallacciatura bionda e presentavano bordi arrotondati, evocando l'impressione visiva di una cascata.

Progettazione

Lo Streamline, una variante distinta dell'Art Déco, è emerso a metà degli anni '30, traendo ispirazione dai principi aerodinamici contemporanei sviluppati per l'aviazione e la balistica per mitigare la resistenza alle alte velocità. I progettisti hanno applicato queste caratteristiche forme di proiettili a una vasta gamma di articoli, tra cui automobili, treni e navi, nonché oggetti fissi come frigoriferi, pompe di benzina e strutture architettoniche. La Chrysler Airflow del 1933 rappresentò uno dei primi veicoli di produzione a incarnare questo stile. Nonostante le sue scarse prestazioni commerciali, il fascino estetico e il design funzionale dell'Airflow stabilirono un precedente significativo per la modernità, influenzando il design automobilistico fino al secondo dopoguerra.

L'avvento di nuovi materiali industriali ha avuto un impatto significativo sulla progettazione di automobili e articoli per la casa. Questi materiali comprendevano alluminio, cromo e bachelite, una delle prime plastiche sintetiche. La modellabilità intrinseca della bachelite ne ha facilitato la rapida adozione in varie forme, portando al suo utilizzo diffuso in telefoni, radio e altri elettrodomestici.

Le navi da crociera abbracciarono in modo simile un'estetica Art Déco, designata in francese come Stile Paquebot, o "Stile delle navi da crociera". La SS Normandie, che iniziò il suo viaggio transatlantico inaugurale nel 1935, è l'esempio più celebre di questo stile. Il suo design mirava specificamente a trasportare i ricchi americani a Parigi per lo shopping. Le cabine e i saloni della nave mostravano gli arredi e gli ornamenti Art Déco più contemporanei. In particolare, il Grand Salon della nave, che fungeva da ristorante di prima classe, superava le dimensioni della Sala degli Specchi del Palazzo di Versailles. L'illuminazione era fornita da luci elettriche integrate all'interno di dodici pilastri di cristallo Lalique, integrati da trentasei pilastri corrispondenti lungo le pareti, che rappresentano un primo esempio di illuminazione direttamente incorporata nel progetto architettonico. Questo caratteristico stile navale fu successivamente adattato all'architettura terrestre. Un esempio importante è l'edificio del Museo marittimo di San Francisco, originariamente costruito come bagno pubblico nel 1937, che evoca un traghetto attraverso le sue ringhiere e gli angoli arrotondati. Anche il terminal dello Star Ferry di Hong Kong ha incorporato una variazione di questo approccio architettonico.

Tessili

I tessuti costituivano una componente significativa dell'estetica Art Déco, manifestandosi sotto forma di vivaci carte da parati, tappezzerie e tappeti. Durante gli anni '20, i designer trassero ispirazione da diverse fonti, tra cui le scenografie dei Ballets Russes, i disegni di tessuti e i costumi di Léon Bakst e le creazioni innovative della Wiener Werkstätte. I primi progetti di interni di André Mare presentavano in primo piano ghirlande di rose e fiori dai colori vivaci e altamente stilizzate, che adornavano pareti, pavimenti e mobili. Motivi floreali stilizzati caratterizzano similmente le opere di Raoul Dufy e Paul Poiret, così come i progetti di mobili di J.E. Ruhlmann. A Paul Poiret viene attribuito il merito di aver reinterpretato il tappeto floreale all'interno del caratteristico linguaggio Art Déco.

L'adozione dello stile Art Déco è stata significativamente avanzata grazie all'implementazione della tecnica di stampa basata su stencil pochoir, che ha consentito ai designer di ottenere linee precise e colori vivaci. L'estetica Art Déco è stata integrata nell'abbigliamento creato da designer come Paul Poiret, Charles Worth e Jean Patou. Dopo la prima guerra mondiale, l'esportazione di tessuti e indumenti emerse come una fonte primaria di valuta estera per la Francia.

Le successive manifestazioni dell'Art Déco nella carta da parati e nei tessuti spesso incorporavano raffigurazioni stilizzate di paesaggi industriali, panorami urbani, locomotive e altri motivi contemporanei. Questi disegni spesso includevano anche figure femminili stilizzate, accenti metallici e intricati motivi geometrici.

