Romanische Kunst bezeichnet die künstlerische Produktion Europas von etwa 1000 n. Chr. bis zur Entstehung des gotischen Stils im 12. Jahrhundert, mit regionalen Unterschieden in ihrer Dauer. Die ihr unmittelbar vorangehende Epoche wird als vorromanische Zeit bezeichnet. Diese Nomenklatur wurde von Kunsthistorikern des 19. Jahrhunderts geprägt, hauptsächlich um die romanische Architektur zu beschreiben. Dieser Architekturstil bewahrte grundlegende Elemente des römischen Designs, wie Rundbögen, Tonnengewölbe, Apsiden und Akanthusblattornamente, und entwickelte gleichzeitig deutliche neue Merkmale.
Während die architektonische Kontinuität mit der Spätantike in Südfrankreich, Spanien und Italien bestehen blieb, markierte der romanische Stil die erste künstlerische Bewegung, die sich im gesamten katholischen Europa verbreitete und sich von Sizilien bis Skandinavien erstreckte. Die romanische Kunst ließ sich auch maßgeblich von der byzantinischen Kunst inspirieren, insbesondere in ihren Bildformen, und von der dynamischen, antiklassischen dekorativen Kraft, die für die Inselkunst der britischen Inseln charakteristisch ist. Die Synthese dieser vielfältigen Einflüsse führte zur Bildung eines bemerkenswert innovativen und zusammenhängenden künstlerischen Stils.
Stilistische Merkmale
Über ihre architektonischen Erscheinungsformen hinaus zeigte die Kunst der Romanik sowohl in der Bildhauerei als auch in der Malerei einen robusten und energischen Stil. Die romanische Malerei hielt sich weitgehend an byzantinische ikonografische Konventionen für vorherrschende kirchliche Themen, darunter Christus in Majestät, das Jüngste Gericht und Erzählungen aus dem Leben Christi. Umgekehrt zeigten illuminierte Manuskripte eine größere Innovation, die durch die Darstellung neuartiger Themen erforderlich wurde. Bibeln und Psalter sind die prächtigsten Manuskripte dieser Zeit. Ähnliche Originalität zeichnete die Säulenkapitelle aus, die häufig mit komplizierten Szenen mit mehreren Figuren verziert waren. Die Einführung des großen hölzernen Kruzifixes neben freistehenden Statuen der thronenden Madonna hatte zu Beginn dieser Zeit ihren Ursprung in Deutschland. Das Hochrelief entwickelte sich in dieser Zeit zur vorherrschenden Bildhauertechnik.
Die verwendete Palette war besonders auffällig und enthielt überwiegend Primärfarben. Heute ist die ursprüngliche Lebendigkeit dieser Farbtöne typischerweise nur noch in erhaltenen Beispielen von Glasmalereien und sorgfältig erhaltenen Manuskripten erkennbar. Buntglas erfreute sich großer Beliebtheit, obwohl nur wenige vollständige Exemplare erhalten sind. Eine bedeutende Innovation dieser Zeit war die monumentale Schnitzerei von Tympanon an markanten Kirchenportalen. Diese stellten oft Themen wie Christus in seiner Majestät oder das Jüngste Gericht dar, wiesen jedoch im Vergleich zu gemalten Darstellungen eine größere künstlerische Freiheit auf, da es keine vergleichbaren byzantinischen Präzedenzfälle gab.
Kompositionen mangelte es im Allgemeinen an erheblicher räumlicher Tiefe und sie erforderten Anpassungsfähigkeit, um sich an die unregelmäßigen Konturen historischer Initialen, Säulenkapitelle und Kirchentympanon anzupassen. Ein wiederkehrendes Motiv in der romanischen Kunst ist das dynamische Wechselspiel zwischen einem restriktiven Rahmen und der Komposition, die gelegentlich ihre Grenzen überschreitet. Zahlen wurden häufig entsprechend ihrer hierarchischen Bedeutung skaliert. Wenn Landschaftselemente vorhanden waren, tendierten sie eher zu abstrakten Ornamenten als zu realistischen Darstellungen, wie die Bäume im „Morgan Leaf“ zeigen. Porträtmalerei fehlte in dieser künstlerischen Periode weitgehend.
