Rococo

Rokoko, gelegentlich Roccoco geschrieben (rə-KOH-koh, USA auch ROH-kə-KOH; Französisch: [ʁɔkɔko] oder [ʁokoko]), auch als Spätbarock bezeichnet, repräsentiert einen äußerst kunstvollen und theatralischen Stil der Architektur, Kunst und Innenarchitektur. Diese unverwechselbare Ästhetik vereint Asymmetrie, geschwungene Kurven, Vergoldung, eine Palette von Weiß- und Pastelltönen, komplizierte Skulpturen und Trompe-l'œil-Fresken, die alle darauf ausgelegt sind, Erstaunen und die Wahrnehmung von Bewegung und Theatralik hervorzurufen. Es wird häufig als die ultimative Manifestation des Barock bezeichnet.

Ursprünglich als „Stil Rocaille“ bezeichnet, entstand das Rokoko in den 1730er Jahren in Frankreich als stilistischer Kontrapunkt zur strengeren und geometrischeren Ästhetik Ludwigs XIV. Sein Einfluss weitete sich rasch auf ganz Europa aus und erreichte insbesondere Norditalien, Österreich, Süddeutschland, Mitteleuropa und Russland. Darüber hinaus durchdrang das Rokoko verschiedene künstlerische Disziplinen, darunter Bildhauerei, Möbeldesign, Silberwaren, Glaswaren, Malerei, Musik, Theater und Literatur. Obwohl das Rokoko in erster Linie als säkularer Stil für private Wohnräume konzipiert war, besaß es auch eine spirituelle Dimension, was zu seiner umfassenden Übernahme in die kirchliche Architektur, insbesondere in Mitteleuropa, Portugal und Südamerika, führte.

Etymologie

Der Begriff Rokoko entstand ursprünglich als spielerische Adaption des von Pierre-Maurice Quays (1777–1803) geprägten Wortes Rocaille. Historisch gesehen bezeichnete Rocaille eine dekorative Technik aus Kieselsteinen, Muscheln und Zement, die seit der Renaissance häufig zur Verzierung von Grotten und Brunnen eingesetzt wurde. Im späten 17. und frühen 18. Jahrhundert entwickelte sich die Rocaille zu einem spezifischen dekorativen Motiv im späten Stil Ludwigs XIV., das durch eine mit Akanthusblättern verschlungene Muschel gekennzeichnet ist. Im Jahr 1736 veröffentlichte der Designer und Juwelier Jean Mondon Premier Livre de forme rocquaille et cartel, ein Kompendium von Entwürfen für Möbel und Innendekoration. Diese Veröffentlichung markierte die erste gedruckte Verwendung des Begriffs Rocaille zur Bezeichnung des aufkeimenden Stils. Das charakteristische geschnitzte oder geformte Muschelmotiv wurde oft mit Palmblättern oder gewundenen Ranken integriert, um Türen, Möbel, Wandpaneele und verschiedene andere architektonische Komponenten zu verschönern.

Das Wort Rokoko erschien erstmals 1825 in gedruckter Form und wurde verwendet, um Ornamente zu charakterisieren, die als „aus der Mode gekommen und altmodisch“ galten. Bis 1828 wurde es auf Dekorationen angewendet, „die zum Stil des 18. Jahrhunderts gehörten und mit verdrehten Ornamenten überladen waren“. Anschließend definierte der Autor Stendhal 1829 das Rokoko als „den Rocaille-Stil des 18. Jahrhunderts“.

Im gesamten 19. Jahrhundert wurde der Begriff häufig für Architektur oder Musik verwendet, die als übermäßig ornamental empfunden wurden. Seit der Mitte des 19. Jahrhunderts haben Kunsthistoriker die Bezeichnung jedoch weitgehend übernommen. Obwohl der wissenschaftliche Diskurs über die genaue historische Bedeutung des Stils fortgesetzt wird, gilt das Rokoko derzeit als eigenständige und einflussreiche Periode in der Entwicklung der europäischen Kunst.

Merkmale

Das Rokoko zeichnet sich durch seine üppige Verzierung aus, die durch eine Fülle von Kurven, Gegenkurven, Wellen und von natürlichen Formen inspirierten Motiven gekennzeichnet ist. Während die Außenseiten von Rokoko-Bauwerken häufig schlicht sind, sind ihre Innenräume überwältigend verziert. Der Stil hatte eine zutiefst theatralische Qualität und wurde sorgfältig ausgearbeitet, um beim ersten Betrachten Erstaunen, Ehrfurcht und Staunen hervorzurufen. Kirchliche Grundrisse zeigten oft komplizierte Designs mit ineinandergreifenden ovalen Konfigurationen. In palastartigen Umgebungen dienten große Treppen als Mittelpunkte und boten vielfältige Perspektiven auf die aufwändige Ausstattung. Zu den herausragenden Zierelementen des Rokoko gehören asymmetrische Muscheln, Akanthus und anderes Blattwerk, Vögel, Blumenarrangements, Früchte, Musikinstrumente, Putten und Chinoiserien, zu denen Pagoden, Drachen, Affen, exotische Pflanzen und Darstellungen chinesischer Figuren gehören.

Diese Ästhetik umfasste häufig geformten Stuck, komplizierte Holzschnitzereien und Quadratura – illusionistische Deckengemälde –, die sorgfältig ausgearbeitet wurden, um die Wahrnehmung für den Betrachter zu schaffen Im Raum des Blicks in den Himmel scheinen Engel und andere himmlische Gestalten herabzusteigen. Zu den üblichen Materialien gehörte Stuck, entweder bemalt oder in seinem natürlichen weißen Zustand belassen; verschiedene Holzkombinationen, typischerweise Eiche, Buche oder Walnuss; Lackiertes Holz im japanischen Stil; vergoldete Bronze; und Marmor.

