Neoclassicism

Neoclasicismo, traducido alternativamente como Neoclasicismo, se manifestó como un destacado fenómeno cultural occidental en las artes decorativas y visuales, la literatura, el teatro, la música y la arquitectura, y que deriva sus principios fundacionales del patrimonio artístico y cultural de la antigüedad clásica. Este movimiento se originó en Roma, significativamente influenciado por las contribuciones académicas de Johann Joachim Winckelmann en medio de los redescubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano. Su influencia se difundió posteriormente por toda Europa cuando estudiantes de arte, completando su Grand Tour, fueron repatriados desde Italia imbuidos de ideales estéticos grecorromanos recientemente apreciados. La principal corriente neoclásica se desarrolló a partir del Siglo de las Luces del siglo XVIII, alcanzando su cenit entre principios y mediados del siglo XIX y, en última instancia, entabló una rivalidad estilística con el Romanticismo. Dentro del ámbito arquitectónico, este estilo demostró una longevidad notable, persistió durante los siglos XIX y XX y se extendió hasta el XXI.

El neoclasicismo europeo, particularmente dentro de las artes visuales, comenzó alrededor de c. 1760 y emergió como un contrapunto directo a la estética rococó predominante. Mientras que la arquitectura rococó priorizó la gracia, la ornamentación elaborada y la asimetría, la arquitectura neoclásica se estructuró fundamentalmente sobre principios de simplicidad y simetría. Estas últimas cualidades fueron estimadas como virtudes inherentes a las tradiciones artísticas de la Antigua Roma y la Antigua Grecia, directamente influenciadas por el clasicismo renacentista del siglo XVI. Cada movimiento "neo"clásico adopta selectivamente ciertos modelos del repertorio clásico disponible, ignorando otros. De 1765 a 1830, los seguidores del neoclasicismo (incluidos escritores, oradores, mecenas, coleccionistas, artistas y escultores) veneraron una idea de la era artística asociada con Fidias; sin embargo, los ejemplos escultóricos que preferían predominantemente eran a menudo reproducciones romanas de obras helenísticas. Al mismo tiempo, pasaron por alto en gran medida tanto el arte griego arcaico como las creaciones de la antigüedad tardía. Se produjo una revelación significativa con el descubrimiento del arte de estilo "rococó" de la antigua Palmira, difundido a través de grabados en la obra fundamental de Robert Wood, Las ruinas de Palmira. Dado que Grecia permaneció en gran medida inexplorada y era percibida como una región peligrosa dentro del Imperio Otomano, la comprensión de la arquitectura griega por parte de los neoclásicos se derivó principalmente de dibujos y grabados. Estas representaciones a menudo refinaron, regularizaron, "corrigieron" y "restauraron" monumentos griegos sutilmente, a veces sin una intención consciente.

El estilo Imperio, que representa una fase posterior del neoclasicismo dentro de la arquitectura y las artes decorativas, se centró culturalmente en París durante la era napoleónica. El neoclasicismo mantuvo su influencia mucho más allá de principios del siglo XIX, particularmente en la arquitectura, pero también en otras disciplinas, y experimentó períodos recurrentes de resurgimiento a lo largo del siglo XX e incluso en el XXI, especialmente en Estados Unidos y Rusia.

Historial

El neoclasicismo constituye un resurgimiento de los diversos estilos y valores de la antigüedad clásica, inspirándose directamente en el período clásico. Este resurgimiento coincidió y reflejó los avances filosóficos y otros avances intelectuales del Siglo de las Luces, emergiendo inicialmente como una respuesta a los excesos percibidos del estilo rococó anterior. Aunque el movimiento se caracteriza frecuentemente como la contraparte antitética del romanticismo, esta perspectiva representa una simplificación excesiva significativa que a menudo resulta insostenible tras un examen más detenido de artistas específicos o sus obras. La carrera de Ingres, a menudo considerado un exponente principal del neoclasicismo tardío, ejemplifica particularmente esta complejidad. Los orígenes de este renacimiento pueden vincularse al establecimiento formal de la arqueología.

Giovanni Pietro Bellori, arqueólogo y teórico del arte italiano, es reconocido como un precursor del neoclasicismo. En 1664, presentó una conferencia sobre el "Ideal" en el arte en la Accademia di San Luca de Roma, que posteriormente se convirtió en una exposición fundacional de la teoría del arte idealista. El discurso de Bellori ejerció una profunda influencia en el pensamiento académico europeo y más tarde sirvió como fundamento teórico para los principios neoclásicos defendidos por Winckelmann.

Las contribuciones académicas de Johann Joachim Winckelmann fueron fundamentales para dar forma a este movimiento en los dominios artísticos tanto arquitectónicos como visuales. Sus obras fundamentales, Reflexiones sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1755) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764), fueron las primeras en diferenciar claramente entre el arte griego y romano antiguo. Estos textos también establecieron períodos cronológicos dentro del arte griego, trazando una trayectoria de desarrollo desde el crecimiento inicial hasta la madurez, seguida de fases de imitación o decadencia, un marco conceptual que continúa influyendo en la comprensión contemporánea. Winckelmann abogó por una búsqueda artística de "noble sencillez y serena grandeza", ensalzando el idealismo inherente al arte griego. Postuló que el arte griego revelaba "no sólo la naturaleza en su forma más bella, sino también algo más allá de la naturaleza, es decir, ciertas formas ideales de su belleza que, como nos enseña un antiguo intérprete de Platón, provienen de imágenes creadas únicamente por la mente". Si bien los fundamentos teóricos no eran nuevos en el arte occidental, la insistencia de Winckelmann en la emulación rigurosa de los prototipos griegos fue innovadora, resumida en su afirmación: "La única manera de que seamos grandes o, si esto es posible, inimitables, es imitar a los antiguos".

La Revolución Industrial instigó una transformación económica global, desplazando a las sociedades humanas hacia procesos de fabricación más eficientes y estables. Esta era fomentó un progreso material significativo y una mayor prosperidad. Al mismo tiempo, el surgimiento del Grand Tour popularizó la colección de antigüedades, estableciendo así numerosas colecciones destacadas y difundiendo un renacimiento neoclásico por toda Europa. Fundamentalmente, "neoclasicismo" dentro de cualquier disciplina artística denota la adhesión a un canon específico derivado de un modelo "clásico".

En el contexto inglés, la designación "neoclasicismo" se refiere principalmente a las artes visuales. Un movimiento paralelo en la literatura inglesa, anterior a la tendencia de las artes visuales, se conoce como literatura de Augusto; este estilo, dominante durante varias décadas, ya estaba decayendo a medida que el neoclasicismo ganaba prominencia en las artes visuales. La literatura francesa mostró una trayectoria comparable, a pesar de la diferente terminología. Musicalmente, este período fue testigo del ascenso de la música clásica, con el término "neoclasicismo" típicamente reservado para los desarrollos del siglo XX. Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck encarnaban una metodología neoclásica distinta, articulada en su prefacio a la partitura publicada de Alceste (1769). Las reformas de Gluck buscaron racionalizar la ópera eliminando la ornamentación excesiva, elevando el papel del coro para alinearlo con la tragedia griega y empleando estructuras melódicas más directas y sin adornos.

La denominación "neoclásica" no surgió hasta mediados del siglo XIX; Al mismo tiempo, el estilo se caracterizó por descriptores como "el verdadero estilo", "reformado" y "renacimiento". Sin embargo, el período histórico específico o la estética que se revivió varió significativamente. Si bien los modelos antiguos eran innegablemente centrales, el estilo también fue percibido como un resurgimiento del Renacimiento, y particularmente en Francia, como un regreso al Barroco más austero y digno de la época de Luis XIV. Esta interpretación francesa surgió de una creciente nostalgia por una época dorada pasada, que coincidió con un marcado declive de la preeminencia militar y política de Francia. En particular, el retrato de la coronación de Napoleón realizado por Ingres incorporó elementos de los dípticos consulares de la Antigüedad tardía y sus resurgimientos carolingios, una elección que provocó la censura crítica.

El neoclasicismo logró su expresión más sólida en la arquitectura, la escultura y las artes decorativas, principalmente porque los prototipos clásicos en estos medios eran comparativamente abundantes y fácilmente disponibles. Por el contrario, los ejemplos de pintura antigua que encarnaban las cualidades estéticas que Winckelmann identificó en la escultura eran, y siguen siendo, escasos. El propio Winckelmann participó en la publicidad de los descubrimientos iniciales de importantes pinturas romanas en Pompeya y Herculano. Sin embargo, al igual que la mayoría de sus contemporáneos, con la notable excepción de Gavin Hamilton, encontró estas obras decepcionantes, haciendo referencia a las observaciones de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura durante su propia época.

