Mannerism

Le maniérisme désigne un style artistique répandu dans l'art européen, originaire d'Italie au cours de la dernière phase de la Haute Renaissance, vers 1520. Son influence s'est étendue vers 1530 et a persisté jusqu'à la fin du XVIe siècle en Italie, date à laquelle le style baroque l'a largement supplanté. Cependant, le maniérisme du Nord a étendu sa présence jusqu'au début du XVIIe siècle.

Le maniérisme est un style de l'art européen qui a émergé dans les dernières années de la Haute Renaissance italienne vers 1520, s'est répandu vers 1530 et a duré jusqu'à la fin du XVIe siècle environ en Italie, lorsque le style baroque l'a largement remplacé. Le maniérisme du Nord s'est poursuivi jusqu'au début du XVIIe siècle.

Ce mouvement artistique englobe diverses méthodologies, à la fois influencées et en réaction contre les principes harmonieux caractéristiques des maîtres de la Haute Renaissance comme Léonard de Vinci, Raphaël, Vasari et le début de Michel-Ange. Alors que l'art de la Haute Renaissance donne la priorité aux proportions, à l'équilibre et à la beauté idéalisée, le maniérisme amplifie fréquemment ces attributs, conduisant à des compositions souvent asymétriques ou possédant une élégance contre nature. Se distinguant par ses caractéristiques artificielles plutôt que naturalistes, ce style privilégie la tension et l'instabilité de la composition par rapport à l'équilibre et à la clarté évidents dans la peinture précédente de la Renaissance. Dans les domaines de la littérature et de la musique, le maniérisme est reconnu pour ses caractéristiques stylistiques élaborées et sa complexité intellectuelle.

La définition précise du maniérisme et ses étapes de développement internes restent controversées parmi les historiens de l'art. Par exemple, certains universitaires ont étendu cette désignation à des formes littéraires spécifiques des premiers temps modernes, en particulier à la poésie et aux compositions musicales des XVIe et XVIIe siècles. En outre, le terme décrit certains peintres du gothique tardif actifs en Europe du Nord entre 1500 et 1530 environ, notamment les maniéristes anversois, un collectif distinct du mouvement italien. De manière analogue, le maniérisme a également été associé à l'âge d'argent de la littérature latine.

Nomenclature

Le terme « maniérisme » vient du mot italien maniera, qui signifie « style » ou « manière ». Semblable à son homologue anglais, maniera peut désigner soit une catégorie stylistique particulière (par exemple, un style élégant ou dur), soit une qualité inhérente ne nécessitant aucune autre spécification (par exemple, posséder un « style »). Dans la deuxième édition de 1568 de son œuvre phare, Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes, Giorgio Vasari a employé maniera de trois manières distinctes : pour faire référence à la méthode ou à l'approche de travail d'un artiste ; pour caractériser un style individuel ou collectif, comme l'expression maniera greca pour le style médiéval italo-byzantin, ou simplement la maniera de Michel-Ange ; et transmettre une évaluation positive de la valeur artistique. Vasari, lui-même artiste maniériste, a qualifié sa période contemporaine de « la maniera moderna » ou de « style moderne ». James V. Mirollo explique comment les poètes de la « Bella maniera » se sont efforcés de dépasser la virtuosité des sonnets de Pétrarque. Ce concept de « Bella maniera » implique que les artistes, s'inspirant de ce principe, ont cherché à imiter et à affiner les œuvres de leurs prédécesseurs plutôt que de s'engager directement avec la nature. Fondamentalement, "Bella maniera" impliquait la synthèse d'éléments supérieurs provenant de diverses sources pour créer de nouvelles expressions artistiques.

Définir le "maniérisme" en tant que classification stylistique présente des défis considérables. L'historien suisse Jacob Burckhardt a initialement employé ce terme, qui a pris de l'importance auprès des historiens de l'art allemands au début du XXe siècle. Son objectif était de catégoriser l'art italien du XVIe siècle, apparemment inclassable, un art qui s'écartait des méthodologies harmonieuses et rationnelles caractéristiques de la Haute Renaissance. La « Haute Renaissance » elle-même désignait une époque marquée par l'harmonie, la magnificence et une résurgence de l'antiquité classique. John Shearman a ensuite redéfini le terme « maniériste » en 1967, un développement qui a suivi l'exposition de peintures maniéristes de 1965 organisée par Fritz Grossmann à la Manchester City Art Gallery.

Néanmoins, le consensus scientifique reste insaisissable quant à savoir si le maniérisme constitue un style distinct, un mouvement spécifique ou une période historique entière. Certains érudits l'ont également désigné comme la « Fin de la Renaissance ». Malgré la controverse en cours, le terme continue d'être largement appliqué pour caractériser l'art et la culture européens au XVIe siècle.

Origine et développement

Vers la fin de la Haute Renaissance, les artistes émergents se sont trouvés confrontés à un dilemme artistique important, percevant que toutes les réalisations imaginables avaient déjà été réalisées. Aucun autre problème technique ou conceptuel ne semblait rester sans solution. La compréhension profonde de l’anatomie, de l’éclairage, de la physionomie et la représentation nuancée de l’émotion humaine à travers l’expression et le geste, parallèlement à l’application innovante de la forme humaine dans des compositions figuratives et à la maîtrise de subtiles gradations tonales, avaient collectivement approché la perfection. Par conséquent, ces jeunes artistes ont été contraints d’identifier de nouveaux objectifs artistiques et d’explorer de nouvelles méthodologies. C'est à ce moment-là que le maniérisme commença à se manifester, ce style distinctif se développant entre 1510 et 1520, originaire soit de Florence, de Rome, soit simultanément des deux centres urbains.

