O expressionismo abstrato surgiu nos Estados Unidos como um movimento artístico distinto após a Segunda Guerra Mundial, alcançando amplo reconhecimento durante a década de 1950. Este desenvolvimento marcou um afastamento significativo do realismo social americano predominante na década de 1930, que foi moldado pela Grande Depressão e pela influência dos muralistas mexicanos. O crítico de arte Robert Coates aplicou o termo pela primeira vez à arte americana em 1946. A Escola de Nova York, servindo como epicentro do movimento, apresentava artistas proeminentes como Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov e Lee Krasner, entre outros.
OExpressionismo abstrato nos Estados Unidos emergiu como um movimento artístico distinto após a Segunda Guerra Mundial e ganhou aceitação popular na década de 1950, uma mudança em relação ao realismo social americano da década de 1930, influenciado pela Grande Depressão e pelos muralistas mexicanos. O termo foi aplicado pela primeira vez à arte americana em 1946 pelo crítico de arte Robert Coates. Figuras-chave da Escola de Nova York, que foi o centro desse movimento, incluíam artistas como Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, Norman Lewis, Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, Robert Motherwell, Theodoros Stamos, Jack Tworkov e Lee Krasner, entre outros.
Esse movimento artístico se estendeu além da pintura para abranger colagistas e escultores influentes, incluindo David Smith e Louise. Nevelson. O expressionismo abstrato inspirou-se significativamente nos processos criativos espontâneos e subconscientes característicos de artistas surrealistas como André Masson e Max Ernst. Os praticantes do movimento integraram a intensidade emocional encontrada no Expressionismo Alemão com os léxicos visuais inovadores dos movimentos de vanguarda europeus, incluindo o Futurismo, a Bauhaus e o Cubismo Sintético.
Caracterizado pela sua natureza rebelde e idiossincrática, o expressionismo abstrato abrangia uma gama diversificada de estilos artísticos. Marcou o primeiro movimento distintamente americano a alcançar proeminência internacional, reposicionando a cidade de Nova Iorque como o nexo do mundo da arte ocidental, um papel anteriormente desempenhado por Paris. Os críticos de arte contemporânea foram fundamentais para sua evolução. Figuras como Clement Greenberg e Harold Rosenberg defenderam as obras de artistas expressionistas abstratos, notadamente Jackson Pollock, por meio de seus escritos críticos e patrocínio. O influente conceito de Rosenberg da tela como uma "arena na qual agir" foi fundamental na formação da metodologia dos pintores de ação. No início da década de 1960, o domínio cultural do expressionismo abstrato nos Estados Unidos havia diminuído. O subsequente repúdio à sua ênfase no individualismo fomentou o surgimento de movimentos como a Pop Art e o Minimalismo. Ao longo da segunda metade do século 20, o impacto do expressionismo abstrato permaneceu discernível em várias correntes artísticas nos EUA e na Europa, incluindo o taquismo e o neo-expressionismo.
Acredita-se que a designação "expressionismo abstrato" tenha se originado na Alemanha em 1919, aparecendo na revista Der Sturm em conexão com o expressionismo alemão. Alfred Barr posteriormente empregou este termo em 1929 para caracterizar as obras de arte de Wassily Kandinsky. Nos Estados Unidos, Robert Coates utilizou o termo em 1946 em sua resenha de dezoito pinturas de Hans Hofmann.
Estilo
O surrealismo permanece como um precursor significativo, distinguido pelo seu foco na geração artística espontânea, automática ou subconsciente. A técnica de Jackson Pollock de pingar tinta em uma tela colocada no chão deriva das práticas de André Masson, Max Ernst e David Alfaro Siqueiros. Estudos recentes posicionam cada vez mais o surrealista exilado Wolfgang Paalen como um artista e teórico fundamental que avançou o conceito de um espaço de possibilidade dependente do espectador através das suas obras de arte e do seu periódico, DYN. Paalen explorou princípios da mecânica quântica e desenvolveu interpretações distintas da visão totêmica e da organização espacial encontradas na pintura indígena da Colúmbia Britânica, estabelecendo assim bases conceituais para as perspectivas espaciais emergentes de jovens artistas abstratos americanos. Seu extenso ensaio, Totem Art (1943), influenciou significativamente artistas como Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman. Aproximadamente em 1944, Barnett Newman esforçou-se para elucidar o nascente movimento artístico da América, compilando uma lista dos "homens do novo movimento". Paalen aparece duas vezes nesta lista, ao lado de artistas como Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes e Gorky. Robert Motherwell é anotado com uma pergunta. Outra manifestação inicial crucial do que se tornaria o expressionismo abstrato é evidente na obra do artista do noroeste americano Mark Tobey, particularmente nas suas telas de "escrita branca", que, apesar da sua escala tipicamente modesta, prenunciam a característica estética "total" das pinturas de Pollock.
