Romantik, auch romantische Bewegung oder romantische Ära genannt, war ein künstlerisches und intellektuelles Phänomen, das im späten 18. Jahrhundert in Europa entstand. Diese Bewegung zielte darauf ab, Subjektivität, Vorstellungskraft und die Wertschätzung der Natur in gesellschaftlichen und kulturellen Kontexten zu fördern und diente als direkte Reaktion auf das Zeitalter der Aufklärung und die industrielle Revolution.
Anhänger der Romantik lehnten vorherrschende gesellschaftliche Konventionen ab und vertraten stattdessen eine ethische Perspektive, die vom Individualismus geprägt war. Sie postulierten, dass Leidenschaft und Intuition unabdingbar seien, um die Welt zu verstehen, und behaupteten, dass Schönheit über bloße formale Attribute hinausgehe und eine tiefe emotionale Resonanz umfasse. Basierend auf diesem philosophischen Rahmen vertraten die Romantiker mehrere Grundprinzipien: eine tiefe Ehrfurcht sowohl vor der Natur als auch vor dem Übernatürlichen, eine Idealisierung historischer Perioden als von Natur aus edler, eine intensive Faszination für das Exotische und Rätselhafte und eine Verherrlichung des Heroischen und Erhabenen.
Die romantische Bewegung zeigte eine ausgeprägte Vorliebe für das Mittelalter und betrachtete es als eine Epoche, die von Ritterlichkeit, Heldentum und einer harmonischeren Epoche geprägt war Mensch-Umwelt-Interaktion. Diese idealisierte Perspektive stand in krassem Gegensatz zu den Werten ihrer heutigen Industriegesellschaft, die sie wegen ihres entfremdenden wirtschaftlichen Materialismus und ihrer schädlichen Auswirkungen auf die Umwelt kritisierten. Die romantische Darstellung des Mittelalters rückte in den Mittelpunkt des wissenschaftlichen Diskurses, wobei häufig der Vorwurf erhoben wurde, dass solche Darstellungen oft die ungünstigeren Aspekte der mittelalterlichen Existenz vernachlässigten.
Wissenschaftlicher Konsens weist darauf hin, dass die Romantik zwischen 1800 und 1850 ihren Höhepunkt erreichte. Dennoch umfassen wissenschaftliche Diskussionen auch eine „Spätromantik“-Periode und nachfolgende „neoromantische“ Wiederaufleben. Diese späteren Erscheinungsformen der Bewegung zeichneten sich durch ihren Gegensatz zu den zunehmend experimentellen und abstrakten künstlerischen Formen aus, die die moderne Kunst charakterisierten, sowie durch eine Dekonstruktion der konventionellen Tonharmonie in Musikkompositionen. Befürworter dieser Erweiterungen hielten am romantischen Ethos fest und betonten die emotionale Tiefe des künstlerischen und musikalischen Ausdrucks, während sie gleichzeitig technische Virtuosität innerhalb eines entwickelten romantischen Idioms demonstrierten. Mit Beginn des Ersten Weltkriegs hatte sich das vorherrschende kulturelle und künstlerische Milieu so stark verändert, dass die Romantik weitgehend in Nachfolgebewegungen zerfiel. Die letzten prominenten Vertreter der Spätromantik, die diesen Idealen anhingen, starben in den 1940er Jahren; Trotz ihrer anhaltenden Wertschätzung wurden sie zunehmend als anachronistisch wahrgenommen.
Die Romantik stellte eine vielschichtige Bewegung dar, die verschiedene Perspektiven umfasste und sich in der gesamten westlichen Zivilisation weltweit verbreitete. Die Bewegung und ihre gegensätzlichen Ideologien befanden sich im Laufe der Zeit in einem wechselseitigen Gestaltungsprozess. Nach ihrem Niedergang übten die romantische Philosophie und künstlerische Ausdrucksformen einen tiefgreifenden und dauerhaften Einfluss auf verschiedene Bereiche aus, darunter Kunst, Musik, spekulative Fiktion, Philosophie, Politik und Umweltschutz, ein Einfluss, der bis in die Gegenwart anhält. Es ist jedoch wichtig anzumerken, dass die modernen Konzepte der „Romantisierung“ und „Romantisierung“ oft nur einen minimalen Bezug zur historischen Romantikbewegung selbst haben.
Übersicht
Zeitleiste
Im Großteil der westlichen Welt erlebte die Romantik etwa zwischen 1800 und 1850 ihren Höhepunkt. Die Grundprinzipien der Romantik gingen auf eine frühere Strömung der deutschen Gegenaufklärung zurück, die als Sturm und Drang (deutsch für „Sturm und Drang“) bekannt ist. Diese Vorläuferbewegung stellte die Behauptung der Aufklärung direkt in Frage, dass das menschliche Verständnis der Welt allein durch Rationalität erreicht werden könne, und schlug stattdessen Intuition und Emotion als wesentliche Bestandteile von Einsicht und Verständnis vor. Die Veröffentlichung von Johann Wolfgang von Goethes „Die Leiden des jungen Werther“ im Jahr 1774 trug wesentlich zur Entstehung der romantischen Bewegung und ihrer Grundprinzipien bei. Darüber hinaus dienten die Ereignisse und philosophischen Grundlagen der Französischen Revolution als direkter Einfluss, wobei zahlreiche Frühromantiker in ganz Europa ihre Solidarität mit den Bestrebungen und Errungenschaften der französischen Revolutionäre zum Ausdruck brachten.
Eine Konvergenz verschiedener Faktoren beschleunigte Mitte des 19. Jahrhunderts den Niedergang der Romantik. Dazu gehörten unter anderem das Aufkommen des Realismus und Naturalismus, die Veröffentlichung von Charles Darwins „Ursprung der Arten“, ein gesellschaftlicher Wandel vom allgegenwärtigen revolutionären Eifer in Europa zu einem konservativeren politischen Umfeld und eine Neuausrichtung des öffentlichen Bewusstseins auf die unmittelbaren Folgen des technologischen Fortschritts und der Urbanisierung für die arbeitenden Klassen. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs war die Romantik weitgehend von aufkommenden kulturellen, sozialen und politischen Bewegungen in den Schatten gestellt worden, von denen viele im Widerspruch zu dem standen, was sie als Illusionen und Hauptanliegen der Romantiker ansahen.
Die Romantik übte einen tiefgreifenden und dauerhaften Einfluss auf die westliche Zivilisation aus. Zahlreiche künstlerische, musikalische und literarische Schöpfungen verkörperten ihre Ideale, die nach dem formellen Abschluss der Bewegung entstanden. Der Schwerpunkt der Bewegung auf der Wertschätzung der Natur wird häufig als grundlegendes Element zeitgenössischer Naturschutzinitiativen genannt. Während des Goldenen Zeitalters Hollywoods wurden die meisten Filmmusiken in einer reichen, Orchestersprache der Romantik komponiert, einem Stil, der in der Filmmusik des 21. Jahrhunderts weiterhin vorherrschend ist. Darüber hinaus haben die philosophischen Lehren der Romantik das moderne politische Denken maßgeblich geprägt und sowohl liberale als auch konservative Ideologien beeinflusst.
Zweck
Die Romantik wurde im Wesentlichen dadurch definiert, dass sie Emotionen und Individualismus in den Vordergrund stellte, neben einer Idealisierung der Vergangenheit und der natürlichen Welt, wobei sie oft die mittelalterliche Ästhetik den klassischen Formen vorzog. Diese Bewegung entstand teilweise als Gegenreaktion auf die Industrielle Revolution und die vorherrschende Ideologie der Aufklärung, insbesondere deren wissenschaftliche Rationalisierung der Natur.
Die Grundprinzipien der Romantik fanden ihren deutlichsten Ausdruck in der bildenden Kunst, Musik und Literatur; Ihr Einfluss erstreckte sich jedoch auch auf Geschichtsschreibung, Bildungspraktiken, Schach und die Sozialwissenschaften.
Die Romantik übte einen erheblichen und komplexen Einfluss auf das politische Denken aus und prägte Konservatismus, Liberalismus, Radikalismus und Nationalismus.
Die Romantik erhob die unverwechselbare, individuelle Vorstellungskraft des Künstlers über die Zwänge klassischer Formkonventionen. Die Bewegung betonte intensive Emotionen als echte Quelle ästhetischer Erfahrung und verlieh damit Erfahrungen von Mitgefühl, Ehrfurcht, Staunen und Schrecken eine neue Bedeutung, teilweise indem sie diese Emotionen als natürliche Reaktionen auf das „Schöne“ und das „Erhabene“ darstellten.
Romantiker betonten den inhärenten Wert der Volkskunst und alter kultureller Traditionen und plädierten gleichzeitig für radikale politische Positionen, unkonventionelles Verhalten und echte Spontaneität. Im Gegensatz zum Rationalismus und Klassizismus der Aufklärung belebte die Romantik mittelalterliche Themen wieder und präsentierte eine pastorale Vision einer „authentischeren“ europäischen Vergangenheit, die einer scharf kritischen Perspektive auf zeitgenössische gesellschaftliche Veränderungen wie die Urbanisierung gegenübergestellt wurde, die durch die industrielle Revolution ausgelöst wurden. Die Bewegung würdigte die Leistungen „heldenhafter“ Persönlichkeiten, insbesondere von Künstlern, die zunehmend als kulturelle Avantgarde dargestellt wurden. Beispielsweise charakterisierte der prominente Romantiker Percy Bysshe Shelley in seinem Werk „Defence of Poetry“ Dichter als „unerkannte Gesetzgeber der Welt“.
Romantik definieren
Grundlegende Eigenschaften
Die Romantik legte größten Wert auf die Freiheit des Künstlers, persönliche Gefühle und Konzepte authentisch zu artikulieren. Prominente Romantiker wie der deutsche Maler Caspar David Friedrich vertraten die Auffassung, dass der emotionale Zustand eines Künstlers seine formale Methodik bestimmen sollte; Friedrich sagte bekanntlich: „Das Gefühl des Künstlers ist sein Gesetz.“ In Anlehnung an diese Perspektive postulierte der romantische Dichter William Wordsworth, dass Poesie aus „dem spontanen Überfluss kraftvoller Gefühle“ entstehen sollte, an die sich der Dichter anschließend „in Ruhe erinnert“, und so die Entdeckung einer entsprechend charakteristischen Form zur Vermittlung dieser Emotionen erleichterte.
Die Romantiker vertraten die unerschütterliche Überzeugung, dass eine von Emotionen getriebene Kunst von Natur aus geeignete und harmonische Modalitäten finden würde, um ihren wesentlichen Inhalt auszudrücken, vorausgesetzt, der Künstler meidet stagnierende Konventionen und fremde Präzedenzfälle. Samuel Taylor Coleridge und andere Theoretiker gingen davon aus, dass angeborene Künstler sich instinktiv an bestimmte Naturgesetze der Vorstellungskraft hielten, wenn ihnen kreative Autonomie gewährt wurde. Es wurde angenommen, dass diese „Naturgesetze“ ein breites Spektrum formaler Ansätze zulassen, die möglicherweise so unterschiedlich sind wie die Anzahl der Personen, die persönlich bedeutsame Kunstwerke schaffen. Viele Romantiker vertraten die Überzeugung, dass Werke künstlerischen Genies „ex nihilo“ oder „aus dem Nichts“ entstanden seien, ohne sich auf bereits bestehende Modelle zu verlassen; Dieses Konzept wird häufig als „romantische Originalität“ bezeichnet. Der Übersetzer und einflussreiche Romantiker August Wilhelm Schlegel behauptete in seinen Vorlesungen über dramatische Künste und Briefe, dass die wertvollste Eigenschaft der Menschheit ihre Neigung zu Divergenz und Diversifizierung sei.
Laut Isaiah Berlin umfasste die Romantik „einen neuen und ruhelosen Geist, der gewaltsam danach strebt, alte und verkrampfte Formen zu durchbrechen, eine nervöse Beschäftigung mit sich ständig verändernden inneren Bewusstseinszuständen, eine Sehnsucht nach dem Unbegrenzten und Undefinierbaren, nach ständiger Bewegung und Veränderung, ein Bemühen, zu den vergessenen Quellen des Lebens zurückzukehren, ein leidenschaftliches Bemühen um individuelle und kollektive Selbstbehauptung, eine Suche nach Mitteln, um etwas Unstillbares auszudrücken.“ Sehnsucht nach unerreichbaren Zielen".
Romantische Künstler waren durchweg zutiefst von der Bedeutung und den inspirierenden Eigenschaften der Natur überzeugt. Sie hegten Skepsis gegenüber städtischen Umgebungen und gesellschaftlichen Normen. Darüber hinaus brachten sie ihre Missbilligung gegenüber Künstlern aus der Zeit der Restauration und der Aufklärung zum Ausdruck, deren Hauptaugenmerk auf der Darstellung und Kritik sozialer Interaktionen lag und die infolgedessen die inhärente Verbindung zwischen Mensch und Natur außer Acht ließen. Ein vorherrschender romantischer Grundsatz ging davon aus, dass eine enge Beziehung zur Natur für das menschliche Wohlergehen von Vorteil sei, insbesondere für diejenigen, die sich von der Gesellschaft distanzierten, um die Naturwelt in Einsamkeit zu erleben.
Romantische Literatur verwendete häufig eine unverwechselbare, personalisierte narrative „Stimme“. Wie der Kritiker M. H. Abrams feststellte, „luden viele romantische Gedichte den Leser dazu ein, die Protagonisten mit den Dichtern selbst zu identifizieren.“ Dieses Merkmal romantischer literarischer Werke wirkte sich in der Folge auf die Methodik und Rezeption von Schöpfungen in verschiedenen Medien aus. Sein Einfluss ist in verschiedenen Bereichen erkennbar und reicht von der kritischen Bewertung individueller stilistischer Ausdrucksformen in Malerei, Mode und Musik bis hin zur Entstehung der Autorenbewegung im zeitgenössischen Filmschaffen.
