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Il surrealismo è un movimento artistico e culturale sviluppatosi in Europa all'indomani della prima guerra mondiale in cui gli artisti miravano a consentire alla mente inconscia di...

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surrealismo è un movimento artistico e culturale emerso in Europa dopo la prima guerra mondiale, caratterizzato dagli sforzi degli artisti per facilitare l'espressione della mente inconscia, che spesso si manifesta nella rappresentazione di scenari e concetti illogici o onirici. André Breton, una figura di spicco, articolò il suo obiettivo come la risoluzione delle "condizioni precedentemente contraddittorie di sogno e realtà in una realtà assoluta, una super-realtà", che chiamò surrealità.. Il movimento comprendeva varie discipline artistiche, tra cui pittura, scrittura, fotografia, teatro, cinema, musica e commedia.

Le creazioni surrealiste sono caratterizzate da elementi di sorpresa, giustapposizioni impreviste e non seguito. Tuttavia, numerosi artisti e scrittori surrealisti consideravano principalmente la loro produzione come manifestazioni di un movimento filosofico - esemplificato dal concetto di "puro automatismo psichico" di Breton nel primo Manifesto surrealista - con le opere stesse che fungevano da artefatti secondari dell'esplorazione surrealista. Breton dichiarò inequivocabilmente che il Surrealismo è fondamentalmente uno sforzo rivoluzionario. Contemporaneamente, il movimento mantenne affiliazioni con ideologie politiche come il comunismo e l'anarchismo. Il suo sviluppo fu influenzato in modo significativo dal movimento Dada degli anni '10.

Guillaume Apollinaire coniò il termine "Surrealismo" nel 1917. Tuttavia, la fondazione ufficiale del movimento surrealista avvenne solo dopo l'ottobre 1924, quando la pubblicazione del Manifesto surrealista da parte di Breton affermò con successo la rivendicazione del termine da parte del suo gruppo, sostituendo una fazione concorrente guidata da Yvan Goll, che aveva pubblicato il proprio movimento surrealista. manifesto due settimane prima. Parigi, Francia, è stata il fulcro principale del movimento. A partire dagli anni '20, il surrealismo si diffuse a livello globale, influenzando le arti visive, la letteratura, il teatro, il cinema e la musica in numerosi paesi e contesti linguistici, insieme al pensiero e alla pratica politica, alla filosofia e a varie teorie sociali e culturali.

Costituzione del Movimento

Guillaume Apollinaire coniò inizialmente il termine surrealismo nel marzo 1917. In una lettera a Paul Dermée, affermava: "Tutto sommato, penso che in effetti sia meglio adottare il surrealismo che il soprannaturalismo, che ho usato per primo" [Tout bien examiné, je crois en effet qu'il vaut mieux adopter surréalisme que surnaturalisme que j'avais d'abord Employé].

Apollinaire successivamente utilizzò il termine nelle sue note di programma per la produzione dei Ballets Russes di Sergei Diaghilev, Parade, che debuttò il 18 maggio 1917. Parade presentava uno scenario in un atto di Jean Cocteau e musica composta da Erik Satie. Mentre Cocteau definì il balletto "realistico", Apollinaire estese questa descrizione, etichettando Parade come "surrealista":

Questa nuova alleanza - dico nuova, perché fino ad ora scene e costumi erano legati solo da legami fittizi - ha dato origine, in Parade, a una sorta di surrealismo, che considero il punto di partenza per tutta una serie di manifestazioni del Nuovo Spirito che si fa sentire oggi e che piacerà sicuramente alle nostre menti migliori. Possiamo aspettarci che esso determini profondi cambiamenti nelle nostre arti e nei nostri costumi attraverso la gioia universale, poiché è naturale, dopo tutto, che stiano al passo con il progresso scientifico e industriale. (Apollinaire, 1917)

Apollinaire successivamente riutilizzò il termine, incorporandolo sia come sottotitolo che nella prefazione della sua opera teatrale Les Mamelles de Tirésias: Drame surréaliste, scritta nel 1903 e rappresentata per la prima volta nel 1917.

La prima guerra mondiale portò alla dispersione di scrittori e artisti residenti a Parigi, molti dei quali successivamente si impegnarono con il movimento Dada, spinti dalla convinzione che un eccessivo il razionalismo e i principi borghesi avevano fatto precipitare il conflitto globale. I dadaisti esprimevano il loro dissenso attraverso raduni, performance, scritti e creazioni artistiche anti-arte. Al loro ritorno a Parigi nel dopoguerra, le attività dadaiste continuarono.

Durante la prima guerra mondiale, André Breton, dopo aver ricevuto una formazione in medicina e psichiatria, lavorò in un ospedale neurologico, applicando le tecniche psicoanalitiche di Sigmund Freud ai soldati affetti da shock da granata. Il suo incontro con il giovane scrittore Jacques Vaché portò Breton a percepire Vaché come l'erede spirituale di Alfred Jarry, lo scrittore e fondatore della patafisica. Breton ammirava la disposizione antisociale di Vaché e il suo disprezzo per le tradizioni artistiche convenzionali. Breton più tardi dichiarò: "Nella letteratura, sono stato successivamente preso da Rimbaud, da Jarry, da Apollinaire, da Nouveau, da Lautréamont, ma è Jacques Vaché a cui devo di più."

Al suo ritorno a Parigi, Breton partecipa alle attività dadaiste e cofonda la rivista letteraria Littérature in collaborazione con Louis Aragon e Philippe Soupault. Hanno avviato esperimenti con la scrittura automatica, una tecnica che prevede la produzione testuale spontanea e senza censura, e successivamente hanno pubblicato questi scritti, insieme alle narrazioni dei sogni, all'interno del diario. Breton e Soupault svilupparono ulteriormente le loro tecniche di automatismo, culminando nella pubblicazione di I campi magnetici nel 1920.

Nell'ottobre 1924, il movimento surrealista si era biforcato in due fazioni concorrenti, ciascuna con l'intenzione di pubblicare un Manifesto surrealista. Entrambe le fazioni si affermarono come eredi dello slancio rivoluzionario avviato da Apollinaire. Una fazione, sotto la guida di Yvan Goll, comprendeva Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé e Robert Delaunay, tra gli altri. La fazione di André Breton sosteneva che l'automatismo offrisse una strategia più efficace per la trasformazione sociale rispetto agli approcci dadaisti sostenuti da Tzara, che era diventato un importante rivale. Il collettivo di Breton si espanse fino a comprendere una vasta gamma di scrittori e artisti attraverso vari media, tra cui figure come Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Robert Desnos, Jacques Baron, Max Morise, Pierre Naville, Roger Vitrac, Gala Éluard, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Man Ray, Hans Arp, Georges Malkine, Michel Leiris, Georges Limbour, Antonin Artaud, Raymond Queneau, André Masson, Joan Miró, Marcel Duchamp, Jacques Prévert e Yves Tanguy, Dora Maar.

Nell'evoluzione della loro struttura filosofica, i surrealisti postularono che, sebbene le espressioni convenzionali e rappresentative avessero un valore intrinseco, la loro organizzazione strutturale dovesse rimanere interamente ricettiva alle possibilità immaginative, coerente con i principi della dialettica hegeliana. Inoltre, le loro basi intellettuali si basavano sulla dialettica marxista e sui contributi teorici di studiosi come Walter Benjamin e Herbert Marcuse.

