Arte pós-moderna abrange vários movimentos artísticos que surgiram em oposição a certos princípios do modernismo ou desenvolvimentos subsequentes. Normalmente, categorias como intermedia, arte de instalação, arte conceitual e multimídia, especialmente aquelas que incorporam vídeo, são caracterizadas como pós-modernas.
Várias características definidoras distinguem a arte pós-moderna. Estas abrangem a recontextualização de estilos e temas históricos dentro de estruturas contemporâneas, a bricolagem, a integração proeminente do texto como componente artístico primário, a colagem, a simplificação, a apropriação e a arte performática. Além disso, uma característica significativa é a dissolução das distinções tradicionais entre belas-artes, alta arte, baixa arte e cultura popular.
Uso do Termo
Desde a década de 1950, a designação predominante para a produção artística tem sido “arte contemporânea”. Contudo, nem toda arte categorizada como contemporânea é pós-moderna; esta classificação mais ampla inclui artistas que mantêm práticas modernistas e modernistas tardias, juntamente com aqueles que rejeitam o pós-modernismo por razões alternativas. Arthur Danto postula que “contemporâneo” serve como o descritor mais amplo, com as obras pós-modernas constituindo um “subsetor” dentro do movimento contemporâneo mais amplo. Embora alguns artistas pós-modernos tenham divergido marcadamente dos princípios modernistas, um consenso definitivo que distinga o "moderno tardio" do "pós-moderno" permanece indefinido. Conceitos anteriormente descartados pela estética moderna foram reintegrados. Especificamente na pintura, o pós-modernismo marcou a reintrodução das formas representacionais. Certos críticos afirmam que uma parte substancial da arte "pós-moderna" contemporânea, particularmente expressões de vanguarda recentes, deveria ser classificada como arte moderna.
Além de caracterizar tendências específicas na arte contemporânea, o termo "pós-moderno" também tem sido aplicado para designar uma fase particular dentro da arte moderna. Esta perspectiva foi adoptada tanto pelos proponentes do modernismo, incluindo Clement Greenberg, como pelos seus críticos radicais, como Félix Guattari, que a denominou o "último suspiro" do modernismo. O crítico neoconservador Hilton Kramer caracterizou o pós-modernismo como "uma criação do modernismo no limite de suas forças". De acordo com a interpretação de Fredric Jameson, Jean-François Lyotard não afirmou uma fase pós-moderna fundamentalmente distinta do alto modernismo; em vez disso, Lyotard via a insatisfação pós-moderna com estilos específicos do alto modernismo como um componente integral da natureza experimental do alto modernismo, promovendo assim novos modernismos. Nos domínios da estética e da arte, Jean-François Lyotard é um filósofo fundamental do pós-modernismo.
Uma visão crítica predominante postula que a arte pós-moderna evoluiu a partir da arte moderna. Os prazos propostos para esta transição vão de 1914 na Europa a 1962 ou 1968 na América. James Elkins, refletindo sobre os debates em torno do início preciso da mudança do modernismo para o pós-modernismo, traça um paralelo com o discurso da década de 1960 sobre a duração exata do Maneirismo e o seu ponto de iniciação – quer imediatamente após a Alta Renascença, quer mais tarde no século. Ele enfatiza que tais debates são perenes em relação aos movimentos e períodos artísticos, sem diminuir sua importância. A conclusão da era da arte pós-moderna situa-se muitas vezes no final da década de 1980, um período em que o termo "pós-modernismo" sofreu um declínio na relevância crítica e as práticas artísticas estavam cada vez mais envolvidas com as implicações da globalização e dos meios de comunicação emergentes.
Jean Baudrillard exerceu uma influência considerável na arte de inspiração pós-moderna, destacando o potencial para novas expressões criativas. O artista Peter Halley, por exemplo, caracterizou seu uso de cores day-glo como uma "hiperrealização da cor real", atribuindo Baudrillard como uma influência chave. Por outro lado, Baudrillard sustentou consistentemente, a partir de 1984, que a arte contemporânea – especialmente a arte pós-moderna – era inferior à arte modernista produzida na era pós-Segunda Guerra Mundial, enquanto Jean-François Lyotard elogiou a pintura contemporânea e notou o seu desenvolvimento a partir da arte moderna. Numerosas artistas mulheres proeminentes do século XX estão ligadas à arte pós-moderna, dado que grande parte da estrutura teórica para o seu trabalho originou-se da psicanálise francesa e da teoria feminista, ambas profundamente ligadas à filosofia pós-moderna.
