Neoclassicism

Le néoclassicisme, alternativement rendu par Néo-classicisme, s'est manifesté comme un phénomène culturel occidental important à travers les arts décoratifs et visuels, la littérature, le théâtre, la musique et l'architecture, tirant ses principes fondateurs de l'héritage artistique et culturel de l'Antiquité classique. Ce mouvement est né à Rome, fortement influencé par les contributions scientifiques de Johann Joachim Winckelmann au milieu des redécouvertes archéologiques de Pompéi et d'Herculanum. Son influence s'est ensuite répandue à travers l'Europe alors que les étudiants en art terminaient leur Grand Tour, rapatriés d'Italie, imprégnés d'idéaux esthétiques gréco-romains nouvellement appréciés. Le principal courant néoclassique s'est développé à partir du siècle des Lumières du XVIIIe siècle, atteignant son apogée entre le début et le milieu du XIXe siècle, pour finalement s'engager dans une rivalité stylistique avec le romantisme. Dans le domaine architectural, ce style a fait preuve d'une longévité remarquable, persistant tout au long des 19e et 20e siècles, et s'étendant jusqu'au 21e.

Le néoclassicisme européen, en particulier dans les arts visuels, a commencé vers c. 1760, émergeant comme un contrepoint direct à l'esthétique rococo dominante. Alors que l'architecture rococo donnait la priorité à la grâce, à l'ornementation élaborée et à l'asymétrie, l'architecture néoclassique était fondamentalement structurée sur les principes de simplicité et de symétrie. Ces dernières qualités étaient considérées comme des vertus inhérentes aux traditions artistiques de la Rome antique et de la Grèce antique, directement influencées par le classicisme de la Renaissance du XVIe siècle. Chaque mouvement « néo » classique adopte sélectivement certains modèles du répertoire classique disponible tout en en ignorant d'autres. De 1765 à 1830, les adeptes du néoclassicisme, notamment des écrivains, des orateurs, des mécènes, des collectionneurs, des artistes et des sculpteurs, vénéraient une idée de l'ère artistique associée à Phidias ; cependant, les exemples sculpturaux qu'ils préféraient étaient souvent des reproductions romaines d'œuvres hellénistiques. Parallèlement, ils ont largement négligé l’art grec archaïque et les créations de l’Antiquité tardive. Une révélation importante s'est produite avec la découverte de l'art de style « rococo » de l'ancienne Palmyre, diffusé à travers les gravures de l'œuvre phare de Robert Wood, Les ruines de Palmyre. Étant donné que la Grèce restait largement inexplorée et était perçue comme une région périlleuse au sein de l'Empire ottoman, la compréhension des néoclassiques de l'architecture grecque reposait principalement sur des dessins et des gravures. Ces représentations ont souvent subtilement raffiné, régularisé, « corrigé » et « restauré » des monuments grecs, parfois sans intention consciente.

Le style Empire, représentant une phase ultérieure du néoclassicisme dans l'architecture et les arts décoratifs, était culturellement centré à Paris à l'époque napoléonienne. Le néoclassicisme a maintenu son influence bien au-delà du début du XIXe siècle, en particulier dans l'architecture mais aussi dans d'autres disciplines, connaissant des périodes récurrentes de revivalisme tout au long du XXe et même au XXIe siècle, notamment aux États-Unis et en Russie.

Historique

Le néoclassicisme constitue une résurgence des divers styles et éthos de l'Antiquité classique, s'inspirant directement de la période classique. Ce renouveau a coïncidé avec et reflété les avancées philosophiques et autres avancées intellectuelles du siècle des Lumières, émergeant initialement comme une réponse aux excès perçus du style rococo précédent. Bien que le mouvement soit souvent caractérisé comme le pendant antithétique du romantisme, cette perspective représente une simplification excessive qui s'avère souvent intenable après un examen plus approfondi d'artistes spécifiques ou de leurs œuvres. La carrière d’Ingres, souvent considéré comme l’un des principaux représentants du néoclassicisme tardif, illustre particulièrement cette complexité. Les origines de ce renouveau peuvent être liées à l'établissement formel de l'archéologie.

Giovanni Pietro Bellori, archéologue et théoricien de l'art italien, est reconnu comme un précurseur du néoclassicisme. En 1664, il présente une conférence sur « l'idéal » dans l'art à l'Académie Saint-Luc de Rome, qui devient par la suite un exposé fondateur de la théorie de l'art idéaliste. Le discours de Bellori a exercé une profonde influence sur la pensée universitaire européenne et a ensuite servi de fondement théorique aux principes néoclassiques préconisés par Winckelmann.

Les contributions scientifiques de Johann Joachim Winckelmann ont joué un rôle déterminant dans l'élaboration de ce mouvement dans les domaines artistiques architecturaux et visuels. Ses œuvres phares, Pensées sur l'imitation des œuvres grecques en peinture et en sculpture (1755) et Geschichte der Kunst des Alterthums ("Histoire de l'art ancien", 1764), furent les premières à faire une distinction distincte entre l'art grec ancien et l'art romain. Ces textes établissent également des périodes chronologiques au sein de l’art grec, traçant une trajectoire de développement depuis la croissance initiale jusqu’à la maturité, suivie de phases d’imitation ou de décadence – un cadre conceptuel qui continue d’influencer la compréhension contemporaine. Winckelmann a préconisé une recherche artistique de « noble simplicité et de grandeur calme », vantant l'idéalisme inhérent à l'art grec. Il affirmait que l'art grec révélait « non seulement la nature dans ce qu'elle a de plus beau, mais aussi quelque chose au-delà de la nature, à savoir certaines formes idéales de sa beauté, qui, comme nous l'enseigne un ancien interprète de Platon, proviennent d'images créées par l'esprit seul ». Même si les fondements théoriques n'étaient pas nouveaux dans l'art occidental, l'insistance de Winckelmann sur une émulation rigoureuse des prototypes grecs était révolutionnaire, résumée dans son affirmation : « La seule façon pour nous de devenir grands, ou si cela est possible, inimitables, est d'imiter les anciens. »

La révolution industrielle a déclenché une transformation économique mondiale, orientant les sociétés humaines vers des processus de fabrication plus efficaces et plus stables. Cette époque a favorisé des progrès matériels importants et une prospérité accrue. Parallèlement, l'émergence du Grand Tour a popularisé la collection d'antiquités, créant ainsi de nombreuses collections importantes et diffusant un renouveau néoclassique à travers l'Europe. Fondamentalement, le « néoclassicisme » au sein de toute discipline artistique dénote l'adhésion à un canon spécifique dérivé d'un modèle « classique ».

Dans le contexte anglais, la désignation « néoclassicisme » fait principalement référence aux arts visuels. Un mouvement parallèle dans la littérature anglaise, antérieur à la tendance des arts visuels, est connu sous le nom de littérature augustéenne ; ce style, dominant pendant plusieurs décennies, était déjà en déclin à mesure que le néoclassicisme prenait de l'importance dans les arts visuels. La littérature française présente une trajectoire comparable, malgré des terminologies différentes. Musicalement, cette période a vu l'essor de la musique classique, le terme « néoclassicisme » étant généralement réservé aux développements du XXe siècle. Néanmoins, les opéras de Christoph Willibald Gluck incarnaient une méthodologie néoclassique distincte, articulée dans sa préface à la partition publiée de Alceste (1769). Les réformes de Gluck visaient à rationaliser l'opéra en éliminant les ornements excessifs, en élevant le rôle du chœur pour l'aligner sur la tragédie grecque et en employant des structures mélodiques plus directes et sans fioritures.

L'appellation « néoclassique » n'est apparue qu'au milieu du XIXe siècle ; à l'époque, le style était caractérisé par des descripteurs tels que « le vrai style », « réformé » et « renouveau ». La période historique spécifique ou l’esthétique ressuscitée variait cependant considérablement. Si les modèles anciens occupent une place indéniablement centrale, le style est également perçu comme une résurgence de la Renaissance, et particulièrement en France, comme un retour au baroque plus austère et digne de l'époque de Louis XIV. Cette interprétation française découle d'une nostalgie croissante d'un âge d'or passé, coïncidant avec un déclin marqué de la prééminence militaire et politique de la France. Notamment, le portrait de couronnement de Napoléon réalisé par Ingres incorporait des éléments des diptyques consulaires de l'Antiquité tardive et de leurs reprises carolingiennes, un choix qui a suscité la censure de la critique.