Origines et modèles

Cette époque artistique a été caractérisée comme une « extension naturelle » des œuvres d'Andrea del Sarto, Michel-Ange et Raphaël. Michel-Ange, en particulier, a cultivé au début de sa carrière un style profondément original, qui a d'abord suscité une immense admiration, puis est devenu un sujet fréquent de copie et d'imitation par les artistes contemporains. Parmi les qualités les plus vénérées par ses pairs figurait sa terribilità, un profond sentiment de grandeur impressionnante, que les artistes ultérieurs se sont efforcés d'imiter. De nombreux artistes ont assimilé le style passionné et hautement individualisé de Michel-Ange en copiant ses chefs-d'œuvre, une méthode pédagogique conventionnelle pour les étudiants en peinture et en sculpture. Le plafond de sa chapelle Sixtine offrait de nombreux exemples d'émulation, notamment ses représentations des personnages rassemblés souvent appelés ignudi et la Sibylle libyenne, ainsi que son vestibule de la bibliothèque Laurentienne, les figures sculpturales de ses tombeaux Médicis et, par excellence, son Jugement dernier. Les œuvres ultérieures de Michel-Ange ont donc servi de modèle primordial pour le maniérisme. On savait que de jeunes artistes entraient illégalement dans sa résidence et volaient ses dessins. Dans son ouvrage fondateur, Vies des plus éminents peintres, sculpteurs et architectes, Giorgio Vasari a documenté l'affirmation de Michel-Ange : "Ceux qui suivent ne peuvent jamais ignorer celui qu'ils suivent."

L'esprit de compétition

Une philosophie de compétition a été encouragée par les mécènes qui ont incité les artistes sponsorisés à mettre en valeur leurs compétences techniques virtuoses et à se battre pour les commandes. Cette dynamique a poussé les artistes à rechercher des approches innovantes, aboutissant à des scènes dramatiquement éclairées, des vêtements et des compositions élaborés, des proportions allongées, des poses hautement stylisées et une ambiguïté délibérée de perspective. Par exemple, le gonfalonier Piero Soderini a chargé Léonard de Vinci et Michel-Ange de décorer un mur de la salle des Cinq-Cents à Florence. Ces deux artistes étaient positionnés pour peindre côte à côte, en concurrence directe, intensifiant ainsi l'élan vers une innovation maximale.

Maniérisme primitif

Les premiers maniéristes de Florence, en particulier les élèves d'Andrea del Sarto tels que Jacopo da Pontormo et Rosso Fiorentino, se distinguent par leur utilisation de formes allongées, de poses précairement équilibrées, d'une perspective comprimée, de décors illogiques et d'éclairage théâtral. Parallèlement, Parmigianino, élève du Corrège, et Giulio Romano, principal assistant de Raphaël, poursuivent des trajectoires esthétiques stylisées de manière similaire à Rome. Ces artistes ont mûri sous l'influence omniprésente de la Haute Renaissance, et leur production stylistique a été caractérisée soit comme une réaction contre elle, soit comme une extension exagérée de ses principes. Plutôt que d’observer directement la nature, les jeunes artistes ont commencé à étudier la sculpture hellénistique et les peintures des maîtres du passé. Par conséquent, ce style est fréquemment identifié comme « anticlassique », même s’il était perçu à l’époque comme une évolution naturelle de la Haute Renaissance. Cette première phase expérimentale du maniérisme, reconnue pour ses formes « anticlassiques », a persisté jusque vers 1540 ou 1550 environ. Marcia B. Hall, professeur d'histoire de l'art à l'Université Temple, observe dans son livre Après Raphael que la disparition prématurée de Raphael a marqué l'avènement du maniérisme à Rome.

Les analyses historiques indiquent que le maniérisme est apparu au début du XVIe siècle, coïncidant avec d'importantes transformations sociales, scientifiques, religieuses et politiques, notamment l'héliocentrisme copernicien, le sac de Rome en 1527 et le défi croissant posé par la Réforme protestante à l'autorité de l'Église catholique. Par conséquent, les formes allongées et déformées caractéristiques du style étaient auparavant comprises comme une réponse directe aux compositions idéalisées dominantes dans l'art de la Haute Renaissance. Cependant, cette interprétation du changement stylistique radical autour de c. 1520 n'est plus largement acceptée par les chercheurs, même si les premières œuvres maniéristes restent nettement divergentes des conventions de la Haute Renaissance. L'accessibilité et l'équilibre harmonieux illustrés par l'École d'Athènes de Raphaël, par exemple, ont cessé de captiver les artistes émergents.

Haute Manière

La deuxième phase du maniérisme se distingue généralement de sa période initiale, souvent qualifiée de « anticlassique ». Les artistes maniéristes ultérieurs ont mis l'accent sur la sophistication intellectuelle et la virtuosité technique, caractéristiques qui ont incité les critiques ultérieurs à décrire leur travail comme présentant une « manière » artificielle et affectée (maniera). Ces praticiens de Maniera considéraient Michel-Ange, leur aîné contemporain, comme leur principal exemple artistique, créant ainsi un art qui imitait d'autres arts plutôt que d'imiter directement la nature. L'historien de l'art Sydney Joseph Freedberg postule que la dimension intellectuelle de l'art maniera repose sur la reconnaissance et l'appréciation par le public de ces allusions visuelles – un motif familier situé dans un contexte inconnu, encadré par « des guillemets invisibles, mais ressentis ». Une des caractéristiques de l'artifice de Maniera est la propension du peintre à recontextualiser intentionnellement les citations artistiques. Agnolo Bronzino et Giorgio Vasari incarnent cette tendance Maniera, qui a prévalu d'environ 1530 à 1580. Principalement cultivé dans les cours européennes et les milieux intellectuels, l'art Maniera combine une élégance accrue avec une attention méticuleuse à la surface et aux détails complexes : des personnages à la peau semblable à de la porcelaine sont souvent représentés allongés dans une lumière tamisée et uniforme, reconnaissant le spectateur avec un regard détaché, si un contact visuel direct est établi. Les sujets de Maniera véhiculent rarement une émotion forte, ce qui conduit à ce que les œuvres de cette veine soient souvent qualifiées de « froides » ou de « distantes ». Cela illustre le « style élégant » ou Maniera mature.