En cuanto a la pintura, se había perdido la totalidad de la pintura griega antigua. Los pintores neoclásicos, por tanto, emprendieron una reconstrucción imaginativa, inspirándose en varias fuentes: frisos en bajorrelieve, mosaicos y pintura de cerámica; la pintura y las artes decorativas del Alto Renacimiento del período de Rafael; frescos encontrados en la Domus Aurea de Nerón, Pompeya y Herculano; y un renovado aprecio por las obras de Nicolas Poussin. En consecuencia, una parte importante de la pintura "neoclásica" se caracteriza más por su temática clasicista que por sus elementos formales o estilísticos. Durante décadas, persistió una disputa ferviente, aunque a menudo mal informada, sobre los méritos comparativos del arte griego y romano, en la que Winckelmann y sus compañeros helenistas prevalecieron en gran medida en esta contienda intelectual.

Pintura, dibujo y grabado

Al público contemporáneo a menudo le resulta difícil comprender plenamente las cualidades revolucionarias y estimulantes de la pintura neoclásica temprana. Incluso los defensores del estilo ahora lo perciben como "insípido" y "casi completamente carente de interés para nosotros", un sentimiento que se hizo eco en las observaciones de Kenneth Clark sobre el monumental Parnassus de Anton Raphael Mengs en la Villa Albani. Mengs era un artista a quien su socio Winckelmann elogiaba como "el mejor artista de su época, y quizás de épocas posteriores". Los dibujos de John Flaxman, posteriormente reproducidos como grabados, empleaban dibujos lineales minimalistas, considerados el medio clásico por excelencia, y predominantemente figuras de perfil para ilustrar La Odisea y otros temas. Estas obras, que alguna vez inspiraron a "la juventud artística de Europa", ahora están en gran medida "descuidadas". De manera similar, Fritz Novotny ha caracterizado las composiciones históricas de Angelica Kauffman, principalmente retratista, por poseer "una suavidad untuosa y tedio". Si bien se descartaron deliberadamente la exuberancia del rococó y el dinamismo del arte barroco, muchos artistas lucharon por establecer nuevas convenciones artísticas. Al carecer de precedentes antiguos directos para la pintura histórica, aparte de los jarrones griegos utilizados por Flaxman, los artistas adoptaron con frecuencia a Rafael como paradigma alternativo, una práctica respaldada por Winckelmann.

Por el contrario, ciertos artistas, cuyas creaciones desafiaron la categorización como "insípidas", integraron elementos del romanticismo dentro de un marco predominantemente neoclásico, contribuyendo así a las trayectorias de ambos movimientos artísticos. El artista germano-danés Asmus Jacob Carstens completó sólo una fracción de sus ambiciosas composiciones mitológicas, dejando principalmente dibujos y estudios de color. Estos a menudo encarnaban con éxito el ideal de Winckelmann de "noble sencillez y serena grandeza". En marcado contraste con los proyectos incumplidos de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron prolíficos y comercialmente exitosos, y los viajeros del Grand Tour los difundieron ampliamente por toda Europa. El enfoque principal de Piranesi fue el patrimonio arquitectónico y las ruinas de Roma, lo que demuestra un compromiso más profundo con la antigüedad que con los temas contemporáneos. El ambiente sutilmente inquietante característico de muchas de sus Vedute (vistas) se intensifica en su serie de 16 grabados titulada Carceri d'invenzione ("Prisiones imaginarias"), donde la "arquitectura ciclópea opresiva" evoca poderosamente "sueños de miedo y frustración". Henry Fuseli, nacido en Suiza y que pasó la mayor parte de su vida profesional en Inglaterra, basó su estilo artístico en principios neoclásicos; sin embargo, sus elecciones temáticas y su ejecución frecuentemente se alineaban con la dimensión "gótica" del romanticismo, con el objetivo de provocar respuestas dramáticas y emocionantes.

La trayectoria del neoclasicismo en la pintura fue reorientada significativamente por el extraordinario triunfo del Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David en el Salón de París de 1785. Aunque la obra defendía los ideales republicanos, paradójicamente fue encargada por el gobierno real, y David estipuló su creación en Roma. David fusionó magistralmente una estética idealista con un drama profundo y un vigor convincente. La composición presenta una perspectiva central ortogonal al plano de la imagen, acentuada por la tenue arcada del fondo. En este contexto, las figuras heroicas están dispuestas en forma de friso, sugiriendo la iluminación y la puesta en escena teatrales de la ópera, junto con la paleta clásica que recuerda a Nicolas Poussin. David rápidamente ascendió a la prominencia como figura preeminente del arte francés. Después de la Revolución Francesa, asumió un papel político, ejerciendo una influencia considerable sobre el patrocinio estatal en las artes. Mantuvo su dominio durante la era napoleónica, produciendo piezas abiertamente propagandísticas, pero se vio obligado a exiliarse en Bruselas después de la Restauración borbónica.

Entre los numerosos alumnos de David se encontraba Jean-Auguste-Dominique Ingres, quien constantemente se identificó como un clasicista a lo largo de su extensa carrera. Sin embargo, su enfoque artístico maduro mantuvo una conexión ambigua con los principios centrales del neoclasicismo, y sus exploraciones posteriores en el orientalismo y el estilo trovador a menudo resultaron difíciles de diferenciar de la producción de sus contemporáneos abiertamente románticos, salvo por la constante preeminencia del dibujo en sus composiciones. Ingres expuso en el Salón durante más de seis décadas, comenzando en 1802 y extendiéndose hasta el período naciente del impresionismo, pero su estilo establecido sufrió una alteración mínima.

Escultura

Mientras que la pintura neoclásica se enfrentaba a una escasez de prototipos antiguos, la escultura neoclásica a menudo se enfrentaba a una abundancia de tales modelos. Durante esa época, las esculturas griegas auténticas del período clásico, que comenzaron alrededor del 500 a. C., eran raras; en consecuencia, las obras más estimadas fueron predominantemente reproducciones romanas. Destacados escultores neoclásicos alcanzaron un considerable renombre en su época, aunque su reconocimiento contemporáneo ha disminuido, con la notable excepción de Jean-Antoine Houdon. La obra de Houdon consistió principalmente en retratos, frecuentemente representados en forma de bustos, que preservaban de manera única la personalidad distintiva del modelo sin sucumbir a un idealismo excesivo. A lo largo de su extensa carrera, su enfoque artístico evolucionó hacia una estética más clásica, demostrando una transición perfecta de la elegancia rococó a la solemnidad clásica. Para distinguirse de ciertos contemporáneos neoclásicos, Houdon no exigía vestimenta romana ni desnudez para sus súbditos. Representó a muchas figuras importantes de la Ilustración y viajó a Estados Unidos para crear una estatua de George Washington, junto con bustos de Thomas Jefferson, Benjamin Franklin y otros fundadores de la naciente república.

Antonio Canova y el escultor danés Bertel Thorvaldsen, ambos radicados en Roma, crearon numerosas figuras ambiciosas de tamaño natural y grupos escultóricos, además de retratos. Ambos artistas personificaron la pronunciada corriente idealizadora dentro de la escultura neoclásica. La obra de Canova se caracteriza por su ligereza y gracia, en contraste con el enfoque más austero de Thorvaldsen; esta distinción es evidente en sus respectivas interpretaciones de las Tres Gracias. Estos escultores, incluido Flaxman, permanecieron activos hasta la década de 1820, ya que la influencia del romanticismo en la escultura fue gradual, lo que permitió que el neoclasicismo persistiera como estilo predominante durante gran parte del siglo XIX.

Johan Tobias Sergel, un artista sueco, fue uno de los primeros defensores del neoclasicismo en la escultura. John Flaxman, principalmente escultor, creó austeros relieves clásicos estilísticamente similares a sus grabados; También pasó varios años diseñando y modelando cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph, notable por ser uno de los pocos escultores neoclásicos que murieron prematuramente, fueron artistas alemanes destacados, junto con Franz Anton von Zauner en Austria. El escultor austriaco del Barroco tardío Franz Xaver Messerschmidt hizo la transición al neoclasicismo a mitad de su carrera, poco antes de que una aparente crisis mental provocara su retiro al campo. Allí, se dedicó a crear "cabezas de personajes" muy distintivas, que representaban figuras calvas con expresiones faciales exageradas. Estas obras, al igual que Carceri de Piranesi, experimentaron un importante resurgimiento del interés académico durante la era psicoanalítica de principios del siglo XX. Mathieu Kessels, un escultor neoclásico holandés, se formó con Thorvaldsen y trabajó principalmente en Roma.

