El arte callejero se refiere a obras de arte visuales producidas en espacios públicos, destinadas a una amplia exposición pública. Este género artístico ha sido vinculado a diversas denominaciones, entre ellas "arte independiente", "post-graffiti", "neograffiti" y arte de guerrilla.
Arte callejero es arte visual creado en lugares públicos para visibilidad pública. Se ha asociado con los términos "arte independiente", "post-graffiti", "neo-graffiti" y arte de guerrilla.
El arte callejero, que inicialmente surgió de un graffiti desafiante, ha pasado a ser una expresión artística más comercializada, que se distingue principalmente por su intención comunicativa. Su objetivo es frecuentemente estimular la contemplación en lugar de provocar la desaprobación del público en general, articulando su propósito más claramente que el graffiti tradicional. Además, el concepto de autorización es fundamental para el arte callejero, dado que el graffiti normalmente no está autorizado, mientras que el arte callejero contemporáneo puede ser el resultado de acuerdos formales o incluso encargos directos. Sin embargo, se diferencia del arte público convencional por su integración deliberada del espacio físico durante su conceptualización.
Fondo
El arte callejero abarca creaciones artísticas exhibidas públicamente en estructuras, vías públicas, trenes y otras superficies visibles para el público. Numerosos ejemplos se manifiestan como arte de guerrilla, diseñado para transmitir un comentario personal sobre el contexto social del artista. Esta forma de arte ha evolucionado desde sus orígenes en el graffiti y el vandalismo hasta prácticas contemporáneas en las que los artistas pretenden comunicar mensajes o simplemente introducir valor estético a una audiencia.
Algunos practicantes emplean el "vandalismo inteligente" para aumentar la conciencia sobre preocupaciones sociales y políticas, mientras que otros utilizan entornos urbanos como lugares para exhibir expresiones artísticas personales. Los artistas también pueden valorar los desafíos y riesgos inherentes asociados con la instalación no autorizada de obras de arte en dominios públicos. Una motivación predominante es que producir arte dentro de espacios públicos permite a los artistas, que de otro modo se sentirían marginados, atraer a una audiencia significativamente más amplia de lo que las galerías o formas de arte tradicionales permitirían.
Mientras que los grafiteros tradicionales emplean predominantemente pintura en aerosol, el "arte callejero" abarca una amplia gama de medios, incluido el arte LED, mosaicos, grafitis con plantillas, pegatinas, grafitis inversos, esculturas "Lock On", pasta de trigo, bloques de madera, bombardeos con hilo y equilibrio de rocas.
Emergente Los medios de comunicación, como las proyecciones de vídeo sobre estructuras urbanas expansivas, representan un medio cada vez más favorecido por los artistas callejeros. La accesibilidad a hardware y software informáticos asequibles permite que estos esfuerzos artísticos rivalicen con los anuncios corporativos. En consecuencia, los artistas pueden generar obras de arte desde computadoras personales sin costo alguno, presentando así una alternativa competitiva a las empresas comerciales.
Orígenes
Los lemas de protesta y los comentarios políticos o sociales expresados a través del graffiti en las paredes sirven como precursores del graffiti moderno y el arte callejero, y persisten como un componente del género. El arte callejero, ya sea textual o con gráficos icónicos simples, puede evolucionar hacia símbolos ampliamente reconocidos pero enigmáticos, representativos de un lugar o período histórico específico. El graffiti "Kilroy Was Here" de la época de la Segunda Guerra Mundial se cita a menudo como un ejemplo temprano, caracterizado por un dibujo lineal rudimentario de una figura de nariz larga que observa desde detrás de una repisa. El autor Charles Panati aludió al amplio atractivo del arte callejero al describir el graffiti "Kilroy" como "escandaloso no por lo que decía, sino por dónde apareció". Una parte importante del arte callejero contemporáneo tiene sus orígenes bien documentados en el auge del graffiti en la ciudad de Nueva York. Este movimiento comenzó en la década de 1960, se desarrolló a lo largo de la década de 1970 y alcanzó su cenit en la década de 1980 con la creación de murales de vagones completos de trenes subterráneos pintados con aerosol, particularmente prominentes en el Bronx.
A lo largo de la década de 1980, el arte callejero experimentó una transformación significativa, pasando de las creaciones centradas en el texto que prevalecían en la primera parte de la década a formas más visualmente conceptuales, ejemplificadas por las distintivas figuras de sombras de Hambleton. Esta época también vio el surgimiento de los anuncios subversivos del metro de Keith Haring y las icónicas etiquetas SAMO de Jean-Michel Basquiat. Durante este período incipiente, el concepto de "arte callejero" como una carrera profesional viable todavía se estaba desarrollando, y técnicas como el graffiti con plantilla se encontraban en sus etapas preliminares. Los carteles callejeros con pasta de trigo, utilizados inicialmente para promociones de bandas y clubes, evolucionaron hasta convertirse en obras de arte legítimas o "copias artísticas", convirtiéndose en una característica urbana omnipresente en todo el mundo a lo largo de la década de 1980. Al mismo tiempo, el colectivo AVANT estaba activo en Nueva York. Las ideologías subversivas inherentes a la música punk rock también jugaron un papel crucial en el desarrollo del arte callejero como género artístico diferenciado durante esta década. El sentimiento antisistema y antimuseos que prevalece entre muchos artistas callejeros se remonta al 'Manifiesto del Futurismo' de Marinetti de 1909, que declaraba: "destruiremos todos los museos". Esta perspectiva sustenta la creencia de numerosos artistas callejeros de que el arte debe ser de acceso público, libre de barreras institucionales y tarifas de entrada.
Primeras obras icónicas
Desde la década de 1970, el muro noroeste en la intersección de Houston Street y Bowery en la ciudad de Nueva York ha servido como un lienzo destacado para los artistas. Este lugar, ahora conocido como el Mural Bowery, inicialmente funcionó como una superficie descuidada utilizada libremente por los artistas del graffiti. En 1982, Keith Haring se apropió del muro para sus actividades artísticas. Tras la intervención de Haring, una sucesión de artistas callejeros de renombre contribuyeron al lugar, elevando progresivamente su estatus a uno de prestigio. En 2008, el muro pasó a una gestión privada y el acceso se concedía a los artistas exclusivamente mediante encargo o invitación.
A finales de la década de 1970, René Moncada inició una serie de murales en todo el SoHo, Nueva York, en los que destacaba la declaración SOY EL MEJOR ARTISTA. Moncada caracterizó estos murales como un gesto desafiante hacia una comunidad artística que creía haber ayudado a establecer pero que posteriormente se sintió ignorada. Estas obras ganaron reconocimiento como un ejemplo temprano de "provocación artística", lo que provocó considerables discusiones y debates durante su época. Las disputas legales asociadas estimularon aún más el discurso sobre la propiedad intelectual, los derechos de los artistas y la Primera Enmienda. Más allá de su naturaleza controvertida, estos omnipresentes murales se convirtieron en el escenario favorito para las fotografías de turistas y estudiantes de arte, y se utilizaron con frecuencia en campañas publicitarias y producciones de Hollywood. A pesar de las frecuentes desfiguraciones, René repintó constantemente los murales de IATBA.