A aplicação do termo “pós-moderno” enfrenta críticas, ocorrência comum com tais designações. Por exemplo, Kirk Varnedoe afirmou que o pós-modernismo não existe e que o potencial do modernismo continua por realizar. Embora o termo tenha se tornado uma abreviação convencional desde o início até meados da década de 1980 para identificar obras de movimentos artísticos específicos do pós-guerra que utilizam materiais distintos e técnicas genéricas, os fundamentos teóricos do pós-modernismo como uma demarcação de época ou epistêmica continuam a ser altamente controversos.
Características
O pós-modernismo abrange movimentos artísticos que se originam e se opõem ativamente ou rejeitam as tendências modernistas estabelecidas. As principais características frequentemente atribuídas ao modernismo incluem pureza formal, especificidade do meio, o conceito de arte pela arte, autenticidade, universalidade, originalidade e tendências revolucionárias ou reacionárias, exemplificadas pela vanguarda. No entanto, o paradoxo destaca-se como, sem dúvida, o conceito modernista mais significativo que o pós-modernismo desafia. O paradoxo foi fundamental para o projeto modernista, introduzido notadamente por Manet. As diversas subversões da arte representacional de Manet ressaltaram a percepção de exclusividade mútua entre realidade e representação, design e representação, e abstração e realidade, entre outras dicotomias. Esta integração do paradoxo revelou-se profundamente influente para artistas que vão desde Manet aos conceptualistas.
A posição da vanguarda na arte contemporânea permanece controversa. Numerosas instituições afirmam que qualidades visionárias, progressistas, vanguardistas e progressistas são indispensáveis para a missão contemporânea da arte, sugerindo que a arte pós-moderna entra em conflito inerente com o ethos da "arte dos nossos tempos". O pós-modernismo repudia fundamentalmente o conceito de avanço ou progresso inerente à arte, procurando assim desmantelar o “mito da vanguarda”. Rosalind Krauss foi uma proeminente defensora da perspectiva que o vanguardismo havia concluído, inaugurando uma nova época artística caracterizada como pós-liberal e pós-progresso. Griselda Pollock pesquisou extensivamente e se envolveu criticamente com a arte moderna e de vanguarda por meio de uma série de publicações seminais, reavaliando simultaneamente a arte moderna e reconceitualizando a arte pós-moderna.
Uma característica definidora da arte pós-moderna é seu amálgama de alta e baixa cultura, alcançado através da incorporação de materiais industriais e imagens da cultura popular. Embora a experimentação modernista também incluísse a utilização de formas de arte "baixas", como evidenciado pela exposição de Kirk Varnedoe e Adam Gopnik de 1990-91, High and Low: Popular Culture and Modern Art no Museu de Arte Moderna de Nova York - uma exposição amplamente criticada na época por unir figuras como Douglas Crimp e Hilton Kramer em desdém coletivo - a arte pós-moderna é particularmente reconhecida por sua deliberada indefinição das fronteiras entre o que é considerado arte fina ou erudita e o que é normalmente categorizado como arte baixa ou kitsch. Embora o conceito de “desfocar” ou “fundir” a arte superior e inferior tenha sido explorado durante o modernismo, só ganhou total endosso com o surgimento da era pós-moderna. O pós-modernismo integrou elementos de comercialismo, kitsch e uma estética camp mais ampla em sua estrutura artística. Além disso, apropria-se e combina estilos de diversos períodos históricos, como o Gótico, o Renascimento e o Barroco, muitas vezes desconsiderando as suas funções contextuais originais dentro dos seus respectivos movimentos artísticos. Esses elementos constituem coletivamente características comuns que definem a arte pós-moderna. Art Spiegelman, ao discutir suas escolhas estilísticas para Maus, articulou a capacidade do artista pós-moderno de cultivar uma extensa "paleta" de estilos variados, da qual eles podem desenhar livremente, em contraste com seus antecessores, que normalmente se concentravam em refinar e manter um estilo de "marca registrada" singular. descontinuidade. Em oposição a esta definição, Charles Harrison e Paul Wood, da Art and Language, argumentaram que o pastiche e a descontinuidade são intrínsecos à arte modernista, tendo sido efetivamente utilizados por artistas modernos como Manet e Picasso.