Antes de la década de 1830, Estados Unidos carecía de una tradición escultórica indígena, aparte de tallas de lápidas, veletas y mascarones de proa de barcos. En consecuencia, se adoptó el estilo neoclásico europeo y siguió siendo dominante durante varias décadas, como lo demuestran las obras de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers y William Henry Rinehart.

Arquitectura y Artes Decorativas

El arte neoclásico encarnaba simultáneamente cualidades aparentemente contradictorias: era tradicional pero innovador, histórico pero moderno, y conservador pero progresista.

El neoclasicismo inicialmente ganó prominencia en Gran Bretaña y Francia, propagado por estudiantes de arte franceses educados en Roma e inspirados en los tratados de Winckelmann. Posteriormente, fue rápidamente adoptado por comunidades de vanguardia en otras naciones, incluidas Suecia, Polonia y Rusia. Inicialmente, la ornamentación clásica se integró en los estilos arquitectónicos europeos existentes, ejemplificados por los interiores creados para el amante de Catalina la Grande, el conde Grigory Orlov. Estos interiores, concebidos por un arquitecto italiano y ejecutados por un equipo de stuccadori italianos, mostraban sólo sutiles elementos neoclásicos, como medallones ovalados aislados que parecían camafeos y bajorrelieves sobre puertas, mientras que el mobiliario seguía siendo enteramente rococó italiano.

Una fase posterior del neoclasicismo, más austera, meticulosamente investigada (a menudo mediante grabados) y deliberadamente arqueológica, surgió al mismo tiempo que el cenit del Imperio napoleónico. En Francia, la manifestación inicial del neoclasicismo se denominó "estilo Luis XVI", mientras que su segunda fase abarcó los estilos "Directorio" e "Imperio". En Italia, el estilo rococó mantuvo su popularidad hasta que el advenimiento del gobierno napoleónico introdujo un nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como declaración política por italianos jóvenes, progresistas y urbanos inclinados hacia el republicanismo.

En las artes decorativas, el neoclasicismo se manifestó de manera destacada en los muebles Imperio producidos en las principales ciudades como París, Londres, Nueva York y Berlín, así como en los muebles Biedermeier de Austria. Los ejemplos arquitectónicos incluyen los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el Capitolio de los Estados Unidos recientemente construido en Washington, D.C. Además, los bajorrelieves y los jarrones de "basaltos negros" de Josiah Wedgwood ejemplifican el estilo. Su alcance internacional se ve subrayado por el trabajo del arquitecto escocés Charles Cameron, quien diseñó opulentos interiores de estilo italiano para Catalina la Grande en San Petersburgo, Rusia.

Dentro del diseño de interiores, el neoclasicismo marcó un cambio significativo hacia una auténtica estética clásica, profundamente influenciada por los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano. Si bien las excavaciones iniciales comenzaron a finales de la década de 1740, la conciencia pública generalizada surgió en la década de 1760, coincidiendo con la publicación de los primeros volúmenes lujosos y meticulosamente distribuidos de Le Antichità di Ercolano (Las Antigüedades de Herculano). Estas antigüedades desenterradas revelaron que incluso los interiores barrocos más clasicistas, o las habitaciones "romanas" de William Kent, invertían fundamentalmente elementos arquitectónicos exteriores como basílicas y templos, dando lugar a lo que los observadores contemporáneos a menudo percibían como un estilo grandilocuente, caracterizado por elementos como marcos de ventanas con frontones transformados en espejos dorados y chimeneas coronadas con frentes de templos. Por el contrario, los nuevos interiores neoclásicos pretendían reconstruir meticulosamente un vocabulario de diseño de interiores auténticamente romano e intrínsecamente interior.

Las técnicas neoclásicas abarcaban el uso de motivos más planos y delicados, a menudo representados en relieves bajos, a modo de friso, o pintados en monocromáticos en camaïeu ("como camafeos"). Los elementos decorativos comunes incluían medallones, jarrones, bustos o bucrania aislados, frecuentemente suspendidos con guirnaldas de laurel o cintas, junto con esbeltos arabescos sobre fondos de "rojo pompeyano", tintes pálidos o colores de piedra. En Francia, el estilo surgió inicialmente como un fenómeno parisino, conocido como Goût grec ("estilo griego"), más que como una estética sancionada por la corte. Tras la ascensión de Luis XVI en 1774, su reina, María Antonieta, una destacada árbitro de la moda, introdujo el estilo Luis XVI en la corte real. Sin embargo, no se produjo una adopción genuina de las formas fundamentales del mobiliario romano hasta principios del siglo XIX. Los fabricantes de muebles con frecuencia se inspiraban en la arquitectura antigua, reflejando cómo los plateros hacían más referencia a la cerámica antigua y al tallado en piedra que a la orfebrería. Como señala una observación, "Los diseñadores y artesanos... parecen haber encontrado un placer casi perverso al transferir motivos de un medio a otro".

Alrededor de 1800, una renovada afluencia de precedentes arquitectónicos griegos, difundidos a través de aguafuertes y grabados, vigorizó el neoclasicismo y dio lugar al Renacimiento griego. Al mismo tiempo, el estilo Imperio surgió como una manifestación más grandiosa del neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Este estilo, que se basa principalmente en la estética romana imperial, se originó durante el reinado de Napoleón en el Primer Imperio Francés, del cual deriva su nombre, y sirvió para idealizar el liderazgo de Napoleón y el estado francés. A nivel regional, el estilo Imperio encuentra paralelos en el estilo Biedermeier más burgués de los territorios de habla alemana, el estilo federal en los Estados Unidos, el estilo Regencia en Gran Bretaña y el estilo Napoleón en Suecia. El historiador de arte Hugh Honor postuló que, contrariamente a la creencia popular, el estilo Imperio "lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y transformación una vez más en un mero renacimiento antiguo, desprovisto de todas las ideas altruistas y la fuerza de convicción que habían inspirado sus obras maestras". Una versión anterior de esta tendencia estilística en Gran Bretaña se conoció como el estilo Adam.

El neoclasicismo mantuvo su prominencia como una fuerza significativa en el arte académico durante todo el siglo XIX y más allá, sirviendo constantemente como una antítesis del romanticismo y los renacimientos góticos. Sin embargo, desde finales del siglo XIX en adelante, círculos críticos influyentes lo caracterizaron con frecuencia como antimoderno o incluso reaccionario. En consecuencia, los distritos centrales de varias ciudades europeas, particularmente San Petersburgo y Munich, desarrollaron una apariencia similar a grandes museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura del Renacimiento gótico, un estilo que surgió en el siglo XVIII y ganó considerable popularidad a lo largo del siglo XIX, a menudo asociado con el movimiento cultural romántico, presentó un marcado contraste con el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se definió por su adhesión a la estética griega y romana, la precisión geométrica y el orden formal, la arquitectura neogótica priorizó las estructuras de inspiración medieval, frecuentemente diseñadas para evocar una sensibilidad rústica y "romántica".

Francia

Estilo Luis XVI (1774–1789)

Este estilo significa el cambio del Rococó al Clasicismo. En contraste con el clasicismo Luis XIV, que estilizó los ornamentos hasta convertirlos en representaciones simbólicas, el estilo Luis XVI los interpretó con sumo realismo y naturalismo; por ejemplo, las ramas de laurel aparecían como ramas de laurel reales y las rosas conservaban su forma natural. Un principio decorativo fundamental era la simetría. Las paletas interiores presentaban tonos excepcionalmente brillantes, que incluían blanco, gris claro, azul intenso, rosa, amarillo, lila pálido y dorado. Se evitó deliberadamente una ornamentación excesiva. El resurgimiento de la antigüedad implicó principalmente un nuevo énfasis en las formas rectilíneas, predominando las estrictas líneas verticales y horizontales. Los elementos curvilíneos, como las líneas serpenteantes, no estaban permitidos en gran medida, con la excepción de semicírculos u óvalos ocasionales. El diseño de interiores adoptó de manera similar esta estética rigurosa, lo que llevó al resurgimiento de las superficies planas y los ángulos rectos. La ornamentación sirvió para moderar esta austeridad, pero respetaba consistentemente las líneas fundamentales y estaba invariablemente dispuesta simétricamente alrededor de un eje central. Sin embargo, los ébénistes frecuentemente biselaban los ángulos principales para mitigar una rigidez excesiva.