Moda

La moda subì una profonda trasformazione durante quest'epoca, largamente influenzata dagli stilisti Paul Poiret e successivamente da Coco Chanel. Poiret ha aperto la strada al concetto di drappeggio, segnando un significativo allontanamento dai tradizionali metodi di sartoria e modellistica. I suoi progetti prevedevano capi tagliati con linee rette e composti da elementi rettangolari, sottolineando la semplicità strutturale. Le restrittive silhouette corsetto e gli stili formali prevalenti nel periodo precedente furono abbandonati, portando a una moda più pratica e snella. Questo cambiamento è stato ulteriormente facilitato dall’incorporazione di nuovi materiali, tonalità più brillanti e design stampati innovativi. Coco Chanel diede ulteriore impulso a questa evoluzione, rendendo popolare uno stile caratterizzato da un'eleganza sportiva e casual.

Un archetipo distintivo del periodo era la Flapper, caratterizzata dai suoi capelli corti a caschetto, dal consumo di cocktail, dal fumo in pubblico e dai balli fino a tarda notte in club alla moda, cabaret o locali bohémien. Tuttavia, questa rappresentazione rappresentava in gran parte una figura dell’immaginazione popolare piuttosto che la realtà vissuta per la maggior parte delle donne. Un'altra importante estetica femminile Art Déco fu l'androgina garçonne degli anni '20, che presentava un busto appiattito, una vita indefinita e gambe esposte, riducendo così la silhouette a una forma corta e tubolare, spesso completata da un cappello a cloche aderente.

Gioielli

Durante gli anni '20 e '30, designer di spicco come René Lalique e Cartier cercarono di sminuire la tradizionale supremazia dei diamanti incorporando una gamma più ampia di pietre preziose vibranti, tra cui smeraldi, rubini e zaffiri più piccoli. Allo stesso tempo, hanno dato priorità ad ambientazioni altamente complesse e raffinate, spesso utilizzando materiali più accessibili come smalto, vetro, corno e avorio. I diamanti stessi erano modellati in forme non convenzionali; l'Esposizione del 1925 metteva in mostra in particolare numerosi diamanti tagliati in bastoncini o fiammiferi in miniatura. Sono inclusi ulteriori popolari tagli di diamanti Art Déco:

• il taglio smeraldo, caratterizzato dalle sfaccettature allungate e a gradino;
• il taglio Asscher, che ha una forma più quadrata rispetto al taglio smeraldo, caratterizzato da una corona alta e notevole come il primo taglio di diamante brevettato;
• il taglio marquise, studiato per creare un'impressione di maggiore dimensione e risalto;
• il taglio baguette, caratterizzato da piccole forme rettangolari a gradino spesso utilizzate per accentuare le pietre centrali più grandi;
• il vecchio taglio europeo, una forma rotonda sfaccettata a mano progettata per emettere lampi di colore, noti come "fuoco", dall'interno della pietra preziosa.

Anche le montature dei diamanti si sono evolute in modo significativo; i gioiellieri preferivano sempre più il platino all'oro grazie alla sua resistenza e flessibilità superiori, che facilitavano l'incastonatura dei grappoli di pietre. Inoltre, divenne prevalente l'incorporazione di materiali più scuri, come smalti e onice nero, offrendo un netto contrasto con la brillantezza dei diamanti.

I design dei gioielli divennero notevolmente più vivaci e stilisticamente diversi. Aziende come Cartier e Boucheron hanno integrato i diamanti con una serie di pietre preziose colorate, tagliate meticolosamente in forme che ricordano foglie, frutti o fiori, per creare spille, anelli, orecchini, fermagli e pendenti. Allo stesso tempo, i motivi dell'Estremo Oriente acquisirono una notevole popolarità; placche di giada e corallo erano abbinate a platino e diamanti, mentre beauty case, portasigarette e portaciprie erano decorati con scene di paesaggi giapponesi e cinesi realizzate in madreperla, smalto e lacca.

