Neoclassicismo, alternativamente traduzido como Neoclassicismo, manifestou-se como um fenómeno cultural ocidental proeminente nas artes decorativas e visuais, literatura, teatro, música e arquitectura, derivando os seus princípios fundamentais da herança artística e cultural da antiguidade clássica. Este movimento teve origem em Roma, significativamente influenciado pelas contribuições acadêmicas de Johann Joachim Winckelmann em meio às redescobertas arqueológicas de Pompéia e Herculano. A sua influência difundiu-se posteriormente por toda a Europa à medida que estudantes de arte, completando o seu Grand Tour, repatriados de Itália imbuídos de ideais estéticos greco-romanos recentemente apreciados. A principal corrente neoclássica desenvolveu-se a partir do Iluminismo do século XVIII, atingindo seu apogeu no início até meados do século XIX, em última análise, engajando-se em rivalidade estilística com o Romantismo. No domínio arquitetônico, este estilo demonstrou notável longevidade, persistindo ao longo dos séculos XIX e XX, e estendendo-se até o século XXI.
O neoclassicismo europeu, particularmente nas artes visuais, começou por volta de c. 1760, emergindo como um contraponto direto à estética rococó predominante. Enquanto a arquitetura rococó priorizava a graça, a ornamentação elaborada e a assimetria, a arquitetura neoclássica foi fundamentalmente estruturada sobre princípios de simplicidade e simetria. Estas últimas qualidades foram consideradas virtudes inerentes às tradições artísticas da Roma Antiga e da Grécia Antiga, diretamente influenciadas pelo Classicismo Renascentista do século XVI. Todo movimento “neo”clássico adota seletivamente certos modelos do repertório clássico disponível, enquanto desconsidera outros. De 1765 a 1830, os adeptos do Neoclassicismo – incluindo escritores, oradores, mecenas, colecionadores, artistas e escultores – reverenciaram uma ideia da era artística associada a Fídias; no entanto, os exemplos escultóricos que eles favoreciam predominantemente eram muitas vezes reproduções romanas de obras helenísticas. Ao mesmo tempo, eles ignoraram em grande parte a arte grega arcaica e as criações da antiguidade tardia. A significant revelation occurred with the discovery of ancient Palmyra's "Rococo" style art, disseminated through engravings in Robert Wood's seminal work, The Ruins of Palmyra. Dado que a Grécia permaneceu em grande parte desconhecida e era considerada uma região perigosa dentro do Império Otomano, a compreensão da arquitetura grega pelos neoclássicos derivava principalmente de desenhos e gravuras. Essas representações muitas vezes refinavam sutilmente, regularizavam, "corrigiam" e "restauravam" monumentos gregos, às vezes sem intenção consciente.
O estilo Império, representando uma fase subsequente do Neoclassicismo na arquitetura e nas artes decorativas, foi culturalmente centrado em Paris durante a era napoleônica. O neoclassicismo sustentou a sua influência muito além do início do século XIX, particularmente na arquitectura, mas também noutras disciplinas, experimentando períodos recorrentes de revivalismo ao longo do século XX e mesmo no século XXI, nomeadamente nos Estados Unidos e na Rússia.
Histórico
O neoclassicismo constitui um ressurgimento dos diversos estilos e ethos da antiguidade clássica, inspirando-se diretamente no período clássico. Este renascimento coincidiu e refletiu os avanços filosóficos e outros avanços intelectuais da Era do Iluminismo, emergindo inicialmente como uma resposta aos excessos percebidos do estilo Rococó anterior. Embora o movimento seja frequentemente caracterizado como a contrapartida antitética do Romantismo, esta perspectiva representa uma simplificação excessiva significativa que muitas vezes se revela insustentável após um exame mais atento de artistas específicos ou das suas obras. A carreira de Ingres, muitas vezes considerado o principal expoente do Neoclassicismo tardio, exemplifica particularmente esta complexidade. As origens deste renascimento podem estar ligadas ao estabelecimento formal da arqueologia.
Giovanni Pietro Bellori, um arqueólogo e teórico da arte italiano, é reconhecido como um precursor do Neoclassicismo. Em 1664, apresentou uma palestra sobre o “Ideal” na arte na Accademia di San Luca, em Roma, que posteriormente se tornou uma exposição fundamental da teoria da arte idealista. O discurso de Bellori exerceu profunda influência no pensamento acadêmico europeu e mais tarde serviu de base teórica para os princípios neoclássicos defendidos por Winckelmann.
As contribuições acadêmicas de Johann Joachim Winckelmann foram fundamentais para moldar esse movimento nos domínios arquitetônico e artístico visual. Suas obras seminais, Reflexões sobre a Imitação de Obras Gregas na Pintura e Escultura (1755) e Geschichte der Kunst des Alterthums ("História da Arte Antiga", 1764), foram as primeiras a diferenciar distintamente entre a arte grega antiga e a romana. Estes textos também estabeleceram períodos cronológicos na arte grega, traçando uma trajetória de desenvolvimento desde o crescimento inicial até à maturidade, seguida por fases de imitação ou decadência – um quadro conceptual que continua a influenciar a compreensão contemporânea. Winckelmann defendeu uma busca artística de "nobre simplicidade e calma grandeza", exaltando o idealismo inerente à arte grega. Ele postulou que a arte grega revelava "não apenas a natureza em sua forma mais bela, mas também algo além da natureza, ou seja, certas formas ideais de sua beleza, que, como nos ensina um antigo intérprete de Platão, vêm de imagens criadas apenas pela mente". Embora os fundamentos teóricos não fossem novos na arte ocidental, a insistência de Winckelmann na emulação rigorosa dos protótipos gregos foi inovadora, resumida na sua afirmação: "A única maneira de nos tornarmos grandes ou, se isso for possível, inimitáveis, é imitar os antigos."
A Revolução Industrial instigou uma transformação económica global, deslocando as sociedades humanas para processos de produção mais eficientes e estáveis. Esta era promoveu um progresso material significativo e aumentou a prosperidade. Ao mesmo tempo, o surgimento do Grand Tour popularizou a coleção de antiguidades, estabelecendo assim numerosas coleções proeminentes e divulgando um renascimento neoclássico por toda a Europa. Fundamentalmente, "Neoclassicismo" dentro de qualquer disciplina artística denota adesão a um cânone específico derivado de um modelo "clássico".
No contexto inglês, a designação "Neoclassicismo" refere-se principalmente às artes visuais. Um movimento paralelo na literatura inglesa, que antecedeu a tendência das artes visuais, é conhecido como literatura augusta; este estilo, dominante durante várias décadas, já estava em declínio à medida que o Neoclassicismo ganhava destaque nas artes visuais. A literatura francesa exibiu uma trajetória comparável, apesar da terminologia diferente. Musicalmente, este período testemunhou a ascensão da música clássica, com o termo "Neoclassicismo" normalmente reservado para os desenvolvimentos do século XX. No entanto, as óperas de Christoph Willibald Gluck incorporaram uma metodologia neoclássica distinta, articulada no seu prefácio à partitura publicada de Alceste (1769). As reformas de Gluck procuraram simplificar a ópera eliminando a ornamentação excessiva, elevando o papel do coro para se alinhar com a tragédia grega e empregando estruturas melódicas mais diretas e sem embelezamentos.
A denominação "Neoclássico" só surgiu em meados do século XIX; contemporaneamente, o estilo foi caracterizado por descritores como "o verdadeiro estilo", "reformado" e "reavivamento". O período histórico específico ou a estética revivida, entretanto, variou significativamente. Embora os modelos antigos fossem inegavelmente centrais, o estilo também foi percebido como um ressurgimento da Renascença, e particularmente na França, como um retorno ao barroco mais austero e digno da era de Luís XIV. Esta interpretação francesa resultou de uma nostalgia crescente por uma época de ouro passada, coincidindo com um declínio acentuado na preeminência militar e política da França. Notavelmente, o retrato da coroação de Napoleão feito por Ingres incorporou elementos dos dípticos consulares da Antiguidade Tardia e seus renascimentos carolíngios, uma escolha que atraiu censura crítica.
O neoclassicismo alcançou sua expressão mais robusta na arquitetura, escultura e artes decorativas, principalmente porque os protótipos clássicos nesses meios eram comparativamente abundantes e prontamente disponíveis. Em contraste, exemplos de pinturas antigas que incorporavam as qualidades estéticas que Winckelmann identificou na escultura eram, e continuam sendo, escassos. O próprio Winckelmann participou na divulgação das descobertas iniciais de pinturas romanas significativas em Pompéia e Herculano. No entanto, tal como a maioria dos seus contemporâneos, com a notável excepção de Gavin Hamilton, ele achou estas obras desanimadoras, referenciando as observações de Plínio, o Jovem, sobre o declínio da pintura durante a sua própria época.