I concetti freudiani, in particolare la libera associazione, l'analisi dei sogni e l'esplorazione dell'inconscio, si rivelarono fondamentali per i surrealisti nel loro sforzo di emancipare l'immaginazione. Sostenevano l’idiosincrasia, confutando allo stesso tempo il concetto di follia intrinseca. Come ha affermato Dalí, "L'unica distinzione tra me e un pazzo è che non sono pazzo."

Oltre all'applicazione dell'analisi dei sogni, i surrealisti sottolineavano il principio secondo cui "elementi non tipicamente co-localizzati potrebbero essere combinati in un unico quadro per generare effetti illogici e sorprendenti". Breton incorporò questo concetto di sorprendenti giustapposizioni nel suo manifesto del 1924, facendolo derivare da un saggio del 1918 del poeta Pierre Reverdy, che articolava: "una giustapposizione di due realtà più o meno distanti. Quanto più distante e vera è la relazione tra le due realtà giustapposte, tanto più forte sarà l'immagine, maggiore sarà il suo potere emotivo e la sua realtà poetica".

Il collettivo cercò di trasformare radicalmente l'esperienza umana attraverso la sua personale, dimensioni culturali, sociali e politiche. Il loro obiettivo era liberare gli individui dalla razionalità ingannevole, così come dai costumi e dalle strutture sociali oppressive. Breton dichiarò che l'autentico obiettivo del Surrealismo era "lunga vita alla rivoluzione sociale, e solo ad essa!" Nel perseguimento di questo obiettivo, i surrealisti si affiliarono periodicamente sia all'ideologia comunista che a quella anarchica.

Durante il 1924, due distinte fazioni surrealiste articolarono i loro principi filosofici all'interno di manifesti surrealisti separati. Allo stesso tempo, fu fondato il Bureau of Surrealist Research, avviando la pubblicazione della rivista La Révolution surréaliste.

I manifesti surrealisti

Prima del 1924 emersero due collettivi surrealisti concorrenti. Entrambi i gruppi affermarono la loro discendenza da un movimento rivoluzionario avviato da Apollinaire. Uno di questi collettivi, sotto la direzione di Yvan Goll, comprendeva figure come Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé e Robert Delaunay, tra gli altri.

La fazione alternativa, guidata da Breton, comprendeva individui tra cui Aragon, Desnos, Éluard, Baron, Crevel, Malkine, Jacques-André Boiffard e Jean Carrive, tra gli altri.

Yvan Goll pubblicò il suo Manifeste du surréalisme il 1° ottobre 1924, nell'edizione inaugurale e unica della sua pubblicazione Surréalisme. Ciò precedette di due settimane l'uscita del Manifeste du surréalisme di Breton, pubblicato dalle Éditions du Sagittaire il 15 ottobre 1924.

La disputa tra Goll e Breton sulla proprietà del termine "Surrealismo" sfociò in un alterco fisico alla Comédie des Champs-Élysées. Alla fine, Breton ha avuto la meglio grazie ai suoi vantaggi tattici e numerici. Nonostante il trionfo di Breton in questo disaccordo fondativo, la traiettoria successiva del Surrealismo fu caratterizzata da divisioni interne, allontanamenti ed espulsioni notevoli, poiché i singoli surrealisti spesso avevano prospettive divergenti sugli obiettivi del movimento e variavano nella loro adesione alle definizioni stabilite di André Breton.

La pubblicazione di André Breton del 1924, il Manifesto surrealista, delineava gli obiettivi fondamentali del Surrealismo. All'interno di questo testo, Breton ha enumerato le influenze del movimento, ha presentato esempi di creazioni surrealiste e ha elaborato il concetto di automatismo surrealista. Successivamente ha offerto le seguenti definizioni:

Dizionario: Surrealismo, sostantivo. Definito automatismo psichico puro, attraverso il quale si mira ad articolare l'autentico funzionamento del pensiero, sia verbalmente, sia in forma scritta, o con qualsiasi altro mezzo. Ciò implica la dettatura del pensiero non vincolato dal controllo razionale e privo di considerazioni estetiche o morali.

Enciclopedia: Surrealismo. Filosofia. Il surrealismo pone le sue fondamenta sulla convinzione di una realtà superiore insita in certe associazioni precedentemente trascurate, nel potere assoluto dei sogni e nel gioco spontaneo e immotivato del pensiero. Il suo obiettivo è smantellare definitivamente altri meccanismi psichici e soppiantarli nell'affrontare le sfide fondamentali della vita.

Espansione

Durante la metà degli anni '20, il movimento surrealista era caratterizzato da incontri nei caffè in cui i partecipanti si impegnavano in esercizi di disegno collaborativo, discutevano sulle teorie surrealiste e innovavano varie tecniche, incluso il disegno automatico. Inizialmente, Breton espresse scetticismo riguardo all’utilità delle arti visive all’interno del Surrealismo, percependole come meno suscettibili alla spontaneità e all’automatismo. Tuttavia, questa riserva fu successivamente superata attraverso lo sviluppo di metodi come il frottage, il grattage e la decalcomania.

Successivamente, un numero crescente di artisti visivi si unì al movimento, in particolare Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Alberto Giacometti, Valentine Hugo, Méret Oppenheim, Toyen e Kansuke Yamamoto. Nel secondo dopoguerra parteciparono anche Enrico Donati, Vinicius Pradella e Denis Fabbri. Nonostante l'ammirazione di André Breton per Pablo Picasso e Marcel Duchamp e i suoi sforzi per reclutarli, entrambi gli artisti mantennero un'associazione periferica. Inoltre, il movimento attirò altri scrittori, tra cui l'ex dadaista Tristan Tzara, René Char e Georges Sadoul.

Un collettivo surrealista indipendente fu fondato a Bruxelles nel 1925, comprendendo il musicista, poeta e artista E. L. T. Mesens, il pittore e scrittore René Magritte, Paul Nougé, Marcel Lecomte e André Souris. Nel 1927, lo scrittore Louis Scutenaire si unì a loro. Questo gruppo di Bruxelles mantenne una corrispondenza costante con le loro controparti parigine e nel 1927 sia Goemans che Magritte si trasferirono a Parigi, integrandosi nell'ambiente artistico di Breton. Questi artisti, traendo influenze da Dada, Cubismo, astrazione di Wassily Kandinsky, Espressionismo e Post-Impressionismo, esplorarono anche tradizioni artistiche precedenti e figure proto-surrealiste come Hieronymus Bosch, insieme a quelle che venivano definite arti primitive e ingenue.

I disegni automatici di André Masson del 1923 sono spesso citati come un momento cruciale che indica l'integrazione delle arti visive nel Surrealismo e un allontanamento da Dada, data la loro incarnazione dell'influenza della mente inconscia. Un altro esempio illustrativo è la scultura di Giacometti del 1925, Torso, che rappresentava il suo spostamento verso forme semplificate e traeva ispirazione dalle tradizioni scultoree preclassiche.

Tuttavia, un esempio notevole della distinzione tracciata tra Dada e Surrealismo dagli studiosi d'arte coinvolge la giustapposizione dell'opera di Max Ernst del 1925, Little Machine Constructed by Minimax Dadamax in Person (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen), con la sua opera del 1927, Il bacio (Le Baiser). Il primo è generalmente percepito come un senso di distacco e un implicito sottotesto erotico, mentre il secondo descrive esplicitamente e direttamente un atto erotico. In Il bacio (Le Baiser), le influenze stilistiche di Miró e Picasso sono evidenti attraverso l'applicazione di fluidi, linee e colori curvati e intersecati. Al contrario, Little Machine Constructed by Minimax Dadamax in Person (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen) mostra un'immediatezza che successivamente ha avuto un impatto su movimenti come la Pop art.

