Social realism

Sozialer Realismus umfasst künstlerische und kulturelle Produktionen von Malern, Grafikern, Fotografen, Schriftstellern, Filmemachern und einigen Musikern, die versuchen, die tatsächlichen gesellschaftspolitischen Umstände der Arbeiterklasse hervorzuheben und damit die zugrunde liegenden Machtstrukturen zu kritisieren. Obwohl sich ihre Erscheinungsformen je nach nationalem Kontext unterscheiden, basiert sie überwiegend auf einem beschreibenden oder kritisch-realistischen Ansatz.

Genauer gesagt bezieht sich der Begriff gelegentlich auf eine bestimmte amerikanische Kunstbewegung, die in der Zwischenkriegszeit entstand, vor allem als Reaktion auf das weit verbreitete Leid und die Herausforderungen, mit denen die Bürger nach dem Großen Absturz konfrontiert waren. Um die Zugänglichkeit ihrer Arbeiten zu erhöhen, übernahmen Künstler realistische Darstellungen sowohl anonymer Arbeiter als auch Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens und präsentierten sie als heroische Symbole der Widerstandsfähigkeit inmitten von Not. Dieses künstlerische Unterfangen war von Natur aus politisch und zielte darauf ab, die sich verschlimmernde Lage der verarmten und arbeitenden Klassen aufzuzeigen und staatliche und gesellschaftliche Rahmenbedingungen zur Rechenschaft zu ziehen.

Es ist entscheidend, den sozialen Realismus vom sozialistischen Realismus zu unterscheiden, der offiziellen sowjetischen Kunstdoktrin, die 1934 von Joseph Stalin institutionalisiert und anschließend von alliierten kommunistischen Parteien weltweit übernommen wurde. Darüber hinaus weicht es vom allgemeinen Realismus ab, indem es nicht nur die Umstände der Benachteiligten darstellt, sondern auch die inhärenten Spannungen zwischen widersprüchlichen Einheiten, beispielsweise zwischen Landarbeitern und ihren feudalen Oberherren, aktiv veranschaulicht. Dennoch werden die Begriffe „sozialer Realismus“ und „sozialistischer Realismus“ gelegentlich synonym verwendet.

Historische Ursprünge

Der soziale Realismus, insbesondere als Kunstbewegung, die in der Zwischenkriegszeit in den Vereinigten Staaten als Reaktion auf die zunehmenden Schwierigkeiten der Bevölkerung an Bedeutung gewann, orientierte sich maßgeblich an der seit langem etablierten Tradition des sozialen Realismus in Frankreich.

Die Abstammung des sozialen Realismus lässt sich auf den europäischen Realismus des 19. Jahrhunderts zurückführen, der Werke von Künstlern wie Honoré Daumier, Gustave Courbet und Jean-François Millet umfasst. Die britische industrielle Revolution weckte weitverbreitete Sorge um die Verarmten und führte in den 1870er Jahren zur umfangreichen Reproduktion von Werken von Künstlern wie Luke Fildes, Hubert von Herkomer, Frank Holl und William Small in „The Graphic“.

In Russland untersuchten die Peredwischniki, auch als „Sozialrealismus“ bezeichnet, kritisch die in ihrer Kunst dargestellten gesellschaftlichen Bedingungen und verurteilten die Zarenzeit. Ilja Repin erklärte ausdrücklich, dass seine künstlerischen Bemühungen darauf abzielten, „alle Monstrositäten unserer abscheulichen Gesellschaft“ während der Zarenzeit zu kritisieren. Vergleichbare thematische Anliegen wurden im Großbritannien des 20. Jahrhunderts von Organisationen wie der Artists' International Association, Mass Observation und der Kitchen Sink School untersucht.

Die sozialrealistische Fotografie geht auf Dokumentartraditionen des späten 19. Jahrhunderts zurück, die durch die fotografischen Beiträge von Jacob A. Riis und Maksim Dmitriyev veranschaulicht werden.

Ashcan-Schule

Um 1900 stellte sich ein Kollektiv realistischer Künstler unter der Führung von Robert Henri einer Herausforderung gegen den vorherrschenden amerikanischen Impressionismus und die akademischen Kunstkonventionen, was in der Bewegung gipfelte, die später als Ashcan School bezeichnet wurde. Die Bezeichnung selbst geht auf eine Zeichnung von George Bellows mit dem Titel Disappointments of the Ash Can zurück, die im April 1915 im Philadelphia Record veröffentlicht wurde.