A designação deste movimento artístico tem origem na síntese da profunda intensidade emocional e ascetismo dos expressionistas alemães com os princípios antifigurativos característicos das escolas europeias de arte abstracta, incluindo o Futurismo, a Bauhaus e o Cubismo Sintético. Além disso, o movimento é frequentemente visto como rebelde, anárquico, altamente idiossincrático e, por alguns, niilista. Na prática, o termo abrange um grupo diversificado de artistas, baseados principalmente em Nova York, que exibiram estilos distintos, e se estende até mesmo a obras que não são abertamente abstratas nem expressionistas. Jay Meuser, um expressionista abstrato da Califórnia conhecido por seu estilo não objetivo, articulou sua filosofia em relação à sua pintura Mare Nostrum: "É muito melhor capturar o espírito glorioso do mar do que pintar todas as suas pequenas ondulações." As dinâmicas "pinturas de ação" de Pollock, caracterizadas por sua energia vibrante, divergem técnica e esteticamente da violenta e grotesca série figurativa Mulheres de Willem de Kooning, bem como dos retângulos cromáticos das pinturas Color Field de Rothko - obras que o próprio Rothko negou serem abstratas e que não são tipicamente rotuladas de expressionistas. Apesar destas variações estilísticas, todos os quatro artistas são categorizados como expressionistas abstratos.
O Expressionismo Abstrato compartilha inúmeras semelhanças estilísticas com artistas russos do início do século XX, notadamente Wassily Kandinsky. Embora o sentido de espontaneidade, ou a sua impressão, fosse uma marca registrada de muitas obras do expressionismo abstrato, a maioria dessas pinturas exigia um planejamento meticuloso, especialmente devido à sua escala substancial. Para artistas como Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz e, mais tarde, Rothko, Newman e Agnes Martin, a arte abstrata serviu como um veículo claro para expressar conceitos relacionados ao espiritual, ao inconsciente e à psique humana.
A adoção generalizada deste estilo artístico na década de 1950 continua sendo um assunto de discussão acadêmica. Durante a década de 1930, o realismo social americano dominou o cenário artístico, influenciado significativamente tanto pela Grande Depressão quanto pelas obras de muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera. No entanto, o ambiente político pós-Segunda Guerra Mundial revelou-se menos receptivo ao comentário social inerente às obras destes pintores. O expressionismo abstrato surgiu durante os anos de guerra e ganhou exposição inicial no início da década de 1940 em galerias de Nova York, incluindo a The Art of This Century Gallery. A era McCarthy, após a guerra, impôs um período de censura artística nos Estados Unidos. Neste contexto, assuntos inteiramente abstratos eram frequentemente vistos como apolíticos e, portanto, menos controversos. Alternativamente, se a arte transmitia mensagens políticas, estas eram frequentemente codificadas para um público especializado.
Embora o Expressionismo Abstrato esteja predominantemente ligado à pintura, a colagista Anne Ryan e vários escultores desempenharam papéis cruciais dentro do movimento. Escultores notáveis considerados membros significativos incluem David Smith, sua esposa Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois e Louise Nevelson. Além disso, artistas como David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero e os escultores Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell e muitos outros foram parte integrante do movimento expressionista abstrato. Muitos desses escultores exibiram seus trabalhos no renomado Ninth Street Show, uma exposição organizada por Leo Castelli em 1951 na East Ninth Street, em Nova York. Além de pintores e escultores, a Escola de Expressionismo Abstrato de Nova York também promoveu uma comunidade de poetas solidários, incluindo Frank O'Hara, fotógrafos como Aaron Siskind e Fred McDarrah (cuja publicação The Artist's World in Pictures narrou a Escola de Nova York na década de 1950) e cineastas, mais notavelmente Robert Frank. influência foram a cidade de Nova York e a área da baía de São Francisco, na Califórnia.
Críticos de arte pós-Segunda Guerra Mundial
Em determinado momento, a tela começou a aparecer para um pintor americano após outro como uma arena para atuar. O que deveria aparecer na tela não era uma imagem, mas um evento.
Na década de 1940, o New York Vanguard enfrentou uma escassez de locais de exposição, como The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery e Julien Levy Gallery, e de críticos preparados para se envolver com seu trabalho. Um seleto grupo de artistas, incluindo Robert Motherwell e Barnett Newman, também contribuiu para o discurso crítico, alavancando suas origens literárias.
No final da década de 1940, apesar da relativa obscuridade da vanguarda nova-iorquina, muitos artistas agora amplamente reconhecidos beneficiaram-se do patrocínio crítico estabelecido. Clement Greenberg defendeu notavelmente os pintores de Jackson Pollock e Color Field, incluindo Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann. Harold Rosenberg, por outro lado, parecia favorecer pintores de ação como Willem de Kooning e Franz Kline, juntamente com as obras fundamentais de Arshile Gorky. Ao mesmo tempo, Thomas B. Hess, editor-chefe da ARTnews, foi um defensor proeminente de Willem de Kooning.
Esses críticos emergentes promoveram seus artistas favoritos categorizando outros como meros "seguidores" ou desconsiderando aqueles cujo trabalho não se alinhava com seus objetivos promocionais.
Em 1958, Mark Tobey alcançou um marco significativo, tornando-se o primeiro pintor americano desde Whistler em 1895 para garantir o prêmio máximo na Bienal de Veneza.