Diffusion

En Italie, Rome, Florence et Mantoue ont servi de centres pivots pour l'art maniériste, tandis que la peinture vénitienne, illustrée par la longue carrière du Titien, a suivi une trajectoire distincte. Le sac de Rome en 1527 a incité de nombreux premiers artistes maniéristes, actifs dans la ville dans les années 1520, à partir. Leur dispersion ultérieure à travers le continent à la suite de commandes a facilité la diffusion de leur style dans toute l'Italie et l'Europe du Nord, faisant du maniérisme le premier mouvement artistique international depuis la période gothique. Même si certaines régions d’Europe du Nord manquaient d’engagement direct avec les artistes italiens, l’esthétique maniériste imprégnait les estampes et les livres illustrés. Les monarques européens et d'autres mécènes ont acquis des œuvres d'art italiennes, tandis que les artistes d'Europe du Nord ont continué à entreprendre des voyages en Italie, contribuant ainsi à une diffusion plus large du style. La présence d'artistes italiens individuels travaillant dans le Nord a également favorisé l'émergence du maniérisme du Nord ; par exemple, François Ier de France a reçu en cadeau Vénus, Cupidon, Folie et Temps de Bronzino. En Italie, le style a commencé à décliner après 1580, alors qu'une nouvelle génération d'artistes, dont les frères Carracci, Caravaggio et Cigoli, a initié un renouveau du naturalisme. Walter Friedlaender a qualifié cette époque ultérieure d'« anti-maniérisme », établissant un parallèle avec la position « anticlassique » des premiers maniéristes qui ont réagi contre les principes esthétiques de la Haute Renaissance. Aujourd'hui, les frères Carracci et le Caravage sont largement reconnus pour avoir inauguré la transition vers la peinture baroque, qui est devenue le style dominant vers 1600.

Au-delà de l'Italie, cependant, le maniérisme a persisté jusqu'au XVIIe siècle. En France, où Rosso travaillait pour la cour de Fontainebleau, le style est reconnu comme le « style Henri II » et a exercé une influence notable sur l'architecture. Les principaux centres continentaux du maniérisme du Nord comprenaient la cour de Rodolphe II à Prague, aux côtés de Haarlem, Anvers et Dantzig (Gdańsk). La classification du maniérisme est moins fréquemment attribuée aux arts visuels et décoratifs anglais, qui emploient généralement des désignations indigènes comme « élisabéthain » et « jacobéen ». Une exception notable est le maniérisme artisanal du XVIIe siècle, un terme appliqué aux pratiques architecturales qui s'inspiraient de livres de modèles plutôt que de précédents établis en Europe continentale.

L'influence flamande à Fontainebleau a notamment intégré l'érotisme caractéristique du style français avec une forme naissante de la tradition vanitas, qui est ensuite devenue un thème dominant dans la peinture hollandaise et flamande du XVIIe siècle. Durant cette période, le concept du pittore vago était très répandu, faisant référence aux peintres du Nord qui s'assimilaient dans des ateliers en France et en Italie, contribuant ainsi au développement d'un style artistique véritablement international.

Sculpture

À l'image des développements de la peinture, la première sculpture maniériste italienne représentait en grande partie une tentative de forger un style distinctif surpassant les réalisations de la Haute Renaissance, en particulier celles de Michel-Ange en sculpture. Cette lutte artistique s'est fréquemment manifestée dans les commandes pour la Piazza della Signoria à Florence, adjacente au David de Michel-Ange. Baccio Bandinelli a assumé la commande d'Hercule et Cacus directement de Michel-Ange ; cependant, son accueil n'a pas été plus favorable à l'époque qu'il ne l'est aujourd'hui, Benvenuto Cellini le qualifiant de "sac de melons". Malgré ces critiques, l'œuvre a exercé une influence durable en introduisant apparemment des panneaux en relief sur les socles des statues. Conformément à d'autres créations maniéristes, y compris celle de Bandinelli, cette sculpture impliquait un enlèvement de matière beaucoup plus important du bloc d'origine que celui habituellement employé par Michel-Ange. À l'inverse, le bronze Persée avec la tête de Méduse de Cellini se présente comme un chef-d'œuvre incontesté, conçu pour être apprécié sous huit points de vue distincts - une caractéristique du design maniériste - et présente une stylisation artificielle lorsqu'il contraste avec les sculptures David de Michel-Ange et Donatello. Initialement formé comme orfèvre, la célèbre Salière en or et émail de Cellini (1543) a marqué son œuvre sculpturale inaugurale, mettant en valeur ses prouesses artistiques exceptionnelles.

Les petites figures en bronze, représentant fréquemment des sujets mythologiques avec des nus pour les armoires des collectionneurs, constituaient une forme d'art répandue à la Renaissance. Giambologna, artiste flamand qui a établi sa carrière à Florence, excellait particulièrement dans ce genre au cours de la seconde moitié du siècle. De plus, il a réalisé des sculptures grandeur nature, dont deux ont été intégrées à la collection exposée sur la Piazza della Signoria. Giambologna et ses adeptes ont développé des interprétations élégantes et allongées de la figura serpentinata, mettant souvent en vedette deux figures entrelacées, conçues pour offrir un intérêt visuel convaincant sous de multiples perspectives.

Premiers théoriciens

Giorgio Vasari

Les perspectives de Giorgio Vasari sur l'art de la peinture sont évidentes dans les éloges qu'il adresse à ses collègues artistes dans son ouvrage en plusieurs volumes, Vies des artistes. Il a postulé que l'excellence artistique nécessitait un raffinement, une abondance d'invention (invenzione) véhiculée par une technique virtuose (maniera) et la manifestation de l'intellect et d'une étude diligente dans l'œuvre d'art achevée. Ces critères soulignent collectivement la capacité intellectuelle de l'artiste et le goût avisé du mécène. Les artistes n'étaient plus simplement des membres qualifiés d'une guilde locale de Saint-Luc ; au lieu de cela, ils ont accédé à des positions au sein des cercles courtois, s'associant avec des érudits, des poètes et des humanistes, dans un environnement qui cultivait une appréciation de la sophistication et de la complexité. Les armoiries des mécènes Médicis de Vasari sont bien en évidence au sommet de son portrait, presque comme s'il s'agissait de son emblème personnel. Le cadrage de l'illustration gravée sur bois des Vies de Vasari serait classé comme « jacobéen » dans un contexte anglophone. Cet encadrement intègre des éléments architecturaux « anti-architecturaux » au sommet, un cadre perforé semblable à du papier et des nus de satyres à la base, tous inspirés des tombeaux Médicis de Michel-Ange. En tant que simple cadre, son extravagance est prononcée, incarnant l'essence du maniérisme.

