video arte costituisce una disciplina artistica che sfrutta la tecnologia video come mezzo visivo e uditivo principale. Questa forma d'arte si è materializzata alla fine degli anni '60, in coincidenza con la più ampia accessibilità delle tecnologie video di consumo, come i videoregistratori, oltre i confini delle trasmissioni aziendali. Le manifestazioni della videoarte sono varie e comprendono registrazioni trasmesse, installazioni esposte in gallerie o musei, opere diffuse online o tramite videocassette e DVD e performance che integrano televisori, monitor video e proiezioni per visualizzare immagini e audio dal vivo o preregistrati.
La nomenclatura "videoarte" ha origine dal videonastro analogico, che è servito come tecnologia di registrazione predominante per gran parte della storia del mezzo fino agli anni '90. Successivamente, l’introduzione degli apparecchi di registrazione digitale ha spinto numerosi artisti a indagare la tecnologia digitale come modalità innovativa di espressione artistica. Fondamentalmente, la videoarte si discosta dalle convenzioni consolidate del cinema teatrale; può rinunciare ad attori, dialoghi o a una struttura narrativa distinguibile. Inoltre, la video arte è distinta dalle sottocategorie cinematografiche come il cinema d'avanguardia, i cortometraggi e i film sperimentali.
Storia antica
Nam June Paik, artista coreano-americano con un background in studi tedeschi, è ampiamente riconosciuto come una figura fondamentale nello sviluppo della video arte. Nel marzo 1963 Paik presentò l'Esposizione di musica – televisione elettronica alla Galerie Parnass di Wuppertal. Contemporaneamente, nel maggio 1963, Wolf Vostell espone l'installazione 6 TV Dé-coll/age alla Smolin Gallery di New York e produce il video Sun in your head a Colonia. Quest'ultimo lavoro, Sun in your head, fu inizialmente creato su pellicola 16mm prima di essere trasferito su videocassetta nel 1967.
Una genesi spesso citata della videoarte riguarda l'utilizzo da parte di Nam June Paik del suo Sony Portapak appena acquisito per registrare la processione di Papa Paolo VI attraverso New York City nell'autunno del 1965. Più tardi quel giorno, Paik avrebbe proiettato queste registrazioni in un bar del Greenwich Village, un evento spesso considerato la nascita della videoarte.
Prima dell'avvento delle apparecchiature video di consumo, la produzione di immagini in movimento non commerciali era principalmente limitata ai formati cinematografici da 8 mm e 16 mm. L'introduzione del Portapak, seguita dai periodici miglioramenti tecnologici, ha catalizzato un'ampia esplorazione artistica di questo nuovo mezzo.
Un numero significativo dei primi influenti videoartisti erano contemporaneamente impegnati nell'arte concettuale, nella performance art e nei movimenti cinematografici sperimentali. Notevoli professionisti americani includono Vito Acconci, Valie Export, John Baldessari, Peter Campus, Doris Totten Chase, Maureen Connor, Norman Cowie, Dimitri Devyatkin, Frank Gillette, Dan Graham, Gary Hill, Joan Jonas, Bruce Nauman, Nam June Paik, Bill Viola, Shigeko Kubota, Martha Rosler e William Wegman, tra gli altri. Inoltre, artisti come Steina e Woody Vasulka si sono concentrati sugli attributi formali del video, utilizzando sintetizzatori video per generare composizioni astratte. In Canada, Kate Craig, Vera Frenkel e Michael Snow hanno svolto un ruolo cruciale nel progresso della video arte.
Negli anni '70
Durante il suo apice, gran parte della videoarte prodotta sperimentava formalmente i limiti intrinseci del formato video. Ad esempio, Double Vision dell'artista americano Peter Campus ha integrato i segnali video provenienti da due Sony Portapak tramite un mixer elettronico, producendo un output visivo distorto e profondamente dissonante. Un altro lavoro illustrativo, Vertical Roll di Joan Jonas, prevedeva la ri-registrazione di filmati precedentemente catturati di Jonas che balla mentre contemporaneamente riproduceva i video su un televisore, creando così una rappresentazione stratificata e intricata della mediazione.