Barnett Newman, uma adição posterior ao Uptown Group, contribuiu com prefácios e resenhas do catálogo. No final da década de 1940, ele começou a expor sua própria arte na Galeria Betty Parsons, realizando sua exposição individual inaugural em 1948. Pouco depois desta exposição, Newman articulou uma declaração profunda durante uma Sessão de Artistas no Studio 35: "Estamos no processo de fazer o mundo, até certo ponto, à nossa própria imagem." Newman empregou estrategicamente suas habilidades literárias para solidificar sua crescente identidade artística e fazer avançar sua obra. Uma ilustração notável disso é sua carta datada de 9 de abril de 1955, dirigida a Sidney Janis, onde afirmou: "- é verdade que Rothko fala como lutador. Ele luta, no entanto, para se submeter ao mundo filisteu. Minha luta contra a sociedade burguesa envolveu a rejeição total dela. "Clement Greenberg, um trotskista de Nova York, é amplamente considerado uma figura fundamental na promoção deste estilo artístico. Atuando como crítico de arte de longa data para a Partisan Review e The Nation, ele emergiu como um dos primeiros e articulados defensores do Expressionismo Abstrato. Robert Motherwell, um artista de meios consideráveis, colaborou com Greenberg no desenvolvimento de um estilo que ressoava com a atmosfera política predominante e a dissidência intelectual do período.
Greenberg declarou o Expressionismo Abstrato, e especificamente as contribuições de Pollock, como o auge da realização estética. Ele defendeu a obra de Pollock através de lentes formalistas, postulando-a como a pintura proeminente de seu tempo e o culminar de uma linhagem artística que remonta ao Cubismo e Cézanne até Monet. Esta tradição, na opinião de Greenberg, refinava progressivamente a pintura em direcção a um estado cada vez mais “puro”, concentrando-se no acto “essencial” de fazer marcas num plano bidimensional.
A produção artística de Pollock suscitou consistentemente respostas críticas divergentes. Rosenberg caracterizou o trabalho de Pollock como a transformação da pintura em um drama existencial, onde "o que deveria aparecer na tela não era uma imagem, mas um evento". Ele postulou ainda que "O grande momento chegou quando se decidiu pintar 'só para pintar'. O gesto na tela foi um gesto de libertação do valor - político, estético, moral." John Canaday, o crítico de arte do The New York Times, destacou-se como um detrator proeminente do Expressionismo Abstrato durante seu período de formação. Por outro lado, Meyer Schapiro e Leo Steinberg, ao lado de Greenberg e Rosenberg, foram historiadores de arte influentes do pós-guerra que endossaram publicamente o movimento. Do início a meados da década de 1960, uma nova geração de críticos de arte, incluindo Michael Fried, Rosalind Krauss e Robert Hughes, enriqueceu significativamente o discurso crítico contínuo em torno do Expressionismo Abstrato.
Histórico
Segunda Guerra Mundial e período pós-guerra
Nos anos anteriores e durante a Segunda Guerra Mundial, numerosos artistas modernistas, escritores, poetas e importantes colecionadores e negociantes procuraram refúgio nos Estados Unidos, escapando ao avanço do regime nazista na Europa. Um número substancial daqueles que não evacuaram morreram tragicamente. Entre as figuras notáveis que chegaram a Nova York durante a guerra, algumas auxiliadas por Varian Fry, estavam Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger e Piet Mondrian. Por outro lado, alguns artistas selecionados, incluindo Picasso, Matisse e Pierre Bonnard, optaram por permanecer na França e sobreviveram ao conflito.
A era do pós-guerra mergulhou as capitais europeias na desordem, necessitando de uma reconstrução económica e física urgente, juntamente com o realinhamento político. Paris, outrora o epicentro da cultura europeia e a capital global da arte, viveu um ambiente artístico catastrófico, levando à ascensão de Nova Iorque como o novo centro artístico internacional. A Europa do pós-guerra testemunhou a persistência do surrealismo, do cubismo, do dadaísmo e da obra de Matisse. Ao mesmo tempo, a Art Brut e a Abstração Lírica, também conhecida como Tachisme (a contraparte europeia do expressionismo abstrato), ganharam destaque entre a geração emergente. Figuras notáveis da pintura europeia do pós-guerra incluem Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages e Jean Messagier. Enquanto isso, nos Estados Unidos, um novo grupo de artistas americanos ganhou destaque global, identificados como expressionistas abstratos.
Gorky, Hofmann e Graham
A década de 1940 na cidade de Nova York marcou a ascensão do expressionismo abstrato americano, um movimento modernista que sintetiza influências de Matisse, Picasso, surrealismo, Miró, cubismo, fauvismo e início do modernismo. Esta síntese foi facilitada por educadores proeminentes nos Estados Unidos, nomeadamente Hans Hofmann da Alemanha e John D. Graham da Ucrânia. O impacto de Graham na arte americana no início da década de 1940 foi especialmente evidente nas obras de Gorky, de Kooning, Pollock e Richard Pousette-Dart, entre outros. As profundas contribuições de Gorky para a arte americana e global são amplamente reconhecidas. Sua abstração lírica introduziu uma "nova linguagem" e "iluminou o caminho para duas gerações de artistas americanos". A qualidade pictórica espontânea de suas obras maduras, como The Liver Is the Cock's Comb, The Betrothal II e One Year the Milkweed, antecipou diretamente o Expressionismo Abstrato, com os líderes da Escola de Nova York reconhecendo sua influência significativa. Os primeiros trabalhos de Hyman Bloom também desempenharam um papel influente. Os artistas americanos beneficiaram ainda da presença de figuras como Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, bem como de instituições como a galeria de Pierre Matisse e a galeria de Peggy Guggenheim, The Art of This Century, entre outros factores contribuintes. Hans Hofmann, como professor, mentor e artista, foi particularmente crucial e influente na promoção do desenvolvimento e do sucesso do expressionismo abstrato nos Estados Unidos. Seus protegidos incluíam Clement Greenberg, que se tornou um crítico imensamente influente da pintura americana, e seus alunos incluíam Lee Krasner, que posteriormente apresentou Hofmann a seu marido, Jackson Pollock.