No que diz respeito à pintura, toda a pintura grega antiga foi perdida. Os pintores neoclassicistas, portanto, empreenderam uma reconstrução imaginativa, inspirando-se em diversas fontes: frisos em baixo-relevo, mosaicos e pinturas em cerâmica; a pintura e as artes decorativas da Alta Renascença do período de Rafael; afrescos encontrados na Domus Aurea de Nero, em Pompéia e em Herculano; e uma apreciação renovada pelas obras de Nicolas Poussin. Conseqüentemente, uma parcela significativa da pintura "neoclássica" é caracterizada mais por seu tema classicizante do que por seus elementos formais ou estilísticos. Durante décadas, persistiu uma disputa fervorosa, embora frequentemente mal informada, sobre os méritos comparativos da arte grega e romana, com Winckelmann e os seus colegas helenistas prevalecendo largamente nesta disputa intelectual.
Pintura, desenho e gravura
O público contemporâneo muitas vezes acha difícil compreender plenamente as qualidades revolucionárias e estimulantes da pintura neoclássica inicial. Mesmo os proponentes do estilo agora o consideram "insípido" e "quase totalmente desinteressante para nós", um sentimento que ecoou nas observações de Kenneth Clark sobre o monumental Parnassus de Anton Raphael Mengs na Villa Albani. Mengs foi um artista que seu associado Winckelmann elogiou como "o maior artista de sua autoria, e talvez de tempos posteriores". Os desenhos de John Flaxman, posteriormente reproduzidos como gravuras, empregavam desenhos minimalistas - considerados o meio clássico por excelência - e predominantemente figuras de perfil para ilustrar A Odisséia e outros temas. Estas obras, que outrora inspiraram “a juventude artística da Europa”, são agora em grande parte “negligenciadas”. Da mesma forma, as composições históricas de Angelica Kauffman, principalmente uma retratista, foram caracterizadas por Fritz Novotny como possuidoras de "uma suavidade untuosa e tediosa". Enquanto a exuberância do Rococó e o dinamismo da arte barroca foram deliberadamente descartados, muitos artistas lutaram para estabelecer novas convenções artísticas. Na falta de precedentes antigos diretos para a pintura histórica, além dos vasos gregos utilizados por Flaxman, os artistas frequentemente adotaram Rafael como um paradigma alternativo, uma prática endossada por Winckelmann.
Por outro lado, certos artistas, cujas criações desafiavam a categorização como "insípidas", integraram elementos do Romantismo dentro de uma estrutura predominantemente neoclássica, contribuindo assim para as trajetórias de ambos os movimentos artísticos. O artista germano-dinamarquês Asmus Jacob Carstens completou apenas uma fração de suas ambiciosas composições mitológicas, deixando principalmente desenhos e estudos de cores. Muitas vezes, eles incorporavam com sucesso o ideal de Winckelmann de "nobre simplicidade e calma grandeza". Em total contraste com os projetos não realizados de Carstens, as águas-fortes de Giovanni Battista Piranesi foram prolíficas e comercialmente bem-sucedidas, amplamente divulgadas por toda a Europa pelos viajantes do Grand Tour. O foco principal de Piranesi foi o patrimônio arquitetônico e as ruínas de Roma, demonstrando um envolvimento mais profundo com a antiguidade do que com temas contemporâneos. O ambiente sutilmente perturbador característico de muitas de suas Vedute (vistas) se intensifica em sua série de 16 gravuras intitulada Carceri d'invenzione ("Prisões Imaginárias"), onde a "arquitetura ciclópica opressiva" evoca poderosamente "sonhos de medo e frustração". O suíço Henry Fuseli, que passou a maior parte de sua vida profissional na Inglaterra, baseou seu estilo artístico em princípios neoclássicos; no entanto, as suas escolhas temáticas e a sua execução alinharam-se frequentemente com a dimensão "gótica" do Romantismo, visando suscitar respostas dramáticas e emocionantes.
A trajetória do Neoclassicismo na pintura foi significativamente reorientada pelo extraordinário triunfo do Juramento dos Horácios de Jacques-Louis David no Salão de Paris de 1785. Embora a obra defendesse os ideais republicanos, foi paradoxalmente encomendada pelo governo real, com David a estipular a sua criação em Roma. David fundiu magistralmente uma estética idealista com um drama profundo e um vigor convincente. A composição apresenta uma perspectiva central ortogonal ao plano do quadro, acentuada pela suave arcada ao fundo. Neste contexto, as figuras heróicas estão dispostas em forma de friso, sugerindo a iluminação teatral e a encenação da ópera, ao lado da paleta clássica que lembra Nicolas Poussin. David rapidamente ascendeu à proeminência como figura proeminente na arte francesa. Após a Revolução Francesa, ele assumiu um papel político, exercendo considerável influência sobre o patrocínio estatal nas artes. Ele manteve sua influência durante a era napoleônica, produzindo peças abertamente propagandísticas, mas foi obrigado a buscar o exílio em Bruxelas após a Restauração Bourbon.
Entre os numerosos alunos de David estava Jean-Auguste-Dominique Ingres, que consistentemente se identificou como um classicista ao longo de sua extensa carreira. No entanto, a sua abordagem artística madura manteve uma ligação ambígua com os princípios fundamentais do Neoclassicismo, e as suas explorações posteriores no Orientalismo e no estilo Trovadorismo revelaram-se muitas vezes difíceis de diferenciar da produção dos seus contemporâneos abertamente românticos, salvo pela preeminência consistente do desenho nas suas composições. Ingres expôs no Salão por mais de seis décadas, começando em 1802 e estendendo-se até o período nascente do Impressionismo, mas seu estilo estabelecido sofreu alterações mínimas.
Escultura
Enquanto a pintura neoclássica enfrentava uma escassez de protótipos antigos, a escultura neoclássica frequentemente enfrentava uma abundância de tais modelos. Durante essa época, as autênticas esculturas gregas do período clássico, iniciadas por volta de 500 a.C., eram raras; conseqüentemente, as obras mais estimadas eram predominantemente reproduções romanas. Escultores neoclássicos proeminentes alcançaram considerável renome em sua época, embora sua apreciação contemporânea seja diminuída, com a notável exceção de Jean-Antoine Houdon. A obra de Houdon consistia principalmente em retratos, frequentemente representados como bustos, que preservavam de forma única a personalidade distinta do modelo, sem sucumbir ao idealismo excessivo. Ao longo da sua extensa carreira, a sua abordagem artística evoluiu para uma estética mais clássica, demonstrando uma transição perfeita da elegância rococó para a solenidade clássica. Distinguindo-se de certos contemporâneos neoclássicos, Houdon não exigia trajes romanos ou nudez para seus súditos. Ele retratou muitas figuras importantes do Iluminismo e viajou para a América para criar uma estátua de George Washington, ao lado de bustos de Thomas Jefferson, Benjamin Franklin e outros fundadores da república nascente. Antonio Canova e o escultor dinamarquês Bertel Thorvaldsen, ambos baseados em Roma, criaram inúmeras figuras ambiciosas em tamanho real e grupos escultóricos, além de retratos. Ambos os artistas resumiram a pronunciada corrente idealizadora da escultura neoclássica. A obra de Canova caracteriza-se pela leveza e graça, contrastando com a abordagem mais austera de Thorvaldsen; esta distinção é evidente em suas respectivas interpretações das Três Graças. Esses escultores, incluindo Flaxman, permaneceram ativos até a década de 1820, à medida que a influência do Romantismo na escultura era gradual, permitindo que o Neoclassicismo persistisse como estilo predominante durante grande parte do século XIX.
Johan Tobias Sergel, um artista sueco, foi um dos primeiros defensores do Neoclassicismo na escultura. John Flaxman, principalmente um escultor, criou relevos clássicos austeros estilisticamente semelhantes às suas gravuras; ele também passou vários anos projetando e modelando cerâmicas neoclássicas para Josiah Wedgwood. Johann Gottfried Schadow e seu filho Rudolph, notável como um dos poucos escultores neoclássicos a morrer prematuramente, foram artistas alemães proeminentes, ao lado de Franz Anton von Zauner na Áustria. O escultor barroco austríaco Franz Xaver Messerschmidt fez a transição para o neoclassicismo no meio de sua carreira, pouco antes de uma aparente crise mental levar sua aposentadoria para o campo. Lá, ele se dedicou a criar "cabeças de personagens" altamente distintas, retratando figuras carecas com expressões faciais exageradas. Essas obras, assim como Carceri, de Piranesi, experimentaram um ressurgimento significativo do interesse acadêmico durante a era psicanalítica do início do século XX. Mathieu Kessels, um escultor neoclássico holandês, treinado por Thorvaldsen e trabalhou predominantemente em Roma.
