Unter Street Art versteht man visuelle Kunstwerke, die im öffentlichen Raum geschaffen werden und für eine breite Öffentlichkeitswirkung bestimmt sind. Dieses künstlerische Genre wurde mit verschiedenen Bezeichnungen in Verbindung gebracht, darunter „Independent Art“, „Post-Graffiti“, „Neo-Graffiti“ und Guerilla-Kunst.
Street Art ist visuelle Kunst, die an öffentlichen Orten zur öffentlichen Sichtbarkeit geschaffen wird. Sie wurde mit den Begriffen „Independent Art“, „Post-Graffiti“, „Neo-Graffiti“ und Guerilla-Kunst in Verbindung gebracht.
Straßenkunst entstand zunächst aus trotzigem Graffiti und hat sich zu einem stärker kommerzialisierten künstlerischen Ausdruck entwickelt, der sich vor allem durch seine kommunikative Absicht auszeichnet. Ihr Ziel besteht häufig darin, zum Nachdenken anzuregen, anstatt Missbilligung bei der breiten Öffentlichkeit hervorzurufen, indem ihr Zweck deutlicher zum Ausdruck gebracht wird als bei herkömmlichen Graffiti. Darüber hinaus ist das Konzept der Autorisierung von zentraler Bedeutung für die Straßenkunst, da Graffiti in der Regel nicht genehmigt sind, während zeitgenössische Straßenkunst aus formellen Vereinbarungen oder sogar direkten Aufträgen resultieren kann. Dennoch unterscheidet es sich von konventioneller Kunst im öffentlichen Raum durch die bewusste Integration des physischen Raums während seiner Konzeptualisierung.
Hintergrund
Straßenkunst umfasst künstlerische Kreationen, die öffentlich auf Gebäuden, Durchgangsstraßen, Zügen und anderen für die Öffentlichkeit sichtbaren Oberflächen ausgestellt werden. Zahlreiche Beispiele manifestieren sich als Guerilla-Kunst, die einen persönlichen Kommentar zum gesellschaftlichen Kontext des Künstlers vermitteln soll. Diese Kunstform hat sich von ihren Ursprüngen in Graffiti und Vandalismus zu zeitgenössischen Praktiken entwickelt, bei denen Künstler darauf abzielen, Botschaften zu vermitteln oder einem Publikum einfach ästhetische Werte zu vermitteln.
Einige Praktiker nutzen „intelligenten Vandalismus“, um das Bewusstsein für soziale und politische Belange zu schärfen, während andere städtische Umgebungen als Schauplätze für die Ausstellung persönlicher künstlerischer Ausdrucksformen nutzen. Künstler schätzen möglicherweise auch die inhärenten Herausforderungen und Risiken ein, die mit der unbefugten Installation von Kunstwerken in öffentlichen Bereichen verbunden sind. Eine vorherrschende Motivation besteht darin, dass die Produktion von Kunst im öffentlichen Raum es Künstlern, die sich andernfalls möglicherweise ausgegrenzt fühlen würden, ermöglicht, ein deutlich größeres Publikum anzusprechen, als es traditionelle Kunstformen oder Galerien erlauben würden.
Während traditionelle Graffiti-Künstler überwiegend Sprühfarbe verwenden, umfasst „Straßenkunst“ eine Vielzahl von Medien, darunter LED-Kunst, Mosaikfliesen, Schablonengraffiti, Aufkleberkunst, Reverse-Graffiti, „Lock On“-Skulpturen, Weizenkleister, Holzschnitt, Garnbombing und Rock Ausbalancieren.
Neue Medien wie Videoprojektionen auf ausgedehnte städtische Strukturen stellen ein zunehmend beliebtes Medium für Straßenkünstler dar. Der Zugang zu erschwinglicher Computerhardware und -software ermöglicht es solchen künstlerischen Unternehmungen, mit der Unternehmenswerbung mithalten zu können. Folglich können Künstler kostenlos Kunstwerke von PCs aus erstellen und stellen damit eine wettbewerbsfähige Alternative zu kommerziellen Unternehmen dar.
Ursprünge
Protestslogans und politische oder soziale Kommentare, die durch Wandgraffiti ausgedrückt werden, dienen als Vorläufer der modernen Graffiti- und Straßenkunst und bleiben als Bestandteil des Genres bestehen. Straßenkunst, ob textuell oder mit einfachen ikonischen Grafiken, kann sich zu weithin anerkannten, aber rätselhaften Symbolen entwickeln, die für einen bestimmten Ort oder eine bestimmte historische Epoche repräsentativ sind. Als frühes Beispiel wird oft das „Kilroy Was Here“-Graffiti aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs angeführt, das durch eine rudimentäre Strichzeichnung einer langnasigen Gestalt gekennzeichnet ist, die hinter einem Felsvorsprung hervorschaut. Der Autor Charles Panati spielte auf die breite Anziehungskraft der Straßenkunst an, indem er die „Kilroy“-Graffiti als „empörend nicht wegen ihrer Aussage, sondern wegen der Stelle, an der sie auftauchte“ beschrieb. Ein bedeutender Teil der zeitgenössischen Straßenkunst hat seinen gut dokumentierten Ursprung im Graffiti-Boom in New York City. Diese Bewegung begann in den 1960er-Jahren, entwickelte sich in den 1970er-Jahren weiter und erreichte in den 1980er-Jahren ihren Höhepunkt mit der Schaffung von aufgesprühten U-Bahn-Wandgemälden voller Waggons, die besonders in der Bronx eine große Rolle spielten.
In den 1980er Jahren erlebte die Straßenkunst einen bedeutenden Wandel und wandelte sich von den textzentrierten Kreationen, die zu Beginn des Jahrzehnts vorherrschten, hin zu eher visuell-konzeptuellen Formen, beispielhaft dargestellt durch Hambletons markante Schattenfiguren. In dieser Ära entstanden auch Keith Harings subversive U-Bahn-Werbung und Jean-Michel Basquiats ikonische SAMO-Tags. In dieser Anfangsphase befand sich das Konzept der „Straßenkunst“ als gangbarer Karriereweg noch in der Entwicklung, und Techniken wie Schablonengraffiti befanden sich noch im Anfangsstadium. Mit Weizenkleister beklebte Straßenplakate, die ursprünglich für die Promotion von Bands und Clubs verwendet wurden, entwickelten sich zu legitimen Kunstwerken oder „Kopierkunst“ und wurden in den 1980er Jahren weltweit zu einem allgegenwärtigen städtischen Merkmal. Gleichzeitig war das Kollektiv AVANT in New York aktiv. Die der Punkrockmusik innewohnenden subversiven Ideologien spielten in diesem Jahrzehnt auch eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Street Art als eigenständiges Kunstgenre. Die bei vielen Straßenkünstlern vorherrschende Anti-Establishment- und Anti-Museums-Stimmung lässt sich auf Marinettis „Manifest des Futurismus“ von 1909 zurückführen, in dem es berühmt wurde: „Wir werden alle Museen zerstören.“ Diese Perspektive untermauert die Überzeugung zahlreicher Straßenkünstler, dass Kunst öffentlich zugänglich sein sollte, frei von institutionellen Barrieren und Eintrittsgebühren.
Frühe ikonische Werke
Seit den 1970er Jahren dient die Nordwestmauer an der Kreuzung von Houston Street und Bowery in New York City als prominente Leinwand für Künstler. Dieser Ort, heute allgemein als Bowery Mural bekannt, diente ursprünglich als vernachlässigte Fläche, die von Graffiti-Künstlern frei genutzt wurde. Im Jahr 1982 nutzte Keith Haring die Mauer insbesondere für seine künstlerischen Zwecke. Nach Harings Intervention trugen eine Reihe renommierter Straßenkünstler zur Gestaltung des Ortes bei und steigerten seinen Status nach und nach zu einem prestigeträchtigen Ort. Im Jahr 2008 ging die Mauer in eine private Verwaltung über, wobei Künstlern der Zugang ausschließlich im Auftrag oder auf Einladung gewährt wurde.
In den späten 1970er Jahren initiierte René Moncada eine Reihe von Wandgemälden in SoHo, New York, auf denen die Aussage ICH BIN DER BESTE KÜNSTLER an prominenter Stelle zu sehen war. Moncada beschrieb diese Wandgemälde als eine trotzige Geste gegenüber einer Kunstgemeinschaft, von der er glaubte, sie mit aufgebaut zu haben, von der er sich jedoch später übersehen fühlte. Diese Werke erlangten Anerkennung als frühes Beispiel einer „Kunstprovokation“ und lösten zu ihrer Zeit erhebliche Diskussionen und Debatten aus. Damit verbundene Rechtsstreitigkeiten belebten den Diskurs über geistiges Eigentum, Künstlerrechte und den Ersten Verfassungszusatz zusätzlich. Über ihren kontroversen Charakter hinaus wurden diese allgegenwärtigen Wandgemälde zu einer beliebten Kulisse für Fotos von Touristen und Kunststudenten und wurden häufig in Werbekampagnen und Hollywood-Produktionen verwendet. Trotz häufiger Verunstaltungen wurden die IATBA-Wandgemälde von René immer wieder neu bemalt.
