Arts and Crafts movement

Il movimento Arts and Crafts costituì una tendenza artistica internazionale nell'ambito delle arti decorative e delle belle arti, che ebbe origine e si sviluppò in modo più completo nelle isole britanniche prima di diffondersi in tutto l'Impero britannico, in Europa e nel Nord America.

Emerso come risposta al percepito declino della qualità delle arti decorative e dei loro metodi di produzione, questo movimento prosperò in tutta Europa e Nord America dal 1880 al 1920 circa. Alcuni studiosi lo identificano come il precursore del movimento moderno. Stile, una manifestazione britannica che in seguito si evolse nel movimento Art Nouveau. Al contrario, altri lo vedono come l'incarnazione per eccellenza dell'Art Nouveau in Inghilterra.

Una prospettiva contrastante postula il movimento Arts and Crafts come antitetico all'Art Nouveau, criticando specificamente l'incorporazione di materiali industriali come il ferro da parte dell'Art Nouveau.

In Giappone, il movimento si manifestò negli anni '20 come movimento Mingei, enfatizzando l'artigianato tradizionale e incorporando spesso stili decorativi medievali, romantici o popolari. Ha sostenuto la riforma economica e sociale, adottando una posizione antiindustriale. Il movimento influenzò in modo significativo le arti europee fino alla sua sostituzione da parte del Modernismo negli anni '30, ma i suoi principi persistettero tra artigiani, designer e urbanisti per un lungo periodo.

La definizione "Arts and Crafts" fu coniata da T. J. Cobden-Sanderson durante un incontro del 1887 della Arts and Crafts Exhibition Society, sebbene i suoi principi sottostanti e l'estetica si fossero evoluti in Inghilterra almeno due decenni prima. Il movimento trasse ispirazione dai contributi intellettuali dello storico Thomas Carlyle, del critico d'arte John Ruskin e del designer William Morris. In Scozia, figure di spicco come Charles Rennie Mackintosh sono strettamente associate al suo sviluppo. Inoltre, gli scritti di Viollet le Duc sulla natura e sull'arte gotica furono determinanti nel plasmare le basi estetiche del movimento Arts and Crafts.

Origini e influenze

Riforma del design

Il movimento Arts and Crafts ha avuto origine dagli sforzi volti a riformare il design e gli ornamenti nella Gran Bretagna della metà del XIX secolo. Costituiva una risposta diretta al deterioramento percepito degli standard estetici, che i riformatori attribuivano ai macchinari industriali e alla produzione industriale. Questa critica fu particolarmente intensificata dalle mostre della Grande Esposizione del 1851, che considerarono eccessivamente elaborate, artificiali e prive di apprezzamento per le proprietà materiali. Lo storico dell'arte Nikolaus Pevsner ha osservato che questi reperti dimostravano "l'ignoranza di quella necessità fondamentale nella creazione di modelli, l'integrità della superficie" e mostravano "volgarità nei dettagli".

Le iniziative di riforma del design furono guidate dagli organizzatori della mostra Henry Cole (1808–1882), Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) e Richard Redgrave (1804–1888), i quali condannarono tutti gli ornamenti eccessivi e gli oggetti poco pratici o di scarsa fattura. Gli organizzatori hanno espresso "unanime condanna delle mostre". Owen Jones, ad esempio, lamentava che "l'architetto, il tappezziere, il coloratore di carta, il tessitore, il tipografo e il vasaio" generavano "novità senza bellezza, o bellezza senza intelligenza". Queste critiche ai prodotti manifatturieri portarono successivamente alla pubblicazione di diversi lavori che articolavano quelli che i loro autori consideravano validi principi di progettazione. Il Supplementary Report on Design (1852) di Richard Redgrave analizzava meticolosamente i principi del design e dell'ornamento, sostenendo "più logica nell'applicazione della decorazione".

Le pubblicazioni successive continuarono questo focus tematico, tra cui Industrial Arts of the Nineteenth Century di Wyatt (1853), Wissenschaft, Industrie und Kunst di Gottfried Semper. ("Scienza, industria e arte") (1852), Analysis of Ornament di Ralph Wornum (1856), Manual of Design di Redgrave (1876) e Grammar of Ornament di Jones (1856). In particolare, Grammatica dell'ornamento ottenne un'influenza significativa, essendo ampiamente distribuito come premio accademico e subendo nove ristampe entro il 1910.

Jones sosteneva che l'ornamento dovrebbe essere subordinato all'oggetto che adorna, sottolineando la necessità di un rapporto appropriato tra l'abbellimento e l'oggetto decorato. Stabilì inoltre che i motivi su carte da parati e tappeti dovessero evocare esclusivamente una superficie piana o livellata. In contrasto con la preferenza della Grande Esposizione per motivi naturali resi con il massimo realismo, questi autori sostenevano disegni naturali bidimensionali semplificati. Redgrave, da parte sua, sosteneva che il vero "stile" richiedeva una costruzione robusta che precedesse qualsiasi ornamento, insieme a una conoscenza approfondita della qualità dei materiali. È famosa la sua dichiarazione: "L'utilità deve avere la precedenza sull'ornamento."

Tuttavia, i riformatori del design della metà del XIX secolo non si allinearono completamente con i principi successivamente adottati dal movimento Arts and Crafts. Il loro focus principale rimase sugli ornamenti piuttosto che sull’integrità strutturale, mostrando una conoscenza insufficiente dei processi di produzione e astenendosi dalla critica diretta ai metodi di produzione industriale. In netto contrasto, il movimento Arts and Crafts comprendeva sia il design che la riforma sociale, e le sue figure di spicco consideravano questi due aspetti inseparabili.

A. W. N. Pugin

Augustus Pugin (1812–1852), una figura di spicco del movimento architettonico neogotico, prefigurò diversi principi fondamentali della filosofia Arts and Crafts. Ha sostenuto principi come la fedeltà al materiale, alla struttura e alla funzione, rispecchiando la successiva difesa dei professionisti di Arts and Crafts. Pugin articolò anche l’inclinazione critica dei commentatori sociali a giustapporre le carenze della società contemporanea – compresa l’espansione urbana incontrollata e la difficile situazione degli impoveriti – con le virtù percepite del Medioevo, un approccio comparativo che divenne una pratica standard per Ruskin, Morris e il movimento Arts and Crafts. La sua pubblicazione del 1836, Contrasti, presentava illustrazioni di architettura moderna e pianificazione urbana imperfette in opposizione alle controparti medievali esemplari. La biografa Rosemary Hill osserva che Pugin "raggiunse conclusioni, quasi di sfuggita, sull'importanza dell'artigianato e della tradizione nell'architettura che ci sarebbero voluti il ​​resto del secolo e gli sforzi congiunti di Ruskin e Morris per elaborare in dettaglio". Hill definisce ulteriormente gli arredi minimalisti specificati da Pugin per un edificio del 1841, in particolare "sedie in giunco, tavoli in quercia", come "interni di arti e mestieri in embrione".

John Ruskin

Le basi filosofiche del movimento Arts and Crafts derivavano in gran parte dalle critiche sociali di John Ruskin, a loro volta profondamente plasmate dagli scritti di Thomas Carlyle. Ruskin ipotizzò una correlazione diretta tra il benessere morale e sociale di una nazione e le caratteristiche della sua architettura, nonché la natura intrinseca del suo lavoro. Ha caratterizzato la produzione meccanizzata e la divisione specializzata del lavoro introdotte dalla rivoluzione industriale come "lavoro servile", sostenendo che una società virtuosa e prospera necessitava di lavoratori autonomi che concepissero ed eseguissero le proprie creazioni. Ruskin considerava gli articoli prodotti in fabbrica "disonesti", sostenendo invece il lavoro manuale e l'artigianato come processi che infondono dignità al lavoro.