Los motivos decorativos característicos del estilo Luis XVI se inspiraron en la antigüedad, el estilo Luis XIV y elementos naturales. Los elementos estilísticos distintivos incluían una antorcha cruzada con un carcaj de flechas, discos imbricados, patrones guilloché, nudos dobles, braseros humeantes, repeticiones lineales de pequeños motivos (como rosetas, cuentas y oves), trofeos o medallones florales suspendidos por cintas anudadas, hojas de acanto, gallineros, entrelazados, meandros, cornucopias, mascarones, urnas antiguas, trípodes y perfumes. quemadores, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y grifos. También se emplearon ampliamente motivos arquitectónicos grecorromanos, que abarcan estrías, pilastras (tanto estriadas como no estriadas), balaustres estriados (retorcidos y rectos), columnas (engranadas y no engranadas, ocasionalmente sustituidas por cariátides), ménsulas en voluta y triglifos con guttae (representados en relieve y trompe-l'œil).

El estilo Directorio (1789–1804).

El estilo Imperio (1804–1815).

El neoclasicismo surgió como una estética definitoria de la sociedad francesa posrevolucionaria, influyendo en todas las facetas de la vida, incluida la expresión artística. En esta época se inventó la máquina Jacquard, que revolucionó el sistema de costura anteriormente manual. El rojo, a menudo adornado con bronce dorado, era un color destacado. Además, se utilizaron colores brillantes como el blanco, crema, violeta, marrón, azul y rojo oscuro, que normalmente presentaban una mínima ornamentación en bronce dorado. Los elementos arquitectónicos interiores estaban compuestos por paneles de madera adornados con relieves dorados, sobre fondos blancos o de colores. Los motivos estaban dispuestos con precisión geométrica. Las paredes estaban acabadas con estucos o telas empapeladas. Las repisas de las chimeneas, elaboradas en mármol blanco, presentaban con frecuencia cariátides en las esquinas u otros elementos decorativos como obeliscos, esfinges y leones alados. Sobre estas repisas a menudo se colocaban objetos de bronce, incluidos relojes de repisa. Las puertas estaban compuestas por sencillos paneles rectangulares, cada uno adornado con una figura central inspirada en el arte pompeyano. Los textiles de la época del Imperio incluían damascos con fondos azules o marrones, rasos con fondos verdes, rosados ​​o morados, terciopelos en tonos similares, brocados entretejidos con oro o plata y varias telas de algodón. Estos materiales se emplearon ampliamente en interiores para cortinas, revestimientos de muebles, cojines y tapizados; el cuero también se utilizó para tapizar.

La ornamentación característica del estilo Imperio es rigurosamente simétrica, haciéndose eco de los principios estéticos de la época de Luis XIV. Normalmente, los motivos de lados opuestos de un objeto exhiben una correspondencia precisa; alternativamente, si no existe tal reflejo directo, los motivos individuales en sí son inherentemente simétricos. Los ejemplos incluyen cabezas clásicas con trenzas idénticas en ambos hombros, representaciones frontales de la Victoria con túnicas drapeadas simétricamente o pares de rosetas o cisnes idénticos colocados junto a una placa de bloqueo. Al igual que Luis XIV, Napoleón estableció un conjunto distinto de emblemas inequívocamente vinculados a su reinado. Entre ellos destacaban el águila, la abeja, las estrellas y las iniciales I (que representa Imperator) y N (de Napoleón), frecuentemente encerradas dentro de una corona de laurel imperial. Los motivos comunes incluían figuras de la Victoria sosteniendo ramas de palmera, bailarinas griegas, figuras femeninas desnudas y vestidas, representaciones de carros antiguos, amorcillos alados, mascarones que representan a Apolo, Hermes y la Gorgona, así como cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes. Otros elementos incluían mariposas, garras, quimeras aladas, esfinges, bucráneos, caballitos de mar, coronas de roble sujetas con delgadas cintas, enredaderas, rinceaux de amapola, rosetas, ramas de palmera y laurel. También se emplearon un número importante de motivos derivados de la antigüedad grecorromana, como hojas de acanto rígidas y aplanadas, palmetas, cornucopias, cuentas, ánforas, trípodes, discos imbricados, caduceos de Mercurio, jarrones, cascos, antorchas encendidas, trompetistas alados y diversos instrumentos musicales antiguos, en particular tubas, cascabeles y, especialmente, liras. A pesar de sus orígenes clásicos, las estrías y los triglifos que fueron prominentes durante el período de Luis XVI estuvieron notablemente ausentes. Los motivos del Renacimiento egipcio prevalecieron particularmente en la fase inicial de este período, con elementos como escarabajos, capiteles de loto, discos alados, obeliscos, pirámides, figuras adornadas con némesis y cariátides en Gaine, caracterizadas por pies descalzos y tocados femeninos egipcios.

Alemania

La arquitectura neoclásica obtuvo una adopción generalizada en Alemania, particularmente en la región entonces conocida como Prusia, y sirvió como emblema de riqueza y autoridad. Karl Friedrich Schinkel fue responsable de la construcción de numerosos edificios distinguidos en este estilo, entre ellos el Altes Museum de Berlín. Aunque la planificación urbana de Berlín conservó en gran medida su carácter barroco, las contribuciones arquitectónicas y la estética funcional de Schinkel dotaron a la ciudad de un núcleo neoclásico distintivo.

La Bauakademie, diseñada por Schinkel, se considera un precursor de la arquitectura moderna, principalmente debido a su fachada estilizada sin precedentes en ese momento.

Italia

A lo largo de la segunda mitad del siglo XVIII y durante todo el siglo XIX, Italia experimentó transformaciones socioeconómicas sustanciales, múltiples incursiones extranjeras y el tumultuoso movimiento Risorgimento, que culminó con la unificación de la nación en 1861. En consecuencia, el arte italiano experimentó una sucesión de cambios estilísticos, tanto sutiles como profundos.

El neoclasicismo italiano representó el surgimiento inicial del neoclásico más amplio. período y persistió durante más tiempo que otras iteraciones nacionales del estilo. Este movimiento evolucionó en contraste con el estilo barroco, comenzando alrededor de c. 1750 y continuando hasta aproximadamente c. 1850. El neoclasicismo se originó simultáneamente con el redescubrimiento de Pompeya y se difundió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte, después de haber completado el Grand Tour en Italia, regresaron a sus países de origen imbuidos de ideales grecorromanos renovados. Inicialmente, su epicentro fue Roma, donde artistas como Antonio Canova y Jacques-Louis David se destacaron durante la segunda mitad del siglo XVIII, antes de que el movimiento se trasladara a París. Los pintores vedute, incluidos Canaletto y Giovanni Paolo Panini, también lograron un reconocimiento considerable durante la era del Grand Tour. La arquitectura neoclásica se inspiró en las obras renacentistas de Andrea Palladio, y Luigi Vanvitelli es reconocido como uno de los principales exponentes del estilo.

La literatura clasicista influyó significativamente en el movimiento Risorgimento. Las figuras clave de esta época incluyeron a Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti, Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi y Alessandro Manzoni (sobrino de Cesare Beccaria), todos los cuales también fueron moldeados por la Ilustración francesa y el romanticismo alemán. El virtuoso violinista Paganini, junto con las óperas de Rossini, Donizetti, Bellini y, posteriormente, Verdi, fueron fuerzas dominantes en la música clásica y romántica italiana.

Las contribuciones artísticas de Francesco Hayez, y en particular las de los Macchiaioli, significaron un alejamiento de la escuela clásica, que concluyó con la unificación de Italia. El neoclasicismo se erige como el último estilo artístico de origen italiano, después del Renacimiento y el Barroco, que logró una amplia difusión en el arte occidental.

Rumania

El siglo XIX en Valaquia y Moldavia, que más tarde formaron el Reino de Rumania, estuvo dominado en gran medida por el clasicismo. Este estilo arquitectónico persistió hasta bien entrado el siglo XX, coexistiendo ocasionalmente con otros estilos durante breves períodos. Desde principios del siglo XIX, se contrató a arquitectos e ingenieros extranjeros, ya que los profesionales rumanos locales carecían de la formación especializada necesaria para diseñar estructuras significativamente divergentes de la arquitectura tradicional rumana. Estos expertos extranjeros, que empleaban principalmente el clasicismo, colaboraron con artesanos rumanos, muchos de los cuales habían recibido su formación en escuelas o academias internacionales. Al mismo tiempo, los arquitectos rumanos también prosiguieron su formación en instituciones de Europa occidental. Una figura notable que representó el neoclasicismo en Rumania fue Alexandru Orăscu.