Le néoclassicisme a atteint son expression la plus robuste dans l'architecture, la sculpture et les arts décoratifs, principalement parce que les prototypes classiques dans ces médiums étaient relativement abondants et facilement disponibles. En revanche, les exemples de peintures anciennes incarnant les qualités esthétiques identifiées par Winckelmann dans la sculpture étaient et restent rares. Winckelmann lui-même a participé à la publicité des premières découvertes de peintures romaines importantes à Pompéi et à Herculanum. Cependant, tout comme la plupart de ses contemporains, à l'exception notable de Gavin Hamilton, il trouva ces œuvres décevantes, faisant référence aux observations de Pline le Jeune concernant le déclin de la peinture à sa propre époque.

En ce qui concerne la peinture, l’intégralité de la peinture grecque antique avait été perdue. Les peintres néoclassiques entreprirent donc une reconstruction imaginative, s'inspirant de plusieurs sources : frises de bas-reliefs, mosaïques et peintures sur poterie ; la peinture et les arts décoratifs de la Haute Renaissance de l'époque de Raphaël ; des fresques trouvées dans la Domus Aurea de Néron, à Pompéi et à Herculanum ; et une appréciation renouvelée pour les œuvres de Nicolas Poussin. Par conséquent, une partie importante de la peinture « néoclassique » se caractérise davantage par son sujet classicisant que par ses éléments formels ou stylistiques. Pendant des décennies, une controverse fervente, bien que souvent mal informée, a persisté concernant les mérites comparatifs de l'art grec et romain, Winckelmann et ses collègues hellénistes l'emportant largement dans cette compétition intellectuelle.

Peinture, dessin et gravure

Le public contemporain a souvent du mal à saisir pleinement les qualités révolutionnaires et stimulantes de la première peinture néoclassique. Même les partisans du style le perçoivent désormais comme « insipide » et « presque totalement inintéressant pour nous », un sentiment qui fait écho dans les observations de Kenneth Clark sur le monumental Parnassus d'Anton Raphael Mengs à la Villa Albani. Mengs était un artiste que son associé Winckelmann considérait comme « le plus grand artiste de sa propre initiative, et peut-être des temps ultérieurs ». Les dessins de John Flaxman, reproduits plus tard sous forme d'estampes, utilisaient un dessin au trait minimaliste (considéré comme le médium classique par excellence) et principalement des figures de profil pour illustrer L'Odyssée et d'autres thèmes. Ces œuvres, qui inspiraient autrefois « la jeunesse artistique européenne », sont désormais largement « négligées ». De même, les compositions historiques d'Angelica Kauffman, avant tout portraitiste, ont été caractérisées par Fritz Novotny comme possédant « une douceur onctueuse et un ennui ». Alors que l’exubérance du rococo et le dynamisme de l’art baroque ont été délibérément écartés, de nombreux artistes ont eu du mal à établir de nouvelles conventions artistiques. Faute de précédents anciens directs pour la peinture d'histoire, hormis les vases grecs utilisés par Flaxman, les artistes ont fréquemment adopté Raphaël comme paradigme alternatif, une pratique approuvée par Winckelmann.

À l'inverse, certains artistes, dont les créations défiaient toute catégorisation comme « insipides », ont intégré des éléments du romantisme dans un cadre à prédominance néoclassique, contribuant ainsi aux trajectoires des deux mouvements artistiques. L'artiste germano-danois Asmus Jacob Carstens n'a réalisé qu'une fraction de ses ambitieuses compositions mythologiques, laissant derrière lui principalement des dessins et des études de couleurs. Ceux-ci incarnaient souvent avec succès l’idéal de Winckelmann de « noble simplicité et grandeur calme ». Contrairement aux projets inachevés de Carstens, les gravures de Giovanni Battista Piranesi étaient prolifiques et connaissaient un succès commercial, largement diffusées à travers l'Europe par les voyageurs du Grand Tour. L'objectif principal de Piranesi était le patrimoine architectural et les ruines de Rome, démontrant un engagement plus profond avec l'Antiquité qu'avec des sujets contemporains. L'ambiance subtilement troublante caractéristique de nombre de ses Vedute (vues) s'intensifie dans sa série de 16 gravures intitulée Carceri d'invenzione ("Prison imaginaires"), où "l'architecture cyclopéenne oppressante" évoque puissamment "des rêves de peur et de frustration". Henry Fuseli, d'origine suisse, qui a passé la majeure partie de sa vie professionnelle en Angleterre, a fondé son style artistique sur les principes néoclassiques ; cependant, ses choix thématiques et leur exécution s'alignent souvent sur la dimension « gothique » du romantisme, dans le but de susciter des réponses dramatiques et passionnantes.

La trajectoire du néoclassicisme en peinture a été considérablement réorientée par le triomphe extraordinaire du Serment des Horaces de Jacques-Louis David au Salon de Paris de 1785. Bien que l’œuvre défende les idéaux républicains, elle a paradoxalement été commandée par le gouvernement royal, David stipulant sa création à Rome. David a magistralement fusionné une esthétique idéaliste avec un drame profond et une vigueur irrésistible. La composition présente une perspective centrale orthogonale au plan de l’image, accentuée par l’arcade tamisée en arrière-plan. Dans ce contexte, les figures héroïques sont disposées à la manière d'une frise, évoquant l'éclairage et la mise en scène théâtrales de l'opéra, aux côtés de la palette classique rappelant celle de Nicolas Poussin. David s'est rapidement imposé comme la figure prééminente de l'art français. Après la Révolution française, il accède à un rôle politique, exerçant une influence considérable sur le mécénat d'État dans le domaine des arts. Il a maintenu son influence pendant l'ère napoléonienne, produisant des pièces ouvertement propagandistes, mais a été contraint de s'exiler à Bruxelles après la Restauration des Bourbons.

Parmi les nombreux élèves de David se trouvait Jean-Auguste-Dominique Ingres, qui s'est toujours identifié comme un classique tout au long de sa longue carrière. Néanmoins, son approche artistique mature entretient un lien ambigu avec les principes fondamentaux du néoclassicisme, et ses explorations ultérieures de l'orientalisme et du style troubadour se révèlent souvent difficiles à différencier de la production de ses contemporains ouvertement romantiques, à l'exception de la prééminence constante du dessin dans ses compositions. Ingres a exposé au Salon pendant plus de six décennies, à partir de 1802 et jusqu'à la période naissante de l'impressionnisme, mais son style établi a subi des modifications minimes.

Sculpture

Alors que la peinture néoclassique était confrontée à une rareté de prototypes anciens, la sculpture néoclassique était souvent confrontée à une abondance de tels modèles. À cette époque, les sculptures grecques authentiques de la période classique, commençant vers 500 avant JC, étaient rares ; par conséquent, les œuvres les plus appréciées étaient majoritairement des reproductions romaines. D'éminents sculpteurs néoclassiques ont acquis une renommée considérable à leur époque, même si leur appréciation contemporaine est diminuée, à l'exception notable de Jean-Antoine Houdon. L'œuvre de Houdon se composait principalement de portraits, souvent réalisés sous forme de bustes, qui préservaient de manière unique la personnalité distincte du modèle sans succomber à un idéalisme excessif. Tout au long de sa longue carrière, son approche artistique a évolué vers une esthétique plus classique, démontrant une transition harmonieuse de l'élégance rococo à la solennité classique. Se distinguant de certains contemporains néoclassiques, Houdon n'impose pas la tenue romaine ni la nudité pour ses sujets. Il a représenté de nombreuses figures importantes du siècle des Lumières et s'est rendu en Amérique pour créer une statue de George Washington, aux côtés des bustes de Thomas Jefferson, Benjamin Franklin et d'autres fondateurs de la république naissante.

Antonio Canova et le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen, tous deux basés à Rome, ont créé de nombreuses figures grandeur nature et groupes sculpturaux ambitieux en plus des portraits. Les deux artistes incarnent le courant idéalisant prononcé au sein de la sculpture néoclassique. L'œuvre de Canova se caractérise par sa légèreté et sa grâce, contrastant avec l'approche plus austère de Thorvaldsen ; cette distinction est évidente dans leurs interprétations respectives des Trois Grâces. Ces sculpteurs, dont Flaxman, sont restés actifs jusque dans les années 1820, car l'influence du romantisme sur la sculpture était progressive, permettant au néoclassicisme de persister comme style prédominant pendant une grande partie du 19e siècle.

Johan Tobias Sergel, un artiste suédois, fut l'un des premiers partisans du néoclassicisme en sculpture. John Flaxman, avant tout sculpteur, a créé des reliefs classiques austères, stylistiquement proches de ses estampes ; il a également passé plusieurs années à concevoir et modéliser des céramiques néoclassiques pour Josiah Wedgwood. Johann Gottfried Schadow et son fils Rudolph, l'un des rares sculpteurs néoclassiques à mourir prématurément, étaient d'éminents artistes allemands, aux côtés de Franz Anton von Zauner en Autriche. Le sculpteur autrichien du baroque tardif Franz Xaver Messerschmidt est passé au néoclassicisme à mi-carrière, peu de temps avant qu'une apparente crise mentale ne l'incite à se retirer à la campagne. Là, il se consacre à la création de « têtes de personnages » très distinctives, représentant des personnages chauves aux expressions faciales exagérées. Ces œuvres, tout comme Carceri de Piranesi, ont connu un regain d'intérêt scientifique au début du XXe siècle, dans l'ère psychanalytique. Mathieu Kessels, sculpteur néoclassique néerlandais, formé auprès de Thorvaldsen et a principalement travaillé à Rome.