Etymologie
Der lexikalische Cluster, der aus der Wurzel „Roman“ in verschiedenen europäischen Sprachen stammt und Begriffe wie „Romantik“ und „Romanik“ umfasst, weist eine komplexe historische Entwicklung auf. Bis zum 18. Jahrhundert hatten europäische Sprachtraditionen – insbesondere die deutschen, französischen und slawischen Sprachen – den Begriff „Roman“ übernommen, um das zu bezeichnen, was im Englischen als „Roman“ verstanden wird, also ein Werk populärer Erzählliteratur. Diese Anwendung entstand aus der Bezeichnung „romanische Sprachen“, die sich auf die Umgangssprache oder Volkssprache im Unterschied zum formalen Latein bezog. Die meisten dieser frühen Romane manifestierten sich als „Ritterromane“, Erzählungen, die von Abenteuer, Hingabe und Ehre geprägt waren.
Die Vorfahren der Romantik, die Kritiker und Geschwister August Wilhelm Schlegel und Friedrich Schlegel, initiierten in den 1790er Jahren den Diskurs über die romantische Poesie. Sie stellten dieses Konzept dem „Klassiker“ gegenüber, der nicht nur auf der Chronologie, sondern vor allem auf dem inhärenten Geist beruhte. Friedrich Schlegel formulierte 1800 in seinem Aufsatz Gespräch über die Poesie:
Ich suche und finde das Romantische bei der älteren Moderne, bei Shakespeare, bei Cervantes, in der italienischen Poesie, in jenem Zeitalter des Rittertums, der Liebe und der Fabel, aus dem das Phänomen und das Wort selbst stammen.
Das zeitgenössische Verständnis des Begriffs gewann in Frankreich durch seine konsequente Anwendung durch Germaine de Staël in ihrem Werk De l'Allemagne (1813), das ihre Reisen durch Deutschland aufzeichnete, an breiterer Bedeutung. In England bezog sich Wordsworth in einem Vorwort zu seinen Gedichten von 1815 auf die „romantische Harfe“ und die „klassische Leier“. Doch um 1820 konnte Byron, vielleicht mit einem gewissen Maß an Unaufrichtigkeit, immer noch bemerken:
Ich nehme wahr, dass es in Deutschland, wie auch in Italien, einen großen Streit um das gibt, was man „klassisch“ und „romantisch“ nennt, Begriffe, die in England nicht Gegenstand einer Klassifizierung waren, zumindest als ich das Land vor vier oder fünf Jahren verließ.
Die Romantik erkannte sich erst ab den 1820er Jahren endgültig an der ihr zugewiesenen Nomenklatur. Gleichzeitig unternahm die Académie française im Jahr 1824 die völlig wirkungslose Maßnahme, ein Dekret zu erlassen, das ihre Präsenz in der Literatur verurteilte.
Zeitraum
Der chronologische Zeitraum, der üblicherweise als Romantik bezeichnet wird, weist erhebliche Unterschiede zwischen verschiedenen Nationen, künstlerischen Disziplinen und intellektuellen Bereichen auf. Margaret Drabble charakterisierte seine literarische Manifestation als „ungefähr zwischen 1770 und 1848“, wobei nur sehr wenige vorgeschlagene Beginndaten deutlich vor 1770 vorgeschlagen wurden. In der englischen Literatur verortete M. H. Abrams diese Ära zwischen 1789 oder 1798 – letzteres ist eine weithin akzeptierte Perspektive – und ungefähr 1830, was möglicherweise etwas über den von einigen anderen Wissenschaftlern vorgeschlagenen Zeitrahmen hinausgeht. Alternative Vorschläge deuten auf einen Zeitraum von 1780–1830 hin. In anderen Sphären und geografischen Kontexten kann die als Romantik bezeichnete Epoche erheblich voneinander abweichen; Beispielsweise gilt die musikalische Romantik allgemein als herausragende künstlerische Kraft bis ins Jahr 1910. In einer extremen Erweiterung werden jedoch die zwischen 1946 und 1948 komponierten Vier letzten Lieder von Richard Strauss stilistisch als „Spätromantik“ eingestuft. Dennoch geht man in den meisten Bereichen davon aus, dass die Romantik um etwa 1850 oder sogar noch früher zu Ende ging.
Die Anfangsphase der Romantik war von ausgedehnten Kriegen geprägt, die mit der Französischen Revolution (1789–1799) begannen und sich über die Napoleonischen Kriege bis 1815 fortsetzten. Diese konfliktreiche Zeit bildete zusammen mit den damit einhergehenden politischen und sozialen Umwälzungen den grundlegenden Kontext für die Entstehung der Romantik. Wie Alfred de Vigny, eine prominente Persönlichkeit unter ihnen, es ausdrückte, wurde die entscheidende Generation der französischen Romantiker, die zwischen 1795 und 1805 geboren wurde, „zwischen Schlachten gezeugt und ging zur Schule, während die Trommeln wirbelten“. Jacques Barzun identifiziert drei verschiedene Generationen romantischer Künstler: die erste erschien in den 1790er und 1800er Jahren, die zweite in den 1820er Jahren und die dritte später im Jahrhundert.
Historischer Kontext und Positionierung
Die genaue Charakterisierung und endgültige Artikulation der Romantik wurde im Laufe des 20. Jahrhunderts in der Geistes- und Literaturgeschichte ausführlich diskutiert, doch ein breiter Konsens bleibt bestehen. Dennoch geht die zeitgenössische Wissenschaft allgemein davon aus, dass die Romantik einen Bestandteil der Gegenaufklärung darstellte und eine Reaktion gegen die Prinzipien des Zeitalters der Aufklärung darstellte. Ihr Zusammenhang mit der Französischen Revolution, die 1789 in der beginnenden Phase der Romantik begann, ist unbestreitbar bedeutsam, auch wenn ihre Erscheinungsformen je nach geografischer Lage und individuellen Reaktionen erheblich variierten. Während die meisten Romantiker im Allgemeinen progressive Ansichten vertraten, vertrat eine beträchtliche Minderheit entweder unterschiedliche konservative Ansichten oder entwickelte diese. Darüber hinaus war der Nationalismus in zahlreichen Nationen häufig und eng mit der Romantik verbunden.
Im Rahmen der Philosophie und der Ideengeschichte vertrat Isaiah Berlin die These, dass die Romantik über ein Jahrhundert lang die klassischen westlichen Traditionen der Rationalität, moralischen Absolutheiten und gemeinsamen Werte störte. Dieser Umbruch, argumentierte er, führe „zu so etwas wie dem Abschmelzen des eigentlichen Begriffs der objektiven Wahrheit“ und trage damit nicht nur zum Nationalismus, sondern auch zum Faschismus und Totalitarismus bei, wobei eine allmähliche Erholung erst nach dem Zweiten Weltkrieg zu beobachten sei. Berlin behauptet weiter, dass für Romantiker:
In den Bereichen Ethik, Politik und Ästhetik waren die Authentizität und Aufrichtigkeit, die der Verfolgung interner Ziele innewohnen, von größter Bedeutung; Dieses Prinzip erstreckte sich sowohl auf Einzelpersonen als auch auf kollektive Einheiten wie Staaten, Nationen und Bewegungen. Diese Betonung kommt besonders in der romantischen Ästhetik zum Ausdruck, wo das Konzept der ewigen Archetypen – ein platonisches Schönheitsideal, das Künstler nur unvollkommen in visuellen oder akustischen Formen wiederzugeben versuchen – durch eine glühende Überzeugung von spiritueller Befreiung und individueller kreativer Handlungsfähigkeit ersetzt wird. Folglich spiegeln Maler, Dichter und Komponisten nicht nur die Natur wider, wie idealisiert sie auch sein mag, sondern sie erneuern; Sie betreiben keine Nachahmung (die Doktrin der Mimesis), sondern schmieden nicht nur die Methoden, sondern auch die eigentlichen Ziele ihrer Bemühungen. Diese Ziele verkörpern den Selbstausdruck der unverwechselbaren, intrinsischen Vision des Künstlers, und die Missachtung dieser Vision aus Rücksicht auf das Diktat einer „externen“ Autorität – sei es Kirche, Staat, öffentliche Meinung, soziale Kreise oder Geschmacksrichter – stellt einen Akt des Verrats an der einzigen Existenzberechtigung jedes kreativen Individuums dar.
Arthur Lovejoy versuchte, die inhärenten Herausforderungen bei der Definition der Romantik durch seinen einflussreichen Artikel „On the Discrimination of Romanticisms“ zu veranschaulichen, der in seinen Essays in the History of Ideas (1948) veröffentlicht wurde. Während einige Gelehrte die Romantik als grundsätzliche Fortsetzung des zeitgenössischen Denkens betrachten, identifizieren andere, wie Robert Hughes, sie als den grundlegenden Moment der Moderne. Umgekehrt betrachteten Autoren des 19. Jahrhunderts, darunter Chateaubriand, Novalis und Samuel Taylor Coleridge, darin die Entstehung einer Tradition, die sich dem aufklärerischen Rationalismus widersetzte – einer „Gegenaufklärung“ –, die am engsten mit der deutschen Romantik verbunden war. Eine alternative frühe Definition lieferte Charles Baudelaire, der erklärte: „Die Romantik liegt weder in der Wahl des Themas noch in der exakten Wahrheit, sondern in der Art und Weise des Gefühls.“
Die Romantik endete in bestimmten Bereichen mit dem Aufkommen des Realismus, einem neuen künstlerischen Stil, der die Literatur (insbesondere Romane und Dramen), die Malerei und sogar die Musik beeinflusste, insbesondere durch die Verismo-Oper. Frankreich war Vorreiter dieser Bewegung, beispielhaft dargestellt durch Balzac und Flaubert in der Literatur und Courbet in der Malerei, während Stendhal und Goya in ihren jeweiligen künstlerischen Disziplinen als bedeutende Vorläufer des Realismus fungierten. Dennoch blühten romantische Stile, die oft die konventionelle und akzeptierte Ästhetik repräsentierten, gegen die die Realisten reagierten, im weiteren Verlauf des Jahrhunderts und darüber hinaus in zahlreichen Bereichen weiter auf. In der Musik werden Kompositionen ab etwa 1850 von Wissenschaftlern unterschiedlich als „spätromantisch“, „neoromantisch“ oder „postromantisch“ bezeichnet, obwohl diese Bezeichnungen in anderen künstlerischen Bereichen nicht häufig verwendet werden. Für die englische Literatur und Malerei charakterisiert die Bezeichnung „viktorianisch“ diese Zeit bequem, ohne dass eine weitere stilistische Ausarbeitung erforderlich wäre.
In Nordeuropa verschwanden der frühromantische Optimismus und die Überzeugung, dass die Welt einen bedeutenden Wandel und eine Verbesserung durchmachte, weitgehend. Infolgedessen nahmen einige künstlerische Ausdrucksformen eine eher konventionelle politische und polemische Haltung ein, die die Auseinandersetzung der Schöpfer mit der zeitgenössischen gesellschaftlichen Realität widerspiegelte. In anderen Regionen, darunter den Vereinigten Staaten und Russland, herrschte hingegen nach wie vor die Vorstellung vor, dass tiefgreifende Veränderungen bevorstehen oder bereits im Gange sind. Intensive emotionale Darstellungen waren weiterhin ein herausragendes Merkmal der Kunst, ebenso wie die exotischen und historischen Kulissen, die ursprünglich von den Romantikern eingeführt wurden. Die formalen und technischen Experimente nahmen jedoch im Allgemeinen ab und wichen häufig einer sorgfältigen Ausführung, was in Tennysons Gedichten und zahlreichen Gemälden deutlich wird. Die nichtrealistische Kunst des späten 19. Jahrhunderts zeigte oft extreme Details, wobei die Künstler akribisch authentische Elemente einbauten – eine Praxis, die von früheren Romantikern weniger betont wurde. Viele romantische Lehren über das Wesen und den Zweck der Kunst, insbesondere über die überragende Bedeutung der Originalität, blieben als entscheidender Einfluss für nachfolgende Generationen bestehen und untermauern häufig zeitgenössische Perspektiven, ungeachtet theoretischer Gegenargumente.
Literatur
In der Literatur beschäftigte sich die Romantik häufig mit Themen wie der Erinnerung oder Kritik an der Vergangenheit, der Kultivierung von „Sensibilität“ mit Schwerpunkt auf Frauen und Kindern, der Einsamkeit des Künstlers oder Erzählers und der Ehrfurcht vor der Natur. Darüber hinaus haben mehrere romantische Autoren, darunter Edgar Allan Poe, Charles Maturin und Nathaniel Hawthorne, Elemente des Übernatürlichen, des Okkulten und der menschlichen Psychologie in ihre Werke einbezogen. Die Romantik betrachtete die Satire im Allgemeinen als unwürdig, ernsthaft in Betracht gezogen zu werden, eine Perspektive, die auch im zeitgenössischen Denken weiterhin Einfluss hat. Die romantische Literaturbewegung folgte der Aufklärung und wurde später vom Realismus abgelöst.
Die Vorläufer der Romantik in der englischen Poesie lassen sich bis in die Mitte des 18. Jahrhunderts zurückverfolgen und umfassen Persönlichkeiten wie Joseph Warton, Rektor des Winchester College, und seinen Bruder Thomas Warton, der die Position eines Professors für Poesie an der Universität Oxford innehatte. Joseph Warton behauptete, dass Erfindungsreichtum und Vorstellungskraft die wichtigsten Eigenschaften eines Dichters seien. Der schottische Dichter James Macpherson trug durch die internationale Anerkennung seines 1762 veröffentlichten Ossian-Gedichtzyklus, der sowohl Goethe als auch den jungen Walter Scott inspirierte, maßgeblich zur frühen Entwicklung der Romantik bei. Thomas Chatterton gilt weithin als der erste romantische Dichter auf Englisch. Sowohl Chattertons als auch Macphersons Werke enthielten Elemente literarischer Erfindung, da ihre angeblichen Entdeckungen oder Zusammenstellungen früherer Literatur in Wirklichkeit ihre ursprünglichen Schöpfungen waren. Der Gothic-Roman, der mit Horace Walpoles Das Schloss von Otranto (1764) begann, diente als entscheidender Vorläufer einer bestimmten Facette der Romantik, die durch eine Wertschätzung für Horror, Bedrohung und exotische, malerische Umgebungen gekennzeichnet war. Parallel dazu beteiligte sich Walpole an der beginnenden Wiederbelebung der gotischen Architektur. Laurence Sternes Roman Tristram Shandy (1759–1767) führte eine skurrile Variante des antirationalen sentimentalen Romans in die englische Literatursphäre ein.