Antes da década de 1830, os Estados Unidos não tinham uma tradição escultórica indígena, além de esculturas em lápides, cata-ventos e figuras de proa de navios. Consequentemente, o estilo neoclássico europeu foi adotado e permaneceu dominante durante várias décadas, como evidenciado pelas obras de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers e William Henry Rinehart.
Arquitetura e Artes Decorativas
A arte neoclássica incorporava simultaneamente qualidades aparentemente contraditórias: era tradicional mas inovadora, histórica mas moderna, e conservadora mas progressista.
O neoclassicismo inicialmente ganhou destaque na Grã-Bretanha e na França, propagado por estudantes de arte franceses educados em Roma e inspirados nos tratados de Winckelmann. Posteriormente, foi rapidamente abraçado por comunidades de vanguarda em outras nações, incluindo Suécia, Polónia e Rússia. Inicialmente, a ornamentação clássica foi integrada nos estilos arquitetónicos europeus existentes, exemplificados pelos interiores criados para o amante de Catarina, a Grande, o conde Grigory Orlov. Esses interiores, concebidos por um arquiteto italiano e executados por uma equipe de estucadores italianos, exibiam apenas elementos neoclássicos sutis, como medalhões ovais isolados que lembram camafeus e portas em baixo-relevo, enquanto o mobiliário permaneceu inteiramente rococó italiano. o Império Napoleônico. Na França, a manifestação inicial do Neoclassicismo foi denominada "estilo Luís XVI", enquanto sua segunda fase abrangeu os estilos "Directoire" e "Império". Na Itália, o estilo rococó manteve sua popularidade até que o advento do domínio napoleônico introduziu um novo classicismo arqueológico, que foi adotado como uma declaração política por jovens italianos urbanos, progressistas e inclinados ao republicanismo.
Nas artes decorativas, o Neoclassicismo manifestou-se com destaque nos móveis do Império produzidos em grandes cidades como Paris, Londres, Nova York e Berlim, bem como nos móveis Biedermeier da Áustria. Exemplos arquitetônicos incluem os museus de Karl Friedrich Schinkel em Berlim, o Banco da Inglaterra de Sir John Soane em Londres e o recém-construído Capitólio dos Estados Unidos em Washington, DC. Além disso, os baixos-relevos e vasos de "basaltos negros" de Josiah Wedgwood exemplificam o estilo. Seu alcance internacional é ressaltado pelo trabalho do arquiteto escocês Charles Cameron, que projetou opulentos interiores italianos para Catarina, a Grande, em São Petersburgo, na Rússia.
No design de interiores, o Neoclassicismo marcou uma mudança significativa em direção a uma estética clássica autêntica, profundamente influenciada pelas descobertas arqueológicas de Pompéia e Herculano. Embora as escavações iniciais tenham começado no final da década de 1740, a conscientização pública generalizada surgiu na década de 1760, coincidindo com o lançamento dos primeiros volumes luxuosos e meticulosamente distribuídos de Le Antichità di Ercolano (As Antiguidades de Herculano). Essas antiguidades desenterradas revelaram que mesmo os interiores barrocos mais classicizantes, ou as salas "romanas" de William Kent, invertiam fundamentalmente elementos arquitetônicos exteriores como basílicas e templos, levando ao que os observadores contemporâneos muitas vezes percebiam como um estilo bombástico, caracterizado por características como caixilhos de janelas com frontão transformados em espelhos dourados e lareiras coroadas com frentes de templos. Em contraste, os novos interiores neoclássicos visavam reconstruir meticulosamente um vocabulário autenticamente romano e intrinsecamente de design de interiores.
As técnicas neoclássicas abrangiam o uso de motivos mais planos e delicados, muitas vezes representados em relevo baixo, semelhante a um friso, ou pintados em en camaïeu monocromático ("como camafeus"). Elementos decorativos comuns incluíam medalhões isolados, vasos, bustos ou bucrânias, frequentemente suspensos por guirlandas de louro ou fita, ao lado de arabescos delgados colocados contra fundos de "vermelho pompeiano", tons claros ou cores de pedra. Na França, o estilo surgiu inicialmente como um fenômeno parisiense, conhecido como Goût grec ("estilo grego"), em vez de uma estética sancionada pela corte. Após a ascensão de Luís XVI em 1774, sua rainha, Maria Antonieta, uma proeminente árbitra da moda, introduziu o estilo Luís XVI na corte real. No entanto, uma adoção genuína de formas fundamentais de mobiliário romano só ocorreu na virada do século XIX. Os fabricantes de móveis frequentemente se inspiravam na arquitetura antiga, refletindo como os ourives faziam referência com mais frequência à cerâmica antiga e à escultura em pedra do que ao trabalho em metal. Como observa uma observação: "Designers e artesãos... parecem ter tido um prazer quase perverso em transferir motivos de um meio para outro."
Por volta de 1800, um influxo renovado de precedentes arquitetônicos gregos, disseminados através de águas-fortes e gravuras, revigorou o Neoclassicismo, dando origem ao Renascimento Grego. Ao mesmo tempo, o estilo Império emergiu como uma manifestação mais grandiosa do Neoclassicismo na arquitetura e nas artes decorativas. Baseado principalmente na estética imperial romana, este estilo originou-se durante o reinado de Napoleão no Primeiro Império Francês, de onde derivou o seu nome, servindo para idealizar a liderança de Napoleão e o estado francês. Regionalmente, o estilo Império encontra paralelos no estilo Biedermeier mais burguês dos territórios de língua alemã, no estilo Federal nos Estados Unidos, no estilo Regência na Grã-Bretanha e no estilo Napoleão na Suécia. O historiador de arte Hugh Honor postulou que, ao contrário da crença popular, o estilo Império "longe de ser, como às vezes se supõe, a culminação do movimento neoclássico, o Império marca seu rápido declínio e transformação novamente em um mero renascimento antigo, drenado de todas as idéias nobres e força de convicção que inspiraram suas obras-primas." Uma iteração anterior desta tendência estilística na Grã-Bretanha era conhecida como estilo Adam.
O neoclassicismo manteve a sua proeminência como uma força significativa na arte académica ao longo do século XIX e mais além, servindo consistentemente como uma antítese ao Romantismo e aos revivalismos góticos. No entanto, a partir do final do século XIX, círculos críticos influentes caracterizaram-no frequentemente como antimoderno ou mesmo reacionário. Consequentemente, os bairros centrais de várias cidades europeias, particularmente São Petersburgo e Munique, desenvolveram uma aparência semelhante a extensos museus de arquitectura neoclássica.
A arquitectura do Renascimento Gótico, um estilo que surgiu no século XVIII e ganhou considerável popularidade ao longo do século XIX, frequentemente associada ao movimento cultural romântico, apresentou um contraste distinto com o Neoclassicismo. Enquanto o Neoclassicismo foi definido pela sua adesão à estética grega e romana, precisão geométrica e ordem formal, a arquitetura neogótica priorizou estruturas de inspiração medieval, frequentemente projetadas para evocar uma sensibilidade rústica e "romântica".
França
Estilo Luís XVI (1774–1789)
Este estilo significa a mudança do Rococó para o Classicismo. Em contraste com o Classicismo Luís XIV, que estilizou os ornamentos em representações simbólicas, o estilo Luís XVI os apresentou com o máximo realismo e naturalismo; por exemplo, os ramos de louro pareciam verdadeiros ramos de louro e as rosas mantiveram sua forma natural. Um princípio decorativo fundamental era a simetria. As paletas interiores apresentavam tons excepcionalmente brilhantes, abrangendo branco, cinza claro, azul vivo, rosa, amarelo, lilás claro e dourado. A ornamentação excessiva foi evitada deliberadamente. O renascimento da antiguidade implicou principalmente uma nova ênfase nas formas retilíneas, com linhas verticais e horizontais estritas tornando-se predominantes. Elementos curvilíneos, como linhas serpentinas, foram amplamente proibidos, com exceção de semicírculos ou ovais ocasionais. O design de interiores abraçou de forma semelhante esta estética rigorosa, levando ao ressurgimento de superfícies planas e ângulos retos. A ornamentação servia para moderar esta austeridade, mas respeitava consistentemente as linhas fundamentais e era invariavelmente disposta simetricamente em torno de um eixo central. No entanto, ébénistes frequentemente chanfravam os ângulos principais para mitigar a rigidez indevida.