Franco der Große, weithin als „Picasso von Harlem“ bekannt, ist ein international anerkannter Straßenkünstler, der für seine innovative Kunstform bekannt ist. Nach der Ermordung von Martin Luther King Jr. im Jahr 1968 führten weit verbreitete Unruhen dazu, dass Geschäftsinhaber in Harlem schmucklose Sicherheitstore aus Metall an ihren Ladenfronten anbrachten. 1978 verwandelte Franco diese negative Konsequenz in einen positiven künstlerischen Ausdruck, indem er auf diesen Stahltoren eine neue Kunstform entwickelte. Seitdem hat er über 200 Tore entlang der 125. Straße, vom westlichen bis zum östlichen Ende, bemalt, normalerweise sonntags, wenn die Geschäfte geschlossen sind. Daher wird die 125. Straße in Harlem umgangssprachlich auch „Franco's Blvd“ genannt, ein Beweis für seine prächtigen Gemälde, die die metallenen Geschäftstore schmückten.
Kommerzielles Crossover
Eine Reihe von Straßenkünstlern haben mit ihren Kreationen internationale Anerkennung erlangt und erfolgreich den Übergang vom Straßenkunstbereich in die Mainstream-Kunstwelt geschafft, wobei einige gleichzeitig ihre Praxis im öffentlichen Raum beibehalten. Keith Haring war einer der Pioniere unter den Straßenkünstlern der 1980er Jahre, denen dieser Crossover gelang. Darüber hinaus wurden traditionelle Graffiti- und Street-Art-Ästhetik zunehmend in die Mainstream-Werbung integriert, was dazu führte, dass Künstler in zahlreichen Fällen als Grafikdesigner für Unternehmen beauftragt wurden. Beispielsweise hat der Graffiti-Künstler Haze Schriftarten und Grafikdesigns für bekannte Musikgruppen wie die Beastie Boys und Public Enemy beigesteuert. Shepard Faireys Straßenplakate mit Darstellungen des damaligen Präsidentschaftskandidaten Barack Obama wurden im Auftrag einer Kommission speziell für den Präsidentschaftswahlkampf adaptiert, und eine Variante dieses Kunstwerks wurde auf dem Cover des Time-Magazins abgebildet. Darüber hinaus ist es für Straßenkünstler üblich, eigene Merchandising-Unternehmen zu gründen.
Das erhöhte Profil von Künstlern wie Banksy hat der Straßenkunst bedeutende künstlerische Anerkennung verliehen. Infolgedessen hat sich Street Art in zahlreichen europäischen Stadtzentren zu einer herausragenden kulturellen Attraktion entwickelt. Einige Künstler führen mittlerweile Führungen durch die lokale Straßenkunst durch und bieten Einblicke in die konzeptionellen Grundlagen verschiedener Stücke, die Beweggründe für das Markieren und den thematischen Inhalt, der durch Graffiti vermittelt wird. Städte wie Berlin, London, Paris und Hamburg bieten das ganze Jahr über beliebte Street-Art-Touren an. Berichten zufolge gibt es in London beispielsweise zehn verschiedene Graffiti-Touren für Besucher. Viele Reiseveranstalter, darunter Alternative London, ParisStreetArt und AlternativeBerlin, legen Wert auf die Zusammenarbeit mit lokalen Künstlern, um sicherzustellen, dass Besucher ein authentisches Erlebnis statt einer standardisierten Erzählung erhalten.
Ein erheblicher Teil dieser Reiseleiter besteht aus Malern, Kunstabsolventen und anderen kreativen Fachleuten, die Street Art als Medium für die Ausstellung ihrer Kreationen nutzen. Diese kommerzielle Dimension ermöglicht es ihnen, die Öffentlichkeit in die Welt der Straßenkunst einzuführen und so ein tieferes Verständnis ihrer Ursprünge zu fördern. Es wurde vermutet, dass die zunehmende Beliebtheit von Straßenkunst zu Gentrifizierungsprozessen beiträgt.
Rechtliche und ethische Überlegungen
Straßenkunst stößt häufig auf rechtliche Komplexität. Zu den beteiligten Parteien können der Künstler, die Stadtverwaltung, der beabsichtigte Begünstigte und der Eigentümer der Struktur oder Oberfläche gehören, auf der das Kunstwerk ausgestellt wird. Ein bemerkenswertes Beispiel für die potenziellen rechtlichen, moralischen und ethischen Dilemmata ereignete sich 2014 in Bristol, England. Banksys „Mobile Lovers“, das ursprünglich auf Sperrholz gemalt war und an einem öffentlichen Eingang befestigt war, wurde anschließend von einem Bürger entfernt, der es verkaufen wollte, um Geld für einen Jungenclub zu sammeln. Anschließend beschlagnahmte die Stadtverwaltung das Kunstwerk und verlegte es in ein Museum. Als Banksy von der Situation erfuhr, vermachte er das Stück dem ursprünglichen Bürger, in der Annahme, dass seine Absichten legitim waren. In diesem Fall, wie auch in ähnlichen Fällen, erfordern Streitigkeiten über Eigentum, öffentliches Eigentum, unbefugtes Betreten und Vandalismus eine gerichtliche Lösung.
Urheberrechtsschutz
Im Jahr 2005 enthielt Banksys Veröffentlichung Wall and Piece einen Verlegerhinweis mit der Aussage: „Copyright is for losers ©™“.
Nach den gesetzlichen Bestimmungen der Vereinigten Staaten haben Straßenkunstwerke Anspruch auf Urheberrechtsschutz, sofern sie rechtmäßig installiert sind und zwei zusätzliche Kriterien erfüllen: inhärente Originalität und Fixierung in einem materiellen Medium. Dieser Urheberrechtsschutz gilt für die Lebenszeit des Künstlers plus weitere 70 Jahre. Bei kollaborativem Schaffen zweier Künstler hätten beide Parteien gemeinsame Urheberrechte. Straßenkünstler behalten auch moralische Rechte an ihren Schöpfungen, die sich von den durch das Urheberrecht verliehenen wirtschaftlichen Rechten unterscheiden und das Recht auf Integrität und das Recht auf Namensnennung umfassen. In letzter Zeit hat Street Art bei Kunstkritikern immer mehr Anerkennung gefunden, was dazu geführt hat, dass namhafte Unternehmen wegen der unerlaubten Verwendung solcher Kunst in Werbekampagnen vor Gericht gestellt wurden. Beispielsweise nutzte der Fast-Fashion-Händler H&M Street Art von Jason „Revok“ Williams in einer Werbeserie. Als Reaktion auf Williams‘ „Unterlassungserklärung“ reichte H&M eine Klage ein und machte geltend, dass das Kunstwerk ein „Produkt kriminellen Verhaltens“ sei und daher nicht für den Urheberrechtsschutz in Frage käme. Für diese Rechtsperspektive gibt es Präzedenzfälle, insbesondere in den Fällen Villa v. Pearson Education und den Fällen, in denen Moschino und Jeremy Tierney involviert sind. In allen drei oben genannten Fällen wurden Vergleiche erzielt, bevor eine gerichtliche Entscheidung über die Rechtmäßigkeit des Kunstwerks getroffen wurde. Unternehmen entscheiden sich in der Regel für außergerichtliche Vergleiche, um teure und langwierige Rechtsstreitigkeiten zu vermeiden.
Im Hinblick auf die Zerstörung von Straßenkunst haben sich die Vereinigten Staaten auf den Visual Artists Rights Act (VARA) berufen, um Urheberpersönlichkeitsrechte in die Urheberrechtsgesetzgebung zu integrieren. In den Fällen English gegen BFC & R East 11th Street LLC und Pollara v. Seymour wurde festgestellt, dass VARA nicht für illegal installierte Kunstwerke gilt. Darüber hinaus wurde eine Unterscheidung zwischen entfernbaren und nicht entfernbaren Werken eingeführt und festgelegt, dass leicht entfernbare Kunst unabhängig von ihrem rechtlichen Status nicht vernichtet werden kann. Ein entscheidender Aspekt, den das Gericht im letztgenannten Fall prüfte, war die Frage, ob das Kunstwerk „anerkannte Statur“ besaß.
In einem Rechtsstreit, bei dem einer Künstlergruppe 6,7 Millionen US-Dollar zugesprochen wurden, kam das Gericht zu dem Schluss, dass das Kunstwerk ohne Genehmigung des Gebäudeeigentümers geschaffen wurde und dass ein wesentlicher Faktor der vorzeitige Abriss war, was auf vorsätzliche Absicht hindeutet.
Street Art, Guerrilla Art und Graffiti
Graffiti besteht typischerweise aus stilisierten Textelementen, die oft eine bestimmte Gruppe oder Gemeinschaft repräsentieren und öffentliche Botschaften vermitteln sollen, die für externe Beobachter verborgen bleiben. Im Gegensatz dazu zeichnet sich Street Art durch die Einbindung von Bildern, Illustrationen oder Symbolen aus, die eine bestimmte Botschaft vermitteln sollen. Trotz dieser Unterschiede weisen Graffiti und Street Art mehr Gemeinsamkeiten auf als nur eine gemeinsame Entstehungsgeschichte. Ein charakteristisches Merkmal der Straßenkunst, das zu ihrer positiven öffentlichen Wahrnehmung beiträgt, ist ihre Tendenz, allgemein verständliche Botschaften zu vermitteln.