Uma definição concisa de pós-modernismo postula a sua rejeição das narrativas artísticas abrangentes do modernismo, desmantelando simultaneamente as distinções entre formas de arte superiores e inferiores e subvertendo géneros convencionais através de técnicas como colisão, colagem e fragmentação. Na arte pós-moderna, todas as perspectivas são consideradas inerentemente instáveis e falsas; conseqüentemente, a ironia, a paródia e o humor emergem como as únicas posturas críticas ou revisionais imunes à subversão. Marcas adicionais incluem pluralismo e diversidade.
Precursores de vanguarda
Movimentos e tendências radicais influentes, considerados potenciais precursores do pós-modernismo, surgiram durante e imediatamente após a Primeira Guerra Mundial. A incorporação de artefatos industriais na arte e a adoção de técnicas como a colagem por movimentos de vanguarda como o cubismo, o dadaísmo e o surrealismo desafiaram fundamentalmente as noções estabelecidas da natureza e do valor da arte. As formas de arte emergentes, incluindo o cinema e a crescente prevalência da reprodução, também moldaram estes movimentos como novas vias para a criação artística. O ensaio seminal de Clement Greenberg, Avant-Garde and Kitsch, publicado inicialmente na Partisan Review em 1939, serviu como texto fundamental para definir o modernismo, defendendo a vanguarda contra o pano de fundo da cultura popular. Posteriormente, Peter Bürger diferenciou entre a vanguarda histórica e o modernismo, uma distinção que levou críticos como Krauss, Huyssen e Douglas Crimp a identificar a vanguarda histórica como precursora do pós-modernismo. Por exemplo, Krauss interpreta a aplicação da colagem por Pablo Picasso como uma técnica de vanguarda que prenunciou a priorização de elementos linguísticos pela arte pós-moderna em detrimento da expressão autobiográfica. Por outro lado, uma perspectiva alternativa sugere que os artistas de vanguarda e modernistas empregaram estratégias comparáveis, com o pós-modernismo, em última análise, repudiando ambos.
Dada
Durante o início do século XX, Marcel Duchamp apresentou um urinol como peça escultórica. Sua intenção era obrigar os espectadores a perceberem o urinol como uma obra de arte apenas em virtude de sua declaração. Ele chamou essas criações de "Readymades". A icônica Fonte, um mictório assinado com o pseudônimo de R. Mutt, provocou considerável controvérsia no mundo da arte em 1917. Esta peça, juntamente com outras obras semelhantes de Duchamp, é amplamente categorizada como dadaísta. Duchamp é frequentemente considerado um progenitor da arte conceitual. No entanto, alguns críticos contestam a classificação de Duchamp - conhecido pela sua preocupação com o paradoxo - como um pós-modernista, argumentando que a sua rejeição da especificidade do meio (dado que o paradoxo transcende qualquer meio particular, apesar da sua emergência inicial nas pinturas de Manet) complica tal categorização. Cronologicamente, Dada está firmemente situado no modernismo; no entanto, vários críticos afirmam que prenuncia o pós-modernismo, enquanto outros, incluindo Ihab Hassan e Steven Connor, propõem que representa uma potencial fase de transição entre o modernismo e o pós-modernismo. Por exemplo, McEvilly postula que o pós-modernismo começa com o reconhecimento de que o mito do progresso não é mais confiável, uma constatação que Duchamp supostamente compreendeu em 1914, quando mudou de uma prática modernista para uma prática pós-modernista, "abjurando assim o deleite estético, a ambição transcendente e as demonstrações tour de force de agilidade formal em favor da indiferença estética, do reconhecimento do mundo comum e do objeto encontrado ou readymade".
Movimentos Radicais na Arte Moderna
Inicialmente, a Pop Art e o Minimalismo surgiram como movimentos modernistas; no entanto, uma mudança significativa de paradigma e uma divergência filosófica entre o formalismo e o antiformalismo no início da década de 1970 levaram alguns a reavaliar estes movimentos como precursores ou formas de transição da arte pós-moderna. Movimentos modernos adicionais considerados influentes para a arte pós-moderna incluem a arte conceitual e a aplicação de técnicas como montagem, montagem, bricolagem e apropriação.