Giorgio de Chirico, attraverso il suo precedente sviluppo dell'arte metafisica, ha costituito un collegamento fondamentale tra la dimensione filosofica e quella visiva del Surrealismo. Dal 1911 al 1917 coltivò uno stile rappresentativo disadorno che successivamente influenzò altri artisti. La sua opera del 1913, La Torre Rossa (La tour rouge), esemplifica i sorprendenti contrasti cromatici e l'approccio illustrativo successivamente abbracciati dagli artisti surrealisti. Nel suo dipinto del 1914, La Nostalgia del poeta (La Nostalgie du poète), una figura è raffigurata con le spalle allo spettatore, mentre la giustapposizione non convenzionale di un busto con gli occhiali e un pesce in rilievo sfida l'interpretazione tradizionale. Come scrittore, il suo romanzo Ebdomero presenta una sequenza di scenari onirici, impiegando un'applicazione non convenzionale di punteggiatura, sintassi e grammatica per stabilire un'atmosfera distinta e contestualizzare le sue immagini. La sua produzione artistica, che comprende scenografie per i Ballets Russes, contribuì a una manifestazione decorativa del surrealismo e influenzò in modo significativo Dalí e Magritte, due artisti che divennero più ampiamente riconosciuti per la loro associazione con il movimento. Tuttavia, si allontanò dal gruppo surrealista nel 1928.

Nel 1924, Miró e Masson iniziarono a incorporare i principi surrealisti nella loro pittura. La mostra surrealista inaugurale, intitolata La Peinture Surrealiste, ebbe luogo alla Galerie Pierre di Parigi nel 1925. Questa mostra presentava pezzi di Masson, Man Ray, Paul Klee, Miró e altri artisti. La mostra affermò la presenza del Surrealismo nelle arti visive, nonostante lo scetticismo iniziale riguardo alla sua fattibilità, e incorporò tecniche dadaiste come il fotomontaggio. Il 26 marzo 1926, la Galerie Surréaliste iniziò le operazioni con una mostra con il lavoro di Man Ray. La pubblicazione di Breton del 1928, Surrealism and Painting, fornì una panoramica completa dello sviluppo del movimento fino a quel momento, un'opera che Breton continuò a rivedere negli anni '60.

Letteratura surrealista

Secondo André Breton, una figura di spicco del movimento, l'opera fondamentale del surrealismo fu Les Chants de Maldoror, mentre il primo testo scritto e pubblicato dal suo gruppo di Surréalistes fu Les Champs Magnétiques (maggio-giugno 1919). Il periodico Littérature presentava scritti automatisti e racconti di sogni. Sia la rivista che il portfolio che l'accompagna dimostrano un rifiuto delle interpretazioni letterali degli oggetti, enfatizzandone invece le correnti poetiche sottostanti. Hanno evidenziato non solo queste correnti sotterranee poetiche ma anche le connotazioni e le sfumature che "esistono in relazioni ambigue con le immagini visive".

La percepita mancanza di organizzazione palese nei pensieri e nelle immagini degli scrittori surrealisti spesso porta alcuni lettori a trovare il loro lavoro difficile da interpretare. Questa percezione, tuttavia, rappresenta una comprensione superficiale, probabilmente influenzata dalla prima difesa di Breton a favore della scrittura automatica come metodo principale per accedere a una realtà superiore. Tuttavia, come esemplificato dalla pratica di Breton, una parte significativa di ciò che viene presentato come puramente automatico è, in realtà, attentamente modificato e deliberatamente concepito. Breton successivamente riconobbe che il significato della scrittura automatica era stato esagerato, portando all’incorporazione di elementi aggiuntivi, in particolare perché la crescente partecipazione di artisti visivi richiedeva approcci più rigorosi per la pittura automatica. Di conseguenza furono adottate tecniche come il collage, in parte ispirate all'ideale di sorprendenti giustapposizioni evidenti nella poesia di Pierre Reverdy. Inoltre, come dimostrato dal lavoro di Magritte – che non utilizzava apertamente tecniche automatiche o collage – il concetto stesso di “unione convulsa” si è evoluto in un distinto mezzo di rivelazione. Il surrealismo era intrinsecamente dinamico, sforzandosi di essere perennemente all’avanguardia, il che naturalmente portò a una continua rivalutazione dei suoi principi filosofici in risposta alle sfide emergenti. Artisti come Max Ernst, attraverso i suoi collage surrealisti, esemplificano questa evoluzione verso una forma d'arte più contemporanea che offre allo stesso tempo un commento sociale.

I surrealisti riaccesero l'interesse per Isidore Ducasse, meglio conosciuto con il suo pseudonimo di Conte de Lautréamont, in particolare per la sua famosa frase, "bella come l'incontro casuale su un tavolo da dissezione di una macchina da cucire e un ombrello", e Arthur Rimbaud. Entrambi gli scrittori della fine del XIX secolo sono considerati precursori del surrealismo.

Opere degne di nota della letteratura surrealista includono Le Pèse-Nerfs (1926) di Artaud, La fica di Irene di Aragon (1927), Morte ai porci di Péret (1929), Mr. Knife Miss Fork (1931), The Blind Owl di Sadegh Hedayat (1937) e Sur la route de San Romano di Breton (1948).

La Révolution surréaliste rimase in pubblicazione fino al 1929, caratterizzata da colonne testuali fitte sulla maggior parte delle pagine, ma anche da riproduzioni d'arte, tra cui brani di de Chirico, Ernst, Masson e Man Ray. Il suo contenuto comprendeva inoltre libri, poesie, opuscoli, testi automatici e trattati teorici.

Cinema surrealista

I primi film surrealisti degni di nota comprendono:

Fotografia surrealista

Famosi fotografi surrealisti includono Dora Maar (francese), Man Ray (americano), Brassaï (francese/ungherese), Claude Cahun (francese) ed Emiel van Moerkerken (olandese). In Giappone, la mostra del 1937 Kaigai Chōgenjitsushugi Sakuhin Ten (Mostra di opere surrealiste d'oltremare), riconosciuta come la mostra inaugurale internazionale del Surrealismo in Giappone, presentava prevalentemente fotografie, molte delle quali erano riproduzioni di dipinti e oggetti surrealisti. Questo movimento fotografico ha avuto un impatto anche sulle comunità d'avanguardia locali; ad esempio, il poeta e fotografo giapponese Kansuke Yamamoto ha partecipato alla Nagoya Photo Avant-Garde.

Teatro surrealista

Il termine surrealista fu inizialmente coniato da Apollinaire per caratterizzare la sua opera teatrale del 1917 Les Mamelles de Tirésias ("I seni di Tiresia"), opera successivamente adattata in un'opera di Francis Poulenc.

I misteri dell'amore (1927) e Victor, or the Children Take Over di Roger Vitrac. (1928) sono spesso considerati ottimi esempi di teatro surrealista, nonostante la sua espulsione dal movimento nel 1926. Queste produzioni furono presentate in anteprima al Teatro Alfred Jarry, un locale co-fondato da Vitrac e Antonin Artaud, un'altra delle prime figure surrealiste che dovette affrontare l'espulsione dal movimento.