Historischer Kontext
Während der Romanik erlebte Europa einen zunehmenden Wohlstand, der im Gegensatz zu den vorangegangenen karolingischen und ottonischen Perioden zu einer breiteren Verbreitung hochwertiger Kunst über die Grenzen königlicher Höfe und ausgewählter Klostergemeinschaften hinaus führte. Klöster behielten ihre immense Bedeutung, insbesondere die aufkeimenden neuen Orden wie Zisterzienser, Cluniazenser und Kartäuser, die sich über ganz Europa ausdehnten. Gleichzeitig erhielten Stadtkirchen, Wallfahrtsorte und zahlreiche Kirchen in kleineren Städten und Dörfern eine aufwendige und raffinierte Dekoration. Diese kleineren Bauwerke stellen häufig die erhaltenen Beispiele dar, da viele Kathedralen und größere Stadtkirchen später umgebaut wurden. Bemerkenswert ist, dass keine romanischen Königspaläste erhalten geblieben sind.
Die Rolle des Laienkünstlers gewann zunehmend an Bedeutung; Beispielsweise scheint Nikolaus von Verdun kontinentale Anerkennung erlangt zu haben. Zu dieser Zeit waren die meisten Maurer und Goldschmiede Laien. Darüber hinaus bildeten Laienmaler, wie Meister Hugo als Beispiel, am Ende der Ära die vorherrschende Gruppe, insbesondere unter denen, die die bedeutendsten Aufträge ausführten. Die ikonografischen Programme für ihre kirchlichen Werke wurden zweifellos in Absprache mit geistlichen Autoritäten entwickelt.
Skulptur
Metallarbeiten, Emails und Elfenbein
In dieser Zeit hatten aus diesen Materialien gefertigte kostbare Objekte einen außergewöhnlich hohen Stellenwert, der wahrscheinlich den von Gemälden übertraf. Tatsächlich sind die Identitäten von mehr Kunsthandwerkern, die diese Gegenstände geschaffen haben, dokumentiert als die von zeitgenössischen Malern, Buchmalern oder Maurerarchitekten. Metallarbeiten, insbesondere mit Emaille verzierte Stücke, erreichten eine bemerkenswerte Raffinesse. Zahlreiche prachtvolle Schreine zur Aufbewahrung von Reliquien sind bis heute erhalten geblieben. Der berühmteste ist der Schrein der Heiligen Drei Könige im Kölner Dom, eine Schöpfung, die Nikolaus von Verdun und seinen Mitarbeitern zugeschrieben wird (ca. 1180–1225). Weitere bemerkenswerte Beispiele mosanischen Emailwerks sind das Stavelot-Triptychon und das Reliquiar des Heiligen Maurus. Während umfangreiche Reliquiare und Altarfronten um Holzgerüste herum konstruiert wurden, bestanden kleinere Schatullen vollständig aus Metall und Emaille. Obwohl eine begrenzte Anzahl weltlicher Artefakte wie Spiegeletuis, Schmuck und Verschlüsse erhalten geblieben sind, bieten diese zweifellos eine unvollständige Darstellung der umfangreichen feinen Metallarbeiten, die die Aristokratie besaß.
Der bronzene Gloucester-Kerzenständer und das Messingbecken aus den Jahren 1108–1117, die sich derzeit in Lüttich befinden, stellen herausragende, wenn auch stilistisch unterschiedliche Beispiele des Metallgusses dar. Der Kerzenständer weist komplizierte und dynamische Qualitäten auf, die von der Buchmalerei beeinflusst sind, während das Taufbecken den Mosan-Stil in seiner klassischsten und imposantesten Ausprägung veranschaulicht. Weitere bedeutende erhaltene Metallarbeiten sind die Bronzetüren, eine Triumphsäule und verschiedene Beschläge am Hildesheimer Dom, die Gnesener Türen und die Türen der Basilika San Zeno in Verona. Das Aquamanile, ein für Waschungen verwendetes Gefäß, erschien offenbar im 11. Jahrhundert in Europa. Handwerker statteten diese Objekte häufig mit fantastischen zoomorphen Formen aus; Die erhaltenen Exemplare sind überwiegend aus Messing gefertigt. Zahlreiche Wachsabdrücke von kunstvollen Siegeln finden sich auf Urkunden und Dokumenten, obwohl es romanischen Münzen in der Regel an ästhetischem Reiz mangelt.
