Surrealism

Surrealismus ist eine künstlerische und kulturelle Bewegung, die nach dem Ersten Weltkrieg in Europa entstand und durch die Bemühungen der Künstler gekennzeichnet ist, den Ausdruck des Unbewussten zu erleichtern, was sich häufig in der Darstellung unlogischer oder traumhafter Szenarien und Konzepte manifestiert. André Breton, eine prominente Persönlichkeit, formulierte ihr Ziel als die Auflösung „der zuvor widersprüchlichen Bedingungen von Traum und Realität in eine absolute Realität, eine Superrealität“, die er Surrealität nannte. Die Bewegung umfasste verschiedene künstlerische Disziplinen, darunter Malerei, Schriftstellerei, Fotografie, Theater, Filmemachen, Musik und Komödie.

Surrealistische Schöpfungen zeichnen sich durch überraschende Elemente, unvorhergesehene Gegenüberstellungen und Nichts aus Folge. Dennoch betrachteten zahlreiche surrealistische Künstler und Schriftsteller ihre Werke in erster Linie als Manifestationen einer philosophischen Bewegung – veranschaulicht durch Bretons Konzept des „reinen psychischen Automatismus“ im ersten surrealistischen Manifest – wobei die Kunstwerke selbst als sekundäre Artefakte der surrealistischen Erforschung dienten. Breton erklärte den Surrealismus unmissverständlich zu einem grundsätzlich revolutionären Unterfangen. Gleichzeitig pflegte die Bewegung Verbindungen zu politischen Ideologien wie dem Kommunismus und dem Anarchismus. Seine Entwicklung wurde maßgeblich durch die Dada-Bewegung der 1910er Jahre geprägt.

Guillaume Apollinaire prägte 1917 den Begriff „Surrealismus“. Die offizielle Etablierung der surrealistischen Bewegung erfolgte jedoch erst nach Oktober 1924, als Breton mit der Veröffentlichung des Surrealistischen Manifests den Anspruch seiner Gruppe auf den Begriff erfolgreich durchsetzte und eine konkurrierende Fraktion unter der Führung von Yvan Goll ablöste, der ihn herausgegeben hatte sein eigenes surrealistisches Manifest zwei Wochen zuvor. Paris, Frankreich, diente als Hauptzentrum der Bewegung. Ab den 1920er Jahren verbreitete sich der Surrealismus weltweit und beeinflusste neben politischem Denken und Handeln, Philosophie und verschiedenen sozialen und kulturellen Theorien auch bildende Kunst, Literatur, Theater, Film und Musik in zahlreichen Ländern und sprachlichen Kontexten.

Gründung der Bewegung

Guillaume Apollinaire prägte den Begriff Surrealismus erstmals im März 1917. In einem Brief an Paul Dermée erklärte er: „Alles in allem denke ich, dass es tatsächlich besser ist, den Surrealismus zu übernehmen als den Supernaturalismus, den ich zuerst verwendet habe.“ que j'avais d'abord employé].

Apollinaire verwendete den Begriff später in seinen Programmnotizen für Sergei Diaghilevs Ballets Russes-Produktion Parade, die am 18. Mai 1917 uraufgeführt wurde. Parade enthielt ein Einakter-Szenario von Jean Cocteau und Musik von Erik Satie. Während Cocteau das Ballett als „realistisch“ charakterisierte, erweiterte Apollinaire diese Beschreibung und bezeichnete Parade als „surrealistisch“:

Diese neue Allianz – ich sage neu, weil Bühnenbild und Kostüme bisher nur durch künstliche Bindungen verbunden waren – hat in Parade zu einer Art Surrealismus geführt, den ich als Ausgangspunkt für eine ganze Reihe von Manifestationen des Neuen Geistes betrachte, die sich heute bemerkbar machen und die sicherlich unsere klügsten Köpfe ansprechen werden. Wir können erwarten, dass es durch universelle Freude tiefgreifende Veränderungen in unseren Künsten und Manieren mit sich bringt, denn schließlich ist es nur natürlich, dass sie mit dem wissenschaftlichen und industriellen Fortschritt Schritt halten. (Apollinaire, 1917)

Apollinaire verwendete den Begriff später erneut und integrierte ihn sowohl als Untertitel als auch in das Vorwort seines Theaterstücks Les Mamelles de Tirésias: Drame surréaliste, das 1903 verfasst und 1917 uraufgeführt wurde.

Der Erste Weltkrieg führte zur Zerstreuung der in Paris lebenden Schriftsteller und Künstler, von denen sich viele später, angetrieben von der Dada-Bewegung, mit der Dada-Bewegung beschäftigten Überzeugung, dass übermäßiger Rationalismus und bürgerliche Prinzipien den globalen Konflikt ausgelöst hatten. Dadaisten brachten ihren Widerspruch durch Anti-Kunst-Versammlungen, Performances, Schriften und künstlerische Kreationen zum Ausdruck. Nach ihrer Rückkehr nach Paris nach dem Krieg setzten sich die dadaistischen Aktivitäten fort.

Während des Ersten Weltkriegs arbeitete André Breton, der eine Ausbildung in Medizin und Psychiatrie absolviert hatte, in einem neurologischen Krankenhaus und wandte Sigmund Freuds psychoanalytische Techniken bei Soldaten an, die unter einem Granatenschock litten. Seine Begegnung mit dem jungen Schriftsteller Jacques Vaché führte dazu, dass Breton Vaché als den geistigen Erben von Alfred Jarry, dem Schriftsteller und Begründer der Pataphysik, wahrnahm. Breton bewunderte Vachés asoziale Einstellung und seine Verachtung gegenüber konventionellen künstlerischen Traditionen. Breton formulierte später: „In der Literatur war ich nacheinander von Rimbaud, von Jarry, von Apollinaire, von Nouveau und von Lautréamont angetan, aber es ist Jacques Vaché, dem ich am meisten zu verdanken habe.“

Nach seiner Rückkehr nach Paris beteiligte sich Breton an dadaistischen Aktivitäten und war Mitbegründer der Literaturzeitschrift Littérature in Zusammenarbeit mit Louis Aragon und Philippe Soupault. Sie initiierten Experimente mit automatischem Schreiben, einer Technik der spontanen, unzensierten Textproduktion, und veröffentlichten diese Schriften anschließend zusammen mit Traumerzählungen in der Zeitschrift. Breton und Soupault entwickelten ihre Automatismustechniken weiter und gipfelten in der Veröffentlichung von „Die magnetischen Felder“ im Jahr 1920.

Im Oktober 1924 hatte sich die surrealistische Bewegung in zwei konkurrierende Fraktionen gespalten, die jeweils ein surrealistisches Manifest herausgeben wollten. Beide Fraktionen behaupteten, sie seien die Erben eines von Apollinaire initiierten revolutionären Impulses. Einer Fraktion unter der Führung von Yvan Goll gehörten unter anderem Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé und Robert Delaunay an. Die Fraktion von André Breton behauptete, dass der Automatismus eine wirksamere Strategie für den gesellschaftlichen Wandel darstelle als die dadaistischen Ansätze, die von Tzara vertreten wurden, der zu einem prominenten Rivalen geworden war. Bretons Kollektiv erweiterte sich und umfasste eine Vielzahl von Schriftstellern und Künstlern aus verschiedenen Medien, darunter Persönlichkeiten wie Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Robert Desnos, Jacques Baron, Max Morise, Pierre Naville, Roger Vitrac, Gala Éluard, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Man Ray, Hans Arp, Georges Malkine, Michel Leiris, Georges Limbour, Antonin Artaud, Raymond Queneau, André Masson und Joan Miró, Marcel Duchamp, Jacques Prévert und Yves Tanguy, Dora Maar.

In der Entwicklung ihres philosophischen Rahmens postulierten die Surrealisten, dass konventionelle und gegenständliche Ausdrucksformen zwar einen intrinsischen Wert haben, ihre strukturelle Organisation jedoch im Einklang mit den Prinzipien der Hegelschen Dialektik völlig empfänglich für fantasievolle Möglichkeiten bleiben sollte. Darüber hinaus stützten sich ihre intellektuellen Grundlagen auf die marxistische Dialektik und die theoretischen Beiträge von Gelehrten wie Walter Benjamin und Herbert Marcuse.

Freudianische Konzepte, insbesondere freie Assoziation, Traumanalyse und die Erforschung des Unbewussten, erwiesen sich für die Surrealisten als entscheidend für ihr Bestreben, die Vorstellungskraft zu emanzipieren. Sie traten für die Eigenart ein und widerlegten gleichzeitig die Vorstellung eines inhärenten Wahnsinns. Wie Dalí bekanntlich behauptete: „Der einzige Unterschied zwischen einem Verrückten und mir selbst besteht darin, dass ich nicht verrückt bin.“

Über die Anwendung der Traumanalyse hinaus betonten die Surrealisten das Prinzip, dass „Elemente, die normalerweise nicht nebeneinander liegen, in einem einzigen Rahmen kombiniert werden könnten, um unlogische und auffällige Effekte zu erzeugen.“ Breton nahm dieses Konzept verblüffender Gegenüberstellungen in sein Manifest von 1924 auf und leitete es von einem Essay des Dichters Pierre Reverdy aus dem Jahr 1918 ab, in dem es heißt: „Eine Gegenüberstellung zweier mehr oder weniger entfernter Realitäten. Je entfernter und wahrer die Beziehung zwischen den beiden nebeneinander liegenden Realitäten ist, desto stärker wird das Bild sein – desto größer ist seine emotionale Kraft und poetische Realität.“

Das Kollektiv versuchte, die menschliche Erfahrung grundlegend über ihre persönlichen, kulturelle, soziale und politische Dimensionen. Ihr Ziel war es, den Einzelnen von trügerischer Rationalität sowie von unterdrückenden Bräuchen und gesellschaftlichen Strukturen zu befreien. Breton erklärte das eigentliche Ziel des Surrealismus: „Es lebe die soziale Revolution, und zwar nur sie!“ Um dieses Ziel zu verfolgen, schlossen sich Surrealisten regelmäßig sowohl kommunistischen als auch anarchistischen Ideologien an.