Artisticamente, Ruskin trasse ispirazione dal suo contemporaneo, Viollet-le-Duc, di cui presentò il lavoro a tutti i suoi studenti. In corrispondenza con un allievo, Ruskin affermò notoriamente: "C'è un solo libro di architettura di un certo valore e che contiene tutto, giustamente, il Dizionario di Monsieur Viollet-le-Duc. Ogni architetto deve imparare il francese". Inoltre, alcuni studiosi suggeriscono che l'influenza di Viollet-le-Duc abbia superato l'impatto di Ruskin sul movimento Arts and Crafts nel 1860.

I sostenitori di Ruskin davano priorità alla produzione artigianale rispetto a quella industriale ed esprimevano apprensione riguardo all'erosione delle competenze tradizionali. Tuttavia, la loro preoccupazione principale riguardava le ramificazioni sociali del sistema di fabbrica piuttosto che le macchine stesse. La concezione di "artigianato" di William Morris denotava fondamentalmente lavoro svolto senza divisione dei compiti, piuttosto che lavoro completamente privo di assistenza meccanica. Sebbene Morris tenesse in grande stima Le sette lampade dell'architettura e Le pietre di Venezia di Ruskin e avesse letto attentamente Modern Painters, non condivideva l'ammirazione di Ruskin per J. M. W. Turner, e i suoi commenti artistici suggeriscono un generale disinteresse per la pittura da cavalletto. Al contrario, Ruskin si oppose fermamente al principio emergente delle Arti e dei Mestieri secondo cui la decorazione dovrebbe essere piatta ed evitare la rappresentazione di forme tridimensionali.

William Morris

William Morris (1834–1896) emerse come la figura preminente del design della fine del XIX secolo e il principale catalizzatore del movimento Arts and Crafts. I principi estetici e sociali del movimento ebbero origine da concetti che Morris sviluppò nel 1850 con il Birmingham Set, un gruppo di studenti dell'Università di Oxford, tra cui Edward Burne-Jones, che fuse l'apprezzamento per la letteratura romantica con la dedizione alla riforma sociale. John William Mackail osservò che, per questo gruppo, Passato e presente di Carlyle aveva uno status equivalente a Pittori moderni di Ruskin come testo autorevole e divinamente ispirato. Il medievalismo evidente nella Morte d'Arthur di Malory stabilì il punto di riferimento per il loro primo stile artistico. Come ha spiegato Burne-Jones, il loro obiettivo era "condurre una guerra santa contro il tempo".

Morris si è successivamente impegnato nella sperimentazione di vari mestieri e nella progettazione di mobili e interni. Il suo coinvolgimento personale si estende sia alla produzione che al design, una caratteristica del movimento Arts and Crafts. John Ruskin aveva precedentemente sostenuto che la separazione tra l’atto intellettuale della progettazione e l’atto manuale della creazione fisica era dannosa sia dal punto di vista sociale che da quello estetico. Morris elaborò ulteriormente questo concetto, stabilendo che nessun lavoro avrebbe dovuto iniziare nei suoi laboratori finché non avesse padroneggiato personalmente le tecniche e i materiali necessari, affermando che "senza un'occupazione umana dignitosa e creativa le persone si disconnettono dalla vita".

Nel 1861, Morris iniziò la produzione commerciale di mobili e oggetti decorativi, basando i suoi progetti sull'estetica medievale e impiegando forme audaci e colori vivaci. I suoi modelli spesso incorporavano flora e fauna, mentre i suoi prodotti traevano ispirazione dalle tradizioni vernacolari o domestiche prevalenti nella campagna britannica. Alcuni pezzi sono stati lasciati intenzionalmente incompiuti per evidenziare la bellezza intrinseca dei materiali e l'abilità dell'artigiano, ottenendo così un'estetica rustica. Morris mirava a integrare tutte le discipline artistiche all'interno della sfera domestica, enfatizzando gli elementi naturali e la semplicità formale.

Principi sociali e di design

A differenza dei loro colleghi americani, la maggior parte dei professionisti britannici di Arts and Crafts nutriva sentimenti negativi forti, anche se alquanto incoerenti, nei confronti dei macchinari. Concettualizzavano "l'artigiano" come un individuo autonomo e creativo impegnato nel lavoro manuale, mentre percepivano "la macchina" come priva di anima, ripetitiva e disumanizzante. Queste prospettive dicotomiche hanno in parte origine da The Stones of Venice di John Ruskin (1819-1900), una storia dell'architettura di Venezia che conteneva una potente critica all'industrialismo moderno, un testo a cui i designer di Arts and Crafts hanno fatto ripetutamente riferimento. Questa intrinseca sfiducia nei confronti dei macchinari fu alla base della proliferazione di numerose piccole officine intorno al 1900 che evitavano il mondo industriale, impiegando metodi preindustriali per produrre ciò che chiamavano "artigianato".

Critica dell'industria

William Morris si è allineato alla critica di Ruskin della società industriale, condannando in vari momenti la fabbrica moderna, l'uso dei macchinari, la divisione del lavoro, il capitalismo e l'erosione delle metodologie artigianali tradizionali. Tuttavia, la sua posizione sui macchinari ha mostrato incoerenza. Mentre una volta dichiarò che la produzione meccanica era "assolutamente un male", in altre occasioni commissionò lavori a produttori in grado di soddisfare i suoi standard di qualità con l'assistenza meccanica. Morris ipotizzò che in una “vera società”, dove non venivano fabbricati né beni di lusso né prodotti inferiori, i macchinari potevano essere perfezionati e utilizzati per ridurre le ore di lavoro. La storica culturale Fiona McCarthy ha osservato che, "a differenza dei fanatici successivi come Gandhi, William Morris non aveva obiezioni pratiche all'uso dei macchinari di per sé purché le macchine producessero la qualità di cui aveva bisogno."

Morris sosteneva che l'artista dovrebbe funzionare come un artigiano-designer che lavora manualmente, sostenendo una società composta da artigiani indipendenti, un modello che credeva fosse esistito durante il Medioevo. Scrisse: "Poiché gli artigiani traevano piacere dal loro lavoro, il Medioevo fu un periodo di grandezza nell'arte della gente comune. ... I tesori nei nostri musei ora sono solo gli utensili comuni usati nelle famiglie di quell'epoca, quando centinaia di chiese medievali - ognuna un capolavoro - furono costruite da contadini non sofisticati". L'arte medievale fungeva da modello fondamentale per gran parte del design Arts and Crafts e il movimento idealizzava la vita, la letteratura e l'architettura medievali.

Gli aderenti a Morris avevano prospettive divergenti riguardo ai macchinari industriali e al sistema di fabbrica. C. R. Ashbee, una figura di spicco all'interno del movimento Arts and Crafts, nel 1888 affermò: "Non rifiutiamo la macchina, la accogliamo. Ma vorremmo vederla padroneggiata". Dopo il suo tentativo infruttuoso di opporsi alla sua Corporazione e Scuola di Artigianato contro le tecniche di produzione contemporanee, Ashbee ha ammesso che "la civiltà moderna si basa sulle macchine". Tuttavia, ha continuato a criticare gli impatti dannosi di quello che ha definito “meccanismo”, affermando che “la produzione di alcuni beni meccanici è altrettanto dannosa per la salute nazionale quanto lo è la produzione di canna coltivata in schiavitù o di articoli sudati dai bambini”. Al contrario, William Arthur Smith Benson integrò prontamente l'estetica Arts and Crafts nella lavorazione dei metalli prodotta in condizioni industriali.