El clasicismo encontró expresión en formas arquitectónicas tanto religiosas como seculares. El Palacio Știrbei, ubicado en Calea Victoriei en Bucarest, es un ejemplo del clasicismo secular. Construido alrededor de 1835 según los diseños del arquitecto francés Michel Sanjouand, el palacio tuvo posteriormente un nivel adicional diseñado por el arquitecto austriaco Joseph Hartmann en 1882.

Ucrania

Varias ciudades ucranianas conservan un importante legado arquitectónico de los períodos de los imperios ruso y austrohúngaro, un testimonio del control histórico de los territorios ucranianos por parte de varios estados extranjeros. Un ejemplo destacado es la calle Teatralna en Kropyvnytskyi, donde todas las estructuras fueron construidas en el siglo XIX en estilo neoclásico por arquitectos europeos.

Rusia y la Unión Soviética

De 1905 a 1914, la arquitectura rusa experimentó un renacimiento neoclásico conciso pero impactante. Este movimiento se originó con la reinterpretación del estilo del Imperio Alejandrino y rápidamente se diversificó en varios enfoques neorrenacentistas, palladianos y clásicos modernizados. A la cabeza de esta tendencia estuvieron los arquitectos nacidos en la década de 1870, entre ellos Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky, quienes alcanzaron su cenit creativo antes de la Primera Guerra Mundial. Tras la recuperación económica de la década de 1920, estos arquitectos y sus discípulos persistieron en un paisaje arquitectónico predominantemente modernista. Mientras que algunos, como Zholtovsky, se adhirieron rigurosamente a los principios clásicos, otros, como Fomin, Shchuko e Ilya Golosov, desarrollaron sus distintos estilos modernizados.

La supresión de la autonomía arquitectónica y el rechazo oficial del modernismo en 1932, especialmente evidenciado por el concurso internacional para el Palacio de los Sóviets, llevaron a la promoción inmediata del neoclasicismo como una opción clave, aunque no exclusiva, dentro de la arquitectura estalinista. Este estilo coexistió con los diseños moderadamente modernistas de Boris Iofan, que en ocasiones rayaban en el Art Déco contemporáneo, como se ve en las obras de Shchuko. Sin embargo, los ejemplos más puros de neoclasicismo surgieron de la escuela Zholtovsky, que siguió siendo un fenómeno distinto y algo aislado. Si bien esta intervención política resultó perjudicial para los defensores constructivistas, fue recibida con entusiasmo por arquitectos alineados con las tradiciones clásicas.

El neoclasicismo resultó una opción pragmática para la Unión Soviética porque no necesitaba tecnologías de construcción avanzadas como estructuras de acero u hormigón armado, lo que permitía su reproducción utilizando mampostería tradicional. En consecuencia, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros maestros consagrados se replicaron fácilmente en ciudades distantes, incluso en medio de un estricto racionamiento de materiales. Los avances en la tecnología de la construcción posteriores a la Segunda Guerra Mundial permitieron a los arquitectos estalinistas emprender proyectos de rascacielos. Sin embargo, estas imponentes estructuras, incluidos ejemplos "exportados" como el Palacio de la Cultura y la Ciencia de Varsovia y el Centro Internacional de Convenciones de Shanghai, tenían un mínimo parecido estilístico con los precedentes clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento continuaron empleándose en desarrollos residenciales y de oficinas menos complejos hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la era de la costosa arquitectura estalinista.

Reino Unido

El estilo Adam se originó con los hermanos Adam y James, quienes en 1777 publicaron un volumen de grabados que detallaban la ornamentación interior. En los diseños de interiores ejecutados según las especificaciones de Robert Adam, las paredes, los techos, las puertas y otras superficies se segmentan en grandes paneles (rectangulares, circulares o cuadrados) adornados con estucos y motivos grecorromanos a lo largo de sus bordes. Los elementos decorativos comunes incluyen festones, hilos de perlas, bandas de huevos y dardos, medallones y otros motivos derivados de la antigüedad clásica, particularmente diseños etruscos. Los accesorios decorativos complementarios, como jarrones de piedra con forma de urna, cubiertos dorados, lámparas y estatuillas, se inspiran constantemente en la antigüedad clásica. El estilo Adam presenta de manera prominente refinados espejos rectangulares, a menudo enmarcados como pinturas con motivos de hojas estilizadas, o coronados por un frontón que sostiene una urna o un medallón. Otro diseño característico del espejo Adam se asemeja a una ventana veneciana, con un gran espejo central flanqueado por dos más estrechos y alargados. Los espejos ovalados, frecuentemente adornados con festones, constituyen otro tipo distinto. Los muebles elaborados en este estilo exhiben similitudes estructurales con los muebles Luis XVI.

Más allá del estilo Adam, las artes decorativas de Inglaterra también son famosas por el fabricante de cerámica Josiah Wedgwood (1730-1795), quien fundó la alfarería de Etruria. La vajilla Wedgwood se compone principalmente de jasper, un gres duradero y de grano fino. Los jarrones Wedgwood suelen presentar decoraciones en relieve de dos colores, generalmente con figuras blancas sobre un fondo azul.

Estados Unidos

En el continente americano, las prácticas arquitectónicas y de diseño de interiores estuvieron profundamente influenciadas por los desarrollos estilísticos europeos. Las preferencias estéticas francesas influyeron notablemente en los estados del sur, en parte debido a la afluencia de emigrantes tras la Revolución Francesa y la importante herencia francesa de la población de Canadá. El espíritu pragmático y las condiciones materiales predominantes de los estadounidenses durante esta época impartieron un carácter distintivo a los espacios interiores. Todos los muebles, alfombras, vajillas, cerámicas y cubiertos estadounidenses, aunque incorporaban diversas influencias europeas y ocasionalmente islámicas, turcas o asiáticas, se produjeron de acuerdo con los estándares, gustos y requisitos funcionales estadounidenses. Estados Unidos experimentó períodos caracterizados por los estilos Queen Anne y Chippendale. Una estética exclusivamente estadounidense, el estilo federal, surgió plenamente en el siglo XVIII y principios del XIX, floreciendo bajo la influencia del gusto británico. Impulsado por el neoclasicismo, este período vio la creación de arquitectura, interiores y muebles distintivos. A pesar de exhibir variaciones regionales, el estilo mantuvo una unidad fundamental. Las estructuras arquitectónicas, interiores y de mobiliario eran predominantemente clasicistas, integrando elementos del barroco y el rococó. Las formas geométricas comunes incluían rectángulos, óvalos y medias lunas. Las paredes y los techos presentaban frecuentemente estuco o paneles de madera que reproducían motivos clasicistas. Los muebles incorporaban a menudo marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón, a veces dorados.

Jardines

En Inglaterra, la literatura de Augusto encontró un paralelo directo en el estilo de diseño de paisajes de Augusto, con claras conexiones evidentes en las obras de Alexander Pope. Entre los ejemplos supervivientes notables de jardines ingleses neoclásicos se incluyen Chiswick House, Stowe House y Stourhead.

Moda

El neoclasicismo influyó significativamente en la moda femenina, promoviendo una estética más simple y una preferencia sostenida por las prendas blancas, tendencias que surgieron mucho antes de la Revolución Francesa. Sin embargo, no fue hasta después de la Revolución que la emulación integral de estilos antiguos obtuvo una amplia aceptación en Francia, particularmente entre las mujeres. Antes de esto, la vestimenta clásica se limitaba típicamente a sesiones de retratos, donde las mujeres elegantes se hacían pasar por figuras de la mitología griega o romana (una práctica ejemplificada por numerosos retratos de Emma, ​​Lady Hamilton en la década de 1780) y para bailes de máscaras, o como ropa informal dentro del hogar, similar a otros estilos exóticos. Sin embargo, los conjuntos popularizados por creadores de tendencias parisinos como Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais y Thérésa Tallien pasaron del retrato al uso público. Al observar a Madame Tallien en la ópera, Talleyrand comentó: "Il n'est pas posible de s'exposer plus somptueusement!" ("No se podría estar más suntuosamente desnudo"). Antes de la Revolución de 1788, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun organizó una "cena griega" donde los asistentes vistieron sencillas túnicas griegas blancas. Los peinados clásicos más cortos, a menudo rizados, resultaron menos polémicos y fueron ampliamente adoptados, lo que llevó a que el cabello quedara descubierto incluso al aire libre, una desviación de la costumbre anterior de usar gorros u otras coberturas en interiores, excepto para trajes de noche formales. En su lugar, se empleaban esbeltas cintas o filetes de inspiración griega para adornar y atar el cabello.