Im Jahr 1924 artikulierten zwei unterschiedliche surrealistische Fraktionen ihre philosophischen Grundsätze in separaten surrealistischen Manifesten. Gleichzeitig wurde das Bureau of Surrealist Research gegründet und die Veröffentlichung der Zeitschrift La Révolution surréaliste initiiert.

Die surrealistischen Manifeste

Vor 1924 entstanden zwei konkurrierende surrealistische Kollektive. Beide Gruppen behaupteten, ihre Abstammung sei eine von Apollinaire initiierte revolutionäre Bewegung. Einem solchen Kollektiv unter der Leitung von Yvan Goll gehörten unter anderem Persönlichkeiten wie Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé und Robert Delaunay an.

Die alternative Fraktion, angeführt von Breton, umfasste Personen wie Aragon, Desnos, Éluard, Baron, Crevel, Malkine, Jacques-André Boiffard und Jean Carrive, unter anderem.

Yvan Goll veröffentlichte sein Manifeste du surréalisme am 1. Oktober 1924 im Rahmen der ersten und einzigen Ausgabe seiner Publikation Surréalisme. Dies erfolgte zwei Wochen vor der Veröffentlichung von Bretons „Manifeste du surréalisme“, das am 15. Oktober 1924 von Éditions du Sagittaire veröffentlicht wurde.

Der Streit zwischen Goll und Breton über die Inhaberschaft des Begriffs „Surrealismus“ eskalierte in einer körperlichen Auseinandersetzung in der Comédie des Champs-Élysées. Letztendlich setzte sich Breton aufgrund seiner taktischen und zahlenmäßigen Vorteile durch. Trotz Bretons Triumph in dieser grundlegenden Meinungsverschiedenheit war die weitere Entwicklung des Surrealismus von internen Spaltungen, Abweichungen und bemerkenswerten Ausweisungen geprägt, da einzelne Surrealisten oft unterschiedliche Ansichten über die Ziele der Bewegung hatten und sich unterschiedlich an André Bretons etablierten Definitionen hielten.

André Bretons Veröffentlichung von 1924, das Surrealistische Manifest, beschrieb die grundlegenden Ziele des Surrealismus. In diesem Text zählte Breton die Einflüsse der Bewegung auf, präsentierte Beispiele surrealistischer Schöpfungen und ging auf das Konzept des surrealistischen Automatismus ein. Anschließend bot er die folgenden Definitionen an:

Wörterbuch: Surrealismus, Substantiv. Definiert als reiner psychischer Automatismus, durch den man darauf abzielt, die authentische Funktionsweise des Denkens zu artikulieren, sei es verbal, in schriftlicher Form oder auf andere Weise. Dies beinhaltet das Diktat des Denkens, das nicht durch rationale Kontrolle eingeschränkt wird und frei von ästhetischen oder moralischen Erwägungen ist.

Enzyklopädie: Surrealismus. Philosophie. Der Surrealismus basiert auf der Überzeugung einer höheren Realität, die bestimmten zuvor unbeachteten Assoziationen innewohnt, der absoluten Kraft der Träume und dem spontanen, unmotivierten Wechselspiel des Denkens. Ihr Ziel ist es, andere psychische Mechanismen endgültig zu zerstören und sie bei der Bewältigung der grundlegenden Herausforderungen des Lebens zu ersetzen.

Erweiterung

In der Mitte der 1920er-Jahre war die surrealistische Bewegung durch Zusammenkünfte in Cafés gekennzeichnet, bei denen die Teilnehmer an gemeinsamen Zeichenübungen teilnahmen, über surrealistische Theorien debattierten und verschiedene Techniken, einschließlich des automatischen Zeichnens, innovierten. Zunächst äußerte Breton Skepsis gegenüber der Nützlichkeit der bildenden Künste im Surrealismus und hielt sie für weniger empfänglich für Spontaneität und Automatismus. Dieser Vorbehalt wurde jedoch später durch die Entwicklung von Methoden wie Frottage, Grattage und Dekalkomanie überwunden.

In der Folge schloss sich eine wachsende Zahl bildender Künstler der Bewegung an, insbesondere Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Alberto Giacometti, Valentine Hugo, Méret Oppenheim, Toyen und Kansuke Yamamoto. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden auch Enrico Donati, Vinicius Pradella und Denis Fabbri Teilnehmer. Trotz André Bretons Bewunderung für Pablo Picasso und Marcel Duchamp und seinen Bemühungen, sie zu rekrutieren, pflegten beide Künstler eine periphere Verbindung. Darüber hinaus zog die Bewegung weitere Schriftsteller an, darunter den ehemaligen Dadaisten Tristan Tzara, René Char und Georges Sadoul.

1925 wurde in Brüssel ein unabhängiges surrealistisches Kollektiv gegründet, dem der Musiker, Dichter und Künstler E. L. T. Mesens, der Maler und Schriftsteller René Magritte, Paul Nougé, Marcel Lecomte und André Souris angehörten. 1927 schloss sich ihnen der Schriftsteller Louis Scutenaire an. Diese Brüsseler Gruppe unterhielt einen ständigen Briefwechsel mit ihren Pariser Kollegen, und 1927 zogen sowohl Goemans als auch Magritte nach Paris und fügten sich in Bretons künstlerisches Milieu ein. Diese Künstler, die sich von Dada, dem Kubismus, der Abstraktion von Wassily Kandinsky, dem Expressionismus und dem Postimpressionismus inspirieren ließen, beschäftigten sich neben den sogenannten primitiven und naiven Künsten auch mit früheren künstlerischen Traditionen und protosurrealistischen Figuren wie Hieronymus Bosch.

André Massons automatische Zeichnungen aus dem Jahr 1923 werden häufig als entscheidender Moment für die Integration der bildenden Künste in den Surrealismus und eine Abkehr von Dada angeführt Verkörperung des Einflusses des Unterbewusstseins. Ein weiteres anschauliches Beispiel ist Giacomettis Skulptur Torso aus dem Jahr 1925, die seinen Übergang zu vereinfachten Formen darstellte und sich von vorklassischen Bildhauertraditionen inspirieren ließ.

Trotzdem ist die Gegenüberstellung von Max Ernsts Werk Little Machine Constructed by Minimax Dadamax in Person (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen), mit seinem 1927 erschienenen Stück Der Kuss (Le Baiser). Ersteres wird im Allgemeinen als Ausdruck von Distanziertheit und einem impliziten erotischen Subtext wahrgenommen, während Letzteres explizit und direkt einen erotischen Akt darstellt. In Der Kuss (Le Baiser) werden die stilistischen Einflüsse von Miró und Picasso durch die Anwendung von deutlich fließende, geschwungene und sich kreuzende Linien und Farben. Umgekehrt weist Little Machine Constructed by Minimax Dadamax in Person (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen) eine Direktheit auf, die später Bewegungen wie die Pop-Art beeinflusste.

Giorgio de Chirico fungierte durch seine frühere Entwicklung der metaphysischen Kunst als zentrales Bindeglied zwischen den philosophischen und visuellen Dimensionen des Surrealismus. Von 1911 bis 1917 pflegte er einen schnörkellosen Darstellungsstil, der in der Folge auch andere Künstler beeinflusste. Sein Werk Der Rote Turm (La tour rouge) aus dem Jahr 1913 ist ein Beispiel für die auffälligen Farbkontraste und den illustrativen Ansatz, den sich später surrealistische Künstler zu eigen machten. In seinem Gemälde Die Nostalgie des Dichters (La Nostalgie du poète) aus dem Jahr 1914 ist eine Figur mit dem Rücken zum Betrachter dargestellt, während die unkonventionelle Gegenüberstellung einer Büste mit Brille und eines Fischreliefs die traditionelle Interpretation in Frage stellt. Als Autor zeichnet sich sein Roman Hebdomeros durch eine Abfolge traumhafter Szenarien aus, wobei er eine unkonventionelle Anwendung von Zeichensetzung, Syntax und Grammatik einsetzt, um eine besondere Atmosphäre zu schaffen und die Bilder zu kontextualisieren. Sein künstlerisches Schaffen, das Bühnenbilder für die Ballets Russes umfasste, trug zu einer dekorativen Manifestation des Surrealismus bei und beeinflusste maßgeblich Dalí und Magritte, zwei Künstler, die für ihre Verbindung mit der Bewegung größere Anerkennung erlangten. Dennoch verließ er 1928 die Gruppe der Surrealisten.

Im Jahr 1924 begannen Miró und Masson, surrealistische Prinzipien in ihre Malerei zu integrieren. Die erste surrealistische Ausstellung mit dem Titel La Peinture Surrealiste fand 1925 in der Galerie Pierre in Paris statt. Diese Ausstellung zeigte Werke von Masson, Man Ray, Paul Klee, Miró und anderen Künstlern. Die Ausstellung bestätigte die Präsenz des Surrealismus in der bildenden Kunst, trotz anfänglicher Skepsis hinsichtlich seiner Machbarkeit, und integrierte dadaistische Techniken wie die Fotomontage. Am 26. März 1926 nahm die Galerie Surréaliste ihren Betrieb mit einer Ausstellung zu Man Rays Werken auf. Bretons Veröffentlichung Surrealismus und Malerei aus dem Jahr 1928 bot einen umfassenden Überblick über die Entwicklung der Bewegung bis zu diesem Zeitpunkt, ein Werk, das er in den 1960er Jahren immer wieder überarbeitete.