La rapida evoluzione degli stili di abbigliamento ha influenzato direttamente l'emergere di nuovi modelli di gioielli. La prevalenza di abiti senza maniche negli anni '20 rendeva necessari ornamenti per le braccia, spingendo i designer a produrre rapidamente braccialetti realizzati in oro, argento e platino, spesso tempestati di lapislazzuli, onice, corallo e altre pietre colorate. Alcuni braccialetti erano progettati specificamente per la parte superiore del braccio ed era comune indossare più braccialetti contemporaneamente. Le acconciature a caschetto adottate dalle donne negli anni '20 hanno stimolato la creazione di intricati modelli di orecchini Art Déco. Con la crescente visibilità pubblica delle donne che fumano, i designer hanno sviluppato portasigarette altamente decorati e bocchini in avorio. L'invenzione dell'orologio da polso prima della prima guerra mondiale ispirò i gioiellieri a creare orologi eccezionalmente decorati, spesso tempestati di diamanti e placcati con smalto, oro e argento. Inoltre, anche gli orologi pendenti, sospesi a nastri, hanno guadagnato popolarità.

Durante quest'epoca, importanti stabilimenti di gioielleria parigini come Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin e Van Cleef & Tutti gli Arpels producevano gioielli e oggetti decorativi che riflettevano l'estetica emergente dell'Art Déco. Chaumet, ad esempio, realizzava portasigarette, accendini, portapillole e quaderni altamente geometrici con pietre dure, impreziositi da giada, lapislazzuli, diamanti e zaffiri. Successivamente numerosi designer emergenti si unirono a questo movimento, ciascuno apportando interpretazioni distinte dello stile Déco. Raymond Templier ha creato pezzi caratterizzati da intricati motivi geometrici, esemplificati da orecchini in argento che ricordano grattacieli. Gerard Sandoz, iniziando la sua carriera di designer di gioielli nel 1921 all'età di 18 anni, ha prodotto molte opere acclamate caratterizzate dall'aspetto elegante e raffinato dei macchinari contemporanei. Anche René Lalique, un rinomato designer di vetro, si è avventurato in questo campo, realizzando pendenti raffiguranti frutti, fiori, rane, fate o sirene in vetro scolpito dai colori vivaci, sospesi su corde di seta ornate di nappe. Il gioielliere Paul Brandt ha utilizzato motivi rettangolari e triangolari contrastanti, incastonando perle in disposizioni lineari su placche di onice. Jean Despres ha ottenuto sorprendenti contrasti cromatici nelle sue collane combinando materiali come l'argento con la lacca nera o l'oro con il lapislazzuli. Molte delle sue creazioni evocavano le superfici lucidate dei componenti industriali. Allo stesso modo Jean Dunand ha tratto ispirazione dai macchinari moderni, integrando rossi e neri vibranti in contrasto con il metallo lucido. Suzanne Belperron ha introdotto design scultorei, utilizzando materiali come il cristallo di rocca e le pietre semipreziose, sottolineando così l'abbraccio del periodo con elementi non convenzionali. Jean Fouquet, influenzato dal cubismo, incorporò materiali come l'ebano e l'acciaio cromato, infondendo ai gioielli Art Déco una distinta sensibilità modernista. Altri importanti contributori al movimento Art Déco includevano Boucheron, Lacloche e l'argentiere danese Georg Jensen, riconosciuto per la sua esperienza con l'argento e le pietre preziose più accessibili. Aziende di gioielleria americane, tra cui Tiffany & Co., Nero, Starr & Frost e Marcus & Co., diede anche un contributo sostanziale, producendo orologi, oggetti d'arte e vari gioielli.