Franco el Grande, ampliamente reconocido como el 'Picasso de Harlem', es un artista callejero aclamado internacionalmente y reconocido por su innovadora forma de arte. Tras el asesinato de Martin Luther King Jr. en 1968, los disturbios civiles generalizados llevaron a los propietarios de negocios de Harlem a instalar puertas de seguridad metálicas sin adornos en sus escaparates. En 1978, Franco transformó esta consecuencia negativa en una expresión artística positiva al desarrollar una nueva forma de arte en estas puertas de acero. Desde entonces, ha pintado más de 200 puertas a lo largo de la calle 125, desde su extremo occidental hasta el este, normalmente los domingos, cuando los negocios están cerrados. En consecuencia, la calle 125 en Harlem se conoce coloquialmente como 'Franco's Blvd', un testimonio de sus magníficas pinturas que adornan las puertas metálicas de los negocios.
Crossover comercial
Varios artistas callejeros han obtenido reconocimiento internacional por sus creaciones, realizando una transición exitosa del dominio del arte callejero al mundo del arte convencional, y algunos mantienen simultáneamente su práctica en espacios públicos. Keith Haring fue una figura pionera entre los artistas callejeros de los años 80 que lograron este cruce. Además, la estética tradicional del graffiti y el arte callejero se ha integrado progresivamente en la publicidad convencional, lo que ha dado lugar a numerosos casos en los que se contrata a artistas como diseñadores gráficos para entidades corporativas. Por ejemplo, el artista de graffiti Haze ha contribuido con diseños gráficos y tipográficos para grupos musicales destacados como Beastie Boys y Public Enemy. Los carteles callejeros de Shepard Fairey que representan al entonces candidato presidencial Barack Obama fueron adaptados especialmente para la campaña presidencial a través de un encargo, y una variante de esta obra de arte apareció en la portada de la revista Time. Además, es una práctica común que los artistas callejeros establezcan sus propios proyectos de merchandising.
El elevado perfil de artistas como Banksy ha conferido un importante reconocimiento artístico al arte callejero. En consecuencia, el arte callejero se ha convertido en una atracción cultural destacada en numerosos centros urbanos europeos. Actualmente, algunos artistas realizan visitas guiadas al arte callejero local, ofreciendo información sobre los fundamentos conceptuales de varias piezas, las motivaciones detrás del etiquetado y el contenido temático transmitido a través del graffiti. Ciudades como Berlín, Londres, París y Hamburgo ofrecen constantemente recorridos populares por el arte callejero durante todo el año. Londres, por ejemplo, supuestamente ofrece diez opciones distintas de recorridos por graffiti para los visitantes. Muchos operadores turísticos, incluidos Alternative London, ParisStreetArt y AlternativeBerlin, enfatizan las colaboraciones con artistas locales para garantizar que los visitantes reciban una experiencia auténtica en lugar de una narrativa estandarizada.
Un número significativo de estos guías turísticos está compuesto por pintores, graduados en bellas artes y otros profesionales creativos que utilizan el arte callejero como medio para exhibir sus creaciones. Esta dimensión comercial les permite introducir al público en el ámbito del arte callejero, fomentando una comprensión más profunda de sus orígenes. Se ha postulado que la creciente popularidad del arte callejero contribuye a los procesos de gentrificación.
Consideraciones legales y éticas
El arte callejero frecuentemente encuentra complejidades legales. Las partes involucradas pueden incluir al artista, el gobierno municipal, el beneficiario previsto y el propietario de la estructura o superficie donde se exhibe la obra de arte. Un ejemplo notable de los posibles dilemas legales, morales y éticos surgió en Bristol, Inglaterra, en 2014. Mobile Lovers de Banksy, originalmente pintado sobre madera contrachapada pegada a una puerta pública, fue retirado posteriormente por un ciudadano que pretendía venderlo para recaudar fondos para un club de niños. Luego, el gobierno de la ciudad confiscó la obra de arte y la trasladó a un museo. Al enterarse de la situación, Banksy legó la pieza al ciudadano original, presumiendo que sus intenciones eran legítimas. En este caso, como en casos similares, las disputas relativas a la propiedad, la propiedad pública, la invasión y el vandalismo requieren una resolución legal.
Protección de derechos de autor
En 2005, la publicación de Banksy, Wall and Piece, incluía una nota del editor que decía: "El copyright es para los perdedores ©™".
Según los estatutos legales de los Estados Unidos, las obras de arte callejero son elegibles para la protección de derechos de autor siempre que estén instaladas legalmente y cumplan dos criterios adicionales: originalidad inherente y fijación en un medio tangible. Esta protección de los derechos de autor se extiende durante la vida del artista más 70 años adicionales. En casos de creación colaborativa entre dos artistas, ambas partes poseerían la propiedad conjunta de los derechos de autor. Los artistas callejeros también conservan derechos morales sobre sus creaciones, distintos de los derechos económicos conferidos por los derechos de autor, que abarcan el derecho a la integridad y el derecho a la atribución. Recientemente, el arte callejero ha obtenido un reconocimiento cada vez mayor por parte de los críticos de arte, lo que ha llevado a casos en los que corporaciones prominentes han enfrentado desafíos legales por el uso no autorizado de dicho arte en campañas publicitarias. Por ejemplo, el minorista de moda rápida H&M utilizó arte callejero de Jason "Revok" Williams en una serie publicitaria. En respuesta a la notificación de "Cesar y desistir" de Williams, H&M inició una demanda, sosteniendo que la obra de arte, al ser un "producto de una conducta criminal", no era elegible para la protección de derechos de autor. Esta perspectiva jurídica tiene precedentes, en particular en los casos de Villa v. Pearson Education y los que involucran a Moschino y Jeremy Tierney. En los tres casos mencionados, los acuerdos se lograron antes de que se dictara sentencia judicial sobre la legalidad de la obra de arte. Las corporaciones suelen optar por acuerdos extrajudiciales para evitar litigios costosos y prolongados.
Con respecto a la destrucción del arte callejero, Estados Unidos ha invocado la Ley de Derechos de los Artistas Visuales (VARA) para integrar los derechos morales en la legislación sobre derechos de autor. En los casos English v. BFC & R East 11th Street LLC y Pollara v. Seymour, se determinó que VARA no se aplicaba a obras de arte instaladas ilícitamente. Además, se estableció una diferenciación entre obras removibles y no removibles, estipulando que las obras de arte fácilmente removibles no pueden ser destruidas, independientemente de su estatus legal. Un elemento crucial considerado por el tribunal en este último caso fue si la obra de arte poseía "estatura reconocida".
En un caso legal que otorgó 6,7 millones de dólares a un grupo de artistas, el tribunal determinó que la obra de arte fue creada sin la autorización del propietario del edificio, y un factor significativo fue la demolición prematura, lo que sugiere una intención deliberada.
Arte callejero, arte de guerrilla y graffiti
El graffiti generalmente comprende elementos textuales estilizados, que a menudo representan un grupo o comunidad específica, diseñados para transmitir mensajes públicos que permanecen oscuros para los observadores externos. Por el contrario, el arte callejero se caracteriza por la incorporación de imágenes, ilustraciones o símbolos destinados a comunicar un mensaje específico. A pesar de estas distinciones, el graffiti y el arte callejero exhiben más puntos en común que una mera génesis compartida. Una característica distintiva del arte callejero, que contribuye a su percepción pública positiva, es su tendencia a presentar mensajes que son universalmente comprensibles.