Una parte sostanziale della video arte negli Stati Uniti ha avuto origine a New York City, dove The Kitchen, fondato nel 1972 da Steina e Woody Vasulka (con l'assistenza del regista video Dimitri Devyatkin e Shridhar Bapat), fungeva da hub centrale per gli artisti emergenti. Un primo esempio di grafica video multicanale, che utilizza più monitor o schermi, è Wipe Cycle di Ira Schneider e Frank Gillette. Wipe Cycle è stato presentato per la prima volta alla Howard Wise Gallery di New York nel 1969 come parte della mostra "TV as a Creative Medium". Questa installazione, composta da nove schermi televisivi, integrava riprese dal vivo dei visitatori della galleria, contenuti televisivi commerciali e segmenti di nastri preregistrati. Il materiale visivo è stato sequenziato dinamicamente sui monitor in una disposizione meticolosamente coreografica.
Nel 1970, negli studi televisivi statali di San Jose, sulla costa occidentale, Willoughby Sharp iniziò la serie "Videoviews" di dialoghi videoregistrati con artisti. Questa serie "Videoviews" comprendeva le discussioni di Sharp con Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) e Dennis Oppenheim (1974). Contemporaneamente, nel 1970, Sharp organizzò "Body Works", una mostra di video arte di Vito Acconci, Terry Fox, Richard Serra, Keith Sonnier, Dennis Oppenheim e William Wegman, che fu esposta al Tom Marioni's Museum of Conceptual Art di San Francisco, California.
In Europa, la video opera fondamentale di Valie Export, "Facing a Family" (1971), rappresentò un primo esempio di intervento televisivo e trasmissione di video arte. Questo video, trasmesso inizialmente nel programma televisivo austriaco "Kontakte" il 2 febbraio 1971,[11] raffigurava una famiglia borghese austriaca che consumava la cena mentre guardava la televisione, creando così un'esperienza riflessiva per molti spettatori impegnati in attività simili. Export teorizzava che la televisione possedesse la capacità di intricare la dinamica tra il soggetto, lo spettatore e il mezzo stesso. Contemporaneamente nel Regno Unito, "TV Interruptions" (1971) di David Hall fu deliberatamente trasmesso senza preavviso e senza credito sulla TV scozzese, segnando gli interventi artistici inaugurali sulla televisione britannica.
anni '80-'90
La diminuzione dei costi dei software di editing ha ampliato l'accesso del pubblico a queste tecnologie. La diffusa disponibilità di software di editing video ha trasformato gli approcci artistici al mezzo. Allo stesso tempo, l’avvento dei canali televisivi indipendenti in Europa e l’ascesa dei videoclip hanno spinto gli artisti a sfruttare le capacità degli effetti speciali, delle immagini di alta qualità e delle tecniche di editing avanzate, esemplificate da artisti come Gary Hill e Bill Viola. Festival specializzati di videoarte, tra cui il World Wide Video Festival dell'Aia, la Biennale de l'Image di Ginevra e l'Ars Electronica di Linz, sono emersi e hanno sottolineato l'importanza della produzione artistica in questo ambito.
A partire dagli anni '90, le mostre d'arte contemporanea hanno incorporato sempre più video di artisti insieme ad altre opere d'arte e installazioni. Esempi degni di nota includono la Biennale di Venezia (Aperto 93) e la mostra "NowHere" al Louisiana Museum, oltre a numerose gallerie d'arte. Una nuova generazione di artisti ha beneficiato dell’introduzione di attrezzature più leggere, come le Handycam, che hanno facilitato una modalità di espressione più immediata. Artisti come Pipilotti Rist, Tony Oursler, Carsten Höller, Cheryl Donegan e Nelson Sullivan, proprio come i loro predecessori negli anni '60, potevano facilmente lasciare i loro studi per filmare filmati a mano libera senza configurazioni elaborate. A volte integravano le immagini trovate con il loro contenuto originale (ad esempio, Douglas Gordon, Pierre Bismuth, Sylvie Fleury, Johan Grimonprez, Claude Closky) e utilizzavano semplici tecniche di post-produzione. L'esposizione di queste opere è stata agevolata anche dalla disponibilità di monitor nelle gallerie e dalla distribuzione dei contenuti su VHS. Questa generazione emergente non solo ha prefigurato future esplorazioni delle questioni femministe e di genere, ma ha anche aperto la strada a un approccio sempre più ibrido ai media, incorporando elementi come film Super 8 trasferiti, filmati in 16 mm, montaggio digitale, estratti di programmi televisivi e diverse fonti sonore.
Contemporaneamente, musei e istituzioni specializzate in videoarte iniziarono ad adottare la tecnologia digitale. Ne sono un esempio lo ZKM di Karlsruhe, sotto la direzione di Peter Weibel, che ha ospitato numerose mostre tematiche, e il Centre pour l'Image Contemporaine, noto per la sua biennale "Version" (1994-2004), diretta da Simon Lamunière.
