Street art

La street art si riferisce ad opere visive prodotte in spazi pubblici, destinate ad un'ampia esposizione al pubblico. Questo genere artistico è stato collegato a varie denominazioni, tra cui "arte indipendente", "post-graffiti", "neo-graffiti" e guerrilla art.

La street art è arte visiva creata in luoghi pubblici per la visibilità pubblica. È stata associata ai termini "arte indipendente", "post-graffiti", "neo-graffiti" e guerrilla art.

Inizialmente emergendo dai graffiti provocatori, la street art è passata a un'espressione artistica più commercializzata, distinta principalmente dal suo intento comunicativo. Il suo obiettivo è spesso quello di stimolare la contemplazione piuttosto che suscitare disapprovazione da parte del grande pubblico, articolando il suo scopo in modo più chiaro rispetto ai tradizionali graffiti. Inoltre, il concetto di autorizzazione è centrale nella street art, dato che i graffiti sono tipicamente non autorizzati, mentre la street art contemporanea può derivare da accordi formali o addirittura da commissioni dirette. Tuttavia, si discosta dall'arte pubblica convenzionale attraverso la deliberata integrazione dello spazio fisico durante la sua concettualizzazione.

Sfondo

La street art comprende creazioni artistiche esposte pubblicamente su strutture, strade principali, treni e altre superfici visibili al pubblico. Numerosi esempi si manifestano come arte di guerriglia, progettata per trasmettere un commento personale sul contesto sociale dell'artista. Questa forma d'arte si è evoluta dalle sue origini nei graffiti e nel vandalismo in pratiche contemporanee in cui gli artisti mirano a comunicare messaggi o semplicemente a introdurre valore estetico al pubblico.

Alcuni professionisti utilizzano il "vandalismo intelligente" per aumentare la consapevolezza delle preoccupazioni sociali e politiche, mentre altri utilizzano gli ambienti urbani come luoghi per esporre espressioni artistiche personali. Gli artisti possono anche valutare le sfide e i rischi inerenti associati all’installazione non autorizzata di opere d’arte in spazi pubblici. Una motivazione prevalente è che produrre arte all'interno di spazi pubblici consente agli artisti, che altrimenti potrebbero sentirsi emarginati, di coinvolgere un pubblico significativamente più ampio di quanto le forme d'arte tradizionali o le gallerie consentirebbero.

Mentre gli artisti di graffiti tradizionali utilizzano prevalentemente vernice spray, la "street art" comprende una vasta gamma di media, tra cui arte LED, piastrelle a mosaico, graffiti con stencil, arte adesiva, graffiti al contrario, sculture "Lock On", incollaggio di grano, blocchi di legno, bombe con filati e bilanciamento delle rocce.

Media emergenti, come questi. come proiezioni video su vaste strutture urbane, rappresentano un mezzo sempre più favorito dagli artisti di strada. L’accessibilità di hardware e software a prezzi accessibili consente a tali sforzi artistici di rivaleggiare con la pubblicità aziendale. Di conseguenza, gli artisti possono generare opere d'arte dai personal computer senza alcun costo, presentando così un'alternativa competitiva alle imprese commerciali.

Origini

Slogan di protesta e commenti politici o sociali espressi attraverso i graffiti sui muri fungono da precursori dei graffiti moderni e della street art, persistendo come componente del genere. La street art, sia essa testuale o caratterizzata da una semplice grafica iconica, può evolversi in simboli ampiamente riconosciuti ma enigmatici rappresentativi di uno specifico luogo o periodo storico. I graffiti "Kilroy Was Here" dell'era della Seconda Guerra Mondiale sono spesso citati come un primo esempio, caratterizzati da un disegno rudimentale di una figura dal naso lungo che osserva da dietro una sporgenza. L'autore Charles Panati alludeva all'ampio fascino della street art descrivendo i graffiti "Kilroy" come "oltraggiosi non per quello che dicevano, ma per il luogo in cui sono comparsi". Una parte significativa della street art contemporanea fa risalire le sue origini ben documentate al boom dei graffiti di New York City. Questo movimento iniziò negli anni '60, si sviluppò nel corso degli anni '70 e raggiunse il suo apice negli anni '80 con la creazione di murales verniciati a spruzzo per le carrozze intere dei treni della metropolitana, particolarmente prominenti nel Bronx.

Nel corso degli anni '80, la street art ha subito una trasformazione significativa, passando dalle creazioni incentrate sul testo prevalenti nella prima parte del decennio a forme più visivamente concettuali, esemplificate dalle caratteristiche figure d'ombra di Hambleton. Quest'epoca vide anche l'emergere delle pubblicità sovversive della metropolitana di Keith Haring e delle iconiche etichette SAMO di Jean-Michel Basquiat. Durante questo periodo nascente, il concetto di "arte di strada" come percorso di carriera praticabile era ancora in fase di sviluppo e tecniche come i graffiti con gli stencil erano nelle fasi preliminari. I manifesti stradali incollati, inizialmente utilizzati per le promozioni di band e club, si sono evoluti in opere d'arte legittime o "copy-art", diventando una caratteristica urbana onnipresente a livello globale nel corso degli anni '80. Contemporaneamente, il collettivo AVANT era attivo a New York. Anche le ideologie sovversive inerenti alla musica punk rock hanno svolto un ruolo cruciale nello sviluppo della street art come genere artistico distinto durante questo decennio. Il sentimento anti-establishment e anti-museo prevalente tra molti artisti di strada può essere ricondotto al "Manifesto del Futurismo" di Marinetti del 1909, che notoriamente dichiarava: "distruggeremo tutti i musei". Questa prospettiva è alla base della convinzione di numerosi artisti di strada secondo cui l'arte dovrebbe essere accessibile al pubblico, libera da barriere istituzionali e costi di ammissione.

Primi lavori iconici

Dagli anni '70, il muro nord-ovest all'incrocio tra Houston Street e Bowery a New York City è servito da tela importante per gli artisti. Questo luogo, ora spesso noto come Bowery Mural, inizialmente funzionava come una superficie trascurata, utilizzata liberamente dagli artisti dei graffiti. Nel 1982, Keith Haring si appropriò del muro per i suoi sforzi artistici. In seguito all'intervento di Haring, una serie di rinomati artisti di strada hanno contribuito alla realizzazione del sito, elevandone progressivamente lo status a uno di prestigio. Nel 2008, il muro è passato alla gestione privata, con accesso concesso agli artisti esclusivamente tramite commissione o invito.

Alla fine degli anni '70, René Moncada ha avviato una serie di murales in tutta SoHo, New York, recanti in primo piano la dichiarazione I AM THE BEST ARTIST. Moncada ha caratterizzato questi murales come un gesto di sfida nei confronti di una comunità artistica che credeva di aver contribuito a creare ma dalla quale successivamente si è sentito trascurato. Queste opere furono riconosciute come uno dei primi esempi di "provocazione artistica", suscitando notevoli discussioni e dibattiti durante il loro tempo. Le controversie legali associate stimolarono ulteriormente il discorso sulla proprietà intellettuale, sui diritti degli artisti e sul Primo Emendamento. Al di là della loro natura controversa, questi murali pervasivi divennero l’ambientazione preferita per le fotografie di turisti e studenti d’arte e furono spesso utilizzati in campagne pubblicitarie e produzioni di Hollywood. Nonostante i frequenti deturpamenti, i murales IATBA furono costantemente ridipinti da René.