Mit Hilfe verschiedener Medien, darunter Gemälde, Illustrationen, Radierungen und Lithografien, konzentrierten sich Ashcan-Künstler darauf, die lebendige Energie von New York City darzustellen, wobei sie zeitgenössischen Ereignissen und dem vorherrschenden sozialen und politischen Diskurs große Aufmerksamkeit schenkten die Periode. H. Barbara Weinberg vom Metropolitan Museum of Art beschrieb diese Künstler als Chronisten „einer beunruhigenden Übergangszeit, die von Zuversicht und Zweifel, Aufregung und Angst geprägt war. Sie ignorierten oder registrierten nur sanfte, harte neue Realitäten wie die Probleme der Einwanderung und städtische Armut und warfen ein positives Licht auf ihre Ära.“

Prominente Werke der Ashcan School umfassen George Luks' Breaker Boy und John Sloans Sixth Avenue Elevated at Third Street. Die Ashcan School beeinflusste die künstlerische Produktion während der Depressionszeit erheblich und beeinflusste insbesondere Werke wie Thomas Hart Bentons Wandgemälde City Activity with Subway.

Kunstbewegung

Im weiteren Sinne lassen sich die Ursprünge des Begriffs auf die realistische Bewegung in der französischen Kunst Mitte des 19. Jahrhunderts zurückführen. Der soziale Realismus des 20. Jahrhunderts bezieht sich insbesondere auf das Werk des französischen Künstlers Gustave Courbet, insbesondere auf die tiefgreifenden Auswirkungen seiner Gemälde „Eine Beerdigung in Ornans“ und „Die Steinbrecher“ aus dem 19. Jahrhundert, die 1850 bei den Besuchern des französischen Salons erhebliche Kontroversen auslösten. Diese Bewegung gilt auch als internationales Phänomen mit Wurzeln im europäischen Realismus und den Beiträgen von Honoré Daumier und Jean-François Hirse. Obwohl der sozialrealistische Stil in den 1960er Jahren an Popularität verlor, übt er weiterhin Einfluss auf das zeitgenössische Denken und die künstlerische Praxis aus.

In einer enger gefassten Definition entwickelte sich der soziale Realismus, der aus dem europäischen Realismus stammt, während der Weltwirtschaftskrise der 1930er Jahre zu einer bedeutenden Kunstrichtung in den Vereinigten Staaten. Als amerikanisches Kunstphänomen weist es enge Verwandtschaften mit der amerikanischen Szenenmalerei und dem Regionalismus auf. Bemerkenswerte Vertreter des amerikanischen Sozialrealismus sind Künstler der Ashcan-Schule wie Edward Hopper sowie Thomas Hart Benton, Will Barnet, Ben Shahn, Jacob Lawrence, Paul Meltsner, Romare Bearden, Rafael Soyer, Isaac Soyer, Moses Soyer, Reginald Marsh, John Steuart Curry, Arnold Blanch, Aaron Douglas, Grant Wood, Horace Pippin, Walt Kuhn, Isabel Bishop, Paul Cadmus, Doris Lee, Philip Evergood und Mitchell Siporin, Robert Gwathmey, Adolf Dehn, Harry Sternberg, Gregorio Prestopino, Louis Lozowick, William Gropper, Philip Guston, Jack Levine, Ralph Ward Stackpole, John Augustus Walker und zahlreiche andere. Die Bewegung umfasste auch die Fotografie, wobei prominente Beispiele in den Werken von Walker Evans, Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lewis Hine, Edward Steichen, Gordon Parks, Arthur Rothstein, Marion Post Wolcott, Doris Ulmann, Berenice Abbott, Aaron Siskind, Russell Lee und vielen anderen Fotografen zu finden sind.

In Mexiko ist die Künstlerin Frida Kahlo für ihre Verbindung zur Bewegung des sozialen Realismus bekannt. Gleichzeitig blühte in Mexiko die mexikanische Wandmalerbewegung vor allem in den 1920er und 1930er Jahren auf, diente als wichtige Inspiration für zahlreiche Künstler in den Vereinigten Staaten und stellte ein entscheidendes Element der breiteren Bewegung des sozialen Realismus dar. Diese mexikanische Wandmalerbewegung zeichnete sich durch ihre ausgeprägten politischen Untertöne mit überwiegend marxistischer Ausrichtung aus, die die soziale und politische Landschaft des postrevolutionären Mexikos widerspiegelten. Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco und Rufino Tamayo gelten als die prominentesten Vertreter dieser Bewegung. Andere bemerkenswerte Künstler, die an der Bewegung teilnahmen, waren Santiago Martínez Delgado, Jorge González Camarena, Roberto Montenegro, Federico Cantú Garza und Jean Charlot.