Das Kreuz des Kreuzgangs ist ein außergewöhnlich großes Kruzifix aus Elfenbein mit aufwendigen Schnitzereien, die zahlreiche Propheten und andere Figuren darstellen, und wird Meister Hugo zugeschrieben, einem der wenigen namentlich genannten Künstler dieser Zeit, der auch Manuskripte illuminierte. Wie viele Artefakte seiner Zeit war dieses Stück ursprünglich teilweise polychromiert. Die Lewis-Schachfiguren stellen bemerkenswert erhaltene Beispiele kleiner Elfenbeinschnitzereien dar, wobei zahlreiche andere Fragmente und vollständige Stücke von Krummstäben, Plaketten, Brustkreuzen und ähnlichen Gegenständen erhalten sind.
Architektonische Skulptur
Nach dem Zusammenbruch des Weströmischen Reiches wurde die Praxis des Schnitzens monumentaler Steinarbeiten und der Bildhauerei von Bronzefiguren weitgehend eingestellt, ein Trend, der sich (aus theologischen Gründen) im Byzantinischen (Oströmischen) Reich widerspiegelte. Während einige lebensgroße Skulpturen offensichtlich aus Stuck oder Gips gefertigt wurden, sind erhaltene Beispiele erwartungsgemäß rar. Das bedeutendste erhaltene großformatige Skulpturenwerk aus dem protoromanischen Europa ist das lebensgroße Holzkruzifix, das um 960–965 von Erzbischof Gero von Köln in Auftrag gegeben wurde und scheinbar als Prototyp für eine weit verbreitete künstlerische Form diente. Diese Kruzifixe wurden später auf einem Balken unter dem Chorbogen positioniert, der im Englischen als Rood bezeichnet wird, und ab dem 12. Jahrhundert wurden sie häufig von Figuren der Jungfrau Maria und des Evangelisten Johannes flankiert. Im 11. und 12. Jahrhundert erlebte die figurative Skulptur einen bedeutenden Aufschwung, wobei architektonische Reliefs zu einem prägenden Merkmal der späteren Romanik wurden.
Quellen und Stilmerkmale
Die figurative Skulptur stützte sich hauptsächlich auf zwei unterschiedliche Quellen: Buchmalerei und kleinformatige Arbeiten aus Elfenbein und Metall. Darüber hinaus wurden die kunstvollen Friese, die armenische und syrische Kirchen schmücken, als wahrscheinlicher Einflussfaktor postuliert. Zusammengenommen förderten diese Einflüsse einen unverwechselbaren Stil, der in ganz Europa erkennbar war, obwohl die beeindruckendsten bildhauerischen Arbeiten überwiegend in Südwestfrankreich, Nordspanien und Italien angesiedelt waren.
Bilder, die häufig bei Metallarbeiten verwendet werden, waren typischerweise geprägt, was zu einer Oberfläche führte, die durch zwei Hauptebenen gekennzeichnet war und in der Regel eingeschnittene Details aufwies. Diese Technik wurde später für die Steinschnitzerei übernommen, was insbesondere im Tympanon über den Portalen zu beobachten ist, wo die Ikonographie des majestätischen Christus, begleitet von den Symbolen der vier Evangelisten, direkt von den vergoldeten Einbänden mittelalterlicher Evangelienbücher abgeleitet ist. Dieser besondere Türstil war weit verbreitet und blieb bis in die Gotik bestehen. Ein seltenes erhaltenes Beispiel in England ist die „Prior's Door“ in der Ely Cathedral. Im Südwesten Frankreichs gibt es noch zahlreiche beeindruckende Beispiele, darunter die in Saint-Pierre, Moissac; Souillac; und La Madeleine, Vézelay – allesamt Tochterhäuser von Cluny, mit umfangreichen weiteren Skulpturen, die in Kreuzgängen und anderen Bauwerken erhalten sind. In der nahegelegenen Kathedrale von Autun befindet sich ein Jüngstes Gericht von außergewöhnlicher Seltenheit, das von seinem Schöpfer Giselbertus einzigartig signiert wurde.