Deutschland
Johann Wolfgang von Goethe übte einen frühen deutschen Einfluss aus, insbesondere durch seinen Roman „Die Leiden des jungen Werther“ aus dem Jahr 1774, der junge Männer in ganz Europa dazu inspirierte, seinem Protagonisten, einem sensiblen und leidenschaftlichen jungen Künstler, nachzueifern. In dieser Zeit bestand Deutschland aus zahlreichen kleinen, unabhängigen Staaten, und Goethes literarische Beiträge trugen maßgeblich zur Förderung eines einheitlichen Nationalismusgefühls bei. Weitere philosophische Auswirkungen gingen vom deutschen Idealismus hervor, der von Johann Gottlieb Fichte und Friedrich Schelling vertreten wurde und Jena – wo Fichte, Schelling, Hegel, Schiller und die Brüder Schlegel residierten – als zentrales Zentrum der frühen deutschen Romantik, auch bekannt als Jenaer Romantik, etablierte. Bemerkenswerte Autoren dieser Zeit waren Ludwig Tieck, Novalis, Heinrich von Kleist, Friedrich Hölderlin und Heinrich Heine. In der Folge entwickelte sich Heidelberg zu einem weiteren bedeutenden Zentrum der deutschen Romantik und war Schauplatz regelmäßiger literarischer Treffen, an denen Schriftsteller und Dichter wie Clemens Brentano, Achim von Arnim und Joseph Freiherr von Eichendorff, Autor von Aus dem Leben eines Taugenichts.
, teilnahmenZu den Schlüsselmotiven der deutschen Romantik gehörten Reisen, Natur – am Beispiel des Deutschen Waldes – und germanische Mythen. Spätere Manifestationen der deutschen Romantik, wie E. T. A. Hoffmanns Werk Der Sandmann von 1817 und Joseph Freiherr von Eichendorffs Roman Das Marmorbild von 1819, nahmen dunklere Themen auf und integrierten gotische Elemente. Die romantische Betonung der kindlichen Unschuld, der Vorstellungskraft und aufkommender Rassentheorien steigerten insgesamt die Bedeutung der Volksliteratur, der nichtklassischen Mythologie und der Kinderliteratur, insbesondere in Deutschland, in einem beispiellosen Ausmaß. Clemens Brentano und Achim von Arnim waren prominente Literaten, die zwischen 1806 und 1808 gemeinsam Des Knaben Wunderhorn, eine Sammlung versifizierter Volksmärchen, veröffentlichten. Die erste Sammlung von Grimms Märchen der Gebrüder Grimm erschien 1812. Im Gegensatz zu den später erfundenen Erzählungen von Hans Christian Andersen, der 1835 mit der Veröffentlichung seiner dänischen Erzählungen begann, waren diese deutschen Werke in erster Linie aus gesammelten Volksmärchen abgeleitet. Die Grimms haben den ursprünglichen Erzählstil in ihren frühen Ausgaben weitgehend beibehalten, einige Abschnitte wurden jedoch später überarbeitet. Jacob Grimm, einer der Brüder, veröffentlichte 1835 die Deutsche Mythologie, eine umfangreiche wissenschaftliche Abhandlung über die germanische Mythologie. Ein weiterer besonderer Aspekt der Bewegung wird durch Schillers äußerst emotionale Sprache und die Darstellung körperlicher Gewalt in seinem Theaterstück Die Räuber von 1781 veranschaulicht
Großbritannien
In der englischen Literatur gehören zu den Hauptfiguren der romantischen Bewegung eine Kohorte von Dichtern: William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge, John Keats, Lord Byron, Percy Bysshe Shelley und der ältere William Blake, dem sich später der einsame John Clare anschloss. Darüber hinaus leisteten namhafte Schriftsteller wie Walter Scott und Mary Shelley aus Schottland sowie die Essayisten William Hazlitt und Charles Lamb einen wesentlichen Beitrag. Der Beginn der Bewegung wird häufig auf die Veröffentlichung von Lyrical Ballads im Jahr 1798 zurückgeführt, die viele der herausragendsten Gedichte von Wordsworth und Coleridge enthielt. Wordsworth verfasste den Großteil der Gedichte in Lyrical Ballards, wobei er sich oft mit dem Leben der Verarmten in seinem Heimat-Lake District beschäftigte oder seine tiefe Verbundenheit zur Natur zum Ausdruck brachte – ein Thema, das er in seinem umfangreichen Gedicht The Prelude weiter ausführte, das zu seinen Lebzeiten unveröffentlicht blieb. Coleridges The Rime of the Ancient Mariner, das längste Gedicht in den Lyrischen Balladen, zeigte die gotische Dimension der englischen Romantik und ihre charakteristischen exotischen Schauplätze. Während ihrer aktiven Zeit galten die Lake Poets größtenteils als Randgruppe der Radikalen, obwohl sie Unterstützung von Persönlichkeiten wie dem Kritiker und Schriftsteller William Hazlitt erhielten.
Im krassen Gegensatz dazu erlangten Lord Byron und Walter Scott in ganz Europa enorme Anerkennung und Einfluss durch literarische Werke, die von der dramatischen Intensität und Gewalt profitierten, die ihren exotischen und historischen Hintergründen innewohnt. Johann Wolfgang von Goethe lobte Byron insbesondere als „zweifellos das größte Genie unseres Jahrhunderts“. Scott erlangte sofortige Anerkennung mit seinem umfangreichen Erzählgedicht The Lay of the Last Minstrel, das 1805 veröffentlicht wurde, dem 1808 das umfassende Epos Marmion folgte. Beide Kompositionen spielten in der fernen Vergangenheit Schottlands, einem Schauplatz, der zuvor in Ossian erforscht wurde, und stellten so eine tiefe und dauerhafte Verbindung zwischen der Romantik und schottischen Themen her. Einen vergleichbaren Erfolg hatte Byron mit der ersten Folge von „Childe Harolds Pilgerfahrt“ im Jahr 1812. Darauf folgten vier „türkische Erzählungen“, die als lange Gedichte präsentiert wurden, beginnend mit „Der Giaur“ im Jahr 1813. Diese Werke wurden von seiner Grand Tour inspiriert, die sich bis ins osmanische Europa erstreckte, und verliehen den Themen des Schauerromans eine orientalisierte poetische Sensibilität. In solchen Erzählungen wurden häufig verschiedene Versionen des „byronischen Helden“ vorgestellt, einer Person, die weiter durch Byrons eigenes öffentliches Leben geprägt war. Gleichzeitig war Scott Pionier des historischen Romangenres und leitete diese Entwicklung 1814 mit Waverley ein. Dieser äußerst profitable Roman, der während des Jakobitenaufstands im Jahr 1745 spielt, markierte den Beginn von über 20 weiteren Waverley-Romanen, die in den nächsten 17 Jahren veröffentlicht wurden. Er enthält sorgfältig recherchierte historische Schauplätze, die bis zu den Kreuzzügen zurückreichen, einem Roman mit historischer Genauigkeit in der Literatur.
Anders als sein deutsches Gegenstück wies die englische Romantik nur minimale Verbindungen zum Nationalismus auf. Englische Romantiker standen aufgrund ihrer angeblichen Sympathie für die Ideale der Französischen Revolution, deren späterer Zusammenbruch und ihre Ersetzung durch die Diktatur Napoleons tiefgreifende Auswirkungen auf die Bewegung in ganz Europa hatte, häufig auf den Prüfstand. Obwohl seine Romane die schottische Identität und historische Erzählungen priesen, behielt Scott ungeachtet seiner anerkannten jakobitischen Sympathien eine entschiedene politische Haltung der Unionisten bei. Eine Reihe romantischer Persönlichkeiten hielten sich häufig im Ausland auf; Ein bemerkenswerter Aufenthalt am Genfer See im Jahr 1816, an dem Byron und Shelley beteiligt waren, führte bekanntlich zu Mary Shelleys äußerst einflussreichem Roman „Frankenstein“ und der Novelle „Der Vampir“ von Byrons Arzt John William Polidori. Die lyrischen Kompositionen von Robert Burns in Schottland und Thomas Moore in Irland artikulierten auf verschiedene Weise ihre jeweiligen nationalen Identitäten und die romantische Faszination für Volksliteratur, doch weder in ihrem Privatleben noch in ihren künstlerischen Bestrebungen nahmen sie eine umfassende romantische Philosophie vollständig auf.
Obwohl sie zeitgenössische kritische Befürworter wie György Lukács anzogen, sind Scotts Romane heute häufiger anzutreffen, beispielsweise durch die zahlreichen Opernadaptionen, die Komponisten in den folgenden Jahrzehnten weiterhin schufen von Donizettis „Lucia di Lammermoor“ und Vincenzo Bellinis „I puritani“ (beide 1835 uraufgeführt). Byron hingegen wird vor allem für seine prägnante Lyrik und seine weitgehend unromantische Prosa geschätzt, insbesondere für seine Korrespondenz, neben seinem unvollendeten satirischen Epos Don Juan. Im Gegensatz zu vielen romantischen Figuren schien Byrons ausführlich publiziertes Privatleben sein literarisches Schaffen widerzuspiegeln. Sein Tod im Alter von 36 Jahren im Jahr 1824 aufgrund einer Krankheit, während er den griechischen Unabhängigkeitskrieg unterstützte, wurde aus historischer Distanz als angemessen romantischer Abschluss angesehen und festigte damit seinen legendären Status. Andere prominente Romantiker erlebten verschiedene Schicksale: Keats starb 1821 und Shelley 1822, beide in Italien; Blake starb 1827 im Alter von fast 70 Jahren; und Coleridge stellte seine literarische Produktion in den 1820er Jahren weitgehend ein. Bis 1820 hatte Wordsworth Ansehen und hohes Ansehen erlangt und hatte eine Regierungspfründe inne, dennoch wurde sein Schaffen relativ spärlich. Im Diskurs der englischen Literatur wird oft davon ausgegangen, dass die Romantik um die 1820er Jahre oder gelegentlich sogar früher endete, obwohl viele Autoren in den folgenden Jahrzehnten den romantischen Idealen weiterhin tief verpflichtet blieben.
Neben Walter Scott gilt Jane Austen als die herausragende englische Schriftstellerin auf dem Höhepunkt der Romantik. Ihre grundsätzlich konservative Weltanschauung unterschied sich erheblich von der ihrer romantischen Zeitgenossen, da sie sich unerschütterlich an Anstand und gesellschaftliche Konventionen hielt. Dennoch haben Kritiker wie Claudia L. Johnson subtile Unterströmungen der Unruhe unter der Oberfläche vieler ihrer Werke identifiziert, darunter Northanger Abbey (1817), Mansfield Park (1814) und Persuasion (1817). Anschließend, um die Mitte des Jahrhunderts, entstanden die eindeutig romantischen Romane der in Yorkshire ansässigen Familie Brontë, insbesondere Charlottes Jane Eyre und Emilys Wuthering Heights, beide 1847 veröffentlicht. Diese Werke enthielten auch ausgeprägtere gotische Elemente. Obwohl diese beiden bahnbrechenden Romane nach dem allgemein anerkannten Ende der Romantik verfasst und veröffentlicht wurden, waren sie zutiefst von der romantischen Literatur geprägt, mit der die Autoren in ihrer Kindheit in Berührung gekommen waren.
Trotz ihrer Theaterbemühungen hatten Byron, Keats und Shelley auf der englischen Bühne nur begrenzten Erfolg. Shelleys The Cenci sticht als potenziell bedeutendster dramatischer Beitrag heraus, blieb jedoch nach seinem Tod ein Jahrhundert lang in englischen öffentlichen Theatern unaufgeführt. Umgekehrt erlangten Byrons dramatische Werke sowie Adaptionen seiner Gedichte und Scotts Romane in ganz Kontinentaleuropa, insbesondere in Frankreich, große Anerkennung. Diese Adaptionen führten häufig zu Opernaufführungen, von denen viele auch heute noch aufgeführt werden. Während zeitgenössische Dichter Probleme mit der Theateraufführung hatten, erwies sich diese Ära als entscheidend für Shakespeares Aufführungen und trug wesentlich zur Wiederherstellung seiner Originaltexte und zur Beseitigung früherer augusteischer Änderungen bei. Edmund Kean, der herausragende Schauspieler seiner Zeit, stellte vor allem den tragischen Schluss von „König Lear“ wieder her, was Coleridge zu der Bemerkung veranlasste, dass es so sei, als würde man „Shakespeare blitzschnell lesen“, wenn man seiner Aufführung beiwohnte.
Schottland
Nach der Union mit England im Jahr 1707 assimilierte Schottland nach und nach die englische Sprache und umfassendere kulturelle Konventionen. Seine literarische Tradition pflegte jedoch eine einzigartige nationale Identität und erlangte internationale Anerkennung. Allan Ramsay (1686–1758) löste eine Wiederbelebung des Interesses an archaischer schottischer Literatur aus, leistete gleichzeitig Pionierarbeit in der pastoralen Poesie und trug zur Entwicklung der Habbie-Strophe als poetische Struktur bei. James Macpherson (1736–1796) war der erste schottische Dichter, der Weltruhm erlangte. Er behauptete, Ossian habe die antike bardische Poesie entdeckt und verbreitete Übersetzungen, die große internationale Popularität erlangten und als keltisches Gegenstück zu klassischen Epen gepriesen wurden. Sein Werk Fingal aus dem Jahr 1762 wurde schnell in zahlreiche europäische Sprachen übersetzt. Seine tiefe Wertschätzung für die Schönheit der Natur und seine Auseinandersetzung mit antiken Legenden werden weithin als Katalysator für die romantische Bewegung in der europäischen, insbesondere deutschen Literatur angesehen, mehr als bei jedem anderen Einzelwerk, durch seinen Einfluss auf Johann Gottfried von Herder und Johann Wolfgang von Goethe. Insbesondere Persönlichkeiten wie Napoleon trugen zu seiner Popularisierung in Frankreich bei. Letztendlich stellte sich heraus, dass es sich bei diesen Gedichten nicht um direkte Wiedergaben des Schottisch-Gälischen handelte, sondern vielmehr um aufwändige Adaptionen, die so gestaltet waren, dass sie dem ästhetischen Empfinden seiner zeitgenössischen Leserschaft entsprachen.