Morris e i suoi seguaci consideravano indesiderabile la divisione industriale del lavoro; tuttavia, la misura in cui i designer dovrebbero eseguire personalmente ogni aspetto delle loro creazioni è rimasta una questione controversa. Non tutti i professionisti delle Arti e dei Mestieri eseguivano personalmente ogni fase della produzione, e la completa integrazione tra progettazione ed esecuzione divenne una caratteristica distintiva dell'artigianato solo nel XX secolo. Nonostante il rinomato impegno pratico di Morris in numerosi mestieri, tra cui tessitura, tintura, stampa, calligrafia e ricamo, Morris non percepiva come problematica la separazione tra designer ed esecutore all'interno delle proprie operazioni di produzione. Al contrario, Walter Crane, uno stretto alleato politico di Morris, si oppose con veemenza alla divisione del lavoro sia su basi etiche che estetiche, sostenendo l’esecuzione unificata di progettazione e produzione da parte di un singolo individuo. Lewis Foreman Day, un amico e contemporaneo di Crane che condivideva la sua profonda ammirazione per Morris, dissentì fortemente dalla posizione di Crane. Day sosteneva che la separazione tra progettazione ed esecuzione non era solo una conseguenza inevitabile della modernità, ma anche una specializzazione che promuoveva l'eccellenza sia nella concettualizzazione che nella fabbricazione.

Un numero limitato di fondatori della Arts and Crafts Exhibition Society imponeva che il designer fungesse anche da produttore, sebbene dassero priorità al riconoscimento dell'artigiano, una pratica riflessa nei loro cataloghi delle mostre. Peter Floud, nella sua analisi degli anni '50, osservò che "I fondatori della Società... non eseguirono mai i propri progetti, ma li consegnarono invariabilmente a società commerciali". Il concetto di designer come creatore e di creatore come designer ha avuto origine "non da Morris o dai primi insegnamenti di Arts and Crafts, ma piuttosto dalla dottrina dell'elaborazione di seconda generazione elaborata nel primo decennio del [ventesimo] secolo da uomini come W. R. Lethaby."

Socialismo

Un numero significativo di designer associati al movimento Arts and Crafts erano socialisti, tra cui figure di spicco come Morris, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, C. R. Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner e A. H. Mackmurdo. Durante i primi anni 1880, Morris dedicò una percentuale maggiore dei suoi sforzi alla promozione degli ideali socialisti che al suo lavoro di progettazione e artigianato. Ashbee, ad esempio, fondò la Guild of Handicraft, una comunità di artigiani inizialmente situata nella zona est di Londra, che successivamente si trasferì a Chipping Campden. Al contrario, gli aderenti non socialisti, come Alfred Hoare Powell, sostenevano una dinamica più empatica e individualizzata tra datori di lavoro e dipendenti. Lewis Foreman Day, un altro affermato e influente designer di Arts and Crafts, non era un socialista, nonostante la sua duratura amicizia con Crane.

Associazione con altri movimenti di riforma

In Gran Bretagna, il movimento Arts and Crafts mantenne collegamenti con varie iniziative di riforma, tra cui la riforma dell'abbigliamento, il ruralismo, il movimento delle città giardino e il revival delle canzoni popolari. Questi movimenti erano, in una certa misura, unificati dal principio generale della “vita semplice”. Nell'Europa continentale, le affiliazioni del movimento erano incentrate sulla conservazione delle tradizioni nazionali attraverso le pratiche edilizie, le arti applicate, il design domestico e il costume.

Sviluppo

I progetti di Morris acquisirono rapidamente importanza, attirando un'attenzione significativa quando le creazioni della sua azienda furono presentate all'Esposizione Internazionale del 1862 a Londra. Una parte sostanziale di questi primi lavori trasse ispirazione diretta dal Dictionnaire di Viollet le Duc. Inizialmente, Morris & Co. intraprese principalmente commissioni per ambienti ecclesiastici, con Morris che assicurò notevoli progetti di interior design al St James's Palace e al South Kensington Museum (ora noto come Victoria and Albert Museum). Successivamente, il suo lavoro ottenne un vasto appeal tra le classi medie e alte, uno sviluppo che si verificò nonostante la sua dichiarata ambizione di promuovere una forma d'arte democratica. Verso la fine del XIX secolo, l'estetica Arts and Crafts era diventata lo stile preminente per l'architettura residenziale e gli interni domestici in tutta la Gran Bretagna, influenzando persino i prodotti fabbricati attraverso processi industriali convenzionali.

La diffusione dei principi Arts and Crafts durante la fine del XIX e l'inizio del XX secolo portò alla proliferazione di numerose associazioni e comunità artigiane. Tuttavia, lo stesso Morris ebbe un coinvolgimento minimo con questi gruppi a causa della sua contemporanea dedizione alle cause socialiste. Nella sola Gran Bretagna furono fondate 130 organizzazioni di arti e mestieri, la maggior parte delle quali si formò tra il 1895 e il 1905.

Nel 1881, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler e altri collaboratori fondarono la Home Arts and Industries Association. Il suo obiettivo era incoraggiare gli individui della classe operaia, in particolare quelli delle zone rurali, a dedicarsi all'artigianato controllato. Questa iniziativa non era guidata da motivi di profitto ma mirava a fornire occupazioni benefiche e coltivare una migliore sensibilità estetica tra i partecipanti. Nel 1889, l'associazione si era espansa fino a comprendere 450 classi, servite da 1.000 insegnanti e istruite 5.000 studenti.

Nel 1882, l'architetto A.H. Mackmurdo fondò la Century Guild, una partnership di collaborazione di designer che includeva Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton e Benjamin Creswick.

The Art Workers Guild fu fondata nel 1884 da cinque emergenti architetti: William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney e Gerald C. Horsley. Il loro scopo primario era quello di integrare le arti belle e applicate e di elevare la posizione professionale di queste ultime. George Blackall Simonds inizialmente ne è stato il direttore. Nel 1890, i membri della Gilda erano cresciuti fino a 150, riflettendo il numero crescente di praticanti che abbracciavano lo stile Arts and Crafts. L'organizzazione rimane attiva oggi.

Liberty & Co., un grande magazzino londinese fondato nel 1875, emerse come un importante rivenditore di prodotti che incarnavano lo stile Arts and Crafts, nonché l'"abito artistico" preferito dagli aderenti al movimento.

Nel 1887, la Arts and Crafts Exhibition Society, che alla fine prestò il nome al movimento più ampio, fu formalmente costituita con Walter Crane come presidente. La società tenne la sua mostra inaugurale alla New Gallery di Londra nel novembre 1888. Questo evento segnò la prima esposizione significativa di arti decorative contemporanee a Londra dall'esposizione invernale della Grosvenor Gallery del 1881. Morris & Co. era ampiamente rappresentata, mettendo in mostra mobili, tessuti, tappeti e ricami. Edward Burne-Jones ha rimarcato l'importanza della mostra, affermando: "qui per la prima volta si può misurare un po' il cambiamento avvenuto negli ultimi vent'anni". La società continua a operare sotto la sua denominazione attuale, Society of Designer Craftsmen.