Ein charakteristisches Merkmal von Figuren in Buchmalereien ist ihre häufige Darstellung auf engstem Raum, was eine Verzerrung erforderlich macht, um in den verfügbaren Bereich zu passen. Diese künstlerische Konvention, bei der Figuren so gestaltet wurden, dass sie sich an räumliche Beschränkungen anpassen, erleichterte ihre Anpassung an die Verzierung architektonischer Elemente wie Türpfosten, Stürze und andere Oberflächen. Die Drapierung bemalter Figuren wurde üblicherweise in einem flachen, dekorativen Stil dargestellt, der wenig Ähnlichkeit mit dem natürlichen Gewicht und Fall des tatsächlichen Stoffes hatte. Dieses Stilelement wurde auch in der Bildhauerei übernommen. Eines der bedeutendsten unter den zahlreichen erhaltenen Beispielen ist die Figur des Propheten Jeremia von der Säule des Portals der Abtei Saint-Pierre in Moissac, Frankreich, aus der Zeit um 1130.
Die Spirale stellt eines der bedeutendsten Motive im romanischen Design dar und manifestiert sich sowohl in figurativer als auch in nichtfigurativer Skulptur. Mögliche Vorgänger sind ionische Hauptstädte. Rankenranken, ein allgegenwärtiges Motiv im byzantinischen und römischen Design, sind in den Mosaiken zu erkennen, die die Gewölbe der Kirche Santa Costanza in Rom aus dem 4. Jahrhundert schmücken. Manuskripte und architektonische Schnitzereien aus dem 12. Jahrhundert weisen analoge Rankenmotive auf.
Eine weitere eindeutige Quelle für das Spiralmotiv sind die illuminierten Manuskripte des 7. bis 9. Jahrhunderts, insbesondere irische Manuskripte wie das St. Gall Gospel Book, die von der Hiberno-Scottish-Mission in ganz Europa verbreitet wurden. In diesen Beleuchtungen ist die Anwendung der Spirale völlig unabhängig von Ranken oder anderen botanischen Formen; Das Motiv ist deutlich abstrakt und geometrisch. Dieser Stil wurde später in die karolingische Kunst übernommen und erhielt dort einen eher botanischen Charakter. Durch eine Adaption dieser Form erscheint die Spirale in den Vorhängen von Skulpturen und Buntglasfenstern. Unter den vielen Beispielen, die auf romanischen Portalen zu finden sind, ist eines der herausragendsten das der zentralen Christusfigur in La Madeleine, Vézelay.
Ein weiterer Einfluss der Inselkunst zeigt sich in der Darstellung von umschlungenen Tieren, die oft mit hervorragender Wirkung in Kapitellen (wie in Silos) und gelegentlich auf der Säule selbst (wie in Moissac) eingesetzt werden. Ein Großteil der Behandlung gepaarter, gegenüberstehender und umschlungener Tiere in der romanischen Dekoration sowie von Tieren, deren Körper sich in rein dekorative Formen auflösen, ist auf ähnliche insulare Ursprünge zurückzuführen. Trotz der Assimilation hiberno-sächsischer Traditionen in romanische Stile in England und auf dem Kontinent war der Einfluss überwiegend einseitig. Die irische Kunst blieb in dieser Zeit weitgehend isoliert und entwickelte eine charakteristische Synthese einheimischer irischer und Wikinger-Stile, die im frühen 13. Jahrhundert nach der anglonormannischen Invasion Irlands nach und nach durch den romanischen Mainstream-Stil verdrängt und ersetzt wurde.
Thema
Die romanische Skulptur ist in ihrem thematischen Inhalt überwiegend bildhaft und schriftmäßig. Auf den Kapitellen findet sich eine vielfältige Motivpalette, darunter Szenen der Schöpfung und des Sündenfalls, Episoden aus dem Leben Christi und alttestamentliche Erzählungen, die seinen Tod und seine Auferstehung vorwegnehmen, wie Jona und der Wal und Daniel in der Löwengrube. Es gibt zahlreiche Krippenszenen, wobei das Thema der Heiligen Drei Könige besonders beliebt ist. Die Kreuzgänge der Abtei Santo Domingo de Silos in Nordspanien und Moissac dienen als beispielhafte Beispiele, die in ihrer Gesamtheit erhalten sind, ebenso wie die Reliefschnitzereien auf den vielen Taufbecken von Tournai, die in Kirchen in Südengland, Frankreich und Belgien entdeckt wurden.