Surrealistische Literatur

Laut André Breton, einer führenden Persönlichkeit der Bewegung, war das grundlegende Werk des Surrealismus Les Chants de Maldoror, während der erste von seiner Gruppe von Surréalistes verfasste und veröffentlichte Text Les Champs Magnétiques (Mai–Juni 1919) war. In der Zeitschrift Littérature erschienen automatisierte Schriften und Traumerzählungen. Sowohl das Magazin als auch das dazugehörige Portfolio lehnten wörtliche Interpretationen von Objekten ab und betonten stattdessen deren zugrunde liegende poetische Strömungen. Sie hoben nicht nur diese poetischen Untertöne hervor, sondern auch die Konnotationen und Untertöne, die „in mehrdeutigen Beziehungen zu den visuellen Bildern bestehen“.

Der vermeintliche Mangel an offenkundiger Organisation in den Gedanken und Bildern surrealistischer Schriftsteller führt oft dazu, dass manche Leser die Interpretation ihrer Werke als schwierig empfinden. Diese Wahrnehmung stellt jedoch ein oberflächliches Verständnis dar, das wahrscheinlich von Bretons frühem Eintreten für automatisches Schreiben als primäre Methode für den Zugang zu einer höheren Realität beeinflusst wurde. Doch wie Bretons eigene Praxis zeigt, ist ein erheblicher Teil dessen, was als rein automatisch dargestellt wird, tatsächlich sorgfältig bearbeitet und bewusst konzipiert. Breton räumte später ein, dass die Bedeutung des automatischen Schreibens übertrieben worden sei, was zur Einbeziehung zusätzlicher Elemente geführt habe, insbesondere da die zunehmende Beteiligung bildender Künstler strengere Ansätze für das automatische Malen erforderlich gemacht habe. Folglich wurden Techniken wie die Collage übernommen, teilweise inspiriert durch das Ideal der eindrucksvollen Gegenüberstellungen, wie es in der Poesie von Pierre Reverdy zum Ausdruck kommt. Darüber hinaus entwickelte sich das Konzept der „konvulsiven Verbindung“ selbst zu einem eigenständigen Mittel der Offenbarung, wie Magrittes Arbeit zeigt, die nicht offen auf automatische Techniken oder Collagen zurückgreift. Der Surrealismus war von Natur aus dynamisch und strebte danach, stets avantgardistisch zu sein, was natürlich zu einer ständigen Neubewertung seiner philosophischen Grundsätze als Reaktion auf aufkommende Herausforderungen führte. Künstler wie Max Ernst veranschaulichen durch seine surrealistischen Collagen diese Entwicklung hin zu einer zeitgenössischeren Kunstform, die gleichzeitig gesellschaftliche Kommentare bietet.

Die Surrealisten erweckten erneut Interesse an Isidore Ducasse, besser bekannt unter seinem Pseudonym Comte de Lautréamont – insbesondere für seinen berühmten Satz „schön wie die zufällige Begegnung einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf einem Seziertisch“ – und Arthur Rimbaud. Beide Schriftsteller des späten 19. Jahrhunderts gelten als Vorläufer des Surrealismus.

Bemerkenswerte Werke der surrealistischen Literatur sind Artauds Le Pèse-Nerfs (1926), Aragons Irenes Fotze (1927), Pérets Tod den Schweinen (1929), Crevels Mr. Knife Miss Fork (1931), Sadegh Hedayats The Blind Owl (1937) und Bretons Sur la route de San Romano (1948).

La Révolution surréaliste erschien bis 1929 und zeichnete sich durch dicht gepackte Textspalten auf den meisten Seiten aus, enthielt aber auch Kunstreproduktionen, darunter Werke von de Chirico, Ernst, Masson und Man Ray. Sein Inhalt umfasste außerdem Bücher, Gedichte, Broschüren, automatische Texte und theoretische Traktate.

Surrealistisches Kino

Bemerkenswerte frühe surrealistische Filme umfassen:

• Entr'acte von René Clair (1924)
• Die Muschel und der Geistliche (Französisch: La Coquille et le clergyman) von Germaine Dulac, mit einem Szenario von Antonin Artaud (1928)
• L'Étoile de mer von Man Ray (1928)
• Un Chien Andalou von Luis Buñuel und Salvador Dalí (1929)
• L'Âge d'Or von Buñuel und Dalí (1930)
• Das Blut eines Dichters (Französisch: Le sang d'un poète) von Jean Cocteau (1930)
• Destino von Walt Disney und Salvador Dalí (später fertiggestellt von Walt Disney Animation Studios) (2003)

Surrealistische Fotografie

Prominente surrealistische Fotografen sind Dora Maar (Französin), Man Ray (Amerikaner), Brassaï (Französisch/Ungarisch), Claude Cahun (Französisch) und Emiel van Moerkerken (Niederländisch). In Japan zeigte die Ausstellung Kaigai Chōgenjitsushugi Sakuhin Ten (Ausstellung surrealistischer Werke aus Übersee), die als Japans erste internationale Surrealismus-Ausstellung anerkannt wurde, überwiegend Fotografien, von denen viele Reproduktionen surrealistischer Gemälde und Objekte waren. Diese fotografische Bewegung wirkte sich auch auf die lokalen Avantgarde-Gemeinschaften aus; So war beispielsweise der japanische Dichter und Fotograf Kansuke Yamamoto Teilnehmer der Nagoya Photo Avant-Garde.

Surrealistisches Theater

Der Begriff Surrealist wurde ursprünglich von Apollinaire geprägt, um sein Theaterstück Les Mamelles de Tirésias ("Die Brüste des Tiresias") aus dem Jahr 1917 zu charakterisieren, ein Werk, das später von Francis Poulenc in eine Oper umgewandelt wurde.

Roger Vitracs Die Geheimnisse der Liebe (1927) und Victor oder The Children Take Over (1928) gelten trotz seines Ausschlusses aus der Bewegung im Jahr 1926 häufig als Paradebeispiele des surrealistischen Theaters. Diese Produktionen wurden im Theater Alfred Jarry uraufgeführt, einem Veranstaltungsort, der von Vitrac und Antonin Artaud, einer weiteren frühen surrealistischen Figur, die ebenfalls vom Ausschluss aus der Bewegung bedroht war, mitbegründet wurde.

Nach seiner Zusammenarbeit mit Vitrac erweiterte Artaud die Prinzipien des Surrealismus durch seine Konzeptualisierung des Theaters der Grausamkeit. Artaud kritisierte die meisten westlichen Theater als eine Verzerrung ihres grundlegenden Zwecks, der seiner Meinung nach eine mystische und metaphysische Begegnung sein sollte. Stattdessen stellte er sich ein unmittelbares und direktes Theatererlebnis vor, ein rituelles Ereignis, das das Unterbewusstsein von Darstellern und Zuschauern verbinden sollte. In diesem Rahmen sollten Emotionen, Gefühle und metaphysische Konzepte physisch und nicht durch Sprache vermittelt werden, wodurch eine mythologische, archetypische und allegorische Vision entsteht, die eng mit dem Reich der Träume verbunden ist.

Der spanische Dramatiker und Regisseur Federico García Lorca erforschte auch den Surrealismus, insbesondere in seinen Stücken The Public (1930), When Five Years Pass (1931) und Spiel ohne Titel (1935). Zu den weiteren surrealistischen Stücken gehört Aragons „Backs to the Wall“ (1925). Gertrude Steins Oper Doctor Faustus Lights the Lights (1938) wurde als „amerikanischer Surrealismus“ bezeichnet, obwohl sie auch Verbindungen zu einer theatralischen Manifestation des Kubismus aufweist.

Surrealistische Musik

In den 1920er Jahren wurden zahlreiche Komponisten vom Surrealismus oder von Figuren dieser Bewegung beeinflusst. Dazu gehörten Bohuslav Martinů, André Souris, Erik Satie, Francis Poulenc und Edgard Varèse, der behauptete, seine Komposition Arcana sei aus einer Traumsequenz entstanden. Insbesondere Souris pflegte eine enge Verbindung zur Bewegung, pflegte eine langjährige Beziehung zu Magritte und trug zu Paul Nougés Publikation Adieu Marie bei. Im Laufe des 20. Jahrhunderts wurden Kompositionen verschiedener Künstler wie Pierre Boulez, György Ligeti, Mauricio Kagel, Olivier Messiaen und Thomas Adès mit surrealistischen Prinzipien in Verbindung gebracht.

Germaine Tailleferre, ein Mitglied der französischen Gruppe Les Six, komponierte mehrere Werke, die wohl vom Surrealismus inspiriert waren, darunter das Ballett Paris-Magie von 1948 (mit einem Szenario von Lise Deharme) und die Opern La Petite Sirène (Libretto von Philippe Soupault) und Le Maître (Libretto von Eugène Ionesco). Darüber hinaus komponierte Tailleferre populäre Lieder nach Texten von Claude Marci, der Ehefrau von Henri Jeanson, dessen Porträt Magritte in den 1930er Jahren gemalt hatte.

Trotz André Bretons negativer Einstellung zur Musik, die er 1946 in seinem Essay „Stille ist Gold“ zum Ausdruck brachte, stellten spätere Surrealisten, darunter Paul Garon, Verbindungen zwischen dem Surrealismus und dem improvisatorischen Charakter von Jazz und Blues fest. Dieses gegenseitige Interesse wurde gelegentlich von Jazz- und Bluesmusikern erwidert; Auf der Weltausstellung der Surrealisten 1976 waren beispielsweise Auftritte von David „Honeyboy“ Edwards zu sehen.

Surrealismus und internationale Politik

Die Entwicklung des Surrealismus als politische Bewegung zeigte globale Heterogenität: Bestimmte Regionen gaben künstlerischen Bestrebungen den Vorrang, andere konzentrierten sich auf politisches Engagement, während einige surrealistische Praktiken darauf abzielten, sowohl über Kunst als auch über Politik hinauszugehen. In den 1930er Jahren verbreiteten sich surrealistische Konzepte von Europa nach Nordamerika, Südamerika (insbesondere mit der Gründung der Mandrágora-Gruppe in Chile im Jahr 1938), Mittelamerika, der Karibik und ganz Asien und fungierten sowohl als künstlerische Philosophie als auch als Doktrin für politische Transformation.