Nel 1888, C.R. Ashbee, un noto esponente dello stile Arts and Crafts in Inghilterra, fondò la Guild and School of Handicraft nell'East End di Londra. Questa corporazione funzionava come una cooperativa artigianale, strutturata sul modello delle corporazioni medievali, con l'intento di favorire la soddisfazione per l'artigianato tra gli operai. Abili artigiani, che operavano secondo i principi filosofici di Ruskin e Morris, avevano il compito di produrre beni artigianali e di gestire una scuola di apprendistato. Sebbene l'iniziativa fu accolta con un diffuso entusiasmo, Morris, che allora era profondamente impegnato nella promozione del socialismo, liquidò l'impresa di Ashbee come banale. La corporazione prosperò dal 1888 al 1902, impiegando circa 50 uomini. Nel 1902, Ashbee trasferì la gilda da Londra a Chipping Campden nelle Cotswolds, con l'obiettivo di stabilire una comunità sperimentale. Il lavoro distintivo della gilda prevedeva superfici semplici di argento martellato, intricati fili metallici fluidi e pietre colorate incastonate semplicemente. Lo stesso Ashbee ha disegnato gioielli e stoviglie in argento. Sebbene la corporazione fiorì in modo creativo a Chipping Campden, non raggiunse la prosperità finanziaria e alla fine fu liquidata nel 1908. Tuttavia, alcuni artigiani rimasero nella zona, contribuendo così alla tradizione duratura dell'artigianato moderno nella regione.

C.F.A. Voysey (1857-1941) era un architetto di arti e mestieri che eccelleva anche nella progettazione di tessuti, piastrelle, ceramiche, mobili e oggetti in metallo. Il suo stile distintivo fondeva armoniosamente semplicità e raffinatezza. Le sue carte da parati e i suoi tessuti, caratterizzati da motivi stilizzati di uccelli e piante resi con contorni netti e colori piatti, raggiunsero una grande popolarità.

I contributi filosofici di Morris influenzarono in modo significativo l'ideologia distributista sposata da G. K. Chesterton e Hilaire Belloc.

Entro la fine del diciannovesimo secolo, i principi del movimento Arts and Crafts avevano permeato vari ambiti, tra cui architettura, pittura, scultura, design grafico, illustrazione, produzione di libri, fotografia, estetica domestica e arti decorative, comprendendo mobili, lavorazione del legno, vetrate, pelletteria, merletti, ricami, tappeti, tessitura, gioielli, lavorazione dei metalli, smalti e ceramica. Nel 1910 emerse una tendenza diffusa per "Arti e Mestieri" e oggetti artigianali. Questa popolarità portò alla proliferazione di prodotti artigianali amatoriali di qualità incoerente e all'emergere di imitatori non qualificati, che di conseguenza diminuirono la percezione del pubblico, facendo sì che il movimento Arts and Crafts venisse considerato inferiore in termini di competenza e utilità rispetto ai beni standard prodotti in serie.

La Arts and Crafts Exhibition Society organizzò undici mostre dal 1888 al 1916. Tuttavia, allo scoppio della guerra nel 1914, la società stava attraversando un declino e stava affrontando una crisi significativa. La sua esposizione nel 1912 aveva provocato perdite finanziarie. Allo stesso tempo, i designer nell’Europa continentale stavano aprendo la strada alle innovazioni e stringendo partnership industriali attraverso iniziative come il Deutsche Werkbund, e nuove iniziative stavano emergendo in Gran Bretagna, come gli Omega Workshops e la Design in Industries Association. Al contrario, la Arts and Crafts Exhibition Society, allora governata da una leadership consolidata, si ritirò dall’impegno commerciale e dalla collaborazione con i produttori, dando priorità al lavoro manuale purista e a ciò che Tania Harrod definì “decommoditizzazione”. Questo rifiuto di abbracciare una funzione commerciale è spesso considerato un momento cruciale nel percorso della società. Nikolaus Pevsner, nel suo lavoro Pioneers of Modern Design, caratterizza il movimento Arts and Crafts come designer radicali che influenzarono il movimento moderno ma che alla fine non riuscirono ad adattarsi e ne furono successivamente soppiantati.

Influenze successive

Bernard Leach, un artista ceramista britannico, introdusse in Inghilterra numerosi concetti che aveva coltivato in Giappone insieme al critico sociale Yanagi Soetsu, riguardanti il significato etico e sociale dei mestieri semplici; entrambi gli individui erano ardenti ammiratori degli scritti di Ruskin. Leach promosse attivamente queste idee, che ebbero risonanza tra i professionisti dell'artigianato durante il periodo tra le due guerre. Li articolò in A Potter's Book, pubblicato nel 1940, un'opera che condannava la società industriale con una veemenza paragonabile a quella di Ruskin e Morris. Di conseguenza, la filosofia Arts and Crafts persistette tra gli artigiani britannici per tutti gli anni Cinquanta e Sessanta, ben oltre la conclusione formale del movimento Arts and Crafts e durante l’apice del Modernismo. Anche i mobili Utility britannici degli anni '40 trassero ispirazione dai principi di Arts and Crafts.

Gordon Russell, un importante sostenitore e presidente dell'Utility Furniture Design Panel, fu profondamente influenzato dai concetti di Arts and Crafts. Ha fondato la produzione di mobili nelle Cotswold Hills, un'area nota per la produzione di mobili Arts and Crafts sin dai tempi di Ashbee, ed è stato anche membro della Arts and Crafts Exhibition Society. Fiona MacCarthy, biografa di William Morris, identificò la filosofia di base dell'Arts and Crafts in diversi contesti, tra cui il Festival of Britain (1951), i progetti di Terence Conran (1931–2020) e l'istituzione del British Crafts Council negli anni '70.

Panoramica regionale

Le isole britanniche

Scozia

Il movimento Arts and Crafts in Scozia ebbe origine con il revival delle vetrate colorate nel 1850, guidato da James Ballantine (1806–1877). I suoi contributi significativi comprendono la grande finestra ovest dell'Abbazia di Dunfermline e il progetto completo per la Cattedrale di St. Giles, Edimburgo. A Glasgow, il movimento fu introdotto da Daniel Cottier (1838–1891), che probabilmente si formò sotto Ballantine e fu direttamente ispirato da William Morris, Ford Madox Brown e John Ruskin. Notevole tra le sue opere è il Battesimo di Cristo nell'Abbazia di Paisley (1880 circa). Tra i suoi discepoli c'erano Stephen Adam e suo figlio dal nome identico.

Christopher Dresser (1834–1904), designer e teorico nato a Glasgow, emerse come uno dei primi e più significativi designer indipendenti, giocando un ruolo fondamentale nel movimento estetico e apportando contributi sostanziali al relativo movimento anglo-giapponese. Il movimento conobbe una "fioritura straordinaria" in Scozia, caratterizzata dall'evoluzione dello "stile Glasgow", che si avvaleva del talento artistico della Glasgow School of Art. Un revival celtico guadagnò importanza in questa regione, portando alla divulgazione di motivi come la rosa di Glasgow. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) e la Glasgow School of Art esercitarono successivamente un'influenza globale.

Galles

Il contesto in Galles è diverso da quello di altre parti del Regno Unito. Mentre il movimento Arts and Crafts funzionava principalmente come un'iniziativa revivalista riguardante l'artigianato, il Galles mantenne un'autentica tradizione artigianale, almeno fino alla prima guerra mondiale. Materiali indigeni, come pietra e argilla, venivano abitualmente utilizzati.