Der Ossian-Zyklus beeinflusste maßgeblich Robert Burns (1759–1796) und Walter Scott (1771–1832). Burns, ein in Ayrshire geborener Dichter und Lyriker, gilt allgemein als Schottlands Nationaldichter und eine Schlüsselfigur der Romantik. Sein berühmtes Gedicht und Lied „Auld Lang Syne“ wird üblicherweise am Hogmanay (Silvesterabend) aufgeführt, während „Scots Wha Hae“ über einen längeren Zeitraum als inoffizielle Nationalhymne fungierte. Scott begann seine literarische Karriere als Dichter und verfasste und veröffentlichte gleichzeitig schottische Balladen. Sein erstes Prosawerk, Waverley (1814), wird häufig als erster historischer Roman zitiert. Diese Veröffentlichung leitete eine bemerkenswert erfolgreiche Karriere ein, gefolgt von weiteren bemerkenswerten historischen Romanen, darunter Rob Roy (1817), The Heart of Midlothian (1818) und Ivanhoe (1820). Scott hat wohl mehr als jede andere zeitgenössische Persönlichkeit zur Artikulation und Popularisierung der schottischen kulturellen Identität im gesamten 19. Jahrhundert beigetragen. Weitere prominente Literaten, die mit der Romantik in Verbindung gebracht werden, sind die Dichter und Romanciers James Hogg (1770–1835), Allan Cunningham (1784–1842) und John Galt (1779–1839).
Schottland beherbergte auch zwei der einflussreichsten literarischen Zeitschriften dieser Zeit: The Edinburgh Review (gegründet 1802) und Blackwood's Magazine (gegründet 1817). Diese Veröffentlichungen hatten erheblichen Einfluss auf die Entwicklung der britischen Literatur und des britischen Dramas während der Romantik. Die Gelehrten Ian Duncan und Alex Benchimol gehen davon aus, dass Werke wie Scotts Romane und diese Zeitschriften integraler Bestandteil einer lebendigen schottischen Romantik waren. Diese Bewegung machte Edinburgh zu Beginn des 19. Jahrhunderts zur Kulturhauptstadt Großbritanniens und zu einer zentralen Kraft in der umfassenderen Entwicklung eines „Nationalismus der britischen Inseln“.
Das schottische „Nationaldrama“ entstand im frühen 19. Jahrhundert und zeichnete sich durch Stücke mit typisch schottischen Themen aus, die zunehmend die nationale Bühne dominierten. Historisch gesehen wurden Theateraufführungen von der Church of Scotland und aus Bedenken hinsichtlich möglicher jakobitischer Zusammenkünfte abgeraten. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurden zahlreiche Theaterstücke für kleine Amateurkompanien komponiert und von diesen aufgeführt; Die meisten dieser Werke wurden jedoch nie veröffentlicht und sind daher verloren gegangen. Gegen Ende des Jahrhunderts gewannen „Closet Dramas“ an Bedeutung, die in erster Linie eher zum Lesen als zur Aufführung gedacht waren. Zu den bemerkenswerten Mitwirkenden dieses Genres gehörten Scott, Hogg, Galt und Joanna Baillie (1762–1851), deren Werke sich häufig von der Balladentradition und der gotischen Romantik inspirieren ließen.
Frankreich
Die Romantik entwickelte sich in der französischen Literatur vergleichsweise spät, eine Verzögerung, die ausgeprägter war als in der bildenden Kunst. Der Vorläufer der Romantik im 18. Jahrhundert, der Kult der Sinnlichkeit, wurde mit dem Ancien Régime in Verbindung gebracht, und die Französische Revolution diente ausländischen Autoren eher als Inspiration als für diejenigen, die sie direkt erlebten. Die erste bedeutende Persönlichkeit war François-René de Chateaubriand, ein Aristokrat, der während der gesamten Revolution seine royalistische Haltung beibehielt. Er kehrte aus dem Exil in England und Amerika unter Napoleon, mit dem er ein unsicheres Verhältnis pflegte, nach Frankreich zurück. Seine umfangreichen Prosaschriften umfassten auch einige Romane, wie zum Beispiel seine einflussreiche Exilnovelle René (1802), die Byrons entfremdeten Helden vorwegnahm. Sein Schaffen bestand jedoch hauptsächlich aus zeitgenössischer Geschichte und Politik, Reiseberichten, einer Verteidigung der Religion und des mittelalterlichen Geistes (Génie du christianisme, 1802) und in den 1830er und 1840er Jahren aus seiner monumentalen Autobiografie Mémoires d'Outre-Tombe („Erinnerungen aus dem Jenseits“).
Nach der Bourbonen-Restauration blühte die französische Romantik in der pulsierenden Pariser Theaterszene auf. In dieser Zeit wurden neben Adaptionen von Scott und Byron auch Werke von Shakespeare und Schiller (einem der bedeutendsten romantischen Autoren Frankreichs) aufgeführt und Theaterstücke von französischen Autoren aufgeführt, von denen viele Ende der 1820er Jahre mit dem Schreiben begannen. Es bildeten sich unterschiedliche Fraktionen von Pro- und Anti-Romantikern heraus, und die Aufführungen wurden häufig von lautstarken Lautäußerungen beider Seiten begleitet. Ein bemerkenswertes Beispiel ereignete sich im Jahr 1822, als ein Theaterbesucher bekanntlich behauptete: „Shakespeare, c'est l'aide-de-camp de Wellington“ („Shakespeare ist Wellingtons Adjutant“). Alexandre Dumas begann seine Karriere als Dramatiker und erzielte eine Reihe von Erfolgen, beginnend mit Henri III et sa cour (1829), bevor er sich den Romanen zuwandte. Bei diesen Romanen handelte es sich überwiegend um historische Abenteuerromane, etwas im Stil von Scott, wobei seine bekanntesten Werke Die drei Musketiere und Der Graf von Monte Christo waren, die beide 1844 veröffentlicht wurden. Victor Hugo veröffentlichte zunächst in den 1820er Jahren als Dichter, bevor er mit Hernani, einem historischen Drama im Quasi-Shakespeare-Stil, das berühmt-berüchtigt für ausgelassene Aufführungen war, Theatererfolg erlangte Erstausgabe im Jahr 1830. Ähnlich wie Dumas ist Hugo vor allem für seine Romane bekannt, da er bereits mit dem Schreiben von Der Glöckner von Notre-Dame (1831) begonnen hat, einem seiner berühmtesten Werke, das zu einem Inbegriff der französischen Romantik wurde. Das Vorwort zu seinem unaufgeführten Stück Cromwell dient als entscheidendes Manifest der französischen Romantik und erklärt, dass es „keine Regeln oder Modelle“ gibt. Der berufliche Werdegang von Prosper Mérimée spiegelte dieses Muster wider; Mit seiner 1845 veröffentlichten Novelle ist er heute vor allem als Urheber der Geschichte von Carmen bekannt. Alfred de Vigny gilt nach wie vor vor allem als Dramatiker, wobei sein Theaterstück über das Leben des englischen Dichters Chatterton (1835) wohl sein bestes Werk darstellt. George Sand war eine zentrale Figur in der Pariser Literaturlandschaft und wurde sowohl für ihre Romane und kritischen Schriften als auch für ihre Beziehungen zu Chopin und anderen gefeiert. Sie ließ sich auch vom Theater inspirieren und komponierte Werke, die für die Aufführung auf ihrem privaten Anwesen bestimmt waren.
Prominente französische Dichter der Romantik aus den 1830er bis 1850er Jahren waren Alfred de Musset, Gérard de Nerval, Alphonse de Lamartine und der extravagante Théophile Gautier, dessen umfangreiches literarisches Schaffen in verschiedenen Formen bis zu seinem Tod im Jahr 1872 andauerte.
Stendhal gilt weithin als der herausragende französische Schriftsteller seiner Zeit, doch sein Verhältnis zur Romantik ist komplex. Er zeichnet sich durch seine tiefgreifende psychologische Analyse der Charaktere und sein Engagement für den Realismus aus, Eigenschaften, die in der romantischen Literatur selten hervorgehoben werden. Nachdem Stendhal den Rückzug der Franzosen aus Moskau im Jahr 1812 überlebt hatte, fanden heroische oder abenteuerliche Fantasien wenig Anklang, weshalb viele ihn, ähnlich wie Goya, als Vorläufer des Realismus betrachteten. Zu seinen wegweisenden Werken gehören Le Rouge et le Noir (Das Rote und das Schwarze, 1830) und La Chartreuse de Parme (Die Kartause von Parma, 1839).
Polen
Man geht allgemein davon aus, dass die polnische Romantik mit der Veröffentlichung der ersten poetischen Werke von Adam Mickiewicz im Jahr 1822 begann und mit der Niederschlagung des Januaraufstands gegen die russischen Truppen im Jahr 1863 endete. Diese Bewegung wurde stark von der Auseinandersetzung mit der polnischen Geschichte beeinflusst, insbesondere durch die Wiederbelebung der „Sarmatismus“-Traditionen, die mit der szlachta, dem polnischen Adel, verbunden sind. Alte Bräuche und Traditionen wurden innerhalb der polnischen messianischen Bewegung und in den literarischen Beiträgen prominenter polnischer Dichter wie Adam Mickiewicz (Pan Tadeusz), Juliusz Słowacki und Zygmunt Krasiński neu bewertet und positiv dargestellt. Diese inhärente Verbindung zwischen der polnischen Romantik und der nationalen Geschichte erwies sich als charakteristisches Merkmal der Literatur dieser Zeit und unterschied sie von romantischen Bewegungen in anderen Nationen, die nicht wie Polen den Verlust der nationalen Souveränität erlebt hatten. Die polnische Romantikliteratur lässt sich zwar von den breiteren Grundsätzen der europäischen Romantik inspirieren, zeichnet sich jedoch, wie zahlreiche Wissenschaftler beobachten, durch ihre bedeutende Entwicklung außerhalb Polens und ihre ausgeprägte Betonung des polnischen Nationalismus aus. Während der „Großen Auswanderung“ Anfang der 1830er Jahre verließ ein erheblicher Teil der polnischen Intelligenz und Regierungsführer Polen und richtete neue Wohnsitze in Frankreich, Deutschland, Großbritannien, der Türkei und den Vereinigten Staaten ein.
Die polnische romantische Kunst war geprägt von Emotionalität, Irrationalität, Fantasie, Vorstellungskraft, Personenkulten, einer Wertschätzung für Folklore und ländliches Leben sowie der Verbreitung von Freiheitsidealen. In der darauffolgenden Phase lebten und arbeiteten viele polnische Romantiker im Ausland und wurden aufgrund ihrer politisch subversiven Ansichten häufig von den Besatzungsmächten ins Exil geschickt. Ihr Schaffen konzentrierte sich zunehmend auf das Streben nach politischer Freiheit und nationaler Souveränität. Mystische Elemente gewannen an Bedeutung, was zur Entstehung des Konzepts des poeta wieszcz (des Propheten) führte. Der wieszcz (Barde) diente als spiritueller Führer der Nation in ihrem Unabhängigkeitskampf, wobei Adam Mickiewicz der berühmteste Dichter war, der diese Rolle verkörperte.
Zygmunt Krasińskis Schriften zielten darauf ab, seinen Landsleuten politische und religiöse Hoffnung zu vermitteln. Im Gegensatz zu früheren Persönlichkeiten, die im Konflikt Polens mit Russland um jeden Preis für einen Sieg plädierten, betonte Krasiński die spirituelle Bedeutung Polens bei seinem Streben nach Unabhängigkeit und förderte eher die intellektuelle als die militärische Vorherrschaft. Seine literarischen Beiträge verkörpern die messianische Bewegung in Polen. In seinen frühen Dramen Nie-boska komedia (1835; Die unheilige Komödie) und Irydion (1836; Iridion) und später in Psalmy przyszłości (1845) postulierte er, dass Polen den Christus Europas repräsentierte, der von Gott dazu auserwählt wurde, globale Lasten zu tragen und zu ertragen Leiden und schließlich die Auferstehung erreichen.
Russland
Die Anfangsphase der russischen Romantik ist mit Autoren wie Konstantin Batjuschkow (Eine Vision an den Ufern der Lethe, 1809), Wassili Schukowski (Der Barde, 1811; Svetlana, 1813) und Nikolay Karamzin (Die arme Lisa, 1792) verbunden. Julia, 1796; Martha die Bürgermeisterin, 1802; Die Sensitive und die Kälte, 1803). Dennoch gilt Alexander Puschkin als die bedeutendste Figur der russischen Romantik, mit bemerkenswerten Werken wie Der Gefangene des Kaukasus (1820–1821), Die Räuberbrüder (1822), Ruslan und Ludmila (1820) und Eugen Onegin (1825–1832). Puschkins literarische Beiträge beeinflussten zahlreiche Schriftsteller des 19. Jahrhunderts maßgeblich und machten ihn schließlich zum bedeutendsten Dichter Russlands. Weitere russische Dichter der Romantik sind Michail Lermontow (bekannt für den Roman „Ein Held unserer Zeit“, 1839), Fjodor Tjutschew („Silentium!“, 1830), Jewgeni Baratynski („Eda“, 1826), Anton Delvig und Wilhelm Küchelbecker.
Lermontov war stark von Lord Byron beeinflusst und erforschte die romantische Betonung der metaphysischen Unzufriedenheit mit der Gesellschaft und sich selbst, während Tyutchevs Gedichte häufig Naturszenen oder Liebesbekundungen darstellten. Tyutchev verwendete oft binäre Kategorien wie Nacht und Tag, Norden und Süden, Traum und Realität, Kosmos und Chaos und die Strenge des Winters im Gegensatz zur Lebendigkeit des Frühlings. Im Gegensatz dazu behielt Baratynskys Stil einen weitgehend klassischen Charakter bei und orientierte sich an den literarischen Vorbildern des vorangegangenen Jahrhunderts.
