A arte abstrata emprega um léxico visual de forma, forma, cor e linha para construir composições que possuem um certo grau de autonomia em relação aos referentes visuais do mundo real. Arte abstrata, arte não figurativa, arte não objetiva e arte não representacional representam conceitos intimamente relacionados. Embora os seus significados sejam semelhantes, não são necessariamente intercambiáveis.
Desde a Renascença até meados do século XIX, a arte ocidental foi fundamentalmente estruturada pelos princípios da perspectiva e pelo esforço para replicar a ilusão da realidade visível. No entanto, no final do século XIX, numerosos artistas perceberam a necessidade de forjar um novo paradigma artístico que pudesse integrar as profundas transformações que ocorriam na tecnologia, na ciência e na filosofia. Os fundamentos teóricos adoptados por artistas individuais foram variados, reflectindo as preocupações sociais e intelectuais prevalecentes em todas as facetas da cultura ocidental durante esse período.
A abstracção, no contexto da arte, significa uma divergência em relação à representação realista das imagens. Tais desvios da representação precisa podem manifestar-se como sutis, parciais ou completos. Conseqüentemente, a abstração opera ao longo de um espectro. Obras de arte que exibem alterações deliberadas, como modificações visíveis na cor ou na forma, são categorizadas como parcialmente abstratas. Por outro lado, a abstração total não contém alusões discerníveis a formas reconhecíveis. Por exemplo, a abstração geométrica normalmente evita referências a entidades naturalistas. A arte figurativa e a abstração total são em grande parte antitéticas. No entanto, tanto a arte figurativa como a representacional (ou realista) incorporam frequentemente elementos de abstracção parcial. Tanto a abstracção geométrica como a lírica são frequentemente caracterizadas pela abstracção completa. Numerosos movimentos artísticos exemplificam a abstração parcial; exemplos notáveis incluem o fauvismo, que modifica conspícua e intencionalmente a cor em relação à realidade, e o cubismo, que reconfigura as formas das entidades retratadas da vida real.
Histórico
O século XIX na Europa
Durante o século XIX, na Europa, o patrocínio eclesiástico diminuiu, enquanto o patrocínio privado do público sustentou cada vez mais os artistas. Romantismo, Impressionismo e Expressionismo foram três movimentos artísticos fundamentais que promoveram o surgimento da arte abstrata. O século XIX também marcou um período de crescente autonomia artística para os profissionais. Um envolvimento objetivo com a percepção visual é evidente nas obras de John Constable, J. M. W. Turner e Camille Corot, uma linhagem que se estendeu aos impressionistas, que desenvolveram ainda mais a tradição de pintura ao ar livre da escola de Barbizon. Os primeiros indícios de uma abordagem artística nascente foram demonstrados por James McNeill Whistler, cuja pintura de 1872, Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, priorizou a sensação visual sobre a representação objetiva. Antes disso, os desenhos de "espírito" de Georgiana Houghton, exibidos em 1871, apresentavam formas abstratas que se alinhavam com a essência não naturalista de seu tema, numa época em que o conceito de abstração ainda não estava formalmente articulado.
Os artistas expressionistas foram pioneiros na aplicação audaciosa de tinta, empregando distorções, exageros e paletas de cores vibrantes. Suas telas carregadas de emoção serviram como respostas e interpretações da experiência contemporânea, bem como críticas ao impressionismo e outras tendências artísticas mais convencionais do final do século XIX. O expressionismo mudou fundamentalmente o foco do assunto objetivo para a representação de estados psicológicos internos. Embora figuras como Edvard Munch e James Ensor tenham se inspirado principalmente em obras pós-impressionistas, suas contribuições foram cruciais para o surgimento da abstração no século XX. Paul Cézanne, inicialmente impressionista, perseguiu o objetivo de construir a realidade logicamente a partir de um ponto de vista singular, utilizando cores moduladas em áreas planas; esta abordagem posteriormente formou os princípios fundamentais para uma nova arte visual, que mais tarde evoluiu para o cubismo.