Aunque estas formas de arte poseen numerosas distinciones, sus similitudes se extienden más allá de sus orígenes compartidos. Tanto el graffiti como el arte callejero representan expresiones artísticas frecuentemente motivadas por aspiraciones de reconocimiento, exposición pública y crítica cultural. Independientemente de si los artistas operan de forma anónima, elaboran comunicaciones enigmáticas o defienden causas específicas, los une un deseo predominante de visibilidad, reconocimiento y articulación emocional.
El concepto de arte callejero abarca varias definiciones, incluida la designación "arte de guerrilla". Ambos términos caracterizan obras de arte públicas ubicadas estratégicamente con un significado y propósito deliberados. Estas obras pueden ejecutarse de forma anónima para abordar temas controvertidos que podrían provocar reacciones adversas, o pueden atribuirse a artistas consagrados. Independientemente de la terminología empleada, estas creaciones artísticas sirven principalmente como vehículo para que los artistas articulen sus perspectivas sobre diversos temas e inquietudes sociales.
Al igual que el graffiti, una característica fundamental del arte callejero es su creación frecuente en espacios públicos sin el permiso del propietario o desafiándolo. Una diferenciación principal entre estas formas emerge en el segundo atributo del arte callejero o de guerrilla: su representación y exhibición deliberada de actos de incumplimiento destinados a desafiar el entorno circundante. Este desafío puede manifestarse como críticas granulares que aborden preocupaciones específicas de la comunidad o como declaraciones amplias que aborden cuestiones globales en una plataforma pública.
Esta conceptualización aclara la asociación del "arte de guerrilla" con esta práctica y conducta artística particular. El término tiene su origen en la guerra de guerrillas histórica, caracterizada por ataques incontrolados e impredecibles que carecen de reglas formales de enfrentamiento. Esta guerra divergió significativamente del combate convencional y formalizado que históricamente prevaleció en los conflictos militares. Dentro del discurso del arte callejero, el "arte de guerrilla" hace referencia metafóricamente a la crítica irrestricta, imprevista y frecuentemente anónima del artista de las estructuras o normas sociales.
Se ha planteado la cuestión de si la mera colocación de arte en una vía pública constituye arte callejero; Nicholas Riggle, en un examen más crítico de la distinción entre graffiti y arte callejero, postula que "una obra de arte es arte callejero si, y sólo si, su uso material de la calle es interno a su significado". Para el artista callejero, la calle no es una tabula rasa. Más bien, posee carácter, utilidad, historia, textura y forma inherentes. El arte callejero, junto con formas de arte urbano más amplias, transforma el entorno urbano o inicia el discurso público. Justin Armstrong distingue el graffiti como una ocupación estética de espacios, mientras que el arte callejero urbano se caracteriza por la reutilización de estos entornos.
Escultura Guerrilla
La escultura de guerrilla implica la colocación no autorizada de obras escultóricas en entornos de calles públicas, una práctica que surgió del arte callejero en la Inglaterra de finales del siglo XX. Más allá de la ubicación poco convencional de estas obras de arte, su creación a menudo implica una amplia gama de técnicas. Los artistas suelen operar de forma clandestina e ilegal, fabricando e instalando estas piezas al amparo de la noche, manteniendo así sus orígenes y creadores en el anonimato. Estas esculturas sirven como un medio para que los artistas articulen sus perspectivas y atraigan a audiencias inaccesibles a través de métodos convencionales de exhibición pública. Dichos actos de expresión artística no se llevan a cabo para solicitar la aceptación o admiración del público; de hecho, en ocasiones provocan indignación entre los espectadores.
Un caso notable involucró la instalación no autorizada de una escultura de Edward Snowden en una columna dentro del Parque Fort Greene, en la ciudad de Nueva York, que apareció durante la noche. Otras obras escultóricas incorporan fondos bidimensionales con un elemento tridimensional, ejemplificado por la pieza de Banksy de 2014, Spy Booth. Esta obra en particular presentaba un mural pintado en una pared de Cheltenham, Inglaterra, que representaba figuras de espías de la época de la Guerra Fría con gabardinas y sombreros de fieltro, equipados con herramientas de espionaje como micrófonos y grabadoras de carrete a carrete, aparentemente interceptando comunicaciones de una cabina telefónica dañada.
Tras la retirada de la estatua de Edward Colston durante las protestas de Black Lives Matter en Bristol, el artista Marc Quinn instaló su escultura, A Surge of Power (Jen Reid), en el pedestal vacío el 15 de julio de 2020. Esta obra de arte de tamaño natural, fabricada con resina negra y acero, se inspiró en una imagen ampliamente difundida de la manifestante Jen Reid levantando el puño durante la manifestación de Bristol, que posteriormente atrajo la atención de Quinn. El Ayuntamiento de Bristol retiró la estatua el 16 de julio de 2020.
A diferencia de la escultura callejera no autorizada, se encuentra el concepto de "escultura de guerrilla institucionalizada", que recibe autorización oficial de organismos cívicos y puede comercializarse. Un ejemplo es el artista holandés Florentijn Hofman, quien en 2007 produjo Rubber Duck, una interpretación monumental de un juguete de baño clásico.
En América Latina, particularmente en México, ha surgido el término antimonumento, que significa una forma de escultura de guerrilla política o, más ampliamente, una instalación no autorizada de una obra de arte con carga política. Estas instalaciones sirven para denunciar la inacción estatal y recuperar espacios públicos. Normalmente, un antimonumento se erige durante una protesta y, como observa Márcio Seligmann-Silva, "corresponde a un deseo de recordar activamente el (doloroso) pasado". Estas obras frecuentemente conmemoran temas como desapariciones, masacres, migraciones y feminicidios.
El fenómeno de la aceptación pública del arte callejero merece un examen.
Si bien el arte callejero es omnipresente en todo el mundo, su amplia popularidad artística es un desarrollo relativamente reciente. La percepción pública del arte callejero ha experimentado un cambio sustancial, lo que ha llevado a su aceptación social y respeto en determinados lugares públicos. Sin embargo, la desfiguración no autorizada de propiedad pública o privada, independientemente de su mérito o mensaje artístico, sigue siendo en general ilegal.
Al principio, el graffiti constituía la única forma de arte callejero y se percibía en gran medida como un acto delictivo de demarcación territorial y comunicación rudimentaria. Históricamente, existía una clara demarcación entre las creaciones de un artista callejero y el acto de etiquetar propiedad pública o privada; sin embargo, este límite se ha ido desdibujando progresivamente a medida que los artistas contemporáneos navegan cada vez más por el espacio entre estas dos prácticas. Los conocedores del renombrado arte callejero reconocen que la esencia del género está intrínsecamente ligada a su medio urbano. Estas obras de arte son inherentemente susceptibles de alteración o destrucción, dada su creación en superficies públicas o privadas que no son propiedad del artista ni están oficialmente autorizadas por los propietarios. Esta aceptación de la potencial impermanencia del arte y la colocación pública, a menudo no autorizada, de estas obras colectivamente les da significado y contribuye a la creciente popularidad del arte callejero. Además, durante el siglo XXI, varias ciudades estadounidenses iniciaron programas para incorporar poesía en el cemento de las aceras, ocasionalmente a través de concursos públicos para nuevas composiciones.