Estas prendas se caracterizaban por su extrema ligereza y corte holgado, predominantemente blancas y con frecuencia presentaban brazos llamativamente desnudos. Se extendían desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, donde un dobladillo o corbata fina, a menudo contrastante, rodeaba el cuerpo. Esta forma distintiva ahora se conoce comúnmente como la silueta del Imperio, a pesar de que sus orígenes son anteriores al Primer Imperio Francés de Napoleón. Sin embargo, la emperatriz Joséphine de Beauharnais, primera esposa de Napoleón, jugó un papel fundamental en la difusión de este estilo por toda Europa. Un chal o abrigo largo y rectangular, frecuentemente rojo liso pero representado con un borde adornado en los retratos, ofrecía calidez práctica en climas más fríos. Cuando estaban sentados, este accesorio supuestamente se colocaba alrededor del abdomen, complementando a menudo las posturas favoritas semi-recostadas y extendidas. A principios del siglo XIX, estas tendencias de la moda habían logrado una adopción generalizada en todo el continente europeo.

La moda neoclásica presentó desafíos considerablemente mayores para los hombres y en gran medida no logró ganar terreno, con la notable excepción de los peinados. Contribuyó significativamente a la adopción del cabello más corto, desplazando finalmente el uso de pelucas y, posteriormente, polvos blancos para el cabello entre los hombres más jóvenes. Históricamente, los pantalones simbolizaban al bárbaro para los griegos y romanos; en consecuencia, pocos hombres fuera de los estudios artísticos, particularmente los de escultores, se inclinaban a descartarlos. Esta época, sin embargo, marcó el predominio del pantalón largo, o pantalón, sobre el culotte (calzones hasta la rodilla) característicos del Antiguo Régimen. Incluso el diseño de Jacques-Louis David para un nuevo "traje nacional" francés en 1792, encargado por el gobierno en medio de un intenso fervor revolucionario por la transformación social, incorporaba calzas relativamente ajustadas debajo de un abrigo que terminaba por encima de la rodilla. Un segmento sustancial de jóvenes adinerados sirvió en el ejército durante el período crítico de las Guerras Revolucionarias Francesas. Los uniformes militares, que comenzaron a incluir chaquetas acortadas en la parte delantera para mostrar completamente pantalones ajustados, se usaban con frecuencia fuera de servicio y, en consecuencia, influyeron en la vestimenta civil masculina.

Los artistas reconocieron el "problema de los pantalones" como un impedimento importante para la creación de pinturas de historia contemporánea, ya que muchos artistas y críticos percibían que los pantalones, junto con otros elementos de la vestimenta moderna, eran inherentemente poco heroicos y estéticamente poco atractivos. En consecuencia, se emplearon diversas estrategias artísticas para eludir su representación en escenas contemporáneas. Por ejemplo, en James Dawkins y Robert Wood Descubriendo las ruinas de Palmyra (1758) de Gavin Hamilton, los dos caballeros anticuarios aparecen retratados con túnicas árabes parecidas a togas. De manera similar, en Watson and the Shark (1778), de John Singleton Copley, la figura central podría representarse desnuda de manera creíble, y la disposición compositiva asegura que entre las otras ocho figuras masculinas, sólo una muestre de manera prominente una sola pierna en calzoncillos. Sin embargo, los artistas estadounidenses Copley y Benjamin West fueron pioneros en la exitosa integración de los pantalones en narrativas heroicas, como se demuestra en obras como La muerte del general Wolfe (1770) de West y La muerte del mayor Peirson, 6 de enero de 1781 (1783) de Copley. A pesar de estos avances, los pantalones siguieron omitiéndose meticulosamente en La balsa de la Medusa de Théodore Géricault, terminada en 1819.

Los peinados masculinos de inspiración clásica incluían el Bedford Crop, considerado un precursor de muchos estilos masculinos sencillos contemporáneos. Este estilo fue originado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford, como protesta contra un impuesto a los polvos para el cabello; Según los informes, animó a sus conocidos a adoptarlo mediante apuestas. Otro estilo o grupo de estilos influyente fue el que los franceses denominaron "coiffure à la Titus", en referencia a Titus Junius Brutus (distinto del emperador romano Titus, un error común). Este estilo presentaba cabello corto y en capas, a menudo elevado en la coronilla, y con frecuencia incluía mechones sutiles o mechones colgantes. Se pueden reconocer variaciones de este peinado en los retratos de Napoleón y Jorge IV del Reino Unido. La introducción de este estilo se atribuye al actor François-Joseph Talma, quien supuestamente eclipsó a sus colegas que usaban pelucas durante representaciones de obras como Brutus de Voltaire, que representa a Lucius Junius Brutus ordenando la ejecución de su hijo Titus. Un periódico de moda parisino informó en 1799 que incluso las personas calvas estaban adoptando pelucas de Titus. El estilo también ganó popularidad entre las mujeres, y el Journal de Paris señaló en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes llevaban cabello o peluca à la Titus".

Música

El neoclasicismo musical, un movimiento del siglo XX, implicó el resurgimiento de estilos musicales clásicos y barrocos de los siglos XVII y XVIII, que frecuentemente incorporaban temas griegos y romanos, en lugar de un resurgimiento directo de la música antigua en sí. (A principios del siglo XX, el período barroco en la música, una influencia principal para los compositores neoclásicos, aún no se había diferenciado claramente de lo que ahora se reconoce como el período clásico). Este movimiento, que surgió a principios del siglo XX, representó una respuesta al cromatismo en disolución característico del romanticismo tardío y el impresionismo. Se desarrolló simultáneamente con el Modernismo musical, que pretendía descartar por completo la tonalidad clave. El neoclasicismo expresó una preferencia por la claridad y la simplicidad estilísticas. Si bien permitió reinterpretaciones disonantes de las técnicas clásicas, pretendía ir más allá de los excesos percibidos del romanticismo y los sutiles matices del impresionismo, favoreciendo en cambio ritmos robustos, armonías asertivas y formas seccionales distintas. Esto coincidió con una tendencia a reconstruir la danza y la vestimenta "clásica" en el ballet y la educación física.

Aunque la suite de danza de los siglos XVII y XVIII experimentó un resurgimiento menor antes de la Primera Guerra Mundial, los compositores neoclásicos en general estaban insatisfechos con el diatonicismo puro. A menudo destacaban la vibrante disonancia de suspensiones y ornamentos, las características angulares de la armonía modal del siglo XVII y los contornos dinámicos de la escritura de partes contrapuntísticas. Antiguos aires y danzas (1917) de Ottorino Respighi sentó un precedente para la estética sonora que los neoclásicos buscaban lograr. Si bien la apropiación de estilos musicales pasados ​​es un fenómeno recurrente en la historia de la música, la música artística ha presentado periódicamente a compositores que integraron técnicas contemporáneas con formas o armonías históricas para generar composiciones novedosas. Los atributos compositivos clave incluyen: alusiones a la tonalidad diatónica, adherencia a formas convencionales (como suites de danza, concerti grossi y formas de sonata), el concepto de música absoluta desprovista de connotaciones descriptivas o emocionales, el empleo de texturas musicales ligeras y un enfoque conciso de la expresión musical. Dentro de la música clásica, esta tendencia fue particularmente evidente entre los años 1920 y 1950. Igor Stravinsky es reconocido como el compositor más destacado asociado con este estilo, habiendo iniciado efectivamente la revolución musical con su Octeto para instrumentos de viento (1923) inspirado en Bach. La Sinfonía clásica n.º 1 en re de Prokofiev, que evoca el estilo sinfónico de Haydn o Mozart, sirve como un ejemplo individual notable de esta estética. El ballet neoclásico, iniciado por George Balanchine, simplificó el estilo imperial ruso simplificando el vestuario, los pasos y la narrativa, introduciendo al mismo tiempo avances técnicos.