Unterschiede zwischen Barock und Rokoko

Das Rokoko weist die folgenden Merkmale auf, die im Barock im Allgemeinen fehlen:

• Eine teilweise Abkehr von der strengen Symmetrie, wobei die Kompositionen überwiegend anmutige Linien und Kurven aufweisen, die an den Jugendstil erinnern.
• Asymmetrische Kurven und markante C-förmige Voluten.
• Viele ornamentale Blumenmotive, wie z. B. aufwendige Blumengirlanden.
• Der Stil enthielt gelegentlich ostasiatische Motive wie Chinoiserie und Japonismus.
• Eine Palette warmer Pastellfarben, darunter Weißgelb, Creme, Perlgrau und sehr helle Blautöne, war charakteristisch.

Frankreich

Der Rocaille-Stil, auch als französisches Rokoko bekannt, entstand in Paris während der Herrschaft Ludwigs Diese Ästhetik wurde insbesondere in Salons angewendet, bei denen es sich um innovative Räume handelte, die zur Unterhaltung und Beeindruckung der Gäste konzipiert waren. Ein Paradebeispiel ist der Salon der Prinzessin im Hôtel de Soubise in Paris, eine Schöpfung von Germain Boffrand und Charles-Joseph Natoire zwischen 1735 und 1740.

Möbel aus dieser Zeit wiesen ebenfalls die charakteristischen geschwungenen Kurven und Pflanzenmotive des Stils auf, die sich besonders in den kunstvollen Rahmen für Spiegel und Gemälde zeigten, die aus Gips geformt und häufig vergoldet waren. Zu den prominenten Möbeldesignern und Kunsthandwerkern dieses Stils gehörten Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent und Nicolas Pineau.

Das französische Rokoko erreichte nicht das gleiche Maß an Extravaganz wie seine Gegenstücke in Bayern, Österreich oder Italien. Seine Verbreitung nahm Mitte des 18. Jahrhunderts ab, als die Ausgrabungen römischer Antiquitäten in Herculaneum im Jahr 1738 und Pompeji im Jahr 1748 die französischen Architekturtrends in Richtung eines symmetrischeren und zurückhaltenderen Neoklassizismus lenkten.

Italien

Italienische Künstler, insbesondere in Venedig, entwickelten eine eigene Interpretation des Rokoko-Stils. Venezianische Kommoden zum Beispiel ahmten die geschwungenen Formen und geschnitzten Verzierungen der französischen Rocaille nach, enthielten jedoch ein einzigartiges venezianisches Merkmal: Sie waren häufig mit Landschaften, Blumenmotiven, Szenen von Guardi oder anderen Künstlern oder Chinoiserie vor blauem oder grünem Hintergrund bemalt. Diese Farbschemata harmonierten mit der Palette der venezianischen Malerschule, deren Werke die örtlichen Salons schmückten.

Zu den prominenten Dekorationsmalern gehörten Giovanni Battista Crosato, bekannt für seine quadratische Decke im Ballsaal Ca' Rezzonico, und Giovanni Battista Tiepolo, der Decken und Wandgemälde sowohl in kirchlichen als auch in palastartigen Umgebungen anfertigte. Tiepolo reiste in Begleitung seines Sohnes von 1750 bis 1753 nach Deutschland, wo er die Decken der Würzburger Residenz schmückte, ein bedeutendes Beispiel des bayerischen Rokoko. Giovanni Battista Piazzetta, ein weiterer angesehener venezianischer Maler, schuf mehrere bemerkenswerte Kirchendecken.

Das venezianische Rokoko zeigte auch außergewöhnliche Glaswaren, insbesondere Muranoglas, das häufig graviert, gefärbt und in ganz Europa exportiert wurde. Dazu gehörten mehrfarbige Kronleuchter und Spiegel in reich verzierten Rahmen.

Süddeutschland

Der Dekorationsstil des Rokoko erreichte seinen Höhepunkt in Süddeutschland und Österreich zwischen den 1730er und 1770er Jahren, wo er weiterhin tiefgreifenden Einfluss auf die kirchliche Architekturlandschaft hat und weiterhin tief in der Populärkultur verankert ist. Die erste Einführung aus Frankreich erfolgte durch Veröffentlichungen und Kreationen französischer Architekten und Dekorateure wie des Bildhauers Claude III Audran, des Innenarchitekten Gilles-Marie Oppenordt, des Architekten Germain Boffrand, des Bildhauers Jean Mondon und des Zeichners und Graveurs Pierre Lepautre. Obwohl ihre Beiträge das deutsche Rokoko maßgeblich prägten, erreichten sie nicht das gleiche Maß an Extravaganz wie die Bauwerke in Süddeutschland.

Deutsche Architekten interpretierten den Rokoko-Stil neu und machten ihn deutlich asymmetrischer und aufwändiger als seinen französischen Vorläufer. Die deutsche Version zeichnete sich durch eine Fülle von Formen aus, die an Wänden herabzufließen schienen, darunter in Kurven und Gegenkurven geformte Zierleisten, komplizierte verdrehte Muster und Stuckwerk, das scheinbar an Wänden emporstieg und Decken durchquerte. Dekorationen waren häufig vergoldet oder versilbert und bildeten einen auffälligen Kontrast zu weißen oder hellen Pastellwänden.

Zu den frühesten Rokoko-Bauwerken Deutschlands gehört der Amalienburg-Pavillon in München (1734–1739), der von dem in Belgien geborenen Architekten und Designer François de Cuvilliés entworfen wurde, der sich von den Pavillons Grand Trianon und Château de Marly in Frankreich inspirieren ließ. Es wurde als Jagdschloss erbaut und verfügte über eine Dachplattform zum Fasanenschießen. Der innere Spiegelsaal, entworfen vom Maler und Stuckbildhauer Johann Baptist Zimmermann, weist einen Grad an Ausarbeitung auf, der jedes Beispiel des französischen Rokoko deutlich übertrifft.