Franco il Grande, ampiamente riconosciuto come il "Picasso di Harlem", è un artista di strada di fama internazionale rinomato per la sua forma d'arte innovativa. Dopo l'assassinio di Martin Luther King Jr. nel 1968, i diffusi disordini civili portarono gli imprenditori di Harlem a installare disadorni cancelli di sicurezza in metallo sulle loro vetrine. Nel 1978 Franco trasformò questa conseguenza negativa in un'espressione artistica positiva sviluppando una nuova forma d'arte su questi cancelli d'acciaio. Da allora, ha dipinto oltre 200 cancelli lungo la 125esima Strada, dall'estremità occidentale a quella orientale, in genere la domenica quando le attività commerciali sono chiuse. Di conseguenza, la 125th Street ad Harlem viene comunemente chiamata "Franco's Blvd", a testimonianza dei suoi magnifici dipinti che adornano i cancelli delle attività commerciali in metallo.

Crossover commerciale

Un certo numero di artisti di strada hanno ottenuto riconoscimenti internazionali per le loro creazioni, passando con successo dal dominio dell'arte di strada al mondo dell'arte tradizionale, e alcuni mantenendo contemporaneamente la loro pratica negli spazi pubblici. Keith Haring è stato una figura pionieristica tra gli artisti di strada degli anni '80 che hanno realizzato questo crossover. Inoltre, l’estetica tradizionale dei graffiti e della street art è stata progressivamente integrata nella pubblicità tradizionale, portando a numerosi casi in cui gli artisti vengono incaricati come grafici per entità aziendali. Ad esempio, l'artista di graffiti Haze ha contribuito a font e progetti grafici per importanti gruppi musicali come i Beastie Boys e i Public Enemy. I manifesti stradali di Shepard Fairey raffiguranti l'allora candidato alla presidenza Barack Obama sono stati adattati appositamente per la campagna presidenziale attraverso una commissione, e una variante di quest'opera d'arte è stata presentata sulla copertina della rivista Time. Inoltre, è una pratica comune per gli artisti di strada creare le proprie iniziative di merchandising.

L'elevato profilo di artisti come Banksy ha conferito un significativo riconoscimento artistico alla street art. Di conseguenza, la street art è emersa come un’importante attrazione culturale in numerosi centri urbani europei. Alcuni artisti ora conducono visite guidate alla street art locale, offrendo approfondimenti sulle basi concettuali di vari pezzi, sulle motivazioni dietro l'etichettatura e sul contenuto tematico trasmesso attraverso i graffiti. Città come Berlino, Londra, Parigi e Amburgo offrono costantemente tour di street art famosi durante tutto l'anno. Londra, ad esempio, offre ai visitatori dieci diverse opzioni di tour dei graffiti. Molti tour operator, tra cui Alternative London, ParisStreetArt e AlternativeBerlin, enfatizzano le collaborazioni con artisti locali per garantire che i visitatori ricevano un'esperienza autentica piuttosto che una narrazione standardizzata.

Un numero significativo di queste guide turistiche comprende pittori, laureati in belle arti e altri professionisti creativi che utilizzano l'arte di strada come mezzo per esporre le loro creazioni. Questa dimensione commerciale permette loro di introdurre il pubblico nel regno della street art, favorendo una più profonda comprensione delle sue origini. È stato ipotizzato che la crescente popolarità della street art contribuisca ai processi di gentrificazione.

Considerazioni legali ed etiche

La street art incontra spesso complessità legali. I soggetti coinvolti possono essere l'artista, l'Amministrazione Comunale, il destinatario e il titolare della struttura o superficie in cui l'opera è esposta. Un esempio notevole dei potenziali dilemmi legali, morali ed etici è emerso a Bristol, in Inghilterra, nel 2014. Mobile Lovers di Banksy, originariamente dipinto su compensato affisso su una porta pubblica, è stato successivamente rimosso da un cittadino che intendeva venderlo per raccogliere fondi per un club maschile. Il governo della città ha quindi confiscato l'opera d'arte e l'ha trasferita in un museo. Dopo aver appreso della situazione, Banksy lasciò in eredità l'opera al cittadino originario, presumendo che le sue intenzioni fossero legittime. In questo caso, come in casi simili, le controversie relative alla proprietà, alla proprietà pubblica, alla violazione di domicilio e agli atti di vandalismo richiedono una risoluzione legale.

Tutela del copyright

Nel 2005, la pubblicazione di Banksy, Wall and Piece, conteneva una nota dell'editore che affermava: "Il copyright è per i perdenti ©™".

Secondo gli statuti legali degli Stati Uniti, le opere di street art possono beneficiare della protezione del copyright a condizione che siano installate legalmente e soddisfino due criteri aggiuntivi: originalità intrinseca e fissazione in un supporto tangibile. Tale protezione del copyright si estende per tutta la vita dell'artista più altri 70 anni. Nei casi di creazione collaborativa tra due artisti, entrambe le parti avrebbero la proprietà congiunta del copyright. Gli artisti di strada mantengono inoltre i diritti morali sulle loro creazioni, distinti dai diritti economici conferiti dal diritto d'autore, che comprendono il diritto all'integrità e il diritto all'attribuzione. Recentemente, la street art ha ottenuto un crescente riconoscimento da parte dei critici d’arte, portando a casi in cui importanti aziende hanno dovuto affrontare sfide legali per l’uso non autorizzato di tale arte nelle campagne pubblicitarie. Ad esempio, il rivenditore di fast fashion H&M ha utilizzato la street art di Jason "Revok" Williams in una serie pubblicitaria. In risposta alla notifica di "cessazione e desistenza" di Williams, H&M ha avviato una causa, sostenendo che l'opera d'arte, essendo un "prodotto di condotta criminale", non era idonea alla protezione del copyright. Questa prospettiva legale ha precedenti, in particolare nei casi Villa v. Pearson Education e quelli che coinvolgono Moschino e Jeremy Tierney. In tutti e tre i casi sopra menzionati gli accordi sono stati raggiunti prima di una pronuncia giudiziale sulla legalità dell'opera d'arte. Le aziende in genere optano per accordi extragiudiziali per aggirare contenziosi costosi e prolungati.

Per quanto riguarda la distruzione dell'arte di strada, gli Stati Uniti hanno invocato il Visual Artists Rights Act (VARA) per integrare i diritti morali nella legislazione sul copyright. Nei casi di English v. BFC & R East 11th Street LLC e Pollara v. Seymour, è stato stabilito che la VARA non si applicava alle opere d'arte installate illecitamente. Inoltre, è stata stabilita una differenziazione tra opere rimovibili e non rimovibili, stabilendo che l'arte facilmente rimovibile non può essere distrutta, indipendentemente dalla sua posizione giuridica. Un elemento cruciale considerato dalla corte in quest'ultimo caso era se l'opera d'arte possedesse "statura riconosciuta".

In una causa legale che ha assegnato 6,7 milioni di dollari a un gruppo di artisti, il tribunale ha stabilito che l'opera d'arte è stata creata senza l'autorizzazione del proprietario dell'edificio e che un fattore significativo è stata la demolizione prematura, suggerendo un intento deliberato.

Street Art, Guerrilla Art e Graffiti

I graffiti comprendono tipicamente elementi testuali stilizzati, spesso rappresentanti un gruppo o una comunità specifica, progettati per trasmettere messaggi pubblici che rimangono oscuri agli osservatori esterni. Al contrario, la street art è caratterizzata dall’incorporazione di immagini, illustrazioni o simboli intesi a comunicare un messaggio specifico. Nonostante queste distinzioni, i graffiti e la street art mostrano più punti in comune che una semplice genesi condivisa. Una caratteristica distintiva della street art, che contribuisce alla sua percezione positiva da parte del pubblico, è la sua tendenza a presentare messaggi universalmente comprensibili.