Ein charakteristisches Merkmal bestimmter romanischer Kirchen ist das umfangreiche Skulpturenprogramm, das den Bereich um das Portal und gelegentlich auch einen erheblichen Teil der Fassade schmückt. Beispielsweise zeigt die Kathedrale von Angoulême in Frankreich eine komplexe Skulpturenanordnung, die in die weitläufigen Nischen integriert ist, die durch die Arkaden der Fassade gebildet werden. Auch in der katalanischen Region Spaniens weist der Eingang zur Kirche Santa Maria in Ripoll ein aufwändiges Flachrelief-Bildschema auf.
Diese skulpturalen Programme sollten eine theologische Botschaft vermitteln und christliche Anhänger dazu auffordern, Übertretungen anzuerkennen, Buße zu suchen und Erlösung zu erlangen. Die Darstellung des Jüngsten Gerichts diente den Gläubigen als starke Mahnung zur Umkehr. Darüber hinaus symbolisierte das prominent ausgestellte geschnitzte oder bemalte Kruzifix im Kirchenraum die Erlösung für den Büßer.
Häufig weisen die skulpturalen Elemente beunruhigende Formen und thematische Inhalte auf. Solche Schnitzereien schmücken typischerweise Kapitelle, Konsolen und Bossen oder sind mit Blattwerk an Türleisten verwoben. Bei diesen Darstellungen handelt es sich häufig um Formen, deren ursprüngliche Bedeutung nicht mehr ohne weiteres erkennbar ist. Wiederkehrende Motive umfassen Figuren wie Sheela na Gig, furchterregende Dämonen, Ouroboros (Drachen, die ihren eigenen Schwanz verschlingen) und zahlreiche andere mythische Wesen, deren Symbolik rätselhaft bleibt. Spiralen und gepaarte Motive, die in mündlichen Überlieferungen einst eine besondere Bedeutung hatten, sind entweder in der Geschichte verloren gegangen oder wurden von der zeitgenössischen Wissenschaft abgelehnt.
Die sieben Todsünden, darunter Wollust, Völlerei und Geiz, sind ebenfalls häufige ikonografische Themen. Die Darstellung von Figuren mit übertriebenen Genitalien symbolisiert häufig fleischliche Sünde, ein Thema, das in ähnlicher Weise durch zahlreiche Figuren mit hervorstehenden Zungen vermittelt wird, die insbesondere am Eingang der Kathedrale von Lincoln zu sehen sind. Historisch gesehen bedeutete das Ziehen am Bart Masturbation, während ein weit geöffneter Mund als Zeichen von Unanständigkeit interpretiert wurde. Ein vorherrschendes Motiv auf Kapitellen aus dieser Zeit zeigt Personen, die „in die Zunge stechen“ oder „den Bart streicheln“, von ihren Frauen gezüchtigt oder von dämonischen Wesen festgenommen werden. Ein weiteres häufiges Thema betrifft Dämonen, die um die Seele eines Übertreters, beispielsweise eines Geizhalses, kämpfen.
Spätromanische Skulptur
Es wird allgemein angenommen, dass die gotische Architektur mit dem Entwurf von Abt Suger für den Chor der 1144 geweihten Abtei von Saint-Denis nördlich von Paris entstand. Die Entstehung der gotischen Skulptur wird typischerweise etwas später angesetzt, gekennzeichnet durch die Figurenschnitzerei rund um das Königsportal der Kathedrale von Chartres, Frankreich, zwischen 1150 und 1155. Dieser skulpturale Stil verbreitete sich schnell von Chartres aus und übertraf sogar die aufkommende gotische Architekturbewegung. Tatsächlich wurden nach der Abtei Saint-Denis zahlreiche Kirchen aus der Spätromanik errichtet. Eine skulpturale Ästhetik, die Beobachtung und Naturalismus über formalisiertes Design stellte, erlebte eine rasante Entwicklung. Eine vorgeschlagene Erklärung für diesen raschen Fortschritt hin zu naturalistischen Formen ist eine zunehmende Wertschätzung für klassische Überreste in Regionen, in denen sie reichlich vorhanden waren, verbunden mit einer bewussten Nachahmung ihrer künstlerischen Konventionen. Folglich weisen bestimmte Türen eine romanische Strukturform auf und zeigen gleichzeitig einen Naturalismus, der für frühgotische Skulpturen charakteristisch ist.