No final do século XIX, o misticismo do Leste Europeu e a filosofia religiosa do início do modernismo, particularmente os ensinamentos da teosofista Sra. Blavatsky influenciou profundamente artistas geométricos pioneiros como Hilma af Klint e Wassily Kandinsky. Da mesma forma, as doutrinas místicas de Georges Gurdjieff e P.D. Ouspensky moldou significativamente os estilos abstratos geométricos nascentes de Piet Mondrian e seus colegas no início do século XX. Esta corrente espiritualista também inspirou a arte abstrata de Kasimir Malevich e František Kupka.
Início do século 20
Fauvismo e Cubismo
No início do século XX, Henri Matisse, ao lado de outros artistas emergentes, como os pré-cubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Jean Metzinger, revolucionou a cena artística parisiense. Seu estilo distinto, caracterizado por paisagens e pinturas de figuras vibrantes, multicoloridas e expressivas, foi apelidado pela crítica de Fauvismo. O uso inovador da cor crua pelos fauvistas impactou profundamente Wassily Kandinsky, outra figura seminal no desenvolvimento da abstração.
O cubismo, um movimento artístico baseado na afirmação de Cézanne de que todas as formas naturais poderiam ser destiladas em formas geométricas fundamentais - o cubo, a esfera e o cone - emergiu junto com o fauvismo como uma força central que facilitou diretamente o advento da abstração no início do século XX.
Primeiras artes abstratas
No Salon de la Section d'Or de 1912, František Kupka apresentou sua pintura abstrata Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fugue in Two Colors) (1912). Durante este evento, o poeta Guillaume Apollinaire cunhou o termo Orfismo para descrever o trabalho de vários artistas, incluindo Robert Delaunay. Apollinaire caracterizou este estilo como "a arte de pintar novas estruturas a partir de elementos que não foram emprestados da esfera visual, mas foram criados inteiramente pelo artista... é uma arte pura."
A partir da virada do século XX, fortes intercâmbios culturais floresceram entre artistas nas principais cidades europeias, impulsionados por uma ambição coletiva de forjar uma forma de arte proporcional aos elevados ideais do modernismo. A disseminação de ideias através de livros de artistas, exposições e manifestos promoveu um ambiente fértil para experimentação e discurso, estabelecendo assim uma base para diversas abordagens da abstração. Um trecho de The World Backwards ilustra a extensa interconexão cultural desta época: "O conhecimento de David Burliuk sobre os movimentos de arte moderna deve ter sido extremamente atualizado, pois a segunda exposição do Valete de Diamantes, realizada em janeiro de 1912 (em Moscou) incluiu não apenas pinturas enviadas de Munique, mas alguns membros do grupo alemão Die Brücke, enquanto de Paris vieram trabalhos de Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger, assim como Picasso. Durante a Primavera, David Burliuk deu duas palestras sobre cubismo e planejou uma publicação polêmica, que o Valete de Ouros iria financiar. Ele foi para o exterior em maio e voltou determinado a rivalizar com o almanaque Der Blaue Reiter que saiu das impressoras enquanto ele estava na Alemanha". arte.' Exemplos notáveis incluem: Caoutchouc de Francis Picabia (c. 1909), A Primavera (1912), Danças na Primavera e A Procissão, Sevilha (1912); Sem título (primeira aquarela abstrata) de Wassily Kandinsky (1913), Improvisação 21A, a série Impressão e Imagem com um círculo (1911); As peças orfistas de František Kupka, Discos de Newton (Estudo para Fuga em Duas Cores) (1912) e Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga em Duas Cores) (1912); A série de Robert Delaunay intitulada Simultaneous Windows e Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912–13); Colored Rhythm de Léopold Survage (estudo para o filme) (1913); e Tableau No. 1 e Composition No. A Cortina Amarela (1915).