Sebbene queste forme d'arte possiedano numerose distinzioni, le loro somiglianze si estendono oltre le loro origini condivise. Sia i graffiti che la street art rappresentano espressioni artistiche spesso motivate da aspirazioni di riconoscimento, visibilità pubblica e critica culturale. Indipendentemente dal fatto che gli artisti operino in modo anonimo, creino comunicazioni enigmatiche o sostengano cause specifiche, un desiderio prevalente di visibilità, riconoscimento e articolazione emotiva li unisce.

Il concetto di street art comprende varie definizioni, inclusa la designazione "guerrilla art". Entrambi i termini caratterizzano le opere d'arte pubbliche posizionate strategicamente con significato e scopo deliberati. Tali opere possono essere eseguite in modo anonimo per affrontare argomenti controversi che potrebbero provocare reazioni avverse, oppure possono essere attribuite ad artisti affermati. Indipendentemente dalla terminologia utilizzata, queste creazioni artistiche servono principalmente come veicolo per gli artisti per articolare le proprie prospettive su diversi argomenti e preoccupazioni sociali.

Simile ai graffiti, una caratteristica fondamentale della street art è la sua frequente creazione in spazi pubblici senza, o a dispetto del, permesso del proprietario. Una differenziazione primaria tra queste forme emerge nel secondo attributo dell’arte di strada o guerriglia: la sua rappresentazione ed esibizione deliberata di atti non conformi intesi a sfidare l’ambiente circostante. Questa sfida può manifestarsi come critiche granulari che affrontano preoccupazioni specifiche della comunità o come dichiarazioni ampie che affrontano questioni globali su una piattaforma pubblica.

Questa concettualizzazione chiarisce l'associazione della "guerrilla art" con questa particolare pratica e condotta artistica. Il termine deriva dalla storica guerriglia, caratterizzata da attacchi incontrollati e imprevedibili privi di regole formali di ingaggio. Tale guerra si discostava in modo significativo dal combattimento convenzionale e formalizzato storicamente prevalente nei conflitti militari. All'interno del discorso della street art, la "guerrilla art" fa metaforicamente riferimento alla critica libera, imprevista e spesso anonima dell'artista delle strutture o delle norme sociali.

È stata sollevata la questione se il semplice posizionamento di opere d'arte in una via pubblica costituisca arte di strada; Nicholas Riggle, in un esame più critico della distinzione tra graffiti e street art, postula che "un'opera d'arte è street art se - e solo se - il suo uso materiale della strada è interno al suo significato". Per lo street artist la strada non è una tabula rasa. Invece, possiede carattere, utilità, storia, consistenza e forma intrinseci. La street art, insieme a forme di arte urbana più ampie, trasforma l’ambiente urbano o avvia il discorso pubblico. Justin Armstrong distingue i graffiti come un'occupazione estetica degli spazi, mentre la street art urbana è caratterizzata dal riutilizzo di questi ambienti.

Scultura guerriglia

La guerrilla sculpture prevede il posizionamento non autorizzato di opere scultoree in ambienti stradali pubblici, una pratica emersa dalla street art nell'Inghilterra della fine del XX secolo. Al di là del posizionamento non convenzionale di queste opere d’arte, la loro creazione spesso coinvolge una vasta gamma di tecniche. Gli artisti in genere operano clandestinamente e illegalmente, fabbricando e installando questi pezzi sotto la copertura della notte, avvolgendo così le loro origini e i loro creatori nell'anonimato. Queste sculture servono come mezzo per gli artisti per articolare le loro prospettive e coinvolgere il pubblico inaccessibile attraverso i metodi espositivi pubblici convenzionali. Tali atti di espressione artistica non sono intrapresi per sollecitare l'accettazione o l'ammirazione del pubblico; anzi, a volte provocano indignazione tra gli spettatori.

Un caso degno di nota riguarda l'installazione non autorizzata di una scultura di Edward Snowden su una colonna all'interno del Fort Greene Park, a New York City, apparsa durante la notte. Altre opere scultoree incorporano sfondi bidimensionali con un elemento tridimensionale, esemplificato dall'opera di Banksy del 2014, Spy Booth. Questa particolare opera presentava un murale dipinto su un muro di Cheltenham, in Inghilterra, raffigurante figure di spie dell'era della Guerra Fredda in trench e cappelli di feltro, dotate di strumenti di spionaggio come microfoni e registratori a bobina, che apparentemente intercettavano le comunicazioni da una cabina telefonica danneggiata.

In seguito alla rimozione della statua di Edward Colston durante le proteste di Black Lives Matter a Bristol, l'artista Marc Quinn ha installato la sua scultura, A Surge of Power (Jen Reid), sul piedistallo vuoto il 15 luglio 2020. Quest'opera d'arte a grandezza naturale, realizzata in resina nera e acciaio, ha tratto ispirazione da un'immagine ampiamente diffusa della manifestante Jen Reid che alza il pugno durante la manifestazione di Bristol, che successivamente ha attirato l'attenzione di Quinn. Il Consiglio comunale di Bristol ha rimosso la statua il 16 luglio 2020.

Distinto dalla scultura stradale non autorizzata è il concetto di "scultura di guerriglia istituzionalizzata", che riceve l'autorizzazione ufficiale da enti civici e può essere commercializzata. Un esempio è l'artista olandese Florentijn Hofman, che nel 2007 ha prodotto Rubber Duck, un'interpretazione monumentale di un classico giocattolo da bagno.

In America Latina, in particolare in Messico, è emerso il termine antimonumento, che indica una forma di scultura di guerriglia politica o, più in generale, un'installazione non autorizzata di un'opera d'arte politicamente carica. Queste installazioni servono a condannare l’inerzia dello Stato e a rivendicare le aree pubbliche. Tipicamente, durante una protesta viene eretto un antimonumento che, come osserva Márcio Seligmann-Silva, "corrisponde al desiderio di ricordare attivamente il (doloroso) passato". Tali opere spesso commemorano questioni quali sparizioni, massacri, migrazione e femminicidio.

Il fenomeno dell'accettazione pubblica riguardo alla street art merita un esame.

Sebbene la street art sia onnipresente a livello globale, la sua diffusa popolarità artistica è uno sviluppo relativamente recente. La percezione pubblica della street art ha subito un cambiamento sostanziale, portando alla sua accettazione sociale e rispetto in alcuni luoghi pubblici. Tuttavia, la deturpazione non autorizzata di proprietà privata o pubblica, indipendentemente dal suo valore artistico o dal suo messaggio, rimane ampiamente illegale.

Inizialmente, i graffiti costituivano l'unica forma di arte di strada ed erano ampiamente percepiti come un atto delinquenziale di demarcazione territoriale e di comunicazione rudimentale. Storicamente esisteva una netta demarcazione tra le creazioni di un artista di strada e l'atto di etichettare proprietà pubbliche o private; tuttavia, questo confine si è progressivamente offuscato man mano che gli artisti contemporanei navigano sempre più nello spazio tra queste due pratiche. Gli intenditori della famosa street art riconoscono che l'essenza del genere è intrinsecamente legata al suo mezzo urbano. Queste opere d'arte sono intrinsecamente suscettibili di alterazione o distruzione, data la loro creazione su superfici pubbliche o private non di proprietà dell'artista né ufficialmente autorizzate dai proprietari. Questo abbraccio alla potenziale transitorietà dell'arte e al posizionamento pubblico, spesso non autorizzato, di queste opere le impregna collettivamente di significato e contribuisce alla crescente popolarità della street art. Inoltre, durante il 21° secolo, diverse città americane hanno avviato programmi per incorporare la poesia nel cemento dei marciapiedi, occasionalmente attraverso concorsi pubblici per nuove composizioni.