Avant les années 1830, les États-Unis manquaient de tradition sculpturale indigène, hormis les sculptures sur pierres tombales, les girouettes et les figures de proue des navires. Par conséquent, le style néoclassique européen fut adopté et resta dominant pendant plusieurs décennies, comme en témoignent les œuvres d'Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers et William Henry Rinehart.

Architecture et Arts Décoratifs

L'art néoclassique incarnait simultanément des qualités apparemment contradictoires : il était traditionnel mais innovant, historique et moderne, conservateur et progressiste.

Le néoclassicisme a d'abord pris de l'importance en Grande-Bretagne et en France, propagé par des étudiants en art français formés à Rome et inspirés par les traités de Winckelmann. Par la suite, il a été rapidement adopté par les communautés d’avant-garde d’autres pays, notamment en Suède, en Pologne et en Russie. Initialement, l'ornementation classique a été intégrée aux styles architecturaux européens existants, comme en témoignent les intérieurs créés pour l'amant de Catherine la Grande, le comte Grigori Orlov. Ces intérieurs, conçus par un architecte italien et exécutés par une équipe de stuccadori italiens, ne présentaient que de subtils éléments néoclassiques, tels que des médaillons ovales isolés ressemblant à des camées et des dessus de porte en bas-relief, tandis que le mobilier restait entièrement rococo italien.

Une phase ultérieure, plus austère, méticuleusement recherchée (souvent via des gravures) et délibérément archéologique, a émergé en même temps que l'apogée de l'Empire napoléonien. En France, la première manifestation du néoclassicisme était appelée « style Louis XVI », tandis que sa deuxième phase englobait les styles « Directoire » et « Empire ». En Italie, le style rococo a maintenu sa popularité jusqu'à ce que l'avènement de la domination napoléonienne introduise un nouveau classicisme archéologique, qui a été adopté comme déclaration politique par de jeunes Italiens urbains progressistes enclins au républicanisme.

Dans les arts décoratifs, le néoclassicisme s'est manifesté de manière importante dans les meubles Empire produits dans les grandes villes comme Paris, Londres, New York et Berlin, ainsi que dans les meubles Biedermeier d'Autriche. Les exemples architecturaux incluent les musées de Karl Friedrich Schinkel à Berlin, la Banque d'Angleterre de Sir John Soane à Londres et le Capitole des États-Unis récemment construit à Washington, DC. De plus, les bas-reliefs et les vases « basaltes noirs » de Josiah Wedgwood illustrent ce style. Sa portée internationale est soulignée par le travail de l'architecte écossais Charles Cameron, qui a conçu des intérieurs opulents à l'italienne pour Catherine la Grande à Saint-Pétersbourg, en Russie.

Dans le domaine de la décoration intérieure, le néoclassicisme a marqué un changement significatif vers une esthétique classique authentique, profondément influencée par les découvertes archéologiques de Pompéi et d'Herculanum. Alors que les premières fouilles ont commencé à la fin des années 1740, une large prise de conscience du public a émergé dans les années 1760, coïncidant avec la sortie des premiers volumes somptueux et méticuleusement distribués de Le Antichità di Ercolano (Les Antiquités d'Herculanum). Ces antiquités mises au jour ont révélé que même les intérieurs baroques les plus classiques, ou les chambres « romaines » de William Kent, inversaient fondamentalement des éléments architecturaux extérieurs comme les basiliques et les temples, conduisant à ce que les observateurs contemporains percevaient souvent comme un style grandiloquent, caractérisé par des éléments tels que des cadres de fenêtres à fronton transformés en miroirs dorés et des cheminées couronnées de façades de temple. En revanche, les nouveaux intérieurs néoclassiques visaient à reconstruire méticuleusement un vocabulaire de design d'intérieur authentiquement romain et intrinsèquement.

Les techniques néoclassiques englobaient l'utilisation de motifs plus plats et plus délicats, souvent rendus en bas relief semblable à une frise ou peints en en camaïeu monochromatique ("comme des camées"). Les éléments décoratifs courants comprenaient des médaillons isolés, des vases, des bustes ou des bucrania, fréquemment suspendus par des guirlandes de laurier ou de ruban, aux côtés de fines arabesques sur fond de « rouge pompéien », de teintes pâles ou de couleurs de pierre. En France, le style a d'abord émergé comme un phénomène parisien, connu sous le nom de Goût grec ("style grec"), plutôt que comme une esthétique sanctionnée par la cour. Lors de l'ascension de Louis XVI en 1774, sa reine, Marie-Antoinette, éminente arbitre de la mode, introduisit le style Louis XVI à la cour royale. Néanmoins, une véritable adoption des formes fondamentales du mobilier romain n’a eu lieu qu’au tournant du XIXe siècle. Les fabricants de meubles s'inspiraient souvent de l'architecture ancienne, reflétant la façon dont les orfèvres faisaient plus souvent référence à la poterie et à la sculpture sur pierre anciennes qu'au travail du métal. Comme le note une observation, "les designers et les artisans... semblent avoir pris un plaisir presque pervers à transférer des motifs d'un médium à un autre."

Vers 1800, un nouvel afflux de précédents architecturaux grecs, diffusés à travers des eaux-fortes et des gravures, revigora le néoclassicisme, donnant naissance au renouveau grec. Parallèlement, le style Empire apparaît comme une manifestation plus grandiose du néoclassicisme dans l’architecture et les arts décoratifs. S'inspirant principalement de l'esthétique impériale romaine, ce style est né sous le règne de Napoléon dans le Premier Empire français, d'où il tire son nom, servant à idéaliser le leadership de Napoléon et l'État français. Au niveau régional, le style Empire trouve des parallèles avec le style Biedermeier plus bourgeois des territoires germanophones, le style fédéral aux États-Unis, le style Régence en Grande-Bretagne et le style Napoléon en Suède. L'historien de l'art Hugh Honor a avancé que, contrairement à la croyance populaire, le style Empire « loin d'être, comme on le suppose parfois, le point culminant du mouvement néoclassique, l'Empire marque son déclin rapide et sa transformation une fois de plus en un simple renouveau antique, vidé de toutes les idées nobles et de la force de conviction qui avaient inspiré ses chefs-d'œuvre ». Une itération antérieure de cette tendance stylistique en Grande-Bretagne était connue sous le nom de style Adam.

Le néoclassicisme a maintenu son importance en tant que force importante de l'art académique tout au long du XIXe siècle et au-delà, servant constamment d'antithèse au romantisme et aux renaissances gothiques. Cependant, à partir de la fin du XIXe siècle, des cercles critiques influents le qualifient fréquemment d’antimoderne, voire de réactionnaire. Par conséquent, les quartiers centraux de plusieurs villes européennes, en particulier Saint-Pétersbourg et Munich, ont développé une apparence semblable à de vastes musées d'architecture néoclassique.

L'architecture néo-gothique, un style qui a émergé au XVIIIe siècle et a gagné en popularité tout au long du XIXe siècle, souvent associé au mouvement culturel romantique, présentait un contraste distinct avec le néoclassicisme. Alors que le néoclassicisme se définissait par son adhésion à l'esthétique grecque et romaine, à sa précision géométrique et à son ordre formel, l'architecture néo-gothique donnait la priorité aux structures d'inspiration médiévale, souvent conçues pour évoquer une sensibilité rustique et « romantique ».

France

Style Louis XVI (1774-1789)

Ce style signifie le passage du rococo au classicisme. Contrairement au classicisme de Louis XIV, qui stylisait les ornements en représentations symboliques, le style Louis XVI les rendait avec le plus grand réalisme et naturalisme ; par exemple, les branches de laurier apparaissaient comme de véritables branches de laurier et les roses conservaient leur forme naturelle. Un principe décoratif fondamental était la symétrie. Les palettes intérieures présentaient des teintes exceptionnellement vives, englobant le blanc, le gris clair, le bleu vif, le rose, le jaune, le lilas pâle et l'or. Les ornements excessifs ont été délibérément évités. Le renouveau de l'Antiquité a principalement entraîné un regain d'intérêt pour les formes rectilignes, les lignes verticales et horizontales strictes devenant prédominantes. Les éléments curvilignes, tels que les lignes serpentines, étaient largement interdits, à l'exception de demi-cercles ou d'ovales occasionnels. Le design d’intérieur a également adopté cette esthétique rigoureuse, conduisant à la résurgence des surfaces planes et des angles droits. L'ornementation servait à tempérer cette austérité, mais elle respectait systématiquement les lignes fondamentales et était invariablement disposée symétriquement autour d'un axe central. Néanmoins, les ébénistes biseautaient fréquemment les angles d'attaque pour atténuer une rigidité excessive.