In seguito alla sua collaborazione con Vitrac, Artaud ampliò i principi surrealisti attraverso la sua concettualizzazione del Teatro della Crudeltà. Artaud criticava la maggior parte del teatro occidentale definendolo una distorsione del suo scopo fondamentale, che secondo lui avrebbe dovuto essere un incontro mistico e metafisico. Immaginava invece un'esperienza teatrale immediata e diretta, un evento rituale progettato per connettere le menti inconsce di artisti e spettatori. In questo contesto, emozioni, sentimenti e concetti metafisici dovevano essere trasmessi fisicamente piuttosto che attraverso il linguaggio, generando così una visione mitologica, archetipica e allegorica intimamente connessa al regno dei sogni.

Il drammaturgo e regista spagnolo Federico García Lorca esplorò anche il surrealismo, in particolare nelle sue opere teatrali Il pubblico (1930), Quando passano cinque anni (1931) e Gioca senza Titolo (1935). Altre opere surrealiste includono Backs to the Wall di Aragon (1925). L'opera di Gertrude Stein Doctor Faustus Lights the Lights (1938) è stata definita "surrealismo americano", sebbene mostri anche collegamenti con una manifestazione teatrale del cubismo.

Musica surrealista

Durante gli anni '20, numerosi compositori furono influenzati dal Surrealismo o da figure interne al movimento. Tra questi Bohuslav Martinů, André Souris, Erik Satie, Francis Poulenc e Edgard Varèse, il quale affermò che la sua composizione Arcana ebbe origine da una sequenza di sogno. Souris, in particolare, mantenne uno stretto legame con il movimento, coltivando un rapporto di lunga data con Magritte e contribuendo alla pubblicazione Adieu Marie di Paul Nougé. Nel corso del XX secolo, le composizioni di vari artisti, come Pierre Boulez, György Ligeti, Mauricio Kagel, Olivier Messiaen e Thomas Adès, sono state collegate ai principi surrealisti.

Germaine Tailleferre, membro del gruppo francese Les Six, compose diverse opere probabilmente ispirate al surrealismo, tra cui il balletto Paris-Magie del 1948 (con una sceneggiatura di Lise Deharme) e le opere La Petite Sirène (libretto di Philippe Soupault) e Le Maître (libretto di Eugène Ionesco). Inoltre, Tailleferre compose canzoni popolari utilizzando testi di Claude Marci, moglie di Henri Jeanson, il cui ritratto Magritte aveva dipinto negli anni '30.

Nonostante la posizione negativa di André Breton sulla musica, articolata nel suo saggio del 1946 Silence is Golden, i successivi surrealisti, tra cui Paul Garon, identificarono connessioni tra il surrealismo e la natura improvvisativa del jazz e del blues. Questo interesse reciproco veniva occasionalmente ricambiato da musicisti jazz e blues; ad esempio, l'Esposizione mondiale surrealista del 1976 prevedeva esibizioni di David "Honeyboy" Edwards.

Surrealismo e politica internazionale

L'evoluzione del surrealismo come movimento politico ha mostrato un'eterogeneità globale: alcune regioni davano priorità agli sforzi artistici, altre si concentravano sull'impegno politico, mentre alcune pratiche surrealiste miravano a trascendere sia l'arte che la politica. Nel corso degli anni '30, i concetti surrealisti si diffusero dall'Europa al Nord America, al Sud America (in particolare con la fondazione del gruppo Mandrágora in Cile nel 1938), all'America centrale, ai Caraibi e in tutta l'Asia, funzionando sia come filosofia artistica che come dottrina per la trasformazione politica.

Politicamente, il surrealismo comprendeva tendenze trotskiste, comuniste o anarchiche. La divergenza da Dada è stata caratterizzata come uno scisma tra anarchici e comunisti, con i surrealisti che si allineano al comunismo. André Breton e i suoi associati inizialmente sostenevano Leon Trotsky e la sua opposizione di sinistra internazionale, sebbene la ricettività all'anarchismo divenne più pronunciata dopo la seconda guerra mondiale. Alcuni surrealisti, tra cui Benjamin Péret, Mary Low e Juan Breá, adottarono varie forme di comunismo di sinistra. Quando il fotografo surrealista olandese Emiel van Moerkerken si avvicinò a Breton, questi rifiutò di firmare il manifesto a causa della sua posizione non trotskista. Per Breton, il semplice comunismo era insufficiente, portandolo a rifiutare le fotografie di Van Moerkerken per la successiva pubblicazione, il che fece precipitare una divisione all'interno del Surrealismo. Al contrario, figure come Wolfgang Paalen sostenevano la completa emancipazione dalle ideologie politiche; Dopo l'assassinio di Trotsky in Messico, Paalen promosse una separazione tra arte e politica attraverso la sua rivista d'arte controsurrealista DYN, influenzando così l'emergere dell'espressionismo astratto. Sebbene Dalí sostenesse il capitalismo e la dittatura fascista di Francisco Franco, le sue opinioni non rappresentano una tendenza surrealista più ampia; infatti, Breton e la sua cerchia lo consideravano come colui che aveva tradito e abbandonato il surrealismo. Benjamin Péret, Mary Low, Juan Breá e Eugenio Fernández Granell, nato in Spagna, parteciparono al POUM durante la guerra civile spagnola.

I seguaci di Breton, insieme al Partito Comunista, perseguivano la "liberazione dell'uomo". Tuttavia, la fazione di Breton rifiutò di subordinare la creazione artistica radicale alla lotta proletaria, provocando significativi attriti con il Partito che resero tumultuosa la fine degli anni '20 per entrambe le entità. Di conseguenza, numerosi individui strettamente affiliati a Breton, in particolare Aragon, lasciarono il suo gruppo per collaborare più intimamente con i comunisti.

I surrealisti tentarono spesso di collegare le loro attività artistiche e intellettuali con le ideologie politiche e l'attivismo. Ad esempio, nella Dichiarazione del 27 gennaio 1925, i membri dell'Ufficio parigino di ricerca surrealista, tra cui Breton, Aragon, Artaud e circa due dozzine di altri, espressero il loro allineamento con la politica rivoluzionaria. Sebbene questa dichiarazione iniziale fosse alquanto imprecisa, negli anni ’30 molti surrealisti avevano abbracciato fermamente il comunismo. Il testo fondamentale che incarna questa inclinazione all'interno del Surrealismo è il Manifesto per un'arte rivoluzionaria libera, formalmente attribuito a Breton e Diego Rivera, ma in realtà scritto insieme a Breton e Leon Trotsky.

Tuttavia, nel 1933, la tesi dei surrealisti secondo cui la "letteratura proletaria" era irraggiungibile in un quadro capitalista fece precipitare la loro rottura con l'Association des Ecrivains et Artistes Révolutionnaires, culminando con l'espulsione di Breton, Éluard e Crevel dal Partito Comunista.

Nel 1925, il gruppo surrealista parigino collaborò con l'ala di estrema sinistra del Partito Comunista Francese per sostenere Abd-el-Krim, che guidò la rivolta del Rif contro il colonialismo francese in Marocco. Il gruppo parigino ha successivamente inviato una lettera aperta a Paul Claudel, scrittore e ambasciatore francese in Giappone, affermando:

Noi surrealisti abbiamo dichiarato il nostro sostegno alla trasformazione della guerra imperialista, nella sua manifestazione persistente e coloniale, in un conflitto civile. Di conseguenza, abbiamo dedicato i nostri sforzi alla rivoluzione, al proletariato e alle sue lotte, e abbiamo articolato la nostra posizione riguardo alla questione coloniale e, per estensione, alla questione razziale.