Politisch umfasste der Surrealismus trotzkistische, kommunistische oder anarchistische Tendenzen. Die Abweichung von Dada wurde als Spaltung zwischen Anarchisten und Kommunisten beschrieben, wobei sich die Surrealisten dem Kommunismus anschlossen. André Breton und seine Mitarbeiter unterstützten zunächst Leo Trotzki und seine Internationale Linke Opposition, obwohl nach dem Zweiten Weltkrieg die Aufgeschlossenheit gegenüber dem Anarchismus ausgeprägter wurde. Bestimmte Surrealisten, darunter Benjamin Péret, Mary Low und Juan Breá, übernahmen verschiedene Formen des linken Kommunismus. Als der niederländische surrealistische Fotograf Emiel van Moerkerken sich an Breton wandte, lehnte er es aufgrund seiner nicht-trotzkistischen Haltung ab, das Manifest zu unterzeichnen. Für Breton reichte der bloße Kommunismus nicht aus, was dazu führte, dass er Van Moerkerkens Fotografien für eine spätere Veröffentlichung ablehnte, was zu einer Spaltung innerhalb des Surrealismus führte. Umgekehrt plädierten Persönlichkeiten wie Wolfgang Paalen für eine völlige Emanzipation von politischen Ideologien; Nach Trotzkis Ermordung in Mexiko förderte Paalen mit seinem gegensurrealistischen Kunstmagazin DYN eine Trennung zwischen Kunst und Politik und beeinflusste damit die Entstehung des abstrakten Expressionismus. Während Dalí den Kapitalismus und die faschistische Diktatur von Francisco Franco befürwortete, repräsentieren seine Ansichten keinen breiteren surrealistischen Trend; Tatsächlich betrachteten Breton und sein Umfeld ihn als einen Verräter und Verräter des Surrealismus. Benjamin Péret, Mary Low, Juan Breá und der in Spanien geborene Eugenio Fernández Granell beteiligten sich während des Spanischen Bürgerkriegs an der POUM.

Bretons Anhänger verfolgten gemeinsam mit der Kommunistischen Partei die „Befreiung des Menschen“. Dennoch weigerte sich Bretons Fraktion, das radikale künstlerische Schaffen dem proletarischen Kampf unterzuordnen, was zu erheblichen Spannungen mit der Partei führte, die die späten 1920er Jahre für beide Gruppierungen turbulent machten. Infolgedessen verließen zahlreiche eng mit Breton verbundene Personen, allen voran Aragon, seine Gruppe, um enger mit den Kommunisten zusammenzuarbeiten.

Surrealisten versuchten häufig, ihre künstlerischen und intellektuellen Aktivitäten mit politischen Ideologien und Aktivismus zu verbinden. Beispielsweise brachten Mitglieder des Pariser Büros für surrealistische Forschung – darunter Breton, Aragon, Artaud und etwa zwei Dutzend andere – in der Erklärung vom 27. Januar 1925 ihre Unterstützung für die revolutionäre Politik zum Ausdruck. Obwohl diese anfängliche Erklärung etwas ungenau war, hatten sich in den 1930er Jahren viele Surrealisten fest dem Kommunismus verschrieben. Der bahnbrechende Text, der diese Tendenz innerhalb des Surrealismus verkörpert, ist das Manifest für eine freie revolutionäre Kunst, das offiziell Breton und Diego Rivera zugeschrieben wird, tatsächlich aber von Breton und Leo Trotzki gemeinsam verfasst wurde.

Trotzdem führte die Behauptung der Surrealisten 1933, dass „proletarische Literatur“ im kapitalistischen Rahmen unerreichbar sei, zu ihrem Bruch mit der Association des Ecrivains et Artistes Révolutionnaires, die im Ausschluss von Breton, Éluard und Crevel aus der Kommunistischen Partei gipfelten.

1925 arbeitete die Pariser Surrealistengruppe mit dem extrem linken Flügel der Kommunistischen Partei Frankreichs zusammen, um Abd-el-Krim zu unterstützen, der den Rif-Aufstand gegen den französischen Kolonialismus in Marokko anführte. Anschließend richtete die Pariser Gruppe einen offenen Brief an Paul Claudel, einen Schriftsteller und französischen Botschafter in Japan, in dem es hieß:

Wir Surrealisten erklärten unsere Unterstützung dafür, den imperialistischen Krieg in seiner anhaltenden und kolonialen Ausprägung in einen Bürgerkrieg umzuwandeln. Folglich widmeten wir unsere Bemühungen der Revolution, dem Proletariat und seinen Kämpfen und äußerten unsere Position zur Kolonialfrage und damit auch zur Rassenfrage.

Das Dokument „Mörderischer Humanitarismus“ von 1932, das hauptsächlich von Crevel verfasst und von Breton, Éluard, Péret, Tanguy und den Martiniquan-Surrealisten Pierre Yoyotte und J.M. Monnerot unterzeichnet wurde, kann als grundlegender Text für das angesehen werden, was später als „Schwarzer Surrealismus“ bekannt wurde. Die direkte Interaktion zwischen Aimé Césaire und Breton auf Martinique in den 1940er Jahren war jedoch entscheidend für die Gründung dieser Bewegung.

Antikoloniale revolutionäre Schriftsteller innerhalb der Négritude-Bewegung auf Martinique, damals eine französische Kolonie, übernahmen den Surrealismus als revolutionäre Methodik und verwendeten ihn als Kritik der europäischen Kultur und als radikalen subjektiven Ansatz. Dieses Engagement förderte Verbindungen zu anderen Surrealisten und beeinflusste maßgeblich die Entwicklung des Surrealismus als revolutionäre Praxis. Die Zeitschrift Tropiques, die Beiträge von Aimé Césaire, Suzanne Césaire, René Ménil, Lucie Thésée, Aristide Maugée und anderen enthielt, begann 1941 zu erscheinen.

1938 reiste André Breton in Begleitung seiner Frau, der Malerin Jacqueline Lamba, nach Mexiko, um Trotzki zu treffen, und wohnte bei Diego Rivera ehemalige Frau, Guadalupe Marin. Während dieses Besuchs begegnete Breton Frida Kahlo, sah sich zum ersten Mal ihre Kunstwerke an und bezeichnete sie anschließend als „angeborene“ surrealistische Malerin.

Interne Politik

Im Jahr 1929 wurde die Satellitengruppe der Zeitschrift Le Grand Jeu, bestehend aus Roger Gilbert-Lecomte, Maurice Henry und dem tschechischen Maler Josef Sima, ausgegrenzt. Gleichzeitig forderte Breton im Februar die Surrealisten auf, ihren „Grad ihrer moralischen Kompetenz“ zu bewerten, und das zweite Manifest des Surréalisme führte theoretische Verfeinerungen ein, die zum Ausschluss von Personen führten, die nicht bereit waren, sich zu kollektiven Maßnahmen zu verpflichten. Zu dieser Liste gehörten Leiris, Limbour, Morise, Baron, Queneau, Prévert, Desnos, Masson und Boiffard. Diese ausgeschlossenen Mitglieder starteten eine Gegenoffensive und kritisierten Breton scharf in der Broschüre Un Cadavre, in der Breton insbesondere mit einer Dornenkrone dargestellt wurde. Die Broschüre bezog sich auf einen früheren Akt der Subversion, indem sie eine Parallele zwischen Breton und Anatole France zog, deren zuvor unbestrittener literarischer Wert Breton 1924 in Frage gestellt hatte.

Die Uneinigkeit von 1929–30 und die Auswirkungen von Un Cadavre hatten nur minimale negative Auswirkungen auf den Surrealismus, insbesondere aus Bretons Sicht, da Kernfiguren wie Aragon, Crevel, Dalí und Buñuel dem Surrealismus weiterhin verpflichtet blieben Prinzip des kollektiven Handelns, zumindest vorübergehend. Der Erfolg bzw. die Kontroverse rund um Dalís und Buñuels Film L'Age d'Or im Dezember 1930 übte einen regenerativen Einfluss aus, zog zahlreiche neue Anhänger an und regte im darauffolgenden Jahr und in den 1930er Jahren die Entstehung unzähliger neuer künstlerischer Werke an.

Verärgerte Surrealisten wandten sich der von Georges herausgegebenen Zeitschrift Documents zu Bataille, dessen antiidealistischer Materialismus eine hybride Form des Surrealismus förderte, die darauf abzielte, grundlegende menschliche Instinkte aufzudecken. Zum Entsetzen vieler wurde die Veröffentlichung von Documents 1931 eingestellt, genau zu dem Zeitpunkt, als der Surrealismus offenbar an Dynamik gewann.

Nach dieser Zeit der Uneinigkeit kam es zu mehreren Versöhnungen, insbesondere zwischen Breton und Bataille. Umgekehrt verließ Aragon die Gruppe 1932, nachdem er sich der Kommunistischen Partei Frankreichs angeschlossen hatte. Weitere Mitglieder wurden im Laufe der Zeit aufgrund verschiedener politischer und persönlicher Verstöße ausgeschlossen, während andere sich trennten, um individuelle künstlerische Ziele zu verfolgen.

Am Ende des Zweiten Weltkriegs übernahm die von André Breton angeführte surrealistische Gruppe ausdrücklich den Anarchismus. Im Jahr 1952 formulierte Breton diese Ausrichtung mit den Worten: „Im schwarzen Spiegel des Anarchismus erkannte sich der Surrealismus zum ersten Mal.“ Breton unterstützte konsequent die frankophone Anarchistische Föderation und behielt seine Solidarität bei, selbst nachdem die Plattformisten, die Fontenis unterstützten, die FA als Fédération Communiste Libertaire neu gegründet hatten. Er gehörte zu den wenigen Intellektuellen, die die FCL während des Algerienkrieges weiterhin unterstützten, als die Organisation schweren Repressionen ausgesetzt war und gezwungen war, im Geheimen zu operieren und Fontenis während seiner Zeit im Verborgenen sogar Zuflucht zu gewähren. Breton weigerte sich, sich während der Spaltungen innerhalb der französischen anarchistischen Bewegung einer Fraktion anzuschließen, und sowohl er als auch Peret brachten ihre Solidarität mit der neuen Fédération anarchiste zum Ausdruck, die von den synthetistischen Anarchisten gegründet wurde und mit der FA in den Antifaschistischen Komitees der 1960er Jahre zusammenarbeitete.