All'interno del movimento Arts and Crafts, la Scozia ottenne riconoscimenti per le sue vetrate, mentre il Galles si distinse per le sue ceramiche. Verso la metà del XIX secolo, i tradizionali smalti pesanti al sale, a lungo utilizzati dagli artigiani regionali, erano caduti in disgrazia, in gran parte a causa dei prezzi competitivi delle ceramiche prodotte in serie. Tuttavia, il movimento Arts and Crafts ha promosso un rinnovato apprezzamento per queste opere tradizionali. Nel 1885, Horace W. Elliot, un gallerista inglese, visitò la Ewenny Pottery, fondata nel XVII secolo. Il suo obiettivo era acquisire manufatti locali e promuovere uno stile in linea con i principi del movimento. Gli oggetti che successivamente espose a Londra nei due decenni successivi rivitalizzarono in modo significativo l'interesse per la ceramica gallese.

Owen Morgan Edwards emerse come un sostenitore fondamentale del movimento Arts and Crafts in Galles. In qualità di politico riformista, Edwards si impegnava a rinvigorire l'orgoglio nazionale gallese attraverso la promozione della sua lingua e del suo patrimonio storico. Ha affermato: "Non c'è nulla che il Galles richieda più di un'istruzione nelle arti e nei mestieri". Tuttavia, la motivazione principale di Edwards era più rivolta alla rinascita del nazionalismo gallese che a un apprezzamento estetico per gli smalti o l'artigianato rustico.

A livello architettonico, Clough Williams-Ellis ha cercato di riaccendere l'interesse per le tecniche di costruzione storiche, in particolare reintroducendo la "terra battuta" o la costruzione pisé in Gran Bretagna.

Irlanda

Il movimento estese la sua influenza all'Irlanda, segnando un periodo significativo per l'evoluzione culturale della nazione. Servì da parallelo visivo al revival letterario contemporaneo e contribuì all'espressione del nazionalismo irlandese. L'applicazione del vetro colorato nell'ambito delle arti e dei mestieri ha guadagnato notevole popolarità in Irlanda, in particolare attraverso le opere di Harry Clarke, l'artista più famoso, e Evie Hone. Esempi architettonici di questo stile includono la Cappella Honan (1916) nella città di Cork, situata nel campus dell’University College di Cork. Altri architetti attivi in ​​Irlanda comprendevano Sir Edwin Lutyens, responsabile della Heywood House nella contea di Laois, dell'isola di Lambay e degli Irish National War Memorial Gardens a Dublino, così come Frederick 'Pa' Hicks, che progettò strutture per la tenuta del castello di Malahide e la sua torre rotonda. I motivi celtici irlandesi furono ampiamente adottati dal movimento in vari mestieri, tra cui l'argenteria, il design di tappeti, le illustrazioni di libri e i mobili intagliati a mano.

Europa continentale

In tutta l'Europa continentale, uno degli stimoli principali per i designer di Arts and Crafts è stata la rivitalizzazione e la conservazione di stili nazionali distinti. Ad esempio, in Germania, dopo la sua unificazione nel 1871, questo fu promosso da organizzazioni come il Bund für Heimatschutz (fondato nel 1897) e il Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, fondato nel 1898 da Karl Schmidt. Allo stesso modo, in Ungheria, Károly Kós ha sostenuto la rinascita dell’architettura vernacolare della Transilvania. Nell’Europa centrale, dove numerose nazionalità diverse coesistevano sotto imperi dominanti (Germania, Austria-Ungheria e Russia), l’esplorazione delle tradizioni vernacolari si intrecciava con l’affermazione dell’identità nazionale e la ricerca dell’autonomia. Mentre i sostenitori britannici delle arti e dei mestieri spesso guardavano all'estetica medievale per trovare il loro stile ideale, i loro colleghi dell'Europa centrale cercavano ispirazione nei remoti villaggi contadini.

Ampiamente presentata in tutta Europa, la semplicità intrinseca dello stile Arts and Crafts influenzò designer come Henry van de Velde e successivamente ispirò movimenti tra cui l'Art Nouveau, il gruppo olandese De Stijl, la Secessione viennese e, infine, lo stile Bauhaus. Pevsner considerava questo stile un precursore del Modernismo, caratterizzato dall'utilizzo di forme semplici e disadorne.

Le prime manifestazioni dell'attività Arts and Crafts nell'Europa continentale emersero in Belgio intorno al 1890. Qui, l'approccio stilistico inglese servì da ispirazione per artisti e architetti, tra cui Henry Van de Velde, Gabriel Van Dievoet, Gustave Serrurier-Bovy e il collettivo noto come La Libre Esthétique.

All'inizio del XX secolo, i prodotti Arts and Crafts hanno raccolto una notevole ammirazione in Austria e Germania, ispirando rapidi progressi nel design all'interno di queste nazioni, in contrasto con un periodo di stagnazione in Gran Bretagna. La Wiener Werkstätte, fondata nel 1903 da Josef Hoffmann e Koloman Moser, adottò in particolare i principi dell'arte e dell'artigianato come "l'unità delle arti" e l'enfasi sulla produzione artigianale. Allo stesso tempo, nel 1907 fu fondata la Deutscher Werkbund (Associazione tedesca degli artigiani), che unì artisti, architetti, designer e industriali con l'obiettivo di migliorare la competitività globale delle imprese tedesche. Questa organizzazione divenne determinante nell’evoluzione dell’architettura moderna e del design industriale attraverso la sua difesa della produzione standardizzata. Tuttavia, tra i suoi esponenti di spicco, van de Velde e Hermann Muthesius, emerse una divergenza di opinioni riguardo alla standardizzazione. Muthesius affermò che la standardizzazione era cruciale affinché la Germania potesse raggiungere la preminenza nel commercio e nella cultura. Al contrario, van de Velde, incarnando una prospettiva più tradizionale delle Arti e dei Mestieri, sosteneva che gli artisti avrebbero perennemente "protestato contro l'imposizione di ordini o la standardizzazione" e che "L'artista... non si sottometterà mai, di propria iniziativa, a una disciplina che gli imponga un canone o un tipo". Stile romantico, con somiglianze con il revival gotico britannico.

In Ungheria, influenzato dalle filosofie di Ruskin e Morris, un collettivo di artisti e architetti, tra cui Károly Kós, Aladár Körösfői-Kriesch e Ede Toroczkai Wigand, esplorò l'arte popolare e l'architettura vernacolare della Transilvania. Questa influenza è evidente in numerosi edifici progettati da Kós, come quelli all'interno dello zoo di Budapest e della tenuta Wekerle nella stessa città.

In Russia, Viktor Hartmann, Viktor Vasnetsov, Yelena Polenova e altri artisti affiliati alla colonia di Abramtsevo tentarono in modo indipendente di rivitalizzare la qualità delle arti decorative russe medievali, distinte dal movimento in Gran Bretagna.

In Islanda, la produzione artistica di Sölvi Helgason dimostra un'influenza dal Movimento Arti e Mestieri.

Nord America

Negli Stati Uniti, lo stile Arts and Crafts ha stimolato varie iniziative per adattare i principi delle Arts and Crafts europei al contesto americano. Queste manifestazioni includevano architettura, mobili e altre arti decorative in stile "Craftsman", esemplificati dai progetti promossi da Gustav Stickley nella sua rivista, The Craftsman, e quelli originari del campus di Roycroft, pubblicizzati in The Fra di Elbert Hubbard. Entrambi gli individui hanno utilizzato le rispettive pubblicazioni per commercializzare beni prodotti presso il laboratorio Stickley's Craftsman a Eastwood, New York, e il campus Roycroft di Elbert Hubbard a East Aurora, New York. I progetti di mobili di Stickley, spesso etichettati erroneamente come "Mission Style", furono ampiamente imitati, anche da tre aziende fondate dai suoi fratelli.