Pollock e influências abstratas
No final da década de 1940, a abordagem inovadora de Jackson Pollock à pintura transformou fundamentalmente o potencial da arte contemporânea subsequente. Pollock reconheceu, em grau significativo, que o próprio processo artístico tinha tanta importância quanto a obra de arte final. Semelhante às reconfigurações inovadoras da pintura e da escultura de Picasso por volta da virada do século através do cubismo e da escultura construída, Pollock redefiniu a produção artística, recorrendo a diversas influências, como pinturas de areia Navajo, surrealismo, análise junguiana e arte mural mexicana. Seu afastamento da pintura tradicional de cavalete e dos métodos convencionais serviu de impulso libertador para os artistas de sua época e para aqueles que se seguiram. Os artistas compreenderam o processo distintivo de Pollock - envolvendo a colocação de tela crua não esticada no chão, permitindo que ela fosse abordada por todos os lados com materiais artísticos e industriais; o gotejamento e lançamento de meadas lineares de tinta; e a incorporação de desenho, coloração, pincel e elementos figurativos e não figurativos - estendeu os limites da produção artística além de quaisquer limites anteriores. O Expressionismo Abstrato, como movimento mais amplo, expandiu e refinou as definições e possibilidades disponíveis aos artistas para a criação de novas obras.
Seguindo as contribuições seminais de Pollock, outros expressionistas abstratos também alcançaram avanços artísticos significativos. As inovações coletivas de artistas como Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell e Peter Voulkos influenciaram profundamente a subsequente diversidade e amplitude da expressão artística. Os movimentos radicais anti-formalistas das décadas de 1960 e 1970, incluindo Fluxus, Neo-Dada, arte conceitual e o movimento artístico feminista, derivam a linhagem conceitual do Expressionismo Abstrato. No entanto, reavaliações críticas da arte abstracta por historiadoras como Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher destacam que as mulheres artistas pioneiras, apesar de terem feito inovações substanciais na arte moderna, foram historicamente marginalizadas nas narrativas oficiais. Esses artistas acabaram ganhando o reconhecimento há muito esperado no período que se seguiu ao movimento expressionista abstrato das décadas de 1940 e 1950. O Expressionismo Abstrato solidificou seu status como um grande movimento artístico na cidade de Nova York durante a década de 1950, levando galerias de arte proeminentes a apresentarem Expressionistas Abstratos em exposições e como parte integrante de suas listas de artistas. Galerias notáveis da 'cidade alta' incluíam a Galeria Charles Egan, a Galeria Sidney Janis, a Galeria Betty Parsons, a Galeria Kootz, a Galeria Tibor de Nagy, a Galeria Stable e a Galeria Leo Castelli. Ao mesmo tempo, vários estabelecimentos do “centro da cidade”, conhecidos coletivamente como galerias da Tenth Street, apresentavam numerosos artistas jovens emergentes trabalhando dentro do idioma expressionista abstrato.
Pintura de ação
A pintura de ação, um estilo artístico predominante da década de 1940 ao início da década de 1960, está intrinsecamente ligada ao Expressionismo Abstrato; na verdade, alguns críticos empregaram os termos como sinônimos. Este movimento artístico americano é frequentemente comparado com o movimento artístico francês conhecido como Tachisme.
O crítico americano Harold Rosenberg cunhou o termo 'Action Painting' em 1952, marcando uma reorientação significativa no discurso estético entre os artistas e críticos da Escola de Nova Iorque. Rosenberg postulou que a tela funcionava como "uma arena para atuar". Embora expressionistas abstratos como Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning tenham articulado consistentemente uma visão da pintura como um espaço para envolvimento com o ato criativo, críticos anteriores solidários, como Clement Greenberg, enfatizaram a "objetividade" de suas obras. Para Greenberg, as características físicas das pinturas – especificamente as suas superfícies coaguladas e endurecidas com óleo – foram fundamentais para interpretá-las como registos das lutas existenciais dos artistas.
A estrutura crítica de Rosenberg redirecionou a atenção acadêmica do objeto de arte acabado para a própria luta criativa, vendo a pintura concluída meramente como uma manifestação física ou “resíduo” do esforço artístico real, que residia no processo de sua criação. Esse envolvimento espontâneo constituiu a "ação" do pintor, executada por meio de movimentos dinâmicos de braços e pulsos, gestos expressivos, pinceladas e aplicações diversas, como tinta lançada, respingada, manchada, manchada e pingada. Os artistas ocasionalmente permitiam que a tinta pingasse na tela enquanto realizavam movimentos rítmicos, ou mesmo entrando fisicamente no espaço da tela. Esse método às vezes envolvia permitir que a tinta caísse de acordo com os impulsos subconscientes, permitindo assim que a psique inconsciente se afirmasse e se expressasse. No entanto, articular ou interpretar com precisão estes fenómenos continua a ser um desafio, dada a sua suposta origem como manifestações inconscientes de atos criativos puros.