Jackson Pollock e o Expressionismo Abstrato
Durante o final da década de 1940 e início da década de 1950, a abordagem radical de Pollock à pintura revolucionou a trajetória da arte contemporânea subsequente. Pollock postulou que o processo artístico tinha um significado equivalente à própria obra de arte final. Semelhante às reinvenções inovadoras da pintura e da escultura de Pablo Picasso na virada do século através do cubismo e da escultura construída, Pollock redefiniu fundamentalmente a criação artística em meados do século XX. Seu afastamento da pintura tradicional de cavalete e dos métodos convencionais emancipou tanto seus contemporâneos quanto as gerações seguintes de artistas. Os artistas reconheceram que a metodologia de Pollock - que envolvia trabalhar no chão, utilizando tela crua não esticada de todos os quatro lados, incorporando materiais artísticos e industriais, empregando imagens e não imagens e aplicando tinta através de meadas lineares, gotejamento, desenho, coloração e pincel - expandiu os parâmetros da arte além das limitações anteriores. Conseqüentemente, o Expressionismo Abstrato ampliou e avançou as definições e possibilidades criativas disponíveis aos artistas para a produção de novas obras. As inovações introduzidas por figuras como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyff Still, Barnett Newman e Ad Reinhardt, entre outros, abriram efetivamente o caminho para a diversidade e o escopo dos empreendimentos artísticos subsequentes.
Expressionismo Pós-Abstrato
Durante as décadas de 1950 e 1960, a pintura abstrata testemunhou o surgimento de vários novos movimentos, incluindo a pintura Hard-edge e outras formas de abstração geométrica, exemplificadas pelo trabalho de Frank Stella. Estes desenvolvimentos surgiram em estúdios de artistas e círculos de vanguarda como uma reação contra o subjetivismo percebido do Expressionismo Abstrato. Clement Greenberg defendeu a abstração pós-pintura; articulando seus princípios por meio de uma exposição influente de novas pinturas que percorreu os principais museus de arte dos Estados Unidos em 1964. A pintura Color Field, a pintura Hard-edge e a Abstração Lírica posteriormente se materializaram como novas trajetórias artísticas significativas.
No final da década de 1960, o pós-minimalismo, a arte processual e a Arte Povera também se materializaram como conceitos e movimentos revolucionários, influenciando a pintura e a escultura. Esses desenvolvimentos foram interligados com a Abstração Lírica, o movimento Pós-Minimalista e a Arte Conceitual inicial. Inspirada por Pollock, a Process Art capacitou os artistas a explorar e empregar uma ampla gama de estilos, conteúdos, materiais, posicionamentos, percepções temporais e espaços plásticos e reais. Artistas jovens proeminentes que surgiram durante esta era modernista tardia, contribuindo para o florescimento artístico do final dos anos 1960, incluíram Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato e Lee Lozano.
Movimentos Artísticos
Arte performática e acontecimentos
Ao longo do final dos anos 1950 e 1960, artistas de diversas origens expandiram ativamente os parâmetros da arte contemporânea. Os pioneiros da arte performática incluíram Yves Klein na França e Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono na cidade de Nova York. Conjuntos como The Living Theatre, liderados por Julian Beck e Judith Malina, colaboraram com escultores e pintores para construir ambientes imersivos, alterando fundamentalmente a dinâmica entre público e intérprete, particularmente na sua obra Paradise Now. O Judson Dance Theatre, situado na Judson Memorial Church em Nova York, apresentava dançarinos como Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs e Steve Paxton, que colaboraram com artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e engenheiros como Billy Klüver. Estas performances frequentemente visavam forjar uma nova forma de arte, integrando escultura, dança e música ou som, muitas vezes envolvendo a participação do público. As obras caracterizaram-se pelas filosofias reducionistas do Minimalismo, pela improvisação espontânea e pela expressividade inerente ao Expressionismo Abstrato.
Ao mesmo tempo, do final da década de 1950 até meados da década de 1960, vários artistas de vanguarda criaram Happenings. Esses eventos eram frequentemente reuniões espontâneas, improvisadas e enigmáticas de artistas, seus amigos e parentes, realizadas em diversos locais designados. Os acontecimentos frequentemente integravam elementos como exercícios absurdos, atividades físicas, fantasias, nudez improvisada e uma série de ações aparentemente não relacionadas e aleatórias. Figuras proeminentes na criação de Happenings incluíram Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.