Gian Paolo Lomazzo

Gian Paolo Lomazzo, une autre figure littéraire importante de l'époque, est l'auteur de deux œuvres distinctes, l'une pratique et l'autre métaphysique, qui ont joué un rôle déterminant dans l'articulation de la relation introspective de l'artiste maniériste avec son métier. Son Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milan, 1584) fonctionne en partie comme un manuel sur le décorum contemporain, un concept partiellement hérité de l'Antiquité par la Renaissance mais considérablement développé par le maniérisme. La codification esthétique systématique de Lomazzo, caractéristique des méthodologies de plus en plus formalisées et académiques prédominantes à la fin du XVIe siècle, a souligné l'importance de l'harmonie entre les fonctions intérieures et les décorations peintes ou sculptées appropriées. Une iconographie complexe et souvent obscure est devenue une caractéristique plus prononcée dans les styles maniéristes. Son œuvre ultérieure, plus métaphysique, Idea del tempio della pittura (Le temple idéal de la peinture, Milan, 1590), explore la nature humaine et la personnalité à travers le prisme de la théorie des « quatre tempéraments », délimitant ainsi l'importance de l'individualité dans le jugement artistique et l'innovation.

Caractéristiques des œuvres d'art maniéristes

Le maniérisme est apparu comme un mouvement anticlassique, s'écartant considérablement des principes esthétiques de la Renaissance. Bien qu'initialement reçu favorablement, notamment à travers les écrits de Vasari, le maniérisme a ensuite suscité des perceptions négatives, étant considéré simplement comme « une altération de la vérité naturelle et une répétition banale de formules naturelles ». En tant que phénomène artistique, le maniérisme englobe de nombreuses caractéristiques distinctives qui reflètent une approche expérimentale de la perception artistique. Ce qui suit énumère plusieurs caractéristiques spécifiques fréquemment employées par les artistes maniéristes dans leurs créations.

• L'allongement des figures : une caractéristique importante de l'art maniériste était l'allongement de la figure humaine, qui aboutissait parfois à des images particulières ou non conventionnelles.
• Distorsion de la perspective : en peinture, la manipulation de la perspective servait à étudier les idéaux concernant la création d'arrangements spatiaux parfaits. Néanmoins, cette quête de perfection s’est parfois manifestée par la génération de compositions visuelles distinctives. Le raccourci était une technique fréquemment utilisée pour obtenir une telle distorsion. En cas de distorsion extrême, les images résultantes pourraient devenir presque indéchiffrables.
• Fonds noirs : les artistes maniéristes utilisaient fréquemment des fonds noirs plats pour obtenir des contrastes marqués dans les contours, améliorant ainsi les scènes dramatiques. Ces arrière-plans sombres contribuent également à créer une atmosphère éthérée ou fantastique au sein du sujet représenté.
• Utilisation de l'obscurité et de la lumière : de nombreux artistes maniéristes ont cherché à évoquer l'essence nocturne à travers une illumination délibérée, conférant souvent aux scènes une qualité fantastique. Un accent particulier a été mis sur le rendu de la lumière des torches et du clair de lune pour renforcer l'effet dramatique.
• Formes sculpturales : le maniérisme a montré une influence significative de la sculpture, un médium qui a connu un regain de popularité au cours du XVIe siècle. Par conséquent, les artistes maniéristes modelaient fréquemment leurs représentations du physique humain sur des sculptures et des gravures existantes. Cette pratique leur a permis de se concentrer sur l'obtention d'un sens accru de la tridimensionnalité.
• Clarté des lignes : une caractéristique notable du maniérisme était l'attention méticuleuse accordée aux contours précis des personnages, ce qui le distinguait considérablement des styles baroque et de la haute Renaissance. Ces contours distincts permettaient souvent de mettre davantage l'accent sur des détails complexes.
• Composition et espace : les artistes maniéristes se sont délibérément écartés des idéaux de la Renaissance, en particulier de la convention de la perspective à un point. Au lieu de cela, leur attention s'est déplacée vers les effets atmosphériques et la distorsion délibérée de la perspective. Les dispositions spatiales des œuvres maniéristes favorisaient ainsi soit des compositions densément peuplées présentant de nombreuses formes et figures, soit des compositions clairsemées mettant en valeur des fonds noirs.
• Mouvement maniériste : le profond intérêt pour la locomotion humaine a souvent conduit les artistes maniéristes à représenter des poses serpentines distinctives. Ces figures souvent instables, par leurs mouvements dynamiques, impliquent fréquemment des mouvements ultérieurs. De plus, cette technique illustre l'approche expérimentale des artistes en matière de forme.
• Cadres peints : dans certaines créations maniéristes, des cadres peints étaient intégrés pour s'harmoniser avec l'arrière-plan de l'œuvre d'art, devenant parfois une partie intrinsèque de la composition globale. Cette intégration était particulièrement évidente lorsque les détails complexes étaient une priorité.
• Les artistes maniéristes utilisaient fréquemment le sfumato, une technique caractérisée par « le rendu de contours ou de surfaces doux et flous », pour représenter le flux de lumière dans leurs compositions.
• Au-delà de l'expérimentation de la forme, de la composition et de la lumière, le maniérisme a étendu de manière unique son approche innovante de la couleur. De nombreuses œuvres d'art présentent des teintes pures et intenses de bleus, de verts, de roses et de jaunes, qui perturbent parfois le design global mais le rehaussent à d'autres moments. Lors du rendu des personnages, les artistes accentuaient fréquemment la luminosité des teints et incorporaient des nuances bleues.

Artistes éminents et œuvres exemplaires

Jacopo da Pontormo

L'œuvre de Jacopo da Pontormo représente une contribution fondamentale au maniérisme. Son sujet dérivait fréquemment de récits religieux et, significativement influencé par Michel-Ange, il faisait souvent référence ou utilisait directement des formes sculpturales comme modèles de composition. Une caractéristique distinctive de son art est la représentation de personnages dont les regards engagent souvent directement le spectateur sous plusieurs angles. Pontormo, connu pour son processus de travail méticuleux et délibéré, exprimait fréquemment des appréhensions quant à la qualité de ses créations. Son héritage durable est très estimé, ayant profondément influencé des artistes comme Agnolo Bronzino et façonné les principes esthétiques du maniérisme tardif.