Goldenes Zeitalter

In den 1930er Jahren erlangte der Surrealismus zunehmend öffentliche Sichtbarkeit. In London entstand ein surrealistisches Kollektiv, und die London International Surrealist Exhibition von 1936 war laut Breton ein bedeutender Meilenstein für diese Zeit und schuf einen Präzedenzfall für spätere internationale Ausstellungen. Gleichzeitig bildete sich in Birmingham eine weitere englische surrealistische Gruppe, die sich durch ihre Opposition zu den Londoner Surrealisten und ihre Vorliebe für die französischen Ursprünge der Bewegung auszeichnete. Diese beiden Fraktionen versöhnten sich später im Jahrzehnt.

Dalí und Magritte waren für die Entstehung der bekanntesten Bilder der Bewegung verantwortlich. Dalí trat der Gruppe 1929 bei und war maßgeblich an der raschen Etablierung ihres unverwechselbaren visuellen Stils zwischen 1930 und 1935 beteiligt.

Als visuelle Bewegung entwickelte der Surrealismus eine spezifische Methodik: psychologische Wahrheiten zu enthüllen, indem er gewöhnliche Objekte ihrer konventionellen Bedeutung entledigte und so überzeugende Bilder erzeugte, die über die typische formale Organisation hinausgingen und letztendlich darauf abzielten, beim Betrachter Empathie zu wecken.

Das Jahr 1931 markierte a Schlüsselpunkt in der stilistischen Entwicklung mehrerer surrealistischer Maler. Magrittes Stimme des Raums (La Voix des airs) veranschaulicht diese Entwicklung und zeigt drei große, glockenartige Kugeln, die über einer Landschaft schweben. Eine weitere surrealistische Landschaft aus demselben Jahr ist Yves Tanguys Vorgebirgespalast (Palais promontoire), der sich durch seine fließenden und geschmolzenen Formen auszeichnet. Solche flüssigen Formen wurden zu einem Markenzeichen von Dalís Werk, insbesondere in seinem ikonischen Gemälde Die Beständigkeit der Erinnerung, das Uhren zeigt, die zu schmelzen und durchzuhängen scheinen.

Die charakteristischen Merkmale dieses Stils – eine Synthese des Darstellenden, des Abstrakten und des Psychologischen – symbolisierten das allgegenwärtige Gefühl der Entfremdung, das in der Moderne erlebt wurde, gepaart mit dem tiefen Wunsch nach tieferer psychologischer Erforschung, um ein ganzheitliches Gefühl dafür zu erlangen Individualität.

Zwischen 1930 und 1933 veröffentlichte die Surrealistengruppe in Paris die Zeitschrift Le Surréalisme au service de la révolution, die die Nachfolge von La Révolution surréaliste antrat.

Von 1936 bis 1938 wurden Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford und Roberto Matta Mitglieder der Gruppe. Paalen führte Fumage ein, während Onslow Ford Coulage beisteuerte, die beide neuartige automatische Bildtechniken repräsentierten.

Lange nachdem interne persönliche, politische und berufliche Spannungen zur Fragmentierung der surrealistischen Gruppe führten, artikulierten Magritte und Dalí weiterhin ein eigenes visuelles Programm innerhalb der Künste. Dieses Programm ging über die Malerei hinaus und umfasste auch die Fotografie, wie ein Man Ray-Selbstporträt beweist, dessen Verwendung von Assemblage die Collageboxen von Robert Rauschenberg tiefgreifend beeinflusste.

In den 1930er Jahren heiratete Peggy Guggenheim, eine bekannte amerikanische Kunstsammlerin, Max Ernst und begann anschließend, sich für die Werke anderer Surrealisten einzusetzen, darunter Yves Tanguy und den britischen Künstler John Tunnard.

Große Ausstellungen in den 1930er Jahren

• 1936 – Die London International Surrealist Exhibition wurde in London vom Kunsthistoriker Herbert Read organisiert, mit einer Einführung von André Breton.
• 1936 – Das Museum of Modern Art in New York veranstaltete die Ausstellung Fantastische Kunst, Dada und Surrealismus.
• 1938 – Eine neue Exposition Internationale du Surréalisme findet in der Beaux-Arts-Galerie in Paris statt und zeigt etwa 300 Gemälde, Objekte, Collagen, Fotografien und Installationen von über 60 Künstlern aus verschiedenen Nationen. Die Surrealisten konzipierten diese Ausstellung als eigenständigen kreativen Akt und beauftragten Marcel Duchamp, Wolfgang Paalen, Man Ray und andere mit der Verwirklichung ihrer Vision. Am Eingang begrüßte Salvador Dalís „Rainy Taxi“ – ein antikes Taxi, das so umgebaut wurde, dass es in seinen Fenstern ständig nieselt, mit einer haifischköpfigen Figur auf dem Fahrersitz und einer blonden Schaufensterpuppe voller lebender Schnecken im Fond – die Gäste, die normalerweise formelle Abendgarderobe trugen. Eine Seite der Lobby wurde zur Surrealistischen Straße umgestaltet, in der sich Schaufensterpuppen befanden, die von verschiedenen Surrealisten gekleidet waren. Paalen und Duchamp arbeiteten bei der Gestaltung der Haupthalle zusammen und verwandelten sie in eine höhlenartige Umgebung mit 1.200 Kohlensäcken, die von der Decke über einem Kohlenbecken hingen, das zusammen mit einer einzelnen Glühbirne für die alleinige Beleuchtung sorgte. Der Boden war mit feuchten Blättern und Schlamm bedeckt und den Besuchern wurden Taschenlampen zur Verfügung gestellt, um die Kunstwerke zu betrachten. Wolfgang Paalen schuf außerdem einen kleinen See mit Gräsern auf dem Boden, während der Duft von geröstetem Kaffee in der Luft lag. Zur großen Zufriedenheit der Surrealisten löste die Ausstellung bei den Zuschauern erhebliche Kontroversen aus.

Zweiter Weltkrieg und die Nachkriegszeit

Der Zweite Weltkrieg erschütterte die europäische Gesellschaft tiefgreifend und traf insbesondere Künstler und Schriftsteller, die sich dem Faschismus und dem Nationalsozialismus widersetzten. Infolgedessen suchten zahlreiche prominente Künstler Zuflucht und relative Sicherheit in Nordamerika, vor allem in den Vereinigten Staaten. Das künstlerische Milieu in New York City beschäftigte sich bereits mit surrealistischen Konzepten, und mehrere amerikanische Künstler, darunter Arshile Gorky, Jackson Pollock und Robert Motherwell, entwickelten enge, wenn auch manchmal vorsichtige Verbindungen zu im Exil lebenden surrealistischen Künstlern. Konzepte, die sich auf das Unbewusste und Traumbilder beziehen, setzten sich schnell durch. Bis zum Zweiten Weltkrieg hatten sich die ästhetischen Vorlieben der amerikanischen Avantgarde in New York entscheidend in Richtung des Abstrakten Expressionismus verschoben, einer Bewegung, die von einflussreichen Persönlichkeiten wie Peggy Guggenheim, Leo Steinberg und Clement Greenberg vertreten wurde. Dennoch ist es wichtig anzuerkennen, dass der Abstrakte Expressionismus direkt aus der Interaktion zwischen amerikanischen (insbesondere in New York lebenden) Künstlern und europäischen Surrealisten hervorgegangen ist, die während des Zweiten Weltkriegs Zuflucht gesucht hatten. Insbesondere Gorki und Paalen prägten maßgeblich die Entwicklung dieser amerikanischen Kunstform, die ähnlich dem Surrealismus den spontanen menschlichen Akt als grundlegende Quelle der Kreativität wertete. Die ersten Werke vieler Abstrakter Expressionisten zeigen eine starke Verbindung zu den offenkundigeren Merkmalen beider Bewegungen. Darüber hinaus unterstreicht die spätere Einbeziehung des dadaistischen Humors durch Künstler wie Rauschenberg diese dauerhafte Verbindung. Bis zum Aufkommen der Pop Art blieb der Surrealismus der bedeutendste Einfluss auf die rasche Ausbreitung der amerikanischen Kunst; Selbst innerhalb der Pop Art sind Elemente des surrealistischen Humors erkennbar, die häufig als Kulturkritik rekontextualisiert werden.

Eine Zeit lang stellte der Zweite Weltkrieg die intellektuellen und künstlerischen Bemühungen weitgehend in den Schatten. Im Jahr 1939 verließ Wolfgang Paalen als erster Surrealist Paris und ging ins Exil in die Neue Welt. Nach einer ausgedehnten Reise durch die Wälder von British Columbia ließ er sich in Mexiko nieder und gründete sein einflussreiches Kunstmagazin *Dyn*. Im folgenden Jahr, 1940, heiratete Yves Tanguy den amerikanischen surrealistischen Maler Kay Sage. 1941 reiste Breton in die Vereinigten Staaten, wo er zusammen mit Max Ernst, Marcel Duchamp und dem amerikanischen Künstler David Hare das kurzlebige Magazin VVV gründete. Dennoch waren es der amerikanische Dichter Charles Henri Ford und seine Veröffentlichung View, die Breton eine bedeutende Plattform für die Verbreitung des Surrealismus in den Vereinigten Staaten boten. Die Duchamp gewidmete Sonderausgabe von View hat maßgeblich dazu beigetragen, das öffentliche Verständnis des Surrealismus in Amerika zu prägen. In dieser Ausgabe wurden Duchamps methodische Verbindungen zum Surrealismus hervorgehoben, Bretons Interpretationen seines Werks vorgestellt und Bretons Perspektive zum Ausdruck gebracht, dass Duchamp als entscheidendes Bindeglied zwischen früheren modernen Bewegungen wie dem Futurismus und Kubismus und dem Surrealismus selbst fungierte. Wolfgang Paalen zog sich daraufhin 1942 aus der Gruppe zurück und verwies auf politische und philosophische Meinungsverschiedenheiten mit Breton.