Arte de montagem
Surgindo em conjunto com o Expressionismo Abstrato, a arte de montagem envolveu a integração de itens manufaturados com materiais artísticos tradicionais, afastando-se assim das convenções estabelecidas de pintura e escultura. As "combinações" de Robert Rauschenberg da década de 1950, que incorporavam grandes objetos físicos, como bichos de pelúcia, pássaros e fotografia comercial, serviram como uma excelente ilustração dessa trajetória artística e prenunciaram tanto a arte pop quanto a arte de instalação.
Em 1969, Leo Steinberg empregou o termo "pós-modernismo" para caracterizar o plano pictórico "de mesa" de Rauschenberg, que integrava uma gama diversificada de imagens e artefatos culturais anteriormente considerados incompatíveis com o pictórico. domínios da pintura pré-modernista e modernista. Craig Owens expandiu esta interpretação, afirmando que o significado da obra de Rauschenberg não reside em representar, como sugeriu Steinberg, "a mudança da natureza para a cultura", mas sim em ilustrar a impossibilidade inerente de manter tal oposição binária. Steven Best e Douglas Kellner posicionam Rauschenberg e Jasper Johns dentro de uma fase de transição, influenciada por Marcel Duchamp, unindo o modernismo e o pós-modernismo. Sua prática artística incorporava imagens de objetos cotidianos, ou dos próprios objetos, ao mesmo tempo em que preservava a abstração e a pincelada gestual características do alto modernismo.
Anselm Kiefer incorpora de forma semelhante elementos de montagem em suas criações, notadamente apresentando a proa de um barco de pesca em uma de suas pinturas.
Pop Art
Lawrence Alloway cunhou o termo "Pop Art" para caracterizar obras de arte que celebravam o consumismo predominante na era pós-Segunda Guerra Mundial. Este movimento artístico divergiu da ênfase do Expressionismo Abstrato na introspecção hermenêutica e psicológica, favorecendo em vez disso a arte que retratava, e frequentemente elogiava, a cultura material de consumo, a publicidade e a iconografia da era da produção em massa. Exemplos seminais dentro do movimento incluem os primeiros trabalhos de David Hockney, juntamente com criações de Richard Hamilton, John McHale e Eduardo Paolozzi. As manifestações americanas subsequentes abrangem as extensas carreiras de artistas como Andy Warhol e Roy Lichtenstein, este último empregando notavelmente pontos Benday, uma técnica derivada da reprodução comercial. Uma linhagem distinta conecta as obras radicais e cheias de humor do rebelde dadaísta Marcel Duchamp com artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein.
Thomas McEvilly, concordando com Dave Hickey, postula que o pós-modernismo dos EUA nas artes visuais se originou com as exposições inaugurais de Pop Art em 1962, apesar de exigir aproximadamente duas décadas para que o pós-modernismo se estabelecesse como um sensibilidade predominante nas artes visuais. Fredric Jameson categoriza de forma semelhante a Pop Art como pós-moderna.
O caráter pós-moderno da Pop Art é parcialmente atribuível ao desmantelamento do que Andreas Huyssen chamou de "Grande Divisão" entre a arte erudita e a cultura popular. Entende-se que o próprio pós-modernismo surge de uma “recusa geracional das certezas categóricas do alto modernismo”.
Fluxus
O movimento Fluxus foi nomeado e vagamente estruturado em 1962 por George Maciunas (1931–78), um artista americano nascido na Lituânia. Suas origens remontam às aulas de Composição Experimental de John Cage, ministradas de 1957 a 1959 na New School for Social Research na cidade de Nova York. Um número significativo de alunos de Cage eram artistas envolvidos em diversas mídias, muitas vezes possuindo mínimo ou nenhum treinamento musical formal. Entre os alunos de Cage estavam vários membros fundadores do Fluxus, incluindo Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins. Na Alemanha, o Fluxus começou em 1962 com o FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik em Wiesbaden, apresentando George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik e outros. Isto foi seguido em 1963 pelo Festum Fluxorum Fluxus em Düsseldorf, que incluiu George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson e Emmett Williams, entre outros.
A Fluxus defendeu um espírito de autoprodução e priorizou a simplicidade em vez do design complexo. Semelhante ao seu antecessor, Dada, o Fluxus exibiu uma postura pronunciada anticomercial e antiarte, criticando o estabelecimento artístico convencional e orientado para o mercado em favor de uma metodologia criativa centrada no artista. Os artistas do Fluxus preferiram a utilização de materiais prontamente disponíveis, seja produzindo seus trabalhos de forma independente ou engajando-se na criação colaborativa com colegas.