L'avvento della tecnologia digitale e di Internet ha facilitato la federazione di database di diversi musei, in particolare l'iniziativa "New Media Art" sviluppata in collaborazione dal Centre Georges Pompidou di Parigi, il Museum Ludwig di Colonia e il Centre pour l'Image Contemporaine (Centro per l'immagine contemporanea) di Ginevra.
Verso la fine del XX secolo, istituzioni e artisti hanno esplorato uno spettro mediatico in espansione, comprendendo immagini 3D, interattività, CD-ROM, Internet e post-produzione digitale. I temi emergenti includevano l'interattività e la non linearità. Alcuni artisti hanno integrato metodologie fisiche e digitali, come esemplificato da "Legged City" di Jeffrey Shaw (1988-91). Altri professionisti utilizzavano l'interattività a bassa tecnologia, come le opere online di Claude Closky "+1" o "Do you Want Love or Lust", coprodotte dalla Dia Art Foundation nel 1996. Tuttavia, questi sviluppi segnarono una transizione dalla video arte tradizionale verso i campi nascenti della New Media Art e dell'Internet Art.
anni 2000–2010
Con l'aumento del volume dei filmati disponibili e delle metodologie di editing, alcuni artisti hanno iniziato a produrre video narrativi intricati senza utilizzare il proprio materiale originale. Ad esempio, Civilization (2008) di Marco Brambilla funziona come un collage o un "video murale", raffigurante temi del paradiso e dell'inferno. Allo stesso modo, *Dial H-I-S-T-O-R-Y* di Johan Grimonprez offre un'interpretazione di 68 minuti della Guerra Fredda e del ruolo dei terroristi, costruita quasi interamente a partire da estratti televisivi e cinematografici d'archivio riguardanti i dirottamenti.
Più in generale, durante il primo decennio del 21° secolo, uno sviluppo significativo nella video arte è stata la sua prominente integrazione nelle mostre internazionali di arte contemporanea. Durante questo periodo, i video degli artisti apparivano spesso in mostre collettive, presentati su monitor o come proiezioni. Tra il 2000 e il 2015, le installazioni video hanno costituito oltre un terzo delle opere esposte ad Art Unlimited, la sezione di Art Basel dedicata alle opere di grandi dimensioni. Una tendenza simile è stata osservata nella maggior parte delle biennali. Una nuova generazione di artisti, tra cui Pipilotti Rist, Francis Alys, Kim Sooja, Apichatpong Weerasethakul, Omer Fast, David Claerbout, Sarah Morris e Matthew Barney, è stata esposta insieme a figure affermate come Roman Signer, Bruce Nauman, Bill Viola, Joan Jonas e John Baldessari.
Alcuni artisti hanno anche ampliato la loro portata di pubblico creando lungometraggi, come nel caso di Apichatpong Weerasethakul, che ha ricevuto la "Palm d'Or" al Festival di Cannes del 2010, o curando importanti eventi pubblici, come visto con la Swiss National Expo02 di Pipilotti Rist.
Nel 2003, Kalup Linzy ha presentato in anteprima Conversations Wit De Churen II: All My Churen, una soap opera satirica a cui viene attribuito il merito di aver stabilito un sottogenere distinto all'interno del video e della performance art. Sebbene il lavoro di Linzy sfidi i generi convenzionali, ha dato un contributo significativo al mezzo. Ryan Trecartin, un giovane artista video sperimentale, utilizza colori vivaci, tecniche di montaggio innovative e recitazione non convenzionale per creare quello che *The New Yorker* descrive come "uno spartiacque culturale".
Performance art e videoarte
La video arte, come mezzo, può essere efficacemente integrata con altre forme di espressione artistica, come la performance art. Questa sintesi viene talvolta definita "media e performance art" quando gli artisti trascendono i tradizionali formati video e cinematografici per espandere i confini artistici. La crescente accessibilità delle videocamere ha consentito la documentazione e la diffusione della performance artistica a un pubblico più ampio. Artisti come Marina Abramović e Ulay hanno sperimentato in particolare la videoregistrazione delle loro performance negli anni '70 e '80. Nel loro pezzo del 1980 intitolato "Rest Energy", Ulay e Abramović sospendevano reciprocamente il loro peso, con Ulay che teneva una freccia puntata al cuore di Abramović mentre lei teneva l'arco. Questa performance di 4 minuti e 10 secondi è stata descritta da Abramović come un'esplorazione della "fiducia completa e totale".