Le denominazioni American Craftsman o Craftsman style sono comunemente utilizzate per caratterizzare l'architettura, l'interior design e le arti decorative prevalenti negli Stati Uniti tra i periodi dominanti dell'Art Nouveau e dell'Art Déco, all'incirca dal 1910 al 1910. 1925. Il movimento fu particolarmente degno di nota per aver ampliato le opportunità professionali per le donne, che emersero come artigiane, designer e imprenditrici, fondando, gestendo o essendo impiegate in imprese di successo come Kalo Shops, Pewabic Pottery, Rookwood Pottery e Tiffany Studios. In Canada viene utilizzato prevalentemente il termine Arts and Crafts, sebbene sia riconosciuto anche il termine Craftsman.

Mentre i sostenitori europei cercavano di ripristinare l'artigianato virtuoso sostituito dall'industrializzazione, i sostenitori americani miravano a coltivare una nuova forma di virtù per sostituire la produzione artigianale eroica: la casa ben arredata della classe media. Hanno ipotizzato che l’estetica semplice ma raffinata delle arti decorative Arts and Crafts avrebbe elevato l’esperienza emergente del consumismo industriale, favorendo così una maggiore razionalità individuale e armonia sociale. Il movimento americano Arts and Crafts funzionava come controparte estetica della filosofia politica contemporanea del progressismo. È significativo che la Arts and Crafts Society di Chicago abbia iniziato le sue attività nell'ottobre del 1897 a Hull House, una delle pionieristiche case di insediamento americane dedite alla riforma sociale.

La diffusione degli ideali di Arts and Crafts in America, principalmente attraverso pubblicazioni giornalistiche e periodiche, fu ulteriormente incrementata dalle società che organizzarono serie di conferenze. La prima società di questo tipo emerse a Boston alla fine degli anni Novanta dell’Ottocento, formata da un consorzio di eminenti architetti, designer ed educatori intenti a introdurre negli Stati Uniti le riforme del design avviate da William Morris in Gran Bretagna. Il loro obiettivo iniziale era quello di organizzare una mostra che presentasse oggetti di artigianato contemporaneo. Questo incontro fondamentale ebbe luogo il 4 gennaio 1897 al Museum of Fine Arts (MFA) di Boston, appositamente per pianificare una mostra di artigianato moderno. Il riconoscimento delle capacità estetiche e tecniche inerenti alle arti applicate da parte di artigiani, consumatori e produttori ha successivamente catalizzato il movimento di riforma del design a Boston. Tra i partecipanti a questo incontro cruciale c'erano il generale Charles Loring, che servì come presidente degli amministratori del MFA; William Sturgis Bigelow e Denman Ross, entrambi collezionisti, scrittori e amministratori del MFA; Ross Turner, un pittore; Sylvester Baxter, critico d'arte per il Boston Transcript; Howard Baker; A.W. Longfellow Jr.; e Ralph Clipson Sturgis, un architetto.

L'American Arts and Crafts Exhibition inaugurale iniziò il 5 aprile 1897 alla Copley Hall di Boston, esponendo oltre 1.000 oggetti creati da 160 artigiani, con donne che costituivano la metà dei contributori. Notevoli sostenitori di questa mostra includevano Langford Warren, il fondatore della School of Architecture di Harvard; la signora Richard Morris Hunt; i riformatori sociali Arthur Astor Carey e Edwin Mead; e il grafico Will H. Bradley. Il successo della mostra portò alla fondazione formale della The Society of Arts and Crafts (SAC) il 28 giugno 1897, con l'obiettivo dichiarato di "sviluppare e incoraggiare standard più elevati nell'artigianato". I ventuno fondatori hanno affermato un interesse che va oltre le vendite commerciali, dando priorità all'incoraggiamento degli artisti a creare opere caratterizzate da artigianato e design superiori. Questo mandato fondamentale è stato successivamente elaborato in un credo, potenzialmente creato dal primo presidente della SAC, Charles Eliot Norton, che articolava i seguenti principi:

Questa società è stata fondata con l'obiettivo di promuovere gli sforzi artistici in tutte le forme di artigianato. Il suo scopo è favorire relazioni reciprocamente vantaggiose tra designer e artigiani e motivare gli artigiani a realizzare i propri progetti creativi. La Società si sforza di coltivare tra gli artigiani la comprensione della dignità e del valore intrinseci del sound design, cercando allo stesso tempo di mitigare il disprezzo prevalente per i principi stabiliti della Legge e della Forma e l'inclinazione verso ornamenti eccessivi e originalità superficiale. Inoltre, metterà in risalto l'importanza fondamentale della moderazione e della disciplina, dell'organizzazione sistematica, dell'adeguata considerazione del rapporto funzionale tra la forma di un oggetto e lo scopo previsto, e della coerenza e dell'idoneità dei suoi elementi decorativi.

Il Castello tra le nuvole, identificato anche come Lucknow, rappresenta un ottimo esempio dello stile architettonico dell'artigiano americano nel New England. Questa tenuta in cima a una montagna, situata nelle montagne Ossipee del New Hampshire, fu costruita tra il 1913 e il 1914 dall'architetto di Boston J. Williams Beal per Tom e Olive Plant.

Ulteriori influenze significative includono la comunità Roycroft, fondata da Elbert Hubbard a Buffalo e East Aurora, New York; Giuseppe Marbella; insediamenti utopici come la colonia di Byrdcliffe a Woodstock, New York, e Rose Valley, Pennsylvania; sviluppi pianificati come Mountain Lakes, New Jersey, caratterizzato da gruppi di bungalow e residenze di castelli progettati da Herbert J. Hapgood; e l'evoluzione del movimento artigianale contemporaneo in studio. L'impatto pervasivo del movimento Arts and Crafts è evidente in varie forme di ceramica da studio, in particolare esemplificate dalla Grueby Faience Company, Newcomb Pottery a New Orleans, Marblehead Pottery, Teco Pottery, Overbeck e Rookwood Pottery e Pewabic Pottery di Mary Chase Perry Stratton a Detroit, insieme alla società Van Briggle Pottery a Colorado Springs, Colorado. Questa influenza si estende anche alle distintive piastrelle artistiche prodotte da Ernest A. Batchelder a Pasadena, in California, e alle creazioni di mobili uniche di Charles Rohlfs.

In Canada, George Agnew Reid (1860-1947), un artista affermato, educatore e architetto, emerse come un importante sostenitore del movimento Arts and Crafts. Reid ha dimostrato un vivo interesse per il nesso tra arte e preoccupazioni sociali, credendo fermamente che sia le arti visive che quelle applicate possedessero la capacità di facilitare il miglioramento individuale e comunitario attraverso un'esposizione diffusa alla qualità estetica e al design superiore. Questa filosofia dell'"arte per il bene della vita" ha permeato gli sforzi artistici di Reid, particolarmente evidente nei murales che ha prodotto in tutta l'area di Toronto. Inoltre, Reid ha ricoperto la carica di vicepresidente fondatore della Arts and Crafts Society of Canada, un'organizzazione successivamente rinominata Canadian Society of Applied Arts.

Espressioni architettoniche e artistiche

La "Prairie School" di Frank Lloyd Wright, George Washington Maher e altri architetti con sede a Chicago, insieme al movimento Country Day School e agli stili bungalow e case bungalow per eccellenza resi popolari da Greene e Greene, Julia Morgan e Bernard Maybeck, rappresentano manifestazioni chiave dell'architettura American Arts and Crafts e American Craftsman. Esempi restaurati e protetti da monumenti persistono in tutti gli Stati Uniti, in particolare a Berkeley e Pasadena in California, e nei distretti di altri comuni che hanno avuto origine durante questo periodo e non sono stati sottoposti alla riqualificazione urbana del dopoguerra. Gli stili di edilizia residenziale Mission Revival, Prairie School e "bungalow californiano" continuano ad essere favoriti nel design residenziale americano contemporaneo.