O Fluxus é frequentemente categorizado na fase inicial do pós-modernismo, ao lado de figuras como Rauschenberg, Johns, Warhol e a Internacional Situacionista. Andreas Huyssen, no entanto, critica os esforços para alinhar o Fluxus com o pós-modernismo, caracterizando tais tentativas como apresentando-o como "ou o código mestre do pós-modernismo ou o movimento artístico em última análise irrepresentável - por assim dizer, o sublime do pós-modernismo." Por outro lado, Huyssen postula o Fluxus como uma manifestação neodadaísta significativa dentro da linhagem de vanguarda. Embora não tenha significado uma progressão substancial nas metodologias artísticas, articulou, no entanto, um desafio contra "a cultura administrada da década de 1950, na qual um modernismo moderado e domesticado serviu como suporte ideológico para a Guerra Fria".
Minimalismo
Durante o início da década de 1960, o Minimalismo se materializou como um movimento de arte abstrata, traçando suas origens na abstração geométrica através de Malevich, da Bauhaus e de Mondrian. Este movimento repudiou a pintura relacional e subjetiva, as superfícies intrincadas do Expressionismo Abstrato e o teor emocional e a polêmica características da Action Painting. Os proponentes do Minimalismo argumentavam que a simplicidade profunda poderia alcançar a representação sublime inerente à arte. Na pintura, o Minimalismo, exemplificado por artistas como Frank Stella, constitui um movimento modernista que, dependendo da sua interpretação contextual, pode ser considerado um precursor do pós-modernismo.
No seu ensaio The Crux of Minimalism, Hal Foster analisa como Donald Judd e Robert Morris, através das suas definições publicadas de minimalismo, reconhecem e transcendem simultaneamente o modernismo Greenbergiano. Foster afirma que o minimalismo representa não um “beco sem saída” do modernismo, mas sim uma “mudança de paradigma em direção a práticas pós-modernas que continuam a ser elaboradas hoje”.
Landarte
Conhecido por vários nomes, como Land art, Earth art, arte ambiental e Earthworks, esse movimento artístico teve origem nas décadas de 1960 e 1970. Embora esteja principalmente ligado à Grã-Bretanha e aos Estados Unidos, abrange exemplos de inúmeras outras nações. Como fenómeno artístico, a "land art" alargou o âmbito da produção artística convencional através da escolha dos materiais e da colocação das suas instalações. Os materiais constituintes frequentemente compreendem elementos naturais como solo, rochas, vegetação e água provenientes diretamente do local, que muitas vezes estão situados remotamente das áreas urbanas. Apesar da inacessibilidade ocasional destes locais, a documentação fotográfica é rotineiramente apresentada nas galerias de arte urbana.
Os princípios fundamentais deste movimento artístico giram em torno do repúdio à comercialização da arte e da aceitação do crescente movimento ecológico. O seu início coincidiu com uma rejeição generalizada dos estilos de vida urbanos e uma correspondente valorização dos ambientes rurais. Estas tendências também englobavam aspirações espirituais em relação ao papel da Terra como morada da humanidade.
Pós-minimalismo
Em 1977, Robert Pincus-Witten introduziu o termo Pós-minimalismo para caracterizar a arte derivada do minimalismo, mas incorporando conteúdo e nuances contextuais que o próprio minimalismo evitou. A aplicação do termo abrangeu o período de 1966 a 1976, abrangendo obras de artistas como Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e novas criações de ex-minimalistas, incluindo Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va, entre outros. Este corpo de trabalho também é descrito por termos como arte processual e arte antiforma, sendo suas características definidas pelo espaço ocupado e sua metodologia de produção.
Rosalind Krauss postula que em 1968, artistas como Morris, LeWitt, Smithson e Serra haviam "entrado em uma situação cujas condições lógicas não podem mais ser descritas como modernistas". Ela afirma ainda que a ampliação da categoria escultura para incorporar a land art e a arquitetura "trouxe a mudança para o pós-modernismo". O escultor americano Christopher Wilmarth é frequentemente classificado como pós-minimalista, alinhando-se com figuras como Eva Hesse e Bruce Nauman. A obra de Wilmarth divergiu deliberadamente da estética imaculada e fabricada à máquina, preferida pelos minimalistas, ao mesmo tempo que evitava a exuberância orientada pelo processo predominante em grande parte da escultura pós-minimalista da década de 1970.