In un potenziale allontanamento dalle posizioni storiche anti-museo e anti-commercializzazione di alcuni artisti di strada, una mostra dedicata all'arte di strada "urbana" è iniziata al Peterborough Museum, nel Regno Unito, l'11 dicembre 2021. I biglietti per l'anteprima serale avevano un prezzo di £ 5 PIL, con successivo ingresso generale che costava £ 8 a persona. Questa mostra è stata pubblicizzata come di "grande importanza nazionale [nel Regno Unito]", mettendo in mostra artisti tra cui Banksy, Damien Hirst, My Dog Sighs, Connor Brothers, Pure Evil e Blek le Rat. In particolare, il Bristol Museum ha ospitato opere di street art e sculture dopo l'evento di "acquisizione" di Banksy nel 2009.

Anche il ruolo della street art all'interno dei movimenti di abbellimento urbano è un'area di discussione significativa.

Considerati i diversi vantaggi e il ritorno sull'investimento spesso sostanziale, la street art funge da strumento di trasformazione per aziende, istituti scolastici, quartieri e comuni, promuovendo comunità più sicure, più vivaci e stimolanti. Questa tendenza ha ottenuto recentemente un crescente riconoscimento. Organizzazioni come Beautify Earth hanno guidato iniziative che incoraggiano le città a sfruttare questi benefici, coltivando così un diffuso appeal estetico negli spazi pubblici sulle pareti che altrimenti rimarrebbero vuoti o deteriorati.

Secondo un articolo del The Washington Post di Sydney Page, uno studio sulla sicurezza intitolato "Asphalt Art Safety Study", condotto da Bloomberg Philanthropies in collaborazione con la società di consulenza Sam Schwartz, ha rivelato che le strisce pedonali adornate con murales diminuiscono significativamente l'incidenza degli incidenti in questi luoghi.

Variazioni regionali

Le manifestazioni di arte di strada mostrano una notevole diversità regionale, influenzata dalle pratiche culturali indigene, dalle strutture giuridiche prevalenti e dalle traiettorie di sviluppo urbano. Le sezioni successive descrivono in dettaglio le concentrazioni significative e gli attributi distintivi della street art a livello globale.

Nord America

Canada

Montreal è emersa come un importante centro per le arti urbane, in gran parte grazie al Festival MURAL, istituito nel 2013, che ha facilitato la creazione di oltre 80 murales a Le Plateau-Mont-Royal. Altre aree, tra cui Villeray, Downtown Montreal, Le Sud-Ouest e Hochelaga-Maisonneuve, insieme a vari distretti artistici, stanno progressivamente espandendo la presenza della street art in città. Inoltre, il festival annuale dei graffiti Under Pressure, riconosciuto come il più grande del Nord America, ha commemorato il suo 25° anniversario nel 2021.

Toronto possiede una notevole scena artistica dei graffiti.

Storicamente, la scena dei graffiti e della street art di Calgary era relativamente modesta; tuttavia, il recente avvio del Beltline Urban Mural Project (BUMP) ha attratto artisti internazionali a produrre ampi murales nel centro della città.

Stati Uniti

New York City funge da calamita globale per gli artisti. Durante gli anni '80, la street art "post-graffiti" proliferò nei quartieri allora sottoutilizzati di Manhattan, tra cui SoHo, il Lower East Side e porzioni dell'East Village. Il quartiere artistico di Chelsea successivamente emerse come un'altra area significativa, dove le gallerie locali ospitano spesso mostre formali delle creazioni degli artisti di strada. A Brooklyn, i quartieri di Williamsburg e Dumbo, in particolare quelli adiacenti al lungomare, sono conosciuti per la loro street art. Bushwick, Brooklyn, ospita il distretto murale non ufficiale di New York City, con la supervisione curatoriale fornita da The Bushwick Collective, un'organizzazione no-profit.

Chicago espone una vasta gamma di forme emergenti di street art, con artisti di spicco come Matthew Hoffman, noto per il suo progetto You Are Beautiful, Sentrock, Jc Rivera (The Bear Champ) e Hebru Brantley, le cui opere sono ampiamente visibili in tutta la città.

In Pennsylvania, sia Filadelfia che Pittsburgh implementano programmi che assegnano finanziamenti ad agenzie che commissionano ad artisti di strada l'abbellimento dei muri urbani. Il Mural Arts Program di Filadelfia, fondato nel 1984, ha contribuito alla reputazione della città come "Città dei murales". Questa iniziativa è stata concepita per reindirizzare il talento degli artisti di graffiti verso sforzi più costruttivi. Allo stesso tempo, i murales sostenuti da The Sprout Fund a Pittsburgh hanno ricevuto il riconoscimento come "Migliore arte pubblica" dal Pittsburgh City Paper nel 2006.

La street art di Atlanta è concentrata principalmente nei quartieri Old Fourth Ward e Reynoldstown, nel Krog Street Tunnel e lungo il corridoio ferroviario BeltLine di 22 miglia che circonda il centro città. Nel 2011, Atlanta ha istituito una Graffiti Task Force. Sebbene la città abbia designato alcuni murales come esenti dall'intervento della task force, il processo di selezione ha omesso in particolare il famoso sito del Krog Street Tunnel. Sono state protette anche le opere d'arte prodotte in concomitanza con la conferenza annuale di arte di strada Living Walls, ospitata ad Atlanta. Tuttavia, le azioni coercitive da parte della task force, compresi gli arresti di artisti classificati come vandali, hanno provocato l'opposizione della comunità, con alcuni critici che hanno ritenuto le iniziative della città "mal indirizzate" o "inutili". A seguito di una causa intentata da un gruppo di artisti nel 2017, la città di Atlanta ha acconsentito a sospendere l’applicazione di un’ordinanza che impone l’approvazione municipale per i murales su proprietà privata. Una risorsa completa, l'Atlanta Street Art Map, documenta oltre 200 opere di street art all'interno della città, descrivendone in dettaglio le immagini e le posizioni.

Sarasota, in Florida, ha ospitato l'annuale Sarasota Chalk Festival, un evento di street art, sin dal suo inizio nel 2007. Un'iniziativa derivata autonoma, Going Vertical, sostiene la creazione di street art; tuttavia, alcuni di questi lavori sono stati successivamente rimossi a causa di controversie.

L'Arts District di Los Angeles è noto per la sua vasta collezione di murales stradali. Altre località importanti includono il quartiere di Hollywood e strade principali come Sunset Boulevard, La Brea, Beverly Boulevard, La Cienega e Melrose Avenue. LAB ART Los Angeles, fondato nel 2011, dedica i suoi 6.500 piedi quadrati di spazio espositivo alla presentazione della street art. La collezione presenta opere di artisti locali tra cui Alec Monopoly, Annie Preece, Smear e Morley.

Il Mission District di San Francisco, un fulcro centrale per il movimento Mission School, mostra un'alta densità di arte di strada, in particolare lungo Mission Street, così come Clarion e Balmy Alleys. Inoltre, aree come Hayes Valley, SoMa, Bayview-Hunters Point e Tenderloin sono riconosciute per il loro contributo alla scena della street art.