Arte del vetro

Simile alla precedente era Art Nouveau, il periodo Art Déco rappresentò un'epoca distinta per il vetro squisito e altri oggetti decorativi meticolosamente realizzati per completare i loro ambienti architettonici. René Lalique è emerso come il più celebre creatore di oggetti in vetro, con le sue diverse opere, che vanno dai vasi agli ornamenti per il cofano delle automobili, diventando emblematiche del periodo. Prima della prima guerra mondiale, Lalique aveva condotto esperimenti con il vetro, in particolare progettando bottiglie per i profumi di François Coty; tuttavia, la sua consistente produzione di vetri artistici iniziò solo nel dopoguerra. Nel 1918, all'età di 58 anni, acquistò un'importante vetreria a Combs-la-Ville, avviando successivamente la produzione di articoli in vetro sia artistici che utilitaristici. Si avvicinò al vetro come mezzo scultoreo, producendo statuette, vasi, ciotole, lampade e vari ornamenti. Lalique ha utilizzato il semicristallo invece del cristallo al piombo, privilegiando le sue proprietà più morbide e malleabili, nonostante la sua minore lucentezza. Sebbene occasionalmente impiegasse vetro colorato, optò più frequentemente per il vetro opalescente, dove una parte o l'intera superficie esterna veniva trattata con un lavaggio. I contributi di Lalique si estesero alla fornitura di pannelli decorativi in ​​vetro, apparecchi di illuminazione e soffitti in vetro illuminati per i transatlantici SS Île de France nel 1927 e per la SS Normandie nel 1935, nonché per selezionati vagoni letto di prima classe sulle ferrovie francesi. All'Esposizione delle arti decorative del 1925, presentò il suo padiglione, concepì una sala da pranzo completa di tavolo e soffitto in vetro coordinato per il padiglione di Sèvres e progettò una fontana di vetro per il cortile del Cours des Métiers: una sottile colonna di vetro che emetteva acqua dai suoi lati e veniva illuminata dopo il tramonto.

Tra gli altri importanti produttori di vetro Art Déco c'era Marius-Ernest Sabino, la cui esperienza risiedeva nella creazione di figurine, vasi, ciotole e sculture in vetro raffiguranti pesci, nudi e animali. Per queste creazioni utilizzava spesso il vetro opalescente, un materiale capace di cambiare colore dal bianco al blu all'ambra, a seconda delle condizioni di illuminazione ambientale. I suoi vasi e le sue ciotole erano caratterizzati da fregi modanati raffiguranti animali, nudi o busti di donne ornati di frutta o fiori. La produzione artistica di Sabino è stata generalmente meno discreta ma più vivace di quella di Lalique.

Altri importanti designer di vetro Art Déco includevano Edmond Etling, riconosciuto per le sue vivaci tonalità opalescenti, che spesso incorporavano motivi geometrici e nudi scolpiti. Notevoli furono anche Albert Simonet, Aristide Colotte e Maurice Marinot, con Marinot particolarmente acclamato per le sue bottiglie e vasi scultorei profondamente incisi. L'azienda Daum di Nancy, precedentemente rinomata per la sua lavorazione del vetro in stile Art Nouveau, ha successivamente creato una gamma di vasi e sculture in vetro Art Déco caratterizzati da forme solide, geometriche e sostanziali. Al contrario, pezzi più intricati e multicolori furono realizzati da Gabriel Argy-Rousseau, che disegnò vasi leggermente ombreggiati ornati con farfalle e ninfe scolpite, e François Decorchemont, i cui vasi presentavano motivi distintivi striati e marmorizzati.

La Grande Depressione colpì in modo significativo l'industria del vetro decorativo, che faceva molto affidamento su una clientela benestante. Di conseguenza, alcuni artisti reindirizzarono i loro sforzi verso la creazione di vetrate colorate per commissioni ecclesiastiche. Nel 1937 la vetreria Steuben avviò un programma in cui commissionava ad artisti rinomati la progettazione di oggetti in vetro. In particolare, Louis Majorelle, celebre per i suoi mobili in stile Art Nouveau, concepì un'eccezionale vetrata Art Déco raffigurante operai siderurgici per gli uffici di Aciéries de Longwy, un'acciaieria situata a Longwy, in Francia.

Un raro esempio di vetrate Art Déco si trova nella Cappella del Sacro Cuore nella cattedrale di Amiens, fabbricata tra il 1932 e il 1934 dall'artista parigino Jean Gaudin, su progetto di Jacques Le Breton.

Arte del metallo

I professionisti dell'Art Déco hanno creato una vasta gamma di oggetti funzionali, utilizzando materiali industriali che vanno dal tradizionale ferro battuto all'acciaio cromato. L'artista americano Norman Bel Geddes, ad esempio, ha progettato un set da cocktail ispirato ai grattacieli realizzato in acciaio cromato. Raymond Subes concepì un'elegante griglia metallica per l'ingresso del Palais de la Porte Dorée, che servì come elemento centrale dell'Esposizione Coloniale di Parigi del 1931. Anche lo scultore francese Jean Dunand contribuì in modo significativo, producendo magnifiche porte a tema "La Caccia", decorate con foglie d'oro e pittura su intonaco nel 1935.