Os motivos decorativos característicos do estilo Luís XVI inspiraram-se na antiguidade, no estilo Luís XIV e em elementos naturais. Os elementos estilísticos distintivos incluíam uma tocha cruzada com uma aljava de flechas, discos imbricados, padrões guilloché, nós duplos, braseiros fumegantes, repetições lineares de pequenos motivos (como rosetas, contas e oves), troféus ou medalhões florais suspensos por fitas atadas, folhas de acanto, gadrooning, entrelaçados, meandros, cornucópias, mascarons, urnas antigas, tripés, perfume queimadores, golfinhos, cabeças de carneiro e leão, quimeras e grifos. Motivos arquitetônicos greco-romanos também foram amplamente empregados, abrangendo caneluras, pilastras (caneladas e não caneladas), balaústres canelados (torcidos e retos), colunas (engatadas e não engatadas, ocasionalmente substituídas por cariátides), cachorros em voluta e tríglifos com gutas (representados em relevo e trompe-l'œil).
O estilo Directoire (1789–1804).
O estilo Império (1804–1815).
O neoclassicismo emergiu como uma estética definidora para a sociedade francesa pós-revolucionária, influenciando todas as facetas da vida, incluindo a expressão artística. A máquina Jacquard, que revolucionou o sistema de costura anteriormente manual, foi inventada nesta época. O vermelho, muitas vezes adornado com bronze dourado, era uma cor proeminente. Além disso, foram utilizadas cores brilhantes como branco, creme, violeta, marrom, azul e vermelho escuro, normalmente apresentando ornamentação mínima de bronze dourado. Os elementos arquitetônicos interiores eram compostos por painéis de madeira embelezados com relevos dourados, sobre fundos brancos ou coloridos. Os motivos foram dispostos com precisão geométrica. As paredes foram acabadas com estuques ou tecidos de papel de parede. Cornijas de lareira, feitas de mármore branco, frequentemente apresentavam cariátides em seus cantos ou outros elementos decorativos, como obeliscos, esfinges e leões alados. Objetos de bronze, incluindo relógios de lareira, eram frequentemente posicionados sobre essas cornijas. As portas eram compostas por painéis retangulares simples, cada um adornado com uma figura central inspirada na arte pompeiana. Os têxteis da era do Império incluíam damascos com motivos azuis ou marrons, cetins com motivos verdes, rosa ou roxos, veludos em tons semelhantes, brocados entrelaçados com ouro ou prata e vários tecidos de algodão. Esses materiais foram amplamente empregados em interiores para cortinas, revestimentos de móveis, almofadas e estofados; couro também foi utilizado para estofamento.
A ornamentação característica do estilo Império é rigorosamente simétrica, ecoando os princípios estéticos da época de Luís XIV. Normalmente, os motivos em lados opostos de um objeto exibem uma correspondência precisa; alternativamente, se tal espelhamento direto estiver ausente, os próprios motivos individuais serão inerentemente simétricos. Os exemplos incluem cabeças clássicas com tranças idênticas em ambos os ombros, representações frontais da Vitória com túnicas drapeadas simetricamente ou pares de rosetas ou cisnes idênticos posicionados ao lado de uma placa de bloqueio. Semelhante a Luís XIV, Napoleão estabeleceu um conjunto distinto de emblemas inequivocamente ligados ao seu reinado. Estes incluíam proeminentemente a águia, a abelha, as estrelas e as iniciais I (representando Imperator) e N (para Napoleão), frequentemente incluídas dentro de uma coroa de louros imperial. Os motivos comuns incluíam figuras da Vitória segurando ramos de palmeira, dançarinas gregas, figuras femininas nuas e drapeadas, representações de carruagens antigas, putti alados, mascarons representando Apolo, Hermes e a Górgona, bem como cisnes, leões, cabeças de bois, cavalos e feras. Outros elementos incluíam borboletas, garras, quimeras aladas, esfinges, bucranias, cavalos-marinhos, coroas de carvalho presas por finas fitas, videiras trepadeiras, rinceaux de papoula, rosetas, ramos de palmeira e louro. Também foi empregado um número significativo de motivos derivados da antiguidade greco-romana, como folhas de acanto rígidas e achatadas, palmetas, cornucópias, contas, ânforas, tripés, discos imbricados, caduceus de Mercúrio, vasos, capacetes, tochas acesas, trompetistas alados e vários instrumentos musicais antigos, notadamente tubas, chocalhos e especialmente liras. Apesar das suas origens clássicas, as caneluras e os tríglifos que eram proeminentes durante o período Luís XVI estavam notavelmente ausentes. Os motivos do Renascimento Egípcio foram particularmente prevalentes na fase inicial deste período, apresentando elementos como escaravelhos, capitéis de lótus, discos alados, obeliscos, pirâmides, figuras adornadas com nemeses e cariátides en gaine, caracterizadas por pés descalços e cocares femininos egípcios.
Alemanha
A arquitetura neoclássica ganhou ampla adoção na Alemanha, especialmente na região então conhecida como Prússia, servindo como um emblema de riqueza e autoridade. Karl Friedrich Schinkel foi responsável pela construção de numerosos edifícios distintos neste estilo, entre eles o Museu Altes em Berlim. Embora o planejamento urbano de Berlim tenha mantido em grande parte seu caráter barroco, as contribuições arquitetônicas e estética funcional de Schinkel dotaram a cidade de um núcleo neoclássico distinto.
A Bauakademie, projetada por Schinkel, é considerada um precursor da arquitetura moderna, principalmente devido à sua fachada simplificada sem precedentes.
Itália
Ao longo da segunda metade do século XVIII e todo o século XIX, a Itália passou por transformações socioeconômicas substanciais, múltiplas incursões estrangeiras e o tumultuado movimento Risorgimento, culminando na unificação da nação em 1861. Consequentemente, a arte italiana passou por uma sucessão de mudanças estilísticas, tanto sutis quanto profundas.
O neoclassicismo italiano representou o surgimento inicial do período neoclássico mais amplo e persistiu por um período duração mais longa do que outras iterações nacionais do estilo. Este movimento evoluiu em contraste com o estilo barroco, começando por volta de c. 1750 e continuando até aproximadamente c. 1850. O neoclassicismo originou-se simultaneamente com a redescoberta de Pompeia e disseminou-se por toda a Europa à medida que uma geração de estudantes de arte, tendo completado o Grand Tour em Itália, regressava às suas terras natais imbuídos de renovados ideais greco-romanos. Inicialmente, o seu epicentro foi Roma, onde artistas como Antonio Canova e Jacques-Louis David se destacaram durante a segunda metade do século XVIII, antes da mudança do movimento para Paris. Pintores Vedute, incluindo Canaletto e Giovanni Paolo Panini, também alcançaram considerável aclamação durante a era do Grand Tour. A arquitetura neoclássica inspirou-se nas obras renascentistas de Andrea Palladio, sendo Luigi Vanvitelli reconhecido como um dos principais expoentes do estilo.
A literatura classicista influenciou significativamente o movimento do Risorgimento. Figuras-chave desta época incluíram Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti, Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi e Alessandro Manzoni (sobrinho de Cesare Beccaria), todos também moldados pelo Iluminismo francês e pelo Romantismo alemão. O virtuoso violinista Paganini, ao lado das óperas de Rossini, Donizetti, Bellini e, posteriormente, de Verdi, foram forças dominantes na música clássica e romântica italiana.
As contribuições artísticas de Francesco Hayez, e particularmente as dos Macchiaioli, significaram um afastamento da escola clássica, que concluiu com a unificação da Itália. O neoclassicismo permanece como o último estilo artístico de origem italiana, após o Renascimento e o Barroco, para alcançar ampla disseminação na arte ocidental.
Romênia
O século XIX na Valáquia e na Moldávia, que mais tarde formou o Reino da Roménia, foi largamente dominado pelo Classicismo. Este estilo arquitetônico persistiu até o século XX, coexistindo ocasionalmente com outros estilos por breves períodos. A partir do início do século XIX, arquitectos e engenheiros estrangeiros foram contratados, uma vez que os profissionais romenos locais não tinham a formação especializada necessária para projectar estruturas significativamente divergentes da arquitectura tradicional romena. Estes especialistas estrangeiros, empregando principalmente o Classicismo, colaboraram com artesãos romenos, muitos dos quais receberam formação em escolas ou academias internacionais. Ao mesmo tempo, os arquitectos romenos também prosseguiram a sua formação em instituições da Europa Ocidental. Uma figura notável que representou o Neoclassicismo na Roménia foi Alexandru Orăscu.