Obwohl diese Kunstformen zahlreiche Unterschiede aufweisen, gehen ihre Ähnlichkeiten über ihre gemeinsamen Ursprünge hinaus. Sowohl Graffiti als auch Street Art stellen künstlerische Ausdrucksformen dar, die häufig durch das Streben nach Anerkennung, öffentlicher Präsenz und Kulturkritik motiviert sind. Unabhängig davon, ob Künstler anonym agieren, rätselhafte Kommunikation betreiben oder sich für bestimmte Anliegen einsetzen, eint sie der vorherrschende Wunsch nach Sichtbarkeit, Anerkennung und emotionaler Artikulation.
Der Begriff Street Art umfasst verschiedene Definitionen, darunter auch die Bezeichnung „Guerilla-Kunst“. Beide Begriffe charakterisieren öffentliche Kunstwerke, die strategisch mit bewusster Bedeutung und Zweck positioniert sind. Solche Werke können anonym ausgeführt werden, um kontroverse Themen anzusprechen, die negative Reaktionen hervorrufen könnten, oder sie können etablierten Künstlern zugeschrieben werden. Unabhängig von der verwendeten Terminologie dienen diese künstlerischen Kreationen in erster Linie als Mittel für Künstler, ihre Sichtweisen auf verschiedene Themen und gesellschaftliche Belange zu artikulieren.
Ähnlich wie bei Graffiti besteht ein grundlegendes Merkmal der Straßenkunst darin, dass sie häufig im öffentlichen Raum ohne oder unter Missachtung der Erlaubnis des Grundstückseigentümers geschaffen wird. Eine primäre Unterscheidung zwischen diesen Formen ergibt sich im zweiten Merkmal der Straßen- oder Guerillakunst: ihrer bewussten Darstellung und Zurschaustellung nicht konformer Handlungen, die darauf abzielen, die Umgebung herauszufordern. Diese Herausforderung kann sich in detaillierten Kritiken manifestieren, die sich mit gemeinschaftsspezifischen Anliegen befassen, oder in umfassenden Stellungnahmen, die sich auf einer öffentlichen Plattform mit globalen Themen befassen.
Diese Konzeptualisierung verdeutlicht die Assoziation von „Guerilla-Kunst“ mit dieser besonderen künstlerischen Praxis und Verhaltensweise. Der Begriff stammt aus der historischen Guerillakriegsführung, die durch unkontrollierte, unvorhersehbare Angriffe ohne formale Einsatzregeln gekennzeichnet war. Eine solche Kriegsführung unterschied sich erheblich von der konventionellen, formalisierten Kampfführung, die historisch in militärischen Konflikten vorherrschte. Im Diskurs über Straßenkunst bezieht sich „Guerilla-Kunst“ metaphorisch auf die uneingeschränkte, unerwartete und oft anonyme Kritik des Künstlers an gesellschaftlichen Strukturen oder Normen.
Es wurde die Frage aufgeworfen, ob die bloße Platzierung von Kunst in einer öffentlichen Durchgangsstraße Straßenkunst darstellt; Nicholas Riggle geht in einer kritischeren Untersuchung der Unterscheidung zwischen Graffiti und Straßenkunst davon aus, dass „ein Kunstwerk dann Straßenkunst ist – und nur dann, wenn seine materielle Nutzung der Straße seiner Bedeutung innewohnt“. Für den Straßenkünstler ist die Straße keine tabula rasa. Stattdessen besitzt es einen inhärenten Charakter, einen inhärenten Nutzen, eine Geschichte, eine Textur und eine Form. Street Art verändert neben breiteren urbanen Kunstformen entweder die städtische Umgebung oder initiiert einen öffentlichen Diskurs. Justin Armstrong unterscheidet Graffiti als eine ästhetische Besetzung von Räumen, während sich urbane Street Art durch die Umnutzung dieser Umgebungen auszeichnet.
Guerilla-Skulptur
Bei der Guerilla-Skulptur handelt es sich um die unbefugte Platzierung skulpturaler Werke in öffentlichen Straßenumgebungen, eine Praxis, die aus der Straßenkunst im England des späten 20. Jahrhunderts hervorgegangen ist. Über die unkonventionelle Platzierung dieser Kunstwerke hinaus erfordert ihre Entstehung häufig eine Vielzahl unterschiedlicher Techniken. Künstler agieren in der Regel heimlich und illegal, indem sie diese Stücke im Schutz der Nacht herstellen und installieren und so ihre Herkunft und Schöpfer in Anonymität hüllen. Diese Skulpturen dienen Künstlern als Medium, um ihre Perspektiven zu artikulieren und ein Publikum anzusprechen, das mit herkömmlichen öffentlichen Ausstellungsmethoden nicht zugänglich ist. Solche künstlerischen Ausdrucksakte werden nicht unternommen, um öffentliche Akzeptanz oder Bewunderung zu erregen; Tatsächlich lösen sie gelegentlich Empörung bei den Zuschauern aus.
Ein bemerkenswerter Fall war die unbefugte Installation einer Edward Snowden-Skulptur auf einer Säule im Fort Greene Park, New York City, die über Nacht erschien. Andere skulpturale Arbeiten integrieren zweidimensionale Hintergründe mit einem dreidimensionalen Element, wie beispielsweise Banksys Stück Spy Booth aus dem Jahr 2014. Bei dieser besonderen Arbeit handelte es sich um ein Wandgemälde an einer Wand in Cheltenham, England, das Spionagefiguren aus der Zeit des Kalten Krieges in Trenchcoats und Fedoras zeigt, die mit Spionagewerkzeugen wie Mikrofonen und Tonbandgeräten ausgestattet sind und scheinbar die Kommunikation aus einer beschädigten Telefonzelle abfangen.
Nach der Entfernung der Edward-Colston-Statue während der Black-Lives-Matter-Proteste in Bristol installierte der Künstler Marc Quinn seine Skulptur „A Surge of Power“ (Jen Reid) auf dem leeren Sockel am 15. Juli 2020. Dieses lebensgroße Kunstwerk aus schwarzem Harz und Stahl wurde von einem weit verbreiteten Bild der Demonstrantin Jen Reid inspiriert, die während der Bristol-Demonstration ihre Faust hob und daraufhin Quinns Aufmerksamkeit erregte. Der Stadtrat von Bristol entfernte die Statue am 16. Juli 2020.
Im Gegensatz zu nicht genehmigten Straßenskulpturen gibt es das Konzept der „institutionalisierten Guerilla-Skulptur“, die von bürgerlichen Behörden offiziell genehmigt wird und kommerziell genutzt werden darf. Ein Beispiel ist der niederländische Künstler Florentijn Hofman, der 2007 Rubber Duck produzierte, eine monumentale Interpretation eines klassischen Badespielzeugs.
In Lateinamerika, insbesondere in Mexiko, ist der Begriff Antimonumento aufgetaucht, der eine Form politischer Guerilla-Skulptur oder allgemeiner eine nicht autorisierte Installation eines politisch aufgeladenen Kunstwerks bezeichnet. Diese Installationen dienen dazu, die Untätigkeit des Staates zu verurteilen und öffentliche Räume zurückzugewinnen. Typischerweise wird ein Antimonumento während eines Protests aufgestellt und entspricht, wie Márcio Seligmann-Silva bemerkt, „dem Wunsch, sich aktiv an die (schmerzhafte) Vergangenheit zu erinnern.“ Solche Werke erinnern häufig an Themen wie Verschwindenlassen, Massaker, Migration und Femizid.
Das Phänomen der öffentlichen Akzeptanz in Bezug auf Street Art erfordert eine genauere Betrachtung.
Während Street Art weltweit allgegenwärtig ist, ist ihre große künstlerische Beliebtheit eine relativ neue Entwicklung. Die öffentliche Wahrnehmung von Straßenkunst hat sich erheblich verändert, was zu ihrer gesellschaftlichen Akzeptanz und ihrem Respekt an bestimmten öffentlichen Orten geführt hat. Dennoch bleibt die unbefugte Verunstaltung von privatem oder öffentlichem Eigentum, unabhängig von ihrem künstlerischen Wert oder ihrer Botschaft, weitgehend illegal.
Anfangs stellte Graffiti die einzige Form der Straßenkunst dar und wurde größtenteils als krimineller Akt der territorialen Abgrenzung und rudimentären Kommunikation angesehen. Historisch gesehen gab es eine klare Abgrenzung zwischen den Kreationen eines Straßenkünstlers und dem Akt der Markierung von öffentlichem oder privatem Eigentum; Allerdings verschwimmt diese Grenze zunehmend, da zeitgenössische Künstler sich zunehmend im Raum zwischen diesen beiden Praktiken bewegen. Kenner renommierter Street Art erkennen an, dass das Wesen des Genres untrennbar mit seinem urbanen Medium verbunden ist. Diese Kunstwerke sind von Natur aus anfällig für Veränderungen oder Zerstörung, da sie auf öffentlichen oder privaten Oberflächen geschaffen werden, die weder dem Künstler gehören noch offiziell von den Grundstückseigentümern genehmigt wurden. Diese Auseinandersetzung mit der potenziellen Vergänglichkeit der Kunst und die öffentliche, oft unbefugte Platzierung dieser Werke verleiht ihnen insgesamt Bedeutung und trägt zur zunehmenden Beliebtheit der Straßenkunst bei. Darüber hinaus initiierten im 21. Jahrhundert mehrere amerikanische Städte Programme, um Poesie in Bürgersteigbeton einzubetten, gelegentlich durch öffentliche Wettbewerbe für neue Kompositionen.