Ein beispielhaftes Beispiel ist der Pórtico da Gloria in Santiago de Compostela aus dem Jahr 1180. Dieses Innenportal ist bemerkenswert gut erhalten und weist insbesondere die Polychromie seiner Figuren auf, was auf das lebendige, oft als „bunt“ empfundene, ursprüngliche Erscheinungsbild vieler architektonischer Ornamente schließen lässt, die heute größtenteils als monochrom angesehen werden. Figuren rund um die Tür sind in die Säulen integriert, die die Türleisten bilden. Diese Figuren besitzen eine dreidimensionale Qualität, wenn auch leicht abgeflacht. Sie weisen sowohl im Erscheinungsbild als auch im Ausdruck eine deutliche Individualisierung auf und weisen eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit den Skulpturen auf der Nordvorhalle der Abtei von St. Denis auf, die aus dem Jahr 1170 stammen. Unterhalb des Tympanons zeigt ein realistisch geschnitzter Fries Figuren, die eine Vielzahl leicht erkennbarer Musikinstrumente spielen.
Malerei
Manuskript-Illumination
In der frühen Romanik konvergierten mehrere regionale Schulen in der Buchmalerei. Die „Kanalschule“, die England und Nordfrankreich umfasste, zeigte erheblichen Einfluss der späten angelsächsischen Kunst, während südfranzösische Stile stärker auf iberischen Kunsttraditionen beruhten. Gleichzeitig blieben ottonische Stile in Deutschland und den Niederlanden bestehen und wirkten sich neben byzantinischen Einflüssen auch auf Italien aus. Bis zum 12. Jahrhundert hatten sich diese unterschiedlichen Traditionen gegenseitig beeinflusst, obwohl natürlich unterschiedliche regionale Besonderheiten bestehen blieben.
Die Hauptschwerpunkte der romanischen Buchmalerei waren die Bibel, die oft mit einer ausführlichen historisierten Initiale für jedes Buch begann, und der Psalter, der ebenfalls mit großen Buchmalereien geschmückt war. In beiden Fällen zeigten aufwendigere Beispiele Erzählzyklen über ganzseitige Illuminationen, gelegentlich unterteilt in mehrere Szenen pro Seite. Insbesondere die Bibeln waren häufig umfangreich und konnten sich über mehrere Bände erstrecken. Bemerkenswerte Beispiele sind der St. Albans Psalter, der Hunterian Psalter, die Winchester Bible (mit dem „Morgan Leaf“), die Fécamp Bible, die Stavelot Bible und die Parc Abbey Bible. Gegen Ende dieser Ära gewann die Entstehung kommerzieller Laienwerkstätten für Künstler und Schriftgelehrte an Bedeutung, was zu einer breiteren Zugänglichkeit illuminierter Manuskripte und Bücher sowohl für säkulare als auch für kirchliche Bevölkerungsgruppen führte.
Wandmalerei
Die ausgedehnten Wandflächen und schmucklosen, geschwungenen Gewölbe, die für die romanische Zeit charakteristisch sind, waren für die Wanddekoration äußerst förderlich. Bedauerlicherweise sind viele dieser frühen Wandgemälde Feuchtigkeitsschäden zum Opfer gefallen oder wurden durch anschließendes Neuverputzen und Neuanstrichen verdeckt. In Zeiten des reformatorischen Bildersturms, insbesondere in England, Frankreich und den Niederlanden, wurden diese Kunstwerke systematisch ausgelöscht oder übertüncht. Umgekehrt wurden zahlreiche Wandgemälde in Dänemark, Schweden und anderen Regionen anschließend restauriert. In Katalonien, Spanien, zielte eine Initiative zu Beginn des 20. Jahrhunderts, die um 1907 begann, darauf ab, diese Wandgemälde zu bewahren, indem man sie abtrennte und an einen sicheren Ort in Barcelona verlagerte, womit die bemerkenswerte Sammlung im Nationalen Kunstmuseum Kataloniens entstand. Andernorts wurden diese Kunstwerke durch Konflikte, Vernachlässigung und sich entwickelnde ästhetische Vorlieben negativ beeinflusst.