I quartieri East Village, Little Italy, North Park e South Park di San Diego presentano opere d'arte di strada di artisti come VHILS, Shepard Fairey, Tavar Zawacki (noto anche come ABOVE), Space Invader e Os Gêmeos. Murales di vari artisti messicani sono ben visibili al Chicano Park nel quartiere Barrio Logan. Il Chicano Park, istituito in seguito all'acquisizione di terreni da parte della comunità nel 1970, ha commemorato il suo 52° anniversario nel 2022. La sua collezione di oltre 80 murales illustra diversi aspetti della cultura latina, dall'estetica lowrider alle immagini dei guerrieri aztechi. Le espressioni artistiche avevano lo scopo di favorire il rispetto e il riconoscimento, trasformando la percezione di questi spazi. Di conseguenza, questi luoghi si sono evoluti in simboli di attivismo e orgoglio culturale, piuttosto che essere percepiti come luoghi di vandalismo. Dopo la pandemia di COVID-19, Ground Floor Murals ha prodotto opere che riconoscono le comunità multiculturali di San Diego, con figure come il cantante messicano Vicente Fernández, i giocatori dei San Diego Padres e importanti membri della comunità locale. Il loro murale inaugurale raffigurava la leggenda dei Padres Tony Gwynn a City Heights.

Richmond, Virginia, presenta oltre 100 murales, molti dei quali sono stati creati da artisti tra cui numerosi ex studenti e attuali studenti della School of the Arts della Virginia Commonwealth University. Questi murales provengono da varie fonti, tra cui commissioni private di privati ​​e aziende, artisti di strada indipendenti e iniziative collaborative di raccolta fondi.

Per decenni, gli artisti di strada di Denver hanno migliorato il paesaggio urbano utilizzando i vicoli della città, gli esterni degli edifici, i magazzini, le porte dei garage e le vetrine come tele. La città di Denver dispone di un'area designata, il River North Art District (RiNo), dedicata alla presentazione del lavoro degli artisti locali. La maggior parte degli artisti del quartiere RiNo riceve commissioni da imprenditori locali che cercano di adornare i propri edifici con immagini vivaci.

Messico

La street art è emersa in Messico alla fine degli anni '80, inizialmente apparendo a Città del Messico su edifici multifamiliari nei quartieri settentrionali e all'interno del sistema metropolitano. Successivamente, l'arte urbana e i graffiti sono diventati parte integrante dell'identità culturale dei territori comunali della metropoli. Attualmente, numerose associazioni e gruppi sono attivamente coinvolti nella creazione e individuazione di luoghi per l'arte urbana a Città del Messico e nel resto del paese. Una vasta gamma di artisti, che comprende talenti emergenti e affermati, provenienti da contesti nazionali e internazionali, hanno contribuito con il loro lavoro al paese. A Oaxaca, collettivi di incisori politici come ASARO, Colectivo Subterráneos e Lapiztola creano stampe incollate che affrontano i diritti degli indigeni e le preoccupazioni sulla giustizia sociale.

Inoltre, piattaforme mediatiche come All City Canvas sono specializzate nella promozione dell'arte urbana in Messico, America Latina e nel mondo. Nel 2012, All City Canvas ha aperto la strada alla creazione di un festival di arte di strada in Messico, con l'obiettivo di integrare iniziative internazionali ed esporre arte urbana per una settimana a Città del Messico. Più recentemente, hanno collaborato con artisti importanti, tra cui Vhils, It's a Living e Bier in Brood, per produrre più murales come parte della All City Canvas Global Series in varie città del Messico e degli Stati Uniti. L'obiettivo principale dell'iniziativa è generare un impatto sociale attraverso creazioni artistiche su larga scala. Questo approccio ha facilitato lo sviluppo di un linguaggio universale che circonda questa espressione artistica.

Sudamerica

Buenos Aires è rinomata per i suoi vasti murales e le opere d'arte pubbliche, in particolare all'interno delle stazioni della metropolitana e in vari spazi pubblici. L’emergere della street art nella capitale argentina risale alla metà degli anni ’90, avviato da artisti che in precedenza si erano impegnati con movimenti simili in Europa e in altre nazioni sudamericane. Alfredo Segatori, noto come "Pelado", è riconosciuto come uno degli artisti di strada pionieristici dell'Argentina, avendo iniziato il suo lavoro nel 1994 e detiene il primato per il murale più grande del paese, che si estende su una superficie di oltre 2.000 metri quadrati.

La prevalenza di edifici destinati alla demolizione offre numerose tele bianche per una vasta gamma di artisti, spesso travolgendo la capacità delle autorità di rimuovere le loro creazioni. Gli elementi tematici comuni esplorati dai "Grafiteiros" nella loro arte di strada e nel pichação—un caratteristico graffito nero simile a una runa—comprendono la "densità di popolazione" e l'"ansia urbana", spesso interpretati come espressioni di conflitto di classe.

Tra gli artisti di strada brasiliani di spicco figurano Claudio Ethos, Os Gêmeos, Vitche, Onesto e Herbert Baglione.

Bogotá presenta numerosi muri dedicati all'arte di strada, indicativi di una forte movimento artistico. I visitatori possono osservare varie installazioni murali in luoghi come Avenida El Dorado (TransMilenio), Avenida Suba e il quartiere storico di La Candelaria. Inoltre, il Distrito Graffiti (quartiere dei graffiti) funge da spazio curato, supervisionato da enti governativi, che espone oltre 600 opere di artisti colombiani e internazionali.

Inizialmente, la street art a Caracas trasmetteva prevalentemente temi politici, con le prime opere in Venezuela che spesso esprimevano dissenso o sostegno ai leader contemporanei. Nel tempo la street art venezuelana ha subito un’evoluzione. Mentre i pezzi politicamente carichi continuavano ad essere prominenti, le narrazioni culturali si integravano sempre più nel panorama artistico.

Europa

Durante gli anni 2010, Londra è emersa come uno dei principali centri globali per l'arte dei graffiti. Nonostante la condanna ufficiale e l'applicazione rigorosa, la street art ottiene un notevole sostegno pubblico ed è ampiamente accolta, come esemplificato dalle distintive figure stilizzate di Stik. La Dulwich Outdoor Gallery, un'iniziativa di collaborazione con Street Art London, funziona come uno spazio espositivo all'aperto a Dulwich, a sud-est di Londra, con interpretazioni di street art ispirate ai dipinti tradizionali ospitati nella Dulwich Picture Gallery.

Bristol possiede una notevole scena di street art, in parte attribuibile al riconoscimento globale di Banksy, che ha dato vita a numerosi murales ampi e vivaci che caratterizzano varie aree urbane.

Ostenda, in Belgio, è la sede di un festival internazionale di street art. Nel 2018, la pubblicazione d'arte americana Juxtapoz ha definito The Crystal Ship "un festival d'arte che sta rapidamente diventando uno dei maggiori eventi annuali di street art nel mondo", una descrizione che riflette accuratamente la sua posizione attuale. Fondata nel 2016, The Crystal Ship rivitalizza ogni anno Ostenda invitando acclamati artisti di strada a trarre ispirazione dagli abitanti, dall'ambiente e dall'eredità culturale della città. Il curatore Bjorn Van Poucke è alla guida di questa significativa iniziativa di street art, che presenta opere di artisti come Axel Void (USA), Paola Delfín (Messico), Escif (ES), Miss Van (FR), Sebas Velasco (ES), Elian (AR) e Wasted Rita (PT), trasformando collettivamente il paesaggio urbano.