Il documento del 1932 "Murderous Humanitarianism", redatto principalmente da Crevel e firmato da Breton, Éluard, Péret, Tanguy e dai surrealisti martinicani Pierre Yoyotte e J.M. Monnerot, può essere considerato un testo fondamentale per quello che in seguito divenne noto come "Surrealismo nero". Tuttavia, l'interazione diretta tra Aimé Césaire e Breton in Martinica durante gli anni '40 fu determinante nella creazione di questo movimento.

Gli scrittori rivoluzionari anticoloniali all'interno del movimento Négritude della Martinica, allora colonia francese, adottarono il surrealismo come metodologia rivoluzionaria, impiegandolo come critica della cultura europea e un approccio soggettivo radicale. Questo impegno ha favorito i collegamenti con altri surrealisti e ha influenzato in modo significativo l’evoluzione del Surrealismo come prassi rivoluzionaria. La rivista Tropiques, che conteneva contributi di Aimé Césaire, Suzanne Césaire, René Ménil, Lucie Thésée, Aristide Maugée e altri, iniziò la pubblicazione nel 1941.

Nel 1938, André Breton, accompagnato da sua moglie, la pittrice Jacqueline Lamba, si recò in Messico per incontrare Trotsky, alloggiando presso l'ex moglie di Diego Rivera, Guadalupe Marino. Durante questa visita, Breton incontrò Frida Kahlo e vide per la prima volta le sue opere d'arte, proclamandola successivamente una pittrice surrealista "innata".

Politica interna

Nel 1929, il gruppo satellite affiliato alla rivista Le Grand Jeu, composto da Roger Gilbert-Lecomte, Maurice Henry e il pittore ceco Josef Sima, dovette affrontare l'ostracismo. Contemporaneamente, a febbraio, Breton ordinò ai surrealisti di valutare il loro "grado di competenza morale" e il secondo manifeste du surréalisme introdusse perfezionamenti teorici che portarono all'esclusione di individui non disposti a impegnarsi in un'azione collettiva, un elenco che includeva Leiris, Limbour, Morise, Baron, Queneau, Prévert, Desnos, Masson e Boiffard. Questi membri esclusi avviarono una controffensiva, criticando severamente Breton nell'opuscolo Un Cadavre, che raffigurava in particolare Breton con una corona di spine. L'opuscolo faceva riferimento a un precedente atto di sovversione tracciando un parallelo tra Breton e Anatole France, il cui valore letterario precedentemente indiscusso Breton aveva messo in discussione nel 1924.

La disunione del 1929-30 e le ripercussioni di Un Cadavre ebbero un impatto negativo minimo sul surrealismo, in particolare dal punto di vista di Breton, poiché figure fondamentali come Aragon, Crevel, Dalí e Buñuel rimasero impegnate al principio dell’azione collettiva, almeno temporaneamente. Il successo, o addirittura la controversia, che circondava il film L'Age d'Or di Dalí e Buñuel nel dicembre 1930 esercitò un'influenza rigeneratrice, attirando numerosi nuovi adepti e stimolando la creazione di innumerevoli nuove opere artistiche nell'anno successivo e nel corso degli anni '30.

I surrealisti scontenti gravitavano verso il periodico Documents, diretto da Georges Bataille, il cui il materialismo antiidealista promosse una forma ibrida di surrealismo volta a esporre gli istinti umani fondamentali. Con sgomento di molti, Documents cessò la pubblicazione nel 1931, proprio mentre il surrealismo sembrava guadagnare slancio.

Diverse riconciliazioni si verificarono in seguito a questo periodo di disunione, in particolare tra Breton e Bataille. Al contrario, Aragon lasciò il gruppo nel 1932 dopo essersi allineato al Partito Comunista Francese. Altri membri furono espulsi nel tempo a causa di varie infrazioni politiche e personali, mentre altri se ne andarono per perseguire direzioni artistiche individuali.

Con la conclusione della seconda guerra mondiale, il gruppo surrealista guidato da André Breton adottò esplicitamente l'anarchismo. Nel 1952, Breton articolò questo allineamento, affermando: "Fu nello specchio nero dell'anarchismo che il surrealismo si riconobbe per la prima volta". Breton sostenne costantemente la Federazione Anarchica francofona, mantenendo la sua solidarietà anche dopo che i Piattaformesti, appoggiando Fontenis, ricostituirono la FA come Fédération Comunista Libertaire. Fu tra i pochi intellettuali che continuarono a sostenere la FCL durante la guerra d'Algeria, quando l'organizzazione subì una dura repressione e fu costretta ad operare clandestinamente, fornendo rifugio anche a Fontenis durante il suo periodo di clandestinità. Breton rifiutò di allinearsi con qualsiasi fazione durante le divisioni all'interno del movimento anarchico francese, e sia lui che Peret espressero anche solidarietà alla nuova Fédération anarchiste fondata dagli anarchici sintetisti, collaborando con la FA nei Comitati Antifascisti degli anni '60.

Età dell'oro

Nel corso degli anni '30, il surrealismo ottenne una crescente visibilità pubblica. A Londra emerse un collettivo surrealista e la sua mostra internazionale surrealista di Londra del 1936 fu, secondo Breton, una pietra miliare significativa per il periodo, stabilendo un precedente per le successive vetrine internazionali. Allo stesso tempo, un altro gruppo surrealista inglese si formò a Birmingham, distinguendosi per la sua opposizione ai surrealisti londinesi e per la sua preferenza per le origini francesi del movimento. Queste due fazioni si riconciliarono successivamente nel corso del decennio.

Dalí e Magritte furono responsabili della produzione dell'immaginario più ampiamente riconosciuto del movimento. Dalí si unì al gruppo nel 1929 e fu determinante nella rapida affermazione del suo stile visivo distintivo tra il 1930 e il 1935.

Come movimento visivo, il surrealismo sviluppò una metodologia specifica: svelare le verità psicologiche privando gli oggetti ordinari del loro significato convenzionale, generando così immagini avvincenti che trascendevano la tipica organizzazione formale, con l'obiettivo finale di suscitare empatia nell'osservatore.

L'anno 1931 segnò un punto cruciale. nell'evoluzione stilistica di diversi pittori surrealisti. La Voce dello spazio (La Voix des airs) di Magritte esemplifica questo sviluppo, raffigurando tre grandi sfere simili a campane sospese sopra un paesaggio. Un altro paesaggio surrealista dello stesso anno è il Palazzo del Promontorio (Palais promontoire) di Yves Tanguy, caratterizzato dalle sue forme fluide e fuse. Tali forme liquide divennero un segno distintivo del lavoro di Dalí, in particolare nel suo dipinto iconico La persistenza della memoria, in cui gli orologi sembrano sciogliersi e afflosciarsi.

Le caratteristiche distintive di questo stile, una sintesi di figurativo, astratto e psicologico, arrivarono a simboleggiare il pervasivo senso di alienazione sperimentato durante l'era moderna, unito a un profondo desiderio di un'esplorazione psicologica più profonda per raggiungere un senso olistico di individualità.

Tra il 1930 e il 1933, il Gruppo surrealista di Parigi pubblica il periodico Le Surréalisme au service de la révolution, che succede a La Révolution surréaliste.

Dal 1936 al 1938, Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford e Roberto Matta diventano membri del gruppo. Paalen introdusse Fumage, mentre Onslow Ford contribuì con Coulage, entrambi rappresentanti nuove tecniche pittoriche automatiche.