In einer möglichen Abkehr von der historischen Anti-Museums- und Anti-Kommerzialisierungshaltung einiger Straßenkünstler begann am 11. Dezember 2021 im Peterborough Museum, Vereinigtes Königreich, eine spezielle „Urban“-Street-Art-Ausstellung. Die Vorschau-Abendkarten kosteten 5 £ BIP, der anschließende allgemeine Eintritt kostete 8 £ pro Stück individuell. Diese Ausstellung wurde als „von großer nationaler (britischer) Bedeutung“ beschrieben und zeigt Künstler wie Banksy, Damien Hirst, My Dog Sighs, die Connor Brothers, Pure Evil und Blek le Rat. Bemerkenswert ist, dass das Bristol Museum seit einer Banksy-Übernahmeveranstaltung im Jahr 2009 Straßenkunst und Skulpturen zeigt.
Die Rolle der Straßenkunst innerhalb der städtischen Verschönerungsbewegungen ist ebenfalls ein wichtiges Diskussionsthema.
Angesichts der vielfältigen Vorteile und der oft erheblichen Kapitalrendite dient Straßenkunst als transformatives Instrument für Unternehmen, Bildungseinrichtungen, Stadtteile und Kommunen und fördert sicherere, lebendigere und inspirierendere Gemeinschaften. Dieser Trend hat in letzter Zeit zunehmende Anerkennung gefunden. Organisationen wie Beautify Earth haben Initiativen angeführt, die Städte dazu ermutigen, diese Vorteile zu nutzen, und so öffentliche Mauern, die andernfalls leer oder verfallen wären, weit verbreitet ästhetisch ansprechend zu gestalten.
Laut einem Artikel der Washington Post von Sydney Page ergab eine von Bloomberg Philanthropies in Zusammenarbeit mit der Beratungsfirma Sam Schwartz durchgeführte Sicherheitsstudie mit dem Titel „Asphalt Art Safety Study“, dass Zebrastreifen verziert waren Mit Wandgemälden wird die Unfallhäufigkeit an diesen Orten deutlich verringert.
Regionale Variationen
Street-Art-Manifestationen weisen eine beträchtliche regionale Vielfalt auf, die von indigenen Kulturpraktiken, vorherrschenden Rechtsstrukturen und städtischen Entwicklungsverläufen beeinflusst wird. In den folgenden Abschnitten werden bedeutende Konzentrationen und charakteristische Merkmale der Straßenkunst weltweit detailliert beschrieben.
Nordamerika
Kanada
Montreal hat sich zu einem bedeutenden Zentrum für urbane Kunst entwickelt, vor allem dank des 2013 ins Leben gerufenen MURAL Festivals, das die Schaffung von über 80 Wandgemälden in Le Plateau-Mont-Royal ermöglicht hat. Andere Gebiete, darunter Villeray, Downtown Montreal, Le Sud-Ouest und Hochelaga-Maisonneuve, sowie verschiedene Kunstviertel erweitern nach und nach die Street-Art-Präsenz der Stadt. Darüber hinaus feierte das jährliche Graffiti-Festival Under Pressure, das als Nordamerikas größtes gilt, im Jahr 2021 sein 25-jähriges Jubiläum.
Toronto verfügt über eine bemerkenswerte Graffiti-Kunstszene.
Historisch gesehen war Calgarys Graffiti- und Street-Art-Szene vergleichsweise bescheiden; Die jüngste Initiierung des Beltline Urban Mural Project (BUMP) hat jedoch internationale Künstler dazu gebracht, umfangreiche Wandgemälde im Stadtzentrum anzufertigen.
Vereinigte Staaten
New York City ist ein globaler Magnet für Künstler. In den 1980er Jahren verbreitete sich „Post-Graffiti“-Straßenkunst in den damals wenig genutzten Vierteln Manhattans, darunter SoHo, der Lower East Side und Teilen des East Village. Später entwickelte sich das Kunstviertel Chelsea zu einem weiteren bedeutenden Gebiet, in dem lokale Galerien regelmäßig formelle Ausstellungen mit Werken von Straßenkünstlern veranstalten. In Brooklyn sind die Stadtteile Williamsburg und Dumbo, insbesondere die an die Uferpromenade angrenzenden, für ihre Straßenkunst bekannt. In Bushwick, Brooklyn, befindet sich das inoffizielle Wandgemäldeviertel von New York City. Die kuratorische Leitung liegt bei The Bushwick Collective, einer gemeinnützigen Organisation.
In Chicago gibt es eine vielfältige Palette aufstrebender Straßenkunstformen mit prominenten Künstlern wie Matthew Hoffman, bekannt für sein Projekt You Are Beautiful, Sentrock, Jc Rivera (The Bear Champ) und Hebru Brantley, deren Werke in der ganzen Stadt weithin sichtbar sind.
In Pennsylvania führen sowohl Philadelphia als auch Pittsburgh Programme durch, die Gelder an Agenturen vergeben, die Straßenkünstler mit der Verschönerung städtischer Mauern beauftragen. Das 1984 gegründete Mural Arts Program in Philadelphia hat zum Ruf der Stadt als „Stadt der Wandgemälde“ beigetragen. Diese Initiative wurde konzipiert, um die Talente von Graffiti-Künstlern auf konstruktivere Unternehmungen umzulenken. Gleichzeitig wurden vom Sprout Fund in Pittsburgh unterstützte Wandgemälde 2006 von der Pittsburgh City Paper als „Beste öffentliche Kunst“ ausgezeichnet.
Atlantas Straßenkunst konzentriert sich hauptsächlich auf die Viertel Old Fourth Ward und Reynoldstown, den Krog Street Tunnel und entlang des 22 Meilen langen BeltLine-Eisenbahnkorridors, der die Innenstadt umgibt. Im Jahr 2011 richtete Atlanta eine Graffiti-Task Force ein. Während die Stadt bestimmte Wandgemälde als von der Intervention der Task Force ausgenommen ausnahm, ließ das Auswahlverfahren insbesondere den beliebten Standort des Krog Street Tunnels außer Acht. Auch Kunstwerke, die im Zusammenhang mit der jährlichen Street-Art-Konferenz Living Walls in Atlanta entstanden, wurden geschützt. Die Durchsetzungsmaßnahmen der Task Force, einschließlich der Verhaftung von als Vandalen eingestuften Künstlern, lösten jedoch Widerstand in der Bevölkerung aus, wobei einige Kritiker die Initiativen der Stadt für „fehlgeleitet“ oder „zwecklos“ hielten. Nach einer von einer Künstlergruppe im Jahr 2017 eingereichten Klage stimmte die Stadt Atlanta zu, die Durchsetzung einer Verordnung auszusetzen, die die kommunale Genehmigung für Wandgemälde auf Privatgrundstücken vorschreibt. Eine umfassende Ressource, die Atlanta Street Art Map, dokumentiert über 200 Street-Art-Werke in der Stadt und beschreibt ihre Bilder und Standorte.
Sarasota, Florida, ist seit seiner Gründung im Jahr 2007 Gastgeber des jährlichen Sarasota Chalk Festival, einer Street-Art-Veranstaltung. Eine eigenständige abgeleitete Initiative, Going Vertical, unterstützt die Schaffung von Street-Art; Einige dieser Werke wurden jedoch später aufgrund von Kontroversen entfernt.
Der Arts District von Los Angeles ist für seine umfangreiche Sammlung von Straßengemälden bekannt. Weitere prominente Standorte sind das Viertel Hollywood und Durchgangsstraßen wie Sunset Boulevard, La Brea, Beverly Boulevard, La Cienega und Melrose Avenue. Das 2011 gegründete LAB ART Los Angeles widmet seine 6.500 Quadratmeter große Galeriefläche der Präsentation von Straßenkunst. Die Sammlung umfasst Werke lokaler Künstler, darunter Alec Monopoly, Annie Preece, Smear und Morley.
Der Mission District von San Francisco, ein zentraler Knotenpunkt der Mission School-Bewegung, weist eine hohe Dichte an Straßenkunst auf, insbesondere entlang der Mission Street sowie der Clarion und Balmy Alleys. Darüber hinaus werden Gebiete wie Hayes Valley, SoMa, Bayview-Hunters Point und Tenderloin für ihren Beitrag zur Street-Art-Szene ausgezeichnet.