O Classicismo encontrou expressão tanto em formas arquitectónicas religiosas como seculares. O Palácio Știrbei, localizado na Calea Victoriei em Bucareste, exemplifica o Classicismo secular. Construído por volta de 1835 com base em projetos do arquiteto francês Michel Sanjouand, o palácio teve posteriormente um nível adicional projetado pelo arquiteto austríaco Joseph Hartmann em 1882.
Ucrânia
Várias cidades ucranianas conservam um legado arquitectónico substancial dos períodos dos impérios russo e austro-húngaro, um testemunho do controlo histórico dos territórios ucranianos por vários estados estrangeiros. A rua Teatralna em Kropyvnytskyi serve como uma ilustração proeminente, onde todas as estruturas foram erguidas no século 19 em estilo neoclássico por arquitetos europeus.
Rússia e União Soviética
De 1905 a 1914, a arquitetura russa experimentou um renascimento neoclássico conciso, mas impactante. Este movimento originou-se com a reinterpretação do estilo do Império Alexandrino e rapidamente se diversificou em várias abordagens neo-renascentistas, palladianas e clássicas modernizadas. Liderando esta tendência estavam arquitectos nascidos na década de 1870, incluindo Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky, que atingiram o seu apogeu criativo antes da Primeira Guerra Mundial. Após a recuperação económica na década de 1920, estes arquitectos e os seus discípulos persistiram numa paisagem arquitectónica predominantemente modernista. Enquanto alguns, como Zholtovsky, aderiram rigorosamente aos princípios clássicos, outros, como Fomin, Shchuko e Ilya Golosov, desenvolveram seus estilos modernizados distintos.
A supressão da autonomia arquitetônica e a rejeição oficial do modernismo em 1932, notavelmente evidenciada pela competição internacional pelo Palácio dos Sovietes, levou à promoção imediata do Neoclassicismo como uma opção chave, embora não exclusiva, dentro da arquitetura stalinista. Este estilo coexistiu com os designs moderadamente modernistas de Boris Iofan, que por vezes beiravam o Art Déco contemporâneo, como se vê nas obras de Shchuko. Os exemplos mais puros de Neoclassicismo, contudo, emergiram da escola Zholtovsky, que permaneceu um fenómeno distinto e um tanto isolado. Embora esta intervenção política se tenha revelado prejudicial para os proponentes construtivistas, foi recebida com entusiasmo pelos arquitectos alinhados com as tradições clássicas.
O neoclassicismo revelou-se uma escolha pragmática para a União Soviética porque não necessitava de tecnologias de construção avançadas como estruturas de aço ou betão armado, permitindo a sua reprodução utilizando alvenaria tradicional. Conseqüentemente, os projetos de Zholtovsky, Fomin e outros mestres consagrados foram prontamente replicados em cidades distantes, mesmo em meio a um rigoroso racionamento de materiais. Os avanços pós-Segunda Guerra Mundial na tecnologia de construção permitiram que os arquitetos stalinistas empreendessem projetos de arranha-céus. No entanto, estas estruturas imponentes, incluindo exemplos "exportados" como o Palácio da Cultura e da Ciência em Varsóvia e o Centro Internacional de Convenções de Xangai, tinham uma semelhança estilística mínima com os precedentes clássicos. O neoclassicismo e o neo-renascimento continuaram a ser empregados em empreendimentos residenciais e de escritórios menos complexos até 1955, quando Nikita Khrushchev encerrou a era da cara arquitetura stalinista.
Reino Unido
O estilo Adam originou-se com os irmãos Adam e James, que em 1777 publicaram um volume de águas-fortes detalhando a ornamentação interior. Nos projetos de interiores executados de acordo com as especificações de Robert Adam, paredes, tetos, portas e outras superfícies são segmentadas em grandes painéis - retangulares, circulares ou quadrados - adornados com estuque e motivos greco-romanos ao longo de suas bordas. Os elementos decorativos comuns incluem festões, colares de pérolas, faixas de ovo e dardo, medalhões e outros motivos derivados da antiguidade clássica, especialmente desenhos etruscos. Acessórios decorativos complementares, como vasos de pedra em forma de urna, talheres dourados, luminárias e estatuetas, inspiram-se consistentemente na antiguidade clássica. O estilo Adam apresenta com destaque espelhos retangulares refinados, muitas vezes emoldurados como pinturas com motivos de folhas estilizadas, ou encimados por um frontão que sustenta uma urna ou medalhão. Outro desenho característico do espelho Adam lembra uma janela veneziana, apresentando um grande espelho central flanqueado por dois mais estreitos e alongados. Os espelhos ovais, frequentemente embelezados com festões, constituem outro tipo distinto. Os móveis feitos neste estilo apresentam semelhanças estruturais com os móveis de Luís XVI.
Além do estilo Adam, as artes decorativas da Inglaterra também são conhecidas pelo fabricante de cerâmica Josiah Wedgwood (1730-1795), que fundou a cerâmica da Etrúria. A louça Wedgwood é composta principalmente de jaspe, um grés durável e de grão fino. Os vasos Wedgwood normalmente apresentam decorações em relevo de duas cores, mais comumente com figuras brancas contra um fundo azul.
Estados Unidos
No continente americano, as práticas arquitetônicas e de design de interiores foram profundamente moldadas pelos desenvolvimentos estilísticos europeus. As preferências estéticas francesas influenciaram notavelmente os estados do sul, em parte devido ao afluxo de emigrantes após a Revolução Francesa e à significativa herança francesa da população do Canadá. O ethos pragmático e as condições materiais prevalecentes dos americanos durante esta época conferiram um carácter distinto aos espaços interiores. Todos os móveis, tapetes, talheres, cerâmicas e talheres americanos, embora incorporando várias influências europeias e, ocasionalmente, islâmicas, turcas ou asiáticas, foram produzidos de acordo com os padrões, gostos e requisitos funcionais americanos. Os Estados Unidos vivenciaram períodos caracterizados pelos estilos Queen Anne e Chippendale. Uma estética exclusivamente americana, o estilo Federal, emergiu plenamente no século XVIII e no início do século XIX, florescendo sob a influência do gosto britânico. Impulsionado pelo Neoclassicismo, este período viu a criação de arquitetura, interiores e móveis distintos. Apesar de apresentar variações regionais, o estilo manteve uma unidade fundamental. As estruturas arquitetônicas, interiores e de mobiliário eram predominantemente classicistas, integrando elementos do barroco e do rococó. As formas geométricas comuns incluíam retângulos, ovais e crescentes. As paredes e os tetos apresentavam frequentemente painéis de estuque ou madeira reproduzindo motivos classicistas. Os móveis geralmente incorporavam marchetaria floral e incrustações de bronze ou latão, às vezes douradas.
Jardins
Na Inglaterra, a literatura augusta encontrou um paralelo direto no estilo augustano de paisagismo, com conexões claras evidentes nas obras de Alexander Pope. Exemplos notáveis de jardins neoclássicos ingleses que sobreviveram incluem Chiswick House, Stowe House e Stourhead.
Moda
O neoclassicismo influenciou significativamente a moda feminina, promovendo uma estética mais simples e uma preferência sustentada pelas peças brancas, tendências que surgiram bem antes da Revolução Francesa. No entanto, foi apenas após a Revolução que a emulação abrangente de estilos antigos ganhou ampla aceitação na França, especialmente entre as mulheres. Antes disso, o traje clássico era tipicamente confinado a sessões de retratos, onde mulheres elegantes posavam como figuras da mitologia grega ou romana - uma prática exemplificada por numerosos retratos de Emma, Lady Hamilton na década de 1780 - e para bailes de máscaras, ou como roupa informal dentro de casa, semelhante a outros estilos exóticos. No entanto, os conjuntos popularizados por formadores de opinião parisienses como Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais e Thérésa Tallien passaram do retrato para o vestuário público. Observando Madame Tallien na ópera, Talleyrand observou a famosa observação: "Il n'est pas Possible de s'exposer plus somptueusement!" ("Não se poderia estar mais suntuosamente despido"). Antes da Revolução em 1788, a retratista da corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun ofereceu uma "ceia grega", onde os participantes vestiram túnicas gregas brancas simples. Os penteados clássicos mais curtos, muitas vezes encaracolados, revelaram-se menos controversos e foram amplamente adotados, fazendo com que os cabelos ficassem descobertos mesmo ao ar livre, um afastamento do costume anterior de usar gorros ou outras coberturas em ambientes fechados, exceto para roupas formais de noite. Em vez disso, finas fitas ou filetes de inspiração grega eram empregados para adornar e amarrar o cabelo.