A designação "expressionismo abstrato" é frequentemente aplicada a vários artistas, principalmente baseados em Nova York, apesar de suas diversas abordagens estilísticas, e ocasionalmente abrange obras que não são distintamente abstratas nem expressionistas. Por exemplo, as dinâmicas "action paintings" de Pollock, caracterizadas pela sua intricada densidade visual, divergem significativamente, tanto técnica como esteticamente, da intensa e muitas vezes distorcida série Mulheres de De Kooning. Mulher V pertence a uma sequência de seis pinturas criadas por de Kooning de 1950 a 1953, cada uma retratando uma figura feminina de três quartos de comprimento. A artista iniciou o trabalho inicial desta série, Mulher I, em junho de 1950, realizando inúmeras revisões e repinturas até janeiro ou fevereiro de 1952, quando a tela ficou incompleta. Posteriormente, o historiador de arte Meyer Schapiro observou a pintura no ateliê de de Kooning e defendeu o envolvimento contínuo do artista com o tema. Em resposta, de Kooning iniciou três pinturas adicionais explorando o mesmo tema: Mulher II, Mulher III e Mulher IV. Ao longo do verão de 1952, enquanto residia em East Hampton, de Kooning desenvolveu ainda mais este conceito temático através de esboços e pastéis. A conclusão de Mulher I provavelmente ocorreu no final de junho ou potencialmente até novembro de 1952, com as outras três pinturas de "Mulher" presumivelmente concluídas no mesmo período. A série Mulher representa inequivocamente uma coleção de pinturas figurativas.
Franz Kline representa outro artista significativo dentro deste movimento. Semelhante a Jackson Pollock e outros expressionistas abstratos, Kline foi classificado como um "pintor de ação" devido à sua técnica aparentemente espontânea e vigorosa, que priorizava a pincelada e a manipulação da tela em vez de figurações ou imagens explícitas, exemplificadas por sua pintura Número 2 (1954).
A escrita automática serviu como um método crucial para pintores de ação, incluindo Kline (particularmente em suas obras monocromáticas), Pollock, Mark Tobey e Cy Twombly. Esses artistas empregaram gestos, texturas de superfície e linhas para gerar símbolos caligráficos e lineares e padrões intrincados que evocavam formas linguísticas e ressoavam como expressões potentes do inconsciente coletivo. Em sua série Elegia à República Espanhola, Robert Motherwell produziu pinturas em preto e branco impactantes, utilizando gesto, superfície e simbolismo para provocar respostas emocionais profundas. Ao mesmo tempo, outros pintores de ação, incluindo de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell e James Brooks, incorporaram imagens, seja por meio de paisagens abstratas ou representações expressionistas da figura humana, para transmitir suas declarações artísticas profundamente pessoais e potentes. As pinturas de James Brooks eram notavelmente poéticas e antecipavam a Abstração Lírica, um movimento que ganhou destaque durante o final dos anos 1960 e 1970.
Campo de cor
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Mark Rothko, cujo trabalho apresenta blocos de cores serenamente cintilantes (e que o próprio Rothko rejeitou como abstratos ou tipicamente expressionistas), são categorizados como expressionistas abstratos. No entanto, eles pertencem ao que Clement Greenberg identificou como a tendência Color Field dentro do expressionismo abstrato. Tanto Hans Hofmann quanto Robert Motherwell são caracterizados com precisão como praticantes tanto da Action Painting quanto da Color Field Painting. Durante a década de 1940, as imagens meticulosamente estruturadas de Richard Pousette-Dart baseavam-se frequentemente em temas mitológicos e místicos, uma característica também evidente nas pinturas de Gottlieb e Pollock durante a mesma década.
Inicialmente, a pintura Color Field foi categorizada como uma forma distinta de expressionismo abstrato, abrangendo notavelmente as obras de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt e várias séries de Joan Miró. Clement Greenberg identificou a pintura Color Field como um estilo que compartilhava afinidades com a Action painting, mas mantinha suas próprias características únicas. Os praticantes da pintura do Campo de Cores pretendiam despojar as suas criações artísticas de quaisquer elementos retóricos estranhos. Artistas proeminentes como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis e Mark Tobey, ao lado de Ad Reinhardt e Barnett Newman - cujo trabalho seminal Vir heroicus sublimis está no MoMA - empregaram referências naturalistas mínimas e demonstraram uma aplicação de cor sofisticada e psicologicamente ressonante. Esses artistas geralmente evitavam imagens reconhecíveis, embora Rothko e Gottlieb ocasionalmente incorporassem símbolos e sinais como substitutos de formas representacionais. Embora alguns artistas integrassem alusões à arte histórica ou contemporânea, a pintura Color Field postulava principalmente a abstração como um objetivo intrínseco. Através desta abordagem modernista, os artistas esforçaram-se por apresentar cada pintura como uma entidade visual singular, unificada e monolítica.
Contrastando com a intensa emotividade e a pincelada gestual característica de expressionistas abstratos como Pollock e de Kooning, os pintores Color Field apresentaram inicialmente uma estética fria e austera. Eles minimizaram as marcas individuais, preferindo campos de cores planos e expansivos, que consideravam fundamentais para a abstração visual. Esta abordagem também se estendeu à forma física da tela, um conceito que Frank Stella explorou notavelmente na década de 1960 através de combinações não convencionais de bordas curvas e retas. No entanto, a pintura Color Field demonstrou, em última análise, uma capacidade tanto para a sensualidade como para a expressividade profunda, embora através de métodos distintos dos do Expressionismo Abstrato gestual.