Neoclasicismo posterior y sus desarrollos

Después de mediados del siglo XIX, el neoclasicismo comenzó a retroceder como estilo arquitectónico dominante, siendo reemplazado por un eclecticismo de estilos clásicos. El Palacio Garnier de París ejemplifica esta tendencia, ya que, a pesar de su carácter predominantemente neoclásico, incorpora elementos y ornamentación derivados de la arquitectura barroca y renacentista. Este diseño sincrético prevaleció en la arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX, antes de la Primera Guerra Mundial. Más allá del neoclasicismo, las Beaux-Arts de Paris también fueron famosas por su adopción del eclecticismo estilístico clásico.

Pablo Picasso exploró motivos clasicistas inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial. período.

En la arquitectura estadounidense, el neoclasicismo representó una faceta del movimiento renacentista estadounidense, ca. 1890-1917, que culminó en la arquitectura Beaux-Arts. Sus principales encargos públicos finales incluyeron el Monumento a Lincoln, que enfrentó importantes críticas contemporáneas; la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C., también ampliamente criticada por la comunidad arquitectónica por su diseño percibido como anacrónico y convencional; y el Memorial Roosevelt del Museo Americano de Historia Natural. Una vez finalizadas, estas estructuras fueron consideradas en gran medida como anacronismos estilísticos. En el Raj británico, la monumental planificación urbana de Sir Edwin Lutyens para Nueva Delhi significó el declive del neoclasicismo. Posteriormente, la Segunda Guerra Mundial disminuyó el deseo generalizado y la emulación de períodos históricos idealizados.

Un movimiento distinto del siglo XX, también denominado neoclasicismo, surgió dentro de las artes no visuales. Este movimiento abarcó, como mínimo, la música, la filosofía y la literatura. Su principal período de influencia abarcó desde la conclusión de la Primera Guerra Mundial hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Este movimiento literario neoclásico evitó el romanticismo extremo ejemplificado por movimientos como el dadaísmo, y en cambio abogó por la moderación, la adhesión religiosa (particularmente el cristianismo) y una agenda política reaccionaria. Si bien T. E. Hulme estableció los principios fundamentales de este movimiento en la literatura inglesa, entre sus defensores más destacados se encuentran T. S. Eliot y Wyndham Lewis. En Rusia, el movimiento se solidificó ya en 1910 bajo el nombre de acmeísmo, con Anna Akhmatova y Osip Mandelshtam como sus principales representantes.

Art Déco

A pesar de que el neoclasicismo se percibió cada vez más como anacrónico después de la Primera Guerra Mundial, sus principios fundamentales, proporciones y otros elementos estilísticos persistieron. El Art Déco, el estilo predominante del período de entreguerras, resonó con la preferencia de la élite burguesa por los sofisticados estilos históricos franceses, como Luis XVI, Directorio e Imperio, que representan períodos del neoclasicismo francés. Al mismo tiempo, esta misma élite francesa demostró aprecio por el arte moderno, incluidas las obras de Pablo Picasso y Amedeo Modigliani. Esta confluencia de influencias dio como resultado un estilo Art Déco temprano que integraba elementos novedosos y tradicionales. El Palacio de Tokio, construido en París en 1937 por André Aubert y Marcel Dastugue, sirve como excelente ejemplo. Si bien la ornamentación está ausente, con la fachada adornada únicamente con relieves, la presencia de columnas evoca fuertemente la estética neoclásica. El diseño Art Déco incorporaba con frecuencia motivos neoclásicos, aunque de forma sutil: los ejemplos incluyen las cómodas y austeras y rectilíneas de Émile-Jacques Ruhlmann o Louis Süe & André Mare; frisos precisos y de muy bajo relieve que representan damiselas y gacelas en diversos medios; prendas de moda drapeadas o cortadas al bies para emular siluetas griegas; y la danza interpretativa de Isadora Duncan. Incluso los arquitectos modernistas conservadores de Francia, como Auguste Perret, mantuvieron los principios rítmicos y espaciales de la arquitectura de columnas en estructuras industriales.

La interacción dinámica dentro del Art Déco, caracterizada por su integración de elementos, formas y proporciones históricas junto con una aceptación de la modernidad, se debe a varios factores contribuyentes. Una influencia principal es el eclecticismo. La complejidad inherente y la naturaleza diversa del Art Déco se pueden atribuir en gran medida a este espíritu ecléctico. Los componentes estilizados derivados de las Bellas Artes y el Neoclasicismo, o de culturas temporal y geográficamente distantes, como el Antiguo Egipto, las Américas precolombinas y el arte del África subsahariana, se sintetizaron con alusiones a artistas de vanguardia modernistas de principios del siglo XX, incluidos Henri Matisse, Amedeo Modigliani y Constantin Brâncuși. La identidad arquitectónica distintiva del movimiento Art Déco está significativamente en deuda con el eclecticismo académico y el neoclasicismo. Sin las contribuciones de arquitectos formados en la tradición Beaux-Arts, la arquitectura Art Déco, aparte de las estructuras residenciales, podría haber sido simplemente una agregación de objetos decorativos ampliados a una dimensión urbana, similar a los entonces controvertidos pabellones de la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas de 1925. Otro factor que impulsó la oscilación entre elementos históricos y modernos fue la cultura de consumo. Los edificios y objetos diseñados en el austero estilo internacional, que evitaba la ornamentación y las referencias históricas, resultaron demasiado radicales para la población en general. Durante el período de entreguerras en Francia e Inglaterra, al sentimiento público y a una parte importante de la crítica arquitectónica les resultó difícil aceptar un estilo completamente desprovisto de adornos, como el Estilo Internacional.

La incorporación de estilos históricos como inspiración fundamental para el Art Déco comenzó antes de la Primera Guerra Mundial, en gran parte gracias a los esfuerzos de decoradores como Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot y Émile-Jacques Ruhlmann. Estos diseñadores se basaron en las apreciadas tradiciones artísticas y artesanales francesas de finales del siglo XVIII y principios del XIX, específicamente los estilos Luis XVI, Directorio y Luis Felipe, con el objetivo de introducir una interpretación novedosa. El estilo neo-Luis XVI ganó considerable popularidad en Francia y Rumania alrededor de 1910, influyendo significativamente en numerosos diseños y proyectos arquitectónicos del Art Déco temprano. Un ejemplo notable de esta influencia es el castillo de Sept-Saulx en Grand Est, Francia, diseñado por Louis Süe entre 1928 y 1929.

Neoclasicismo y regímenes totalitarios

Durante las décadas de 1920 y 1930, los regímenes totalitarios de la Italia fascista, la Alemania nazi, la Rumania de Carlos II y la Unión Soviética adoptaron el neoclasicismo para la arquitectura y el arte estatales. La arquitectura sirvió como un medio crucial para que estos regímenes proyectaran una imagen de permanencia, a pesar de su novedad inherente. La apropiación del Clasicismo por parte de estados totalitarios se manifestó de diversas formas. En el contexto de los edificios estatales de Italia y Rumania, los arquitectos se esforzaron por integrar una sensibilidad moderna con formas clásicas abstractas. Ejemplos de ello son el Palazzo della Civiltà Italiana de Roma y el edificio del Rectorado de la Universidad y de la Facultad de Derecho de Bucarest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu n.º 36–46). Por el contrario, el clasicismo prevaleciente en la Unión Soviética, conocido como realismo socialista, se caracterizó por su carácter grandilocuente, repleto de extensa ornamentación y esculturas arquitectónicas. Este enfoque pretendía contrastar marcadamente con la simplicidad percibida de estilos "capitalistas" o "burgueses" como el Art Déco o el Modernismo. La Universidad Lomonosov de Moscú es un excelente ejemplo de esta estética. Nikita Khrushchev, que sucedió a Stalin como líder soviético, expresó desdén por la ostentosa arquitectura socialista realista de la época de su predecesor. Citando el lento ritmo de construcción y los altos costos asociados con estos edificios neoclásicos, comentó que "gastaron el dinero de la gente en belleza que nadie necesita, en lugar de construir más simple, pero más".