Altri artisti che hanno combinato la video arte con la performance art hanno utilizzato la fotocamera come surrogato integrale del pubblico. Kate Gilmore, ad esempio, ha sperimentato il posizionamento della telecamera. Nel suo video del 2006 “Anything”, ha filmato la sua performance mentre tentava continuamente di raggiungere la telecamera, che era posizionata sopra di lei. Nel corso dei 13 minuti di durata, ha progressivamente legato insieme i mobili mentre cercava con insistenza di accedere alla telecamera. Gilmore incorpora spesso un elemento di lotta, a volte autoimposto, nella sua arte. Nel suo video del 2004 "Il mio amore è un'ancora", ha lasciato che il suo piede si fissasse nel cemento prima di tentare di liberarsi davanti alla telecamera. Gilmore ha affermato di aver imitato gli stili espressivi degli anni '60 e '70, traendo ispirazione da artisti come Marina Abramović, infondendo nel suo lavoro estremismo e lotta.
Alcuni artisti hanno esplorato le dinamiche spaziali nella loro combinazione di video arte e performance art. Ragnar Kjartansson, un artista islandese, ha filmato un intero video musicale intitolato "The Visitors" (2012), con nove artisti distinti, incluso lui stesso, ciascuno filmato in stanze separate. Tutti i partecipanti potevano ascoltarsi a vicenda tramite le cuffie, consentendo loro di eseguire la canzone in modo collaborativo.
Artisti come Jaki Irvine e Victoria Fu hanno sperimentato combinando pellicola da 16 mm, pellicola da 8 mm e video. Questo approccio sfrutta la potenziale discontinuità tra immagini in movimento, spartiti musicali e narrazione per sovvertire qualsiasi percezione di narrativa lineare.
Come disciplina accademica
Dal 2000, i programmi di videoarte si sono progressivamente affermati come discipline accademiche distinte all'interno degli istituti di istruzione superiore, spesso posizionati accanto ai tradizionali programmi di studio cinematografici e radiotelevisivi. I programmi universitari contemporanei, come quelli della Northeastern e della Syracuse, in genere forniscono istruzioni fondamentali sull'illuminazione, sul montaggio e sul funzionamento della telecamera. Sebbene queste competenze di base siano applicabili e di supporto a settori consolidati di produzione cinematografica e televisiva, l'espansione dei media di intrattenimento, guidata da immagini generate al computer (CGI) e altri effetti speciali, integra sempre più competenze avanzate come animazione, grafica animata e progettazione assistita da computer nei corsi di livello superiore all'interno di questo dominio in evoluzione.
Imminenti organizzazioni di video arte
- Ars Electronica Center (AEC), Linz, Austria
- Edith-Russ-Haus per la Media Art, Oldenburg, Germania
- Intermix di arti elettroniche, New York, NY
- Centro televisivo sperimentale, New York
- Collezione Goetz, Monaco di Baviera, Germania
- Imai – istituto d'arte intermediale, Düsseldorf
- Festival dell'Impakt, Utrecht
- Collezione Julia Stoschek, Düsseldorf, Germania
- Kunstmuseum Bonn, con una vasta collezione di video arte
- LA Freewaves, un festival sperimentale di arte multimediale, mette in mostra video arte, cortometraggi e animazione attraverso mostre presentate a Los Angeles e in formato digitale.
- Lumen Eclipse – Harvard Square, Massachusetts
- LUX, Londra, Regno Unito
- London Video Arts, Londra, Regno Unito
- Neuer Berliner Kunstverein, che ha fondato il suo "Video-Forum" nel 1971, con sede a Berlino, Germania
- Fondazione Raindance, New York
- Souvenirs from Earth, una stazione televisiva artistica trasmessa sulle reti via cavo europee (Parigi, Colonia)
- Vtape, Toronto, Canada
- Videoart at Midnight, un progetto di cinema d'artista, Berlino, Germania
- Banca dati video, Chicago, IL.
- VIVO Media Arts Centre, Vancouver, Canada
- Centro ZKM per l'arte e i media Karlsruhe, Germania
- Videobrasil, Associação Cultural Videobrasil, San Paolo, Brasile
- Ibrida Festival, Progetto Vertov, Forlì, Italia
Artmedia
- Artmedia
- Film sperimentale
- INFERMENTALE
- Film interattivo
- Elenco dei videoartisti
- Video musicale
- Visualizzazione della musica
- Arte dei nuovi media
- Feedback ottico
- Grafica computerizzata in tempo reale
- Gratta e vinci video
- Video a canale singolo
- Arte sonora
- Fantino video
- Video poesia
- Videoscultura
- Videoinstallazione
- Sintetizzatore video
- Musica visiva
- VJ
- Making Video 'In' - The Contested Ground of Alternative Video On The West Coast, a cura di Jennifer Abbott (Satellite Video Exchange Society, 2000).