Die Würzburger Residenz (1720–1744), im Auftrag von Fürstbischof Johann Philipp Franz von Schönborn, ist ein Beispiel für das frühe deutsche Rokoko. Während des ersten Baus beriet sich Hofarchitekt Balthasar Neumann mit den französischen Rocaille-Dekorationskünstlern Germain Boffrand und Robert de Cotte in Paris. Während das Äußere des Schlosses eine zurückhaltendere barocke Ästhetik aufweist, weist das Innere, insbesondere die Treppen und Decken, eine deutlich größere Extravaganz auf. Neumann beschrieb das Innere der Residenz als „ein Lichttheater“. Von 1750 bis 1753 wurde der italienische Rokoko-Maler Giovanni Battista Tiepolo damit beauftragt, ein Wandgemälde über der dreistöckigen Prunktreppe zu schaffen. Neumann konzipierte auch die berühmte Rokoko-Treppe auf Schloss Augustusburg in Brühl (1725–1768), die Besucher durch eine aufwändige Komposition aus Malerei, Skulptur und Schmiedearbeiten führt und auf Schritt und Tritt unerwartete Ausblicke bietet.

In den 1740er und 1750er Jahren wurden in Bayern zahlreiche Wallfahrtskirchen errichtet, deren Innenräume im ausgeprägten Rokoko-Stil gestaltet waren. Ein prominentes Beispiel ist die von Dominikus Zimmermann entworfene Wieskirche (1745–1754). Wie die meisten bayerischen Wallfahrtskirchen ist ihr Äußeres bemerkenswert zurückhaltend und zeichnet sich durch pastellfarbene Wände und minimale Verzierungen aus. Beim Betreten trifft der Besucher auf eine außergewöhnliche Synthese aus künstlerischen Elementen und architektonischen Formen. Der ovale Altarraum, dem im Westen ein halbkreisförmiger Vorraum vorgelagert ist, durchflutet die Kirche aus allen Richtungen mit Licht. Weiße Wände stehen im Chor neben blauen und rosa Stucksäulen, und die gewölbte Decke ist so bemalt, dass sie an einen offenen, von Engeln durchzogenen Himmel erinnert. Weitere bemerkenswerte bayerische Wallfahrtskirchen sind die Basilika zu den Vierzehnheiligen von Balthasar Neumann (1743–1772) und die Abtei Ottobeuren (1748–1766) von Johann Michael Fischer, die wie ein Großteil der deutschen Rokoko-Architektur einen auffälligen Kontrast zwischen der Regelmäßigkeit ihrer Fassade und der üppigen Verzierung ihres Innenraums aufweist.

England

In Großbritannien hatte das Rokoko im Vergleich zu Kontinentaleuropa weniger Einfluss auf Design und dekorative Kunst, obwohl sein Einfluss in Bereichen wie Silberarbeiten, Porzellan und Möbeln erkennbar war.

Während des gesamten frühen 18. Jahrhunderts hielt sich das englische Möbeldesign an das neoklassizistische palladianische Paradigma, das vom Designer William Kent vertreten wurde, der Stücke für Lord Burlington und andere bedeutende Kunstmäzene entwarf. Folglich erfolgte die Einführung des Rokoko in England schrittweise und zeigte sich erstmals in den 1730er Jahren durch die Beiträge eingewanderter Künstler und Hugenottenflüchtlinge aus Frankreich, darunter des Silberschmieds Paul de Lamerie. Die St. Martin's Lane Academy, die 1735 von William Hogarth gegründet wurde, spielte auch eine entscheidende Rolle bei der Einführung des Rokoko-Stils bei englischen Designern und Künstlern.

Der Rokoko-Stil blühte in England zwischen 1740 und 1770 auf. Um mit importierten französischen Produkten zu konkurrieren, entwickelten Möbeldesigner einen unverwechselbaren britischen Rokoko-Stil, der vorwiegend durch Holzschnitzereien zum Ausdruck kam. Thomas Chippendale erwies sich als der einflussreichste dieser Designer; Seine Veröffentlichung The Gentleman and Cabinet Maker's Director aus dem Jahr 1754, ein Kompendium von Entwürfen für Rokoko, Chinoiserie und gotische Möbel, erlangte große Anerkennung. Im Gegensatz zu seinen französischen Kollegen verzichtete Chippendale auf Intarsien oder Intarsien in seinen Möbeln. Die wichtigsten Vertreter von Intarsienmöbeln waren Vile und Cob, die König Georg III. als Tischler dienten. Eine weitere bedeutende Persönlichkeit der britischen Möbelbranche war Thomas Johnson, der 1761 einen Katalog mit Rokoko-Möbelentwürfen veröffentlichte. Diese Sammlung enthielt Möbel, die auf fantasievollen chinesischen und indischen Motiven basierten, darunter ein Himmelbett mit einer chinesischen Pagode, das heute im Victoria and Albert Museum untergebracht ist.

Der Silberschmied Charles Friedrich Kandler stellt eine weitere bemerkenswerte Persönlichkeit des britischen Rokoko dar.

Russland

Der russische Rokoko-Stil wurde größtenteils im 18. Jahrhundert von den Kaiserinnen Elisabeth und Katharina der Großen eingeführt, unterstützt durch Hofarchitekten wie Francesco Bartolomeo Rastrelli.

Die architektonischen Bemühungen von Rastrelli, beispielhaft dargestellt durch Bauwerke wie den Winterpalast in Sankt Petersburg und den Katharinenpalast in Zarskoje Selo, integrierten zahlreiche Merkmale des westeuropäischen Rokoko-Designs. In den Innenräumen befanden sich häufig opulente Räume, die mit Blattgold, Spiegeln und großen Fenstern geschmückt waren, um die natürliche Beleuchtung zu maximieren. Die Außenbereiche zeichneten sich durch sanfte Pastelltöne aus, eingerahmt von großen Fenstern und Gesimsen, oft mit Rocaille-Motiven wie asymmetrischen Muscheln und Felsformationen. An Decken (Plafonds) waren häufig Rokoko-Schnörkelwerk angebracht, das allegorische Darstellungen klassischer griechischer und römischer Gottheiten umgab. Fußböden bestanden häufig aus aufwendigem Parkett, das aus verschiedenen Holzarten zu kunstvollen Mustern verarbeitet wurde.