Zahlreiche Künstler, die sich dem sozialen Realismus verschrieben hatten, vertraten sozialistische, wenn auch nicht ausschließlich marxistische politische Perspektiven. Folglich hat die Bewegung gewisse Gemeinsamkeiten mit dem sozialistischen Realismus, der in der Sowjetunion und im Ostblock vorherrschte; Diese beiden Bewegungen sind jedoch nicht synonym. Der soziale Realismus ist im Gegensatz zu seinem sozialistischen Gegenstück keine offizielle Kunst und berücksichtigt von Natur aus die Subjektivität. Tatsächlich wurde der sozialistische Realismus in einigen Interpretationen als eigenständiges Subgenre des sozialen Realismus kategorisiert.

Der soziale Realismus kann prägnant wie folgt charakterisiert werden:

Der soziale Realismus entstand als Gegenbewegung zum Idealismus und verstärkten Individualismus der Romantik. Die Auswirkungen der industriellen Revolution wurden immer deutlicher, gekennzeichnet durch die Expansion städtischer Zentren und die beispiellose Ausbreitung von Slums, die in krassem Gegensatz zu der opulenten Zurschaustellung von Reichtum in der Oberschicht standen. Angetrieben von einem gesteigerten sozialen Bewusstsein haben sich die Sozialrealisten dazu verpflichtet, „schöne Kunst“ herauszufordern – jede Ästhetik, die ausschließlich auf visuelles Vergnügen oder emotionale Gefühle abzielt. Ihre künstlerischen Bemühungen konzentrierten sich auf die Darstellung der harten Realitäten der zeitgenössischen Existenz und drückten ihr Mitgefühl für die Arbeiterklasse, insbesondere die Verarmten, aus. Sie dokumentierten ihre Beobachtungen „wie sie existierten“ mit distanzierter Objektivität. Die öffentliche Rezeption des Sozialrealismus war größtenteils von Empörung geprägt, teilweise aufgrund mangelnden Verständnisses hinsichtlich seiner Interpretation oder seines Zwecks.

In den Vereinigten Staaten

Der soziale Realismus in den Vereinigten Staaten wurde von den mexikanischen Wandmalern inspiriert, die nach der mexikanischen Revolution von 1910 aktiv waren.

Farm Security Administration-Projekt

Die sozialrealistische Fotografie erreichte ihren Höhepunkt durch die Beiträge von Dorothea Lange, Walker Evans, Ben Shahn und anderen Fotografen, die am Projekt der Farm Security Administration (FSA) beteiligt waren, das von 1935 bis 1943 durchgeführt wurde.

Nach dem Ersten Weltkrieg erlebte die aufstrebende US-Agrarwirtschaft einen schweren Abschwung, der durch Überproduktion, sinkende Preise, widrige Wetterbedingungen und zunehmende Mechanisierung ausgelöst wurde. Zahlreiche Landarbeiter waren in der Folge arbeitslos und viele kleine landwirtschaftliche Betriebe verschuldeten sich erheblich. Tausende verschuldete Bauernhöfe wurden daraufhin zwangsversteigert, wodurch Pächter und Pächter von ihrem Land vertrieben wurden. Als Franklin D. Roosevelt 1932 sein Amt antrat, lebten fast zwei Millionen Bauernfamilien in Armut, und Millionen Hektar Ackerland waren aufgrund von Bodenerosion und nicht nachhaltigen landwirtschaftlichen Praktiken unproduktiv geworden.

Die Farm Security Administration (FSA) war eine New-Deal-Agentur, die in dieser Zeit gegründet wurde, um die ländliche Armut zu bekämpfen. Die Agentur beauftragte Fotografen mit der Erstellung einer visuellen Dokumentation, die den dringenden Bedarf an Unterstützung und die Wirksamkeit der FSA-Programme bei der Erfüllung dieser Anforderungen verdeutlicht. Diese Initiative produzierte letztendlich über 80.000 Schwarzweißbilder und gilt heute als eines der bedeutendsten Dokumentarfotografieprojekte der Geschichte.

WPA- und Treasury-Kunstprojekte

Das Public Works of Art Project (PWAP) war eine Initiative zur Schaffung von Arbeitsplätzen für Künstler während der Weltwirtschaftskrise. Es war von Dezember 1933 bis Juni 1934 in Betrieb und stellte das erste Programm seiner Art dar. Edward Bruce leitete das Projekt, das dem US-Finanzministerium unterstand und von der Civil Works Administration finanziert wurde.