En la Unión Soviética, el neoclasicismo fue adoptado como un contrapunto deliberado al Art Déco y al Modernismo, estilos considerados excesivamente "burgueses" y "capitalistas" por el régimen comunista. Esta estética neoclásica comunista distintiva, conocida como realismo socialista, floreció durante el liderazgo de Joseph Stalin (1924-1953). En el ámbito de las bellas artes, típicamente se manifestaba a través de representaciones altamente idealizadas de trabajadores robustos, representados como figuras heroicas en granjas colectivas o entornos urbanos industriales, así como en asambleas políticas, celebraciones de los avances tecnológicos soviéticos y escenas de niños alegres junto a Lenin o Stalin. Tanto el contenido temático como su representación visual fueron sometidos a un riguroso control, determinando el mérito artístico la contribución de la obra al proyecto socialista. Todos los artistas tenían el mandato de unirse a la Unión de Artistas Soviéticos, controlada por el estado, y adherirse al estilo oficialmente sancionado. Los principios fundamentales del realismo socialista abarcaban la lealtad inquebrantable al partido, la propagación de la ideología correcta y una amplia accesibilidad. Se favoreció el realismo como estilo más fácilmente comprensible para la población en general. Inicialmente, la Unión Soviética acogió varios movimientos de vanguardia en competencia, en particular el constructivismo. Sin embargo, a medida que Stalin consolidó el poder a finales de la década de 1920, el arte y la arquitectura de vanguardia enfrentaron supresión y finalmente quedaron prohibidos, lo que llevó al establecimiento de estilos estatales oficiales. Tras la victoria de Boris Iofan en el concurso para el diseño del Palacio de los Soviéticos, que presentaba una torre clásica escalonada coronada por una colosal estatua de Lenin, la arquitectura rápidamente volvió a las formas prerrevolucionarias, evitando deliberadamente las influencias occidentales percibidas del constructivismo. Si bien el realismo socialista en la arquitectura disminuyó en gran medida después de la muerte de Stalin y el ascenso de Nikita Khrushchev, las pinturas de este estilo persistieron, particularmente en naciones caracterizadas por un fuerte culto a la personalidad en torno a sus líderes, como la China de Mao Zedong, la Corea del Norte de Kim Il Sung y la Rumania de Nicolae Ceaușescu.

Al asumir el control gubernamental en 1933, el régimen nazi suprimió sistemáticamente la vibrante cultura de vanguardia de Alemania. Albert Speer, nombrado asesor arquitectónico de Adolf Hitler en 1934, se esforzó por forjar un estilo arquitectónico que encarnara simultáneamente la unidad percibida del pueblo alemán y sirviera como telón de fondo imponente para las demostraciones de poder nazi. El enfoque nazi de la arquitectura estuvo marcado por contradicciones inherentes: mientras que los ambiciosos planes de Hitler y Speer para reconfigurar Berlín buscaban emular a la Roma imperial, las estructuras nazis en contextos rurales se inspiraron en las lenguas vernáculas locales, con el objetivo de canalizar un espíritu alemán "auténtico". En cuanto a las bellas artes, los nazis acuñaron el término "arte degenerado" para categorizar el arte moderno, que denunciaron como "no alemán", "judío" o "comunista". Esta condena del arte moderno estaba intrínsecamente ligada al "bolchevismo cultural", una teoría de la conspiración que postulaba que el arte y la cultura en general estaban controlados por una camarilla judía de izquierda que intentaba destruir la raza aria. La campaña de Hitler contra el arte moderno implicó principalmente una exposición diseñada para desacreditar a los artistas modernos, titulada "Exposición de arte degenerado" (en alemán: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). Esta exposición se exhibió estratégicamente junto a la Gran Exposición de Arte Alemán, que exhibía obras de arte aprobadas por los nazis, permitiendo así a los visitantes comparar directamente el arte considerado "bueno" y "malo" por el régimen. Como reflejo de una postura similar, el régimen cerró en 1931 la Bauhaus, una escuela de arte de vanguardia en Dessau que había sido profundamente influyente en la posguerra. Aunque reabrió brevemente sus puertas en Berlín en 1932, volvió a cerrarse permanentemente en 1933.

A diferencia de Alemania y la Unión Soviética, Italia fue testigo de la contribución de la vanguardia a la arquitectura estatal. La arquitectura clásica también ejerció una influencia significativa, reflejando los intentos más directos de Benito Mussolini de establecer conexiones entre su régimen fascista y la antigua Roma. Algunos arquitectos italianos, como Marcello Piacentini de la Universidad Sapienza de Roma y Giuseppe Terragni de la Casa del Fascio en Como, buscaron integrar modernismo y clasicismo.

En Rumania, a finales de la década de 1930, influenciados por las políticas autocráticas del rey Carlos II, se construyeron numerosos edificios estatales. Estas estructuras adoptaron un estilo neoclásico y a menudo exhiben grandes parecidos con las tendencias arquitectónicas contemporáneas de la Italia fascista. Ejemplos notables en Bucarest incluyen el Rectorado de la Universidad y el edificio de la Facultad de Derecho (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), el edificio de apartamentos Kretzulescu (Calea Victoriei no. 45), el edificio CFR (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) y el Palacio Victoria (Piața Victoriei no. 1). El Palacio Real, que presenta predominantemente interiores de estilo neoadán, se distingue por su ornamentación más elaborada, alineándose más estrechamente con la estética arquitectónica anterior a la Primera Guerra Mundial.

Posmodernismo

El arquitecto Robert Venturi fue autor de una influyente crítica temprana del modernismo, Complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), abogando por la reintroducción de elementos históricos, o la "presencia del pasado", en el diseño arquitectónico. Sus propios esfuerzos arquitectónicos buscaron encarnar cualidades que articuló como "inclusión, inconsistencia, compromiso, acomodación, adaptación, superayacencia, equivalencia, enfoque múltiple, yuxtaposición o espacio bueno y malo". La obra de Venturi resonó con el espíritu contracultural predominante de la década de 1960, un período marcado por el examen crítico y el desafío de las generaciones más jóvenes de los paradigmas políticos, sociales y raciales existentes. Esta desviación fundamental de los principios modernistas se conoció como posmodernismo. Venturi parodió la famosa máxima de Ludwig Mies van der Rohe: "menos es más" con su respuesta: "menos es aburrido". Durante las décadas de 1980 y 1990, ciertos arquitectos posmodernos adoptaron una forma de neoneoclasicismo. Su compromiso con el clasicismo se extendió más allá de la mera ornamentación, incorporando sistemas proporcionales y otros principios fundamentales. El clasicismo posmoderno obtuvo descripciones como "camp" o "kitsch" por parte de varios comentaristas. Ricardo Bofill es un notable arquitecto reconocido por sus aportes al clasicismo posmoderno. Su cartera incluye dos urbanizaciones monumentales cerca de París: Les Arcades du Lac (1975-1981) y Les Espaces d'Abraxas (1978-1983). El Museo J. Paul Getty en Malibú, California (1970-1975), destaca por su enfoque revivalista, inspirándose en la antigua Villa Romana de los Papiros en Herculano. El Museo J. Paul Getty exhibe una mayor afinidad con el neoclasicismo del siglo XIX, ejemplificado por estructuras como el Pompejanum en Aschaffenburg, Alemania, que con el clasicismo posmoderno que prevaleció en la década de 1980.

Arquitectura en el siglo XXI

Tras un período de disminución de prominencia durante el ascenso de la arquitectura moderna (aproximadamente desde la era posterior a la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1980), el neoclasicismo ha experimentado un resurgimiento notable.

En la década inicial del siglo XXI, la arquitectura neoclásica contemporánea generalmente se clasifica bajo la designación más amplia de Nueva Arquitectura Clásica. En ocasiones también se le denomina neohistoricismo o tradicionalismo. Además, varias obras arquitectónicas posmodernas incorporan referencias explícitas al neoclasicismo, inspirándose en sus formas; ejemplos incluyen el Barrio Antígona y el Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona. La arquitectura posmoderna integra con frecuencia componentes históricos como columnas, capiteles o el tímpano.

Para los estilos arquitectónicos que genuinamente se adhieren a las tradiciones, materiales y artesanía regionales, se emplea predominantemente la designación "Arquitectura tradicional" (o arquitectura vernácula). El Premio de Arquitectura Driehaus reconoce a los contribuyentes importantes a la arquitectura tradicional o clásica del siglo XXI y ofrece un premio monetario que duplica el del Premio Pritzker modernista.

En los Estados Unidos, numerosos edificios públicos contemporáneos se construyen en estilo neoclásico, con el Centro Sinfónico Schermerhorn de 2006 en Nashville como ejemplo destacado.

En Gran Bretaña, varios arquitectos practican activamente el lenguaje neoclásico. Sus proyectos notables abarcan dos bibliotecas universitarias: la Biblioteca Maitland Robinson de Quinlan Terry en Downing College y la Biblioteca Sackler de Robert Adam Architects.

Notas

Bailey, Gauvin Alexander (2012). Barroco y Rococó. Faidon. ISBN 978-0-7148-5742-8.

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