Molto tempo dopo che le tensioni interne personali, politiche e professionali portarono alla frammentazione del gruppo surrealista, Magritte e Dalí continuarono ad articolare un programma visivo distinto all'interno delle arti. Questo programma si estendeva oltre la pittura per comprendere la fotografia, come evidenziato da un autoritratto di Man Ray il cui uso dell'assemblaggio influenzò profondamente le scatole di collage di Robert Rauschenberg.

Durante gli anni '30, Peggy Guggenheim, un'importante collezionista d'arte americana, sposò Max Ernst e successivamente iniziò a sostenere le opere di altri surrealisti, tra cui Yves Tanguy e l'artista britannico John Tunnard.

Grandi mostre negli anni '30

La seconda guerra mondiale e il periodo postbellico

La seconda guerra mondiale sconvolse profondamente la società europea, colpendo in particolare artisti e scrittori che si opponevano al fascismo e al nazismo. Di conseguenza, numerosi artisti di spicco cercarono rifugio e relativa sicurezza nel Nord America, principalmente negli Stati Uniti. L'ambiente artistico di New York City era già impegnato con i concetti surrealisti e diversi artisti americani, tra cui Arshile Gorky, Jackson Pollock e Robert Motherwell, svilupparono associazioni strette, anche se a volte caute, con artisti surrealisti autoesiliati. I concetti legati all'inconscio e alle immagini oniriche guadagnarono rapidamente accettazione. Durante la seconda guerra mondiale, le preferenze estetiche dell’avanguardia americana a New York si erano spostate decisamente verso l’espressionismo astratto, un movimento sostenuto da figure influenti come Peggy Guggenheim, Leo Steinberg e Clement Greenberg. Tuttavia, è fondamentale riconoscere che l’espressionismo astratto è emerso direttamente dall’interazione tra artisti americani (in particolare con sede a New York) e surrealisti europei che avevano cercato rifugio durante la seconda guerra mondiale. Gorky e Paalen, in particolare, hanno plasmato in modo significativo l'evoluzione di questa forma d'arte americana che, simile al Surrealismo, valorizzava l'atto umano spontaneo come fonte fondamentale di creatività. Le opere iniziali di molti espressionisti astratti dimostrano una forte connessione con le caratteristiche più evidenti di entrambi i movimenti. Inoltre, la successiva incorporazione dell’umorismo dadaista da parte di artisti come Rauschenberg sottolinea questo legame duraturo. Fino all’avvento della Pop Art, il Surrealismo rimase la singolare influenza più significativa sulla rapida espansione delle arti americane; anche all'interno della Pop Art sono riconoscibili elementi di umorismo surrealista, spesso ricontestualizzati come critica culturale.

Per un periodo, la Seconda Guerra Mondiale ha ampiamente eclissato gli sforzi intellettuali e artistici. Nel 1939, Wolfgang Paalen divenne il primo surrealista a lasciare Parigi per l'esilio nel Nuovo Mondo. Dopo un lungo viaggio attraverso le foreste della Columbia Britannica, si stabilì in Messico e lanciò la sua influente rivista d'arte, *Dyn*. L'anno successivo, il 1940, Yves Tanguy sposò il pittore surrealista americano Kay Sage. Nel 1941, Breton si recò negli Stati Uniti, dove co-fondò la rivista effimera VVV insieme a Max Ernst, Marcel Duchamp e l'artista americano David Hare. Tuttavia, furono il poeta americano Charles Henri Ford e la sua pubblicazione, View, a fornire a Breton una piattaforma significativa per diffondere il surrealismo negli Stati Uniti. Il numero speciale di View dedicato a Duchamp si è rivelato determinante nel plasmare la comprensione pubblica del Surrealismo in America. Questo numero enfatizzava i legami metodologici di Duchamp con il surrealismo, presentava le interpretazioni di Breton del suo lavoro e articolava la prospettiva di Breton secondo cui Duchamp fungeva da collegamento cruciale tra i primi movimenti moderni, come il futurismo e il cubismo, e il surrealismo stesso. Wolfgang Paalen si ritirò successivamente dal gruppo nel 1942, citando disaccordi politici e filosofici con Breton.

Nonostante l'impatto dirompente della guerra sul surrealismo, la produzione artistica all'interno del movimento persistette. Numerosi artisti surrealisti, tra cui Magritte, continuarono a sviluppare i loro vocabolari artistici distintivi. Inoltre, molti membri del movimento surrealista mantenevano la corrispondenza e si riunivano regolarmente. Sebbene Dalí dovette affrontare la scomunica da parte di Breton, non abbandonò le sue preoccupazioni tematiche degli anni '30 - come le allusioni alla "persistenza del tempo" in un dipinto successivo - né tornò a uno stile accademico convenzionale. Il suo cosiddetto "periodo classico" non significò un allontanamento così radicale dai suoi lavori precedenti come suggeriscono alcune interpretazioni; in effetti, figure come André Thirion sostenevano che alcune opere post-scomunica conservassero rilevanza per il movimento. Quando il Blitz di Belfast portò la guerra in Irlanda nel maggio 1941, Colin Middleton, che aveva già esplorato temi surrealisti negli anni '30, rispose creando una serie di opere d'arte cupe che catturavano il profondo shock vissuto dagli abitanti della città. Questi pezzi furono successivamente esposti alla Belfast Municipal Gallery and Museum nel 1943, in seguito al restauro dell'istituzione dopo la sua quasi distruzione durante il blitz.

Durante gli anni '40, l'influenza del surrealismo si estese all'Inghilterra, all'America e ai Paesi Bassi, dove Gertrude Pape e suo marito Theo van Baaren contribuirono alla sua divulgazione attraverso la loro pubblicazione, *Il fazzoletto pulito*. Mark Rothko esplorò forme biomorfiche, mentre in Inghilterra artisti come Henry Moore, Lucian Freud, Francis Bacon e Paul Nash adottarono o sperimentarono metodologie surrealiste. Al contrario, Conroy Maddox, un pioniere del surrealismo britannico il cui contributo al genere iniziò nel 1935, mantenne la sua fedeltà al movimento. Nel 1978, Maddox curò una mostra di arte surrealista contemporanea, intitolata Surrealism Unlimited, a Parigi. Questa mostra, che ottenne consensi internazionali, fu organizzata come una confutazione diretta a una mostra precedente che riteneva una rappresentazione inadeguata del Surrealismo. L'ultima mostra personale di Maddox ebbe luogo nel 2002 e morì tre anni dopo. Allo stesso tempo, la produzione artistica di Magritte si è evoluta verso una rappresentazione più realistica degli oggetti, pur mantenendo costantemente l'elemento caratteristico della giustapposizione, esemplificato da opere come Valori personali (Les Valeurs Personnelles) del 1951 e Impero della luce (L'Empire des lumières) del 1954. Magritte creò anche pezzi iconici che sono diventati parte integrante del discorso artistico, tra cui Il castello dei Pirenei (Le Château des Pyrénées), che riecheggia il motivo del paesaggio sospeso presente nella sua opera del 1931, Voix.

Alcuni individui associati al movimento surrealista rischiarono l'espulsione. Nonostante ciò, diversi artisti, tra cui Roberto Matta, si dichiarano "rimasti vicini al Surrealismo". Degna di nota anche Frida Kahlo; tenne una mostra personale a New York nel 1938, esponendo 25 dipinti, un'impresa incoraggiata personalmente da André Breton.