Parigi ospita una vivace scena di street art, con artisti come Space Invader, Jef Aérosol, SP 38 e Zevs. La genesi della street art in Francia è talvolta attribuita al movimento lettrista degli anni Quaranta e agli slogan situazionisti che iniziarono ad apparire sui muri parigini alla fine degli anni Cinquanta. Negli anni '60, artisti del Nouveau Réaliste come Jacques de la Villeglé, Yves Klein e Arman si occuparono degli spazi pubblici; tuttavia, in modo simile alla pop art, mantennero la dinamica convenzionale studio-galleria. L'installazione stradale di Christo e Jeanne-Claude del 1962, Rideau de Fer (Cortina di ferro), è spesso citata come uno dei primi esempi di street art non autorizzata. Durante gli anni '70, le opere site-specific di Daniel Buren emersero all'interno della metropolitana di Parigi. Blek le Rat e il movimento Figuration Libre hanno acquisito importanza negli anni '80. Il 13° arrondissement sostiene attivamente l'arte di strada attraverso il suo progetto "Street Art 13". Questa iniziativa presenta due notevoli affreschi dell'artista londinese D*Face: "L'amore non ci farà a pezzi" e "Voltagabbana". Da ottobre 2014 a marzo 2015, la Fondation EDF ha presentato la mostra di Jérôme Catz, "#STREET ART, L'INNOVATION AU CŒUR D'UN MOUVEMENT", che presentava nuove tecnologie integrate con opere di artisti come Shepard Fairey, JR, Zevz e Mark Jenkins. Questa mostra ha ottenuto il primato di essere la seconda mostra più visitata all'EDF sin dalla sua istituzione nel 1990. La pratica dell'artista di strada John Hamon prevede prevalentemente la proiezione o l'affissione di poster delle sue fotografie sopra il suo nome su vari edifici e monumenti in tutta la città.

L'arte di strada adornava continuamente il muro di Berlino in tutta la divisione della Germania; successivamente, la scena della street art di Berlino ha continuato a fiorire dopo la riunificazione, ospitando artisti come Thierry Noir, Tavar Zawacki (noto anche come ABOVE) e SP 38. Dopo l'era post-comunista, affitti convenienti e strutture fatiscenti hanno favorito l'emergere della street art in quartieri tra cui Mitte, Prenzlauer Berg, Kreuzberg e Friedrichshain. Nel 2016, StreetArtNews ha lanciato un progetto di arte urbana sotto l'egida di Urban Nation Berlin, coinvolgendo la partecipazione di diversi artisti rinomati.

Tartu, la seconda città più grande dell'Estonia, è stata designata la capitale nazionale della street art. In contrasto con la posizione di Tallinn contro i graffiti, Tartu è nota per ospitare il festival di street art Stencibility e per la sua variegata collezione di opere di numerosi artisti.

La scena della street art greca è attiva dalla fine degli anni '80, registrando un'impennata ad Atene che ha portato alla crisi finanziaria della nazione del 2011. Durante questo periodo, numerosi artisti espressero resistenza, realizzando pezzi allegorici e commenti sociali all'interno del centro storico della città e del quartiere Exarhia. Il New York Times ha pubblicato un articolo che esamina la crisi nel contesto della street art e delle espressioni artistiche più ampie. Le opere dell'artista di strada Bleepsgr, le cui creazioni sono spesso classificate come "artivismo", sono visibili in quartieri come Psiri.

In Spagna, Madrid e Barcellona sono riconosciute come le città con la più alta prevalenza di graffiti, mentre Valencia, Saragozza e Málaga possiedono anche comunità attive di street art.

L'Italia ha mantenuto una presenza di street art molto attiva dalla fine degli anni '90, con artisti di spicco tra cui BLU, 108 e Sten Lex.

Amsterdam possiede una ricca storia di street art. Verso la metà degli anni '60, il movimento della controcultura Provo aveva già iniziato a utilizzare le strade pubbliche come mezzo artistico. Robert Jasper Grootveld, un membro del movimento, ha scritto frasi come "Klaas komt" (inglese: "Klaas is Coming!") in tutta la città. Alla fine degli anni '70, giovani artisti associati alla cultura punk iniziarono a creare opere sulle superfici degradate della città. Artisti degni di nota di questa generazione "No Future" includono Dr. Rat e Hugo Kaagman, un pioniere dello stencil art che ha prodotto il suo primo stencil nel 1978. All'inizio degli anni '80, Yaki Kornblit ha facilitato la mostra di artisti di graffiti di New York come Blade, Dondi, Futura 2000 e Rammellzee nella sua galleria di Amsterdam. Questa iniziativa ha ispirato i giovani locali, portando alla nascita di una nuova generazione di scrittori di stile, il cui lavoro è stato successivamente documentato nel film del 2006 "Kroonjuwelen". Artisti tra cui Delta, Shoe, Jaz, Cat22, High, Again e Rhyme hanno dato un contributo significativo al panorama della street art della città. All'inizio degli anni '90, Amsterdam si era evoluta in un hub centrale per il movimento dei graffiti, concentrandosi in particolare sul suo sistema metropolitano, che attirò scrittori come Mickey, Zedz e Yalt nella capitale olandese. L'arte di strada figurativa divenne sempre più diffusa nelle strade della città intorno alla fine del secolo. Artisti come Morcky, Wayne Horse, The London Police e Laser 3.14 hanno trasmesso messaggi attraverso le loro opere di strada.

Bergen è riconosciuta come la capitale norvegese della street art. L'artista di strada britannico Banksy ha visitato la città nel 2000, ispirando numerose persone a dedicarsi alla street art. Dolk, un importante artista di strada locale di Bergen, ha opere esposte in tutta la città. Nel 2009, il consiglio comunale di Bergen ha optato per la conservazione di uno dei pezzi di Dolk, racchiudendolo in un vetro protettivo.

Nel 2011, il consiglio comunale ha implementato un piano strategico per la street art che va dal 2011 al 2015, con l'obiettivo di garantire che "Bergen guiderà la moda per la street art come espressione sia in Norvegia che in Scandinavia."

La città di Stavanger ospita l'annuale NuArt Festival, un festival evento impegnato nella promozione dell'arte di strada e riconosciuto come uno dei festival di arte di strada curati più antichi al mondo. Nuart Plus è un simposio accademico e industriale dedicato alla street art, che si tiene ogni anno a settembre. Al contrario, Oslo ha tradizionalmente mantenuto un severo divieto di graffiti e street art, sebbene il progetto approvato NuArt RAD stia attualmente modificando questo approccio.

La street art è emersa in Svezia negli anni '90 e da allora è diventata il metodo predominante per le installazioni artistiche pubbliche. Il libro di Benke Carlsson del 2007, "Street Art Stockholm", racconta la street art nella capitale della nazione.

La scena della street art finlandese ha registrato una crescita significativa a partire dagli anni '80 fino al 1998, quando la città di Helsinki ha avviato una politica decennale di tolleranza zero. Questa politica ha criminalizzato tutte le forme di arte di strada, imponendo multe ingenti e utilizzando società di sicurezza private per l'applicazione delle norme. La politica si è conclusa nel 2008, portando successivamente alla creazione di spazi artistici legali e collettivi artistici designati.

L'arte dei graffiti con pasta di grano e stencil in Danimarca ha visto una rapida proliferazione in seguito alle visite di Faile, Banksy, Ben Eine e Shepard Fairey tra il 2002 e il 2004, in particolare nei distretti urbani di Copenaghen, tra cui Nørrebro e Vesterbro. Copenaghen è la base di TEJN, l'artista riconosciuto per essere stato il pioniere del genere della street art Lock On.

La scena della street art in Svizzera ha visto protagonista l'artista Harald Nägeli alla fine degli anni '70. L'attività successiva, iniziata negli anni '90, ha coinvolto artisti come Toast e NEVERCREW.