Raffigurazioni nella finzione

L'estetica e i motivi visivi Art Déco sono stati incorporati in numerosi film d'animazione, tra cui Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia e Sleeping Beauty. Inoltre, lo stile architettonico è ben visibile nella metropoli sottomarina immaginaria di Rapture all'interno della serie di videogiochi BioShock.

Gli elementi visivi Art Déco sono serviti come ispirazione architettonica per Iacon City nel film di fantascienza animato Transformers One.

Architettura Art Déco globale

Sebbene l'architettura Art Déco abbia avuto origine in Europa, nel 1939, i suoi esempi si potevano trovare nelle principali città di ogni continente e in quasi tutte le nazioni. Di seguito viene fornita una selezione di strutture importanti di ciascun continente.

Africa

Africa

La maggior parte delle strutture Art Déco in Africa furono costruite durante il periodo dell'amministrazione coloniale europea, spesso sotto la direzione progettuale di architetti italiani, francesi e portoghesi.

Asia

Mentre numerosi edifici Art Déco in Asia furono concepiti da architetti europei, professionisti locali come Juan Nakpil, Juan Arellano e Pablo Antonio erano particolarmente importanti nelle Filippine. Sebbene molti monumenti Art Déco in tutta l'Asia siano stati smantellati durante la significativa espansione economica della fine del XX secolo, persistono diverse enclave architettoniche degne di nota, in particolare a Shanghai e Mumbai.

Fondato a Mumbai nel 1929, l'Indian Institute of Architects ha dato un significativo impulso al movimento Art Déco. Nel novembre 1937, l'istituto organizzò la "Mostra della casa ideale" presso il municipio di Mumbai, un evento che durò 12 giorni e attirò circa 100.000 partecipanti. Questa mostra è stata successivamente lodata come un trionfo dal "Journal of the Indian Institute of Architects". Le esposizioni mostravano configurazioni residenziali ottimali, o meglio contemporanee, enfatizzando un design meticoloso per escludere carenze architettoniche e presentare prototipi altamente efficienti e concepiti con cura. La mostra comprendeva diversi componenti domestici, inclusi mobili, elementi di arredamento interno ed elettrodomestici come radio e frigoriferi, tutti incorporanti materiali e metodologie nuovi e scientificamente pertinenti. Spinti dall’aspirazione a rispecchiare le tendenze occidentali, gli architetti indiani furono affascinati dalla modernità industriale insita nell’Art Déco. Le élite occidentali inizialmente esplorarono gli aspetti tecnologicamente sofisticati dell'Art Déco, spingendo gli architetti a avviarne l'integrazione all'inizio degli anni '30.

Durante gli anni '30, il fiorente commercio portuale di Mumbai favorì l'espansione di una classe demografica di classe media istruita. Allo stesso tempo, un afflusso di persone è migrato a Mumbai in cerca di lavoro, intensificando la domanda di nuove infrastrutture. Ciò ha reso necessario un ampio sviluppo urbano, compresi programmi di bonifica e la costruzione di numerosi edifici pubblici e residenziali. Allo stesso tempo, l'evoluzione del panorama politico all'interno della nazione e la natura ambiziosa dell'estetica Art Deco hanno facilitato l'adozione diffusa di questo stile architettonico nell'espansione urbana della città. Una significativa concentrazione di strutture di quest'epoca è distribuita in vari quartieri della città, tra cui Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra e Chembur.

Australia e Nuova Zelanda

In Australia, Melbourne e Sydney presentano diverse importanti strutture Art Déco. Esempi degni di nota a Melbourne includono il Manchester Unity Building e l'ex quartier generale della polizia di Russell Street. Anche il Castlemaine Art Museum a Castlemaine, nel centro di Victoria, rappresenta questo stile. Gli edifici Art Déco più importanti di Sydney comprendono il Grace Building, l'AWA Tower e l'Anzac Memorial.