In den Vierteln East Village, Little Italy, North Park und South Park in San Diego sind Straßenkunstwerke von Künstlern wie VHILS, Shepard Fairey, Tavar Zawacki (auch bekannt als ABOVE), Space Invader und Os Gêmeos zu sehen. Wandgemälde verschiedener mexikanischer Künstler sind prominent im Chicano Park im Viertel Barrio Logan ausgestellt. Chicano Park, das nach einer Landübernahme durch die Gemeinde im Jahr 1970 gegründet wurde, feierte 2022 sein 52-jähriges Bestehen. Die Sammlung von über 80 Wandgemälden veranschaulicht verschiedene Facetten der Latino-Kultur, von Lowrider-Ästhetik bis hin zu aztekischen Kriegerbildern. Die künstlerischen Ausdrucksformen sollten Respekt und Anerkennung fördern und die Wahrnehmung dieser Räume verändern. Infolgedessen entwickelten sich diese Orte zu Symbolen des Aktivismus und des kulturellen Stolzes, anstatt als Orte des Vandalismus wahrgenommen zu werden. Nach der COVID-19-Pandemie hat Ground Floor Murals Werke produziert, die die multikulturellen Gemeinschaften von San Diego würdigen, darunter Persönlichkeiten wie der mexikanische Sänger Vicente Fernández, Spieler der San Diego Padres und namhafte lokale Gemeindemitglieder. Ihr erstes Wandgemälde zeigte Padres‘ Legende Tony Gwynn in City Heights.
In Richmond, Virginia, gibt es über 100 Wandgemälde, von denen viele von Künstlern geschaffen wurden, darunter zahlreiche Absolventen und aktuelle Studenten der School of the Arts der Virginia Commonwealth University. Diese Wandgemälde stammen aus verschiedenen Quellen, darunter private Aufträge von Einzelpersonen und Unternehmen, unabhängige Straßenkünstler und gemeinschaftliche Spendeninitiativen.
Seit Jahrzehnten bereichern Straßenkünstler aus Denver die Stadtlandschaft, indem sie die Gassen, Gebäudefassaden, Lagerhäuser, Garagentore und Schaufenster der Stadt als Leinwände nutzen. Die Stadt Denver verfügt über einen ausgewiesenen Bereich, den River North Art District (RiNo), der sich der Präsentation der Werke lokaler Künstler widmet. Die meisten Künstler im Bezirk RiNo erhalten Aufträge von örtlichen Geschäftsinhabern, die ihre Gebäude mit lebendigen Bildern schmücken möchten.
Mexiko
Straßenkunst entstand in Mexiko in den späten 1980er Jahren und erschien zunächst in Mexiko-Stadt auf Mehrfamilienhäusern in den nördlichen Bezirken und innerhalb des U-Bahn-Systems. In der Folge sind Urban Art und Graffiti zu einem festen Bestandteil der kulturellen Identität der Stadtgebiete der Metropole geworden. Derzeit sind zahlreiche Verbände und Gruppen aktiv an der Einrichtung und Identifizierung von Veranstaltungsorten für urbane Kunst in Mexiko-Stadt und dem gesamten Land beteiligt. Ein vielfältiges Spektrum an Künstlern, darunter sowohl aufstrebende als auch etablierte Talente mit nationalem und internationalem Hintergrund, haben ihre Werke in das Land eingebracht. In Oaxaca erstellen politische Druckkollektive wie ASARO, Colectivo Subterráneos und Lapiztola mit Weizenkleister bedruckte Drucke, die sich mit den Rechten der Ureinwohner und Anliegen der sozialen Gerechtigkeit befassen.
Darüber hinaus sind Medienplattformen wie All City Canvas auf die Förderung urbaner Kunst in Mexiko, Lateinamerika und weltweit spezialisiert. Im Jahr 2012 leistete All City Canvas Pionierarbeit bei der Gründung eines Straßenkunstfestivals in Mexiko mit dem Ziel, internationale Initiativen zu integrieren und eine Woche lang urbane Kunst in Mexiko-Stadt auszustellen. In jüngerer Zeit haben sie mit namhaften Künstlern wie Vhils, It's a Living und Bier in Brood zusammengearbeitet, um im Rahmen der All City Canvas Global Series mehrere Wandgemälde in verschiedenen Städten in Mexiko und den Vereinigten Staaten zu produzieren. Das Hauptziel der Initiative besteht darin, durch groß angelegte künstlerische Kreationen gesellschaftliche Wirkung zu erzielen. Dieser Ansatz hat die Entwicklung einer universellen Sprache rund um diesen künstlerischen Ausdruck erleichtert.
Südamerika
Buenos Aires ist bekannt für seine umfangreichen Wandgemälde und öffentlichen Kunstwerke, insbesondere in seinen U-Bahn-Stationen und verschiedenen öffentlichen Räumen. Die Entstehung der Straßenkunst in der argentinischen Hauptstadt geht auf die Mitte der 1990er Jahre zurück und wurde von Künstlern initiiert, die sich zuvor mit ähnlichen Bewegungen in Europa und anderen südamerikanischen Ländern beschäftigt hatten. Alfredo Segatori, bekannt als „Pelado“, gilt als einer der wegweisenden Straßenkünstler Argentiniens. Er begann seine Arbeit im Jahr 1994 und erhielt die Auszeichnung für das größte Wandgemälde des Landes, das sich über 2.000 Quadratmeter erstreckt.
Die Verbreitung von zum Abriss vorgesehenen Gebäuden bietet zahlreiche leere Leinwände für eine Vielzahl von Künstlern, die oft die Kapazitäten der Behörden, ihre Werke zu entfernen, überfordern. Zu den gemeinsamen thematischen Elementen, die „Grafiteiros“ in ihrer Straßenkunst und pichação – einem charakteristischen, runenartigen schwarzen Graffiti – untersuchen, gehören „Bevölkerungsdichte“ und „städtische Angst“, die häufig als Ausdruck von Klassenkonflikten interpretiert werden.
Prominente brasilianische Straßenkünstler sind Claudio Ethos, Os Gêmeos, Vitche, Onesto und Herbert Baglione.
Bogotá verfügt über zahlreiche Wände, die der Straße gewidmet sind Kunst, die auf eine starke künstlerische Bewegung hinweist. Besucher können verschiedene Wandinstallationen an Orten wie der Avenida El Dorado (TransMilenio), der Avenida Suba und im historischen Viertel La Candelaria beobachten. Darüber hinaus dient der Distrito Graffiti (Graffiti-Bezirk) als kuratierter Raum, der von Regierungsbehörden überwacht wird und über 600 Werke kolumbianischer und internationaler Künstler zeigt.
Anfangs vermittelte Street Art in Caracas überwiegend politische Themen, wobei frühe Werke in Venezuela oft entweder Widerspruch oder Unterstützung für zeitgenössische Führer zum Ausdruck brachten. Im Laufe der Zeit hat sich die venezolanische Straßenkunst weiterentwickelt. Während politisch aufgeladene Stücke weiterhin im Vordergrund standen, wurden kulturelle Erzählungen zunehmend in die künstlerische Landschaft integriert.
Europa
In den 2010er Jahren entwickelte sich London zu einem weltweit führenden Zentrum für Graffiti-Kunst. Trotz offizieller Verurteilung und strikter Durchsetzung erhält Street Art erhebliche öffentliche Unterstützung und wird weithin angenommen, was durch die markanten Strichmännchen von Stik veranschaulicht wird. Die Dulwich Outdoor Gallery, eine Gemeinschaftsinitiative mit Street Art London, fungiert als Open-Air-Ausstellungsraum in Dulwich im Südosten Londons und zeigt Street-Art-Interpretationen, die von traditionellen Gemälden der Dulwich Picture Gallery inspiriert sind.
Bristol verfügt über eine bemerkenswerte Street-Art-Szene, die teilweise auf die weltweite Anerkennung von Banksy zurückzuführen ist und zu zahlreichen weitläufigen und lebendigen Wandgemälden führt, die verschiedene städtische Gebiete charakterisieren.
Ostende, Belgien, ist der Veranstaltungsort für eine internationale Ausstellung Straßenkunstfestival. Im Jahr 2018 bezeichnete die amerikanische Kunstpublikation Juxtapoz The Crystal Ship als „ein Kunstfestival, das sich schnell zu einem der größten jährlichen Street-Art-Events der Welt entwickelt“, eine Beschreibung, die seinen aktuellen Stellenwert genau widerspiegelt. Das 2016 gegründete The Crystal Ship belebt Ostende jedes Jahr neu, indem es renommierte Straßenkünstler einlädt, sich von den Bewohnern, der Umgebung und dem kulturellen Erbe der Stadt inspirieren zu lassen. Kurator Bjorn Van Poucke leitet diese bedeutende Street-Art-Initiative, die Werke von Künstlern wie Axel Void (USA), Paola Delfín (Mexiko), Escif (ES), Miss Van (FR), Sebas Velasco (ES), Elian (AR) und Wasted Rita (PT) zeigt und gemeinsam die Stadtlandschaft verändert.