Come teorici, educatori e artisti prolifici che lavorano con mezzi diversi, dall'incisione alla ceramica e al pastello, Arthur Wesley Dow (1857-1922) sulla costa orientale e Pedro Joseph de Lemos (1882-1954) in California emergono come due delle figure più influenti. Dow, che insegnò alla Columbia University e fondò la Ipswich Summer School of Art, pubblicò la sua opera fondamentale Composizione nel 1899. Questa pubblicazione sintetizzava i principi fondamentali della composizione giapponese in una metodologia unicamente americana, integrando tre elementi fondamentali in una sintesi coesa ed esteticamente gradevole: semplicità della linea, "notan" (l'equilibrio delle aree chiare e scure) e simmetria del colore.

L'obiettivo pedagogico di Dow era centrato su la produzione di oggetti minuziosamente realizzati ed esteticamente raffinati. Il suo studente, de Lemos, che in seguito divenne capo del San Francisco Art Institute, direttore del Museo e Galleria d'arte dell'Università di Stanford e redattore capo di School Arts Magazine, elaborò e perfezionò in modo significativo il quadro teorico di Dow attraverso più di 150 monografie e articoli per scuole d'arte negli Stati Uniti e in Gran Bretagna. In particolare, i principi pedagogici non convenzionali di de Lemos includevano l'affermazione che i prodotti industriali potevano incarnare "la bellezza sublime" e che una profonda comprensione artistica poteva derivare dalle "forme di design" astratte inerenti alle civiltà precolombiane.

Musei

Il Museum of the American Arts and Crafts Movement di San Pietroburgo, in Florida, ha iniziato le sue attività nel 2021.

Asia

In Giappone, Yanagi Sōetsu, il fondatore del movimento Mingei, che sostenne l'arte popolare dagli anni '20 in poi, trasse ispirazione dalle opere filosofiche di Morris e Ruskin. Rispecchiando il movimento europeo delle arti e dei mestieri, Mingei ha cercato di salvaguardare l'artigianato tradizionale nonostante le pressioni della modernizzazione industriale.

Architettura

Il movimento... rappresenta in un certo senso una rivolta contro la dura vita meccanica convenzionale e la sua insensibilità alla bellezza (tutta un'altra cosa rispetto all'ornamento). È una protesta contro il cosiddetto progresso industriale che produce merci scadenti, il cui buon mercato è pagato dalla vita dei produttori e dal degrado dei loro utilizzatori. È una protesta contro la trasformazione degli uomini in macchine, contro le distinzioni artificiali nell’arte e contro il fare del valore di mercato immediato, o della possibilità di profitto, il principale test del merito artistico. Promuove anche la pretesa di tutti e di ciascuno al possesso comune della bellezza nelle cose comuni e familiari, e risveglierebbe il senso di questa bellezza, attutito e depresso come è ormai troppo spesso, o da un lato a causa del lussuoso superfluo, o dall'altro per l'assenza delle necessità più comuni e la tormentosa ansia per i mezzi di sussistenza; per non parlare delle bruttezze quotidiane a cui abbiamo abituato i nostri occhi, confusi dal diluvio del falso gusto, o oscurati dalla vita frettolosa delle città moderne in cui esistono enormi aggregazioni di umanità, ugualmente lontane sia dall'arte che dalla natura e dalle loro influenze benevoli e raffinate.

Un numero significativo di sostenitori del movimento Arts and Crafts ha ricevuto una formazione formale in architettura (ad esempio, William Morris, A. H. Mackmurdo, C. R. Ashbee, W. R. Lethaby); di conseguenza, il movimento esercitò il suo impatto più profondo e duraturo nel campo della progettazione architettonica.

Red House, situata a Bexleyheath, Londra, e progettata per Morris nel 1859 dall'architetto Philip Webb, funge da esempio per eccellenza della nascente estetica Arts and Crafts, caratterizzata da forme equilibrate e robuste, ampie verande, tetto spiovente, archi a sesto acuto, focolari in mattoni e infissi in legno. Webb evitò deliberatamente gli stili classici e altri stili di revival storico derivati ​​da strutture monumentali, basando invece il suo design sull'architettura vernacolare britannica. Questo approccio ha enfatizzato la struttura intrinseca dei materiali comuni, come pietra e piastrelle, all'interno di una composizione architettonica asimmetrica e visivamente accattivante.

Il sobborgo londinese di Bedford Park, sviluppato prevalentemente durante gli anni 1880 e 1890, comprende circa 360 residenze in stile Arts and Crafts ed è stato storicamente riconosciuto per i suoi abitanti del movimento estetico. Anche diversi ospizi adottarono l'estetica Arts and Crafts, in particolare il Whiteley Village nel Surrey, costruito tra il 1914 e il 1917 con oltre 280 strutture, e i Dyers Almshouses nel Sussex, costruiti dal 1939 al 1971. Letchworth Garden City, nota come la città giardino inaugurale, derivò i suoi principi fondamentali dagli ideali di Arts and Crafts.

Le residenze iniziali furono concepite da Barry Parker e Raymond Unwin, impiegando lo stile architettonico vernacolare reso popolare dal movimento, associando così la città a principi di pensiero elevato e vita disadorna. Il laboratorio di produzione di sandali di Edward Carpenter si è trasferito dallo Yorkshire a Letchworth Garden City, e la nota osservazione satirica di George Orwell riguardante la congregazione di "ogni bevitore di succo di frutta, nudista, portatore di sandali, maniaco sessuale, quacchero, ciarlatano di 'Nature Cure', pacifista e femminista in Inghilterra" in una conferenza socialista a Letchworth ha raggiunto una notevole notorietà.

Opere architettoniche illustrative

• Casa Rossa – Upton, Bexley Heath, Kent – 1859
• Casa di David Parr – Cambridge, Inghilterra – 1886–1926
• Wightwick Manor – Wolverhampton, Inghilterra – 1887–1893
• Inglewood – Leicester, Inghilterra – 1892
• Standen – East Grinstead, Inghilterra – 1894
• Chiesa svedese – San Francisco, California – 1895
• Mary Ward House – Bloomsbury, Londra – 1896–1898
• Blackwell – Lake District, Inghilterra – 1898
• Derwent House – Chislehurst, Bromley, Kent – 1899
• Stoneywell – Ulverscroft, Leicestershire – 1899
• Chiesa metodista di Long Street – Rochdale, Inghilterra – 1899
• Spade House – Sandgate, Kent – 1900
• Caledonian Estate – Islington, Londra – 1900–1907
• Museo Horniman – Forest Hill, Londra – 1901
• Chiesa di Tutti i Santi, Brockhampton – 1901–02
• Shaw's Corner – Ayot St Lawrence, Hertfordshire – 1902
• Pierre P. Ferry House – Seattle, Washington – 1903–1906
• Winterbourne House – Birmingham, Inghilterra – 1904
• Il Frate Nero – Blackfriars, Londra – 1905
• Marston House – San Diego, California – 1905
• Edgar Wood Centre – Manchester, Inghilterra – 1905
• Debenham House – Holland Park, Londra – 1905–1907
• Belrock – Grande Sudbury, Ontario – 1907
• Casa di Robert R. Blacker – Pasadena, California – 1907
• Stotfold, Bickley, Kent – 1907
• Gamble House – Pasadena, California – 1908
• Biblioteca pubblica dell'Oregon – Oregon, Illinois – 1909
• Thorsen House – Berkeley, California – 1909
• Rodmarton Manor – Rodmarton, vicino a Cirencester, Gloucestershire – 1909–1929
• Whare Ra – Havelock North, Nuova Zelanda – 1912
• Sobborgo di Sutton Garden – Benhilton, Sutton, Londra – 1912–1914
• Omni Grove Park Inn – Asheville, Carolina del Nord – 1913
• Castello tra le nuvole – Monti Ossipee presso il lago Winnipesaukee, New Hampshire – 1913–14
• Cappella Honan – University College Cork, Irlanda – c. 1916
• Cattedrale di San Francesco Saverio – Geraldton, Australia occidentale 1916–1938
• Bedales School Memorial Library – vicino a Petersfield, Hampshire – 1919–1921
• Casa dei Democratici – Rose Valley, Pennsylvania 1911–12