En una posible desviación de las posturas históricas anti-museos y anti-comercialización de algunos artistas callejeros, el 11 de diciembre de 2021 comenzó una exposición dedicada al arte callejero "urbano" en el Museo de Peterborough, Reino Unido. por individuo. Se ha publicitado que esta exposición posee "gran importancia nacional [Reino Unido]", y muestra artistas como Banksy, Damien Hirst, My Dog Sighs, Connor Brothers, Pure Evil y Blek le Rat. En particular, el Museo de Bristol ha presentado esculturas y arte callejero desde el evento de "adquisición" de Banksy en 2009.
El papel del arte callejero dentro de los movimientos de embellecimiento urbano también es un área importante de discusión.
Dadas las diversas ventajas y, a menudo, el sustancial retorno de la inversión, el arte callejero sirve como un instrumento transformador para empresas, instituciones educativas, vecindarios y municipios, fomentando comunidades más seguras, vibrantes e inspiradoras. Esta tendencia ha obtenido un reconocimiento cada vez mayor recientemente. Organizaciones como Beautify Earth han encabezado iniciativas que alientan a las ciudades a aprovechar estos beneficios, cultivando así un atractivo estético generalizado en espacios de paredes públicas que de otro modo permanecerían vacíos o deteriorados.
Según un artículo de The Washington Post escrito por Sydney Page, un estudio de seguridad titulado "Asphalt Art Safety Study", realizado por Bloomberg Philanthropies en colaboración con la firma consultora Sam Schwartz, reveló que los cruces peatonales adornados con murales reducen significativamente el incidencia de accidentes en estos lugares.
Variaciones regionales
Las manifestaciones de arte callejero exhiben una considerable diversidad regional, influenciada por prácticas culturales indígenas, estructuras legales predominantes y trayectorias de desarrollo urbano. Las secciones siguientes detallan concentraciones significativas y atributos distintivos del arte callejero a nivel mundial.
América del Norte
Canadá
Montreal se ha convertido en un centro destacado para las artes urbanas, en gran parte debido al Festival MURAL, establecido en 2013, que ha facilitado la creación de más de 80 murales en Le Plateau-Mont-Royal. Otras áreas, incluidas Villeray, el centro de Montreal, Le Sud-Ouest y Hochelaga-Maisonneuve, junto con varios distritos artísticos, están ampliando progresivamente la presencia del arte callejero en la ciudad. Además, el festival anual de graffiti Under Pressure, reconocido como el más grande de América del Norte, conmemoró su 25.° aniversario en 2021.
Toronto posee una notable escena de graffiti.
Históricamente, la escena de graffiti y arte callejero de Calgary era comparativamente modesta; sin embargo, el reciente inicio del Beltline Urban Mural Project (BUMP) ha atraído a artistas internacionales para producir extensos murales en el centro de la ciudad.
Estados Unidos
La ciudad de Nueva York es un imán mundial para los artistas. Durante la década de 1980, el arte callejero "post-graffiti" proliferó en los barrios entonces subutilizados de Manhattan, incluidos el SoHo, el Lower East Side y partes del East Village. Posteriormente, el distrito artístico de Chelsea surgió como otra zona importante, donde las galerías locales suelen albergar exposiciones formales de las creaciones de artistas callejeros. En Brooklyn, los barrios de Williamsburg y Dumbo, en particular los adyacentes al paseo marítimo, son reconocidos por su arte callejero. Bushwick, Brooklyn, alberga el distrito de murales no oficial de la ciudad de Nueva York, con la supervisión curatorial proporcionada por The Bushwick Collective, una organización sin fines de lucro.
Chicago exhibe una amplia gama de formas emergentes de arte callejero, con artistas destacados como Matthew Hoffman, conocido por su proyecto You Are Beautiful, Sentrock, Jc Rivera (The Bear Champ) y Hebru Brantley, cuyas obras son ampliamente visibles en toda la ciudad.
En Pensilvania, tanto Filadelfia como Pittsburgh implementan programas que asignan fondos a agencias que encargan artistas callejeros para embellecer los muros urbanos. El Programa de Artes Murales de Filadelfia, fundado en 1984, ha contribuido a la reputación de la ciudad como la "Ciudad de los Murales". Esta iniciativa fue concebida para redirigir el talento de los grafiteros hacia proyectos más constructivos. Al mismo tiempo, los murales apoyados por The Sprout Fund en Pittsburgh recibieron el reconocimiento como "Mejor arte público" del Pittsburgh City Paper en 2006.
El arte callejero de Atlanta se concentra principalmente en los vecindarios Old Fourth Ward y Reynoldstown, el túnel Krog Street y a lo largo del corredor ferroviario BeltLine de 22 millas que rodea el centro de la ciudad. En 2011, Atlanta estableció un grupo de trabajo sobre graffiti. Si bien la ciudad designó ciertos murales como exentos de la intervención del grupo de trabajo, el proceso de selección omitió notablemente el popular sitio del túnel de Krog Street. También se protegieron las obras de arte producidas en conjunto con la conferencia anual de arte callejero Living Walls, organizada en Atlanta. Sin embargo, las acciones coercitivas del grupo de trabajo, incluidos los arrestos de artistas clasificados como vándalos, provocaron la oposición de la comunidad, y algunos críticos consideraron que las iniciativas de la ciudad estaban "mal dirigidas" o "inútiles". Tras una demanda presentada por un grupo de artistas en 2017, la ciudad de Atlanta consintió en suspender la aplicación de una ordenanza que exigía la aprobación municipal para murales en propiedad privada. Un recurso completo, el Atlanta Street Art Map, documenta más de 200 obras de arte callejero dentro de la ciudad, detallando sus imágenes y ubicaciones.
Sarasota, Florida, ha sido sede del Sarasota Chalk Festival anual, un evento de arte callejero, desde su creación en 2007. Una iniciativa derivada autónoma, Going Vertical, apoya la creación de arte callejero; sin embargo, algunas de estas obras han sido eliminadas posteriormente debido a controversia.
El Distrito de las Artes de Los Ángeles es reconocido por su extensa colección de murales callejeros. Otros lugares destacados incluyen el barrio de Hollywood y vías como Sunset Boulevard, La Brea, Beverly Boulevard, La Cienega y Melrose Avenue. LAB ART Los Ángeles, establecida en 2011, dedica sus 6,500 pies cuadrados de espacio de galería a exhibir arte callejero. La colección presenta obras de artistas locales como Alec Monopoly, Annie Preece, Smear y Morley.
El distrito Mission de San Francisco, un centro central para el movimiento Mission School, exhibe una alta densidad de arte callejero, particularmente a lo largo de Mission Street, así como en Clarion y Balmy Alleys. Además, áreas como Hayes Valley, SoMa, Bayview-Hunters Point y Tenderloin son reconocidas por sus contribuciones a la escena del arte callejero.
Los vecindarios East Village, Little Italy, North Park y South Park de San Diego cuentan con obras de arte callejero de artistas como VHILS, Shepard Fairey, Tavar Zawacki (también conocido como ABOVE), Space Invader y Os Gêmeos. Los murales de varios artistas mexicanos se exhiben de manera destacada en el Parque Chicano en el barrio de Barrio Logan. Chicano Park, establecido tras una toma de tierras comunitaria en 1970, conmemoró su 52.º aniversario en 2022. Su colección de más de 80 murales ilustra diversas facetas de la cultura latina, que van desde la estética lowrider hasta las imágenes de los guerreros aztecas. Las expresiones artísticas pretendían fomentar el respeto y el reconocimiento, transformando las percepciones de estos espacios. En consecuencia, estos lugares evolucionaron hasta convertirse en símbolos de activismo y orgullo cultural, en lugar de ser percibidos como lugares de vandalismo. Después de la pandemia de COVID-19, Ground Floor Murals ha producido obras que reconocen las comunidades multiculturales de San Diego, presentando figuras como el cantante mexicano Vicente Fernández, jugadores de los Padres de San Diego y miembros notables de la comunidad local. Su mural inaugural representaba a la leyenda de los Padres, Tony Gwynn, en City Heights.