Joseph en Égypte de Pontormo, achevé en 1517, présente un récit continu englobant quatre épisodes bibliques distincts illustrant les retrouvailles de Joseph avec sa famille. Le côté gauche de la composition illustre Joseph présentant sa famille au pharaon d'Égypte. À droite, Joseph est représenté au sommet d’un banc roulant, entouré de chérubins, d’autres personnages et de rochers lointains le long d’un chemin. Au-dessus de ces scènes monte un escalier en colimaçon, sur lequel Joseph guide un de ses fils vers leur mère au sommet. La scène finale, située à droite, représente les derniers moments de la vie de Jacob, observés par ses fils.

Joseph en Égypte illustre plusieurs caractéristiques maniéristes clés. Il utilise notamment des combinaisons de couleurs incongrues, avec diverses nuances de roses et de bleus dominant la toile. Une autre caractéristique maniériste est la représentation temporelle et spatiale disjointe du récit de Joseph à travers plusieurs scènes. En intégrant ces quatre récits distincts, Pontormo construit une composition dense, transmettant une impression globale de complexité visuelle et d'activité.

Rosso Fiorentino et l'École de Fontainebleau

Rosso Fiorentino, contemporain de Pontormo dans l'atelier d'Andrea del Sarto, a introduit le maniérisme florentin à Fontainebleau en 1530. Là, il est devenu une figure centrale de l'établissement du maniérisme français du XVIe siècle, connu plus tard sous le nom d'École de Fontainebleau.

L'esthétique décorative opulente et dynamique développée à Fontainebleau a propagé de manière significative le style italien. Cette diffusion s'est faite principalement par le biais des gravures, atteignant Anvers puis s'étendant à travers l'Europe du Nord, de Londres à la Pologne. Les principes de conception maniéristes ont également été appliqués aux objets de luxe, notamment à l’argenterie et aux meubles sculptés. Les traits caractéristiques de ce style englobent un sentiment accru de tension contrôlée véhiculée par un symbolisme et une allégorie complexes, ainsi qu'une représentation idéalisée de la beauté féminine marquée par des proportions allongées.

Agnolo Bronzino

Agnolo Bronzino, élève de Pontormo, a développé un style très influent qui compliquait souvent l'attribution de nombreuses œuvres d'art. Tout au long de sa carrière, Bronzino a également collaboré avec Vasari, en tant que scénographe pour la production « Comédie des magiciens », au cours de laquelle il a réalisé de nombreux portraits. Son art était très convoité et il obtint une renommée considérable lors de sa nomination comme peintre de la cour de la famille Médicis en 1539. Un trait maniériste distinctif de l'œuvre de Bronzino était sa représentation caractéristique de teints lumineux, presque laiteux.

Le tableau de Bronzino, Vénus, Cupidon, Folie et Temps, représente une scène érotique énigmatique qui provoque de nombreuses interprétations. Le premier plan représente Cupidon et Vénus sur le point de s'embrasser, apparemment interrompu en plein acte. Au-dessus d'eux, des figures mythologiques incluent le Père Temps à droite, tirant un rideau pour dévoiler le couple, et la déesse de la nuit à gauche. La composition intègre en outre une collection de masques, une créature hybride combinant les traits d'une fille et d'un serpent, et une figure en agonie intense. Diverses théories ont été proposées sur la signification du tableau, comme son commentaire potentiel sur les dangers de la syphilis ou sa fonction de diversion courtoise.

Les portraits maniéristes de Bronzino se caractérisent par une élégance tranquille et une concentration rigoureuse sur les détails complexes. Par conséquent, ses sujets véhiculent souvent une impression de détachement et de distance émotionnelle par rapport à l’observateur. Un aspect remarquable est le rendu magistral des motifs précis et de l’éclat brillant des textiles opulents. Dans Vénus, Cupidon, Folie et Temps, Bronzino emploie spécifiquement des techniques maniéristes, notamment des mouvements distinctifs, des détails méticuleux, des couleurs vibrantes et des formes sculpturales. Les postures maladroites et déformées de Cupidon et de Vénus, alors qu'ils s'embrassent partiellement, illustrent ce mouvement maniériste. Bronzino rend notamment le teint des personnages avec un blanc impeccable, semblable à celui de la porcelaine, effaçant doucement leur musculature pour évoquer la surface polie de la sculpture.

Alessandro Allori

Susanna et les aînés d'Alessandro Allori (1535-1607) se distingue par son érotisme subtil et ses éléments de nature morte délibérément frappants, le tout intégré dans une composition dense et contorsionnée.

Jacopo Le Tintoret

Jacopo Tintoretto est reconnu pour ses contributions distinctes à la peinture vénitienne, s'écartant considérablement de l'héritage du Titien. Sa production artistique, qui différait nettement de celle de ses prédécesseurs, a suscité des critiques de la part de Vasari pour son « style fantastique, extravagant et bizarre ». Le Tintoret a incorporé des éléments maniéristes dans son œuvre, s'éloignant ainsi des conventions traditionnelles de la peinture vénitienne. Il produit fréquemment des œuvres d’art mêlant éléments fantastiques et naturalisme. D'autres caractéristiques distinctives de l'œuvre du Tintoret incluent l'accent mis sur la couleur, obtenu grâce à l'application cohérente de coups de pinceau grossiers et à l'utilisation expérimentale de pigments pour générer des illusions d'optique.

La Cène du Tintoret, commandée par Michele Alabardi pour San Giorgio Maggiore en 1591, illustre les caractéristiques maniéristes. Dans cette représentation, la scène est rendue du point de vue d’un groupe positionné le long du côté droit de la composition. À gauche, le Christ et les apôtres sont assis d’un côté de la table, Judas étant visiblement isolé. Le décor majoritairement sombre présente des sources de lumière limitées, émanant notamment du halo du Christ et d'une torche suspendue au-dessus de la table.

La composition distinctive de la Dernière Cène du Tintoret affiche de manière proéminente des traits maniéristes. Une caractéristique clé employée par le Tintoret est le fond sombre. Alors que le tableau suggère un décor intérieur à travers la perspective, les bords de la composition sont largement enveloppés d'ombre, renforçant l'impact dramatique de la scène centrale de la Dernière Cène. De plus, le Tintoret utilise des projecteurs dramatiques, particulièrement évidents dans l'auréole du Christ et la torche suspendue illuminant la table. Une troisième caractéristique maniériste utilisée par le Tintoret implique la représentation atmosphérique de personnages, apparaissant comme formés de fumée et planant dans la composition.