Dal crollo del comunismo nel 1989, la street art ha acquisito importanza in Polonia nel corso degli anni '90. Artisti come Sainer e Bezt hanno ottenuto riconoscimenti per le loro creazioni murali su larga scala su edifici e muri negli anni 2010. Nel 2011, la città di Łódź ha finanziato una mostra municipale permanente, "Galleria delle forme urbane", sotto il patrocinio del sindaco Hanna Zdanowska. Questa mostra ha presentato opere sia di importanti artisti di strada polacchi che di figure riconosciute a livello internazionale. Nonostante siano ampiamente apprezzate dal pubblico, con le autorità che occasionalmente concedono permessi agli artisti per adornare gli spazi pubblici, altre proprietà continuano a essere prese di mira illecitamente dagli artisti. Varsavia e Danzica sono altre città polacche con una fiorente cultura della street art.

Nel giugno 2011, un monumento in Bulgaria che commemora i soldati dell'esercito sovietico è stato alterato da artisti di strada anonimi. I soldati del monumento, situato a Sofia, sono stati modificati per raffigurare Ronald McDonald, Babbo Natale, Superman e altre figure. Il monumento rimase in questo stato alterato per diversi giorni prima del suo restauro. Alcuni cittadini hanno sostenuto la conservazione delle modifiche.

Mariupol, Ucraina, è stata caratterizzata da murales che hanno assunto un significato simbolico durante le invasioni russe dell'Ucraina del 2014 e del 2022. Nel 2018, l'artista ucraina Sasha Korban ha dipinto il murale Milana sulla facciata di un edificio di Mariupol, raffigurante Milana Abdurashytova di 3 anni, sopravvissuta a un attacco missilistico filo-russo del 2015, come emblema di resilienza. Questo murale è stato successivamente distrutto alla fine del 2022 durante l'occupazione russa di Mariupol. Sempre nel 2022, l'artista italiano Jorit ha dipinto un murale di una giovane ragazza australiana, identificata attraverso una ricerca di immagini online per "treccine", sulla facciata di un altro edificio a Mariupol, sostenendo inizialmente che il soggetto era una ragazza del Donbas che risiedeva a Mariupol. La raffigurazione di una bomba con l'etichetta "NATO" all'interno del murale, situata in una città ampiamente colpita dai bombardamenti russi, insieme alla sua connessione percepita con l'opera d'arte distrutta di Korban, ha attirato critiche da parte di media come Il Giornale e il sito web di giornalismo investigativo Valigia Blu.

Mosca è emersa come un centro importante per gli artisti di graffiti russi e per i visitatori internazionali negli anni 2000. La Street Kit Gallery, fondata nel 2008, è specializzata in street art e facilita mostre e attività in gallerie, luoghi temporanei e spazi pubblici urbani. La Biennale Internazionale per la Giovane Arte di Mosca del 2009 prevedeva una sezione dedicata alla street art. Artisti di spicco comprendono Make, RUS e Interesni Kazki con sede a Kiev, che operano anche a Miami e Los Angeles. Nel 2012, la rete britannica BBC ha messo in risalto il lavoro dello street artist moscovita Pavel 183.

La dissoluzione dell'Unione Sovietica ha fornito alla Georgia ampi ambienti urbani favorevoli allo sviluppo della street art. Sebbene sia un fenomeno nascente in Georgia, la popolarità della street art sta vivendo una rapida crescita. La maggior parte degli artisti di strada georgiani si trova principalmente a Tbilisi. La street art funge da potente mezzo per i giovani artisti per esprimere il dissenso riguardo a numerose questioni sociali e politiche controverse in Georgia, ottenendo così un significativo riconoscimento sociale. Gli artisti chiave di questo movimento includono Gagosh, TamOonz e Dr.Love.

Sarajevo è diventata un importante centro per la street art nell'Europa sudorientale durante gli anni 2010. La città ospita sia il Sarajevo Street Art Festival che il rinomato festival di street art 3D, Beton Fest. Il Sarajevo Street Art Festival si svolge ogni anno a luglio nell'arco di tre giorni e presenta un programma diversificato che comprende numerosi spettacoli di strada, la creazione di un nuovo quartiere bohémien di arte di strada, concerti, la pittura di grandi murales e la presentazione di varie altre espressioni artistiche creative. Beton Fest, in modo univoco, è l'unico festival di arte di strada 3D nell'Europa sudorientale e ha visto la partecipazione di numerosi artisti di strada illustri, tra cui Vera Bugatti, Giovanna la Pietra, Tony Cuboliquido e Manuel Bastante, tra gli altri.

Asia

India

In India, la street art era storicamente prevalente, con gli artisti di strada che spesso producevano materiale promozionale per film e serie televisive. Tuttavia, l’arte digitale sta progressivamente soppiantando i poster dipinti a mano. Dal 1960 agli anni '90, i manifesti stradali si sono rivelati efficaci e hanno avuto risonanza tra il pubblico. Negli anni '90, i manifesti dipinti a mano iniziarono ad essere sostituiti da striscioni flessibili fuori dai teatri. Dopo gli anni 2000, l’importanza dei manifesti stradali è diminuita, lasciando il posto alle alternative stampate digitalmente. Di conseguenza, le forme tradizionali di street art, tra cui la pittura e il disegno, hanno subito un declino in India, in gran parte attribuibile all'adozione dei poster digitali.

Malesia

A George Town, Penang, l'artista lituano Ernest Zacharevic ha prodotto una serie di murales che illustrano la cultura indigena, i residenti e la vita quotidiana. Questi murales sono ora riconosciuti come importanti punti di riferimento culturali di George Town, con Bambini in bicicletta che stanno emergendo come uno dei luoghi più fotografati della città. Dalla loro creazione, la scena locale della street art è fiorita.

Corea del Sud

A Busan, la seconda città più grande della Corea del Sud, il pittore tedesco Hendrik Beikirch ha realizzato un murale alto oltre 70 metri e, al suo completamento nell'agosto 2012, considerato il più alto dell'Asia. Il murale monocromatico raffigura un pescatore. Il progetto è stato facilitato da Public Delivery.

Thailandia

Una notevole collezione di arte di strada di artisti di spicco è situata nel quartiere Bang Rak di Bangkok, in particolare lungo Soi Charoen Krung 28–32, situato tra Charoen Krung Road e il fiume Chao Phraya.

Medio Oriente

Israele

Le aree del sud di Tel Aviv, tra cui Florentin negli anni '90, si sono trasformate da zone industriali in vivaci quartieri di street art. Gli artisti utilizzarono i suoi garage in disuso e le facciate in deterioramento per murales politici, poesie ebraiche, iscrizioni religiose e complessi dialoghi artistici. Artisti di spicco all'interno della comunità di street art di Tel Aviv comprendono Dede, Klone, Broken Fingaz Crew, Know Hope, Kis-Lev e Sigalit Landau. Secondo Lord K2, come riportato in un articolo del *Times of Israel*, questa rinascita culturale ha contribuito alla gentrificazione, portando allo spostamento di una parte significativa della scena dei graffiti. Simon Durban, ex curatore di Banksy, terrà una mostra a Tel Aviv nel 2025.

Emirati Arabi Uniti

A Dubai, la città più grande degli Emirati Arabi Uniti, numerosi artisti rinomati hanno prodotto opere d'arte murale urbana su vari edifici come parte di un'iniziativa lanciata da StreetArtNews, successivamente denominata Dubai Street Museum.

Oceania

Australia

L'arte di strada è prevalente sia nelle principali città che nelle città regionali di tutta l'Australia.

Melbourne è nota per possedere una delle culture di street art più dinamiche e varie al mondo, avendo favorito i pionieri nel mezzo dello stencil. Importanti artisti di strada, tra cui Blek le Rat e Banksy, hanno spesso esposto le loro opere nelle strade di Melbourne negli anni 2000. I consigli locali sostengono e preservano attivamente queste espressioni artistiche. Luoghi importanti all'interno della città comprendono Brunswick, Carlton, Fitzroy, Northcote e il quartiere centrale degli affari, in particolare la rinomata Hosier Lane.