Richmond, Virginia, presenta más de 100 murales, muchos de los cuales fueron creados por artistas, incluidos numerosos ex alumnos y estudiantes actuales de la Escuela de Artes de la Virginia Commonwealth University. Estos murales provienen de diversas fuentes, incluidos encargos privados de individuos y empresas, artistas callejeros independientes e iniciativas colaborativas de recaudación de fondos.
Durante décadas, los artistas callejeros de Denver han mejorado el paisaje urbano utilizando los callejones de la ciudad, los exteriores de los edificios, los almacenes, las puertas de los garajes y los escaparates como lienzos. La ciudad de Denver cuenta con un área designada, el River North Art District (RiNo), que se dedica a exhibir el trabajo de artistas locales. La mayoría de los artistas del distrito de RiNo reciben encargos de propietarios de empresas locales que buscan adornar sus edificios con imágenes vibrantes.
México
El arte callejero surgió en México a finales de la década de 1980, apareciendo inicialmente en la Ciudad de México en edificios multifamiliares en los distritos del norte y dentro del sistema de metro. Posteriormente, el arte urbano y el graffiti se han convertido en parte integral de la identidad cultural de las áreas municipales de la metrópoli. Actualmente, numerosas asociaciones y grupos participan activamente en el establecimiento e identificación de lugares para el arte urbano en la Ciudad de México y el país en general. Una diversa gama de artistas, que abarca talentos emergentes y establecidos, de origen nacional e internacional, han contribuido con su trabajo al país. En Oaxaca, colectivos de grabado político como ASARO, Colectivo Subterráneos y Lapiztola crean grabados pegados con trigo que abordan los derechos indígenas y las preocupaciones de justicia social.
Además, plataformas de medios como All City Canvas se especializan en promover el arte urbano en México, América Latina y el mundo. En 2012, All City Canvas fue pionero en el establecimiento de un festival de arte callejero en México, con el objetivo de integrar iniciativas internacionales y exhibir arte urbano durante una semana en la Ciudad de México. Más recientemente, han colaborado con artistas notables, incluidos Vhils, It's a Living y Bier in Brood, para producir múltiples murales como parte de la Serie Global All City Canvas en varias ciudades de México y Estados Unidos. El objetivo principal de la iniciativa es generar impacto social a través de creaciones artísticas a gran escala. Este enfoque ha facilitado el desarrollo de un lenguaje universal en torno a esta expresión artística.
Sudamérica
Buenos Aires es reconocida por sus extensos murales y obras de arte públicas, particularmente en sus estaciones de metro y diversos espacios públicos. El surgimiento del arte callejero en la capital argentina se remonta a mediados de la década de 1990, iniciado por artistas que previamente habían participado en movimientos similares en Europa y otras naciones sudamericanas. Alfredo Segatori, conocido como 'Pelado', es reconocido como uno de los artistas callejeros pioneros de Argentina, comenzó su trabajo en 1994 y ostenta la distinción por el mural más grande del país, que abarca más de 2.000 metros cuadrados.
La prevalencia de edificios designados para demolición ofrece numerosos lienzos en blanco para una diversa gama de artistas, lo que a menudo supera la capacidad de las autoridades para retirar sus creaciones. Los elementos temáticos comunes explorados por los "Grafiteiros" en su arte callejero y pichação (un graffiti negro distintivo con forma de runa) incluyen "densidad de población" y "ansiedad urbana", frecuentemente interpretadas como expresiones de conflicto de clases.
Prominentes artistas callejeros brasileños incluyen a Claudio Ethos, Os Gêmeos, Vitche, Onesto y Herbert Baglione.
Bogotá cuenta con numerosos muros dedicados a la calle. arte, indicativo de un movimiento artístico robusto. Los visitantes pueden observar varias instalaciones murales en lugares como la Avenida El Dorado (TransMilenio), la Avenida Suba y el distrito histórico de La Candelaria. Además, el Distrito Graffiti sirve como un espacio curado, supervisado por organismos gubernamentales, que exhibe más de 600 obras de artistas colombianos e internacionales.
Al principio, el arte callejero en Caracas transmitía predominantemente temas políticos, y las primeras obras en Venezuela a menudo expresaban desacuerdo o apoyo a los líderes contemporáneos. Con el tiempo, el arte callejero venezolano ha sufrido una evolución. Si bien las piezas con carga política continuaron siendo prominentes, las narrativas culturales se integraron cada vez más en el panorama artístico.
Europa
Durante la década de 2010, Londres surgió como un centro mundial líder en arte del graffiti. A pesar de la condena oficial y la aplicación estricta, el arte callejero obtiene un apoyo público sustancial y es ampliamente aceptado, como lo ejemplifican las distintivas figuras de palos de Stik. La Dulwich Outdoor Gallery, una iniciativa de colaboración con Street Art London, funciona como un espacio de exposición al aire libre en Dulwich, al sureste de Londres, que presenta interpretaciones de arte callejero inspiradas en pinturas tradicionales alojadas en la Dulwich Picture Gallery.
Bristol posee una notable escena de arte callejero, en parte atribuible al reconocimiento global de Banksy, lo que resulta en numerosos murales expansivos y vibrantes que caracterizan varias áreas urbanas.
Ostende, Bélgica, es la sede de un festival internacional de arte callejero. En 2018, la publicación de arte estadounidense Juxtapoz caracterizó a The Crystal Ship como "un festival de arte que se está convirtiendo rápidamente en uno de los eventos anuales de arte callejero más importantes del mundo", una descripción que refleja con precisión su situación actual. Fundado en 2016, The Crystal Ship revitaliza anualmente Ostende invitando a artistas callejeros aclamados a inspirarse en los habitantes, el medio ambiente y el legado cultural de la ciudad. El curador Bjorn Van Poucke encabeza esta importante iniciativa de arte callejero, que presenta obras de artistas como Axel Void (EE. UU.), Paola Delfín (México), Escif (ES), Miss Van (FR), Sebas Velasco (ES), Elian (AR) y Wasted Rita (PT), que transforman colectivamente el paisaje urbano.
París alberga una vibrante escena de arte callejero, con artistas como Space Invader, Jef Aérosol, SP 38 y Zevs. La génesis del arte callejero en Francia se atribuye a veces al movimiento letrismo de la década de 1940 y a los eslóganes situacionistas que comenzaron a aparecer en las paredes parisinas a finales de la década de 1950. En la década de 1960, artistas del Nouveau Realiste como Jacques de la Villeglé, Yves Klein y Arman interactuaron con los espacios públicos; sin embargo, al igual que el arte pop, mantuvieron la dinámica convencional de estudio-galería. La instalación callejera de Christo y Jeanne-Claude de 1962, Rideau de Fer (Telón de Acero), se cita con frecuencia como uno de los primeros ejemplos de arte callejero no autorizado. Durante la década de 1970, las obras de arte site-specific de Daniel Buren surgieron dentro del sistema de metro de París. Blek le Rat y el movimiento Figuración Libre ganaron prominencia en la década de 1980. El distrito 13 defiende activamente el arte callejero a través de su proyecto "Street Art 13". Esta iniciativa presenta dos frescos notables del artista londinense D*Face: "El amor no nos destrozará" y "Turncoat". De octubre de 2014 a marzo de 2015, la Fundación EDF presentó la exposición de Jérôme Catz, "#STREET ART, L'INNOVATION AU CŒUR D'UN MOUVEMENT", que mostraba nuevas tecnologías integradas con obras de artistas como Shepard Fairey, JR, Zevz y Mark Jenkins. Esta exposición logró la distinción de ser la segunda exposición más visitada en EDF desde su creación en 1990. La práctica del artista callejero John Hamon consiste principalmente en proyectar o colocar carteles de sus fotografías encima de su nombre en varios edificios y monumentos de la ciudad.