Les motifs décoratifs caractéristiques du style Louis XVI s'inspiraient de l'Antiquité, du style Louis XIV et des éléments naturels. Les éléments stylistiques distinctifs comprenaient une torche croisée avec un carquois de flèches, des disques imbriqués, des motifs guillochés, des nœuds doubles, des braseros fumants, des répétitions linéaires de petits motifs (comme des rosaces, des perles et des oves), des trophées ou des médaillons floraux suspendus par des rubans noués, des feuilles d'acanthe, des godrons, des entrelacs, des méandres, des cornes d'abondance, des mascarons, des urnes anciennes, des trépieds, du parfum. brûleurs, dauphins, têtes de bélier et de lion, chimères et griffons. Les motifs architecturaux gréco-romains ont également été largement utilisés, englobant des cannelures, des pilastres (cannelés et non cannelés), des balustres cannelés (torsadés et droits), des colonnes (engagées et non engagées, parfois remplacées par des cariatides), des corbeaux à volutes et des triglyphes avec guttae (rendus en relief et en trompe-l'œil).

Le style Directoire (1789-1804).

Le style Empire (1804-1815).

Le néoclassicisme est apparu comme une esthétique déterminante pour la société française post-révolutionnaire, influençant toutes les facettes de la vie, y compris l'expression artistique. La machine Jacquard, qui a révolutionné le système de couture auparavant manuel, a été inventée à cette époque. Le rouge, souvent orné de bronze doré, était une couleur dominante. De plus, des couleurs vives telles que le blanc, la crème, le violet, le marron, le bleu et le rouge foncé ont été utilisées, présentant généralement une ornementation minimale en bronze doré. Les éléments architecturaux intérieurs comprenaient des panneaux de bois agrémentés de reliefs dorés, sur fond blanc ou coloré. Les motifs étaient disposés avec une précision géométrique. Les murs étaient finis avec des stucs ou des tissus de papier peint. Les manteaux de cheminée, fabriqués en marbre blanc, comportaient fréquemment des cariatides à leurs coins ou d'autres éléments décoratifs tels que des obélisques, des sphinx et des lions ailés. Des objets en bronze, notamment des pendules de cheminée, étaient souvent placés au sommet de ces cheminées. Les portes étaient composées de simples panneaux rectangulaires, chacun orné d'une figure centrale inspirée de l'art pompéien. Les textiles de l'époque Empire comprenaient des damas à fonds bleus ou bruns, des satins à fonds verts, roses ou violets, des velours de teintes similaires, des brocarts entrelacés d'or ou d'argent et divers tissus de coton. Ces matériaux étaient largement utilisés dans les intérieurs pour les rideaux, les revêtements de meubles, les coussins et les tissus d'ameublement ; le cuir était également utilisé pour le rembourrage.

L'ornementation caractéristique du style Empire est rigoureusement symétrique, faisant écho aux principes esthétiques de l'époque Louis XIV. En règle générale, les motifs sur les côtés opposés d'un objet présentent une correspondance précise ; alternativement, si une telle réflexion directe est absente, les motifs individuels eux-mêmes sont intrinsèquement symétriques. Les exemples incluent des têtes classiques comportant des tresses identiques sur les deux épaules, des représentations frontales de la Victoire avec des tuniques drapées symétriquement, ou des paires de rosettes ou de cygnes identiques positionnés à côté d'une plaque de verrouillage. Semblable à Louis XIV, Napoléon a établi un ensemble distinct d'emblèmes liés sans équivoque à son règne. Ceux-ci comprenaient en évidence l'aigle, l'abeille, les étoiles et les initiales I (représentant Imperator) et N (pour Napoléon), souvent enfermées dans une couronne de laurier impériale. Les motifs courants comprenaient des figures de la Victoire tenant des branches de palmier, des danseuses grecques, des figures féminines nues et drapées, des représentations de chars antiques, des putti ailés, des mascarons représentant Apollon, Hermès et la Gorgone, ainsi que des cygnes, des lions, des têtes de bœufs, des chevaux et des bêtes sauvages. D'autres éléments comprenaient des papillons, des griffes, des chimères ailées, des sphinx, des bucrania, des hippocampes, des couronnes de chêne fixées par de minces rubans traînants, des vignes grimpantes, des rinceaux de pavot, des rosaces, des branches de palmier et du laurier. Un nombre important de motifs issus de l'Antiquité gréco-romaine ont également été employés, tels que des feuilles d'acanthe rigides et aplaties, des palmettes, des cornes d'abondance, des perles, des amphores, des trépieds, des disques imbriqués, des caducées de Mercure, des vases, des casques, des torches allumées, des trompettistes ailés et divers instruments de musique anciens, notamment des tubas, des hochets et surtout des lyres. Malgré leurs origines classiques, les cannelures et les triglyphes qui étaient importants à l'époque Louis XVI étaient remarquablement absents. Les motifs de la Renaissance égyptienne étaient particulièrement répandus au début de cette période, mettant en vedette des éléments tels que des scarabées, des chapiteaux de lotus, des disques ailés, des obélisques, des pyramides, des figures ornées de némésis et des cariatides en gaine, caractérisées par des pieds nus et des coiffes féminines égyptiennes.

Allemagne

L'architecture néoclassique a été largement adoptée en Allemagne, en particulier dans la région alors connue sous le nom de Prusse, servant d'emblème de richesse et d'autorité. Karl Friedrich Schinkel est à l'origine de la construction de nombreux édifices distingués dans ce style, parmi lesquels l'Altes Museum de Berlin. Bien que l'urbanisme de Berlin ait conservé en grande partie son caractère baroque, les contributions architecturales et l'esthétique fonctionnelle de Schinkel ont doté la ville d'un noyau néoclassique distinctif.

La Bauakademie, conçue par Schinkel, est considérée comme un précurseur de l'architecture moderne, principalement en raison de sa façade aux lignes épurées sans précédent.

Italie

Tout au long de la seconde moitié du XVIIIe siècle et tout au long du XIXe siècle, l'Italie a connu d'importantes transformations socio-économiques, de multiples incursions étrangères et le tumultueux mouvement du Risorgimento, qui a culminé avec l'unification de la nation en 1861. Par conséquent, l'art italien a subi une succession de changements stylistiques, à la fois subtils et profonds.

Le néoclassicisme italien représentait l'émergence initiale d'un style plus large. Période néoclassique et a persisté pendant une durée plus longue que les autres itérations nationales du style. Ce mouvement a évolué contrairement au style baroque, commençant vers c. 1750 et se poursuivant jusqu'à environ c. 1850. Le néoclassicisme est né en même temps que la redécouverte de Pompéi et s'est répandu à travers l'Europe alors qu'une génération d'étudiants en art, après avoir accompli le Grand Tour en Italie, retournait dans leur pays d'origine imprégné d'idéaux gréco-romains renouvelés. Initialement, son épicentre était Rome, où des artistes comme Antonio Canova et Jacques-Louis David étaient importants pendant la seconde moitié du XVIIIe siècle, avant le déplacement du mouvement vers Paris. Les peintres Vedute, dont Canaletto et Giovanni Paolo Panini, ont également obtenu un succès considérable à l'époque du Grand Tour. L'architecture néoclassique s'est inspirée des œuvres de la Renaissance d'Andrea Palladio, Luigi Vanvitelli étant reconnu comme l'un des principaux représentants de ce style.

La littérature classique a considérablement influencé le mouvement Risorgimento. Les figures clés de cette époque comprenaient Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti, Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi et Alessandro Manzoni (neveu de Cesare Beccaria), tous également façonnés par les Lumières françaises et le romantisme allemand. Le violoniste virtuose Paganini, aux côtés des opéras de Rossini, Donizetti, Bellini, puis de Verdi, étaient des forces dominantes de la musique classique et romantique italienne.

Les contributions artistiques de Francesco Hayez, et en particulier celles des Macchiaioli, marquaient une rupture avec l'école classique, qui s'est conclue par l'unification de l'Italie. Le néoclassicisme constitue le dernier style artistique d'origine italienne, après la Renaissance et le baroque, à être largement diffusé dans l'art occidental.