Die 1935 gegründete Works Progress Administration (WPA) entwickelte sich zur größten und ehrgeizigsten New-Deal-Agentur und beschäftigte Millionen Arbeitslose, vor allem ungelernte Männer, bei öffentlichen Bauprojekten wie dem Bau öffentlicher Gebäude und Straßen. Zusätzlich zu diesen groß angelegten Unternehmungen unterstützte die WPA insbesondere Musiker, Künstler, Schriftsteller, Schauspieler und Regisseure durch kleinere, aber äußerst einflussreiche Initiativen in den Bereichen Kunst, Theater, Medien und Alphabetisierung. Viele bei der WPA beschäftigte Künstler werden mit dem sozialen Realismus in Verbindung gebracht, einer wichtigen Kunstrichtung, die in den Vereinigten Staaten während der Weltwirtschaftskrise der 1930er Jahre an Bedeutung gewann. Als amerikanische Kunstrichtung, die durch Kunstprogramme des New Deal gefördert wird, weist der soziale Realismus enge Verbindungen zur amerikanischen Szenenmalerei und zum Regionalismus auf.

In Mexiko ist die Malerin Frida Kahlo vor allem mit der Bewegung des sozialen Realismus verbunden. Die mexikanische Wandmalerbewegung, die vor allem in den 1920er und 1930er Jahren florierte, diente als bedeutende Inspiration für viele Künstler nördlich der Grenze und stellte ein entscheidendes Element der breiteren Bewegung des sozialen Realismus dar. Die mexikanische Wandmalerbewegung zeichnet sich durch ihre ausgeprägten politischen Untertöne, überwiegend marxistischer Natur, und ihre Auseinandersetzung mit der sozialen und politischen Landschaft des postrevolutionären Mexikos aus. Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco und Rufino Tamayo gelten als die prominentesten Befürworter dieser Bewegung, an der unter anderem auch Santiago Martínez Delgado, Jorge González Camarena, Roberto Montenegro, Federico Cantú Garza und Jean Charlot beteiligt sind.

Viele Künstler, die dem sozialen Realismus anhingen, waren Maler mit sozialistischen, wenn auch nicht unbedingt marxistischen, politischen Perspektiven. Folglich weist die Bewegung Parallelen zum in der Sowjetunion und im Ostblock vorherrschenden Sozialistischen Realismus auf; Die beiden sind jedoch nicht identisch. Sozialer Realismus ist keine offizielle Kunst und berücksichtigt Subjektivität. In bestimmten Kontexten wurde der sozialistische Realismus als eigenständiger Zweig des sozialen Realismus charakterisiert.

Zweiter Weltkrieg bis heute

Mit dem Aufkommen des abstrakten Expressionismus in den 1940er Jahren verlor der soziale Realismus an Bedeutung. Während des Zweiten Weltkriegs trugen mehrere WPA-Künstler zu den Kriegsanstrengungen bei, indem sie mit dem United States Office of War Information zusammenarbeiteten und Plakate und anderes Bildmaterial produzierten. Trotz mangelnder Aufmerksamkeit auf dem Kunstmarkt setzten viele Künstler des Sozialrealismus in der Nachkriegszeit in den 1950er, 1960er, 1970er, 1980er, 1990er und 2000er Jahren ihre künstlerischen Bemühungen fort. Während dieser Zeit erforschten Künstler wie Jacob Lawrence, Ben Shahn, Bernarda Bryson Shahn, Raphael Soyer, Robert Gwathmey, Antonio Frasconi, Philip Evergood, Sidney Goodman und Aaron Berkman weiterhin sozialrealistische Modalitäten und Themen.

Unabhängig von den vorherrschenden künstlerischen Trends bleiben sozialer Realismus und sozialbewusstes Kunstschaffen eine relevante Praxis in der zeitgenössischen Kunstwelt, beispielhaft dargestellt durch Künstler wie Sue Coe, Mike Alewitz, Kara Walker, Celeste Dupuy Spencer, Allan Sekula, Fred Lonidier und andere.

Galerie

In Lateinamerika

Nach der mexikanischen Revolution von 1910 schufen Wandmaler in Mexiko größtenteils propagandistische Werke, die ein revolutionäres Ethos unterstrichen und das Erbe der indigenen Bevölkerung Mexikos feierten. Bemerkenswerte Beispiele sind Diego Riveras „Geschichte Mexikos von der Eroberung bis in die Zukunft“, José Clemente Orozcos „Katharsis“ und David Alfaro Siqueiros „Der Streik“. Diese Wandgemälde stimulierten auch die Entwicklung des sozialen Realismus in anderen lateinamerikanischen Ländern, wie beispielsweise Ecuador, beispielhaft dargestellt durch Oswaldo Guayasamíns „Der Streik“ und Brasilien, mit Cândido Portinaris „Kaffee“.