Essas roupas eram caracterizadas por sua extrema leveza e caimento solto, predominantemente brancas, e frequentemente apresentavam braços surpreendentemente nus. Eles se estendiam do tornozelo até logo abaixo do corpete, onde uma bainha ou gravata fina distinta, muitas vezes contrastante, circundava o corpo. Esta forma distinta é agora comumente chamada de silhueta do Império, apesar de suas origens anteriores ao Primeiro Império Francês de Napoleão. No entanto, a Imperatriz Joséphine de Beauharnais, primeira esposa de Napoleão, desempenhou um papel fundamental na divulgação deste estilo por toda a Europa. Um xale ou xale longo e retangular, geralmente vermelho liso, mas retratado com uma borda embelezada em retratos, oferecia um calor prático em climas mais frios. Quando sentado, este acessório ficava pendurado em torno da barriga, muitas vezes complementando as posturas semi-reclinadas e esparramadas preferidas. No início do século XIX, estas tendências da moda alcançaram uma adoção generalizada em todo o continente europeu.
A moda neoclássica apresentou desafios consideravelmente maiores para os homens e em grande parte não conseguiu ganhar força, com a notável exceção dos estilos de cabelo. Contribuiu significativamente para a adoção de cabelos mais curtos, acabando por substituir o uso de perucas e, posteriormente, de pó branco para cabelos entre os homens mais jovens. Historicamente, as calças simbolizavam o bárbaro para os gregos e romanos; conseqüentemente, poucos homens fora dos estúdios artísticos, especialmente os de escultores, estavam inclinados a descartá-los. Esta época, no entanto, marcou a ascendência das calças compridas, ou pantalonas, sobre as culotte (calças até os joelhos) características do Antigo Regime. Até mesmo o projeto de Jacques-Louis David para um novo “traje nacional” francês em 1792, encomendado pelo governo em meio ao intenso fervor revolucionário pela transformação social, incorporava leggings relativamente justas sob um casaco que terminava acima do joelho. Um segmento substancial de jovens ricos serviu nas forças armadas durante o período crítico das Guerras Revolucionárias Francesas. Os uniformes militares, que passaram a apresentar jaquetas encurtadas na frente para exibir totalmente as calças justas, eram frequentemente usados fora do serviço e, conseqüentemente, influenciavam o traje civil masculino.
O "problema das calças" foi reconhecido pelos artistas como um impedimento significativo à criação de pinturas históricas contemporâneas, uma vez que as calças, juntamente com outros elementos do vestuário moderno, eram amplamente percebidas por muitos artistas e críticos como inerentemente pouco heróicas e esteticamente pouco atraentes. Consequentemente, diversas estratégias artísticas foram empregadas para contornar sua representação em cenas contemporâneas. Por exemplo, em James Dawkins e Robert Wood Descobrindo as Ruínas de Palmyra (1758), de Gavin Hamilton, os dois cavalheiros antiquários são retratados em vestes árabes semelhantes a togas. Da mesma forma, em Watson and the Shark (1778), de John Singleton Copley, a figura central poderia ser retratada nua, e o arranjo composicional garante que, entre as outras oito figuras masculinas, apenas uma exiba com destaque uma única perna calçada. No entanto, os artistas americanos Copley e Benjamin West foram os pioneiros na integração bem-sucedida de calças em narrativas heróicas, como demonstrado em obras como The Death of General Wolfe (1770) de West e The Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783) de Copley. Apesar desses avanços, as calças continuaram a ser meticulosamente omitidas em A Jangada da Medusa, de Théodore Géricault, concluída em 1819.
Os penteados masculinos de inspiração clássica incluem o Bedford Crop, considerado um precursor de muitos estilos masculinos simples contemporâneos. Este estilo foi originado pelo político radical Francis Russell, 5º Duque de Bedford, como um protesto contra o imposto sobre pó de cabelo; ele supostamente encorajou seus conhecidos a adotá-lo por meio de apostas. Outro estilo influente, ou grupo de estilos, foi denominado "coiffure à la Titus" pelos franceses, referindo-se a Titus Junius Brutus (distinto do imperador romano Tito, um equívoco comum). Este estilo apresentava cabelos curtos em camadas, muitas vezes elevados na coroa, e frequentemente incluía topetes sutis ou mechas penduradas. Variações deste penteado são reconhecíveis em retratos de Napoleão e Jorge IV do Reino Unido. A introdução deste estilo é atribuída ao ator François-Joseph Talma, que supostamente ofuscou seus colegas que usavam perucas durante apresentações de peças como Brutus, de Voltaire, que retrata Lúcio Júnio Bruto ordenando a execução de seu filho Tito. Um periódico de moda parisiense relatou em 1799 que até mesmo indivíduos carecas estavam adotando perucas Titus. O estilo também ganhou popularidade entre as mulheres, com o Journal de Paris observando em 1802 que "mais da metade das mulheres elegantes usavam cabelo ou peruca à la Titus."
Música
O Neoclassicismo Musical, um movimento do século XX, envolveu o renascimento dos estilos musicais clássico e barroco dos séculos XVII e XVIII, que frequentemente incorporavam temas gregos e romanos, em vez de um ressurgimento direto da própria música antiga. (Durante o início do século XX, o período barroco na música, uma influência primária para os compositores neoclássicos, ainda não tinha sido claramente diferenciado do que hoje é reconhecido como o período clássico.) Este movimento, emergente no início do século XX, representou uma resposta ao cromatismo dissolvente característico do romantismo tardio e do impressionismo. Desenvolveu-se concomitantemente com o Modernismo musical, que visava descartar completamente a tonalidade fundamental. O neoclassicismo expressou preferência pela clareza estilística e simplicidade. Embora permitisse reinterpretações dissonantes das técnicas clássicas, pretendia ir além dos excessos percebidos do Romantismo e das nuances sutis do Impressionismo, favorecendo, em vez disso, ritmos robustos, harmonias assertivas e formas seccionais distintas. Isso coincidiu com uma tendência de reconstrução da dança e dos trajes "clássicos" no balé e na educação física.
Embora a suíte de dança dos séculos 17 a 18 tenha experimentado um pequeno ressurgimento antes da Primeira Guerra Mundial, os compositores neoclássicos estavam geralmente insatisfeitos com o diatonicismo não adulterado. Eles frequentemente destacavam a dissonância vibrante de suspensões e ornamentos, as características angulares da harmonia modal do século XVII e os contornos dinâmicos da escrita parcial contrapontística. Ancient Airs and Dances (1917) de Ottorino Respighi estabeleceu um precedente para a estética sonora que os neoclassicistas procuravam alcançar. Embora a apropriação de estilos musicais passados seja um fenômeno recorrente na história da música, a música artística tem apresentado periodicamente compositores que integraram técnicas contemporâneas com formas ou harmonias históricas para gerar novas composições. Os principais atributos composicionais incluem: alusões à tonalidade diatônica, adesão a formas convencionais (como suítes de dança, concertos grossi e formas sonatas), o conceito de música absoluta desprovida de conotações descritivas ou emocionais, o emprego de texturas musicais leves e uma abordagem concisa à expressão musical. Na música clássica, esta tendência foi particularmente evidente entre as décadas de 1920 e 1950. Igor Stravinsky é reconhecido como o compositor mais proeminente associado a este estilo, tendo efectivamente iniciado a revolução musical com o seu Octeto para Instrumentos de Sopro (1923), inspirado em Bach. A Sinfonia Clássica nº 1 em Ré de Prokofiev, que evoca o estilo sinfônico de Haydn ou Mozart, serve como um notável exemplo individual dessa estética. O balé neoclássico, iniciado por George Balanchine, simplificou o estilo imperial russo, simplificando trajes, passos e narrativa, introduzindo simultaneamente avanços técnicos.