Trotz der zerstörerischen Auswirkungen des Krieges auf den Surrealismus blieb die künstlerische Produktion innerhalb der Bewegung bestehen. Zahlreiche surrealistische Künstler, darunter Magritte, entwickelten ihr unverwechselbares künstlerisches Vokabular weiter. Darüber hinaus führten viele Mitglieder der surrealistischen Bewegung einen Briefwechsel und trafen sich regelmäßig. Obwohl Dalí von Breton mit der Exkommunikation konfrontiert wurde, gab er weder seine thematischen Anliegen aus den 1930er Jahren auf – etwa Anspielungen auf die „Beständigkeit der Zeit“ in einem späteren Gemälde – noch kehrte er zu einem konventionellen, akademischen Stil zurück. Seine sogenannte „klassische Periode“ bedeutete keine so radikale Abkehr von seinem früheren Werk, wie manche Interpretationen vermuten lassen; Tatsächlich behaupteten Persönlichkeiten wie André Thirion, dass bestimmte Werke nach der Exkommunikation weiterhin für die Bewegung relevant seien. Als der Belfaster Blitz im Mai 1941 den Krieg nach Irland brachte, reagierte Colin Middleton, der sich zuvor in den 1930er Jahren mit surrealistischen Themen beschäftigt hatte, mit der Schaffung einer Reihe düsterer Kunstwerke, die den tiefen Schock der Einwohner der Stadt einfingen. Diese Stücke wurden anschließend 1943 in der Belfast Municipal Gallery and Museum ausgestellt, nachdem die Institution nach ihrer Beinahe-Zerstörung während des Luftangriffs wiederhergestellt worden war.

In den 1940er Jahren dehnte sich der Einfluss des Surrealismus auf England, Amerika und die Niederlande aus, wo Gertrude Pape und ihr Ehemann Theo van Baaren durch ihre Veröffentlichung „The Clean Handkerchief“ zu seiner Popularisierung beitrugen. Mark Rothko erforschte biomorphe Formen, während in England Künstler wie Henry Moore, Lucian Freud, Francis Bacon und Paul Nash surrealistische Methoden übernahmen oder mit ihnen experimentierten. Im Gegensatz dazu blieb Conroy Maddox, ein wegweisender britischer Surrealist, dessen Beiträge zu diesem Genre 1935 begannen, seiner Bewegung treu. 1978 kuratierte Maddox in Paris eine Ausstellung zeitgenössischer surrealistischer Kunst mit dem Titel Surrealism Unlimited. Diese Ausstellung, die internationale Anerkennung fand, wurde als direkte Widerlegung einer früheren Ausstellung organisiert, die er für eine unzureichende Darstellung des Surrealismus hielt. Maddoxs letzte Einzelausstellung fand 2002 statt und er verstarb drei Jahre später. Gleichzeitig entwickelte sich Magrittes künstlerisches Schaffen hin zu einer realistischeren Darstellung von Objekten, behielt jedoch konsequent das charakteristische Element der Gegenüberstellung bei, wie beispielsweise in Werken wie Persönliche Werte (Les Valeurs Personnelles) von 1951 und Empire des Lichts (L’Empire des lumières) von 1954 zum Ausdruck kommt. Magritte schuf auch ikonische Werke, die zu einem festen Bestandteil des künstlerischen Diskurses geworden sind, darunter Das Schloss in den Pyrenäen (Le Château des Pyrénées), das das schwebende Landschaftsmotiv aufgreift, das in seinem Werk Voix von 1931 zu finden ist.

Bestimmte Personen, die mit der surrealistischen Bewegung in Verbindung standen, drohten mit der Vertreibung. Dennoch beschrieben sich mehrere Künstler, darunter Roberto Matta, als „nah am Surrealismus geblieben“. Bemerkenswert ist auch Frida Kahlo; 1938 veranstaltete sie in New York eine Einzelausstellung mit 25 Gemälden, ein von André Breton persönlich gefördertes Unterfangen.

In Südamerika, insbesondere Chile, wurde das surrealistische Kollektiv La Mandrágora 1938 von Braulio Arenas, Teófilo Cid und Enrique Gómez Correa gegründet. Diese Gruppe verbreitete ihre Ideen durch eine gleichnamige Rezension und spielte eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung der surrealistischen Philosophie im gesamten Südkegel, häufig mit Unterstützung des Dichters Vicente Huidobro. Neben Matta übte La Mandrágora einen erheblichen literarischen Einfluss auf den Autor Roberto Bolaño aus.

Nach der Niederschlagung der ungarischen Revolution im Jahr 1956 zog Endre Rozsda nach Paris, wo er seinen unverwechselbaren künstlerischen Ausdruck weiter entwickelte, der sich über den traditionellen Surrealismus hinaus entwickelt hatte. Insbesondere verfasste André Breton das Vorwort zu Rozsdas Eröffnungsausstellung in der Fürstenberg-Galerie im Jahr 1957.

Eine Vielzahl aufstrebender Künstler begrüßten offen die Lehren des Surrealismus. Prominente Persönlichkeiten wie Dorothea Tanning und Louise Bourgeois setzten ihre künstlerischen Praktiken fort, ein Beispiel dafür ist Tannings Werk Rainy Day Canape aus dem Jahr 1970. Marcel Duchamp schuf unterdessen heimlich Skulpturen, darunter die Installation *Étant donnés*, die eine Frau realistisch darstellt, die durch ein Guckloch beobachtet wird.

André Breton setzte sich in seinen Schriften beharrlich für die Emanzipation des menschlichen Geistes ein, insbesondere mit der Veröffentlichung The Tower of Light aus dem Jahr 1952. Seine Rückkehr nach Frankreich nach dem Krieg leitete eine neue Phase des surrealistischen Engagements in Paris ein, wo seine Kritik des Rationalismus und Dualismus bei einem neuen Publikum Anklang fand. Breton behauptete standhaft, dass der Surrealismus eine kontinuierliche Rebellion gegen die Kommerzialisierung der Menschheit, den religiösen Formalismus und das Leiden darstelle, und betonte dabei den Imperativ der intellektuellen Befreiung.

Bedeutende Ausstellungen aus den 1940er, 1950er und 1960er Jahren

• 1942 – Erste Schriften des Surrealismus – New York. Für die Gestaltung dieser Ausstellung haben die Surrealisten erneut Marcel Duchamp engagiert. Duchamp konstruierte im gesamten Ausstellungsraum ein kompliziertes dreidimensionales Netz aus Schnüren, das die Sichtbarkeit der Kunstwerke in einigen Bereichen erheblich behinderte. Er arrangierte auch heimlich, dass der Sohn eines Mitarbeiters seine Freunde zur Eröffnung mitbringen sollte, was dazu führte, dass elegant gekleidete Gäste eintrafen und auf eine Gruppe von Kindern in Sportkleidung trafen, die mit Bällen und Springseilen spielten. Der von Duchamp konzipierte Ausstellungskatalog enthielt „gefundene“ Fotografien der Künstler statt herkömmlich gestellter Porträts.
• 1947 – Internationale Surrealisten-Ausstellung – Galerie Maeght, Paris.
• 1959 – Internationale Surrealisten-Ausstellung – Paris.
• 1960 – Surrealistisches Eindringen in die Domäne der Zauberer – New York.

Post-bretonischer Surrealismus

Der Afro-Surrealismus stellt eine künstlerische und literarische Bewegung dar, die vorwiegend in der afrikanischen Diaspora angesiedelt ist. Es lässt sich von der Négritude und der postkolonialen Literatur inspirieren, mit denen es teilweise konvergiert.

In den 1960er Jahren pflegten Künstler und Schriftsteller, die der Situationistischen Internationale angeschlossen waren, eine enge Verbindung zum Surrealismus. Während Guy Debord eine kritische Distanz zum Surrealismus zum Ausdruck brachte, verwendeten andere Persönlichkeiten wie Asger Jorn ausdrücklich surrealistische Techniken und Methoden. Die Ereignisse im Mai 1968 in Frankreich brachten mehrere surrealistische Konzepte zum Ausdruck, und unter den von Studenten an die Wände der Sorbonne gesprühten Slogans tauchten bekannte surrealistische Slogans auf. Joan Miró erinnerte anschließend in einem Gemälde mit dem Titel Mai 1968 an diese Ereignisse. Darüber hinaus schlossen sich bestimmte Gruppen, wie die Revolutionary Surrealist Group, beiden Bewegungen an und zeigten eine stärkere Zugehörigkeit zum Surrealismus.

In den 1980er Jahren tauchte der Surrealismus innerhalb des Ostblocks im politischen Bereich durch eine unterirdische künstlerische Oppositionsbewegung namens Orange Alternative wieder auf. Die Orange Alternative wurde 1981 von Waldemar Fydrych (alias „Major“), einem Absolventen der Geschichte und Kunstgeschichte der Universität Breslau, gegründet und nutzte surrealistische Symbolik und Terminologie. Während des Jaruzelski-Regimes organisierten sie große Veranstaltungen in polnischen Großstädten und malten surrealistische Graffiti über Anti-Regime-Slogans. Fydrych selbst verfasste ein „Manifest des sozialistischen Surrealismus“, in dem er behauptete, dass das sozialistische (kommunistische) System von Natur aus so surrealistisch geworden sei, dass es als eigenständiger künstlerischer Ausdruck wahrgenommen werden könne.