Le Greco

El Greco, le peintre espagnol d'origine crétoise, cherchait à transmettre une émotion religieuse à travers des traits exagérés. Suite aux réalisations de la Haute Renaissance en matière de représentation humaine réaliste et de maîtrise de la perspective, certains artistes ont intentionnellement déformé les proportions dans des espaces fragmentés et illogiques pour un impact expressif et esthétique. El Greco reste un artiste profondément original, que les chercheurs contemporains décrivent comme si distinctif qu'il défie toute catégorisation au sein d'une école conventionnelle. Les principaux éléments maniéristes de l'œuvre d'El Greco comprennent une palette de couleurs « acides » discordantes, des formes anatomiques allongées et contorsionnées, une perspective et un éclairage illogiques et une iconographie énigmatique et inquiétante. Le style distinctif d'El Greco représentait une synthèse de développements artistiques uniques enracinés dans son héritage grec et ses voyages à travers l'Espagne et l'Italie.

La production artistique d'El Greco intègre divers éléments stylistiques, englobant les influences byzantines, les techniques du Caravage et du Parmigianino et les palettes de couleurs vénitiennes. L’accent mis sur la couleur était un aspect fondamental de sa peinture, qu’il considérait comme primordial. Tout au long de sa carrière, les créations d'El Greco ont constamment suscité une demande importante, conduisant à des commandes majeures, y compris celles pour des institutions comme le Colegio de la Encarnación de Madrid.

Le style de peinture distinctif d'El Greco et son alignement avec les attributs maniéristes sont évidents dans son œuvre de 1610, Laocoön. Ce tableau illustre le récit mythologique de Laocoon, qui mettait en garde les Troyens contre le péril du cheval de bois, présenté par les Grecs comme une offrande de paix à la déesse Athéna. Par conséquent, Athéna (ou son homologue romaine, Minerve) se vengea en envoyant des serpents pour tuer Laocoön et ses deux fils. Plutôt que de représenter Troie comme décor, El Greco a positionné la scène près de Tolède, en Espagne, dans l'intention « d'universaliser l'histoire en faisant ressortir sa pertinence pour le monde contemporain ».

Le style distinctif du Laocoön d'El Greco constitue une excellente illustration de nombreuses caractéristiques maniéristes. La composition présente notamment des formes humaines allongées et des mouvements serpentins, qui confèrent collectivement une impression d’élégance. De plus, la peinture présente des effets atmosphériques maniéristes à travers la représentation d'El Greco d'un ciel brumeux et d'un paysage d'arrière-plan flou.

Benvenuto Cellini

En 1540, Benvenuto Cellini a réalisé la Salière Cellini, une pièce exquise en or et en émail. Il présente des figures de Poséidon et d'Amphitrite, symbolisant l'eau et la terre, représentées dans des poses non conventionnelles et avec des proportions allongées. Cette œuvre est largement reconnue comme un chef-d'œuvre fondateur de la sculpture maniériste.

Lavinia Fontana

Lavinia Fontana (1552-1614) était une éminente portraitiste maniériste, souvent reconnue comme la première artiste féminine professionnelle d'Europe occidentale. Elle a occupé le poste estimé de portraitiste ordinaire au Vatican. Sa démarche artistique se distingue par les influences de la famille de peintres Carracci et les palettes de couleurs vibrantes caractéristiques de l'école vénitienne. Fontana est particulièrement célèbre pour ses portraits de femmes nobles et ses représentations de figures nues, un sujet considéré comme non conventionnel pour une artiste féminine de son époque.

Taddeo Zuccaro (ou Zuccari)

Taddeo Zuccaro est né à Sant'Angelo in Vado, une ville proche d'Urbino, en tant que fils d'Ottaviano Zuccari, un peintre de renommée limitée. Son frère Federico, né vers 1540, poursuivit également une carrière de peintre et d'architecte.

Federico Zuccaro (ou Zuccari)

La carrière artistique professionnelle de Federico Zuccaro a commencé en 1550, lors de son déménagement à Rome pour devenir apprenti auprès de son frère aîné, Taddeo. Par la suite, il exécute des travaux décoratifs pour le pape Pie IV et contribue à l'embellissement des fresques de la Villa Farnèse à Caprarola. De 1563 à 1565, Zuccaro est engagé à Venise, collaborant avec la famille Grimani de Santa Maria Formosa. Au cours de ce mandat vénitien, il parcourut le Frioul en compagnie de Palladio.

Joachim Wtewael

Joachim Wtewael (1566-1638) a maintenu tout au long de sa vie un style de peinture maniériste du Nord, ignorant notamment l'émergence de l'art baroque. Cette adhésion le positionne potentiellement comme le dernier artiste maniériste de premier plan à rester actif. Son œuvre comprenait de vastes compositions de natures mortes, rappelant celles de Pieter Aertsen, ainsi que des scènes mythologiques. Beaucoup de ses œuvres étaient de petites peintures d'armoire, méticuleusement réalisées sur cuivre, représentant fréquemment des personnages nus.

Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo est principalement reconnu pour ses œuvres distinctives qui intègrent des éléments de natures mortes et de portraits. Sa démarche artistique est catégorisée comme maniériste, caractérisée par un style d'assemblage où les fruits et légumes forment des compositions pouvant être interprétées dans de multiples orientations, y compris inversées. Les créations d'Arcimboldo s'alignent également sur le maniérisme par l'humour qu'elles confèrent aux spectateurs, s'éloignant du profond sérieux souvent associé à l'art de la Renaissance. Stylistiquement, ses peintures se distinguent par leur observation méticuleuse de la nature et la conceptualisation d'une « apparence monstrueuse ».

Parmi les œuvres d'Arcimboldo présentant des caractéristiques maniéristes distinctes se trouve le tableau Vertumnus. Représenté sur fond noir, il présente un portrait de Rodolphe II, dont la forme est entièrement composée de divers légumes, fleurs et fruits. L'aspect humoristique du tableau véhicule un commentaire sur le pouvoir, suggérant que l'empereur Rodolphe II cachait un moi intérieur plus sombre derrière sa personnalité publique. À l’inverse, son ton sérieux laisse présager la prospérité attendue pendant son mandat impérial.