Spanien
Die Romantik in der spanischen Literatur brachte ein bedeutendes Werk hervor, das eine Vielzahl von Dichtern und Dramatikern umfasste. José de Espronceda entwickelte sich zum bedeutendsten spanischen Dichter dieser Zeit. Weitere bemerkenswerte Dichter waren Gustavo Adolfo Bécquer und Mariano José de Larra sowie Dramatiker wie Ángel de Saavedra und José Zorrilla, letzterer war der Autor von Don Juan Tenorio. Erwähnenswert sind auch vorromantische Persönlichkeiten wie José Cadalso und Manuel José Quintana. Die Theaterwerke von Antonio García Gutiérrez wurden anschließend in Giuseppe Verdis Opern Il trovatore und Simon Boccanegra adaptiert. Die spanische Romantik weitete ihren Einfluss auch auf regionale Literaturen aus. Beispielsweise erlebten Katalonien und Galizien ein nationales literarisches Wiederaufleben in ihren jeweiligen Landessprachen, beispielhaft dargestellt durch den Katalanen Jacint Verdaguer und die Galizierin Rosalía de Castro, die zentrale Figuren in den nationalen Erweckungsbewegungen Renaixença und Rexurdimento waren.
Einige Gelehrte kategorisieren die spanische Romantik als Protoexistentialismus und führen diese Perspektive auf ihr tieferes Gefühl der Angst im Vergleich zu zurück Bewegung in anderen europäischen Ländern. Foster et al. behaupten beispielsweise, dass die Werke spanischer Schriftsteller des 19. Jahrhunderts, darunter Espronceda und Larra, eine „metaphysische Krise“ manifestierten. Diese Forscher betonen die Verbindung zwischen spanischen Autoren des 19. Jahrhunderts und der später entstandenen existentialistischen Bewegung. Richard Caldwell geht davon aus, dass die Schriftsteller, die heute mit der spanischen Romantik in Verbindung gebracht werden, tatsächlich Vorläufer derjenigen waren, die die literarische Bewegung der 1920er Jahre belebten. Diese Interpretation bleibt Gegenstand wissenschaftlicher Debatten, da einige Autoren behaupten, dass die spanische Romantik eine der frühesten Manifestationen Europas darstellt, während andere argumentieren, dass Spanien keine ausgeprägte Periode der literarischen Romantik erlebt hat. Diese anhaltende Kontroverse unterstreicht ein einzigartiges Merkmal der spanischen Romantik im Vergleich zu ihren europäischen Gegenstücken.
Portugal
Die Romantik begann in Portugal mit der Veröffentlichung von Almeida Garretts Gedicht Camões im Jahr 1825. Garrett, der von seinem Onkel D. Alexandre, dem Bischof von Angra, nach neoklassizistischen Grundsätzen erzogen wurde, spiegelte diese Einflüsse zunächst in seinen frühen Werken wider. Der Autor selbst gab im Vorwort zu Camões' zu, dass er bewusst von den Prinzipien der epischen Poesie abgewichen sei, die Aristoteles in seiner Poetik formuliert hatte, und dass er in ähnlicher Weise die Ars Poetica des Horaz ignoriert habe. Garretts Beteiligung an der Liberalen Revolution von 1820 führte 1823 zu seinem Exil nach England, gefolgt von einer Zeit in Frankreich nach der Vila-Francada. Während seines Aufenthalts in Großbritannien beschäftigte er sich mit der romantischen Bewegung, las Autoren wie Shakespeare, Scott, Ossian, Byron, Hugo, Lamartine und de Staël, besuchte aber auch feudale Burgen und die Ruinen gotischer Kirchen und Abteien, Erfahrungen, die später in seine Schriften einflossen. Im Jahr 1838 brachte er Um Auto de Gil Vicente („Ein Stück von Gil Vicente“) zur Uraufführung, ein Versuch, ein neues Nationaltheater frei von griechisch-römischen und ausländischen Einflüssen zu gründen. Sein Hauptwerk gilt jedoch als Frei Luís de Sousa (1843), das er selbst als „romantisches Drama“ bezeichnete und das als außergewöhnliches Werk, das sich mit Themen wie nationaler Unabhängigkeit, Glaube, Gerechtigkeit und Liebe befasste, Anerkennung fand. Garrett zeigte auch ein tiefes Interesse an portugiesischen Folkloreversen, was seinen Höhepunkt in der Veröffentlichung von Romanceiro („Traditionelle portugiesische Balladen“) im Jahr 1843 fand. In dieser Sammlung wurden zahlreiche antike populäre Balladen zusammengestellt, die als „Romanzen“ oder „Rimanzen“ bekannt sind und in der Versform redondilha maior verfasst sind und Geschichten über Rittertum, das Leben von Heiligen, Kreuzzüge und höfische Liebe erzählen. Zu seinen weiteren Romanen gehören Viagens na Minha Terra, O Arco de Sant'Ana und Helena
Alexandre Herculano gilt neben Almeida Garrett als eine der Grundfiguren der portugiesischen Romantik. Seine liberalen Überzeugungen führten zu seiner erzwungenen Verbannung nach Großbritannien und Frankreich. Im Gegensatz zu Almeida Garretts Werk sind Herculanos Gedichte und Prosa ausschließlich romantisch und verzichten auf griechisch-römische Mythologie und historische Themen. Seine Inspiration stammte aus mittelalterlicher portugiesischer Poesie, Chroniken und biblischen Texten. Sein umfangreiches Oeuvre umfasst verschiedene Genres wie historische Essays, Gedichte, Romane, Opuskel und Theater, in denen er portugiesische Legenden, Traditionen und historische Erzählungen wiederbelebte, insbesondere in Eurico, o Presbítero ("Eurico, der Priester") und Lendas e Narrativas ("Legenden und Erzählungen"). Seine literarischen Bemühungen waren geprägt von den Einflüssen von Chateaubriand, Schiller, Klopstock, Walter Scott und den Psalmen des Alten Testaments.
António Feliciano de Castilho setzte sich durch die Veröffentlichung der Gedichte A Noite no Castelo ("Nacht im Schloss") und Os Ciúmes do Bardo ("Die Eifersucht des Barden") für die Ultraromantik ein 1836 und das Drama Camões. Er etablierte sich als unbestrittene Autorität für nachfolgende ultraromantische Generationen, deren Einfluss bis zur bemerkenswerten Coimbra-Frage unangefochten blieb. Er löste auch Kontroversen aus, indem er Goethes „Faust“ übersetzte, obwohl er die deutsche Sprache nicht beherrschte, und sich stattdessen auf französische Adaptionen des Werks verließ. Weitere prominente Persönlichkeiten der portugiesischen Romantik sind die renommierten Schriftsteller Camilo Castelo Branco und Júlio Dinis sowie Soares de Passos, Bulhão Pato und Pinheiro Chagas.
Der romantische Stil erlebte im frühen 20. Jahrhundert ein Wiederaufleben, was sich insbesondere in den Werken von Dichtern zeigte, die mit der portugiesischen Renaissance in Verbindung stehen, darunter Teixeira de Pascoais, Jaime Cortesão und Mário Beirão, die oft als solche kategorisiert werden Neoromantiker. Frühere Manifestationen der portugiesischen Romantik können bei Dichtern wie Manuel Maria Barbosa du Bocage (insbesondere in seinen Sonetten aus dem späten 18. Jahrhundert) und Leonor de Almeida Portugal, Marquise von Alorna, identifiziert werden.
Italien
Die Romantik stellte zunächst eine untergeordnete Strömung innerhalb der italienischen Literatur dar, brachte jedoch später bedeutende Werke hervor. Der offizielle Beginn erfolgte 1816 mit Germaine de Staëls Artikel „Über die Art und Nützlichkeit von Übersetzungen“, der in der Zeitschrift Biblioteca Italiana veröffentlicht wurde. Dieser Artikel forderte die Italiener auf, den Neoklassizismus aufzugeben und sich mit zeitgenössischen Autoren aus anderen Nationen auseinanderzusetzen.
Vor dieser Zeit hatte Ugo Foscolo bereits Gedichte veröffentlicht, die romantische Themen vorwegnahmen. Zu den wichtigsten romantischen Schriftstellern gehörten Ludovico di Breme, Pietro Borsieri und Giovanni Berchet. Bekanntere Autoren wie Alessandro Manzoni und Giacomo Leopardi ließen sich von der Aufklärung, der Romantik und dem Klassizismus inspirieren.
Zu den kleineren Autoren der Romantik gehörten d'Azeglio, Pellico, Niccolini, Nievo, Guerrazzi, Aleardi, Prati und Botero.
Südamerika
Die spanischsprachige südamerikanische Romantik wurde maßgeblich von Esteban Echeverría geprägt, dessen literarisches Schaffen die 1830er und 1840er Jahre umfasste. Seine Werke waren geprägt von seiner tiefen Abneigung gegen den argentinischen Diktator Juan Manuel de Rosas und beschäftigten sich häufig mit Themen wie Blutvergießen und Terror, wobei er die Metapher eines Schlachthofs verwendete, um die Brutalität des diktatorischen Regimes von Rosas darzustellen.
Eine weitere bedeutende Errungenschaft der argentinischen romantischen Literatur ist Amalia von José Mármol, ein Liebesroman, der in der bedrückenden Umgebung des diktatorischen Regimes von Rosas angesiedelt ist Herrschaft.
Domingo Sarmiento, der später Präsident Argentiniens war, veröffentlichte 1845 Facundo, ein kreatives Sachbuchwerk mit erheblichen romantischen und positivistischen Einflüssen, in dem er die Entwicklung, Modernisierung, Machtdynamik und kulturelle Aspekte der Region analysierte. Der Literaturkritiker Roberto González Echeverría bezeichnete dieses Werk als „das wichtigste Buch, das ein Lateinamerikaner in allen Disziplinen und Genres geschrieben hat.“
Die brasilianische Romantik wird in drei verschiedene Perioden eingeteilt. Die Anfangsphase konzentrierte sich auf die Etablierung einer nationalen Identität und bediente sich dabei häufig des Archetyps der heroischen indigenen Figur. Zu den prominenten Autoren dieser Zeit zählen José de Alencar, bekannt für Iracema und O Guarani, und Gonçalves Dias, berühmt für sein Gedicht „Canção do Exílio“ (Lied vom Exil). Die darauffolgende Periode, die gelegentlich als Ultraromantik bezeichnet wird, zeigte eine bedeutende Übernahme europäischer Motive und Konventionen und beschäftigte sich häufig mit Themen wie Melancholie, Trauer und der Verzweiflung, die mit unerwiderter Zuneigung verbunden sind. In Werken aus dieser Zeit werden häufig literarische Persönlichkeiten wie Goethe und Lord Byron erwähnt. Bemerkenswerte Autoren dieser Phase sind Álvares de Azevedo, Casimiro de Abreu, Fagundes Varela und Junqueira Freire. Die letzte Periode zeichnet sich durch ihren Schwerpunkt auf sozialen Kommentaren durch Poesie aus, insbesondere in Bezug auf die Abolitionistenbewegung, und stellt Schriftsteller wie Castro Alves, Tobias Barreto und Pedro Luís Pereira de Sousa vor.
Vereinigte Staaten
In den Vereinigten Staaten begann sich ab 1818 romantische Poesie zu entwickeln, insbesondere mit William Cullen Bryants „To a Waterfowl“. Zu den frühen Manifestationen der amerikanischen romantischen Gothic-Literatur gehören Washington Irvings „The Legend of Sleepy Hollow“ (1820) und „Rip Van Winkle“ (1819). Darauf folgten ab 1823 James Fenimore Coopers Leatherstocking Tales, die heroische Einfachheit hervorhoben und lebendige Landschaftsbeschreibungen einer mythischen, exotischen Grenze enthielten, die von „edlen Wilden“ bewohnt wurde, was Rousseaus philosophische Konzepte widerspiegelte, wie sie von Uncas in „Der letzte Mohikaner“ veranschaulicht wurden. Auch Washington Irvings Essays und insbesondere seine Reiseberichte enthielten eindrucksvolle „Lokalkolorit“-Elemente. Während Edgar Allan Poes makabere Erzählungen und balladenhafte Verse in Frankreich größeren Einfluss fanden als im Inland, reifte der amerikanische Romantikroman mit der atmosphärischen Tiefe und dramatischen Intensität von Nathaniel Hawthornes The Scarlet Letter (1850) zu seiner vollen Reife. Nachfolgende transzendentalistische Autoren wie Henry David Thoreau und Ralph Waldo Emerson zeigten weiterhin Spuren seiner fantasievollen Wirkung, ebenso wie Walt Whitmans romantischer Realismus. Die poetischen Werke von Emily Dickinson – die zu ihren Lebzeiten weitgehend unbeachtet blieb – und Herman Melvilles Roman Moby-Dick gelten als Inbegriff der amerikanischen Romantikliteratur. Dennoch begann in den 1880er Jahren der psychologische und soziale Realismus, die Dominanz der Romantik im Romangenre in Frage zu stellen.
Einfluss der europäischen Romantik auf amerikanische Schriftsteller
Die europäische Romantikbewegung kam im frühen 19. Jahrhundert nach Amerika. Die amerikanische Romantik erwies sich im Vergleich zu ihrem europäischen Gegenstück als ebenso vielfältig und individualistisch. Die amerikanischen Romantiker spiegelten europäische Trends wider und zeigten beträchtlichen moralischen Eifer, eine Hingabe an Individualismus und Selbstverwirklichung, eine Priorisierung des intuitiven Verständnisses und den Glauben, dass die natürliche Umwelt an sich tugendhaft sei, im Gegensatz zu einer vermeintlich korrupten menschlichen Gesellschaft.
Die Romantik erlangte in der amerikanischen Politik, Philosophie und Kunst breite Akzeptanz. Die Bewegung fand Anklang beim revolutionären Ethos Amerikas und bei Einzelpersonen, die Befreiung von den strengen religiösen Konventionen der frühen Kolonialzeit suchten. Romantiker lehnten den Rationalismus und die Intellektualisierung religiöser Lehren ausdrücklich ab. Es zog insbesondere diejenigen an, die sich dem Calvinismus widersetzten, einem theologischen System, das die Prädestination für jeden Einzelnen postuliert. Die romantische Bewegung förderte folglich die Entstehung des Neuengland-Transzendentalismus, der eine umfassendere und weniger eingeschränkte Beziehung zwischen dem Göttlichen und dem Kosmos darstellte. Diese neuartige philosophische Perspektive bot dem Einzelnen eine engere Verbindung zu Gott. Sowohl der Transzendentalismus als auch die Romantik übten bei den Amerikanern eine ähnliche Anziehungskraft aus, da sie beide der Emotion Vorrang vor der Logik und der individuellen Ausdrucksfreiheit Vorrang vor den Zwängen etablierter Traditionen und Bräuche einräumten. Dies äußerte sich oft in einer ekstatischen Wertschätzung für die Natur. Die Bewegung trat für die Abkehr vom strengen, unflexiblen Calvinismus ein und kündigte ein zukünftiges Aufblühen der amerikanischen Kultur an.