In Sud America, in particolare in Cile, il collettivo surrealista La Mandrágora è stato fondato nel 1938 da Braulio Arenas, Teófilo Cid ed Enrique Gómez Correa. Questo gruppo diffuse le sue idee attraverso una rivista omonima e giocò un ruolo fondamentale nella diffusione della filosofia surrealista in tutto il Cono Sud, spesso con il sostegno del poeta Vicente Huidobro. Insieme a Matta, La Mandrágora esercitò una notevole influenza letteraria sull'autore Roberto Bolaño.

Dopo la repressione della rivoluzione ungherese nel 1956, Endre Rozsda si trasferì a Parigi, dove continuò a sviluppare la sua espressione artistica distintiva, che si era evoluta oltre il surrealismo tradizionale. In particolare, André Breton scrisse la prefazione per la mostra inaugurale di Rozsda alla Galleria Furstenberg nel 1957.

Una moltitudine di artisti emergenti abbracciò apertamente i principi del Surrealismo. Figure di spicco come Dorothea Tanning e Louise Bourgeois hanno sostenuto le loro pratiche artistiche, esemplificate dal lavoro di Tanning del 1970, Rainy Day Canape. Marcel Duchamp, nel frattempo, creò clandestinamente sculture, tra cui l'installazione *Étant donnés*, che ritrae realisticamente una donna osservata attraverso uno spioncino.

André Breton sostenne con insistenza l'emancipazione della mente umana attraverso i suoi scritti, in particolare con la pubblicazione del 1952 La Torre della Luce. Il suo ritorno in Francia nel dopoguerra diede inizio a un rinnovato periodo di impegno surrealista a Parigi, dove le sue critiche al razionalismo e al dualismo risuonarono presso un pubblico nuovo. Breton affermò fermamente che il surrealismo rappresentava una continua ribellione contro la mercificazione dell'umanità, il formalismo religioso e la sofferenza, sottolineando l'imperativo della liberazione intellettuale.

Mostre significative degli anni Quaranta, Cinquanta e Sessanta

Surrealismo post-bretone

L'afro-surrealismo rappresenta un movimento artistico e letterario situato prevalentemente all'interno della diaspora africana. Trae ispirazione dalla Négritude e dalla letteratura postcoloniale, con la quale converge parzialmente.

Durante gli anni '60, artisti e scrittori affiliati all'Internazionale Situazionista mantennero uno stretto legame con il Surrealismo. Mentre Guy Debord esprimeva una distanza critica dal Surrealismo, altre figure, come Asger Jorn, impiegarono esplicitamente tecniche e metodologie surrealiste. Gli eventi del maggio 1968 in Francia incorporarono diversi concetti surrealisti, con slogan surrealisti familiari che apparivano tra quelli dipinti con lo spray dagli studenti sui muri della Sorbona. Joan Miró successivamente commemorò questi eventi in un dipinto intitolato Maggio 1968. Inoltre, alcuni gruppi, come il Gruppo Surrealista Rivoluzionario, si allinearono con entrambi i movimenti, dimostrando una più forte adesione al Surrealismo.

Negli anni '80, all'interno del blocco orientale, il surrealismo riemerse nella sfera politica attraverso un movimento artistico clandestino di opposizione noto come Alternativa Arancione. Fondata nel 1981 da Waldemar Fydrych (alias "Major"), laureato in storia e storia dell'arte presso l'Università di Wrocław, l'Alternativa Arancione ha utilizzato il simbolismo e la terminologia surrealisti. Organizzarono eventi su larga scala nelle principali città polacche durante il regime di Jaruzelski e dipinsero graffiti surrealisti sopra slogan anti-regime. Lo stesso Fydrych scrisse un "Manifesto del surrealismo socialista", affermando che il sistema socialista (comunista) era diventato così intrinsecamente surrealista da poter essere percepito come un'espressione artistica a sé stante.

L'arte surrealista continua ad attirare un notevole interesse da parte del pubblico dei musei. Il Guggenheim Museum di New York City ha presentato una mostra, Two Private Eyes, nel 1999, mentre la Tate Modern ha ospitato una mostra d'arte surrealista nel 2001 che ha attirato oltre 170.000 visitatori. Nel 2002, il Metropolitan Museum of Art di New York City ha presentato una mostra intitolata Desire Unbound, e il Centre Georges Pompidou di Parigi ha organizzato una mostra chiamata La Révolution surréaliste. Più recentemente, nel 2021-2022, il Metropolitan Museum of Art e la Tate Modern hanno organizzato in collaborazione la mostra internazionale Surrealism Beyond Borders, che ha presentato opere provenienti da 45 o più paesi nell'arco di quasi ottant'anni, con l'obiettivo di rivalutare le reti transnazionali del surrealismo oltre il suo tradizionale focus sull'Europa occidentale.

I gruppi surrealisti e le pubblicazioni letterarie mantengono la loro attività nell'era contemporanea, esemplificata da organizzazioni come il Chicago Surrealist Group, Leeds Surrealist Group, Peculiar Mormyrid e The Surrealist Group di Stoccolma. Jan Švankmajer, una figura di spicco tra i surrealisti ceco-slovacchi, continua a produrre film e a impegnarsi nella sperimentazione degli oggetti.

Impatto e influenze

Sebbene il surrealismo sia prevalentemente associato alle discipline artistiche, la sua influenza si estende a numerosi altri campi. In questo contesto più ampio, il surrealismo non denota esclusivamente i "surrealisti" autoidentificati o quelli sanciti da André Breton; piuttosto, comprende uno spettro di atti creativi di ribellione e tenta di liberare l’immaginazione. Al di là dei suoi fondamenti teorici nelle idee di Hegel, Marx e Freud, i suoi sostenitori vedono la sua dinamica intrinseca come pensiero dialettico. Gli artisti surrealisti hanno anche riconosciuto figure storiche come gli alchimisti, Dante, Hieronymus Bosch, il marchese de Sade, Charles Fourier, il conte de Lautréamont e Arthur Rimbaud come influenze significative.

Maggio 1968

I surrealisti sostengono che le culture non occidentali offrono una continua fonte di ispirazione per gli sforzi surrealisti, presupponendo che alcune possano favorire un equilibrio superiore tra ragione strumentale e libertà immaginativa rispetto alla cultura occidentale. Il surrealismo ha esercitato un impatto evidente sulla politica radicale e rivoluzionaria, sia direttamente – attraverso la partecipazione o l’alleanza di alcuni surrealisti con gruppi, movimenti e partiti politici radicali – sia indirettamente – sottolineando la profonda connessione tra la liberazione dell’immaginazione e della mente e l’emancipazione da strutture sociali repressive e arcaiche. Questa influenza fu particolarmente evidente nei movimenti della Nuova Sinistra degli anni '60 e '70 e nella rivolta francese del maggio 1968, dove lo slogan "Tutto il potere all'immaginazione" fu adottato dai Situazionisti e dagli Enragés dalla teoria e dalla prassi originariamente marxista "Rêvé-luzionaria" sviluppata dal gruppo surrealista francese di Breton.

Postmodernismo e cultura popolare

Il surrealismo ha influenzato in modo significativo numerosi movimenti letterari, sia direttamente che indirettamente, durante la seconda metà del XX secolo, un periodo spesso indicato come era postmoderna. Sebbene una definizione universalmente accettata di postmodernismo rimanga sfuggente, molti dei suoi temi e tecniche caratteristici presentano una sorprendente somiglianza con quelli riscontrati nel surrealismo.