Enquanto o Expressionismo Abstrato se disseminou rapidamente pelos Estados Unidos, os seus principais centros foram a cidade de Nova Iorque e a Califórnia, particularmente na Escola de Nova Iorque e na área da Baía de São Francisco. As obras de arte expressionistas abstratas exibem atributos comuns, como a utilização de telas expansivas e uma estratégia composicional "completa", onde toda a superfície recebe um significado uniforme, em vez de enfatizar um ponto focal central na periferia. O conceito da tela como uma arena serviu como um princípio fundamental para a Action painting, enquanto a integridade do plano do quadro tornou-se um princípio central para os pintores de Campos de Cores. Ao longo da década de 1950, uma nova geração de artistas, incluindo Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas e Robert Goodnough, também começaram a exibir obras influenciadas pelo Expressionismo Abstrato.
Embora o estilo distinto, a técnica, o toque pictórico e a aplicação física da tinta de Pollock o associem fortemente à Action Painting, os críticos de arte também traçaram paralelos entre seu trabalho e a pintura Color Field. Uma notável perspectiva crítica, avançada por Greenberg, conecta as telas de Pollock à série em grande escala Nenúfares de Claude Monet da década de 1920. Críticos como Michael Fried e Greenberg observaram que a impressão abrangente transmitida pelas criações mais famosas de Pollock – suas pinturas a gotejamento – é a de campos expansivos compostos de elementos lineares acumulados. Eles observam que essas obras frequentemente se manifestam como vastos complexos de meadas de tinta de valor semelhante e campos abrangentes de cor e desenho, ecoando os Monets do tamanho de um mural, que são construídos de forma semelhante a partir de marcas escovadas e embaralhadas de valor próximo que também se transformam em campos de cor e desenho. A adoção da composição completa por Pollock estabelece uma ligação filosófica e física com os métodos empregados por pintores de campos de cores como Newman, Rothko e Still na construção de suas superfícies contínuas e, no caso de Still, quebradas. Em várias pinturas executadas após seu período seminal de pintura por gotejamento (1947-1950), Pollock utilizou a técnica de tingir óleo fluido e tinta doméstica diretamente na tela bruta. Durante 1951, ele produziu uma série de pinturas semi-figurativas com manchas pretas, seguidas por pinturas com manchas coloridas em 1952. Sua exposição de novembro de 1952 na Galeria Sidney Janis na cidade de Nova York apresentou Número 12, 1952, uma pintura monumental e magistral que lembra uma paisagem manchada de cores vibrantes, sobreposta com tinta escura amplamente gotejada; esta obra foi adquirida por Nelson Rockefeller para sua coleção pessoal diretamente da exposição.
Arshile Gorky, reconhecido como uma figura fundamental do Expressionismo Abstrato e Surrealista, também foi um dos primeiros pintores da Escola de Nova York a empregar a técnica de coloração. Gorky desenvolveu extensos campos de cores vivas, abertas e contínuas, que ele frequentemente utilizava como fundo em muitas de suas pinturas. Em seus trabalhos mais impactantes e realizados entre 1941 e 1948, ele aplicou consistentemente campos de cores intensas e manchadas, muitas vezes permitindo que a tinta escorresse e gotejasse por baixo e ao redor de seu léxico característico de formas orgânicas e biomórficas e linhas delicadas. James Brooks representa outro expressionista abstrato cujas obras da década de 1940 prenunciam as pinturas manchadas predominantes nas décadas de 1960 e 1970. Brooks incorporou regularmente a coloração como técnica em suas pinturas do final da década de 1940 em diante. Ele começou a diluir sua tinta a óleo para obter cores fluidas adequadas para derramar, pingar e tingir na tela predominantemente crua que ele preferia. Essas composições frequentemente integravam caligrafia com formas abstratas. Durante as últimas três décadas de sua carreira, o estilo distinto de Expressionismo Abstrato brilhante e em grande escala de Sam Francis tornou-se intimamente associado à pintura Color Field. Sua obra efetivamente abrangeu ambas as facções primárias dentro da rubrica Expressionista Abstrata: Action Painting e Color Field painting.
Inspirado pelas pinturas de Pollock de 1951, que apresentavam tinta a óleo preta diluída manchada em tela crua, Frankenthaler começou a produzir pinturas de manchas usando várias cores de óleo em tela crua em 1952. Seu trabalho mais célebre desse período é Montanhas e Mar. Ela é reconhecida como uma das criadoras do movimento Color Field, que surgiu no final da década de 1950. Frankenthaler também realizou estudos com Hans Hofmann.
A produção artística de Hofmann, exemplificada por The Gate, 1959–1960, é caracterizada por uma paleta cromática vibrante. Ele alcançou reconhecimento não apenas como pintor, mas também como um influente educador artístico, inicialmente na Alemanha, sua terra natal, e posteriormente nos Estados Unidos. Chegando aos EUA vindo da Alemanha no início da década de 1930, Hofmann introduziu os princípios do Modernismo. Durante seus anos de formação como artista na Paris pré-Primeira Guerra Mundial, Hofmann colaborou com Robert Delaunay e ganhou exposição direta às contribuições inovadoras de Picasso e Matisse. A obra de Matisse impactou significativamente a perspectiva artística de Hofmann, particularmente a sua compreensão da capacidade expressiva da cor e do potencial inerente da abstração. Hofmann emergiu como um teórico pioneiro da pintura de campo colorido, e suas estruturas conceituais influenciaram profundamente artistas e críticos, notadamente Clement Greenberg, ao longo das décadas de 1930 e 1940. Em 1953, Morris Louis e Kenneth Noland experimentaram uma profunda mudança artística após observarem as pinturas de Helen Frankenthaler durante um estúdio. Ao retornarem a Washington, D.C., eles iniciaram a criação de obras seminais que estabeleceram o movimento do campo de cores no final dos anos 1950.