In Europa

In Belgien traten im 19. Jahrhundert durch Künstler wie Constantin Meunier und Charles de Groux frühe Befürworter des sozialen Realismus auf. In Großbritannien erlangte der Amerikaner James Abbott McNeill Whistler zusammen mit den englischen Künstlern Hubert von Herkomer und Luke Fildes große Anerkennung für realistische Gemälde, die sich mit sozialen Themen auseinandersetzten und das Alltagsleben darstellten. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde der soziale Realismus auch von Künstlern in ganz Westeuropa angenommen, darunter vom italienischen Maler und Illustrator Bruno Caruso; Deutsche Künstler Käthe Kollwitz, George Grosz, Otto Dix und Max Beckmann; schwedischer Künstler Torsten Billman; Die niederländischen Künstler Charley Toorop und Pyke Koch; Die französischen Künstler Maurice de Vlaminck, Roger de La Fresnaye, Jean Fautrier und Francis Gruber; und die belgischen Künstler Eugène Laermans und Constant Permeke.

Die intensive politische Polarisierung dieser Ära verwischte die Unterscheidung zwischen sozialem Realismus und sozialistischem Realismus in der öffentlichen Wahrnehmung, was dazu führte, dass die abstrakte Kunst beide als vorherrschende künstlerische Bewegung in Westeuropa und den Vereinigten Staaten Mitte des 20. Jahrhunderts verdrängte.

Frankreich

Der Realismus, eine künstlerische Bewegung, die sich auf die Darstellung der beobachtbaren Realität konzentriert, erlangte Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts in Frankreich erhebliche Popularität. Seine Entstehung fiel mit dem Aufkommen der Fotografie zusammen, einem neuartigen visuellen Medium, das den Wunsch nach objektiv realistischen Darstellungen weckte. Der Realismus stand im krassen Gegensatz zur Romantik, einem Genre, das Mitte des 19. Jahrhunderts die französische Literatur und Kunst dominiert hatte. Der Realismus verzichtete auf persönliche Voreingenommenheit, vertrat die Ideologie der äußeren Realität und lehnte übertriebenen Emotionalismus ab, wobei Wahrheit und Genauigkeit für viele Realisten, darunter auch Gustave Courbet, zu den Hauptzielen wurden.

Russland und die Sowjetunion

Die Bewegung des französischen Realismus fand Parallelen in anderen westlichen Ländern, entwickelte sich jedoch etwas später. Insbesondere die Peredwischniki oder Wanderer, eine in den 1860er Jahren gegründete russische Gruppe, organisierten ab 1871 Ausstellungen und umfassten einflussreiche Realisten wie Ilja Repin, die die russische Kunst maßgeblich beeinflussten.

Diese bedeutende künstlerische Laufbahn gipfelte in der Entwicklung des sozialistischen Realismus, der anschließend über sechs Jahrzehnte lang die sowjetische Kultur und den künstlerischen Ausdruck dominierte. Der Sozialistische Realismus, eine Kunstrichtung, die sozialistische Ideologien verkörpert, porträtierte in den 1930er Jahren das zeitgenössische gesellschaftliche und politische Leben aus einer linken Perspektive. Es konzentrierte sich auf Themen von gesellschaftlichem Interesse, insbesondere auf die Kämpfe und täglichen Nöte des Proletariats, und betonte dabei heldenhaft die Tugenden loyaler kommunistischer Arbeiter.

Die zugrunde liegende Ideologie des sozialistischen Realismus, die durch die Darstellung des Heldentums der Arbeiterklasse vermittelt wurde, zielte darauf ab, revolutionäres Handeln zu fördern und ein Bild des Optimismus und der Bedeutung der Produktivität zu verbreiten. Die Kultivierung von Optimismus war entscheidend für die Vermittlung von Patriotismus, der als entscheidend für den Aufbau einer erfolgreichen sozialistischen Nation galt. Die Gewerkschaftszeitung, die Literaturnaya Gazeta, charakterisierte den sozialen Realismus als „die Darstellung der proletarischen Revolution“. Während der Führung Josef Stalins galt der sozialistische Realismus als wesentliches Propagandainstrument, insbesondere auf Plakaten, um den öffentlichen Optimismus aufrechtzuerhalten und zu gesteigerten Produktionsanstrengungen zu ermutigen, was für sein Ziel, Russland zu industrialisieren, unabdingbar war.