L'œuvre d'art Vertumnus incorpore plusieurs éléments maniéristes, évidents à la fois dans sa composition et dans son contenu thématique. Une caractéristique notable est le fond plat et noir, utilisé par Arcimboldo pour souligner le statut et l'identité de l'empereur, tout en accentuant la nature fantastique de son règne. Dans ce portrait de Rodolphe II, Arcimboldo s'écarte de la représentation naturaliste typique de la Renaissance, explorant plutôt la construction compositionnelle en rendant l'empereur à partir d'un assemblage de fruits, de légumes, de plantes et de fleurs. De plus, le tableau illustre le maniérisme à travers son double récit, juxtaposant l'humour à un message sérieux, une rupture avec l'absence typique d'humour dans l'art de la Renaissance.

Architecture

L'architecture maniériste s'est distinguée par une tromperie visuelle et des éléments non conventionnels qui ont bouleversé les conventions établies de la Renaissance. Les artistes flamands, dont beaucoup avaient assimilé les innovations maniéristes lors de leurs voyages en Italie, ont joué un rôle central dans la diffusion de ces tendances à travers l'Europe au nord des Alpes, notamment dans le domaine de la conception architecturale. Au cours de cette période, les architectes ont expérimenté l'utilisation de formes architecturales pour mettre l'accent sur les relations solides et spatiales. L’accent mis par la Renaissance sur l’harmonie a cédé la place à des rythmes de composition plus fluides et imaginatifs. Michel-Ange (1475-1564), pionnier de la Bibliothèque Laurentienne, est reconnu comme l'architecte le plus éminent associé au style maniériste. On lui attribue la conception de l'ordre géant, un pilastre ou une colonne monumentale s'étendant verticalement sur plusieurs étages d'une façade, qu'il a utilisé dans sa conception de la Piazza del Campidoglio à Rome. Parallèlement, le style architectural herrerien (espagnol : estilo herreriano ou arquitectura herreriana) a émergé en Espagne au cours du dernier tiers du XVIe siècle sous le règne de Philippe II (1556-1598), persistant jusqu'au XVIIe siècle, bien que transformé par le style baroque dominant. Ce style représente la troisième et dernière phase de l'architecture de la Renaissance espagnole, caractérisée par une simplification ornementale progressive, passant du plateresque initial et du purisme classique du milieu du XVIe siècle à l'austérité décorative complète introduite par le style herrerien.

Avant le 20e siècle, le terme Maniérisme avait des connotations péjoratives ; cependant, il est maintenant utilisé pour caractériser la période historique en termes plus larges et non évaluatifs. L'architecture maniériste a également été invoquée pour décrire une tendance du milieu du XXe siècle (années 1960 et 1970) qui remettait en question et reconnaissait simultanément les conventions de l'architecture moderniste. Dans ce contexte, l'architecte et auteur Robert Venturi a défini le maniérisme comme : "Le maniérisme pour l'architecture de notre temps qui reconnaît l'ordre conventionnel plutôt que l'expression originale mais brise l'ordre conventionnel pour s'adapter à la complexité et à la contradiction et engage ainsi l'ambiguïté sans ambiguïté."

Exemples de la Renaissance

La Villa Farnèse à Caprarola, située dans la campagne romaine accidentée, constitue un exemple marquant de l'architecture maniériste. L'activité généralisée des graveurs au XVIe siècle a facilité la diffusion des styles maniéristes à un rythme sans précédent par rapport aux mouvements artistiques antérieurs.

La porte d'exposition ornée du château de Colditz, riche en détails « romains », illustre le style maniériste du nord, généralement appliqué comme un élément architectural distinct et isolé sur une maçonnerie vernaculaire sans fioritures.

À partir de la fin des années 1560, de nombreuses structures à La Valette, la nouvelle ville de Malte capitale établie, ont été conçues par l'architecte Girolamo Cassar dans le langage maniériste. Ces édifices comprennent la co-cathédrale Saint-Jean, le palais du grand maître et les sept auberges d'origine. Alors que de nombreuses constructions de Cassar ont subi des modifications ultérieures, en particulier à l'époque baroque, un certain nombre, dont l'Auberge d'Aragon et l'extérieur de la co-cathédrale Saint-Jean, préservent en grande partie l'esthétique maniériste initiale de Cassar.

Alors que de nombreux styles architecturaux explorent des idéaux harmonieux, le maniérisme va au-delà des normes stylistiques conventionnelles en explorant l'esthétique de l'hyperbole et de l'exagération. Il se distingue par sa sophistication intellectuelle et ses caractéristiques artificielles plutôt que naturalistes. Le maniérisme donne la priorité à la tension et à l'instabilité de la composition plutôt qu'à l'équilibre et à la clarté traditionnels. La définition précise du maniérisme et de ses phases internes reste un sujet de débat scientifique en cours parmi les historiens de l'art.

Le maniérisme du Nord, ou d'Anvers, a précédé et divergé du maniérisme italien. Au cours de sa prospérité économique au XVIe siècle, Anvers a développé un style distinctif, représentant la phase finale de la peinture des Pays-Bas tout en incorporant des éléments de la première Renaissance. Anvers a servi de canal crucial pour la diffusion généralisée des styles Renaissance et maniériste à travers l'Angleterre, l'Allemagne et l'Europe du Nord et de l'Est dans son ensemble.

Littérature et musique

Le maniérisme littéraire comprenait des personnalités éminentes telles que Michel-Ange, Clément Marot, Giovanni della Casa, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso, Veronica Franco et Miguel de Cervantes, entre autres.

Dans la littérature anglaise, le maniérisme est fréquemment associé aux caractéristiques des « poètes métaphysiques », John Donne étant le plus célèbre. Une distinction concise entre les objectifs artistiques baroques et maniéristes est fournie par la critique astucieuse de John Dryden, un écrivain baroque, adressée à la poésie de John Donne de la génération précédente :

Il touche à la métaphysique, non seulement dans ses satires mais dans ses vers amoureux, où seule la nature devrait régner ; et rend perplexe les esprits du beau sexe avec de gentilles spéculations de philosophie alors qu'il devrait engager leurs cœurs et les divertir avec les douceurs de l'amour.