Im 18. Jahrhundert wurde auch die russisch-orthodoxe Kirchenarchitektur stark von der Rokoko-Ästhetik beeinflusst. Dies manifestierte sich oft in einem quadratischen griechischen Kreuzgrundriss, der durch vier gleich proportionierte Flügel gekennzeichnet war. Die Außenseiten waren typischerweise in hellen Pastelltönen gehalten, darunter Blau- und Rosatöne, und die Glockentürme endeten häufig in vergoldeten Zwiebeltürmen.

Fredericianisches Rokoko

Frederizianisches Rokoko stellt eine deutliche Manifestation des Rokoko-Stils dar, der in Preußen während der Herrschaft Friedrichs des Großen entstand. Es vereinte künstlerische Einflüsse aus Frankreich, verschiedenen deutschen Regionen (insbesondere Sachsen) und den Niederlanden. Als prominentester Vertreter gilt der Architekt Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff. Darüber hinaus prägten der Maler Antoine Pesne und König Friedrich selbst die Architekturkonzepte Knobelsdorffs. Zu den bemerkenswerten Bauwerken, die den friderizianischen Stil veranschaulichen, gehören das Schloss Sanssouci, das Potsdamer Stadtschloss und bestimmte Teile des Schlosses Charlottenburg.

Absage und Schlussfolgerung

Das künstlerische Schaffen von François Boucher und seinen Zeitgenossen, das sich durch seinen Fokus auf dekorative Mythologie und höfische Galanterie auszeichnete, löste bald eine Gegenbewegung aus, die sich für „edlere“ thematische Inhalte einsetzte. Obwohl das Rokoko in Deutschland und Österreich fortbestand, führte die Französische Akademie in Rom den Unterricht im klassischen Stil ein. Dieser Wandel wurde durch die Ernennung von Jean François de Troy zum Direktor der Akademie im Jahr 1738, gefolgt von Charles-Joseph Natoire im Jahr 1751, unterstrichen.

Madame de Pompadour, die einflussreiche Geliebte Ludwigs XV., spielte eine Rolle beim Niedergang des Rokoko-Stils. 1750 schickte sie ihren Bruder Abel-François Poisson de Vandières auf eine zweijährige Expedition nach Italien, um künstlerische und archäologische Fortschritte zu untersuchen. Er wurde von mehreren namhaften Künstlern begleitet, darunter dem Kupferstecher Charles-Nicolas Cochin und dem Architekten Soufflot. Nach ihrer Rückkehr nach Paris zeigten sie eine tiefe Begeisterung für die klassische Kunst. Vandières wurde später Marquis von Marigny und zum Generaldirektor der Königsgebäude ernannt. Er lenkte die offiziellen französischen Architekturtrends in Richtung Neoklassizismus um. Cochin entwickelte sich zu einem bedeutenden Kunstkritiker, der Bouchers petit style verurteilte und sich für eine größere Ästhetik einsetzte, wobei er in den Akademien für Malerei und Architektur die Antike und den Adel betonte.

Der Niedergang des Rokoko begann in den frühen 1760er Jahren, als prominente Persönlichkeiten wie Voltaire und Jacques-François Blondel begannen, Kritik an der wahrgenommenen Oberflächlichkeit und Dekadenz des Stils zu äußern. Blondel prangerte ausdrücklich das „lächerliche Durcheinander von Muscheln, Drachen, Schilfrohr, Palmen und Pflanzen“ in zeitgenössischen Innenarchitekturen an.

Im Jahr 1785 war das Rokoko in Frankreich in Ungnade gefallen und wurde von der strukturierten Schwerkraft abgelöst, die von neoklassizistischen Künstlern wie Jacques-Louis David vertreten wurde. In Deutschland wurde das Rokoko des späten 18. Jahrhunderts als Zopf und Perücke verspottet, eine Phase, die gelegentlich auch als Zopfstil bezeichnet wird. Allerdings blieb das Rokoko in bestimmten deutschen Provinzstaaten und in Italien bis zum Aufkommen der zweiten Phase des Neoklassizismus, bekannt als „Empire-Stil“, beliebt, der unter napoleonischen Regierungen entstand und schließlich das Rokoko verdrängte.

Möbel und dekorative Kunst

Die als Rocaille bekannte ornamentale Ästhetik entwickelte sich in Frankreich zwischen 1710 und 1750, hauptsächlich zeitgleich mit der Regentschaft und der Herrschaft Ludwigs XV. Dieser Stil wurde auch als Louis Quinze bezeichnet. Zu seinen charakteristischen Merkmalen gehörten malerische Details, eine Fülle von Kurven und Gegenkurven, eine inhärente Asymmetrie und eine theatralische Opulenz. In den neu errichteten Pariser Salons sind komplizierte verdrehte und gewundene Designs, typischerweise in vergoldetem oder bemaltem Stuck ausgeführt, umhüllte Türen und Spiegel, die an organische, rankenartige Formen erinnern. Ein frühes Beispiel für diesen Stil ist das Hôtel Soubise in Paris (1704–1705), insbesondere mit seinem berühmten ovalen Salon, der mit Gemälden von Boucher und Charles-Joseph Natoire geschmückt ist.

Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750) gilt als der renommierteste französische Möbeldesigner seiner Zeit und war auch als Bildhauer, Maler und Goldschmied am königlichen Hof bekannt. Er hatte die angesehene Position des offiziellen Designers der Kammer und des Kabinetts Ludwigs XV. inne. Sein bleibendes Vermächtnis ist vor allem den umfangreichen Stichen seiner Werke zu verdanken, die den Rokoko-Stil maßgeblich in ganz Europa verbreiteten. Meissonnier übernahm auch Designaufträge für die Königsfamilien von Sachsen und Portugal.