La scena artistica di strada di Sydney è nota per i graffiti e l'arte di strada che si trovano nell'area di Newtown. Il Consiglio comunale di Brisbane approva i graffiti sui semafori e su altri spazi pubblici; tuttavia, ha perseguito Anthony Lister nel 2016, nonostante il vicesindaco David Hinchliffe avesse incoraggiato la sua pittura di semafori nel 1999. Il Brisbane Street Art Festival è un evento annuale dal 2016. Numerosi governi locali in tutta l'Australia implementano programmi per dipingere le semafori.

Nuova Zelanda

Dunedin ha avviato l'arte di strada "ufficiale" in Nuova Zelanda, con il pittore John Noakes che ha creato murales unici su oltre sessanta fermate degli autobus durante gli anni '80, molti dei quali raffiguranti scene locali o temi ispirati alle loro località. Successivamente, il Consiglio comunale di Dunedin ha commissionato una serie di progetti comparabili per adornare le scatole elettriche in tutta la città. Anche i murales stradali sono diventati una caratteristica importante a Dunedin, con più di 30 opere di artisti locali e internazionali aggiunte al centro della città, in particolare all'interno delle aree del Warehouse Precinct e dell'Exchange, da quando all'inizio degli anni 2000 si è tenuto lì un festival internazionale di arte di strada. Queste installazioni includono una delle opere più alte della Nuova Zelanda, un murale di sette piani di Fintan Magee sul muro del Southern Cross Hotel.

Christchurch ha subito una significativa devastazione a causa di due terremoti nel 2010 e nel 2011, che hanno portato alla condanna di 8.000 case e dell'80% del centro della città. Circa due anni e mezzo dopo, la città ha ospitato il suo grande evento culturale inaugurale, il Rise Street Art Festival, che si è tenuto al Museo di Canterbury e prodotto dall'organizzatore australiano di street art Oi YOU!.

Questo evento ha attirato oltre 248.000 visitatori, rendendola la mostra più visitata nella storia del museo, e ha portato alla pittura di 15 murales in tutto il centro della città, ampiamente danneggiata. Questi murales divennero successivamente i simboli della comunità per gli sforzi di rivitalizzazione e ricostruzione di Christchurch.

Due successivi Oi YOU! I festival, entrambi operanti sotto la denominazione Spectrum, incorporavano ampie mostre interne e aumentavano ulteriormente la collezione di murales della città. Dal festival Rise, nel centro della città sono stati creati più di 40 murales, portando la guida Lonely Planet alla street art globale a presentare Christchurch come una delle città più importanti al mondo per sperimentare questa forma d'arte.

Ad Auckland nel 2009, il consiglio comunale ha autorizzato l'uso di scatole elettriche come tele per la street art. Il collettivo locale di street art TMD (The Most Dedicated) ha ottenuto il riconoscimento internazionale vincendo il concorso "Write For Gold" in Germania per due anni consecutivi. Surplus Bargains rappresenta un altro collettivo locale. Nel 2019, un edificio storico ad Auckland è stato dipinto da Ares Artifex senza il consenso dei proprietari.

Africa

Sebbene la street art in Sud Africa non sia diffusa come nei centri urbani europei, il quartiere centrale di Newtown a Johannesburg funge da hub significativo per questa forma d'arte all'interno della città. Il "City Of Gold International Urban Art Festival" ha avuto luogo nel quartiere civico e studentesco di Braamfontein nell'aprile 2012.

Il New York Times ha riportato l'emergere del Cairo come centro regionale per la street art nel 2011. Gli slogan che inizialmente sostenevano il rovesciamento del regime di Mubarak si sono successivamente evoluti in motivi esteticamente e politicamente provocatori.

L'arte di strada proviene dall'Egitto, dalla Tunisia, Lo Yemen e la Libia hanno attirato molta attenzione a partire dalla Primavera araba, in particolare in una mostra del 2012 alla Casa Árabe di Madrid.

Mostre, festival e conferenze

Nel 1981, il Washington Project for the Arts organizzò una mostra intitolata Street Works, che metteva in mostra pionieri dell'arte urbana come Fab Five Freddy e Lee Quiñones creando arte direttamente sulle strade pubbliche.

Il Sarasota Chalk Festival, fondato nel 2007, sponsorizza l'arte di strada di artisti inizialmente invitati dagli Stati Uniti e successivamente da località internazionali. Nel 2011, il festival ha introdotto un programma di murales Going Vertical e il progetto Cellograph per integrare i disegni di strada. Sono stati prodotti film internazionali da e sugli artisti che hanno partecipato a questi programmi, ai loro murales, ai disegni di strada e agli eventi organizzati al festival.

Lo Streetart Festival Istanbul, fondato nel 2007 dall'artista e graphic designer Pertev Emre Tastaban, rappresenta l'evento annuale inaugurale della Turchia dedicato alla street art e ai post-graffiti.

Living Walls, una conferenza annuale sulla street art iniziata nel 2009, ha tenuto il suo evento del 2010 ad Atlanta e il suo evento del 2011 in collaborazione ad Atlanta e Albany, New York. L'organizzazione ha inoltre promosso attivamente l'arte di strada durante Art Basel Miami Beach nel 2011.

L'RVA Street Art Festival, un evento tenutosi a Richmond, Virginia, è iniziato nel 2012 lungo la Canal Walk. La sua edizione del 2013 è stata ospitata nel lotto in disuso del GRTC in Cary Street.

Riconosciuto dal Guinness World Records come il più grande festival di arte di strada del mondo, il Pasadena Chalk Festival è un evento annuale che si tiene a Pasadena, in California. Il festival del 2010 ha visto la partecipazione di circa seicento artisti e ha attirato oltre 100.000 partecipanti.

Nell'aprile 2018, l'UMA – Museo Universale d'Arte ha inaugurato "A Walk Into Street Art", una mostra completa in realtà virtuale che mostra opere di artisti come Banksy, JR, Jef Aérosol, Vhils, Shepard Fairey e Keith Haring.

Il London International Pasteup Festival, fondato nel 2021, è un evento artistico annuale a Shoreditch, Londra, dedicato all'esposizione di opere di artisti specializzati nei sottogeneri di adesivi e pasteup.

L'Eureka Street Art Festival è un evento artistico pubblico annuale che si tiene nella contea di Humboldt, California, dove artisti provenienti dalla California e da luoghi internazionali producono murales e arte di strada per un periodo di una settimana. Nel 2018, ventiquattro artisti hanno creato ventidue installazioni di arte pubblica nella zona del centro storico della città, con particolare attenzione al Vicolo dell'Opera. Il festival del 2019 ha concentrato le sue attività nella regione del centro città.

Film documentari

• Rash (2005), un lungometraggio documentario prodotto da Mutiny Media, indaga il significato culturale della street art e dei graffiti australiani.
• Bomb It (2008), un film documentario, esamina le pratiche di graffiti e street art a livello globale.
• Exit Through the Gift Shop (2010), un film documentario dell'artista Banksy, racconta la storia di Thierry Guetta.
• Style Wars (1983), un documentario della PBS, descrive gli artisti dei graffiti di New York City, tra cui Seen, Kase2, Dez e Dondi.
• Obey Giant (2017), un documentario, esplora la vita e la carriera di Shepard Fairey, un importante artista di strada, illustratore, grafico, attivista e fondatore di OBEY Clothing.

Riferimenti

Riferimenti

• Street Art of Costa Rica, CR – danscape (archiviato il 9 novembre 2021)
• Street Art of Costa Rica, CR – danscape Archiviato il 9 novembre 2021 in Internet Archive.