In seguito al terremoto di Hawke's Bay del 1931, diverse città neozelandesi, in particolare Napier e Hastings, furono sottoposte a ricostruzione in stile Art Déco. Molti di questi edifici da allora hanno ricevuto protezione e restauro. Napier è stato proposto per la designazione di sito patrimonio mondiale dell'UNESCO, contrassegnandolo come la nomina di sito culturale inaugurale della Nuova Zelanda. Wellington conserva anche una notevole collezione di architettura Art Déco.

Nord America

In Canada, le strutture Art Déco esistenti si trovano prevalentemente nei principali centri urbani. Si va da edifici civici, come il municipio di Vancouver, a proprietà commerciali come College Park e infrastrutture di pubblica utilità, come l'impianto di trattamento delle acque R. C. Harris.

La manifestazione Art Déco più sorprendente del Messico è l'interno del Palacio de Bellas Artes (Palazzo delle Belle Arti), completato nel 1934 e caratterizzato da intricati decori e murali. L'architettura residenziale Art Déco è evidente nel quartiere di Condesa, con molti progetti attribuiti a Francisco J. Serrano.

In tutti gli Stati Uniti, l'architettura Art Déco è prevalente nelle principali città da una costa all'altra. La sua applicazione era più comune in strutture commerciali come edifici per uffici, stazioni ferroviarie, terminal aeroportuali e cinema, mentre gli esempi residenziali rimangono rari. Durante gli anni '20 e '30, gli architetti degli Stati Uniti sudoccidentali, in particolare il New Mexico, integrarono elementi Pueblo Revival e stile territoriale con l'Art Déco per forgiare il "Pueblo Deco", esemplificato dal KiMo Theatre di Albuquerque. Gli anni ’30 videro l’ascesa dello stile più minimalista Streamline Moderne. Sebbene numerosi edifici furono rasi al suolo tra il 1945 e la fine degli anni '60, furono avviate successive iniziative di conservazione per salvaguardare gli esempi più importanti. La città di Miami Beach, ad esempio, ha istituito il Miami Beach Architectural District per conservare la sua illustre collezione di edifici Art Déco.

America Centrale e Caraibi

Le strutture Art Déco sono distribuite in tutta l'America centrale, inclusa Cuba.

Europa

Lo stile architettonico Art Déco ha avuto origine a Parigi, esemplificato dal Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) di Auguste Perret. Successivamente si diffuse rapidamente in tutta Europa, con esempi emergenti nei principali centri urbani, da Londra a Mosca. Durante gli anni ’20 e ’30, la Germania assistette alla proliferazione di due distinte varianti Art Déco: lo stile Neue Sachlichkeit e l’architettura espressionista. Esempi importanti includono la Mossehaus e la Schaubühne di Erich Mendelsohn a Berlino, la Chilehaus di Fritz Höger ad Amburgo e la sua Kirche am Hohenzollernplatz a Berlino, insieme alla Torre Anzeiger ad Hannover e alla Torre Borsig a Berlino.

La Basilica Nazionale del Sacro Cuore a Koekelberg, a Bruxelles, è uno degli edifici Art Déco più importanti dell'Europa occidentale. Nel 1925, l'architetto Albert van Huffel ricevette il Gran Premio di Architettura per il suo modello in scala della basilica all'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes di Parigi.

Spagna e Portogallo presentano notevoli esempi di architettura Art Déco, particolarmente evidenti nelle loro sedi cinematografiche. In Portogallo, esempi importanti includono il Teatro Capitólio (1931) e il Cine-Teatro Éden (1937) a Lisbona, il Teatro Rivoli (1937) e il Coliseu (1941) a Porto, e il Teatro Rosa Damasceno (1937) a Santarém. I contributi della Spagna includono il Cine Rialto a Valencia (1939).

Per tutti gli anni '30, l'Art Déco influenzò in modo significativo la progettazione di edifici pubblici e residenziali in tutto il Regno Unito. Le caratteristiche caratteristiche di quest'epoca includevano facciate rettilinee di case intonacate di bianco che culminavano in tetti piani, cornici di porte decisamente geometriche, finestre allungate e finestre angolari in metallo con curvatura convessa.

La metropolitana di Londra è rinomata per i suoi numerosi esempi architettonici Art Déco. Inoltre, diverse strutture in questo stile si trovano lungo il Golden Mile di Brentford. Nella zona ovest di Londra, l'Hoover Building, inizialmente costruito per The Hoover Company, è stato trasformato in un ipermercato all'inizio degli anni '90.