Roumanie

Le XIXe siècle en Valachie et en Moldavie, qui formèrent plus tard le royaume de Roumanie, fut largement dominé par le classicisme. Ce style architectural a persisté jusqu'au XXe siècle, coexistant parfois avec d'autres styles pendant de brèves périodes. Dès le début du XIXe siècle, des architectes et des ingénieurs étrangers ont été mandatés, car les professionnels roumains locaux ne disposaient pas de la formation spécialisée requise pour concevoir des structures s'écartant considérablement de l'architecture roumaine traditionnelle. Ces experts étrangers, employant principalement le classicisme, collaboraient avec des artisans roumains, dont beaucoup avaient reçu leur formation dans des écoles ou académies internationales. Parallèlement, les architectes roumains poursuivaient également leur formation dans les institutions d'Europe occidentale. Alexandru Orăscu était une figure notable représentant le néoclassicisme en Roumanie.

Le classicisme a trouvé son expression dans des formes architecturales à la fois religieuses et laïques. Le palais Știrbei, situé sur la Calea Victoriei à Bucarest, illustre le classicisme laïc. Construit vers 1835 sur la base des plans de l'architecte français Michel Sanjouand, le palais fut doté d'un niveau supplémentaire conçu par l'architecte autrichien Joseph Hartmann en 1882.

Ukraine

Plusieurs villes ukrainiennes conservent un héritage architectural substantiel des périodes des empires russe et austro-hongrois, témoignage du contrôle historique des territoires ukrainiens par divers États étrangers. La rue Teatralna à Kropyvnytskyi en est une illustration frappante, où toutes les structures ont été érigées au XIXe siècle dans le style néoclassique par des architectes européens.

La Russie et l'Union soviétique

De 1905 à 1914, l'architecture russe a connu un renouveau néoclassique à la fois concis et percutant. Ce mouvement est né de la réinterprétation du style Empire alexandrin et s'est rapidement diversifié dans diverses approches néo-Renaissance, palladiennes et classiques modernisées. Les architectes nés dans les années 1870, parmi lesquels Ivan Fomine, Vladimir Chtchouko et Ivan Joltovsky, ont été à l’avant-garde de cette tendance et ont atteint leur apogée créative avant la Première Guerre mondiale. Après la reprise économique des années 1920, ces architectes et leurs disciples ont persisté dans un paysage architectural à prédominance moderniste. Alors que certains, comme Joltovsky, adhèrent rigoureusement aux principes classiques, d'autres, comme Fomin, Chtchouko et Ilya Golosov, ont développé leurs styles modernisés distincts.

La suppression de l'autonomie architecturale et le rejet officiel du modernisme en 1932, notamment mis en évidence par le concours international pour le Palais des Soviets, ont conduit à la promotion immédiate du néoclassicisme comme une option clé, bien que non exclusive, dans l'architecture stalinienne. Ce style coexiste avec les créations modérément modernistes de Boris Iofan, qui frisent parfois l'Art déco contemporain, comme le montrent les œuvres de Chtchouko. Les exemples les plus purs du néoclassicisme proviennent cependant de l’école Joltovsky, qui reste un phénomène distinct et quelque peu isolé. Même si cette intervention politique s'est avérée préjudiciable aux partisans du constructivisme, elle a été accueillie avec enthousiasme par les architectes alignés sur les traditions classiques.

Le néoclassicisme s'est avéré un choix pragmatique pour l'Union soviétique car il ne nécessitait pas de technologies de construction avancées comme les charpentes en acier ou le béton armé, permettant sa reproduction en utilisant la maçonnerie traditionnelle. Par conséquent, les conceptions de Joltovsky, Fomine et d’autres maîtres établis ont été facilement reproduites dans des villes lointaines, même dans un contexte de rationnement matériel strict. Les progrès de la technologie de construction après la Seconde Guerre mondiale ont permis aux architectes staliniens d'entreprendre des projets de gratte-ciel. Cependant, ces structures imposantes, y compris des exemples « exportés » comme le Palais de la Culture et de la Science à Varsovie et le Centre international de congrès de Shanghai, ne présentaient qu'une ressemblance stylistique minime avec les précédents classiques. Le néoclassicisme et la néo-Renaissance ont continué à être utilisés dans des développements résidentiels et de bureaux moins complexes jusqu'en 1955, lorsque Nikita Khrouchtchev a mis fin à l'ère de l'architecture stalinienne coûteuse.

Royaume-Uni

Le style Adam trouve son origine dans les frères Adam et James, qui publièrent en 1777 un volume de gravures détaillant l'ornementation intérieure. Dans les aménagements intérieurs exécutés selon les spécifications de Robert Adam, les murs, plafonds, portes et autres surfaces sont segmentés en grands panneaux (rectangulaires, circulaires ou carrés) ornés de stucs et de motifs gréco-romains le long de leurs bordures. Les éléments décoratifs courants comprennent des festons, des cordons de perles, des bandes d'œufs et de fléchettes, des médaillons et d'autres motifs dérivés de l'Antiquité classique, en particulier des motifs étrusques. Les accessoires décoratifs complémentaires, tels que les vases en pierre en forme d'urne, l'argenterie dorée, les lampes et les statuettes, s'inspirent toujours de l'Antiquité classique. Le style Adam met en évidence des miroirs rectangulaires raffinés, souvent encadrés comme des tableaux aux motifs de feuilles stylisées, ou surmontés d'un fronton supportant une urne ou un médaillon. Une autre conception caractéristique du miroir Adam ressemble à une fenêtre vénitienne, avec un grand miroir central flanqué de deux miroirs plus étroits et allongés. Les miroirs ovales, fréquemment agrémentés de festons, constituent un autre type distinct. Les meubles fabriqués dans ce style présentent des similitudes structurelles avec les meubles Louis XVI.

Au-delà du style Adam, les arts décoratifs anglais sont également réputés pour le fabricant de céramique Josiah Wedgwood (1730-1795), qui a fondé la poterie d'Etruria. Les articles Wedgwood sont principalement composés de jasperware, un grès durable et à grain fin. Les vases Wedgwood présentent généralement des décorations en relief bicolores, le plus souvent avec des figures blanches sur fond bleu.

États-Unis

Sur le continent américain, les pratiques architecturales et de design d'intérieur ont été profondément façonnées par les évolutions stylistiques européennes. Les préférences esthétiques françaises ont notamment influencé les États du Sud, en partie à cause de l'afflux d'émigrants après la Révolution française et de l'important héritage français de la population canadienne. L’éthos pragmatique et les conditions matérielles dominantes des Américains à cette époque confèrent un caractère distinctif aux espaces intérieurs. Tous les meubles, tapis, vaisselle, céramiques et argenterie américains, tout en incorporant diverses influences européennes et parfois islamiques, turques ou asiatiques, ont été produits conformément aux normes, goûts et exigences fonctionnelles américains. Les États-Unis ont connu des périodes caractérisées par les styles Queen Anne et Chippendale. Esthétique typiquement américaine, le style fédéral, a pleinement émergé au XVIIIe et au début du XIXe siècle, s'épanouissant sous l'influence du goût britannique. Poussée par le néoclassicisme, cette période a vu la création d’une architecture, d’intérieurs et de meubles distinctifs. Malgré des variations régionales, le style conserve une unité fondamentale. Les structures architecturales, intérieures et de mobilier étaient majoritairement classiques, intégrant des éléments du baroque et du rococo. Les formes géométriques courantes comprenaient des rectangles, des ovales et des croissants. Les murs et les plafonds étaient fréquemment ornés de stucs ou de panneaux de bois reproduisant des motifs classicistes. Les meubles incorporaient souvent de la marqueterie florale et des incrustations de bronze ou de laiton, parfois dorées.

Jardins

En Angleterre, la littérature augustéenne a trouvé un parallèle direct avec le style augustéen d'aménagement paysager, avec des liens clairs évidents dans les œuvres d'Alexander Pope. Parmi les exemples notables survivants de jardins anglais néoclassiques figurent Chiswick House, Stowe House et Stourhead.

Mode

Le néoclassicisme a considérablement influencé la mode féminine, promouvant une esthétique plus simple et une préférence soutenue pour les vêtements blancs, tendances apparues bien avant la Révolution française. Cependant, ce n’est qu’après la Révolution que l’émulation complète des styles anciens a été largement acceptée en France, en particulier parmi les femmes. Avant cela, la tenue classique était généralement limitée aux séances de portraits, où les femmes à la mode se faisaient passer pour des figures de la mythologie grecque ou romaine - une pratique illustrée par de nombreux portraits d'Emma, ​​Lady Hamilton dans les années 1780 - et pour les bals masqués, ou comme tenue informelle à la maison, semblable à d'autres styles exotiques. Néanmoins, les ensembles popularisés par des créateurs de mode parisiens tels que Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais et Thérésa Tallien sont passés du portrait au vêtement public. En observant Madame Tallien à l'opéra, Talleyrand a fait la célèbre remarque : « Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement ! » (« On ne pourrait pas être plus somptueusement déshabillé »). Avant la Révolution de 1788, la portraitiste de la cour Louise Élisabeth Vigée Le Brun organisa un « souper grec » où les participants portaient de simples tuniques grecques blanches. Les coiffures classiques plus courtes, souvent bouclées, se sont avérées moins controversées et ont été largement adoptées, ce qui a conduit à découvrir les cheveux même à l'extérieur, ce qui s'écarte de l'ancienne coutume de porter des bonnets ou d'autres couvertures à l'intérieur, sauf pour les tenues de soirée formelles. Au lieu de cela, de minces rubans ou filets d'inspiration grecque étaient utilisés pour parer et attacher les cheveux.