A exploração da abstração progrediu com os desenhos Rayist (Luchizm) de Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, que empregavam linhas que lembram raios de luz para construir composições. Em 1915, Kasimir Malevich produziu sua peça inaugural totalmente abstrata, o Quadrado Negro suprematista. Ao mesmo tempo, Liubov Popova, outro membro do movimento Suprematista, desenvolveu as Construções Arquitetônicas e as Construções de Força Espacial de 1916 a 1921. Entre 1915 e 1919, Piet Mondrian refinou seu idioma abstrato, caracterizado por linhas horizontais e verticais que se cruzam com retângulos coloridos. Esta estética, conhecida como Neo-Plasticismo, foi concebida por Mondrian, Theo van Doesburg e outros artistas do grupo De Stijl, com o objetivo de reconfigurar ambientes futuros.
O Movimento de Vanguarda Russo
Um número significativo de artistas abstratos russos abraçou o Construtivismo, afirmando que a arte não deveria ser uma entidade separada, mas sim uma parte integrante da própria vida. Defendiam que os artistas adoptassem o papel de técnicos, dominando os instrumentos e substâncias da produção contemporânea. O grito de guerra de Vladimir Tatlin, Arte para a vida!, resumiu o espírito de todos os Construtivistas subsequentes. Figuras como Varvara Stepanova e Alexandre Exter evitaram a pintura tradicional de cavalete, redirecionando seus esforços criativos para o design teatral e as artes gráficas. Em contraste, Kazimir Malevich, Anton Pevsner e Naum Gabo sustentaram que a arte constituía um esforço inerentemente espiritual, focado em estabelecer a posição de um indivíduo dentro do cosmos, em vez de estruturar pragmaticamente a vida de uma forma materialista. Durante este período, figuras-chave da vanguarda russa envolveram-se em projetos colaborativos com outros artistas construtivistas do Leste Europeu, incluindo Władysław Strzmiński, Katarzyna Kobro e Henryk Stażewski.
Numerosos artistas que se opunham ao conceito materialista de produção de arte emigraram da Rússia. Anton Pevsner mudou-se para a França, enquanto Gabo inicialmente se mudou para Berlim, depois para a Inglaterra e, finalmente, para a América. Kandinsky, depois de estudar em Moscou, partiu para a Bauhaus. Em meados da década de 1920, a era revolucionária (1917-1921), que proporcionou aos artistas considerável liberdade experimental, terminou. Na década de 1930, apenas o realismo socialista recebeu sanção oficial.
Influências musicais
À medida que a arte visual progrediu em direção à abstração, ela começou a manifestar atributos semelhantes à música, uma forma de arte que emprega inerentemente componentes abstratos de segmentação sonora e temporal. Wassily Kandinsky, ele próprio um músico amador, encontrou inspiração no potencial que marcas visuais e cores evocativas têm ressonantes na alma. Este conceito foi articulado anteriormente por Charles Baudelaire, que postulou que, embora nossos sentidos reajam a diversos estímulos, eles estão interconectados em um estrato estético profundo.
Um conceito intimamente associado postula que a arte possui A dimensão espiritual, permitindo-lhe transcender a experiência mundana e alcançar um reino espiritual. A Sociedade Teosófica desempenhou um papel fundamental na divulgação da antiga sabedoria contida nos textos sagrados da Índia e da China durante o início do século XX. Dentro deste meio intelectual, artistas como Piet Mondrian, Wassily Kandinsky e Hilma af Klint, que perseguiam um “estado sem objecto” no seu trabalho, desenvolveram um interesse no oculto como um meio de manifestar um objecto “interior”. As formas geométricas - o círculo, o quadrado e o triângulo - representam formas universais e atemporais que servem como elementos espaciais fundamentais na arte abstrata, funcionando, assim como a cor, como sistemas fundamentais que sustentam a realidade perceptível.