Em 1972, Henry Geldzahler, então curador do Metropolitan Museum of Art, articulou o seguinte:
Clement Greenberg apresentou as criações de Morris Louis e Kenneth Noland em uma exposição que organizou na Galeria Kootz no início dos anos 1950. Greenberg foi o observador inicial a discernir a sua promessa artística. Ele estendeu um convite para eles. Esta obra excepcionalmente bela, inspirada em Pollock e Gorky, também representava uma das primeiras pinturas de manchas, uma pintura de campo pioneira em grande escala que empregava a técnica de manchas, possivelmente a primeira. Louis e Noland observaram a pintura desenrolada no chão de seu estúdio antes de retornarem a Washington, D.C., onde exploraram colaborativamente as implicações dessa abordagem inovadora de pintura por um período.
Desenvolvimentos na década de 1960 após o Expressionismo Abstrato
Durante as décadas de 1950 e 1960, a pintura abstrata testemunhou o surgimento de diversas novas direções, incluindo a pintura Hard-edge, exemplificada por John McLaughlin. Ao mesmo tempo, como contra-resposta ao subjectivismo inerente ao expressionismo abstracto, formas alternativas de abstracção geométrica começaram a manifestar-se em estúdios de artistas e em círculos de vanguarda progressistas. Greenberg assumiu um papel proeminente na defesa da abstração pós-pintura; ao ser curador de uma exposição significativa de pintura contemporânea que percorreu as principais instituições de arte dos Estados Unidos em 1964. Este período viu a ascensão da pintura de campo colorido, da pintura de ponta e da abstração lírica como trajetórias artísticas inovadoras.
Expressionismo abstrato e o contexto da Guerra Fria
Desde meados da década de 1970, o discurso acadêmico postula que o expressionismo abstrato atraiu a atenção da CIA no início da década de 1950. A agência supostamente considerou o estilo emblemático dos Estados Unidos como um bastião da liberdade intelectual e dos mercados abertos, desafiando simultaneamente a estética realista socialista predominante nas nações comunistas e o domínio estabelecido dos mercados de arte europeus. O livro de Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (publicado no Reino Unido como Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) detalha meticulosamente o envolvimento financeiro e organizacional da CIA na promoção dos expressionistas abstratos americanos como um componente do imperialismo cultural através do Congresso pela Liberdade Cultural de 1950 a 1967. Notavelmente, Robert A série Elegia à República Espanhola de Motherwell abordou diretamente algumas dessas dimensões políticas. Tom Braden, chefe inaugural da Divisão de Organizações Internacionais (IOD) da CIA e ex-secretário executivo do Museu de Arte Moderna, afirmou em uma entrevista que a considerava “a divisão mais importante que a agência possuía” e acreditava que “desempenhou um papel monumental na Guerra Fria”.
Contrariando esta perspectiva revisionista, um ensaio de Michael Kimmelman, o principal crítico de arte do The New York Times, intitulado Revisitando os Revisionistas: O Moderno, Seus Críticos e a Guerra Fria, afirma que uma parte substancial da informação sobre a cena artística americana durante as décadas de 1940 e 1950, juntamente com as interpretações dos revisionistas, é imprecisa ou descontextualizada. Trabalhos acadêmicos adicionais sobre este tópico incluem Art in the Cold War, de Christine Lindey, que também examina a arte da União Soviética da mesma época, e Pollock and After, editado por Francis Frascina, que republicou o artigo de Kimmelman.
Ramificações
O pintor canadense Jean-Paul Riopelle (1923–2002), membro do grupo Les Automatistes, de inspiração surrealista, com sede em Montreal, contribuiu para a introdução de um estilo impressionista abstrato relacionado ao mundo da arte parisiense a partir de 1949. O livro seminal de Michel Tapié, Un Art Autre (1952), também se mostrou profundamente influente neste contexto. Tapié, que também foi curador e organizador de exposições, defendeu a arte de Pollock e Hans Hofmann em toda a Europa. Na década de 1960, o impacto inicial do movimento foi absorvido, mas as suas metodologias e proponentes continuaram a exercer uma influência artística significativa, moldando profundamente a produção dos artistas subsequentes. O expressionismo abstrato serviu como precursor e influenciou movimentos subsequentes das décadas de 1960 e 1970, incluindo Tachismo, pintura de campo de cores, abstração lírica, Fluxus, Pop Art, minimalismo, pós-minimalismo e neo-expressionismo. Por outro lado, os movimentos que surgiram como respostas diretas ou rebeliões contra o expressionismo abstrato incluíram a pintura Hard-edge, exemplificada por artistas como Frank Stella e Robert Indiana, e a Pop Art, com figuras proeminentes como Andy Warhol, Claes Oldenburg e Roy Lichtenstein nos Estados Unidos, ao lado de Richard Hamilton na Grã-Bretanha. Nos Estados Unidos, Robert Rauschenberg e Jasper Johns estabeleceram uma ligação crucial entre o expressionismo abstrato e a Pop Art. O minimalismo, por exemplo, encontrou seus exemplos em artistas como Donald Judd, Robert Mangold e Agnes Martin.