El arte callejero adornó continuamente el Muro de Berlín en toda la división de Alemania; Posteriormente, la escena del arte callejero de Berlín continuó floreciendo después de la reunificación, albergando a artistas como Thierry Noir, Tavar Zawacki (también conocido como ARRIBA) y SP 38. Después de la era poscomunista, los alquileres asequibles y las estructuras en ruinas fomentaron el surgimiento del arte callejero en distritos como Mitte, Prenzlauer Berg, Kreuzberg y Friedrichshain. En 2016, StreetArtNews lanzó un proyecto de arte urbano bajo los auspicios de Urban Nation Berlin, en el que participaron varios artistas de renombre.
Tartu, la segunda ciudad más grande de Estonia, ha sido designada capital del arte callejero del país. En contraste con la postura de Tallin contra el graffiti, Tartu es reconocida por albergar el festival de arte callejero Stencibility y por su diversa colección de obras de numerosos artistas.
La escena del arte callejero de Grecia ha estado activa desde finales de la década de 1980, experimentando un aumento en Atenas que condujo a la crisis financiera del país en 2011. Durante este período, numerosos artistas expresaron resistencia, elaborando piezas alegóricas y comentarios sociales en el centro histórico de la ciudad y el distrito de Exarhia. The New York Times publicó un artículo examinando la crisis en el contexto del arte callejero y las expresiones artísticas más amplias. Las obras del artista callejero Bleepsgr, cuyas creaciones a menudo se clasifican como "artivismo", son visibles en barrios como Psiri.
Dentro de España, Madrid y Barcelona son reconocidas como las ciudades con mayor prevalencia de graffiti, mientras que Valencia, Zaragoza y Málaga también poseen comunidades activas de arte callejero.
Italia ha mantenido una presencia de arte callejero muy activa desde finales de la década de 1990, con artistas destacados como BLU, 108 y Sten Lex.
Ámsterdam posee una rica historia de arte callejero. A mediados de la década de 1960, el movimiento contracultural de Provo ya había comenzado a utilizar las calles públicas como medio artístico. Robert Jasper Grootveld, miembro del movimiento, escribió frases como "Klaas komt" (en inglés: "¡Klaas is Coming!") por toda la ciudad. A finales de la década de 1970, jóvenes artistas asociados con la cultura punk comenzaron a crear obras en las superficies deterioradas de la ciudad. Artistas notables de esta generación "Sin futuro" incluyen al Dr. Rat y Hugo Kaagman, un pionero del arte del esténcil que produjo su plantilla inicial en 1978. A principios de la década de 1980, Yaki Kornblit facilitó la exposición de grafiteros de Nueva York como Blade, Dondi, Futura 2000 y Rammellzee en su galería de Ámsterdam. Esta iniciativa inspiró a la juventud local, lo que llevó al surgimiento de una nueva generación de escritores de estilo, cuyo trabajo fue posteriormente documentado en la película de 2006 "Kroonjuwelen". Artistas como Delta, Shoe, Jaz, Cat22, High, Again y Rhyme hicieron contribuciones significativas al panorama del arte callejero de la ciudad. A principios de la década de 1990, Ámsterdam se había convertido en un centro central para el movimiento del graffiti, centrándose particularmente en su sistema de Metro, que atrajo a escritores como Mickey, Zedz y Yalt a la capital holandesa. El arte callejero figurativo se hizo cada vez más frecuente en las calles de la ciudad a principios de siglo. Artistas como Morcky, Wayne Horse, The London Police y Laser 3.14 transmitieron mensajes a través de sus obras de arte callejeras.
Bergen es reconocida como la capital del arte callejero de Noruega. El artista callejero británico Banksy visitó la ciudad en 2000, inspirando a numerosas personas a dedicarse al arte callejero. Dolk, un destacado artista callejero local de Bergen, tiene obras expuestas por toda la ciudad. En 2009, el ayuntamiento de Bergen optó por preservar una de las piezas de Dolk, cubriéndola con un cristal protector.
En 2011, el ayuntamiento implementó un plan estratégico para el arte callejero que abarca desde 2011 hasta 2015, con el objetivo de garantizar que "Bergen lidere la moda del arte callejero como expresión tanto en Noruega como en Escandinavia".
La ciudad de Stavanger acoge la edición anual NuArt. Festival, un evento comprometido con el fomento del arte callejero y reconocido como uno de los festivales de arte callejero curados más antiguos del mundo. Nuart Plus es un simposio académico e industrial dedicado al arte callejero que se lleva a cabo anualmente en septiembre. Por el contrario, Oslo mantuvo tradicionalmente una estricta prohibición del graffiti y el arte callejero, aunque el sancionado proyecto NuArt RAD está modificando actualmente este enfoque.
El arte callejero surgió en Suecia durante la década de 1990 y desde entonces se ha convertido en el método predominante para la instalación de arte público. El libro de Benke Carlsson de 2007, "Street Art Stockholm", narra el arte callejero dentro de la capital del país.
La escena del arte callejero de Finlandia experimentó un crecimiento significativo desde la década de 1980 hasta 1998, cuando la ciudad de Helsinki inició una política de tolerancia cero de diez años. Esta política penalizó todas las formas de arte callejero, imponiendo multas sustanciales y utilizando empresas de seguridad privadas para hacer cumplir la ley. La política concluyó en 2008, lo que posteriormente condujo al establecimiento de espacios de arte legales y colectivos artísticos designados.
El arte del graffiti con pasta de trigo y estarcido en Dinamarca experimentó una rápida proliferación luego de las visitas de Faile, Banksy, Ben Eine y Shepard Fairey entre 2002 y 2004, particularmente dentro de los distritos urbanos de Copenhague, incluidos Nørrebro y Vesterbro. Copenhague es la base de TEJN, el artista reconocido por ser pionero en el género de arte callejero Lock On.
La escena del arte callejero en Suiza presentó al artista Harald Nägeli a finales de los años 1970. La actividad posterior, que comenzó en la década de 1990, involucró a artistas como Toast y NEVERCREW.
Desde el colapso del comunismo en 1989, el arte callejero ganó prominencia en Polonia durante la década de 1990. Artistas como Sainer y Bezt lograron reconocimiento por sus creaciones murales a gran escala en edificios y paredes en la década de 2010. En 2011, la ciudad de Łódź financió una exposición municipal permanente, "Urban Forms Gallery", bajo el patrocinio de la alcaldesa Hanna Zdanowska. Esta exposición mostró obras tanto de destacados artistas callejeros polacos como de figuras reconocidas internacionalmente. A pesar de ser ampliamente acogida por el público, y las autoridades ocasionalmente otorgan permisos a los artistas para adornar espacios públicos, otras propiedades continúan siendo el objetivo ilícito de los artistas. Varsovia y Gdańsk son otras ciudades polacas con una próspera cultura del arte callejero.