L'abondant potentiel musical inhérent à la poésie de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle offrait une base convaincante au madrigal. Cette forme a rapidement pris de l'importance en tant que genre musical majeur dans la culture italienne, comme l'a observé Tim Carter : 

Le madrigal, en particulier dans son aspect aristocratique, était évidemment un véhicule du « style élégant » du maniérisme, avec des poètes et des musiciens se délectant de vanités pleines d'esprit et d'autres astuces visuelles, verbales et musicales pour ravir les connaisseurs.

Le terme « maniérisme » a également été appliqué pour caractériser la musique polyphonique très ornée et complexe en contrapuntique composée à la fin du 14e siècle en France. Cette époque est désormais plus communément désignée sous le nom de ars subtilior.

Maniérisme et théâtre

La Première Commedia dell'Arte (1550-1621) : Le contexte maniériste de Paul Castagno examine l'influence du maniérisme sur le théâtre professionnel contemporain. Les recherches de Castagno ont marqué la première tentative de catégoriser une forme théâtrale comme maniériste, en utilisant la terminologie du maniérisme et de la *maniera* pour analyser la typification, l'exagération et l'effetto meraviglioso inhérents aux comici dell'arte. L'étude est principalement iconographique, offrant des preuves picturales que de nombreux artistes responsables de la peinture ou de l'impression d'images *commedia* sont issus d'ateliers contemporains profondément ancrés dans la tradition *maniera*.

Les détails complexes des minuscules gravures de Jacques Callot semblent suggérer une échelle d'action bien plus grande. Le Balli di Sfessania de Callot (lit.'danse des fesses') dépeint l'érotisme manifeste de la *commedia* à travers des éléments tels que des phallus saillants, des lances positionnées avec l'implication d'une pénétration comique et de manière grotesque. des masques exagérés qui fusionnent des caractéristiques bestiales et humaines. L'érotisme associé aux innamorates (« amants »), manifesté à travers des éléments tels que des seins nus ou des voiles élaborés, était très à la mode dans les peintures et gravures de la deuxième école de Fontainebleau, notamment celles présentant une influence franco-flamande. Castagno établit des liens iconographiques entre la peinture de genre et les figures de la *commedia dell'arte*, illustrant comment cette forme théâtrale était profondément intégrée dans les traditions culturelles du dernier *cinquecento*.

Commedia dell'arte, disegno interno et la discordia concors

Des corrélations significatives existent entre le disegno interno, qui a remplacé le disegno esterno (conception externe) dans la peinture maniériste. Ce concept implique de projeter une perspective profondément subjective qui outrepasse les formes naturelles ou les principes établis (comme la perspective linéaire), déplaçant ainsi l'accent de l'objet vers son sujet et mettant en valeur l'exécution, la virtuosité ou les techniques distinctives. Cette vision interne est fondamentale à la performance commedia. Par exemple, lors d'une improvisation, un acteur fait preuve de virtuosité sans adhérer aux contraintes formelles, au décorum, à l'unité ou à un texte prescrit. Arlequin incarnait le maniériste discordia concors (l'union des contraires) ; il pouvait être doux et bienveillant un instant, puis se transformer brusquement en un voleur violent s'engageant dans un conflit. Arlequin pouvait faire preuve de mouvements gracieux, pour ensuite trébucher maladroitement l'instant suivant. Libéré des régulations extérieures, l'acteur a célébré la nature éphémère du moment, tout comme Benvenuto Cellini captivait ses clients en drapant ses sculptures et en les révélant avec un éclairage dramatique et un sentiment d'émerveillement. La présentation d'un objet est ainsi devenue aussi cruciale que l'objet lui-même.

Néo-Maniérisme

Au XXe siècle, l'émergence du néo-maniérisme trouve son origine dans l'artiste Ernie Barnes. Le style a été profondément influencé par les communautés juive et afro-américaine, culminant avec l'exposition « La beauté du ghetto », qui a tourné entre 1972 et 1979. Cette exposition a voyagé dans les grandes villes américaines et a reçu le patronage de dignitaires, d'athlètes professionnels et de célébrités. Lorsque l'exposition a été présentée en 1974 au Musée d'art africain de Washington, D.C., le représentant John Conyers a souligné son message positif significatif dans le Congressional Record.

Le style néo-maniériste, tel que développé par Barnes, présente des sujets caractérisés par des membres et des corps allongés, ainsi que par des mouvements exagérés. Un autre motif récurrent est celui des yeux fermés des sujets, symbolisant « à quel point nous sommes aveugles à l'humanité des autres ». Barnes a exprimé cela ainsi : "Nous nous regardons et décidons immédiatement : cette personne est noire, donc elle doit être ... Cette personne vit dans la pauvreté, donc elle doit être ...".

Théâtre et cinéma

Dans une interview, le réalisateur Peter Greenaway a cité Federico Fellini et Bill Viola comme principales sources d'inspiration pour son exploration approfondie et autoréférentielle de la tension inhérente entre la structure de la base de données des images et les diverses interfaces analogiques et numériques qui les organisent cinématographiquement. Cet engagement peut être qualifié de néo-maniériste précisément parce qu'il se distingue du (néo-)baroque : « Tout comme le catholicisme romain vous offrirait le paradis, il existe un paradis commercial équivalent offert dans une large mesure par tout l'effet capitaliste associé au cinéma occidental. C'est mon analogie politique en termes d'utilisation du multimédia comme arme politique. ce qu'il a fait principalement au cours des soixante-dix dernières années."

Comme terme de critique

Selon le critique d'art Jerry Saltz, le « néo-maniérisme » (nouveau maniérisme) fait partie des clichés qui « arrachent la vie au monde de l'art ». Saltz définit le néo-maniérisme comme un art du 21e siècle produit par des étudiants dont les professeurs universitaires « les ont effrayés et les ont amenés à être agréablement doux, imitatifs et ordinaires ».

Contre-Maniera

• Contre-Manière
• Architecture et sculpture maniéristes en Pologne
• Chronologie des artistes italiens jusqu'en 1800
• Le maniérisme au Brésil
• Philippe Millereau
• Art de la fin du XVIe siècle à Milan

Notes de bas de page

Références

• Un article intitulé « Maniérisme : Bronzino (1503-1572) et ses contemporains » du Metropolitan Museum of Art.