Paris beherbergt eine lebendige Street-Art-Szene mit Künstlern wie Space Invader, Jef Aérosol, SP 38 und Zevs. Die Entstehung der Straßenkunst in Frankreich wird manchmal auf die Lettrismus-Bewegung der 1940er Jahre und die Situationistischen Parolen zurückgeführt, die in den späten 1950er Jahren an Pariser Wänden auftauchten. In den 1960er Jahren beschäftigten sich Nouveau Réaliste-Künstler wie Jacques de la Villeglé, Yves Klein und Arman mit öffentlichen Räumen; Allerdings behielten sie, ähnlich wie in der Pop-Art, die konventionelle Atelier-Galerie-Dynamik bei. Die Straßeninstallation Rideau de Fer (Eiserner Vorhang) von Christo und Jeanne-Claude aus dem Jahr 1962 wird häufig als frühes Beispiel nicht genehmigter Straßenkunst angeführt. In den 1970er Jahren entstanden Daniel Burens ortsspezifische Kunstwerke im Pariser U-Bahn-System. Blek le Rat und die Bewegung „Figuration Libre“ erlangten in den 1980er Jahren große Bedeutung. Das 13. Arrondissement setzt sich mit seinem Projekt „Street Art 13“ aktiv für Street Art ein. Diese Initiative zeigt zwei bemerkenswerte Fresken des in London lebenden Künstlers D*Face: „Liebe wird uns nicht auseinanderreißen“ und „Abtrünniger“. Von Oktober 2014 bis März 2015 präsentierte die Fondation EDF die Ausstellung „#STREET ART, L'INNOVATION AU CŒUR D'UN MOUVEMENT“ von Jérôme Catz, in der neue Technologien in Kombination mit Werken von Künstlern wie Shepard Fairey, JR, Zevz und Mark Jenkins vorgestellt wurden. Diese Ausstellung erreichte die Auszeichnung, die am zweithäufigsten besuchte Ausstellung im EDF seit ihrer Gründung im Jahr 1990 zu sein. Die Praxis des Straßenkünstlers John Hamon besteht hauptsächlich darin, Plakate seiner Fotografien über seinem Namen auf verschiedene Gebäude und Denkmäler in der ganzen Stadt zu projizieren oder anzubringen.
Straßenkunst schmückte während der gesamten deutschen Teilung kontinuierlich die Berliner Mauer; Anschließend blühte die Berliner Straßenkunstszene nach der Wiedervereinigung weiter auf und beherbergte Künstler wie Thierry Noir, Tavar Zawacki (auch bekannt als ABOVE) und SP 38. Nach der postkommunistischen Ära förderten erschwingliche Mieten und heruntergekommene Gebäude die Entstehung von Straßenkunst in Bezirken wie Mitte, Prenzlauer Berg, Kreuzberg und Friedrichshain. Im Jahr 2016 startete StreetArtNews unter der Schirmherrschaft von Urban Nation Berlin ein Urban-Art-Projekt, an dem mehrere renommierte Künstler beteiligt waren.
Tartu, Estlands zweitgrößte Stadt, wurde zur Street-Art-Hauptstadt des Landes ernannt. Im Gegensatz zu Tallinns Haltung gegen Graffiti ist Tartu für die Ausrichtung des Straßenkunstfestivals Stencibility und für seine vielfältige Sammlung von Werken zahlreicher Künstler bekannt.
Griechenlands Straßenkunstszene ist seit den späten 1980er Jahren aktiv und erlebte in Athen einen Aufschwung, der zur Finanzkrise des Landes im Jahr 2011 führte. In dieser Zeit brachten zahlreiche Künstler ihren Widerstand zum Ausdruck und schufen allegorische Stücke und soziale Kommentare im historischen Stadtzentrum und im Stadtteil Exarhia. Die New York Times veröffentlichte einen Artikel, in dem die Krise im Kontext von Street Art und weiteren künstlerischen Ausdrucksformen untersucht wurde. In Vierteln wie Psiri sind Werke des Straßenkünstlers Bleepsgr zu sehen, dessen Werke oft als „Artivismus“ eingestuft werden.
Innerhalb Spaniens gelten Madrid und Barcelona als die Städte mit der höchsten Graffiti-Prävalenz, während Valencia, Zaragoza und Málaga ebenfalls über aktive Street-Art-Gemeinschaften verfügen.
Italien verfügt seit Ende der 1990er Jahre über eine äußerst aktive Street-Art-Präsenz mit prominenten Künstlern wie BLU, 108 und Sten Lex.
Amsterdam verfügt über eine reiche Geschichte der Straßenkunst. Bereits Mitte der 1960er Jahre begann die Provo-Gegenkulturbewegung, öffentliche Straßen als künstlerisches Medium zu nutzen. Robert Jasper Grootveld, ein Mitglied der Bewegung, ließ in der ganzen Stadt Sätze wie „Klaas komt“ (deutsch: „Klaas kommt!“) eingravieren. In den späten 1970er Jahren begannen junge Künstler, die mit der Punkkultur in Verbindung standen, Werke auf den verfallenden Oberflächen der Stadt zu schaffen. Bemerkenswerte Künstler dieser „No Future“-Generation sind Dr. Rat und Hugo Kaagman, ein Pionier der Schablonenkunst, der 1978 seine erste Schablone herstellte. In den frühen 1980er Jahren ermöglichte Yaki Kornblit die Ausstellung von New Yorker Graffiti-Künstlern wie Blade, Dondi, Futura 2000 und Rammellzee in seiner Amsterdamer Galerie. Diese Initiative inspirierte die lokale Jugend und führte zur Entstehung einer neuen Generation von Stilautoren, deren Arbeit anschließend im Film „Kroonjuwelen“ aus dem Jahr 2006 dokumentiert wurde. Künstler wie Delta, Shoe, Jaz, Cat22, High, Again und Rhyme leisteten bedeutende Beiträge zur Straßenkunstlandschaft der Stadt. In den frühen 1990er Jahren hatte sich Amsterdam zu einem zentralen Knotenpunkt der Graffiti-Bewegung entwickelt, wobei der Schwerpunkt insbesondere auf seinem U-Bahn-System lag, das Schriftsteller wie Mickey, Zedz und Yalt in die niederländische Hauptstadt lockte. Um die Jahrhundertwende verbreitete sich figurative Straßenkunst zunehmend auf den Straßen der Stadt. Künstler wie Morcky, Wayne Horse, The London Police und Laser 3.14 übermittelten Botschaften durch ihre Straßenkunstwerke.
Bergen gilt als Norwegens Street-Art-Hauptstadt. Der britische Straßenkünstler Banksy besuchte die Stadt im Jahr 2000 und inspirierte zahlreiche Menschen zur Straßenkunst. Dolk, ein bekannter lokaler Straßenkünstler in Bergen, zeigt Werke in der ganzen Stadt. Im Jahr 2009 entschied sich der Stadtrat von Bergen für die Konservierung eines von Dolks Stücken und umhüllte es mit Schutzglas.
Im Jahr 2011 setzte der Stadtrat einen strategischen Plan für Straßenkunst für die Jahre 2011 bis 2015 um, mit dem Ziel sicherzustellen, dass „Bergen die Mode für Straßenkunst als Ausdruck sowohl in Norwegen als auch in Skandinavien anführen wird.“
Die Stadt Stavanger ist Gastgeber des jährlichen NuArt Festivals Veranstaltung, die sich der Förderung von Straßenkunst verschrieben hat und als eines der ältesten kuratierten Straßenkunstfestivals der Welt gilt. Nuart Plus ist ein begleitendes Industrie- und Wissenschaftssymposium zum Thema Straßenkunst, das jährlich im September stattfindet. Im Gegensatz dazu galt in Oslo traditionell ein striktes Verbot von Graffiti und Straßenkunst, obwohl das sanktionierte NuArt RAD-Projekt diesen Ansatz derzeit ändert.
Straßenkunst entstand in den 1990er Jahren in Schweden und hat sich seitdem zur vorherrschenden Methode für öffentliche Kunstinstallationen entwickelt. Benke Carlssons Buch „Street Art Stockholm“ aus dem Jahr 2007 beschreibt die Straßenkunst in der Hauptstadt des Landes.
Finnlands Straßenkunstszene erlebte ab den 1980er Jahren ein erhebliches Wachstum, bis die Stadt Helsinki 1998 eine zehnjährige Null-Toleranz-Politik einführte. Diese Richtlinie kriminalisierte alle Formen von Straßenkunst, verhängte hohe Geldstrafen und nutzte private Sicherheitsfirmen zur Durchsetzung. Die Politik wurde 2008 abgeschlossen und führte anschließend zur Gründung ausgewiesener legaler Kunsträume und Künstlerkollektive.
Weizenpasten- und Schablonen-Graffiti-Kunst erlebte in Dänemark nach Besuchen von Faile, Banksy, Ben Eine und Shepard Fairey zwischen 2002 und 2004 eine rasante Verbreitung, insbesondere in den Kopenhagener Stadtbezirken, darunter Nørrebro und Vesterbro. Kopenhagen ist der Sitz von TEJN, dem Künstler, der als Pionier des Lock-On-Street-Art-Genres bekannt ist.
In der Street-Art-Szene in der Schweiz war Ende der 1970er Jahre der Künstler Harald Nägeli vertreten. Spätere Aktivitäten, die in den 1990er Jahren begannen, umfassten Künstler wie Toast und NEVERCREW.