En junio de 2011, artistas callejeros anónimos alteraron un monumento en Bulgaria que conmemora a los soldados del ejército soviético. Los soldados del monumento, ubicado en Sofía, fueron modificados para representar a Ronald McDonald, Papá Noel, Superman y otras figuras. El monumento permaneció en este estado alterado durante varios días antes de su restauración. Algunos ciudadanos abogaron por la preservación de las modificaciones.
En Mariupol, Ucrania, se exhibieron murales en edificios que asumieron un significado simbólico durante las invasiones rusas de Ucrania en 2014 y 2022. En 2018, la artista ucraniana Sasha Korban pintó el mural Milana en la fachada de un edificio de Mariupol, que representa a Milana Abdurashytova, de 3 años, sobreviviente de un ataque con misiles prorrusos en 2015, como emblema de resiliencia. Posteriormente, este mural fue destruido a finales de 2022 durante la ocupación rusa de Mariupol. También en 2022, el artista italiano Jorit pintó un mural de una joven australiana, identificada mediante una búsqueda de imágenes en línea con "coletas", en la fachada de otro edificio en Mariupol, afirmando inicialmente que el tema era una niña de Donbass que había residido en Mariupol. La representación de una bomba con la etiqueta "OTAN" dentro del mural, situada en una ciudad ampliamente atacada por los bombardeos rusos, junto con su conexión percibida con la obra de arte destruida de Korban, generó críticas de medios de comunicación como Il Giornale y el sitio web de periodismo de investigación Valigia Blu.
Moscú surgió como un importante centro para los grafiteros rusos y los visitantes internacionales durante la década de 2000. La Street Kit Gallery, establecida en 2008, se especializa en arte callejero y facilita exhibiciones y actividades en galerías, lugares emergentes y espacios públicos urbanos. La Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú de 2009 contó con una sección dedicada al arte callejero. Entre los artistas destacados se encuentran Make, RUS e Interesni Kazki, con sede en Kiev, que también operan en Miami y Los Ángeles. En 2012, la cadena británica BBC destacó el trabajo del artista callejero moscovita Pavel 183.
La disolución de la Unión Soviética proporcionó a Georgia amplios entornos urbanos propicios para el desarrollo del arte callejero. Aunque es un fenómeno incipiente en Georgia, la popularidad del arte callejero está experimentando un rápido crecimiento. La mayoría de los artistas callejeros georgianos se encuentran principalmente en Tbilisi. El arte callejero sirve como un medio potente para que los artistas jóvenes expresen su desacuerdo con respecto a numerosos asuntos sociales y políticos polémicos en Georgia, obteniendo así un importante reconocimiento social. Los artistas clave de este movimiento incluyen a Gagosh, TamOonz y Dr.Love.
Sarajevo se convirtió en un destacado centro de arte callejero en el sudeste de Europa durante la década de 2010. La ciudad alberga tanto el Festival de Arte Callejero de Sarajevo como el famoso festival de arte callejero en 3D, Beton Fest. El Festival de Arte Callejero de Sarajevo se lleva a cabo anualmente en julio durante tres días y presenta un programa diverso que incluye numerosos espectáculos callejeros, el establecimiento de un nuevo distrito bohemio de arte callejero, conciertos, la pintura de grandes murales y la presentación de otras expresiones artísticas creativas. Beton Fest, singularmente, es el único festival de arte callejero en 3D en el sudeste de Europa y ha contado con numerosos artistas callejeros distinguidos, incluidos Vera Bugatti, Giovanna la Pietra, Tony Cuboliquido y Manuel Bastante, entre otros.
Asia
India
En la India, el arte callejero prevaleció históricamente, y los artistas callejeros frecuentemente producían materiales promocionales para películas y series de televisión. Sin embargo, el arte digital está suplantando progresivamente a los carteles pintados a mano. De 1960 a la década de 1990, los carteles callejeros resultaron eficaces y resonaron entre el público. En la década de 1990, los carteles pintados a mano comenzaron a ser reemplazados por pancartas flexibles fuera de los teatros. Después de la década de 2000, la prominencia de los carteles callejeros disminuyó, dando paso a alternativas impresas digitalmente. En consecuencia, las formas tradicionales de arte callejero, incluidas la pintura y los bocetos, han experimentado un declive en la India, atribuible en gran medida a la adopción de carteles digitales.
Malasia
En George Town, Penang, el artista lituano Ernest Zacharevic produjo una serie de murales que ilustran la cultura indígena, los residentes y la vida cotidiana. Estos murales ahora son reconocidos como hitos culturales importantes de George Town, y Niños en bicicleta emerge como uno de los lugares más fotografiados de la ciudad. Desde su creación, la escena del arte callejero local ha florecido.
Corea del Sur
En Busan, la segunda ciudad más grande de Corea del Sur, el pintor alemán Hendrik Beikirch ejecutó un mural de más de 70 metros (230 pies) de altura que, cuando se completó en agosto de 2012, fue considerado el más alto de Asia. El mural monocromático representa a un pescador. El proyecto fue facilitado por Public Delivery.
Tailandia
Una importante colección de arte callejero de artistas destacados se encuentra en el distrito Bang Rak de Bangkok, específicamente en Soi Charoen Krung 28–32, ubicado entre Charoen Krung Road y el río Chao Phraya.
Medio Oriente
Israel
Áreas del sur de Tel Aviv, incluido Florentin en la década de 1990, pasaron de ser zonas industriales a vibrantes distritos de arte callejero. Los artistas utilizaron sus garajes en desuso y sus fachadas deterioradas para realizar murales políticos, poesía hebrea, inscripciones religiosas y complejos diálogos artísticos. Entre los artistas destacados de la comunidad de arte callejero de Tel Aviv se encuentran Dede, Klone, Broken Fingaz Crew, Know Hope, Kis-Lev y Sigalit Landau. Según Lord K2, como se informó en un artículo del *Times of Israel*, este resurgimiento cultural contribuyó a la gentrificación, lo que llevó a la reubicación de una parte importante de la escena del graffiti. Está previsto que Simon Durban, ex curador de Banksy, realice una exposición en Tel Aviv en 2025.
Emiratos Árabes Unidos
En Dubai, la ciudad más grande de los Emiratos Árabes Unidos, numerosos artistas de renombre produjeron obras de arte murales urbanos en varios edificios como parte de una iniciativa lanzada por StreetArtNews, posteriormente denominada Dubai Street Museum.
Oceanía
Australia
El arte callejero prevalece tanto en las principales ciudades como en los pueblos regionales de Australia.
Melbourne es reconocida por poseer una de las culturas de arte callejero más dinámicas y variadas del mundo, habiendo fomentado pioneros en el medio del estarcido. Destacados artistas callejeros, incluidos Blek le Rat y Banksy, exhibieron con frecuencia sus obras en las calles de Melbourne durante la década de 2000. Los ayuntamientos apoyan y preservan activamente estas expresiones artísticas. Lugares importantes dentro de la ciudad incluyen Brunswick, Carlton, Fitzroy, Northcote y el distrito comercial central, particularmente el famoso Hosier Lane.