Ces vêtements se caractérisaient par leur extrême légèreté et leur coupe ample, à prédominance blanche, et comportaient souvent des bras remarquablement nus. Ils s'étendaient de la cheville jusqu'au dessous du corsage, où un ourlet ou une cravate fine, souvent contrastée, entourait le corps. Cette forme distinctive est désormais communément appelée silhouette Empire, malgré ses origines antérieures au Premier Empire français de Napoléon. Cependant, l'impératrice Joséphine de Beauharnais, première épouse de Napoléon, a joué un rôle central dans la diffusion de ce style dans toute l'Europe. Un long châle ou une écharpe rectangulaire, souvent rouge uni mais représenté avec une bordure ornée dans les portraits, offrait une chaleur pratique dans les climats plus frais. En position assise, cet accessoire était apparemment drapé autour du ventre, complétant souvent les postures semi-allongées et tentaculaires préférées. Au début du XIXe siècle, ces tendances de la mode étaient largement adoptées sur tout le continent européen.

La mode néoclassique présentait des défis considérablement plus importants pour les hommes et ne parvenait en grande partie pas à gagner du terrain, à l'exception notable des coiffures. Cela a contribué de manière significative à l’adoption de cheveux plus courts, supplantant finalement l’utilisation de perruques et, par la suite, de poudre pour cheveux blancs chez les hommes plus jeunes. Historiquement, le pantalon symbolisait le barbare pour les Grecs et les Romains ; par conséquent, peu d’hommes en dehors des ateliers artistiques, notamment ceux des sculpteurs, étaient enclins à les écarter. Cette époque marque cependant l'ascendant du pantalon long, ou pantaloon, sur la culotte (culotte) caractéristique de l'Ancien Régime. Même la conception de Jacques-Louis David pour un nouveau « costume national » français en 1792, commandée par le gouvernement au milieu d'une intense ferveur révolutionnaire pour la transformation sociétale, incorporait des leggings relativement serrés sous un manteau qui se terminait au-dessus du genou. Un segment important de jeunes hommes aisés ont servi dans l’armée pendant la période critique des guerres de la Révolution française. Les uniformes militaires, qui commençaient à comporter des vestes raccourcies sur le devant pour laisser apparaître des pantalons bien ajustés, étaient fréquemment portés en dehors des heures de service et influençaient par conséquent la tenue vestimentaire des hommes civils.

Le "problème du pantalon" a été reconnu par les artistes comme un obstacle important à la création de peintures d'histoire contemporaine, car le pantalon, ainsi que d'autres éléments du vêtement moderne, était largement perçu par de nombreux artistes et critiques comme intrinsèquement peu héroïques et esthétiquement peu attrayants. Par conséquent, diverses stratégies artistiques ont été employées pour contourner leur représentation dans les scènes contemporaines. Par exemple, dans James Dawkins et Robert Wood découvrant les ruines de Palmyre de Gavin Hamilton (1758), les deux messieurs antiquaires sont représentés dans des robes arabes ressemblant à des toges. De même, dans Watson and the Shark de John Singleton Copley (1778), le personnage central pourrait de manière crédible être rendu nu, et la disposition de la composition garantit que parmi les huit autres personnages masculins, un seul affiche bien en évidence une seule jambe en culotte. Néanmoins, les artistes américains Copley et Benjamin West ont été les pionniers de l'intégration réussie du pantalon dans les récits héroïques, comme le démontrent des œuvres telles que La mort du général Wolfe de West (1770) et La mort du major Peirson, 6 janvier 1781 de Copley (1783). Malgré ces progrès, les pantalons ont continué à être méticuleusement omis dans Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault, achevé en 1819.

Les coiffures masculines d'inspiration classique comprenaient le Bedford Crop, considéré comme un précurseur de nombreux styles masculins unis contemporains. Ce style a été créé par le politicien radical Francis Russell, 5e duc de Bedford, pour protester contre une taxe sur la poudre capillaire ; il aurait encouragé ses connaissances à l'adopter en pariant. Un autre style influent, ou groupe de styles, a été appelé « coiffure à la Titus » par les Français, faisant référence à Titus Junius Brutus (distinct de l'empereur romain Titus, une idée fausse courante). Ce style comportait des cheveux courts et superposés, souvent surélevés sur la couronne, et comprenait fréquemment des plumes subtiles ou des mèches pendantes. Des variantes de cette coiffure sont reconnaissables dans les portraits de Napoléon et de George IV du Royaume-Uni. L'introduction de ce style est attribuée à l'acteur François-Joseph Talma, qui aurait éclipsé ses collègues portant des perruques lors de représentations de pièces comme Brutus de Voltaire, qui représente Lucius Junius Brutus ordonnant l'exécution de son fils Titus. Un périodique de mode parisien rapportait en 1799 que même les individus chauves adoptaient les perruques Titus. Le style a également gagné en popularité auprès des femmes, le Journal de Paris notant en 1802 que "plus de la moitié des femmes élégantes portaient leurs cheveux ou leur perruque à la Titus."

Musique

Le néoclassicisme musical, un mouvement du XXe siècle, impliquait la renaissance des styles musicaux classiques et baroques des XVIIe et XVIIIe siècles, qui incorporaient fréquemment des thèmes grecs et romains, plutôt qu'une résurgence directe de la musique ancienne elle-même. (Au début du XXe siècle, la période musicale baroque, une influence majeure pour les compositeurs néoclassiques, n'avait pas encore été clairement différenciée de ce qui est maintenant reconnu comme la période classique.) Ce mouvement, apparu au début du XXe siècle, représentait une réponse au chromatisme dissolvant caractéristique du romantisme tardif et de l'impressionnisme. Il s’est développé parallèlement au modernisme musical, qui visait à abandonner complètement la tonalité clé. Le néoclassicisme exprimait une préférence pour la clarté et la simplicité stylistiques. Tout en permettant des réinterprétations dissonantes des techniques classiques, il visait à aller au-delà des excès perçus du romantisme et des nuances subtiles de l'impressionnisme, en privilégiant plutôt des rythmes robustes, des harmonies affirmées et des formes de section distinctes. Cela a coïncidé avec une tendance à la reconstitution de la danse et des vêtements « classiques » dans le ballet et l'éducation physique.

Bien que la suite de danse des XVIIe et XVIIIe siècles ait connu une résurgence mineure avant la Première Guerre mondiale, les compositeurs néoclassiques étaient généralement mécontents du diatonisme pur. Ils ont souvent souligné la dissonance vibrante des suspensions et des ornements, les caractéristiques angulaires de l'harmonie modale du XVIIe siècle et les contours dynamiques de l'écriture contrapuntique. Les Airs et danses antiques d'Ottorino Respighi (1917) ont établi un précédent pour l'esthétique sonore que les néoclassiques cherchaient à atteindre. Alors que l’appropriation de styles musicaux passés est un phénomène récurrent dans l’histoire de la musique, la musique savante a périodiquement présenté des compositeurs qui ont intégré des techniques contemporaines à des formes ou des harmonies historiques pour générer de nouvelles compositions. Les principaux attributs de composition comprennent : des allusions à la tonalité diatonique, l'adhésion à des formes conventionnelles (telles que les suites de danse, les concerti grossi et les formes de sonate), le concept de musique absolue dépourvue de connotations descriptives ou émotionnelles, l'emploi de textures musicales légères et une approche concise de l'expression musicale. Dans la musique classique, cette tendance était particulièrement évidente des années 1920 aux années 1950. Igor Stravinsky est reconnu comme le compositeur le plus éminent associé à ce style, ayant effectivement initié la révolution musicale avec son Octuor pour instruments à vent inspiré de Bach (1923). La Symphonie classique n°1 en ré de Prokofiev, qui évoque le style symphonique de Haydn ou de Mozart, constitue un exemple individuel remarquable de cette esthétique. Le ballet néoclassique, lancé par George Balanchine, a rationalisé le style impérial russe en simplifiant les costumes, les étapes et la narration, tout en introduisant des avancées techniques.