Italien entwickelte sich zu einem weiteren bedeutenden Zentrum des Rokoko-Stils und erlebte seine Blüte sowohl in seiner Entstehungsphase als auch in späteren Stadien. Kunsthandwerker in bedeutenden Städten wie Rom, Mailand und Venedig waren in der Herstellung prächtig verzierter Möbel und Dekorationsgegenstände tätig.

Skulptierte Ornamente enthielten häufig Motive wie Fleuretten, Palmetten, Muscheln und Blattwerk, die sorgfältig aus Holz geschnitzt wurden. Die aufwändigsten Rocaille-Formen wurden typischerweise auf Konsolen angewendet, bei denen es sich um Tische handelt, die dazu bestimmt sind, an die Wand gestellt zu werden. Kommoden oder Truhen, die erstmals während der Herrschaft Ludwigs XIV. eingeführt wurden, waren aufwendig mit Rocaille-Motiven aus vergoldeter Bronze verziert. Meisterhandwerker, darunter Jean-Pierre Latz, stellten diese Stücke her, die häufig Intarsien aus verschiedenfarbigen Hölzern aufwiesen, die manchmal in kubischen Schachbrettmustern mit kontrastierenden hellen und dunklen Tönen angeordnet waren. Diese Zeit markiert auch das Aufkommen der Chinoiserie, die häufig in lackierten und vergoldeten Kommoden zum Ausdruck kommt und als Falcon de Chine oder Vernis Martin bekannt ist, benannt nach dem Ebenisten, der diese Technik in Frankreich entwickelt hat. Ormolu oder vergoldete Bronze war ein Material, das von Meisterhandwerkern wie Jean-Pierre Latz häufig verwendet wurde. Bemerkenswert ist, dass Latz für das Schloss Friedrichs des Großen in Potsdam eine außergewöhnlich reich verzierte Uhr schuf, die auf einem Karton montiert war. Importierte chinesische Porzellanstücke wurden oft in Rokoko-Beschläge aus Ormolu (vergoldete Bronze) gefasst, um sie auf Tischen oder Konsolen in Salons auszustellen. Darüber hinaus ahmten andere Kunsthandwerker japanische Lackmöbel nach und stellten Kommoden her, die mit japanischen Motiven verziert waren.

Das britische Rokoko zeigte im Allgemeinen einen gedämpfteren Charakter. Die Möbelentwürfe von Thomas Chippendale behielten die charakteristischen Kurven und die Ästhetik bei, vermied jedoch die extreme Skurrilität französischer Beispiele. Thomas Johnson, ein hochqualifizierter Schnitzer und Möbeldesigner, der Mitte des 18. Jahrhunderts in London tätig war, gilt weithin als der erfolgreichste Vertreter des britischen Rokoko.

Malerei

Elemente des Rocaille-Stils durchdrangen die Werke bestimmter französischer Maler, die durch eine Vorliebe für malerische Details, das Zusammenspiel von Kurven und Gegenkurven und eine ausgeprägte Asymmetrie gekennzeichnet waren, die der barocken Bewegung Überschwang verlieh. Allerdings erreichte die französische Rocaille nie die Extravaganz des germanischen Rokoko. Antoine Watteau war der bedeutendste Vertreter, was besonders deutlich in seinem Meisterwerk Die Einschiffung nach Cythera (1717) im Louvre zu sehen ist. Dieses Werk ist ein Beispiel für das Genre Fête galante, das Szenen junger Aristokraten zeigt, die in idyllischen ländlichen Umgebungen feiern. Obwohl Watteau 1721 im Alter von siebenunddreißig Jahren verstarb, beeinflussten seine künstlerischen Beiträge die Malerei auch im weiteren Verlauf des Jahrhunderts. Eine Variante von Watteaus Gemälde mit dem Titel Pilgerfahrt nach Kythira wurde 1752 oder 1765 von Friedrich dem Großen von Preußen erworben, um sein Schloss Charlottenburg in Berlin zu schmücken.

François Boucher (1703–1770), der bevorzugte Maler von Madame de Pompadour, folgte Watteau als führende Figur der dekorativen Malerei und des Féte Galante-Stils nach. Zu seinem Oeuvre gehört die sinnliche Toilette de Venus (1746), die zu einer ikonischen Darstellung dieses Stils wurde. Bouchers Vielseitigkeit erstreckte sich über verschiedene künstlerische Disziplinen dieser Zeit; Er entwarf Wandteppiche, schuf Modelle für Porzellanskulpturen, konzipierte Bühnenbilder für die Pariser Oper und die Opéra-Comique und fertigte Dekorationen für die Messe von Saint-Laurent an. Weitere bemerkenswerte Maler, die zum Fête Galante-Stil beitrugen, waren Nicolas Lancret und Jean-Baptiste Pater. Der Stil beeinflusste maßgeblich François Lemoyne, der 1735 die opulente Deckendekoration des Salons des Herkules im Schloss von Versailles fertigstellte. Gemälde mit Festen der Galanten und mythologischen Themen von Boucher, Pierre-Charles Trémolières und Charles-Joseph Natoire schmückten den berühmten Salon des Hôtel Soubise in Paris (1735–1740). Weitere bedeutende Rokoko-Maler sind Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), seine beiden Söhne Louis-Michel van Loo (1707–1771) und Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719–1795), sein jüngerer Bruder Charles-André van Loo (1705–1765) und Nicolas Lancret (1690–1743) und Jean Honoré Fragonard (1732–1806).

Die italienische Malerei übte einen tiefgreifenden Einfluss auf den in Österreich und Süddeutschland vorherrschenden Rokoko-Stil aus. Der venezianische Künstler Giovanni Battista Tiepolo erhielt, unterstützt von seinem Sohn Giovanni Domenico Tiepolo, zwischen 1720 und 1744 den Auftrag, Fresken für die Würzburger Residenz anzufertigen. Gleichzeitig zeichnete sich Johann Baptist Zimmermann als herausragender Maler bayerischer Rokoko-Kirchen aus und vollendete insbesondere die Decke der Wieskirche von 1745 bis 1754.