Die amerikanische Romantik setzte sich für den Individualismus ein und forderte die Zwänge des Neoklassizismus und der religiösen Tradition heraus. Diese Bewegung etablierte in Amerika ein eigenständiges literarisches Genre, das weiterhin amerikanische Schriftsteller prägt. Romane, Kurzgeschichten und Gedichte lösten die frühere Verbreitung von Predigten und Manifesten ab. Die romantische Literatur zeichnete sich durch ihre persönliche, intensive und emotional ausdrucksstarke Natur aus, die über die für neoklassische Werke typische emotionale Zurückhaltung hinausging. Die amerikanische Betonung der Freiheit motivierte romantische Autoren maßgeblich dazu, sich ungehemmt auszudrücken und Emotionen zu zeigen, weitgehend unbelastet von der Sorge um Spott oder Kontroversen. Darüber hinaus legten diese Autoren mehr Wert auf die psychologische Tiefe ihrer Charaktere und stellten oft Protagonisten dar, die eine erhöhte Sensibilität und intensive emotionale Zustände an den Tag legten.
Die Werke der Romantik unterschieden sich von früheren literarischen Produktionen auch dadurch, dass sie eine breitere Leserschaft ansprachen, ein Phänomen, das teilweise auf die zunehmende Verbreitung von Büchern und geringere Veröffentlichungskosten in dieser Epoche zurückzuführen war.
Architektur
Romantische Architektur entstand im späten 18. Jahrhundert als Kontrapunkt zu den strengen formalen Qualitäten der neoklassizistischen Architektur. Dieser Stil erreichte Mitte des 19. Jahrhunderts seinen Höhepunkt und blieb als stilistischer Einfluss bis zum Ende des Jahrhunderts bestehen. Sein Hauptziel bestand darin, emotionale Reaktionen hervorzurufen, etwa Ehrfurcht vor historischen Traditionen oder eine sentimentale Sehnsucht nach einer idealisierten pastoralen Vergangenheit. Dieser Architekturstil ließ sich häufig von mittelalterlichen Formen, insbesondere der gotischen Architektur, inspirieren und war stark von der literarischen Romantik geprägt, insbesondere von den historischen Romanen von Victor Hugo und Walter Scott. Gelegentlich enthielt sie eklektische Elemente und integrierte Merkmale verschiedener historischer Epochen und globaler Regionen.
Die neugotische Architektur stellte eine herausragende Manifestation des romantischen Stils dar und wurde besonders für den Bau kirchlicher Strukturen und akademischer Institutionen bevorzugt. Ein bemerkenswertes Beispiel ist die Fertigstellung des Kölner Doms in Deutschland unter der Leitung von Karl Friedrich Schinkel. Der Bau der Kathedrale begann 1248, wurde jedoch 1473 eingestellt. Nach der Wiederentdeckung der ursprünglichen Fassadenpläne im Jahr 1840 wurde das Projekt reaktiviert. Schinkel hielt sich eng an den ursprünglichen Entwurf und integrierte gleichzeitig zeitgenössische Bautechniken, wie beispielsweise einen Eisenrahmen für das Dach. Das Gebäude wurde schließlich 1880 fertiggestellt.
In Großbritannien sind bedeutende Beispiele der Royal Pavilion in Brighton, eine Interpretation traditioneller indischer Architektur von John Nash (1815–1823), die von romantischen Empfindungen durchdrungen ist, und die Houses of Parliament in London, die zwischen 1840 und 1876 von Charles Barry im neugotischen Stil erbaut wurden.
In Frankreich ist das Hameau de la Reine, ein rustikaler Weiler am Palast von, eine frühe Manifestation romantischer Architektur Versailles für Königin Marie Antoinette zwischen 1783 und 1785. Dieses Projekt wurde vom königlichen Architekten Richard Mique mit Beiträgen des romantischen Malers Hubert Robert ausgeführt. Der Weiler besteht aus zwölf Gebäuden, von denen zehn noch erhalten sind, und wurde so gestaltet, dass er der einheimischen Architektur normannischer Dörfer nachempfunden ist. Zu den Ausstattungsmerkmalen, die der Königin und ihren Gefährten ein pastorales Rollenspiel ermöglichen sollten, gehörten ein Bauernhaus mit Molkerei, eine Mühle, ein Boudoir, ein Taubenschlag, ein leuchtturmförmiger Turm mit Zugang zum Teich zum Angeln, ein Belvedere, ein Wasserfall und eine Grotte sowie ein großzügig ausgestattetes Häuschen mit einem Billardzimmer für die Nutzung durch die Königin.
Die französische romantische Architektur des 19. Jahrhunderts wurde maßgeblich von zwei Literaten geprägt: Victor Hugo, dessen Roman Der Glöckner von Notre Dame eine neue Faszination für das Mittelalter entfachte; und Prosper Mérimée, ein renommierter Autor romantischer Romane und Kurzgeschichten, der auch als Gründungsdirektor der französischen Kommission für historische Denkmäler fungierte. In dieser Funktion war Mérimée maßgeblich an der Förderung und Restaurierung (und gelegentlicher Romantisierung) zahlreicher französischer Kathedralen und Denkmäler beteiligt, die nach der Französischen Revolution geschändet oder beschädigt worden waren. Diese Initiativen wurden vom Architekten Eugène Viollet-le-Duc durchgeführt und umfassten die Restaurierung (teilweise mit kreativer Interpretation) von Stätten wie der Kathedrale Notre Dame de Paris, der befestigten Stadt Carcassonne und dem unvollständigen mittelalterlichen Château de Pierrefonds.
Der romantische Stil hielt bis in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts an. Das Palais Garnier, das von Charles Garnier entworfene Pariser Opernhaus, war ein Beispiel für eine höchst romantische und vielseitige Synthese künstlerischer Stile. Ein weiteres herausragendes Beispiel der Romantik des späten 19. Jahrhunderts ist die Basilika Sacré-Cœur von Paul Abadie, die sich für ihre langgestreckten Kuppeln (1875–1914) von byzantinischen Architekturmodellen inspirieren ließ.
Bildende Kunst
In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik zunächst in der Landschaftsmalerei, wobei britische Künstler ab den 1760er Jahren zunehmend wildere Landschaften, Stürme und gotische Architekturelemente darstellten. Ein herausragendes Gemälde aus dieser Zeit, Thomas Jones‘ „Der Barde“, zeigt Wales als Schauplatz. Caspar David Friedrich und J. M. W. Turner, die 1774 bzw. 1775 im Abstand von weniger als einem Jahr geboren wurden, würden die deutsche und englische Landschaftsmalerei auf ihren romantischen Höhepunkt bringen; Ihre künstlerische Sensibilität entwickelte sich jedoch in einem Umfeld, in dem die Romantik bereits eine bedeutende künstlerische Kraft war. John Constable, geboren 1776, pflegte eine engere Bindung an die englische Landschaftstradition, doch in seinen monumentalen „Six-Footers“ bekräftigte er die heroische Bedeutung der ländlichen Arbeitslandschaft, in der er aufwuchs, und stellte damit die konventionelle Genrehierarchie in Frage, die der Landschaftsmalerei normalerweise einen untergeordneten Status einräumte. Turner schuf ebenfalls ausgedehnte Landschaften und insbesondere Seestücke. Während einige dieser umfangreichen Leinwände zeitgenössische Schauplätze und Staffagen zeigten, enthielten andere kleine Figuren und verwandelten die Kompositionen in Historiengemälde, die an Claude Lorrain erinnern. Auch Salvator Rosa, ein spätbarocker Künstler, dessen Landschaftsbilder Elemente enthielten, die von Malern der Romantik häufig wieder aufgegriffen wurden, beeinflusste diesen Ansatz ebenfalls. Friedrich platzierte häufig einzelne Figuren oder Elemente wie Kreuze in weiten Landschaften und schuf so „Bilder der Vergänglichkeit des menschlichen Lebens und der Vorahnung des Todes“.
Andere Künstlergruppen artikulierten Gefühle, die an das Mystische grenzten, und verzichteten oft weitgehend auf klassische Zeichen- und Proportionskonventionen. Zu den bemerkenswerten Persönlichkeiten gehörten William Blake, Samuel Palmer und andere Mitglieder der Antike in England sowie Philipp Otto Runge in Deutschland. Ähnlich wie Friedrich übten diese Künstler im weiteren Verlauf des 19. Jahrhunderts nur begrenzten posthumen Einfluss aus und erlebten im 20. Jahrhundert eine Wiederentdeckung aus der Vergessenheit. Blake blieb jedoch weiterhin als Dichter bekannt, und Norwegens bedeutendster Maler, Johan Christian Dahl, wurde stark von Friedrich beeinflusst. Umgekehrt verfolgte die in Rom ansässige Nazarener-Bewegung, ein ab 1810 aktives Kollektiv deutscher Künstler, einen bestimmten Weg und konzentrierte sich auf die Medialisierung von Historiengemälden mit religiösen und nationalistischen Motiven.
Das Aufkommen der Romantik in der französischen Kunst wurde durch den festen Einfluss des Neoklassizismus auf akademische Institutionen behindert; Ab der napoleonischen Zeit erfreute es sich jedoch zunehmender Beliebtheit. Zunächst manifestierte sich dies als Historiengemälde, die als Propaganda für das neue Regime dienten. Ein frühes Beispiel war Girodets „Ossian empfängt die Geister der französischen Helden“, das für Napoleons Château de Malmaison in Auftrag gegeben wurde. Girodets früherer Mentor David äußerte sich fassungslos und enttäuscht über den künstlerischen Werdegang seines Schülers und bemerkte: „Entweder ist Girodet verrückt, oder ich verstehe nichts mehr von der Kunst der Malerei.“ Anschließend pflegte eine neue Generation innerhalb der französischen Schule unverwechselbare romantische Stile, behielt jedoch den Schwerpunkt auf der von politischen Kommentaren durchdrungenen Historienmalerei bei. Théodore Géricault (1791–1824) erlangte erste Anerkennung mit Der angreifende Chasseur, einer von Rubens beeinflussten heroischen Militärdarstellung, die während der Empire-Ära im Pariser Salon von 1812 ausgestellt wurde. Dennoch gilt sein nachfolgendes großes vollendetes Werk, Das Floß der Medusa (1818–19), als herausragende Errungenschaft der romantischen Historienmalerei und vermittelt eine starke Anti-Regierungs-Botschaft seiner Zeit.
Eugène Delacroix (1798–1863) erlangte im Salon erste Anerkennung mit herausragenden Werken wie Die Barke von Dante (1822), Das Massaker von Chios (1824) und Tod des Sardanapalus (1827). Das zweite Bild zeigte eine Szene aus dem griechischen Unabhängigkeitskrieg, die im Jahr von Byrons Tod in Griechenland fertiggestellt wurde, während das letzte Stück von einem von Byrons dramatischen Werken inspiriert war. Sowohl Shakespeare als auch Byron dienten später als wichtige thematische Quellen für zahlreiche andere Kompositionen von Delacroix, der auch ausgedehnte Aufenthalte in Nordafrika unternahm und lebendige Darstellungen berittener arabischer Krieger schuf. Sein ikonisches Gemälde Die Freiheit führt das Volk (1830) gilt neben Medusa als eines der bekanntesten Beispiele französischer romantischer Malerei. Beide Kunstwerke beschäftigen sich mit zeitgenössischen Ereignissen und veranschaulichen, wie sich „Historienmalerei“ – ein aus der italienischen Renaissance stammender Begriff zur Bezeichnung von Kompositionen mit mehreren Figuren, die traditionell als das erhabenste und anspruchsvollste künstlerische Genre gelten – zunehmend dahingehend entwickelte, tatsächliche historische Erzählungen statt religiöser oder mythologischer Themen darzustellen.
Francisco Goya wurde als „der letzte große Maler, in dessen Kunst Denken und Beobachtung ausbalanciert und zu einer tadellosen Einheit vereint wurden“ charakterisiert. Allerdings stellt die Frage, inwieweit er als romantischer Künstler kategorisiert werden kann, eine differenzierte Frage dar. In Spanien wurden die Prinzipien der Aufklärung immer noch angefochten, ein Kampf, an dem Goya sich aktiv beteiligte. Die höllischen und irrationalen Kreaturen, die seiner Fantasie entspringen, haben nur oberflächliche Ähnlichkeit mit den in Nordeuropa vorherrschenden gotischen Fantasien. Darüber hinaus hielt Goya weitgehend an dem seiner künstlerischen Ausbildung innewohnenden Klassizismus und Realismus fest und nahm gleichzeitig die Realismusbewegung des späten 19. Jahrhunderts vorweg. Dennoch verkörperte er mehr als jeder andere zeitgenössische Künstler die romantischen Ideale, die subjektiven Emotionen und den individuellen Vorstellungsraum des Künstlers auszudrücken. Mit vielen romantischen Malern teilte er auch einen freizügigen Ansatz beim Farbauftrag, der sich in der erhöhten Sichtbarkeit von Pinselstrichen und Impasto-Elementen zeigt, Elementen, die im Neoklassizismus oft durch ein glattes, zurückhaltendes Finish gedämpft wurden.
Die Bildhauerei widerstand weitgehend dem Einfluss der Romantik, was wahrscheinlich zum Teil auf technische Zwänge zurückzuführen war, da Marmor – das wertvollste Material der Epoche – für dynamische, expansive Formen nicht geeignet war. Die bedeutendsten Bildhauer Europas, Antonio Canova und Bertel Thorvaldsen, lebten beide in Rom und waren überzeugte Neoklassizisten, die überhaupt nicht geneigt waren, Elemente der mittelalterlichen Bildhauerei zu integrieren, die einen Weg für romantische Ausdrucksformen hätten bieten können. Als authentische romantische Skulpturen schließlich auftauchten, fehlten sie in Deutschland deutlich, mit Ausnahme einiger weniger Künstler wie Rudolf Maison, und manifestierten sich in Frankreich vor allem durch Persönlichkeiten wie François Rude, der für seine Gruppe aus den 1830er-Jahren am Arc de Triomphe in Paris bekannt ist, David d'Angers und Auguste Préault. Préaults Gipsrelief Slaughter, das die Gräuel des Krieges mit erhöhter emotionaler Intensität darstellte, löste im Salon von 1834 eine solche Kontroverse aus, dass ihm fast zwei Jahrzehnte lang die Teilnahme an dieser offiziellen Jahresausstellung untersagt wurde. In Italien galt Lorenzo Bartolini als der herausragende Bildhauer der Romantik.