Surrealistische Kunst stößt weiterhin auf großes Interesse beim Museumspublikum. Das Guggenheim Museum in New York City präsentierte 1999 eine Ausstellung mit dem Titel „Two Private Eyes“ und die Tate Modern veranstaltete 2001 eine Ausstellung surrealistischer Kunst, die über 170.000 Besucher anzog. Im Jahr 2002 zeigte das Metropolitan Museum of Art in New York City eine Ausstellung mit dem Titel Desire Unbound und das Centre Georges Pompidou in Paris organisierte eine Ausstellung mit dem Titel La Révolution surréaliste. In jüngerer Zeit, in den Jahren 2021–2022, organisierten das Metropolitan Museum of Art und die Tate Modern gemeinsam die internationale Übersichtsausstellung Surrealism Beyond Borders, die Werke aus 45 oder mehr Ländern aus fast acht Jahrzehnten zeigte, mit dem Ziel, die transnationalen Netzwerke des Surrealismus über seinen traditionellen westeuropäischen Schwerpunkt hinaus neu zu bewerten.

Surrealistische Gruppen und Literaturpublikationen setzen ihre Aktivitäten bis in die Gegenwart fort, beispielhaft dargestellt durch Organisationen wie die Chicago Surrealist Group, die Leeds Surrealist Group, Peculiar Mormyrid und The Surrealist Group in Stockholm. Jan Švankmajer, eine prominente Persönlichkeit unter den tschechisch-slowakischen Surrealisten, produziert weiterhin Filme und beschäftigt sich mit Objektexperimenten.

Auswirkungen und Einflüsse

Während der Surrealismus überwiegend mit künstlerischen Disziplinen in Verbindung gebracht wird, erstreckt sich sein Einfluss auf zahlreiche andere Bereiche. In diesem breiteren Kontext bezeichnet Surrealismus nicht ausschließlich selbstidentifizierte „Surrealisten“ oder solche, die von André Breton sanktioniert wurden; Vielmehr umfasst es ein Spektrum kreativer Akte der Rebellion und der Bemühungen, die Vorstellungskraft zu befreien. Über seine theoretischen Grundlagen in den Ideen von Hegel, Marx und Freud hinaus betrachten seine Befürworter seine intrinsische Dynamik als dialektisches Denken. Surrealistische Künstler haben auch historische Persönlichkeiten wie die Alchemisten, Dante, Hieronymus Bosch, den Marquis de Sade, Charles Fourier, Comte de Lautréamont und Arthur Rimbaud als bedeutende Einflüsse anerkannt.

Mai 1968

Surrealisten behaupten, dass nicht-westliche Kulturen eine kontinuierliche Inspirationsquelle für surrealistische Bestrebungen bieten, und postulieren, dass einige im Vergleich zur westlichen Kultur ein besseres Gleichgewicht zwischen instrumenteller Vernunft und phantasievoller Freiheit fördern könnten. Der Surrealismus hat einen erkennbaren Einfluss auf die radikale und revolutionäre Politik ausgeübt, sowohl direkt – durch die Beteiligung oder Allianz einiger Surrealisten mit radikalen politischen Gruppen, Bewegungen und Parteien – als auch indirekt – durch die Betonung des tiefgreifenden Zusammenhangs zwischen der Befreiung von Vorstellungskraft und Geist und der Emanzipation von repressiven und archaischen sozialen Strukturen. Dieser Einfluss zeigte sich besonders deutlich in den Bewegungen der Neuen Linken der 1960er und 1970er Jahre und im französischen Aufstand im Mai 1968, wo der Slogan „Alle Macht der Fantasie“ von den Situationisten und Enragés aus der ursprünglich marxistischen „Rêvé-lutionären“ Theorie und Praxis übernommen wurde, die von Bretons französischer surrealistischer Gruppe entwickelt wurde.

Postmodernismus und Populärkultur

Der Surrealismus hat in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, einer Zeit, die oft als postmoderne Ära bezeichnet wird, sowohl direkt als auch indirekt zahlreiche literarische Strömungen maßgeblich beeinflusst. Während eine allgemein akzeptierte Definition des Postmodernismus noch immer schwer fassbar ist, weisen viele seiner charakteristischen Themen und Techniken eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit denen des Surrealismus auf.

Die Ausstellung „First Papers of Surrealism“ stellte die Begründer des Surrealismus vor und markierte einen entscheidenden Fortschritt für Avantgarde-Bewegungen hin zur Installationskunst. Die Beat-Generation, einschließlich vieler ihrer assoziierten Schriftsteller, erfuhr einen tiefgreifenden Einfluss der Surrealisten. Philip Lamantia und Ted Joans beispielsweise werden häufig sowohl als Beat- als auch als surrealistische Autoren kategorisiert. Andere Beat-Autoren wie Bob Kaufman, Gregory Corso, Allen Ginsberg und Lawrence Ferlinghetti weisen ebenfalls erhebliche Beweise für den Einfluss des Surrealismus auf. Insbesondere Antonin Artaud übte erheblichen Einfluss auf viele Beat-Figuren aus, insbesondere auf Ginsberg und Carl Solomon. Ginsberg zitierte ausdrücklich Artauds „Van Gogh – Der von der Gesellschaft zum Selbstmord verurteilte Mann“ als direkte Inspiration für „Howl“, neben Apollinaires „Zone“, García Lorcas „Ode an Walt Whitman“ und Schwitters‘ „Priimiititiii“. Darüber hinaus prägte die strukturelle Zusammensetzung von André Bretons „Free Union“ insbesondere Ginsbergs „Kaddish“. Während ihrer Zeit in Paris trafen Ginsberg und Corso auf prominente Persönlichkeiten wie Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Man Ray und Benjamin Péret und drückten ihre Bewunderung durch Gesten aus, etwa indem Ginsberg Duchamps Füße küsste und Corso Duchamps Krawatte durchschnitt.

William S. Burroughs, eine zentrale Figur der Beat-Generation und postmoderner Schriftsteller, arbeitete mit dem ehemaligen Surrealisten Brion Gysin zusammen, um das Cut-up zu entwickeln Technik. Diese Methode verwendet Zufallsoperationen, um die Textzusammensetzung aus Wörtern zu bestimmen, die aus verschiedenen Quellen stammen, ein Prozess, den Burroughs als „surrealistische Lerche“ bezeichnete und der anerkanntermaßen den Techniken von Tristan Tzara zu verdanken ist.

Der postmoderne Schriftsteller Thomas Pynchon, der ebenfalls von der Beat-Fiktion beeinflusst war, beschäftigte sich ab den 1960er Jahren mit dem surrealistischen Konzept verblüffender Gegenüberstellungen. Er betonte die „Notwendigkeit, dieses Verfahren mit einem gewissen Maß an Sorgfalt und Geschick durchzuführen“ und stellte fest, dass „jede alte Kombination von Details nicht ausreicht“. Zur Veranschaulichung dieses Prinzips erzählte Pynchon eine Aussage von Spike Jones Jr., dessen Orchesteraufnahmen seines Vaters ihn in seiner Kindheit tiefgreifend beeinflusst hatten: „Eines der Dinge, die die Leute an Papas Musik nicht erkennen, ist, dass, wenn man ein Cis durch einen Schuss ersetzt, es ein Cis-Schuss sein muss, sonst klingt es schrecklich.“

Zahlreiche andere postmoderne Belletristikautoren haben gezeigt, dass sie direkt vom Surrealismus beeinflusst sind. Paul Auster beispielsweise hat surrealistische Gedichte übersetzt und die Surrealisten als „eine echte Entdeckung“ für ihn bezeichnet. Als Salman Rushdie als magischer Realist identifiziert wurde, behauptete er, dass er sein Werk als „mit dem Surrealismus verbunden“ ansehe. David Lynch gilt weithin als surrealistischer Filmemacher. Kommentatoren bemerkten: „David Lynch ist erneut als Verfechter des Surrealismus ins Rampenlicht gerückt“, insbesondere im Hinblick auf seine Show Twin Peaks. Für die Werke anderer Postmodernisten wie Donald Barthelme und Robert Coover wird häufig ein breiter Vergleich mit dem Surrealismus gezogen.

Der magische Realismus, eine unter Romanautoren in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, insbesondere unter lateinamerikanischen Schriftstellern, vorherrschende literarische Technik, weist durch seine Gegenüberstellung von Gewöhnlichem und Traumhaftem bemerkenswerte Parallelen zum Surrealismus auf, wie in den Schriften von Gabriel García Márquez veranschaulicht. Carlos Fuentes ließ sich von der revolutionären Essenz der surrealistischen Poesie inspirieren und betonte den Einfluss, den Breton und Artaud in Fuentes' Heimat Mexiko fanden. Während der Surrealismus den magischen Realismus in seinen Anfangsstadien direkt beeinflusste, erkennen viele Autoren und Kritiker des magischen Realismus, darunter Amaryll Chanady und S. P. Ganguly, diese Ähnlichkeiten an, betonen aber auch bedeutende Unterschiede, die durch direkte Vergleiche oft verdeckt werden. Zu diesen Unterschieden gehört das angebliche mangelnde Interesse des Magischen Realismus an Psychologie und europäischen Kulturartefakten, von denen sie behaupten, dass sie im Surrealismus vorhanden seien. Alejo Carpentier gilt als prominenter Autor des magischen Realismus, der den Surrealismus als einen frühen Einfluss erkannte, obwohl er später dessen starre Abgrenzung zwischen dem Realen und dem Unwirklichen kritisierte, weil er die authentische südamerikanische Erfahrung nicht wiedergab.

Surrealistische Gruppen

Die surrealistische Bewegung bestand nach dem Tod von André Breton im Jahr 1966 durch verschiedene Einzelpersonen und Gruppen fort. Obwohl Jean Schuster die ursprüngliche Pariser Surrealistengruppe 1969 auflöste, entstand später ein neues Pariser Surrealistenkollektiv. Diese zeitgenössische surrealistische Gruppe aus Paris hat kürzlich die erste Ausgabe ihrer Zeitschrift Alcheringa herausgebracht. Gleichzeitig hat die Gruppe der tschechisch-slowakischen Surrealisten ihre Tätigkeit kontinuierlich aufrechterhalten und ihre Zeitschrift Analogon veröffentlicht, die mittlerweile fast 100 Bände umfasst.