No entanto, muitos pintores, incluindo Jules Olitski, Joan Mitchell e Antoni Tàpies, persistiram em empregar o estilo expressionista abstrato por um longo período, ampliando e ampliando assim suas dimensões visuais e filosóficas, uma prática continuada por numerosos artistas abstratos contemporâneos através de estilos como Abstração Lírica e Neo-expressionismo.
No rescaldo da Segunda Guerra Mundial, um colectivo de artistas de Nova Iorque estabeleceu uma das primeiras escolas artísticas distintas da América, inaugurando uma nova época na arte americana através do expressionismo abstracto. Este desenvolvimento catalisou um significativo boom da arte americana, fomentando o surgimento de estilos como a Pop Art. Ao mesmo tempo, contribuiu para a transformação da cidade de Nova Iorque num importante centro cultural e artístico.
Os Expressionistas Abstratos priorizam o organismo dinâmico sobre o todo estático, enfatizam o devir sobre o ser, privilegiam a expressão sobre a perfeição, favorecem a vitalidade sobre o mero acabamento, preferem a flutuação ao repouso, valorizam o sentimento acima da formulação rígida, abraçam o desconhecido sobre o conhecido, o velado sobre o claro, o indivíduo sobre as normas sociais, e a experiência interior sobre a aparência externa.
Escultura grande
Lista de expressionistas abstratos
Artistas expressionistas abstratos
- Artistas importantes cujo trabalho maduro definiu o expressionismo abstrato americano:
Outros artistas
- Artistas importantes cujo trabalho maduro se relaciona com o movimento expressionista abstrato americano:
Estilos, tendências, escolas e movimentos relacionados
Estilos, tendências, escolas e movimentos relacionados
Outros tópicos relacionados
- Barba Azul, de Kurt Vonnegut, apresenta uma autobiografia ficcional atribuída ao expressionista abstrato fictício Rabo Karabekian.
- Michel Tapié (crítico e organizador de exposições fundamental na divulgação do expressionismo abstrato na Europa, Japão e América Latina)
Referências
Livros
- Belgrado, Daniel. A Cultura da Espontaneidade. Improvisação e artes na América do pós-guerra University of Chicago Press, Chicago & Londres, 1998. ISBN 978-966-359-305-0
- Anfam, David. Expressionismo Abstrato (Nova York e Londres: Thames & Hudson, 1990). ISBN 0-500-20243-5
- Craven, David, Expressionismo abstrato como crítica cultural: dissidência durante o período McCarthy (Cambridge; Nova York: Cambridge University Press, 1999.) ISBN 0-521-43415-7
- Marika Herskovic, Expressionismo abstrato e figurativo americano: o estilo é oportuno A arte é atemporal (New York School Press, 2009.) ISBN 978-0-9677994-2-1
- Marika Herskovic, Expressionismo abstrato americano da década de 1950, uma pesquisa ilustrada, (New York School Press, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4
- Marika Herskovic, Escolha dos Artistas Expressionistas Abstratos da Escola de Nova York por Artistas, (New York School Press, 2000.) ISBN 0-9677994-0-6
- Papanikolas, Theresa e Stephen Salel, Stephen, Expressionismo abstrato, Olhando para o leste a partir do extremo oeste, Museu de Arte de Honolulu, 2017, ISBN 9780937426920
- Serge Guilbaut. Como Nova York roubou a ideia da arte moderna, University of Chicago Press, 1983.
Bibliografia
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- Saunders, Frances Stonor. A Guerra Fria Cultural: A CIA e o Mundo das Artes e das Letras. Nova York: New Press, distribuído por W.W. Norton & Co., 2000, ISBN 1-56584-596-X.
- Tapié, Michel. Hans Hofmann: Pinturas 1962: 23 de abril a 18 de maio de 1963. Paris: Galerie Anderson-Mayer, 1963. [Catálogo e comentários da exposição], OCLC 62515192.
- Tapié, Michel. Pollock. Paris: P. Facchetti, 1952, OCLC 30601793.
- Wechsler, Jeffrey. (2007). Caminhos e Paralelos: Caminhos para o Expressionismo Abstrato. Nova York: Galerias Hollis Taggart, ISBN 978-0-9759954-9-5.
- Jackson Pollock
- Philip Guston
- Perle Fine Expressionismo Abstrato - pintor de ação de Nova York dos anos 1950 no YouTube
- Expressionismo abstrato de Albert Kotin, década de 1950 - pintura de ação da escola de Nova York, década de 1950 no YouTube
- Expressionismo abstrato de James Brooks - pintura de ação da década de 1950 da escola de Nova York no YouTube
- Início da Escola de Nova York dos anos 1950 – Expressionismo abstrato dos anos 1950 no YouTube
- Expressionismo abstrato dos anos 1950 - Artistas da Escola de Nova York do 9th St Show Reminisce no YouTube
- Nicolas Carone-Expressionismo Abstrato-Artista da 9th St. Show no YouTube
- Expressionismo abstrato de Robert Richenburg, década de 1950 - Escola de Nova York, década de 1950 no YouTube
- HENI Talks, O que é: Expressionismo Abstrato?