In Frankreich wird die historische Malerei, die sich auf idealisierte Themen aus dem Mittelalter und der Renaissance konzentriert, als Troubadour-Stil bezeichnet, eine für Frankreich spezifische Nomenklatur, obwohl in anderen Ländern ähnliche künstlerische Tendenzen auftauchen. Prominente Künstler wie Delacroix, Ingres und Richard Parkes Bonington beschäftigten sich neben spezialisierten Künstlern wie Pierre-Henri Révoil (1776–1842) und Fleury-François Richard (1777–1852) mit diesem Stil. Diese Kunstwerke zeigten häufig intime, private und anekdotische Szenen neben Momenten tiefgreifender Dramatik, oft in kleinerem Maßstab. Die Biografien berühmter Künstler wie Raffael wurden mit der gleichen Ehrfurcht gewürdigt wie die von Monarchen, und auch fiktive Persönlichkeiten wurden häufig porträtiert. Fleury-Richards Gemälde Valentine von Mailand weint über den Tod ihres Mannes, das 1802 im Pariser Salon ausgestellt wurde, markierte das Aufkommen dieses Stils, der bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts Bestand hatte, bevor er in die zunehmend akademische Historienmalerei von Künstlern wie Paul Delaroche aufging.
Ein bedeutender künstlerischer Trend waren großformatige apokalyptische Historiengemälde, die häufig extreme Naturphänomene oder göttliche Vergeltung mit menschlichen Katastrophen vermischten. Diese Werke versuchten oft, Das Floß der Medusa zu übertreffen und werden heute häufig mit filmischen Spezialeffekten verglichen. John Martin erwies sich als der bedeutendste englische Künstler dieses Genres. Er zeichnete sich dadurch aus, dass er winzige menschliche Figuren inmitten kolossaler Erdbeben und Stürme in den Schatten stellte und systematisch biblische und eschatologische Katastrophen illustrierte. Umgekehrt waren in anderen Kompositionen wie Delacroix‘ „Tod des Sardanapalus“ prominentere Figuren vertreten, die sich häufig stark von früheren Meistern wie Poussin und Rubens inspirieren ließen und gleichzeitig eine erhöhte emotionale Intensität und dramatische Effekte aufwiesen.
In anderen europäischen Regionen nahmen prominente Künstler die romantische Ästhetik an. Zu den bemerkenswerten Persönlichkeiten in Russland gehörten die Porträtisten Orest Kiprensky und Wassili Tropinin sowie Iwan Aiwasowski, der sich auf Marinemalerei spezialisiert hatte. Gleichzeitig stellte Hans Gude Fjordlandschaften in Norwegen dar. In Polen wandte Piotr Michałowski (1800–1855) einen romantischen Stil auf Werke an, die hauptsächlich die Napoleonischen Kriege illustrierten. Italiens führender romantischer Künstler im Mailand der Mitte des 19. Jahrhunderts war Francesco Hayez (1791–1882). Seine ausgedehnte, produktive und äußerst erfolgreiche Karriere begann mit der neoklassizistischen Malerei, ging über in die Romantik und endete mit sentimentalen Darstellungen junger Frauen. In der romantischen Phase von Hayez gab es zahlreiche großformatige historische Stücke mit „Troubadour“-Einflüssen, die maßgeblich von Gian Battista Tiepolo und anderen italienischen Meistern des Spätbarock beeinflusst waren.
Die literarische Romantik fand ihre Parallele in der amerikanischen bildenden Kunst, besonders deutlich in der Hommage an die ungezähmte amerikanische Landschaft durch die Hudson River School. Künstler wie Thomas Cole, Albert Bierstadt und Frederic Edwin Church haben häufig romantische Themen in ihre Werke aufgenommen. Gelegentlich zeigten sie antike Ruinen aus der Alten Welt, wie beispielsweise Sonnenaufgang in Syrien von Frederic Edwin Church. Diese Kompositionen vermittelten gotische Gefühle von Sterblichkeit und Verfall und brachten gleichzeitig das romantische Ideal der gewaltigen Macht der Natur zum Ausdruck, die dazu bestimmt ist, vergängliche menschliche Bemühungen zu überwinden. Im Allgemeinen versuchten diese Künstler, sich von ihren europäischen Kollegen durch die Darstellung einzigartiger amerikanischer Szenen und Landschaften abzuheben. Dieses Konzept einer amerikanischen künstlerischen Identität ist in W. C. Bryants Gedicht To Cole, the Painter, Departing for Europe zusammengefasst, in dem Bryant Cole ermahnt, sich an die unverwechselbaren und kraftvollen amerikanischen Ausblicke zu erinnern.
Bestimmte amerikanische Gemälde, wie Albert Bierstadts The Rocky Mountains, Lander's Peak, haben das literarische Konzept des „edlen Wilden“ durch ihre Darstellungen von Idealisierungen weiterentwickelt Die amerikanischen Ureinwohner haben sich harmonisch in die Natur integriert. Thomas Coles Werke neigten oft zur Allegorie, was deutlich in seiner Serie Die Reise des Lebens aus den frühen 1840er Jahren zum Ausdruck kommt, in der die Phasen des menschlichen Lebens vor dem Hintergrund beeindruckender und weitläufiger Naturlandschaften dargestellt wurden.
Musik
In der Musik bezeichnet der Begriff „Romantik“ typischerweise den Zeitraum etwa von 1800 bis 1850 oder alternativ bis etwa 1900. Musikalische Romantik ist in erster Linie ein deutsches Phänomen, und zwar so sehr, dass ein angesehenes französisches Nachschlagewerk sie vollständig mit „Die Rolle der Musik in der Ästhetik der deutschen Romantik“ definiert. Eine andere französische Enzyklopädie behauptet, dass das deutsche Temperament im Allgemeinen „als die tiefe und vielfältige Wirkung der Romantik auf deutsche Musiker beschrieben werden kann“ und dass es in der französischen Musik nur einen echten Vertreter der Romantik gibt, Hector Berlioz. In Italien ist Giuseppe Verdi die herausragende Figur der musikalischen Romantik, die als „eine Art [Victor] Hugo der Oper, begabt mit einem wahren Genie für dramatische Effekte“ beschrieben wird. In ähnlicher Weise behauptet Henri Lefebvre in seiner Analyse der Romantik und ihres Strebens nach Harmonie, dass „die deutsche Romantik enger mit der Musik verbunden war als die französische Romantik, daher sollten wir dort nach dem direkten Ausdruck der Harmonie als zentraler romantischer Idee suchen.“ Dennoch förderte die immense Popularität der deutschen romantischen Musik durch Nachahmung und Reaktion einen häufig nationalistisch inspirierten Trend unter polnischen, ungarischen, russischen, tschechischen und skandinavischen Musikern, deren Erfolg vielleicht eher auf ihren außermusikalischen Eigenschaften als auf dem inhärenten künstlerischen Wert der Kompositionen der Meister beruhte.
Während der Romantik pflegten Musiker eine öffentliche Karriere, die vom aufstrebenden bürgerlichen Publikum getragen wurde, eine Abkehr von der traditionellen Abhängigkeit von aristokratischem Mäzenatentum. Dieser Wandel förderte den Aufstieg einer neuen Generation von Virtuosen, die ihre Karriere als Solisten etablierten, was durch ausgedehnte Konzertreisen von Persönlichkeiten wie Paganini und Liszt veranschaulicht wurde. Gleichzeitig gewann der Dirigent an Bedeutung als entscheidende Figur, die für die Interpretation der immer komplexer werdenden Musikkompositionen dieser Zeit von entscheidender Bedeutung war.
Die terminologische Entwicklung innerhalb der Musikwissenschaft
Während der Begriff „Romantik“ in der Musikwissenschaft typischerweise den Zeitraum von etwa 1800 bis 1850 bzw. bis etwa 1900 bezeichnet, entsprach seine anfängliche Anwendung auf die Musik nicht diesem späteren chronologischen Rahmen. Bemerkenswert ist, dass eine der frühesten dauerhaften Verwendungen des Begriffs in einem musikalischen Kontext 1789 in André Grétrys Mémoires erschien. Dieses Beispiel ist nicht nur als französische Quelle von Bedeutung, die sich mit einem Thema befasst, das überwiegend von deutschen Denkern erforscht wird, sondern auch wegen der ausdrücklichen Anerkennung von Jean-Jacques Rousseau (unter anderem einem Komponisten) und stellt damit eine Verbindung zu einem grundlegenden Einfluss auf die breitere romantische Bewegung her. Im Jahr 1810 identifizierte E. T. A. Hoffmann Haydn, Mozart und Beethoven als „die drei Meister der Instrumentalkompositionen“, die „ein und denselben romantischen Geist“ teilten. Hoffmann untermauerte diese Perspektive, indem er den tiefgreifenden evokativen Ausdruck und die ausgeprägte Individualität dieser Komponisten hervorhob. Laut Hoffmann zeigte Haydns Musik „ein kindliches, gelassenes Wesen“, während Mozarts Kompositionen – wie die späte Es-Dur-Symphonie – „uns in die Tiefen der geistigen Welt führen“, Elemente der Angst, Liebe und Trauer einbeziehen und „eine Ahnung des Unendlichen ... im ewigen Tanz der Sphären“ vermitteln. Beethovens Musik hingegen beschwor „das Ungeheuerliche und Unermessliche“ und drückte die Angst einer endlosen Sehnsucht aus, die „unsere Brüste in einem völlig kohärenten Einklang aller Leidenschaften platzen lassen wird“. Diese gesteigerte Wertschätzung für reine Emotionen hob die Musik von ihrem zuvor untergeordneten Status im Vergleich zu den verbalen und bildenden Künsten während der Aufklärung ab. Musik wurde als unbelastet von den Beschränkungen der Vernunft, der Bildsprache oder spezifischer konzeptueller Rahmenbedingungen wahrgenommen und erlangte in der Folge Anerkennung – zunächst in den Werken von Wackenroder und Tieck und später von Persönlichkeiten wie Schelling und Wagner – als herausragende Kunstform, die in einzigartiger Weise in der Lage ist, die Geheimnisse des Universums zu artikulieren und den spirituellen Bereich, die Unendlichkeit und das Absolute heraufzubeschwören.
Diese chronologische Übereinstimmung zwischen musikalischer und literarischer Romantik hielt bis zum 19. Jahrhundert an Mitte des 19. Jahrhunderts, als Richard Wagner die Musik von Meyerbeer und Berlioz abwertend als „neoromantisch“ bezeichnete und erklärte: „Die Oper, auf die wir jetzt zurückkommen, hat auch die Neoromantik von Berlioz verschlungen, wie eine dicke, wohlschmeckende Auster, deren Verdauung ihr erneut ein lebhaftes und wohlhabendes Aussehen verliehen hat.“
Erst gegen Ende des 19. Jahrhunderts bemühte sich die aufstrebende Disziplin der Musikwissenschaft – selbst ein Ausdruck der historisierenden Tendenz dieser Epoche – um eine wissenschaftlichere Periodisierung der Musikgeschichte und schlug eine klare Unterscheidung zwischen der Wiener Klassik und der Romantik vor. Guido Adler erwies sich als Schlüsselfigur in dieser Bewegung, indem er Beethoven und Franz Schubert als Übergangskomponisten, die jedoch im Wesentlichen klassisch waren, kategorisierte und behauptete, dass die Romantik ihren vollen Ausdruck erst in der Generation nach Beethoven erreichte, darunter Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Hector Berlioz und Franz Liszt. Adlers Perspektive, die in Werken wie Der Stil in der Musik (1911) zum Ausdruck kam, postulierte, dass Komponisten der Neudeutschen Schule und verschiedene nationalistische Komponisten des späten 19. Jahrhunderts keine Romantiker, sondern eher „Modernen“ oder „Realisten“ waren (wobei sie Parallelen zu Malerei und Literatur ziehen); Dieser Klassifikationsrahmen blieb in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts bestehen.
Im zweiten Viertel des 20. Jahrhunderts löste die Erkenntnis bedeutender Veränderungen in der musikalischen Syntax im frühen 20. Jahrhundert eine Neubewertung der historischen Perspektiven aus und führte zu der Auffassung, dass die Jahrhundertwende eine endgültige Abkehr von früheren Musiktraditionen darstellte. Historiker wie Alfred Einstein schlugen daher vor, die musikalische „Romantik“ über das gesamte 19. Jahrhundert und bis in das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts auszudehnen. Während diese Kategorisierung in bestimmten maßgeblichen Musikreferenzen fortbesteht, darunter The Oxford Companion to Music und Grouts History of Western Music, wurde sie wissenschaftlich diskutiert. So bestätigte beispielsweise der angesehene deutsche Musikwissenschaftler Friedrich Blume, der als Chefredakteur der ersten Ausgabe von Die Musik in Geschichte und Gegenwart (1949–86) fungierte, die frühere Ansicht, dass Klassizismus und Romantik zusammen eine einzige Periode bilden, die in der Mitte des 18. Jahrhunderts beginnt. Blume behauptete jedoch gleichzeitig, dass dieser Zeitraum bis ins 20. Jahrhundert reichte und Bewegungen aus der Zeit vor dem Zweiten Weltkrieg wie den Expressionismus und den Neoklassizismus umfasste. Diese letztgenannte Interpretation wird in mehreren bedeutenden zeitgenössischen Nachschlagewerken deutlich, etwa im New Grove Dictionary of Music and Musicians und der aktualisierten Ausgabe von Musik in Geschichte und Gegenwart.