Skulptur

Die Rokoko-Skulptur zeichnete sich durch ihre theatralischen, sinnlichen und dynamischen Qualitäten aus und vermittelte ein allgegenwärtiges Gefühl von Bewegung. Sie wurde überwiegend in kirchliche Innenräume integriert, oft eng verwoben mit Malerei und Architektur. Religiöse Skulpturen übernahmen typischerweise den italienischen Barockstil, wie das dramatische Altarbild in der Karlskirche in Wien zeigt.

Die frühe Rokoko- oder Rocaille-Skulptur in Frankreich zeigte im Vergleich zum klassischen Stil Ludwigs XIV. eine leichtere Qualität und stärkere Bewegung. Diese künstlerische Richtung wurde insbesondere von Madame de Pompadour, der Mätresse Ludwigs XV., gefördert, die zahlreiche Werke für ihre Schlösser und Gärten in Auftrag gab. Der Bildhauer Edmé Bouchardon stellte beispielsweise Amor dar, wie er seine Liebespfeile aus der Keule des Herkules schnitzte. Rokoko-Figuren bevölkerten auch spätere Brunnen in Versailles, etwa den Neptunbrunnen von Lambert-Sigisbert Adam und Nicolas-Sebastien Adam (1740). Ihr Erfolg in Versailles führte zu einer Einladung Friedrichs des Großen nach Preußen, wo sie in den 1740er Jahren Brunnenskulpturen für den Park Sanssouci schufen.

Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) entwickelte sich in dieser Zeit zu einem weiteren führenden französischen Bildhauer. Obwohl Falconet vor allem für seine „Bronze Horseman“-Statue von Peter dem Großen in St. Petersburg berühmt wurde, fertigte er auch eine Reihe kleinerer Werke für wohlhabende Sammler an, die in Terrakotta reproduziert oder in Bronze gegossen wurden. Andere französische Bildhauer, darunter Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam und Jean-Baptiste Pigalle, schufen ebenfalls serielle Skulpturen für den Sammlermarkt.

In Italien zeichnete sich Antonio Corradini als führender Bildhauer des Rokoko-Stils aus. Als gebürtiger Venezianer reiste er viel durch Europa und führte Aufträge für Peter den Großen in St. Petersburg sowie für die Höfe in Österreich und Neapel aus. Corradini bevorzugte sentimentale Themen und schuf mehrere hochqualifizierte Werke, die Frauen mit verschleierten Gesichtern darstellen, von denen sich ein bemerkenswertes Beispiel heute im Louvre befindet.

Die aufwändigsten Erscheinungsformen der Rokoko-Skulptur konzentrierten sich auf Spanien, Österreich und Süddeutschland, vor allem auf die Verzierung von Palästen und Kirchen. Dieses skulpturale Werk war so eng mit der Architektur verbunden, dass ihre individuellen Grenzen nicht mehr zu unterscheiden waren. Im Schloss Belvedere in Wien (1721–1722) beispielsweise wird die gewölbte Decke des Atlantersaals von muskulösen Figuren getragen, die von Johann Lukas von Hildebrandt entworfen wurden. Gleichzeitig wurde das Portal des Palastes des Marqués de Dos Aguas in Valencia (1715–1776) vollständig mit Marmorskulpturen geschmückt, die auf Entwürfen von Hipolito Rovira Brocandel basieren.

Der El Transparente-Altar, der sich in der Hauptkapelle der Kathedrale von Toledo befindet, stellt ein monumentales Skulpturenwerk aus polychromem Marmor und vergoldetem Stuck dar, in das Gemälde, Statuen und Symbole integriert sind. Das von Narciso Tomé zwischen 1721 und 1732 entworfene Design erleichtert den Lichtdurchgang und vermittelt die Illusion von Bewegung bei wechselnder Beleuchtung.

Porzellan

Im Rokoko entstand eine neue Form der Kleinskulptur: die Porzellanfigur oder kleine Figurengruppe. Diese Gegenstände dienten zunächst als Ersatz für Zuckerskulpturen auf großen Esstischen und erfreuten sich schnell großer Beliebtheit für die Präsentation auf Kaminsimsen und Möbeln. Die Zahl der europäischen Fabriken nahm im Laufe des Jahrhunderts stetig zu, und einige produzierten Porzellan, das für die wachsende Mittelschicht erschwinglich war. Gleichzeitig wuchs auch der Umfang der auf diesen Stücken angebrachten farbenfrohen Überglasurdekoration. Sie wurden in der Regel von Künstlern modelliert, die eine Ausbildung in Bildhauerei hatten. Zu den gemeinsamen Motiven gehörten Figuren aus der Commedia dell'arte, städtische Straßenverkäufer, Liebespaare, Individuen in modischer Kleidung und Vogelpaare.

Johann Joachim Kändler, eine Schlüsselfigur, war der führende Modelleur für Meissener Porzellan, Europas erste Manufaktur, die bis etwa 1760 ihre Vormachtstellung behielt. Gleichzeitig fertigte der in der Schweiz geborene deutsche Bildhauer Franz Anton Bustelli vielfältige, farbenfrohe Figuren für die bayerische Porzellanmanufaktur Nymphenburg an und vertrieb sie in ganz Europa. Einen ähnlichen künstlerischen Ansatz verfolgte Étienne-Maurice Falconet (1716–1791), ein französischer Bildhauer. Über seine monumentalen Kreationen hinaus leitete Falconet die Porzellanmanufaktur Sèvres, wo er die Serienproduktion kleinerer Stücke überwachte, die häufig Themen wie Liebe und Freude darstellten.