La escena del arte callejero de Sydney se destaca por los graffitis y el arte callejero que se encuentran en el área de Newtown. El Ayuntamiento de Brisbane respalda los grafitis en las cajas de señales de tráfico y otros espacios públicos; sin embargo, procesó a Anthony Lister en 2016, a pesar de que el vicealcalde David Hinchliffe había alentado su pintura de cajas de señales de tráfico en 1999. El Festival de Arte Callejero de Brisbane ha sido un evento anual desde 2016. Numerosos gobiernos locales en toda Australia implementan programas para pintar cajas de señales de tráfico.
Nueva Zelanda
Dunedin inició el arte callejero "oficial" en Nueva Zelanda, con el pintor John Noakes creando murales únicos en más de sesenta paradas de autobús durante la década de 1980, muchos de los cuales representan escenas locales o temas inspirados en sus ubicaciones. Posteriormente, el Ayuntamiento de Dunedin encargó una serie de diseños comparables para adornar las cajas eléctricas de toda la ciudad. Los murales callejeros también se han convertido en una característica destacada en Dunedin, con más de 30 obras de artistas locales e internacionales agregadas al centro de la ciudad, particularmente dentro de las áreas Warehouse Precinct y Exchange, desde que se celebró allí un festival internacional de arte callejero a principios de la década de 2000. Estas instalaciones incluyen una de las obras más altas de Nueva Zelanda, un mural de siete pisos de Fintan Magee en la pared del Southern Cross Hotel.
Christchurch experimentó una devastación significativa por dos terremotos en 2010 y 2011, lo que resultó en la expropiación de 8.000 viviendas y el 80 por ciento del centro de la ciudad. Aproximadamente dos años y medio después, la ciudad fue sede de su importante evento cultural inaugural, el Rise Street Art Festival, que se llevó a cabo en el Museo de Canterbury y fue producido por el organizador de arte callejero de Australasia Oi YOU!.
Este evento atrajo a más de 248.000 visitantes, lo que la convirtió en la exposición más visitada en la historia del museo, y dio como resultado la pintura de 15 murales en el centro de la ciudad, ampliamente dañado. Posteriormente, estos murales se convirtieron en símbolos comunitarios de los esfuerzos de revitalización y reconstrucción de Christchurch.
Dos posteriores Oi YOU! Los festivales, ambos operando bajo la designación Spectrum, incorporaron extensas exhibiciones internas y aumentaron aún más la colección de murales de la ciudad. Desde el festival Rise, se han creado más de 40 murales en el centro de la ciudad, lo que llevó a la guía Lonely Planet sobre arte callejero global a presentar a Christchurch como una de las principales ciudades del mundo para experimentar esta forma de arte.
En Auckland, en 2009, el ayuntamiento autorizó el uso de cajas eléctricas como lienzos para el arte callejero. El colectivo local de arte callejero TMD (The Most Dedicated) logró reconocimiento internacional al ganar el concurso "Write For Gold" en Alemania durante dos años consecutivos. Surplus Bargains representa otro colectivo local. En 2019, Ares Artifex pintó un edificio patrimonial en Auckland sin el consentimiento de los propietarios.
África
Aunque el arte callejero en Sudáfrica no es tan frecuente como en los centros urbanos europeos, el distrito central de Newtown en Johannesburgo sirve como un centro importante para esta forma de arte dentro de la ciudad. El "Festival Internacional de Arte Urbano Ciudad de Oro" tuvo lugar en el distrito cívico y estudiantil de Braamfontein de la ciudad en abril de 2012.
El New York Times informó sobre el surgimiento de El Cairo como centro regional de arte callejero en 2011. Los eslóganes que inicialmente abogaban por el derrocamiento del régimen de Mubarak evolucionaron posteriormente hasta convertirse en motivos estética y políticamente provocativos.
Arte callejero originario de Egipto, Túnez, Yemen y Libia han atraído una atención significativa desde la Primavera Árabe, especialmente en una exposición de 2012 en la Casa Árabe de Madrid.
Exposiciones, festivales y conferencias
En 1981, el Proyecto Washington para las Artes organizó una exposición titulada Street Works, que mostraba a pioneros del arte urbano como Fab Five Freddy y Lee. Quiñones crea arte directamente en la vía pública.
El Sarasota Chalk Festival, establecido en 2007, patrocina el arte callejero de artistas inicialmente invitados de los Estados Unidos y posteriormente de lugares internacionales. En 2011, el festival introdujo un programa de murales Going Vertical y su proyecto Cellograph para complementar los dibujos callejeros. Se han producido películas internacionales por y sobre artistas que han participado en estos programas, sus murales, dibujos callejeros y los eventos celebrados en el festival.
El Streetart Festival Estambul, creado en 2007 por el artista y diseñador gráfico Pertev Emre Tastaban, representa el evento anual inaugural de Turquía dedicado al arte callejero y el post-graffiti.
Living Walls, una conferencia anual de arte callejero iniciada en 2009, celebró su evento de 2010 en Atlanta y su evento de 2011 en colaboración en Atlanta y Albany, Nueva York. La organización también promovió activamente el arte callejero durante Art Basel Miami Beach en 2011.
El RVA Street Art Festival, un evento celebrado en Richmond, Virginia, comenzó en 2012 a lo largo del Canal Walk. Su versión de 2013 se celebró en el lote de GRTC en desuso en Cary Street.
Reconocido por Guinness World Records como el festival de arte callejero más grande del mundo, el Pasadena Chalk Festival es un evento anual que se lleva a cabo en Pasadena, California. El festival de 2010 contó con aproximadamente seiscientos artistas y atrajo a más de 100.000 asistentes.
En abril de 2018, el UMA – Museo Universal de Arte inauguró "A Walk Into Street Art", una exposición integral de realidad virtual que muestra obras de artistas como Banksy, JR, Jef Aérosol, Vhils, Shepard Fairey y Keith Haring.
El Festival Internacional Pasteup de Londres, establecido en 2021, es un evento de arte anual en Shoreditch, Londres, dedicado a exhibir obras de artistas especializados en subgéneros de pegatinas y pegado.
El Eureka Street Art Festival es un evento de arte público anual que se lleva a cabo en el condado de Humboldt, California, donde artistas de California y de lugares internacionales producen murales y arte callejero durante un período de una semana. En 2018, veinticuatro artistas crearon veintidós instalaciones de arte público en el casco antiguo de la ciudad, con especial énfasis en Opera Alley. El festival 2019 concentró sus actividades en la región Centro.
Películas documentales
- Rash (2005), un largometraje documental producido por Mutiny Media, investiga la importancia cultural del arte callejero y el graffiti australiano.
- Bomb It (2008), una película documental, examina el graffiti y las prácticas del arte callejero a nivel mundial.
- Exit Through the Gift Shop (2010), un documental del artista Banksy, narra la historia de Thierry Guetta.
- Style Wars (1983), un documental de PBS, describe a los artistas del graffiti en la ciudad de Nueva York, incluidos Seen, Kase2, Dez y Dondi.
- Obey Giant (2017), un documental, explora la vida y carrera de Shepard Fairey, un destacado artista callejero, ilustrador, diseñador gráfico, activista y fundador de OBEY Clothing.
Referencias
Referencias
- Arte callejero de Costa Rica, CR – danscape (Archivado el 9 de noviembre de 2021)
- Arte Callejero de Costa Rica, CR – danscape Archivado el 9 de noviembre de 2021 en Wayback Machine