O Movimento Bauhaus
Fundada em 1919 por Walter Gropius, a escola Bauhaus em Weimar, Alemanha, funcionava sob uma filosofia fundamental que enfatizava a síntese de todas as artes visuais e plásticas, abrangendo disciplinas desde arquitetura e pintura até tecelagem e vitrais. Esta abordagem pedagógica originou-se dos princípios do movimento inglês Arts and Crafts e da Deutscher Werkbund. Membros notáveis do corpo docente incluíram Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers e László Moholy-Nagy. A instituição mudou-se para Dessau em 1925 e as suas operações cessaram em 1932, após a ascensão do partido nazista ao poder. Em 1937, uma exposição intitulada 'Entartete Kunst' (Arte Degenerada) apresentou várias formas de arte de vanguarda consideradas inaceitáveis pelo regime nazista. Posteriormente, teve início um êxodo significativo de artistas, não apenas da Bauhaus, mas de toda a Europa, levando muitos a Paris, Londres e América. Enquanto Paul Klee se estabeleceu na Suíça, um número substancial de artistas da Bauhaus emigrou para os Estados Unidos.
Abstração nas cenas artísticas parisienses e londrinas
Na década de 1930, Paris emergiu como um santuário para artistas que fugiam de regimes totalitários na Rússia, Alemanha, Holanda e outras nações europeias. Sophie Tauber e Jean Arp engajaram-se em projetos colaborativos, criando pinturas e esculturas que integravam formas orgânicas e geométricas. A artista polonesa Katarzyna Kobro incorporou conceitos derivados da matemática em suas obras escultóricas. A convergência de diversas formas de arte abstrata levou os artistas a analisar suas distintas categorias conceituais e estéticas. Uma exposição com quarenta e seis membros do grupo Cercle et Carré, com curadoria de Joaquín Torres-García com assistência de Michel Seuphor, apresentou obras de neoplásticos ao lado de uma série de abstracionistas, incluindo Kandinsky, Anton Pevsner e Kurt Schwitters. Theo van Doesburg, criticando a coleção como excessivamente indefinida, publicou posteriormente a revista Art Concret, que incluía um manifesto afirmando que na arte abstrata, linha, cor e superfície constituem a única realidade concreta. Abstraction-Création, fundado em 1931 como um coletivo mais inclusivo, serviu como um ponto de referência significativo para artistas abstratos. À medida que o clima político se deteriorava em 1935, muitos artistas reuniram-se novamente, especialmente em Londres. A Inglaterra sediou a exposição inaugural de arte abstrata britânica em 1935. No ano seguinte, Nicolete Gray organizou a exposição Abstrato e Concreto, com foco mais internacional, apresentando obras de artistas como Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson e Gabo mudaram-se para St. Ives, Cornwall, para continuar seus empreendimentos artísticos construtivistas.
Final do século 20
Na década de 1930, à medida que o nazismo ganhava poder, vários artistas emigraram da Europa para os Estados Unidos. No início da década de 1940, a cidade de Nova York tornou-se um centro para grandes movimentos de arte moderna, incluindo expressionismo, cubismo, abstração, surrealismo e dadaísmo, com artistas europeus exilados como Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst e André Breton entre seus residentes. As profundas contribuições culturais destes artistas europeus foram assimiladas e desenvolvidas pelos pintores locais de Nova Iorque. A atmosfera de liberdade artística de Nova Iorque fomentou a proliferação destas diversas influências. As galerias de arte, anteriormente focadas predominantemente na arte europeia, começaram a reconhecer a crescente comunidade artística local e o amadurecimento dos trabalhos de jovens artistas americanos. Durante este período, vários artistas desenvolveram um estilo distintamente abstrato em suas obras maduras. A pintura Composição nº 10 de Piet Mondrian (1939–1942), apresentando cores primárias, fundo branco e linhas de grade pretas, exemplificou sua abordagem radical, porém clássica, do retângulo e da arte abstrata em geral. Alguns artistas desta época resistiram à categorização fácil; por exemplo, Georgia O'Keeffe, uma abstracionista modernista, permaneceu uma figura independente, criando formas altamente abstratas sem se afiliar a nenhum grupo específico do período.