Seit dem Zusammenbruch des Kommunismus im Jahr 1989 gewann die Straßenkunst in den 1990er Jahren in Polen an Bedeutung. Künstler wie Sainer und Bezt erlangten in den 2010er Jahren Anerkennung für ihre großformatigen Wandgemälde an Gebäuden und Wänden. Im Jahr 2011 finanzierte die Stadt Łódź unter der Schirmherrschaft von Bürgermeisterin Hanna Zdanowska eine städtische Dauerausstellung mit dem Titel „Galerie urbaner Formen“. Diese Ausstellung zeigte Werke sowohl bekannter polnischer Straßenkünstler als auch international anerkannter Persönlichkeiten. Obwohl sie von der Öffentlichkeit weitgehend angenommen werden und die Behörden gelegentlich Künstlern die Erlaubnis erteilen, öffentliche Räume zu schmücken, werden andere Immobilien weiterhin illegal von Künstlern angegriffen. Warschau und Danzig sind weitere polnische Städte mit einer blühenden Straßenkunstkultur.
Im Juni 2011 wurde in Bulgarien ein Denkmal zum Gedenken an Soldaten der Sowjetarmee von anonymen Straßenkünstlern verändert. Die Soldaten des Denkmals in Sofia wurden so umgebaut, dass sie Ronald McDonald, den Weihnachtsmann, Superman und andere Figuren darstellen. Das Denkmal blieb mehrere Tage in diesem veränderten Zustand, bevor es restauriert wurde. Einige Bürger plädierten für die Erhaltung der Umbauten.
Mariupol, Ukraine, zeigte Gebäudewandgemälde, die während der russischen Invasionen in der Ukraine 2014 und 2022 eine symbolische Bedeutung erlangten. Im Jahr 2018 malte die ukrainische Künstlerin Sasha Korban das Wandgemälde Milana an der Fassade eines Gebäudes in Mariupol. Es zeigt die dreijährige Milana Abdurashytova, eine Überlebende eines pro-russischen Raketenangriffs im Jahr 2015, als Symbol der Widerstandsfähigkeit. Dieses Wandgemälde wurde später Ende 2022 während der russischen Besetzung Mariupols zerstört. Ebenfalls im Jahr 2022 malte der italienische Künstler Jorit an einer anderen Gebäudefassade in Mariupol ein Wandgemälde eines jungen australischen Mädchens, das durch eine Online-Bildersuche nach „Zöpfen“ identifiziert wurde, und behauptete zunächst, es handele sich bei dem Motiv um ein Mädchen aus dem Donbas, das in Mariupol gelebt habe. Die Darstellung einer mit „NATO“ gekennzeichneten Bombe innerhalb des Wandgemäldes, die sich in einer Stadt befindet, die häufig von russischen Bombardierungen betroffen ist, sowie die vermeintliche Verbindung zu Korbans zerstörtem Kunstwerk stießen bei Medien wie Il Giornale und der Website für investigativen Journalismus Valigia Blu auf Kritik
Moskau entwickelte sich in den 2000er Jahren zu einem bedeutenden Zentrum für russische Graffiti-Künstler und internationale Besucher. Die 2008 gegründete Street Kit Gallery ist auf Straßenkunst spezialisiert und ermöglicht Ausstellungen und Aktivitäten in Galerien, Pop-up-Veranstaltungen und öffentlichen städtischen Räumen. Auf der Moskauer Internationalen Biennale für junge Kunst 2009 gab es eine eigene Street-Art-Sektion. Zu den prominenten Künstlern zählen Make, RUS und die in Kiew ansässige Gruppe Interesni Kazki, die auch in Miami und Los Angeles tätig ist. Im Jahr 2012 hob das britische BBC-Netzwerk die Arbeit des Moskauer Straßenkünstlers Pavel 183 hervor.
Die Auflösung der Sowjetunion verschaffte Georgien reichlich städtische Umgebungen, die die Entwicklung der Straßenkunst begünstigten. Obwohl es sich in Georgien um ein im Entstehen begriffenes Phänomen handelt, erfreut sich die Popularität der Straßenkunst rasch wachsender Beliebtheit. Die meisten georgischen Straßenkünstler sind hauptsächlich in Tiflis ansässig. Straßenkunst dient jungen Künstlern als wirksames Medium, um Meinungsverschiedenheiten zu zahlreichen umstrittenen sozialen und politischen Themen in Georgien auszudrücken und so bedeutende gesellschaftliche Anerkennung zu erlangen. Zu den wichtigsten Künstlern dieser Bewegung zählen Gagosh, TamOonz und Dr.Love.
Sarajevo wurde in den 2010er Jahren zu einem bedeutenden Zentrum für Straßenkunst in Südosteuropa. In der Stadt finden sowohl das Sarajevo Street Art Festival als auch das renommierte 3D-Street-Art-Festival Beton Fest statt. Das Sarajevo Street Art Festival findet jedes Jahr im Juli an drei Tagen statt und bietet ein abwechslungsreiches Programm, darunter zahlreiche Straßenaufführungen, die Gründung eines neuen Künstlerviertels für Straßenkunst, Konzerte, das Malen großer Wandgemälde und die Präsentation verschiedener anderer kreativer künstlerischer Ausdrucksformen. Das Beton Fest ist in einzigartiger Weise das einzige 3D-Street-Art-Festival in Südosteuropa und hat zahlreiche angesehene Straßenkünstler vorgestellt, darunter unter anderem Vera Bugatti, Giovanna la Pietra, Tony Cuboliquido und Manuel Bastante.
Asien
Indien
In Indien war Street Art schon immer weit verbreitet, wobei Straßenkünstler häufig Werbematerialien für Filme und Fernsehserien produzierten. Allerdings verdrängt digitale Kunst zunehmend handgemalte Poster. Von 1960 bis in die 1990er Jahre erwiesen sich Straßenplakate als wirksam und fanden großen Anklang beim Publikum. In den 1990er Jahren wurden handgemalte Plakate vor den Kinos zunehmend durch flexible Banner ersetzt. Nach den 2000er Jahren nahm die Bedeutung von Straßenplakaten ab und machte digital gedruckten Alternativen Platz. Infolgedessen erlebten traditionelle Straßenkunstformen, einschließlich Malen und Skizzieren, in Indien einen Rückgang, der größtenteils auf die Einführung digitaler Plakate zurückzuführen ist.
Malaysia
In George Town, Penang, schuf der litauische Künstler Ernest Zacharevic eine Reihe von Wandgemälden, die die indigene Kultur, die Bewohner und das tägliche Leben veranschaulichen. Diese Wandgemälde gelten heute als bedeutende kulturelle Wahrzeichen von George Town und Kinder auf einem Fahrrad gehören zu den am häufigsten fotografierten Orten der Stadt. Seit ihrer Gründung blüht die lokale Street-Art-Szene auf.
Südkorea
In Busan, Südkoreas zweitgrößter Stadt, schuf der deutsche Maler Hendrik Beikirch ein über 70 Meter hohes Wandgemälde, das bei seiner Fertigstellung im August 2012 als das höchste Asiens galt. Das einfarbige Wandgemälde zeigt einen Fischer. Das Projekt wurde von Public Delivery unterstützt.
Thailand
Eine umfangreiche Sammlung von Straßenkunst prominenter Künstler befindet sich im Bangkoker Stadtteil Bang Rak, insbesondere entlang der Soi Charoen Krung 28–32, zwischen der Charoen Krung Road und dem Fluss Chao Phraya.
Naher Osten
Israel
Gebiete im Süden von Tel Aviv, darunter Florentin in den 1990er Jahren, verwandelten sich von Industriegebieten in lebhafte Straßenkunstviertel. Künstler nutzten die stillgelegten Garagen und verfallenden Fassaden für politische Wandgemälde, hebräische Poesie, religiöse Inschriften und komplexe künstlerische Dialoge. Zu den prominenten Künstlern der Street-Art-Community in Tel Aviv zählen Dede, Klone, Broken Fingaz Crew, Know Hope, Kis-Lev und Sigalit Landau. Laut Lord K2 trug dieses kulturelle Wiederaufleben, wie in einem Artikel der *Times of Israel* berichtet wurde, zur Gentrifizierung bei und führte zur Verlagerung eines erheblichen Teils der Graffiti-Szene. Simon Durban, Banksys ehemaliger Kurator, soll 2025 eine Ausstellung in Tel Aviv veranstalten.
Vereinigte Arabische Emirate
In Dubai, der größten Stadt der Vereinigten Arabischen Emirate, haben zahlreiche renommierte Künstler im Rahmen einer von StreetArtNews ins Leben gerufenen Initiative, die später als Dubai Street Museum bezeichnet wurde, urbane Wandgemälde an verschiedenen Gebäuden angefertigt.
Ozeanien
Australien
Straßenkunst ist sowohl in Großstädten als auch in regionalen Städten in ganz Australien weit verbreitet.