Ein herkömmliches Schema für eine umfassende Kirchenwanddekoration, das von früheren Mosaiktraditionen beeinflusst wurde, zeigte typischerweise Christus in Majestät oder Christus den Erlöser, der in einer Mandorla thront und von den vier geflügelten Tieren umgeben ist, die die vier Evangelisten symbolisieren und als zentrales Element in der Halbkuppel der Apsis positioniert sind. Diese Anordnung entspricht direkt den Darstellungen auf zeitgenössischen vergoldeten Einbänden von Evangelienbüchern oder in deren Buchmalereien. Sollte die Kirche der Jungfrau Maria geweiht werden, könnte sie diese zentrale Stellung einnehmen. Darunter waren an den Wänden der Apsis typischerweise Heilige und Apostel zu sehen, möglicherweise mit Erzählsequenzen, die sich auf den Schutzpatron der Kirche beziehen. Auf dem Bogen des Heiligtums waren häufig Figuren von Aposteln, Propheten oder den vierundzwanzig „Ältesten der Apokalypse“ abgebildet, die auf eine Büste Christi oder seines symbolischen Lammes blickten, die sich an der Spitze des Bogens befand. Die Nordwand des Kirchenschiffs präsentierte typischerweise alttestamentliche Erzählungen, während an der Südwand neutestamentliche Szenen zu sehen waren. Die hintere Westwand war üblicherweise einer Darstellung des Jüngsten Gerichts vorbehalten, gekrönt von einem thronenden und richtenden Christus.
Zu den am umfassendsten erhaltenen Dekorationsschemata gehört das in Saint-Savin-sur-Gartempe in Frankreich gefundene. Das ausgedehnte Tonnengewölbe des Kirchenschiffs bietet eine ideale Oberfläche für Fresken, geschmückt mit alttestamentarischen Erzählungen wie der Schöpfung, dem Sündenfall und anderen Berichten. Bemerkenswert ist die lebendige Darstellung der Arche Noah mit einer beeindruckenden Galionsfigur und mehreren Fenstern, die den Blick auf Noah und seine Familie auf dem Oberdeck, Vögel auf dem Mitteldeck und Tierpaare auf der unteren Ebene freigeben. Eine weitere Tafel veranschaulicht eindrucksvoll die Verschlingung der Armee des Pharaos durch das Rote Meer. Dieses umfangreiche Schema setzt sich in anderen Teilen der Kirche fort, einschließlich Darstellungen des Märtyrertums lokaler Heiliger in der Krypta, der Apokalypse im Narthex und Christus in Majestät. Die verwendete Palette beschränkt sich auf Hellblaugrün, Ockergelb, Rotbraun und Schwarz. Vergleichbare Wandmalereien gibt es auch in Serbien, Spanien, Deutschland, Italien und anderen französischen Orten.
Die derzeit verstreuten Wandgemälde aus Arlanza in der Provinz Burgos, Spanien, weisen trotz ihrer klösterlichen Herkunft weltliche Themen auf und zeigen kolossale und dynamische Fabelwesen über einem schwarz-weißen Fries, die von verschiedenen anderen Wesen bevölkert werden. Diese Kunstwerke bieten einen einzigartigen Einblick in die dekorativen Elemente, die romanische Paläste geschmückt hätten.
Zusätzliche Bildende Künste
Mode
Während der Romanik in England und Frankreich löste das Aufkommen von Pigaches – den charakteristischen „Skorpionschwanz“- oder „Widderhorn“-Schuhen – erhebliche Verurteilung durch den zeitgenössischen Klerus aus. Insbesondere Orderic Vitalis führte diesen Schuhen eine wahrgenommene Zunahme von Sodomie und Homosexualität in dieser Zeit zu. Heute gelten diese Schuhe vor allem als Vorläufer der deutlich aufwändigeren Poulaines, die nach der Pest große Popularität erlangten.