Neoclassicismo subsequente e seus desenvolvimentos
Após meados do século XIX, o Neoclassicismo começou a retroceder como estilo arquitetônico dominante, sendo substituído por um ecletismo de estilos clássicos. O Palais Garnier em Paris exemplifica esta tendência, pois, apesar do seu carácter predominantemente neoclássico, incorpora elementos e ornamentação derivados da arquitectura barroca e renascentista. Esse design sincrético prevaleceu na arquitetura do final do século 19 e início do século 20, antes da Primeira Guerra Mundial. Além do neoclassicismo, a Beaux-Arts de Paris também era conhecida por abraçar o ecletismo estilístico clássico.
Pablo Picasso explorou motivos classicizantes durante o período imediatamente pós-Primeira Guerra Mundial.
Em Arquitetura americana, o Neoclassicismo representou uma faceta do movimento renascentista americano, ca. 1890–1917, culminando na arquitetura Beaux-Arts. Suas principais encomendas públicas incluíram o Lincoln Memorial, que enfrentou críticas contemporâneas significativas; a Galeria Nacional de Arte em Washington, D.C., também amplamente criticada pela comunidade arquitetônica por seu design considerado anacrônico e convencional; e o Memorial Roosevelt do Museu Americano de História Natural. Após a sua conclusão, essas estruturas foram amplamente consideradas como anacronismos estilísticos. No Raj britânico, o monumental planejamento urbano de Sir Edwin Lutyens para Nova Delhi significou o declínio do Neoclassicismo. Posteriormente, a Segunda Guerra Mundial diminuiu o desejo generalizado e a emulação de períodos históricos idealizados.
Um movimento distinto do século XX, também denominado Neoclassicismo, emergiu nas artes não visuais. Esse movimento abrangia, no mínimo, música, filosofia e literatura. Seu principal período de influência abrangeu desde o fim da Primeira Guerra Mundial até o fim da Segunda Guerra Mundial. Este movimento literário neoclássico evitou o romantismo extremo exemplificado por movimentos como o dadaísmo, em vez disso defendendo a contenção, a adesão religiosa (particularmente o cristianismo) e uma agenda política reacionária. Embora T. E. Hulme tenha estabelecido os princípios fundamentais para este movimento na literatura inglesa, seus proponentes mais proeminentes incluíam TS Eliot e Wyndham Lewis. Na Rússia, o movimento solidificou-se já em 1910 sob a designação de Acmeísmo, com Anna Akhmatova e Osip Mandelshtam servindo como seus principais representantes.
Art Déco
Apesar do Neoclassicismo ser cada vez mais percebido como anacrônico após a Primeira Guerra Mundial, seus princípios fundamentais, proporções e outros elementos estilísticos persistiram. Art Déco, o estilo predominante do período entre guerras, ressoou com a preferência da elite burguesa por estilos históricos franceses sofisticados, como Luís XVI, Directoire e Império, que representam períodos do Neoclassicismo francês. Ao mesmo tempo, esta mesma elite francesa demonstrou apreço pela arte moderna, incluindo as obras de Pablo Picasso e Amedeo Modigliani. Esta confluência de influências resultou num estilo Art Déco inicial que integrava elementos novos e tradicionais. O Palais de Tokyo, construído em Paris em 1937 por André Aubert e Marcel Dastugue, serve de excelente ilustração. Embora a ornamentação esteja ausente, com a fachada adornada apenas por relevos, a presença de colunas evoca fortemente a estética neoclássica. O design Art Déco frequentemente incorporava motivos neoclássicos, embora sutilmente: exemplos incluem as cômodas retilíneas e austeras de Émile-Jacques Ruhlmann ou Louis Süe & André Maré; frisos precisos e em relevo extremamente baixo representando donzelas e gazelas em vários meios de comunicação; roupas da moda drapeadas ou com corte enviesado para imitar as silhuetas gregas; e a dança interpretativa de Isadora Duncan. Mesmo arquitetos modernistas conservadores na França, como Auguste Perret, mantiveram os princípios rítmicos e espaciais da arquitetura colunar em estruturas industriais.
A interação dinâmica dentro do Art Déco, caracterizada pela integração de elementos históricos, formas e proporções ao lado de uma adoção da modernidade, decorre de vários fatores contribuintes. Uma influência primária é o ecletismo. A complexidade inerente e a natureza diversificada do Art Déco são em grande parte atribuíveis a este espírito eclético. Componentes estilizados derivados das Beaux-Arts e do Neoclassicismo, ou de culturas temporal e geograficamente distantes, como o Egito Antigo, as Américas pré-colombianas e a arte da África Subsaariana, foram sintetizados com alusões a artistas de vanguarda modernistas do início do século XX, incluindo Henri Matisse, Amedeo Modigliani e Constantin Brâncuși. A identidade arquitetônica distinta do movimento Art Déco deve significativamente ao ecletismo acadêmico e ao neoclassicismo. Sem as contribuições de arquitectos formados na tradição Beaux-Arts, a arquitectura Art Déco, para além das estruturas residenciais, poderia ter sido apenas uma agregação de objectos decorativos ampliados para uma dimensão urbana, semelhante aos então controversos pavilhões da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas de 1925. Outro fator que impulsionou a oscilação entre elementos históricos e modernos foi a cultura do consumo. Edifícios e objetos projetados no austero Estilo Internacional, que evitava ornamentação e referências históricas, revelaram-se radicais demais para a população em geral. Durante o período entre guerras na França e na Inglaterra, o sentimento público e uma parte significativa da crítica arquitetônica consideraram um desafio aceitar um estilo totalmente desprovido de embelezamento, como o Estilo Internacional.
A incorporação de estilos históricos como inspiração fundamental para Art Déco começou antes da Primeira Guerra Mundial, em grande parte através dos esforços de decoradores como Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot e Émile-Jacques Ruhlmann. Esses designers inspiraram-se nas estimadas tradições artísticas e artesanais francesas do final do século XVIII e início do século XIX, especificamente nos estilos Luís XVI, Directoire e Luís Filipe, com o objetivo de introduzir uma nova interpretação. O estilo neo-Luís XVI ganhou considerável popularidade na França e na Romênia por volta de 1910, influenciando significativamente vários dos primeiros designs e projetos arquitetônicos Art Déco. Uma ilustração notável desta influência é o Château de Sept-Saulx em Grand Est, França, desenhado por Louis Süe entre 1928 e 1929.
Neoclassicismo e regimes totalitários
Durante as décadas de 1920 e 1930, os regimes totalitários na Itália fascista, na Alemanha nazista, na Romênia sob Carol II e na União Soviética adotaram o neoclassicismo para a arquitetura e a arte do Estado. A arquitectura serviu como um meio crucial para estes regimes projectarem uma imagem de permanência, apesar da sua novidade inerente. A apropriação do Classicismo pelos Estados totalitários manifestou-se de diversas formas. No contexto dos edifícios estatais em Itália e na Roménia, os arquitectos esforçaram-se por integrar uma sensibilidade moderna com formas clássicas abstractas. Exemplos exemplares incluem o Palazzo della Civiltà Italiana em Roma e o Edifício da Reitoria da Universidade e da Faculdade de Direito em Bucareste (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). Por outro lado, o Classicismo predominante na União Soviética, conhecido como realismo socialista, caracterizou-se pela sua natureza bombástica, repleta de extensa ornamentação e esculturas arquitetônicas. Esta abordagem pretendia contrastar fortemente com a simplicidade percebida dos estilos “capitalistas” ou “burgueses”, como o Art Déco ou o Modernismo. A Universidade Lomonosov, em Moscou, é um excelente exemplo dessa estética. Nikita Khrushchev, que sucedeu a Estaline como líder soviético, expressou desdém pela ostentosa arquitectura socialista realista da era do seu antecessor. Citando o ritmo lento de construção e os altos custos associados a estes edifícios neoclássicos, ele observou a famosa observação de que "eles gastavam o dinheiro das pessoas em belezas que ninguém precisa, em vez de construir mais simples, mas mais".