Lenins Philosophie ging davon aus, dass Kunst für die Bevölkerung zugänglich sein und sich an den proletarischen Interessen orientieren sollte. Er behauptete, dass „Kunst auf ihren Gefühlen, Gedanken und Ansprüchen basieren und mit ihnen wachsen sollte“, und plädierte darüber hinaus für die Integration der Literatur in die kollektiven Bemühungen des Proletariats. Nach der Revolution von 1917 förderte die aufstrebende kommunistische Parteiführung vielfältige künstlerische Experimente. Lenin behauptete jedoch, dass der offiziell von der Sowjetunion genehmigte Kunststil für die überwiegend ungebildete Bevölkerung Russlands leicht verständlich sein müsse, wodurch abstrakte Formen wie Suprematismus und Konstruktivismus ausgeschlossen seien.

Es kam zu einer bedeutenden künstlerischen Debatte, in der vor allem Befürworter der „proletarischen Kunst“, die sich für eine völlige Loslösung von bürgerlichen Kunsttraditionen aussprachen, mit denen, insbesondere Leo Trotzki, kontrastierten, die behaupteten, dass Kunst innerhalb einer Arbeitergesellschaft dies tun müsse Assimilieren Sie bürgerliche künstlerische Prinzipien, bevor Sie Fortschritte machen.

Joseph Stalins Machtkonsolidierung führte direkt zur Institutionalisierung einer offiziellen Kunstform. Am 23. April 1932 gründete das Zentralkomitee der Kommunistischen Partei unter Stalins Führung den Verband sowjetischer Schriftsteller, der anschließend die neu definierte Ideologie des sozialen Realismus sanktionierte.

Bis 1934 wurden alle unabhängigen Künstlerkollektive aufgelöst, was die Veröffentlichungsmöglichkeiten für Einzelpersonen außerhalb des Verbandes sowjetischer Schriftsteller erheblich erschwerte. Jede literarische oder visuelle Kunst, die nicht der Ideologie des sozialen Realismus entsprach, wurde zensiert oder verboten. Diese unter Josef Stalin initiierte künstlerische Bewegung erwies sich als einer der nachhaltigsten und pragmatischsten Ansätze des 20. Jahrhunderts. Gleichzeitig mit der kommunistischen Revolution fand eine Kulturrevolution statt, die Stalin und der Kommunistischen Partei eine stärkere Kontrolle über die sowjetische Kultur gewährte und Ausdrucksformen geopolitischer Ideologien unterdrückte, die von denen des sozialistischen Realismus abwichen. Der Niedergang des sozialen Realismus fiel mit der Auflösung der Sowjetunion im Jahr 1991 zusammen.

Im Film

Die filmische Manifestation des sozialen Realismus hat ihren Ursprung im italienischen Neorealismus, was insbesondere in den Werken von Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Luchino Visconti und in geringerem Maße auch Federico Fellini deutlich wird.

Im britischen Kino

Das frühe britische Kino ließ sich von den sozialen Interaktionen inspirieren, die in den literarischen Werken von Charles Dickens und Thomas Hardy dargestellt wurden. James Williamsons Film Ein Reservist vor dem Krieg und nach dem Krieg aus dem Jahr 1902 ist ein frühes Beispiel dafür, wie das britische Kino den Realismus für sozialen Protest nutzte und die Rückkehr eines Soldaten aus dem Burenkrieg in die Arbeitslosigkeit schilderte. Die strenge Zensur zwischen 1945 und 1954 schränkte die Darstellung radikalerer gesellschaftlicher Positionen in britischen Filmen ein.

Nach dem Ersten Weltkrieg schätzte die britische Mittelschicht typischerweise filmischen Realismus und Zurückhaltung, während die Arbeiterklasse im Allgemeinen Hollywood-Genreproduktionen bevorzugte. Infolgedessen erlangte der Realismus Assoziationen mit Intellektualismus und tiefer Ernsthaftigkeit. Diese sozio-ästhetischen Differenzierungen entwickelten sich zu dauerhaften Motiven, wobei der soziale Realismus nun mit Arthouse-Autoren verknüpft ist, während Mainstream-Hollywoodfilme die Multiplexkinos dominieren.