Melbourne ist dafür bekannt, eine der dynamischsten und vielfältigsten Straßenkunstkulturen der Welt zu besitzen und Pioniere im Bereich der Schablonenkunst hervorgebracht zu haben. Prominente Straßenkünstler, darunter Blek le Rat und Banksy, präsentierten ihre Werke in den 2000er Jahren häufig auf Melbournes Straßen. Lokale Räte unterstützen und bewahren diese künstlerischen Ausdrucksformen aktiv. Wichtige Standorte innerhalb der Stadt sind Brunswick, Carlton, Fitzroy, Northcote und das zentrale Geschäftsviertel, insbesondere die berühmte Hosier Lane.
Sydneys Straßenkunstszene ist bekannt für die Graffiti und Straßenkunst im Newtown-Gebiet. Der Stadtrat von Brisbane befürwortet Graffiti an Verkehrssignalen und anderen öffentlichen Plätzen; Allerdings wurde Anthony Lister im Jahr 2016 strafrechtlich verfolgt, obwohl der stellvertretende Bürgermeister David Hinchliffe ihn 1999 zum Bemalen von Verkehrssignalkästen ermutigt hatte. Das Brisbane Street Art Festival findet seit 2016 jährlich statt. Zahlreiche Kommunalverwaltungen in ganz Australien führen Programme zum Bemalen von Verkehrssignalkästen durch.
Neuseeland
Dunedin initiierte die „offizielle“ Straßenkunst in Neuseeland. Der Maler John Noakes schuf in den 1980er Jahren einzigartige Wandgemälde an über 60 Bushaltestellen, von denen viele lokale Szenen oder von ihren Standorten inspirierte Themen darstellten. Anschließend hat der Stadtrat von Dunedin eine Reihe vergleichbarer Entwürfe zur Verzierung von Elektrokästen in der ganzen Stadt in Auftrag gegeben. Auch Straßenwandgemälde sind in Dunedin zu einem herausragenden Merkmal geworden. Seit dort Anfang der 2000er Jahre ein internationales Straßenkunstfestival stattfand, wurden mehr als 30 Werke lokaler und internationaler Künstler in die Innenstadt gegossen – insbesondere in den Bereichen Warehouse Precinct und Exchange. Zu diesen Installationen gehört eines der höchsten Werke Neuseelands, ein siebenstöckiges Wandgemälde von Fintan Magee an der Wand des Southern Cross Hotels.
Christchurch erlitt 2010 und 2011 durch zwei Erdbeben schwere Verwüstungen, die zur Zerstörung von 8.000 Häusern und 80 Prozent der Innenstadt führten. Ungefähr zweieinhalb Jahre später veranstaltete die Stadt ihre erste große kulturelle Veranstaltung, das Rise Street Art Festival, das im Canterbury Museum stattfand und vom australasiatischen Street-Art-Veranstalter Oi YOU! veranstaltet wurde.
Diese Veranstaltung zog über 248.000 Besucher an und war damit die meistbesuchte Ausstellung in der Geschichte des Museums. Sie führte dazu, dass 15 Wandgemälde in der stark beschädigten Innenstadt gemalt wurden. Diese Wandgemälde wurden später zu Gemeinschaftssymbolen für die Revitalisierungs- und Wiederaufbaubemühungen von Christchurch.
Zwei nachfolgende Oi YOU! Die Festivals, die beide unter dem Namen Spectrum firmierten, umfassten umfangreiche interne Ausstellungen und erweiterten die Wandgemäldesammlung der Stadt weiter. Seit dem Rise-Festival wurden mehr als 40 Wandgemälde in der Innenstadt geschaffen, was dazu führt, dass der Lonely Planet-Führer zu globaler Straßenkunst Christchurch als eine der führenden Städte weltweit für das Erleben dieser Kunstform hervorhebt.
In Auckland genehmigte der Stadtrat 2009 die Verwendung von Elektrokästen als Leinwände für Straßenkunst. Das lokale Street-Art-Kollektiv TMD (The Most Dedicated) erlangte internationale Anerkennung, indem es zwei Jahre in Folge den „Write For Gold“-Wettbewerb in Deutschland gewann. Surplus Bargains ist ein weiteres lokales Kollektiv. Im Jahr 2019 wurde ein denkmalgeschütztes Gebäude in Auckland von Ares Artifex ohne Zustimmung der Eigentümer bemalt.
Afrika
Obwohl Straßenkunst in Südafrika nicht so weit verbreitet ist wie in europäischen Stadtzentren, dient Johannesburgs zentraler Stadtteil Newtown als wichtiger Knotenpunkt für diese Kunstform innerhalb der Stadt. Im April 2012 fand im Bürger- und Studentenviertel Braamfontein das „City Of Gold International Urban Art Festival“ statt.
Die New York Times berichtete 2011 über den Aufstieg Kairos zu einem regionalen Zentrum für Straßenkunst. Slogans, die zunächst für den Sturz des Mubarak-Regimes plädierten, entwickelten sich später zu ästhetisch und politisch provokanten Motiven.
Straßenkunst stammt ursprünglich aus Ägypten, Tunesien, Jemen und Libyen haben seit dem Arabischen Frühling große Aufmerksamkeit erregt, insbesondere durch eine Ausstellung im Madrider Casa Árabe im Jahr 2012.
Ausstellungen, Festivals und Konferenzen
1981 organisierte das Washington Project for the Arts eine Ausstellung mit dem Titel Street Works, die Pioniere der urbanen Kunst wie Fab Five Freddy vorstellte und Lee Quiñones schaffen Kunst direkt auf öffentlichen Straßen.
Das 2007 ins Leben gerufene Sarasota Chalk Festival sponsert Straßenkunst von Künstlern, die zunächst aus den USA und später aus dem Ausland eingeladen wurden. Im Jahr 2011 führte das Festival als Ergänzung zu den Straßenzeichnungen ein Wandgemäldeprogramm Going Vertical und sein Cellograph-Projekt ein. Es wurden internationale Filme von und über Künstler produziert, die an diesen Programmen, ihren Wandgemälden, Straßenzeichnungen und den Veranstaltungen des Festivals teilgenommen haben.
Das Streetart Festival Istanbul wurde 2007 vom Künstler und Grafikdesigner Pertev Emre Tastaban ins Leben gerufen und ist die erste jährliche Veranstaltung der Türkei, die sich der Straßenkunst und Post-Graffiti widmet.
Living Walls, eine jährliche Straßenkunstkonferenz, die 2009 ins Leben gerufen wurde, veranstaltete ihre Veranstaltung 2010 in Atlanta und ihre Veranstaltung 2011 gemeinsam in Atlanta und Albany, New York. Die Organisation förderte außerdem aktiv Street Art während der Art Basel Miami Beach im Jahr 2011.
Das RVA Street Art Festival, eine Veranstaltung in Richmond, Virginia, begann 2012 entlang des Canal Walk. Die Neuauflage 2013 fand auf dem stillgelegten GRTC-Gelände in der Cary Street statt.
Das Pasadena Chalk Festival, das von Guinness World Records als das weltweit größte Straßenkunstfestival anerkannt wird, ist eine jährliche Veranstaltung in Pasadena, Kalifornien. Das Festival 2010 zeigte rund sechshundert Künstler und zog über 100.000 Besucher an.
Im April 2018 eröffnete das UMA – Universal Museum of Art „A Walk Into Street Art“, eine umfassende Virtual-Reality-Ausstellung mit Werken von Künstlern wie Banksy, JR, Jef Aérosol, Vhils, Shepard Fairey und Keith Haring.
Das London International Pasteup Festival wurde 2010 gegründet 2021 ist eine jährliche Kunstveranstaltung in Shoreditch, London, die sich der Ausstellung von Werken von Künstlern widmet, die sich auf die Subgenres Sticker und Pasteup spezialisiert haben.
Das Eureka Street Art Festival ist eine jährliche öffentliche Kunstveranstaltung im Humboldt County, Kalifornien, bei der Künstler aus Kalifornien und anderen Orten über einen Zeitraum von einer Woche Wandgemälde und Straßenkunst produzieren. Im Jahr 2018 schufen 24 Künstler 22 öffentliche Kunstinstallationen in der Altstadt, mit besonderem Schwerpunkt auf der Opera Alley. Das Festival 2019 konzentrierte seine Aktivitäten auf die Innenstadtregion.
Dokumentarfilme
- Rash (2005), ein abendfüllender Dokumentarfilm von Mutiny Media, untersucht die kulturelle Bedeutung australischer Straßenkunst und Graffiti.
- Bomb It (2008), ein Dokumentarfilm, untersucht Graffiti- und Street-Art-Praktiken weltweit.
- Exit Through the Gift Shop (2010), ein Dokumentarfilm des Künstlers Banksy, erzählt die Geschichte von Thierry Guetta.
- Style Wars (1983), eine PBS-Dokumentation, stellt Graffiti-Künstler in New York City vor, darunter Seen, Kase2, Dez und Dondi.
- Obey Giant (2017), ein Dokumentarfilm, erforscht das Leben und die Karriere von Shepard Fairey, einem bekannten Straßenkünstler, Illustrator, Grafikdesigner, Aktivisten und Gründer von OBEY Clothing.
Referenzen
Referenzen
- Street Art of Costa Rica, CR – danscape (Archiviert am 9. November 2021)
- Street Art of Costa Rica, CR – danscape Archiviert am 9. November 2021 bei der Wayback Machine