La mostra "First Papers of Surrealism" ha messo in mostra i fondatori del surrealismo, segnando un progresso fondamentale per i movimenti d'avanguardia verso l'arte dell'installazione. La Beat Generation, compresi molti dei suoi scrittori associati, ha sperimentato una profonda influenza da parte dei surrealisti. Philip Lamantia e Ted Joans, ad esempio, sono spesso classificati come autori sia beat che surrealisti. Anche altri scrittori Beat, come Bob Kaufman, Gregory Corso, Allen Ginsberg e Lawrence Ferlinghetti, dimostrano prove sostanziali dell’impatto surrealista. Antonin Artaud, in particolare, esercitò una notevole influenza su molte figure beat, in particolare Ginsberg e Carl Solomon. Ginsberg ha citato esplicitamente "Van Gogh - L'uomo suicidato dalla società" di Artaud come ispirazione diretta per "Howl", insieme a "Zone" di Apollinaire, "Ode to Walt Whitman" di García Lorca e "Priimiititiii" di Schwitters. Inoltre, la composizione strutturale della “Libera Unione” di André Breton ha plasmato notevolmente il “Kaddish” di Ginsberg. Durante la loro permanenza a Parigi, Ginsberg e Corso incontrarono figure di spicco come Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Man Ray e Benjamin Péret, esprimendo la loro ammirazione attraverso gesti come Ginsberg che bacia i piedi di Duchamp e Corso che taglia la cravatta di Duchamp.

William S. Burroughs, una figura centrale della Beat Generation e romanziere postmoderno, collaborò con l'ex surrealista Brion Gysin per sviluppare la tecnica del cut-up. Questo metodo utilizza operazioni casuali per determinare la composizione testuale da parole estratte da diverse fonti, un processo che Burroughs ha definito "l'allodola surrealista" e riconosciuto come debitore alle tecniche di Tristan Tzara.

Il romanziere postmoderno Thomas Pynchon, anch'egli influenzato dalla narrativa Beat, si è impegnato con il concetto surrealista di giustapposizioni sorprendenti a partire dagli anni '60. Ha sottolineato la "necessità di gestire questa procedura con un certo grado di cura e abilità", affermando che "qualsiasi vecchia combinazione di dettagli non funzionerà". Illustrando questo principio, Pynchon ha raccontato un'affermazione di Spike Jones Jr., le cui registrazioni orchestrali del padre lo avevano profondamente influenzato durante l'infanzia: "Una delle cose di cui la gente non si rende conto riguardo al tipo di musica di papà è che, quando si sostituisce un do diesis con uno sparo, deve essere uno sparo di do diesis altrimenti suona terribile."

Numerosi altri scrittori di narrativa postmoderna hanno dimostrato un'influenza diretta dal surrealismo. Paul Auster, ad esempio, ha tradotto la poesia surrealista e ha descritto i surrealisti come "una vera scoperta" per lui. Salman Rushdie, quando identificato come un realista magico, affermò di percepire il suo lavoro come "alleato del surrealismo". David Lynch è ampiamente considerato un regista surrealista, con i commentatori che notano: "David Lynch è tornato alla ribalta come campione del surrealismo", in particolare per quanto riguarda il suo spettacolo Twin Peaks. Per le opere di altri postmodernisti, come Donald Barthelme e Robert Coover, viene spesso tracciato un ampio paragone con il surrealismo.

Il realismo magico, una tecnica letteraria prevalente tra i romanzieri nella seconda metà del XX secolo, in particolare tra gli scrittori latinoamericani, mostra notevoli parallelismi con il surrealismo attraverso la sua giustapposizione tra l'ordinario e l'onirico, come esemplificato negli scritti di Gabriel García Márquez. Carlos Fuentes si è ispirato all'essenza rivoluzionaria della poesia surrealista, evidenziando l'influenza che Breton e Artaud hanno trovato nel nativo Messico di Fuentes. Sebbene il surrealismo abbia influenzato direttamente il realismo magico nelle sue fasi nascenti, molti autori e critici del realismo magico, tra cui Amaryll Chanady e S. P. Ganguly, riconoscono queste somiglianze ma sottolineano anche distinzioni significative spesso oscurate dal confronto diretto. Queste differenze includono la presunta mancanza di interesse del Realismo Magico per la psicologia e gli artefatti culturali europei, che secondo loro sono presenti nel Surrealismo. Alejo Carpentier è un eminente scrittore realista magico che riconobbe il surrealismo come una delle prime influenze, anche se in seguito criticò la sua rigida demarcazione tra reale e irreale poiché non riusciva a rappresentare l'autentica esperienza sudamericana.

Gruppi surrealisti

Il movimento surrealista persistette attraverso vari individui e gruppi dopo la morte di André Breton nel 1966. Sebbene Jean Schuster sciolse l'originale gruppo surrealista parigino nel 1969, successivamente emerse un nuovo collettivo surrealista parigino. Questo gruppo surrealista contemporaneo di Parigi ha recentemente lanciato il numero inaugurale della sua rivista, Alcheringa. Allo stesso tempo, il gruppo dei surrealisti ceco-slovacchi ha mantenuto la sua attività continua, pubblicando la rivista Analogon, che ora ha raggiunto quasi 100 volumi.

L'influenza del surrealismo sul teatro

Il teatro surrealista, insieme al "Teatro della Crudeltà" di Artaud, influenzò in modo significativo numerosi drammaturghi che il critico Martin Esslin definì il "Teatro dell'Assurdo" nella sua pubblicazione del 1963. Nonostante non costituisse un movimento organizzato, Esslin identificò punti comuni tematici e tecnici tra questi drammaturghi, suggerendo un potenziale discendenza dalle influenze surrealiste. Eugène Ionesco, ad esempio, espresse una particolare affinità con il surrealismo, affermando una volta lo status di Breton come pensatore storico fondamentale. Anche Samuel Beckett apprezzava i surrealisti, intraprendendo la traduzione di una parte sostanziale della loro poesia in inglese. Inoltre, altri importanti drammaturghi inclusi nella classificazione di Esslin, come Arthur Adamov e Fernando Arrabal, furono in vari periodi affiliati al gruppo surrealista.

Alice Farley, un'artista americana, iniziò la sua carriera professionale a San Francisco negli anni '70, dopo aver studiato danza presso il California Institute of the Arts. Farley utilizza costumi vibranti e intricati, che definisce "veicoli di trasformazione capaci di rendere visibili i pensieri di un personaggio". Frequentemente impegnata in collaborazioni con musicisti come Henry Threadgill, Farley indaga la funzione dell'improvvisazione nella danza, integrando così una dimensione automatica nelle sue produzioni. La sua partecipazione si estende a diverse collaborazioni surrealiste, in particolare alla Mostra mondiale surrealista tenutasi a Chicago nel 1976.

Precursori proposti nell'arte storica

Diversi artisti storici vengono occasionalmente considerati antecedenti al Surrealismo. Figure di spicco citate includono Hieronymus Bosch e Giuseppe Arcimboldo, quest'ultimo dei quali Dalí notoriamente definì il "padre del Surrealismo". Oltre ai loro seguaci diretti, altri artisti, come Joos de Momper, sono talvolta noti per opere come paesaggi antropomorfi all'interno di questo discorso. Tuttavia, un numero considerevole di critici sostiene che queste creazioni siano più appropriatamente classificate come arte fantastica, poiché mancano di un profondo legame con il Surrealismo.

Artisti surrealisti

Riferimenti

Bibliografia

André Breton
Altre fonti
Çavkanî: Arşîva TORÎma Akademî

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