In den 1940er Jahren bekräftigte Produzent Michael Balcon diese Dichotomie, indem er die Konkurrenz der britischen Filmindustrie mit Hollywood als Kontrast zwischen „Realismus und Lametta“ charakterisierte. Als Leiter der Ealing Studios war Balcon maßgeblich an der Förderung eines nationalen Kinos beteiligt, das von Stoizismus und Wahrhaftigkeit geprägt war. Der Kritiker Richard Armstrong bemerkte: „Durch die Kombination des objektiven Temperaments und der Ästhetik der Dokumentarfilmbewegung mit den Stars und Ressourcen des Studiofilmschaffens übte das britische Kino der 1940er Jahre einen mitreißenden Anklang bei einem Massenpublikum aus.“

Der soziale Realismus im Kino spiegelte die tiefgreifenden gesellschaftlichen Veränderungen wider, die im Großbritannien während des Krieges stattfanden. Die Beteiligung von Frauen an militärischen Aufgaben und in Munitionsfabriken stellte konventionelle Geschlechternormen in Frage. Die weit verbreitete Einführung von Rationierungen, häufige Luftangriffe und beispiellose staatliche Eingriffe in das Leben einzelner Menschen förderten eine kollektive soziale Philosophie und Weltanschauung. Zu den bemerkenswerten sozialrealistischen Filmen aus dieser Zeit gehören Target for Tonight (1941), In Which We Serve (1942), Millions Like Us (1943) und This Happy Breed (1944). Laut dem Historiker Roger Manvell „stürmte die Öffentlichkeit nach der Wiedereröffnung der Kinos, die zunächst aufgrund von Luftangriffsbefürchtungen geschlossen worden waren, auf der Suche nach Erholung von der anstrengenden Arbeit, Kameradschaft, Spannungsabbau, emotionaler Befriedigung und, sofern verfügbar, nach einer Bestätigung menschlicher Werte.“

In der Nachkriegszeit wurden Kinoproduktionen wie Passport to Pimlico (1949) und The Blue Lamp produziert (1949) und The Titfield Thunderbolt (1952) stärkten traditionelle patrizische Werte und etablierten so eine Dichotomie zwischen der kollektiven Solidarität während des Krieges und der aufkommenden Konsumkultur.

Die Ernennung von Sydney Box zum Leiter von Gainsborough Pictures im Jahr 1946 markierte einen bedeutenden Wandel von den erfolgreichen Gainsborough-Melodramen aus Kriegszeiten hin zum sozialen Realismus. Während des Zweiten Weltkriegs kam es zu Problemen wie vorübergehenden sexuellen Beziehungen, Ehebruch und unehelichen Geburten. Box, der dem Realismus Vorrang vor dem einräumte, was er als „extravagante Fantasie“ bezeichnete, beleuchtete diese und andere gesellschaftliche Probleme wie die Adoption von Kindern, Jugendkriminalität und Vertriebene in Filmen wie „When the Bough Breaks“ (1947), „Good-Time Girl“ (1948), „Portrait from Life“ (1948) und „The Lost People“. (1949) und Boys in Brown (1949). Box zeigte auch die aufkeimenden Freizeitaktivitäten von Arbeiterfamilien im Nachkriegs-Großbritannien in Produktionen wie Holiday Camp (1947), Easy Money (1948) und A Boy, a Girl and a Bike (1949). Box hielt an seinem Engagement für sozialrealistisches Filmemachen fest, auch nach der Schließung von Gainsborough im Jahr 1951. 1952 erklärte er: „Es wurde noch kein Film über die Tolpuddle Martyrs, die Suffragettenbewegung, den zeitgenössischen National Health Service, die Kontroversen um Patentmedikamente, die globale Ölregulierung oder die gewinnorientierte Herstellung von Waffen produziert.“ Dennoch verfolgte er diese spezifischen Erzählungen nicht weiter und befasste sich stattdessen mit Themen wie Abtreibung, Prostitution bei Jugendlichen, Bigamie, Vernachlässigung von Kindern, Ladendiebstahl und Drogenhandel in Filmen wie Street Corner (1953), Too Young to Love (1959) und Subway in the Sky (1959).

Die britische New-Wave-Filmbewegung entstand während der 1950er und 1960er Jahre. Prominente britische Autoren wie Karel Reisz, Tony Richardson und John Schlesinger nutzten umfangreiche Kinematographie und direkte Dialoge, um das Leben gewöhnlicher Briten in der gesellschaftlichen Landschaft der Nachkriegszeit darzustellen. Die Lockerung der Zensurbestimmungen ermöglichte es Filmemachern, sich mit Themen wie Prostitution, Abtreibung, Homosexualität und Entfremdung auseinanderzusetzen. Typische Charaktere waren Fabrikarbeiter, untergeordnete Büroangestellte, unzufriedene Ehepartner, schwangere Partner, Flüchtlinge, Ausgegrenzte, Verarmte und an Depressionen leidende Personen. Der archetypische New-Wave-Protagonist war oft ein Mann aus der Arbeiterklasse, der darum kämpfte, in einer Gesellschaft, die durch den Niedergang traditioneller Industrien und der damit verbundenen kulturellen Rahmenbedingungen gekennzeichnet war, eine Orientierung zu finden.