- Videografia: video media come arte e cultura, di Sean Cubitt (MacMillan, 1993).
- Una storia di film e video sperimentali, di A. L. Rees (British Film Institute, 1999).
- Nuovi media nell'arte della fine del XX secolo, di Michael Rush (Thames & Hudson, 1999).
- Mirror Machine: Video and Identity, a cura di Janine Marchessault (Toronto: YYZ Books, 1995).
- Sounding the Gallery: Video and the Rise of Art Music, di Holly Rogers (New York: Oxford University Press, 2013).
- Video Culture: A Critical Investigation, a cura di John G. Hanhardt (Visual Studies Workshop Press, 1986).
- Spostamento di livelli: video contestuale nell'arte e nell'arte Architettura, a cura di Alexandro Ladaga, Silvia Manteiga (Roma, Edilstampa Press, 2014). ISBN 9781291852295
- The Electronic Civilization, in Screencity Lab Academic Journal, a cura di Alexandro Ladaga, Silvia Manteiga n.1, 2012, pp. 4, 11, 37-42. ISBN 978-88-9637-010-0
- Video arte: una visita guidata, di Catherine Elwes (I.B. Tauris, 2004).
- Una storia della video arte, di Chris Meigh-Andrews (Berg, 2006).
- 127kBdiarte, Pensare l'arte online, a cura del Gruppo Elastico di Ricerca Artistica (San Donato, Psiche e Aurora Ed., 2015). ISBN 9788889875421
- Diverse Practices: A Critical Reader on British Video Art, a cura di Julia Knight (Università di Luton/Arts Council England, 1996).
- ARTFORUM, febbraio 1993, con "Travels In The New Flesh" di Howard Hampton (pubblicato da ARTFORUM INTERNATIONAL, 1993).
- Resolutions: Contemporary Video Practices, (a cura di Renov, Michael e Erika Suderburg) (Londra, Minneapolis: University of Minnesota Press, 1996).
- Expanded Cinema, di Gene Youngblood (New York: E.P. Dutton & Company, 1970).
- La problematica della videoarte nel museo 1968-1990, di Cyrus Manasseh (Cambria Press, 2009).
- First Electronic Art Show, scritto da Niranjan Rajah e Hasnul J Saidon, è stato pubblicato dalla National Art Gallery, Kuala Lumpur, nel 1997.
- Expanded Cinema, a cura di David Curtis, A. L. Rees, Duncan White e Steven Ball, è stato pubblicato dalla Tate Publishing nel 2011.
- Retrospektiv-Film-org videokunst i Norge 1960-90, a cura di Farhad Kalantary e Linn Lervik, è stato pubblicato da Atopia Stiftelse, Oslo, nell'aprile 2011.
- Experimental Film and Video, a cura di Jackie Hatfield, è stato pubblicato da John Libbey Publishing nel 2006 e distribuito in Nord America da Indiana University Press.
- REWIND: video di artisti britannici negli anni '70 & Anni '80, a cura di Sean Cubitt e Stephen Partridge, è stato pubblicato da John Libbey Publishing nel 2012.
- Reaching Audiences: Distribution and Promotion of Alternative Moving Image, scritto da Julia Knight e Peter Thomas, è stato pubblicato da Intellect nel 2011.
- Videokunst der 60er Jahre in Deutschland di Wulf Herzogenrath è stato pubblicato dalla Kunsthalle Bremen nel 2006, senza ISBN.
- 40jahrevideokunst.de: Digitales Erbe: Videokunst in Deutschland von 1963 bis heute di Rudolf Frieling e Wulf Herzogenrath è stato pubblicato da Hatje Cantz Verlag nel 2006, con ISBN 978-3-7757-1717-5.
- NBK Banda 4. Pezzi del tempo. Videokunst seit 1963 è stato pubblicato da Verlag der Buchhandlung Walther König, Colonia, nel 2013, con ISBN 978-3-86335-074-1.
- Demolden Video Project: 2009-2014 è stato pubblicato dalla Video Art Gallery, Santander, Spagna, nel 2016, con ISBN 978-84-16705-40-5.
- Valentino Catricalà e Laura Leuzzi hanno contribuito con Cronologia della videoarte italiana alla pubblicazione di Marco Maria Gazzano, KINEMA. Il cinema sulle tracce del cinema. Dal film alle arti elettroniche andata e ritorno, pubblicato da Exorma, Roma, nel 2013.