Stickerei
Ein prominentes Beispiel für romanische Stickereien sind der Teppich von Bayeux in Bayeux, Frankreich, und der Teppich der Schöpfung in Girona, Spanien. Darüber hinaus sind zahlreiche aufwendig gearbeitete Stücke des Opus Anglicanum („englisches Werk“) erhalten geblieben, das neben anderen Stilbeispielen weithin als die schönsten der westlichen Welt gilt, vor allem in Form von kirchlichen Gewändern.
Buntglas
Die frühesten bekannten Fragmente mittelalterlicher Glasmalereien stammen vermutlich aus dem 10. Jahrhundert. Die ältesten vollständigen Figuren finden sich in fünf Prophetenfenstern in Augsburg aus dem späten 11. Jahrhundert. Trotz ihres starren und stilisierten Erscheinungsbilds weisen diese Figuren sowohl in ihrer bildlichen Darstellung als auch in der praktischen Anwendung des Glases erhebliches Design-Know-how auf, was auf eine profunde Vertrautheit des Kunsthandwerkers mit dem Medium schließen lässt. Mehrere Tafeln aus dem 12. Jahrhundert sind in den Kathedralen von Le Mans, Canterbury und Chartres sowie in Saint-Denis erhalten geblieben. Unter denen in Canterbury befinden sich eine Darstellung von Adam beim Graben und eine weitere von seinem Sohn Seth, beide aus einer Serie, die die Vorfahren Christi illustriert. Die Darstellung von Adam ist besonders naturalistisch und dynamisch, während die Figur von Seth Gewänder zeigt, die eine beträchtliche dekorative Wirkung haben und die feinsten Steinmetzarbeiten dieser Zeit widerspiegeln. Glashandwerker übernahmen stilistische Veränderungen langsamer als Architekten, was dazu führte, dass ein Großteil der Glasmalereien zumindest aus dem frühen 13. Jahrhundert grundsätzlich als romanisch eingestuft wurden. Besonders bemerkenswerte Beispiele sind große Figuren aus dem Jahr 1200 im Straßburger Münster (einige heute in einem Museum untergebracht) und solche aus der Zeit um 1220 in der St.-Kunibert-Kirche in Köln.
Während der Großteil der prächtigen Glasmalereien Frankreichs, einschließlich der berühmten Fenster von Chartres, aus dem 13. Jahrhundert stammt, sind deutlich weniger große Fenster aus dem 12. Jahrhundert unversehrt erhalten geblieben. Ein bemerkenswertes Beispiel ist die Kreuzigung von Poitiers, eine außergewöhnliche dreistufige Komposition. Im untersten Teil ist ein Vierpass zu sehen, der das Martyrium des heiligen Petrus darstellt, auf der weitläufigen Mittelebene dominiert die Kreuzigung und auf der obersten Ebene ist die Himmelfahrt Christi in einer Mandorla dargestellt. Die Figur des gekreuzigten Christus weist bereits Merkmale der gotischen Rundung auf. George Seddon beschrieb dieses Fenster als „unvergessliche Schönheit“. Zahlreiche einzelne Fragmente sind in Museen untergebracht, und ein Fenster der Twycross Church in England enthält bedeutende französische Tafeln, die aus der Französischen Revolution geborgen wurden. Aufgrund seiner Kosten und Anpassungsfähigkeit (die Ergänzungen oder Neuanordnungen ermöglicht) scheint Glas beim gotischen Umbau von Kirchen häufig einer anderen Verwendung zugeführt worden zu sein. Das früheste datierbare englische Glas, eine Tafel im York Minster mit der Darstellung eines Baumes Jesse, wahrscheinlich aus der Zeit vor 1154, ist ein Beispiel für diese Recyclingpraxis.
- Liste romanischer Künstler
- Notizen
Notizen
Referenzen
- Metropolitan Museum Timeline Essay
- Korpus romanischer Skulpturen in Großbritannien und Irland
- Círculo Románico: Westgotische, mozarabische und romanische Kunst in ganz Europa
- Romanische Skulpturengruppe auf Flickr