Musik

Obwohl weniger bekannt als sein barocker Vorgänger oder sein klassischer Nachfolger, zeichnete sich in der Musikgeschichte eine ausgeprägte Rokoko-Periode ab. Dieser Musikstil entwickelte sich aus barocken Traditionen sowohl in Frankreich, wo er style galant (was eine „galante“ oder „elegante“ Ästhetik bedeutet) genannt wurde, als auch in Deutschland, wo er als empfindsamer Stil (was einen „sensiblen Stil“ bedeutet) bekannt war. Zu seinen charakteristischen Merkmalen gehört eine leichte, intime Qualität, oft mit sehr aufwändigen und raffinierten Ornamenten.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts entstand eine bedeutende Gegenbewegung gegen den Rokoko-Stil, vor allem als Reaktion auf seine vermeintlich übermäßigen Ornamente und dekorativen Elemente. Diese von Christoph Willibald Gluck angeführte Reaktion markierte den Beginn der klassischen Ära. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts hielt die katholische Kirche den Rokoko-Stil für ungeeignet für kirchliche Räume und behauptete, er sei „in keiner Weise förderlich für Gefühle der Frömmigkeit“.

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky, ein bekannter russischer Komponist der Romantik, komponierte die Variationen über ein Rokoko-Thema, Op. 33, für Cello und Orchester aus dem Jahr 1877. Trotz ihres thematischen Ursprungs außerhalb des Rokoko bleibt die Komposition selbst den Stilprinzipien des Rokoko treu.

Mode

Rokoko-Mode zeichnete sich durch Extravaganz, Eleganz, Raffinesse und aufwendige Dekoration aus. Es bestand ein bemerkenswerter Kontrast zwischen der Damenkleidung des 17. Jahrhunderts und den kunstvolleren und raffinierteren Stilen des 18. Jahrhunderts, die die Rokoko-Ästhetik verkörperten. Diese Modetrends reichten über den königlichen Hof hinaus und durchdrangen die Salons und Cafés, die von der aufstrebenden Bourgeoisie frequentiert wurden. Der üppige, verspielte und elegante Dekorations- und Designstil, der heute als „Rokoko“ bezeichnet wird, wurde gleichzeitig als „le style rocaille“, „le style moderne“ oder „le gout“ bezeichnet.

Eine Modeinnovation des frühen 18. Jahrhunderts war die robe volante, ein fließendes Kleid, das gegen Ende der Herrschaft von König Ludwig XIV. an Bedeutung gewann. Dieses Kleidungsstück hatte ein Oberteil mit kräftigen Falten, die vom Rücken bis zum Boden reichten und über einem abgerundeten Unterrock getragen wurden. Die anfängliche Farbpalette bestand aus satten, dunklen Stoffen, ergänzt durch komplizierte, gewichtige Designelemente. Nach dem Tod Ludwigs Das spätere Rokoko war bekannt für seine Pastelltöne, freizügigeren Kleider und eine Fülle von Rüschen, Rüschen, Schleifen und Spitzenbesätzen. Bald nach dem Aufkommen des charakteristischen Rokoko-Gewandes wurde die Rokoko-Robe à la Française eingeführt, die sich durch ein enganliegendes Oberteil, einen tiefen Ausschnitt, der oft mit großen Schleifen in der Mitte vorne verziert ist, breite Packtaschen und üppige Verzierungen aus Spitze, Bändern und Blumen auszeichnet.

Gleichzeitig gewannen Watteau-Falten an Popularität, benannt nach dem Maler Jean-Antoine Watteau, dessen sorgfältige Darstellungen die komplizierten Details von Kleidern, einschließlich Spitzennähten und anderen Verzierungen, einfingen. Anschließend, um 1718, kamen die „Pannier“ und die „Mantua“ in Mode. Diese breiten Reifen, die unter Kleidern getragen wurden, um die Hüften seitlich zu verlängern, wurden schnell zu einem grundlegenden Element formeller Kleidung. Diese Innovation trug zur ikonischen Silhouette des Rokoko bei, die durch breite Hüften und umfangreiche Gewandverzierungen gekennzeichnet war. Während breite Packtaschen, die manchmal einen Durchmesser von bis zu 4,9 Metern erreichten, besonderen Anlässen vorbehalten waren, wurden kleinere Reifen für das tägliche Tragen verwendet. Diese Stilelemente haben ihren Ursprung in der spanischen Mode des 17. Jahrhunderts, insbesondere der guardainfante, die ursprünglich dazu gedacht war, eine Schwangerschaft zu verbergen, später aber als Packtasche uminterpretiert wurde. Das Jahr 1745 markierte das „Goldene Zeitalter“ des Rokoko mit der Aufnahme eines exotischeren, orientalischen Kultureinflusses in Frankreich, der als a la turque bezeichnet wird. Dieser Trend wurde vor allem durch die Mätresse Ludwigs XV., Madame de Pompadour, populär gemacht, die den Künstler Charles-André van Loo beauftragte, sie als türkische Sultanin darzustellen.

In den 1760er Jahren gewannen entspanntere Kleidungsstile an Bedeutung, darunter die Polonaise, ein von der polnischen Mode beeinflusstes Kleidungsstück. Die Polonaise zeichnet sich dadurch aus, dass sie im Vergleich zum traditionellen französischen Kleid kürzer ist, den Unterrock und die Knöchel freilegt und so eine größere Beweglichkeit ermöglicht. Gleichzeitig erfreute sich die robe a l'anglais zunehmender Beliebtheit und enthielt Elemente, die von der Herrenkleidung abgeleitet waren, wie eine kurze Jacke, ein breites Revers und lange Ärmel. Dieses Kleidungsstück hatte ein enganliegendes Oberteil, einen weiten Rock ohne Taschen, der jedoch hinten leicht verlängert war, um eine bescheidene Schleppe zu bilden, und wurde häufig mit einem Spitzentuch um den Hals ergänzt. Darüber hinaus entstand die „Redingote“, die als Zwischenkleidungsstück zwischen einem Umhang und einem Mantel fungierte.

Accessoires waren in dieser Zeit für Frauen von großer Bedeutung und trugen zur allgemeinen Opulenz und Körperverzierung bei, die ihre aufwendigen Gewänder ergänzten. Bei formellen Zeremonien waren Frauen verpflichtet, Handschuhe zu tragen, die ihre Hände und Arme bedeckten, insbesondere wenn ihre Kleidung ärmellose Designs aufwies.