Le néoclassicisme ultérieur et ses développements

Après le milieu du XIXe siècle, le néoclassicisme a commencé à reculer en tant que style architectural dominant, remplacé par un éclectisme de styles classiques. Le Palais Garnier de Paris illustre cette tendance car, malgré son caractère majoritairement néoclassique, il intègre des éléments et des ornements dérivés de l'architecture baroque et Renaissance. Une telle conception syncrétique était répandue dans l'architecture de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, avant la Première Guerre mondiale. Au-delà du néoclassicisme, les Beaux-Arts de Paris étaient également réputés pour leur adhésion à l'éclectisme stylistique classique.

Pablo Picasso a exploré les motifs classicisants au cours de la période qui a immédiatement suivi la Première Guerre mondiale.

En américain architecture, le néoclassicisme représentait une facette du mouvement de la Renaissance américaine, ca. 1890-1917, culminant dans l'architecture des Beaux-Arts. Ses dernières commandes publiques majeures comprenaient le Lincoln Memorial, qui a fait l'objet d'importantes critiques contemporaines ; la National Gallery of Art de Washington, D.C., également largement critiquée par la communauté architecturale pour sa conception perçue comme anachronique et conventionnelle ; et le Roosevelt Memorial du Musée américain d'histoire naturelle. Une fois achevées, ces structures étaient largement considérées comme des anachronismes stylistiques. Dans le Raj britannique, l'urbanisme monumental de Sir Edwin Lutyens pour New Delhi signifiait le déclin du néoclassicisme. La Seconde Guerre mondiale a par la suite diminué le désir généralisé et l'émulation de périodes historiques idéalisées.

Un mouvement distinct du XXe siècle, également appelé néoclassicisme, a émergé au sein des arts non visuels. Ce mouvement englobait au minimum la musique, la philosophie et la littérature. Sa principale période d'influence s'étend de la fin de la Première Guerre mondiale à la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Ce mouvement littéraire néoclassique a évité le romantisme extrême illustré par des mouvements tels que Dada, prônant plutôt la retenue, l'adhésion religieuse (en particulier le christianisme) et un programme politique réactionnaire. Alors que T. E. Hulme a établi les principes fondamentaux de ce mouvement dans la littérature anglaise, ses partisans les plus éminents étaient T. S. Eliot et Wyndham Lewis. En Russie, le mouvement s'est solidifié dès 1910 sous la désignation d'Acméisme, avec Anna Akhmatova et Ossip Mandelshtam comme ses principaux représentants.

Art Déco

Même si le néoclassicisme a été de plus en plus perçu comme anachronique après la Première Guerre mondiale, ses principes fondamentaux, ses proportions et d'autres éléments stylistiques ont persisté. L'Art Déco, le style prédominant de l'entre-deux-guerres, résonnait avec la préférence de l'élite bourgeoise pour les styles historiques français sophistiqués, tels que Louis XVI, Directoire et Empire, qui représentent des périodes du néoclassicisme français. Parallèlement, cette même élite française a démontré son appréciation pour l’art moderne, notamment les œuvres de Pablo Picasso et d’Amedeo Modigliani. Cette confluence d’influences a donné naissance à un premier style Art déco intégrant à la fois des éléments nouveaux et traditionnels. Le Palais de Tokyo, construit à Paris en 1937 par André Aubert et Marcel Dastugue, en est une excellente illustration. Si l'ornementation est absente, la façade étant ornée uniquement de reliefs, la présence de colonnes évoque fortement l'esthétique néoclassique. Le design Art déco intégrait fréquemment des motifs néoclassiques, quoique subtilement : les exemples incluent les commodes austères et rectilignes d'Émile-Jacques Ruhlmann ou de Louis Süe & André Mare ; des frises précises en très bas-relief représentant des demoiselles et des gazelles sur divers supports ; des vêtements à la mode drapés ou coupés en biais pour imiter les silhouettes grecques ; et la danse interprétative d'Isadora Duncan. Même les architectes modernistes conservateurs en France, comme Auguste Perret, ont maintenu les principes rythmiques et spatiaux de l'architecture en colonnes dans les structures industrielles.

L'interaction dynamique au sein de l'Art Déco, caractérisée par son intégration d'éléments, de formes et de proportions historiques ainsi qu'une adoption de la modernité, découle de plusieurs facteurs contributifs. L'une des principales influences est l'éclectisme. La complexité inhérente et la nature diversifiée de l’Art Déco sont largement attribuables à cet esprit éclectique. Des éléments stylisés dérivés des Beaux-Arts et du néoclassicisme, ou de cultures temporellement et géographiquement éloignées telles que l'Égypte ancienne, les Amériques précolombiennes et l'art de l'Afrique subsaharienne, ont été synthétisés avec des allusions aux artistes d'avant-garde modernistes du début du XXe siècle, notamment Henri Matisse, Amedeo Modigliani et Constantin Brâncusi. L'identité architecturale distincte du mouvement Art déco doit beaucoup à l'éclectisme académique et au néoclassicisme. Sans l’apport d’architectes formés dans la tradition des Beaux-Arts, l’architecture Art Déco, au-delà des structures résidentielles, aurait pu n’être qu’un agrégat d’objets décoratifs portés à une dimension urbaine, à l’image des pavillons alors controversés de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. Un autre facteur à l'origine de l'oscillation entre les éléments historiques et modernes était la culture de consommation. Les bâtiments et les objets conçus dans le style austère international, qui évitaient les ornements et les références historiques, se sont révélés trop radicaux pour le grand public. Au cours de l'entre-deux-guerres en France et en Angleterre, l'opinion publique et une partie importante de la critique architecturale ont eu du mal à accepter un style entièrement dépourvu d'embellissement, tel que le style international.

L'incorporation de styles historiques comme source d'inspiration fondamentale pour l'Art déco a commencé avant la Première Guerre mondiale, en grande partie grâce aux efforts de décorateurs tels que Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot et Émile-Jacques Ruhlmann. Ces designers se sont inspirés des traditions artistiques et artisanales françaises de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle, en particulier les styles Louis XVI, Directoire et Louis Philippe, dans le but d'introduire une nouvelle interprétation. Le style néo-Louis XVI a acquis une popularité considérable en France et en Roumanie vers 1910, influençant de manière significative de nombreux premiers modèles et projets architecturaux Art déco. Une illustration notable de cette influence est le Château de Sept-Saulx dans le Grand Est, en France, conçu par Louis Süe entre 1928 et 1929.

Néoclassicisme et régimes totalitaires

Au cours des années 1920 et 1930, les régimes totalitaires de l'Italie fasciste, de l'Allemagne nazie, de la Roumanie sous Carol II et de l'Union soviétique ont adopté le néoclassicisme pour l'architecture et l'art d'État. L’architecture a servi de moyen crucial à ces régimes pour projeter une image de permanence, malgré leur nouveauté inhérente. L'appropriation du classicisme par les États totalitaires s'est manifestée sous diverses formes. Dans le contexte des bâtiments publics en Italie et en Roumanie, les architectes se sont efforcés d'intégrer une sensibilité moderne aux formes classiques abstraites. Des exemples exemplaires incluent le Palazzo della Civiltà Italiana à Rome et le bâtiment du rectorat universitaire et de la faculté de droit à Bucarest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu n° 36-46). À l’inverse, le classicisme répandu en Union soviétique, connu sous le nom de réalisme socialiste, se caractérisait par sa nature grandiloquente, remplie d’ornementations et de sculptures architecturales étendues. Cette approche visait à contraster fortement avec la simplicité perçue des styles « capitalistes » ou « bourgeois » comme l'Art déco ou le modernisme. L’Université Lomonossov de Moscou constitue un excellent exemple de cette esthétique. Nikita Khrouchtchev, qui a succédé à Staline à la tête de l'Union soviétique, a exprimé son mépris pour l'architecture réaliste et socialiste ostentatoire de l'époque de son prédécesseur. Citant la lenteur de la construction et les coûts élevés associés à ces bâtiments néoclassiques, il a fait remarquer qu'« ils dépensaient l'argent des gens pour une beauté dont personne n'a besoin, au lieu de construire plus simple, mais plus. »