Principi di progettazione del giardino

Gertrude Jekyll ha integrato in particolare i principi delle arti e dei mestieri nel suo approccio alla progettazione del giardino. Collaborò a lungo con l'illustre architetto inglese Sir Edwin Lutyens, per il quale concepì numerosi progetti paesaggistici e che, a sua volta, progettò la sua residenza personale, Munstead Wood, situata vicino a Godalming nel Surrey. Jekyll fu anche responsabile dei giardini di Bishopsbarns, la dimora dell'architetto di York Walter Brierley, un importante sostenitore del movimento Arts and Crafts, spesso definito il "Lutyens del Nord". Il paesaggio per l'impresa finale di Brierley, Goddards a York, fu eseguito da George Dillistone, un orticoltore che aveva precedentemente collaborato con Lutyens e Jekyll a Castle Drogo. A Goddards, il progetto del giardino incorporava diversi elementi che rispecchiavano l'estetica Arts and Crafts della casa principale, incluso l'impiego strategico di siepi e bordi erbacei per delineare il giardino in una sequenza di spazi esterni distinti.

L'Hidcote Manor Garden, concepito da Lawrence Johnston, rappresenta un altro esempio significativo di un giardino Arts and Crafts, strutturato in modo simile come una progressione di stanze esterne. In questo progetto, analogo a Goddards, il paesaggio diminuisce progressivamente in formalità man mano che si estende ulteriormente dalla residenza principale. Ulteriori esempi di giardini Arts and Crafts comprendono Hestercombe Gardens, Lytes Cary Manor e i terreni associati a molti dei suddetti esempi architettonici del movimento.

Educazione artistica

I concetti di William Morris furono successivamente integrati nel Movimento per la Nuova Educazione alla fine degli anni Ottanta dell'Ottocento. Questo movimento introdusse in particolare l'insegnamento dell'artigianato presso istituzioni come Abbotsholme (1889) e Bedales (1892). Inoltre, l'impatto di Morris è riconoscibile nelle iniziative sociali intraprese a Dartington Hall per tutta la metà del XX secolo.

I sostenitori britannici delle arti e dei mestieri hanno espresso una significativa disapprovazione nei confronti del quadro governativo dell'educazione artistica, che dava priorità al design astratto rispetto all'insegnamento pratico dell'artigianato. Questa carenza di formazione artigianale ha generato apprensione anche nei settori industriali e ufficiali. Di conseguenza, nel 1884, una Commissione reale, agendo su consiglio di William Morris, sostenne che l'educazione artistica enfatizzasse la congruenza tra il design e il materiale destinato alla sua esecuzione. La Birmingham School of Arts and Crafts ha aperto la strada a questo cambiamento pedagogico, diventando determinante nell'"introdurre il design eseguito nell'insegnamento dell'arte e del design a livello nazionale (lavorando sul materiale per il quale il design era destinato piuttosto che progettare su carta)". Nel suo rapporto di esaminatore esterno del 1889, Walter Crane elogiò la Birmingham School of Art per il suo approccio, sottolineando che "'considerava il design in relazione ai materiali e all'uso.'" Sotto la guida di Edward Taylor, che fu preside dal 1877 al 1903, e con il contributo di Henry Payne e Joseph Southall, la Birmingham School emerse come un importante centro per il movimento Arts and Crafts.

Contemporaneamente, altri istituti scolastici degli enti locali hanno iniziato a integrare istruzioni più pratiche sull'artigianato. Nel 1890, i principi del movimento Arts and Crafts venivano propagati nelle scuole d'arte nazionali dai membri dell'Art Workers Guild. Questi membri della Gilda occuparono ruoli significativi: Walter Crane diresse la Manchester School of Art e successivamente il Royal College of Art; FM Simpson, Robert Anning Bell e CJ Allen hanno ricoperto incarichi rispettivamente di professore di architettura, insegnante di pittura e design e insegnante di scultura presso la Liverpool School of Art. Anche Robert Catterson-Smith, preside della Birmingham Art School dal 1902 al 1920, era un membro dell'AWG. WR Lethaby e George Frampton hanno servito come ispettori e consulenti del consiglio educativo del London County Council (LCC). Nel 1896, in gran parte grazie ai loro sforzi, la LCC istituì la Central School of Arts and Crafts, nominandoli presidi congiunti. Prima della fondazione del Bauhaus in Germania, la Scuola Centrale era ampiamente considerata l'istituzione artistica più progressista d'Europa. Subito dopo la sua nascita, la Camberwell School of Arts and Crafts fu fondata dal consiglio comunale locale, aderendo ai principi di Arts and Crafts.

Nel 1898, in qualità di direttore del Royal College of Art, Crane cercò di attuare riforme mirate a un curriculum più pratico. Tuttavia, si dimise dopo un anno, contrastato dalla resistenza burocratica del Board of Education. Successivamente, Augustus Spencer fu incaricato di eseguire il piano proposto da Crane. Spencer reclutò Lethaby per dirigere la scuola di design e ingaggiò diversi membri della Art Workers' Guild come istruttori. Un decennio dopo queste riforme, un comitato investigativo valutò la RCA e concluse che era ancora insufficiente nel preparare gli studenti alle carriere industriali.

Dopo la diffusione del rapporto della commissione, emerse un successivo dibattito. C.R. Ashbee ha contribuito con un saggio fortemente critico intitolato Dovremmo smettere di insegnare l'arte, sostenendo la completa abolizione del sistema di educazione artistica esistente e proponendo invece che l'artigianato venga insegnato in laboratori sovvenzionati dallo stato. Al contrario, Lewis Foreman Day, una figura di spicco all’interno del movimento Arts and Crafts, ha presentato una prospettiva alternativa nel suo rapporto dissenziente alla commissione d’inchiesta. Ha sostenuto una maggiore attenzione ai principi del design, sfidando la metodologia sempre più diffusa di insegnare il design attraverso il coinvolgimento materiale diretto. Nonostante questi punti di vista diversi, l'etica Arts and Crafts permeò ampiamente le scuole d'arte britanniche e, secondo lo storico dell'educazione artistica Stuart MacDonald, durò fino a dopo la Seconda Guerra Mondiale.

Professionisti di spicco

Galleria delle Arti Decorative

Stile moderno (Art Nouveau britannico)

• Stile moderno (stile Art Nouveau britannico)
• Filippo Clissett
• La casa inglese
• Charles Prendergast
• Disegni di sfondi William Morris
• Disegni tessili William Morris
• Storia delle scuole di pensiero economico riguardo alle arti e alla cultura

Riferimenti

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  • Il primo museo pubblico dedicato esclusivamente all'American Arts & Movimento artigianale
  • Elenchi di cataloghi con immagini delle principali arti e mostre americane. Produttori di mobili artigianali Archiviato il 21 giugno 2017 in Internet Archive.