Bucarest, storicamente definita la "piccola Parigi" del XIX secolo, ha subito un significativo riorientamento progettuale dopo la prima guerra mondiale, traendo ispirazione da New York City. Gli anni ’30 inaugurarono una nuova estetica culturale, influenzando il cinema, il teatro, la danza, l’arte e l’architettura. Durante questo decennio, Bucarest conobbe una proliferazione di architettura Art Déco, evidente da strade importanti come Bulevardul Magheru a residenze private e quartieri più piccoli. Il Palazzo del Telefono, uno dei primi punti di riferimento della moderna Bucarest, rappresentava il grattacielo inaugurale della città. Con i suoi 52,5 metri (172 piedi), rimase la struttura più alta della città dal 1933 fino agli anni '50. Il suo progetto è stato attribuito agli architetti Louis Weeks e Edmond van Saanen Algi, con Walter Troy in qualità di ingegnere. Questi monumenti Art Déco sono parte integrante dell'identità di Bucarest, a significare un periodo cruciale tra le due guerre (la prima e la seconda guerra mondiale) nel suo sviluppo storico. Tuttavia, la maggior parte di queste strutture di quell'epoca sono suscettibili a eventi sismici, data la posizione di Bucarest all'interno di una zona sismica.

Art Déco in Sud America

La presenza dell'Art Déco in Sud America è particolarmente pronunciata nelle nazioni che hanno sperimentato una notevole immigrazione durante la prima metà del XX secolo, con contributi architettonici significativi riscontrati in città ricche come San Paolo e Rio de Janeiro in Brasile, Buenos Aires in Argentina e Montevideo in Uruguay. L'edificio Kavanagh a Buenos Aires (1934), progettato da Sánchez, Lagos e de la Torre, esemplifica lo stile tardo Art Déco e al suo completamento è stato riconosciuto come la struttura in cemento armato più alta.

Sforzi di conservazione e sviluppi neo-Art Déco

In numerosi centri urbani sono state lanciate iniziative per salvaguardare le strutture Art Déco esistenti. Negli Stati Uniti, numerosi cinema storici in stile Art Déco sono stati preservati e riconvertiti come centri culturali. Inoltre, gli edifici Art Déco più modesti sono stati conservati come elementi dell'eredità architettonica americana; per esempio, un caffè Art Déco e una stazione di servizio lungo la Route 66 a Shamrock, in Texas, detiene lo status di monumento storico. Il Miami Beach Architectural District protegge attivamente centinaia di edifici storici e impone che le nuove costruzioni aderiscano all'estetica Art Déco. Al contrario, a L’Avana, Cuba, un numero significativo di edifici Art Déco hanno subito un grave deterioramento. Sono attualmente in corso interventi di restauro per riportare queste strutture alla loro condizione originale.

Durante il 21° secolo, le iterazioni contemporanee dell'Art Déco, designate come Neo Art Déco (o neo-Art Déco), sono emerse in vari centri urbani americani, traendo ispirazione dalle strutture Art Déco per eccellenza degli anni '20 e '30. Esempi degni di nota includono la NBC Tower a Chicago, che fa riferimento a 30 Rockefeller Plaza a New York City; lo Smith Center for the Performing Arts a Las Vegas, Nevada, che incorpora motivi Art Déco che ricordano la diga di Hoover; 99 Hudson a Jersey City, New Jersey, riconosciuto come l'edificio più alto dello stato e il 46esimo più alto degli Stati Uniti, caratterizzato dalla sua pietra calcarea influenzata dall'Art Déco e dai dettagli lineari in vetro; e la Brooklyn Tower a Brooklyn, New York, l'edificio più alto del quartiere e il 19esimo più alto a livello nazionale, caratterizzato da tubi in vetro nero e bronzo.

Riferimenti

Riferimenti

Bibliografia

Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). Design del 20° secolo (25° anniversario ed.). Colonia: Taschen. pagine 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.

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  • Art Déco Miami Beach
  • Montreal Art Déco
  • Design degli interni del soggiorno
  • Shanghai Art Déco
  • Società Art Déco di New York
  • Passeggiata Art Déco a Montreal