Artistas minimalistas proeminentes, incluindo Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin e John McCracken, mantiveram sua produção de pinturas e esculturas do modernismo tardio ao longo de suas vidas profissionais.
Arte conceitual
A arte conceitual é frequentemente categorizada como pós-moderna devido ao seu envolvimento explícito com a desconstrução de definições artísticas. Este gênero muitas vezes suscita controvérsia significativa, já que suas criações têm frequentemente a intenção de desafiar, provocar ou criticar as percepções predominantes entre seu público.
As primeiras influências na arte conceitual incluem as contribuições de Duchamp, "4' 33" de John Cage - uma peça onde o conteúdo musical é definido pelos sons ambientes percebidos pelo público durante sua apresentação - e Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg. Um princípio fundamental de muitas obras de arte conceituais é que a arte é constituída pela percepção do espectador de um objeto ou ação como artístico, e não pelas qualidades inerentes da própria obra. Consequentemente, a exposição da Fonte transformou-a numa escultura.
Pintura Figurativa
Certas tendências da pintura figurativa do pós-guerra foram interpretadas através de lentes pós-modernas. Os críticos americanos, por exemplo, identificaram o artista italiano Carlo Maria Mariani como um pós-modernista. Charles Jencks observou que o retrato de grupo de Mariani, A Constelação de Leão (1980-1981), que retrata figuras da cena artística italiana ao lado de alusões mitológicas e históricas da arte, exemplificou uma característica chave da arte pós-moderna: "um comentário irônico sobre um comentário sobre um comentário que sinaliza a distância; um novo mito três vezes removido de seu ritual originário."
Arte de instalação
Uma trajetória significativa na arte consistentemente categorizada como pós-moderna abrange a arte da instalação e a produção de artefatos orientados conceitualmente. Os cartazes de Jenny Holzer, por exemplo, empregam mecanismos artísticos para comunicar mensagens precisas, como "Proteja-me do que eu quero". A arte da instalação tem desempenhado um papel crucial na definição dos requisitos arquitectónicos dos museus de arte contemporânea, necessitando de espaços capazes de acomodar obras extensas que compreendem extensas colagens de materiais fabricados e descobertos. Essas instalações e colagens frequentemente incorporam componentes elétricos, elementos cinéticos e iluminação.
Essas obras são frequentemente concebidas para gerar impactos ambientais, exemplificado por Cortina de Ferro, Muro de 240 Barris de Petróleo, Bloqueio da Rue Visconti, Paris, junho de 1962, de Christo e Jeanne-Claude, que serviu como um comentário simbólico sobre o Muro de Berlim erguido em 1961.
Arte Lowbrow
A arte lowbrow representa um movimento populista generalizado originado do comix underground, da música punk, da cultura de rua hot rod e de várias subculturas californianas. Também frequentemente chamada de surrealismo pop, a arte Lowbrow ressalta um princípio central do pós-modernismo: a dissolução das distinções tradicionais entre formas de arte "altas" e "baixas".
Arte performática
Arte Digital
A arte digital serve como um descritor abrangente para diversas criações artísticas e metodologias que integram a tecnologia digital como um componente fundamental dos seus processos generativos ou expositivos. A influência da tecnologia digital revolucionou práticas estabelecidas como pintura, desenho, escultura e música/arte sonora, promovendo simultaneamente o surgimento e o reconhecimento de novas formas artísticas, como net art, arte de instalação digital e realidade virtual.
Proeminentes teóricos e historiadores da arte especializados neste domínio incluem Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest e Edward A. Shanken.
Intermídia e Multimídia
Uma tendência notável na arte associada ao pós-modernismo é a integração de diversas mídias, muitas vezes denominadas "intermídia". Cunhado por Dick Higgins, intermedia refere-se a novas formas de arte que abrangem movimentos como Fluxus, Poesia Concreta, Objetos Encontrados, Arte Performance e Arte Computacional. Higgins, poeta concreto, editor da Something Else Press e admirador de Marcel Duchamp, era casado com a artista Alison Knowles. Ihab Hassan inclui “Intermedia, a fusão de formas, a confusão de reinos”, entre as suas características definidoras da arte pós-moderna. A videoarte, utilizando fitas de vídeo e monitores CRT, representa uma das formas mais prevalentes de "arte multimídia". Embora o conceito teórico de combinação de múltiplas disciplinas artísticas seja antigo e tenha visto reavivamentos periódicos, a sua manifestação pós-moderna funde-se frequentemente com a arte performativa, muitas vezes desprovida de subtexto dramático, concentrando-se, em vez disso, nas declarações específicas do artista ou na essência conceptual das suas ações. A visão de Higgins sobre Intermedia está intrinsecamente ligada à evolução das práticas digitais multimídia, incluindo realidade virtual imersiva, arte digital e arte computacional.