Der Einfluss des Surrealismus auf das Theater

Das surrealistische Theater beeinflusste neben Artauds „Theater der Grausamkeit“ maßgeblich zahlreiche Dramatiker, die der Kritiker Martin Esslin in seiner Publikation von 1963 als „Theater des Absurden“ einstufte. Obwohl es sich nicht um eine organisierte Bewegung handelte, stellte Esslin thematische und technische Gemeinsamkeiten zwischen diesen Dramatikern fest, was auf eine mögliche Abstammung surrealistischer Einflüsse schließen lässt. Eugène Ionesco beispielsweise drückte eine besondere Affinität zum Surrealismus aus und betonte einst Bretons Status als zentralen historischen Denker. Samuel Beckett schätzte auch die Surrealisten und übersetzte einen wesentlichen Teil ihrer Gedichte ins Englische. Darüber hinaus waren andere prominente Dramatiker, die in Esslins Klassifizierung enthalten sind, wie Arthur Adamov und Fernando Arrabal, zu verschiedenen Zeiten mit der Gruppe der Surrealisten verbunden.

Alice Farley, eine amerikanische Künstlerin, begann ihre berufliche Laufbahn in den 1970er Jahren in San Francisco, nachdem sie ihre Tanzausbildung am California Institute of the Arts absolviert hatte. Farley verwendet lebendige und aufwendige Kostüme, die sie als „Vehikel der Transformation, die in der Lage sind, die Gedanken einer Figur sichtbar zu machen“ beschreibt. Farley arbeitet häufig mit Musikern wie Henry Threadgill zusammen und untersucht die Funktion der Improvisation im Tanz und integriert so eine automatische Dimension in ihre Produktionen. Ihre Teilnahme erstreckt sich auf mehrere surrealistische Kooperationen, insbesondere auf die Weltausstellung der Surrealisten, die 1976 in Chicago stattfand.

Vorgeschlagene Vorläufer in der historischen Kunst

Mehrere historische Künstler werden gelegentlich als Vorläufer des Surrealismus postuliert. Zu den prominent zitierten Persönlichkeiten gehören Hieronymus Bosch und Giuseppe Arcimboldo, letzteren bezeichnete Dalí bekanntlich als „Vater des Surrealismus“. Über ihre direkten Anhänger hinaus sind in diesem Diskurs manchmal auch andere Künstler wie Joos de Momper für Werke wie anthropomorphe Landschaften bekannt. Eine beträchtliche Anzahl von Kritikern ist jedoch der Ansicht, dass diese Schöpfungen eher als fantastische Kunst einzustufen seien, da ihnen eine tiefe Verbindung zum Surrealismus fehlt.

Surrealistische Künstler

• Surrealistische Künstler
• Bizarres Objekt
• Von der surrealistischen Bewegung beeinflusste Filme
• Surrealistisches Kino
• Surrealistinnen
• Exquisite Leiche
• Neo-Fauvismus – Ein poetischer Malstil.
• Organischer Surrealismus – Eine Kategorisierung innerhalb der surrealistischen Kunst.
• Outsider-Kunst – Kunst, die außerhalb der Grenzen etablierter Kulturinstitutionen von Personen ohne formale künstlerische Ausbildung produziert wird.
• Psychedelische Musik
• Psychedelische Kunst – Visuelle Kunst, die sich von psychedelischen Erfahrungen inspirieren lässt.
• Salón de Mayo – Eine Kunstausstellung aus dem Jahr 1967 in Havanna, Kuba.

Referenzen

Bibliographie

André Breton

• Manifeste des Surrealismus, das das erste und zweite Manifest, eine Einführung in ein mögliches drittes, den Roman Der lösliche Fisch und Diskussionen über die politischen Dimensionen der surrealistischen Bewegung enthält. ISBN 0-472-17900-4.
• Was ist Surrealismus?: Ausgewählte Schriften von André Breton. ISBN 0-87348-822-9.
• Conversations: The Autobiography of Surrealism (Gallimard 1952; Paragon House englische überarbeitete Ausgabe 1993). ISBN 1-56924-970-9.
• The Abridged Dictionary of Surrealism, anschließend nachgedruckt in:
  • Bonnet, Marguerite, Hrsg. (1988). Oeuvres complètes, 1:328. Paris: Éditions Gallimard.

Andere Quellen

• Ades, Dawn. Surrealismus in Lateinamerika: Vivisimo Muerto. Los Angeles: Getty Publications, 2012. ISBN 978-1-60606-117-6.
• Alexandrian, Sarane. Surrealistische Kunst. London: Themse & Hudson, 1970.
• Apollinaire, Guillaume. 1917, 1991. Programmnotiz für Parade, veröffentlicht in Oeuvres en prose complètes, 2:865–866, herausgegeben von Pierre Caizergues und Michel Décaudin. Paris: Éditions Gallimard.
• Allmer, Patricia (Hrsg.). Intersections – Künstlerinnen/Surrealismus/Modernismus. Reihe Rethinking Art's Histories. Manchester: Manchester University Press, 2016.
• Allmer, Patricia und Donna Roberts (Hrsg.). „„Wonderful Things“ – Surrealismus und Ägypten.“ Dada/Surrealismus, University of Iowa, 20:1, 2013.
• Allmer, Patricia (Hrsg.). Angels of Anarchy: Künstlerinnen und Surrealismus. London und Manchester: Prestel und Manchester Art Gallery, 2009.
• Allmer, Patricia und Hilde van Gelder (Hrsg.). Kollektive Erfindungen: Surrealismus in Belgien. Leuven: Leuven University Press, 2007.
• Allmer, Patricia und Hilde Van Gelder (Hrsg.). „Die vergessenen Surrealisten: Belgischer Surrealismus seit 1924.“ Bild [&] Erzählung, Nr. 13 (2005).
• Brotchie, Alastair und Mel Gooding (Hrsg.). Ein Buch surrealistischer Spiele. Berkeley, Kalifornien: Shambhala, 1995. ISBN 1-57062-084-9.
• Caws, Mary Ann. Surrealistische Maler und Dichter: Eine Anthologie. MIT Press, 2001.
• Chadwick, Whitney. Spiegelbilder: Frauen, Surrealismus und Selbstdarstellung. The MIT Press, 1998. ISBN 978-0-262-53157-3.
• Chadwick, Whitney. Künstlerinnen und die surrealistische Bewegung. Bulfinch Press, 1985. ISBN 978-0-8212-1599-9.
• Durozoi, Gerard. Geschichte der surrealistischen Bewegung. Übersetzt von Alison Anderson. University of Chicago Press, 2004. ISBN 0-226-17411-5.
• Flahutez, Fabrice. Nouveau Monde und Nouveau Mythe. Mutations du surréalisme de l'exil Américain à l'écart absolut (1941–1965). Les presses du réel, Dijon, 2007.
• Flahutez, Fabrice (Hrsg.), Julia Drost (Hrsg.), Anne Helmreich (Hrsg.) und Martin Schieder (Hrsg.). Vernetzung des Surrealismus in den Vereinigten Staaten: Künstler, Agenten und der Markt. Bd. 1. Paris: DFK, 2019. ISBN 978-3-947449-50-7.
• Fort, Ilene Susan und Tere Arcq (Hrsg.). Im Wunderland: Die surrealistischen Abenteuer von Künstlerinnen in Mexiko und den Vereinigten Staaten. München: Prestel Verlag, 2012.
• Foster, Hal. Zwanghafte Schönheit. The MIT Press, 1995. ISBN 9780262560818.
• Galtsova, Elena. Surrealismus und Theater: Zur theatralischen Ästhetik des französischen Surrealismus. Moskau: Russische Staatliche Universität für Geisteswissenschaften, 2012. ISBN 978-5-7281-1146-7.
• Hopkins, David (2004). Dada und Surrealismus: Eine sehr kurze Einführung. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-280254-5.
• Richard, Jean-Tristan. Les structure inconscientes du signe pictural/Psychanalyse et surréalisme (Unbewusste Strukturen des Bildzeichens: Psychoanalyse und Surrealismus). L'Harmattan Hrsg., Paris, 1999.
• „Mélusine“, eine französische Rezension, herausgegeben von Editions l'Age d'Homme, Lausanne, Schweiz, wird seit 1979 vom Centre of Surrealism Studies von Henri Behar geleitet.
• Sams, Jeremy (1997) [1993]. „Poulenc, Francis.“ In Amanda Holden (Hrsg.), The Penguin Opera Guide. London: Pinguinbücher. ISBN 978-0-14-051385-1.Spenser, Rochelle (2021). AfroSurrealismus: Die surrealistische Fiktion der afrikanischen Diaspora. Die Kulturpolitik von Medien und Populärkultur. London: Routledge. ISBN 978-103-208-237-0.Schriften von André Breton

  Schriften von André Breton

  • Breton, André. (1924). Manifest des Surrealismus. (Archiviert am 09.02.2010).
  • Bretonisch, André. (1934). Was ist Surrealismus?. (Vortrag in Brüssel).

  Allgemeine Übersichten

  • Ein chronologischer Überblick über den Surrealismus aus dem Centre Pompidou.
  • Le Surréalisme (auf Französisch).
  • Surrealism Reviewed (Hörbuch mit Archivaufnahmen).
  • „Surrealismus.“ (2001, 15. November). Eine BBC Radio 4-Diskussion mit Dawn Adiss, Malcolm Bowie und Darien Leader auf In Our Time.

  Surrealismus und politisches Engagement

  • Heath, Nick. (o.J.). „1919–1950: Die Politik des Surrealismus.“ Arsenal, Bd. 4.Der Wächter.Surrealistische Poetik
    • Gullette, Alan. (o.J.). „Die Theorie und Techniken der surrealistischen Poesie.“ (Archiviert am 18.07.2011).
    • Aimé Césaire und der Surrealismus. (Archiviert am 19.09.2010). (auf Französisch)