Com o tempo, os artistas americanos, inicialmente trabalhando em estilos diversos, começaram a convergir em grupos estilísticos coesos. O coletivo mais proeminente de artistas americanos tornou-se reconhecido como os Expressionistas Abstratos e a Escola de Nova York. A cidade de Nova Iorque promoveu um ambiente propício ao discurso artístico e ofereceu novas oportunidades de aprendizagem e desenvolvimento. Os artistas e educadores John D. Graham e Hans Hofmann serviram como intermediários cruciais entre os modernistas europeus recém-chegados e a geração emergente de artistas americanos. Mark Rothko, um artista nascido na Rússia, inicialmente empregou fortes imagens surrealistas, que posteriormente evoluíram para suas impactantes composições coloridas do início dos anos 1950. Para Jackson Pollock, Robert Motherwell e Franz Kline, o gesto expressionista e o próprio ato de pintar ganharam importância primordial. Ao mesmo tempo, as obras figurativas de Arshile Gorky e Willem de Kooning fizeram a transição para a abstração no final da década de 1940. A cidade de Nova York emergiu como um epicentro artístico global, atraindo artistas de todo o mundo, incluindo outras regiões da América.
Século 21
Arte digital, pintura de ponta, abstração geométrica, minimalismo, abstração lírica, op art, expressionismo abstrato, pintura de campo colorido, pintura monocromática, assemblage, neodadá e pintura em tela moldada representam algumas das diversas trajetórias relacionadas à abstração na segunda metade do século XX.
Nos Estados Unidos, as manifestações contemporâneas da arte abstrata incluem a Art as Object, exemplificada pelas esculturas minimalistas de Donald Judd e pelas pinturas de Frank Stella. Exemplos adicionais abrangem a Abstração Lírica e a aplicação evocativa da cor evidente nas obras de artistas como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell e Veronica Ruiz de Velasco.
Análise
Uma interpretação sócio-histórica, notavelmente associada a Theodor W. Adorno, postula que a crescente proeminência da abstração na arte moderna constitui tanto uma resposta quanto um reflexo da crescente abstração das relações sociais dentro das sociedades industriais.
Frederic Jameson interpreta de forma semelhante a abstração modernista como uma consequência da influência abstrativa do dinheiro, que homogeneiza todas as entidades em valores de troca equivalentes. Consequentemente, a dimensão social da arte abstrata incorpora precisamente o caráter abstrato da existência social - manifestado através de formalismos legais, despersonalização burocrática e a dinâmica da informação e do poder - no contexto da modernidade tardia.
Por outro lado, as perspectivas pós-jungianas sugerem que as teorias quânticas, ao desafiar as noções convencionais de forma e matéria, sustentam a separação entre o concreto e o abstrato observada na arte moderna.
O artista Al Capp forneceu uma avaliação mais direta, caracterizando arte abstrata como "Um produto dos sem talento, vendido pelos sem princípios aos totalmente desnorteados."
Galeria
Em outras mídias
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Referências
Fontes
- ^ Compton, Susan (1978). O mundo ao contrário: livros futuristas russos 1912–16. A Biblioteca Britânica. ISBN 978-0-7141-0396-9.^ Stangos, Nikos, ed. (1981). Concepts of Modern Art. Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.^ Gooding, Mel (2001). Arte Abstrata. Série Movimentos na Arte Moderna. Publicação Tate. ISBN 978-1-85437-302-1.^ Rump, Gerhard Charles (1985). Como olhar para uma pintura abstrata. Inter Nationes.
- O termo "Abstração" mencionado no Museu de Arte Moderna por Nelson Goodman da Grove Art Online
- Arte Abstrata Desmistificada