Na União Soviética, o Neoclassicismo foi adoptado como um contraponto deliberado ao Art Déco e ao Modernismo, estilos considerados excessivamente “burgueses” e “capitalistas” pelo regime comunista. Esta distinta estética comunista neoclássica, conhecida como realismo socialista, floresceu durante a liderança de Joseph Stalin (1924–1953). No domínio das belas-artes, manifestava-se tipicamente através de retratos altamente idealizados de trabalhadores robustos, retratados como figuras heróicas em quintas colectivas ou em ambientes urbanos industriais, bem como em assembleias políticas, celebrações dos avanços tecnológicos soviéticos e cenas de crianças alegres ao lado de Lenine ou Estaline. Tanto o conteúdo temático como a sua representação visual foram submetidos a um rigoroso controlo, sendo o mérito artístico determinado pelo contributo de uma obra para o projecto socialista. Todos os artistas foram obrigados a aderir à União dos Artistas Soviéticos, controlada pelo Estado, e a aderir ao estilo oficialmente sancionado. Os princípios fundamentais do realismo socialista incluíam a lealdade partidária inabalável, a propagação da ideologia correta e a ampla acessibilidade. O realismo foi favorecido como um estilo mais facilmente compreensível para a população em geral. Inicialmente, a União Soviética acolheu vários movimentos de vanguarda concorrentes, nomeadamente o Construtivismo. No entanto, à medida que Estaline consolidou o poder no final da década de 1920, a arte e a arquitectura de vanguarda enfrentaram a supressão, tornando-se finalmente proibidas, levando ao estabelecimento de estilos oficiais de Estado. Após a vitória de Boris Iofan no concurso para o projeto do Palácio dos Soviéticos, apresentando uma torre clássica escalonada encimada por uma estátua colossal de Lênin, a arquitetura rapidamente reverteu às formas pré-revolucionárias, evitando deliberadamente as influências ocidentais percebidas do Construtivismo. Embora o realismo socialista na arquitetura tenha diminuído em grande parte após a morte de Stalin e a ascensão de Nikita Khrushchev, as pinturas neste estilo persistiram, particularmente em nações caracterizadas por um forte culto à personalidade em torno de seus líderes, como a China de Mao Zedong, a Coreia do Norte de Kim Il Sung e a Romênia de Nicolae Ceaușescu.
Ao assumir o controle governamental em 1933, o regime nazista suprimiu sistematicamente a vibrante cultura de vanguarda da Alemanha. Albert Speer, nomeado conselheiro arquitetônico de Adolf Hitler em 1934, esforçou-se por forjar um estilo arquitetônico que incorporasse simultaneamente a unidade percebida do povo alemão e servisse como pano de fundo imponente para as demonstrações de poder nazistas. A abordagem nazi à arquitectura foi marcada por contradições inerentes: enquanto os planos ambiciosos de Hitler e Speer para reconfigurar Berlim procuravam emular a Roma imperial, as estruturas nazis em contextos rurais inspiravam-se nos vernáculos locais, com o objectivo de canalizar um espírito alemão “autêntico”. No que diz respeito às belas-artes, os nazis cunharam o termo “arte degenerada” para categorizar a arte moderna, que denunciaram como “não alemã”, “judaica” ou “comunista”. Esta condenação da arte moderna estava intrinsecamente ligada ao “Bolchevismo Cultural”, uma teoria da conspiração que postulava que a arte e a cultura em geral eram controladas por uma cabala judaica de esquerda com a intenção de destruir a raça ariana. A campanha de Hitler contra a arte moderna envolveu principalmente uma exposição destinada a desacreditar os artistas modernos, intitulada 'Exposição de Arte Degenerada' (alemão: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). Esta exposição foi estrategicamente exibida ao lado da Grande Exposição de Arte Alemã, que apresentou obras de arte aprovadas pelos nazistas, permitindo assim aos visitantes comparar diretamente a arte considerada “boa” e “má” pelo regime. Refletindo uma posição semelhante, o regime fechou a Bauhaus, uma escola de arte de vanguarda em Dessau que tinha sido profundamente influente no pós-guerra, em 1931. Embora tenha reaberto brevemente em Berlim em 1932, foi novamente fechada permanentemente em 1933.
Em contraste com a Alemanha e a União Soviética, a Itália testemunhou a vanguarda contribuindo para a arquitetura estatal. A arquitectura clássica também exerceu uma influência significativa, reflectindo as tentativas mais directas de Benito Mussolini de estabelecer ligações entre o seu regime fascista e a Roma antiga. Alguns arquitetos italianos, como Marcello Piacentini da Universidade Sapienza de Roma e Giuseppe Terragni da Casa del Fascio em Como, procuraram integrar o Modernismo e o Classicismo.
Na Roménia, durante o final da década de 1930, influenciados pelas políticas autocráticas do Rei Carol II, foram construídos numerosos edifícios estatais. Estas estruturas adoptaram um estilo neoclássico, muitas vezes exibindo fortes semelhanças com as tendências arquitectónicas contemporâneas da Itália fascista. Exemplos notáveis em Bucareste incluem o Edifício da Reitoria da Universidade e da Faculdade de Direito (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), o Edifício de Apartamentos Kretzulescu (Calea Victoriei no. 45), o Edifício CFR (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) e o Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). O Palácio Real, predominantemente com interiores em estilo neo-Adamiano, distingue-se pela sua ornamentação mais elaborada, alinhando-se mais de perto com a estética arquitectónica anterior à Primeira Guerra Mundial.
Pós-modernismo
O arquiteto Robert Venturi foi o autor de uma influente crítica inicial ao modernismo, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), defendendo a reintrodução de elementos históricos, ou a 'presença do passado', no projeto arquitetônico. Seus próprios esforços arquitetônicos procuraram incorporar qualidades que ele articulou como 'inclusão, inconsistência, compromisso, acomodação, adaptação, superadjacência, equivalência, foco múltiplo, justaposição ou espaço bom e ruim'. A obra de Venturi ressoou com o ethos contracultural predominante da década de 1960, um período marcado pelo exame crítico das gerações mais jovens e pelo desafio dos paradigmas políticos, sociais e raciais existentes. Este afastamento fundamental dos princípios modernistas ficou conhecido como pós-modernismo. Venturi parodiou a famosa máxima de Ludwig Mies van der Rohe, “menos é mais”, com sua réplica, “menos é chato”. Durante as décadas de 1980 e 1990, certos arquitetos pós-modernos abraçaram uma forma de Neo-Neoclassicismo. O seu envolvimento com o Classicismo estendeu-se além da mera ornamentação, incorporando sistemas proporcionais e outros princípios fundamentais. O Classicismo Pós-Moderno obteve descrições como 'acampamento' ou 'kitsch' de vários comentaristas. Ricardo Bofill é um notável arquiteto reconhecido por suas contribuições ao Classicismo Pós-Moderno. Seu portfólio apresenta dois conjuntos habitacionais monumentais perto de Paris: Les Arcades du Lac (1975–1981) e Les Espaces d'Abraxas (1978–1983). O Museu J. Paul Getty em Malibu, Califórnia (1970–1975), destaca-se pela sua abordagem revivalista, inspirando-se na antiga Vila Romana dos Papiros em Herculano. O Museu J. Paul Getty exibe uma afinidade mais forte com o Neoclassicismo do século XIX, exemplificado por estruturas como o Pompejanum em Aschaffenburg, Alemanha, do que com o Classicismo Pós-Moderno predominante na década de 1980.
Arquitetura no século 21
Após um período de diminuição da proeminência durante a ascensão da arquitetura moderna (aproximadamente desde a era pós-Segunda Guerra Mundial até meados da década de 1980), o Neoclassicismo experimentou um ressurgimento notável.
Na década inicial do século 21, a arquitetura neoclássica contemporânea é geralmente categorizada sob a designação mais ampla de Nova Arquitetura Clássica. Também é ocasionalmente denominado Neo-Historicismo ou Tradicionalismo. Além disso, diversas obras arquitetônicas pós-modernas incorporam referências explícitas ao Neoclassicismo, inspirando-se em suas formas; exemplos incluem o Bairro Antigone e o Teatro Nacional da Catalunha em Barcelona. A arquitetura pós-moderna frequentemente integra componentes históricos, como colunas, capitéis ou o tímpano.
Para estilos arquitetônicos que aderem genuinamente às tradições, materiais e artesanato regionais, a designação 'Arquitetura Tradicional' (ou arquitetura vernácula) é predominantemente empregada. O Prêmio de Arquitetura Driehaus reconhece contribuidores significativos para a arquitetura tradicional ou clássica do século 21, oferecendo um prêmio monetário que é o dobro do Prêmio Pritzker modernista.
Nos Estados Unidos, vários edifícios públicos contemporâneos são construídos no estilo neoclássico, com o Schermerhorn Symphony Center de 2006 em Nashville servindo como uma ilustração proeminente.
Na Grã-Bretanha, vários arquitetos praticam ativamente no idioma neoclássico. Seus projetos notáveis abrangem duas bibliotecas universitárias: a Biblioteca Maitland Robinson de Quinlan Terry no Downing College e a Biblioteca Sackler de Robert Adam Architects.
Notas
Bailey, Gauvin Alexander (2012). Barroco e Rococó. Phaidon. ISBN 978-0-7148-5742-8.
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