Zeitgenössisches sozialrealistisches Kino wird weiterhin von Filmemachern wie Mike Leigh und Ken Loach produziert.

Repräsentative britische New-Wave-Filme

• Room at the Top (1958)
• Saturday Night and Sunday Morning (1960)
• Die Einsamkeit des Langstreckenläufers (1962)
• Eine Art Liebe (1962)

Sozialer Realismus im indischen Kino

Im indischen Kino

Der soziale Realismus kam in den 1940er und 1950er Jahren auch im Hindi-Kino zum Ausdruck, beispielsweise in Chetan Anands Neecha Nagar (1946), der bei den ersten Filmfestspielen von Cannes die Goldene Palme gewann, und in Bimal Roys Two Acres of Land (1953), der 1954 bei den Filmfestspielen von Cannes den Internationalen Preis erhielt. Der kritische Beifall dieser Produktionen förderte anschließend die Entstehung der Indian New Wave mit frühen bengalischen Kunstfilmen wie Ritwik Ghataks Nagarik (1952) und Satyajit Rays The Apu Trilogy (1955–59). Die Tradition des Realismus im indischen Kino lässt sich bis in die 1920er und 1930er Jahre zurückverfolgen, mit bahnbrechenden Werken wie V. Shantarams Filmen Indian Shylock (1925) und The Unaccpected (1937).

Repräsentative neorealistische und sozialrealistische Filme im amerikanischen Kino

• Körper und Seele (1947)
• Thieves' Highway (1949)
• Die jungen Liebhaber (1949)
• Empörung (1950)
• Hart, schnell und schön (1951)
• Der Bigamist (1953)
• Der Anhalter (1953)
• Kleiner Flüchtling (1953)
• Salz der Erde (1954)
• The Phenix City Story (1955)
• On the Bowery (1957)
• Schatten (1959)
• The Exiles (1961)
• The Cool World (1963)
• Nichts als ein Mann (1964)
• Wanda (1970)
• Dusty und Sweets McGee (1971)
• Mörder der Schafe (1978)
• Nordlichter (1978)
• Bush Mama (1979)
• Dieb (1981)
• El Norte (1983)
• Die Hochzeit meines Bruders (1983)
• Bless Their Little Hearts (1984)
• Fremder als das Paradies (1984)
• Down By Law (1986)
• Border Radio (1987)
• American Me (1992)
• Angestellte (1994)
• Freitag (1995)
• Das Delta (1996)
• George Washington (2000)
• 8 Mile (2002)
• Man Push Cart (2005)
• Half Nelson (2006)
• Chop Shop (2007)
• Frownland (2007)
• Der Besucher (2007)
• Frozen River (2008)
• Zucker (2008)
• Wendy und Lucy (2008)
• Meek's Cutoff (2010)
• Winter's Bone (2010)
• Nebraska (2013)
• Mandarine (2015)
• American Honey (2016)
• Mondlicht (2016)
• Der Reiter (2017)
• Patti Cake$ (2017)
• Das Florida-Projekt (2017)
• Achte Klasse (2018)
• Der letzte schwarze Mann in San Francisco (2018)
• Leave No Trace (2018)
• Roma (2018)
• Nie, selten, manchmal, immer (2020)
• Rote Rakete (2021)
• Anora (2024)

Filmemacher, die mit dem amerikanischen Neorealismus/sozialen Realismus verbunden sind:

• Chloe Zhao
• Ramin Bahrani
• Sean Baker
• Charles Burnett
• Barry Jenkins
• John Cassavetes
• Shirley Clarke
• Ida Lupino
• Jim Jarmusch
• Barbara Loden
• Kent Mackenzie
• Kelly Reichardt

Quellen:

Liste der Künstler

Die nachfolgende, nicht erschöpfende Liste identifiziert Künstler, die mit der Bewegung des sozialen Realismus in Verbindung gebracht wurden:

Amerikanischer Realismus

• Amerikanischer Realismus
• British New Wave
• Gabriel Bracho, ein wichtiger Vertreter der künstlerischen Bewegung des sozialen Realismus in Venezuela
• Italienischer Neorealismus
• Küchenspüle realistisch
• Naturalismus
• Realismus
• Film:
  B-Film
  • Minimalistischer Film
  • Modernistischer Film
  • Postmodernistischer Film
  • Kunstfilm
  • Film Noir

Referenzen

• Medien zum Thema Sozialer Realismus bei Wikimedia Commons