Jenseits der Künste
Wissenschaftliche Disziplinen
Die romantische Bewegung beeinflusste zahlreiche Aspekte des intellektuellen Lebens erheblich und stellte eine starke Verbindung zur wissenschaftlichen Forschung her, insbesondere zwischen 1800 und 1840. Viele Wissenschaftler hielten zwar an empirischen Methoden fest, ließen sich jedoch von verschiedenen Interpretationen der Naturphilosophie beeinflussen, die von Persönlichkeiten wie Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Wilhelm Joseph von Schelling und Georg Wilhelm Friedrich Hegel vertreten wurden. Ziel dieser Gelehrten war es, das aufzuzeigen, was sie als eine einheitliche und organische Naturwelt wahrnahmen. Sir Humphry Davy, ein angesehener englischer Wissenschaftler und prominenter Denker der Romantik, behauptete, dass das Verständnis der Natur „eine Haltung der Bewunderung, Liebe und Verehrung, [...] eine persönliche Reaktion“ erfordere, und glaubte, dass echtes Wissen nur denen zugänglich sei, die die natürliche Umwelt zutiefst schätzten und respektierten. Ein entscheidendes Element der Romantik war das Selbstverständnis, das die emotionale Resonanz der Verbindung mit der Natur und das Erreichen von Verständnis durch harmonisches Zusammenleben betonte, anstatt lediglich die intellektuelle Fähigkeit der Menschheit zu demonstrieren, sie zu verstehen und anschließend zu kontrollieren.
Historiographische Perspektiven
Die Romantik übte einen tiefgreifenden und wohl schädlichen Einfluss auf die Geschichtsschreibung aus. In England prägte und verkörperte Thomas Carlyle, ein äußerst einflussreicher Essayist, der sich zum Historiker entwickelte, das Konzept der „Heldenverehrung“, indem er mächtige Führer wie Oliver Cromwell, Friedrich den Großen und Napoleon weitgehend unkritisch lobte. Die Geschichtsschreibung des 19. Jahrhunderts wurde durch den romantischen Nationalismus erheblich beeinträchtigt, da einzelne Nationen häufig ihre eigenen historischen Erzählungen entwickelten. Der kritische und sogar zynische Ansatz früherer Historiker wich oft der Neigung, romantisierte Berichte über unterschiedliche Helden und Bösewichte zu konstruieren. Die nationalistische Ideologie dieser Ära betonte stark die Rassenkohärenz und die alten Ursprünge der Völker und übertrieb oft die Kontinuität zwischen historischen Perioden und der Gegenwart, was die nationale Mystik förderte. Folglich widmete sich ein wesentlicher Teil der Geschichtswissenschaft des 20. Jahrhunderts der Widerlegung der romantisierten Geschichtsmythen, die im 19. Jahrhundert verbreitet wurden.
Theologische Entwicklungen
Um die Theologie vor den Übergriffen des Szientismus und des wissenschaftlichen Reduktionismus zu schützen, formulierten deutsche Theologen nach der Aufklärung des 19. Jahrhunderts, insbesondere Friedrich Schleiermacher und Albrecht Ritschl, eine modernistische oder „liberale“ Interpretation des Christentums. Dieser Ansatz umfasste eine romantische Perspektive, die religiöse Erfahrung im inneren Bereich des menschlichen Geistes verankerte und so Religion als das tiefe Gefühl oder die Sensibilität eines Individuums in Bezug auf spirituelle Angelegenheiten definierte.
Schach
Romantisches Schach stellte einen Spielstil dar, der schnelle, taktische Auseinandersetzungen, die sich durch ihren ästhetischen Reiz auszeichneten, in den Vordergrund stellte und langfristige strategische Weitsicht in eine untergeordnete Rolle rückte. Man geht allgemein davon aus, dass diese Ära in der Schachgeschichte etwa im 18. Jahrhundert begann, obwohl ein überwiegend taktischer Ansatz schon früher erkennbar war, und ihren Höhepunkt mit Joseph MacDonnell und Pierre LaBourdonnais erreichte, den herausragenden Schachspielern der 1830er Jahre. Im folgenden Jahrzehnt, den 1840er Jahren, dominierte Howard Staunton neben anderen bemerkenswerten Persönlichkeiten wie Adolf Anderssen, Daniel Harrwitz, Henry Bird, Louis Paulsen und Paul Morphy. Ein typisches Beispiel für romantisches Schach ist das „Unsterbliche Spiel“, das am 21. Juni 1851 in London zwischen Anderssen und Lionel Kieseritzky ausgetragen wurde. In diesem Spiel brachte Anderssen kühne Opfer, verzichtete auf beide Türme, einen Läufer und anschließend auf seine Dame, bevor er mit seinen drei verbleibenden Leichtfiguren Schachmatt setzte und sich so einen denkwürdigen Sieg sicherte. Der Abschluss der Schachromantik wird typischerweise mit dem Wiener Turnier von 1873 in Verbindung gebracht, bei dem Wilhelm Steinitz das Positionsspiel und das geschlossene Spiel erheblich weiterentwickelte und populär machte.
Romantischer Nationalismus
Ein grundlegendes Konzept und ein bleibender Beitrag der Romantik war die Artikulation des Nationalismus, der sich als zentrales Motiv sowohl in der romantischen Kunst als auch im politischen Denken herausstellte. Während der gesamten Entwicklung der Bewegung, von ihrem anfänglichen Schwerpunkt auf der Pflege von Nationalsprachen, Folklore und der Bedeutung indigener Bräuche und Traditionen bis hin zu späteren Bewegungen, die die geopolitische Landschaft Europas umgestalteten und sich für nationale Selbstbestimmung einsetzten, diente der Nationalismus als Hauptkanal für den Einfluss, den Ausdruck und den ideologischen Inhalt der Romantik. Im 19. Jahrhundert dienten mittelalterliche Anspielungen häufig einem nationalistischen Zweck, wobei populäre und epische Poesie als Hauptmedium für ihre Verbreitung fungierte. Dieses Phänomen ist in Regionen wie Deutschland und Irland offensichtlich, wo Wissenschaftler aktiv nach zugrunde liegenden germanischen oder keltischen Sprachsubstraten aus der Zeit vor der Romanisierung und Latinisierung suchten.
Die aufkommende Phase des romantischen Nationalismus ließ sich maßgeblich von den Philosophien von Jean-Jacques Rousseau und Johann Gottfried von Herder inspirieren. Im Jahr 1784 postulierte Herder insbesondere, dass die natürliche Wirtschaft eines Volkes sowie seine Bräuche und die Gesellschaftsstruktur grundlegend von seiner geografischen Umgebung geprägt seien.
Dennoch erfuhr der Charakter des Nationalismus nach der Französischen Revolution einen tiefgreifenden Wandel, insbesondere mit dem Aufstieg Napoleons und den darauffolgenden Reaktionen anderer europäischer Nationen. Zunächst dienten der napoleonische Nationalismus und republikanische Ideale als Inspirationsquelle für Bewegungen im Ausland; Die Konzepte der Selbstbestimmung und eines starken Gefühls der nationalen Einheit wurden als entscheidend für Frankreichs militärische Erfolge angesehen. Als jedoch die Französische Republik in Napoleons Reich überging, entwickelte sich Napoleon selbst von einer Inspiration für nationalistische Gefühle zum Mittelpunkt seiner Opposition. In Preußen vertraten Persönlichkeiten wie Johann Gottlieb Fichte, ein Schüler Kants, die Kultivierung spiritueller Erneuerung als Strategie, um Napoleon zu widerstehen. Der deutsche Begriff Volkstum, der Nationalität bedeutet, entstand in dieser Zeit als Element des Widerstands gegen den erobernden Kaiser. Fichte brachte in seiner Ansprache „An die deutsche Nation“ von 1806 die wesentliche Verbindung zwischen Sprache und Nation zum Ausdruck und erklärte:
Individuen, die eine gemeinsame Sprache teilen, sind von Natur aus durch zahlreiche unsichtbare Bindungen verbunden, die von der Natur selbst lange vor jedem menschlichen Eingreifen hergestellt wurden. Sie verfügen über gegenseitiges Verständnis und eine zunehmende Fähigkeit zur klaren Kommunikation und bilden eine natürlich einheitliche und unteilbare Einheit. ...Nur wenn sich jede Bevölkerungsgruppe unabhängig voneinander gemäß ihren besonderen Merkmalen kultiviert und formt und wenn sich jedes Individuum innerhalb dieser Bevölkerungsgruppe im Einklang sowohl mit dem Kollektiv als auch mit ihren einzigartigen Qualitäten entwickelt, spiegelt die göttliche Manifestation wirklich ihre beabsichtigte Form wider.
Diese nationalistische Perspektive motivierte die Zusammenstellung von Folklore durch Persönlichkeiten wie die Brüder Grimm, das Wiederauftauchen antiker Epen als nationale Erzählungen und die Schaffung neuer Epen, die uralt erscheinen sollten, beispielhaft dargestellt durch das Kalevala, das aus finnischen Erzählungen und Folklore zusammengestellt wurde, und Ossian, dessen angebliche antike Ursprünge erfunden waren. Der Glaube, dass Märchen, wenn sie nicht durch äußere literarische Einflüsse verunreinigt würden, über Jahrtausende in unveränderter Form fortbestehen würden, war nicht nur den romantischen Nationalisten vorbehalten; Es spiegelte jedoch stark ihre Überzeugung wider, dass diese Erzählungen das grundlegende Wesen eines Volkes verkörperten. Beispielsweise lehnten die Brüder Grimm zahlreiche gesammelte Erzählungen aufgrund ihrer Ähnlichkeit mit denen von Charles Perrault ab, was sie als Beweis für ihre nichtgermanische Herkunft interpretierten; Dennoch wurde Dornröschen in ihrer Zusammenstellung beibehalten, da die Erzählung von Brynhildr sie davon überzeugte, dass das Motiv der schlafenden Prinzessin echte deutsche Authentizität besaß. Vuk Karadžić trug wesentlich zur serbischen Volksliteratur bei und etablierte die bäuerliche Kultur als ihr Grundelement. Er betrachtete die mündlichen Überlieferungen der Bauernschaft als unverzichtbaren Bestandteil der serbischen Kultur und stellte sie zusammen, um sie neben dem ersten Wörterbuch der serbischen Volkssprache in seine Sammlungen von Volksliedern, Märchen und Sprichwörtern aufzunehmen. Vergleichbare Initiativen verfolgten Alexander Afanasyev in Russland, Peter Christen Asbjørnsen und Jørgen Moe in Norwegen sowie Joseph Jacobs in England.
Polnischer Nationalismus und Messianismus
Die Romantik war maßgeblich am nationalen Erwachen zahlreicher mitteleuropäischer Bevölkerungsgruppen beteiligt, die über keine unabhängigen Staaten verfügten, insbesondere in Polen, wo nach der Niederschlagung des polnischen Aufstands durch die russische Armee unter Nikolaus I. kürzlich ein gescheiterter Versuch zur Wiedererlangung der Souveränität erlebt worden war. Die Wiederbelebung und Neuinterpretation antiker Mythen, Bräuche und Traditionen durch romantische Dichter und Maler erleichterte die Differenzierung indigener Kulturen von denen dominanter Nationen und festigte den Mythos des romantischen Nationalismus. Auch Patriotismus, Nationalismus, revolutionäre Ideale und der bewaffnete Unabhängigkeitskampf erwiesen sich als herausragende Motive in der Kunst dieser Zeit. Adam Mickiewicz gilt wohl als der bedeutendste romantische Dichter aus dieser Region Europas, der das Konzept von Polen als dem Messias der Nationen vertreten hat, der dazu bestimmt ist, für die Erlösung der Menschheit ähnliche Leiden wie Jesus zu ertragen. Das polnische Selbstverständnis als „Christus unter den Völkern“ oder als Märtyrer Europas ist historisch auf sein christliches Erbe und seine Erfahrungen mit dem Leiden unter verschiedenen Invasionen zurückzuführen. Während der gesamten Zeit der ausländischen Besatzung fungierte die katholische Kirche als Bollwerk der polnischen nationalen Identität und Sprache und als wichtigster Verfechter der polnischen Kultur. Die Teilungen wurden in Polen später als nationales Opfer für die Sicherheit der westlichen Zivilisation interpretiert. Adam Mickiewicz war Autor des patriotischen Dramas Dziady (das sich kritisch gegenüber den Russen äußerte), in dem er Polen als den Christus der Nationen darstellte. Er bekräftigte weiter: „Wahrlich, ich sage euch: Es steht euch nicht zu, von Ausländern Zivilisation zu lernen, sondern ihr seid es, die ihnen Zivilisation beibringen sollt ... Ihr seid unter den Ausländern wie die Apostel unter den Götzendienern.“ In Büchern der polnischen Nation und der polnischen Pilgerfahrt erläuterte Mickiewicz seine Vision von Polen als Messias und Christus der Nationen, der dazu bestimmt ist, die Menschheit zu erlösen. Dziady ist für seine vielfältigen Interpretationen bekannt. Die bekanntesten Interpretationen umfassen die moralische Dimension von Teil II, die individualistischen und romantischen Themen von Teil IV und die zutiefst patriotische, messianische und christliche Perspektive, die in Teil III des Gedichts präsentiert wird. Zdzisław Kępiński konzentriert seine Interpretation jedoch auf die im Drama vorhandenen slawischen heidnischen und okkulten Elemente. In seinem Werk Mickiewicz hermetyczny erörtert er die hermetischen, theosophischen und alchemistischen Philosophien sowie die freimaurerische Symbolik, die im Drama zu finden sind.
Galerie
- Aufkommende Romantik im 18. Jahrhundert
- Französische romantische Malerei
- Deutsche romantische Malerei
- Sonstiges
Romantische Schriftsteller
Gelehrte der Romantik
Referenzen
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Zitate
Quellen
Romantiker & Viktorianer erkundet auf der Website „Discovering Literature“ der British Library
- Romantiker & Victorians Archiviert am 01.07.2016 bei der Wayback Machine, untersucht auf der Website der British Library Discovering Literature
- Die romantischen Dichter
- Die großen Romantiker
- „Romantik“, Wörterbuch der Ideengeschichte
- „Romantik im politischen Denken“, Wörterbuch der Ideengeschichte
- Romantic Circles – Bietet elektronische Ausgaben, historische Analysen und wissenschaftliche Artikel zur Romantik.
- Romantische Rebellion
- Weltromantik in Literatur, Kunst, Musik, Philosophie und Architektur