Literatur

Im literarischen Diskurs wird der Begriff „Rokoko“ oft als „nicht hilfreich vage“ angesehen, dennoch steht er typischerweise für eine fröhliche Leichtigkeit, einen intimen Ton und eine elegante Verspieltheit. Zu den vorherrschenden literarischen Genres des Rokoko gehörten kürzere Formen, darunter erotische leichte Poesie (französisch: poésie légère oder poésie fugitive), Sonette, Madrigale und andere lyrische Kompositionen, Pastorale, Märchen und Novellen. In dieser Zeit entstanden jedoch auch umfangreiche Erzählgedichte, wie beispielsweise Christoph Martin Wielands deutsches Meisterwerk „Oberon“.

Rokoko-Literatur ist in erster Linie ein französischer Literaturstil des 18. Jahrhunderts, der maßgeblich von der Précieuses-Schule des 17. Jahrhunderts geprägt wurde. Beispiele dafür sind Autoren wie Anne Claude de Caylus, bekannt für Die Kunst der Liebe; P. J. Bernard; Alexandre Masson de Pezay, Autor des Erzählgedichts Zélis' Baden; Abbé de Favre, der das Gedicht Les quatre heures de la toilette des dames verfasst hat; Évariste de Parny; und Jean-Baptiste Louvet de Couvray, unter anderen. Der Stil des Rokoko fand auch in Italien Anhänger, darunter Paolo Rolli und Pietro Metastasio, und in Deutschland mit Persönlichkeiten wie Friedrich von Hagedorn, Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Johann Uz und Johann Nikolaus Götz. Sein Einfluss erstreckte sich, wenn auch in geringerem Maße, auf die englische und russische Literatur, insbesondere durch Ippolit Bogdanovich.

Galerie

Architektur

Gravuren

Malerei

Gemälde aus der Rokoko-Ära

• Italienische Rokoko-Kunst
• Rokoko in Portugal
• Kulturbewegung
• Geschichte der Malerei
• Illusionistisches Deckengemälde
• Louis XV-Möbel
• Notizen und Zitate

Notizen und Zitate

Bibliographie

• Bailey, Gauvin Alexander (2014). Das spirituelle Rokoko: Dekor und Göttlichkeit von den Pariser Salons bis zu den Missionen Patagoniens. Farnham: Ashgate.Baldick, Chris (2015). „Rokoko". The Oxford Dictionary of Literary Terms (Online-Version) (4. Auflage). Oxford University Press. ISBN 9780191783234.Cabanne, Perre (1988). L'Art Classique et le Barock [Klassische Kunst und Barock]. Paris: Larousse. ISBN 978-2-03-583324-2.Dictionnaire Historique de Paris [Historisches Wörterbuch von Paris]. Le Livre de Poche. 2013. ISBN 978-2-253-13140-3.Droguet, Anne (2004). Les Styles Transition et Louis XVI [Der Übergang und die Louis-XVI-Stile]. Les Editions de l'Amateur. ISBN 2-85917-406-0.Duby, Georges; Daval, Jean-Luc (2013). La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle [Skulptur von der Antike bis zum 20. Jahrhundert]. Taschen. ISBN 978-3-8365-4483-2.{{cite book}}: CS1-Wartung: Standort fehlt, Herausgeber (Link) (Französische Übersetzung aus dem Deutschen)
• Ducher, Robert (1988). Caractéristique des Styles [Eigenschaften von Stilen]. Paris: Flammarion. ISBN 2-08-011539-1.Ermatinger, Emil (1928). Barock und Rokoko in der deutschen Dichtung (auf Deutsch). Leipzig; Berlin: B. G. Teubner.Fierro, Alfred (1996). Histoire et dictionnaire de Paris [Geschichte und Wörterbuch von Paris]. Robert Laffont. ISBN 2-221--07862-4.Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă [Stile in der dekorativen Kunst] (auf Rumänisch). Cerces.Hopkins, Owen (2014). Les Styles en Architecture [Stile in der Architektur]. Dunod. ISBN 978-2-10-070689-1.de Morant, Henry (1970). Histoire des arts décoratifs [Geschichte der dekorativen Künste]. Librairie Hachette.Prina, Francesca; Demartini, Elena (2006). Petite encylopédie de l'architecture [Prägnante Enzyklopädie der Architektur]. Paris: Solar. ISBN 2-263-04096-X.Renault, Christophe (2006). Die Stile der Architektur und Möbel. Paris: Gisserot.ISBN 978-2-877-4746-58.Texier, Simon (2012). Paris - Panorama der Architektur von der Antike bis zur Gegenwart. Paris: Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.Vila, Marie Christine (2006). Pariser Musik – Acht Jahrhunderte Geschichte. Paris: Parigramme. ISBN 978-2-84096-419-3.Kimball, Fiske (1980). The Creation of the Rococo Decorative Style. New York: Dover Publications. ISBN 0-486-23989-6.
  • Kimball, Fiske (1980). Die Entstehung des Rokoko-Dekorationsstils. New York: Dover Publications.Levey, Michael (1980). Malerei im Venedig des 18. Jahrhunderts. Ithaka: Cornell University Press. ISBN 0-8014-1331-1.Kelemen, Pál (1967). Barock und Rokoko in Lateinamerika. New York: Dover Publications. ISBN 0-486-21698-5.
    • All-art.org: Rokoko in der „Kunstgeschichte“
    • Geschichte des Rokoko. Kunst, Architektur & Luxus Archiviert am 21. Mai 2021 im Wayback Machine History & Kulturakademie Latgale
    • Barock- und Rokoko-Architektur, Band 1, Teil 1, 1892 (auf Deutsch) Archiviert am 31. Juli 2017 im Wayback Machine Kenneth Franzheim II Rare Books Room, William R. Jenkins Architecture and Art Library, University of Houston Digital Library.