Arte Telemática
A arte telemática descreve empreendimentos artísticos que empregam redes de telecomunicações mediadas por computador como meio principal. Esta forma de arte desafia a dinâmica convencional entre sujeitos de visualização ativa e objetos de arte passivos, estabelecendo contextos comportamentais interativos para encontros estéticos remotos. Roy Ascott vê a arte telemática como algo que transforma o espectador num participante activo na criação da obra de arte, que permanece em processo perpétuo ao longo da sua duração. Ascott tem sido um pioneiro na teoria e prática da arte telemática desde 1978, quando se envolveu pela primeira vez online para organizar vários projetos digitais colaborativos.
Arte de apropriação e arte neoconceitual
Em seu ensaio de 1980 O Impulso Alegórico: Rumo a uma Teoria do Pós-modernismo, Craig Owens identifica o ressurgimento de um impulso alegórico como uma marca registrada da arte pós-moderna. Este impulso é evidente na arte de apropriação de figuras como Sherrie Levine e Robert Longo, visto que “imagens alegóricas são imagens apropriadas”. A arte de apropriação critica os ideais modernistas de gênio artístico e originalidade, exibindo maior ambivalência e contradição do que a arte moderna, ao estabelecer e subverter simultaneamente ideologias, sendo assim "tanto crítico quanto cúmplice".
Neo-expressionismo e pintura
O ressurgimento de formas de arte tradicionais como a escultura e a pintura no final dos anos 1970 e início dos anos 1980, exemplificado por artistas neo-expressionistas como Georg Baselitz e Julian Schnabel, tem sido caracterizado como uma tendência pós-moderna e um dos primeiros movimentos coesos a emergir na era pós-moderna. No entanto, os seus fortes laços com o mercado de arte comercial suscitaram questões sobre o seu estatuto como movimento pós-moderno e a própria definição de pós-modernismo. Hal Foster afirma que o neo-expressionismo foi cúmplice da política cultural conservadora predominante durante a era Reagan-Bush nos EUA. Félix Guattari descarta as "grandes operações promocionais apelidadas de 'neo-expressionismo' na Alemanha" (citando-o como um exemplo de uma "moda que se mantém por meio da publicidade") como um meio excessivamente simplista para ele "demonstrar que o pós-modernismo nada mais é do que o último suspiro do modernismo". Estas críticas ao neo-expressionismo destacam como o apoio financeiro e as relações públicas reforçaram significativamente a credibilidade do mundo da arte contemporânea na América durante um período em que os artistas conceptuais e as práticas das mulheres artistas, incluindo pintoras e teóricas feministas como Griselda Pollock, reavaliavam sistematicamente a arte moderna. Brian Massumi afirma que Deleuze e Guattari ampliam o escopo para novas definições de Beleza na arte pós-moderna. Para Jean-François Lyotard, as pinturas de artistas como Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger e Barnett Newman, seguindo a era da vanguarda e as obras de Paul Cézanne e Wassily Kandinsky, serviram de canal para novos conceitos do sublime na arte contemporânea.
Crítica institucional
As críticas às instituições de arte, principalmente museus e galerias, são centrais no trabalho de Andrea Fraser, Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren e Hans Haacke.
Fontes
Fontes
- O Triunfo do Modernismo: O Mundo da Arte, 1985–2005. Por Hilton Kramer. 2006. ISBN 978-0-15-666370-0.
- Imagens de Nada: Arte Abstrata desde Pollock (A.W. Mellon Lectures in the Fine Arts). Por Kirk Varnedoe. 2003.
- Arte da Era Pós-moderna: Do final dos anos 1960 ao início dos anos 1990. Por Irving Sandler.
- Pós-modernismo (Movimentos na Arte Moderna). Por Eleanor Heartney.
- Escultura na Era da Dúvida. Por Thomas McEvilley. 1999.
Referências
- Mídia relacionada à arte pós-moderna no Wikimedia Commons