En Union soviétique, le néoclassicisme a été adopté comme contrepoint délibéré à l'Art déco et au modernisme, styles jugés excessivement « bourgeois » et « capitalistes » par le régime communiste. Cette esthétique néoclassique communiste distinctive, connue sous le nom de réalisme socialiste, a prospéré sous la direction de Joseph Staline (1924-1953). Dans le domaine des beaux-arts, cela se manifeste généralement par des représentations hautement idéalisées d'ouvriers robustes, représentés comme des figures héroïques dans des fermes collectives ou des milieux urbains industriels, ainsi que dans des assemblées politiques, des célébrations des progrès technologiques soviétiques et des scènes d'enfants joyeux aux côtés de Lénine ou Staline. Tant le contenu thématique que sa représentation visuelle ont été soumis à un contrôle rigoureux, la valeur artistique étant déterminée par la contribution d'une œuvre au projet socialiste. Tous les artistes étaient tenus de rejoindre l'Union des artistes soviétiques, contrôlée par l'État, et d'adhérer au style officiellement sanctionné. Les principes fondamentaux du réalisme socialiste englobaient une loyauté inébranlable au parti, la propagation d’une idéologie correcte et une large accessibilité. Le réalisme a été favorisé en tant que style plus facilement compréhensible pour le grand public. Initialement, l'Union soviétique a accueilli plusieurs mouvements d'avant-garde concurrents, notamment le constructivisme. Cependant, alors que Staline consolidait son pouvoir à la fin des années 1920, l’art et l’architecture d’avant-garde furent supprimés, pour finalement devenir interdits, conduisant à l’établissement de styles officiels d’État. Après la victoire de Boris Iofan au concours pour la conception du Palais des Soviétiques, doté d'une tour classique à gradins surmontée d'une statue colossale de Lénine, l'architecture est rapidement revenue aux formes pré-révolutionnaires, évitant délibérément les influences occidentales perçues du constructivisme. Alors que le réalisme socialiste en architecture a largement reculé après la mort de Staline et l'ascension de Nikita Khrouchtchev, les peintures de ce style ont persisté, en particulier dans les pays caractérisés par un fort culte de la personnalité autour de leurs dirigeants, comme la Chine de Mao Zedong, la Corée du Nord de Kim Il Sung et la Roumanie de Nicolae Ceaușescu.

En prenant le contrôle du gouvernement en 1933, le régime nazi a systématiquement supprimé la vibrante culture d'avant-garde allemande. Albert Speer, nommé conseiller en architecture d'Adolf Hitler en 1934, s'est efforcé de forger un style architectural qui incarnerait simultanément l'unité perçue du peuple allemand et servirait de toile de fond imposante aux démonstrations de pouvoir nazies. L'approche nazie de l'architecture était marquée par des contradictions inhérentes : tandis que les plans ambitieux de Hitler et Speer pour reconfigurer Berlin cherchaient à imiter la Rome impériale, les structures nazies dans des contextes ruraux s'inspiraient des langues vernaculaires locales, dans le but de canaliser un esprit allemand « authentique ». Concernant les beaux-arts, les nazis ont inventé le terme « art dégénéré » pour catégoriser l’art moderne, qu’ils ont dénoncé comme « anti-allemand », « juif » ou « communiste ». Cette condamnation de l’art moderne était intrinsèquement liée au « bolchevisme culturel », une théorie du complot postulant que l’art et la culture au sens large étaient contrôlés par une cabale juive de gauche ayant l’intention de détruire la race aryenne. La campagne d'Hitler contre l'art moderne impliquait principalement une exposition destinée à discréditer les artistes modernes, intitulée « Exposition d'art dégénéré » (allemand : Die Ausstellung "Entartete Kunst"). Cette exposition était stratégiquement située à côté de la Grande Exposition d'art allemand, qui présentait des œuvres d'art approuvées par les nazis, permettant ainsi aux visiteurs de comparer directement l'art jugé « bon » et « mauvais » par le régime. Reflétant une position similaire, le régime a fermé le Bauhaus, une école d'art d'avant-garde à Dessau qui avait eu une profonde influence après-guerre, en 1931. Bien qu'elle ait brièvement rouvert à Berlin en 1932, elle a été définitivement fermée en 1933.

Contrairement à l'Allemagne et à l'Union soviétique, l'Italie a été témoin de la contribution de l'avant-garde à l'architecture d'État. L'architecture classique a également exercé une influence significative, reflétant les tentatives plus directes de Benito Mussolini d'établir des liens entre son régime fasciste et la Rome antique. Certains architectes italiens, tels que Marcello Piacentini de l'Université La Sapienza de Rome et Giuseppe Terragni de la Casa del Fascio à Côme, ont cherché à intégrer le modernisme et le classicisme.

En Roumanie, à la fin des années 1930, influencée par la politique autocratique du roi Carol II, de nombreux édifices publics furent construits. Ces structures ont adopté un style néoclassique, présentant souvent de fortes ressemblances avec les tendances architecturales contemporaines de l'Italie fasciste. Des exemples notables à Bucarest comprennent le bâtiment du rectorat universitaire et de la faculté de droit (Bulevardul Mihail Kogălniceanu n° 36-46), l'immeuble d'appartements Kretzulescu (Calea Victoriei n° 45), le bâtiment CFR (Bulevardul Dinicu Golescu n° 38) et le palais Victoria (Piața Victoriei n° 1). Le Palais Royal, présentant principalement des intérieurs de style néo-Adam, se distingue par son ornementation plus élaborée, s'alignant davantage sur l'esthétique architecturale d'avant la Première Guerre mondiale.

Postmodernisme

L'architecte Robert Venturi est l'auteur d'une première critique influente du modernisme, Complexité et contradiction en architecture (1966), plaidant pour la réintroduction d'éléments historiques, ou la « présence du passé », dans la conception architecturale. Ses propres efforts architecturaux cherchaient à incarner des qualités qu'il exprimait comme « l'inclusion, l'incohérence, le compromis, l'accommodement, l'adaptation, la superadjacence, l'équivalence, la focalisation multiple, la juxtaposition ou le bon et le mauvais espace ». L'œuvre de Venturi résonnait avec l'éthos contre-culturel dominant des années 1960, une période marquée par l'examen critique et la remise en question par les jeunes générations des paradigmes politiques, sociaux et raciaux existants. Cet écart fondamental par rapport aux principes modernistes est devenu connu sous le nom de postmodernisme. Venturi a parodié la célèbre maxime de Ludwig Mies van der Rohe « moins c'est plus » avec sa réplique « moins c'est ennuyeux ». Au cours des années 1980 et 1990, certains architectes postmodernes ont adopté une forme de néo-néoclassicisme. Leur engagement dans le classicisme s'étendait au-delà de la simple ornementation, intégrant des systèmes proportionnels et d'autres principes fondamentaux. Le classicisme postmoderne a suscité des descriptions telles que « camp » ou « kitsch » de la part de divers commentateurs. Ricardo Bofill est un architecte remarquable reconnu pour ses contributions au classicisme post-moderne. Son portefeuille comprend deux lotissements monumentaux près de Paris : Les Arcades du Lac (1975-1981) et Les Espaces d'Abraxas (1978-1983). Le musée J. Paul Getty de Malibu, en Californie (1970-1975), se distingue par son approche revivaliste, s'inspirant de l'ancienne villa romaine des Papyri à Herculanum. Le musée J. Paul Getty présente une affinité plus forte avec le néoclassicisme du XIXe siècle, illustré par des structures comme le Pompejanum à Aschaffenburg, en Allemagne, qu'avec le classicisme postmoderne qui prévalait dans les années 1980.

L'architecture au 21e siècle

Après une période de diminution de l'importance au cours de l'ascendant de l'architecture moderne (environ de l'après-Seconde Guerre mondiale jusqu'au milieu des années 1980), le néoclassicisme a connu une résurgence notable.

Au cours de la première décennie du 21e siècle, l'architecture néoclassique contemporaine est généralement classée sous la désignation plus large de nouvelle architecture classique. On l'appelle aussi parfois néo-historicisme ou traditionalisme. De plus, plusieurs œuvres architecturales postmodernes intègrent des références explicites au néoclassicisme, s'inspirant de ses formes ; les exemples incluent le quartier d'Antigone et le Théâtre national de Catalogne à Barcelone. L'architecture postmoderne intègre fréquemment des éléments historiques tels que des colonnes, des chapiteaux ou le tympan.

Pour les styles architecturaux qui adhèrent véritablement aux traditions, aux matériaux et à l'artisanat régionaux, la désignation « architecture traditionnelle » (ou architecture vernaculaire) est principalement utilisée. Le prix d'architecture Driehaus récompense les contributeurs importants à l'architecture traditionnelle ou classique du 21e siècle, offrant une récompense monétaire double de celle du prix Pritzker moderniste.

Aux États-Unis, de nombreux édifices publics contemporains sont construits dans le style néoclassique, le Schermerhorn Symphony Center de 2006 à Nashville en étant une illustration marquante.

En Grande-Bretagne, plusieurs architectes pratiquent activement l'idiome néoclassique. Leurs projets notables englobent deux bibliothèques universitaires : la bibliothèque Maitland Robinson de Quinlan Terry au Downing College et la bibliothèque Sackler de Robert Adam Architects.

Remarques

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