A pop art é um movimento artístico influente que surgiu no Reino Unido e nos Estados Unidos durante meados da década de 1950. Este movimento desafiou as tradições estabelecidas das belas artes ao integrar imagens da cultura popular e de massa, incluindo publicidade, histórias em quadrinhos, embalagens de produtos, figuras de celebridades e itens de consumo diário, na pintura, escultura e gravura. Ao elevar o lugar-comum, o kitsch e o produzido em massa ao status de arte erudita, a arte pop efetivamente confundiu as distinções entre alta e baixa cultura. Também é caracterizado pela adoção, pelos artistas, de métodos de reprodução mecânica ou técnicas de renderização. Na pop art, o tema é ocasionalmente deslocado visualmente de seu contexto familiar, isolado ou justaposto a elementos não relacionados.
Pop art é um movimento artístico que surgiu no Reino Unido e nos Estados Unidos em meados da década de 1950. O movimento apresentou um desafio às tradições das belas-artes ao incluir imagens da cultura popular e de massa – incluindo publicidade, histórias em quadrinhos, embalagens de produtos, celebridades e bens de consumo diários – na pintura, escultura e gravura. Ao elevar o banal, o kitsch e o produzido em massa ao status de arte erudita, a arte pop confundiu as fronteiras entre a alta e a baixa cultura. Também está associado ao uso de meios mecânicos de reprodução ou técnicas de renderização pelos artistas. Na pop art, o material é por vezes removido visualmente do seu contexto conhecido, isolado ou combinado com material não relacionado.
O movimento desenvolveu-se inicialmente na Grã-Bretanha através de artistas como Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, que investigaram as imagens do consumidor americano e a cultura mediática do pós-guerra através da colagem e da pintura. Nos Estados Unidos, artistas como Larry Rivers, Ray Johnson, Robert Rauschenberg e Jasper Johns estabeleceram um trabalho fundamental crucial ao incorporar objetos cotidianos e símbolos comerciais em sua prática artística. No início da década de 1960, figuras proeminentes como Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Tom Wesselmann impulsionaram o movimento para o reconhecimento internacional.
A arte pop está intrinsecamente ligada à ironia, à ambiguidade e a um envolvimento crítico com a cultura do consumo. Enquanto certas obras parecem celebrar a estética refinada e a abundância material do capitalismo do pós-guerra, outras examinam criticamente os efeitos homogeneizadores da produção em massa e da saturação dos meios de comunicação. Amplamente considerada como uma reação e uma evolução do expressionismo abstrato, a pop art redirecionou o foco artístico para imagens cotidianas e design comercial. Através da sua apropriação de imagens encontradas e de estética comercial, a arte pop baseou-se em precedentes do dadaísmo, ao mesmo tempo que prenunciava desenvolvimentos posteriores na arte pós-moderna. Ao dissolver as fronteiras entre a cultura de elite e a cultura popular, a originalidade e a reprodução, e a arte e a mercadoria, remodelou fundamentalmente o léxico visual da arte contemporânea.
Origens
A gênese da pop art na América do Norte divergiu de seu desenvolvimento na Grã-Bretanha. Nos Estados Unidos, a pop art surgiu como uma reação artística, sinalizando um retorno à composição precisa e à arte representacional. Os artistas empregaram deliberadamente a realidade impessoal e mundana, a ironia e a paródia para neutralizar o simbolismo pessoal e a "frouxidão pictórica" características do expressionismo abstrato. Nos EUA, certas obras de Larry Rivers, Alex Katz e Man Ray são consideradas precursoras da arte pop.
Por outro lado, as origens da arte pop na Grã-Bretanha do pós-guerra, embora também utilizassem ironia e paródia, exibiram uma orientação mais acadêmica. Os artistas britânicos concentraram-se nas imagens dinâmicas e paradoxais da cultura popular americana, percebendo-as como aparatos simbólicos poderosos e manipuladores que influenciam os padrões sociais e, ao mesmo tempo, aumentam a prosperidade. A arte pop inicial na Grã-Bretanha era principalmente conceitual, alimentada pela cultura popular americana quando vista de longe. Da mesma forma, a pop art funcionou tanto como uma extensão quanto como um repúdio ao dadaísmo. Embora ambos os movimentos explorassem temas comparáveis, a arte pop substituiu os impulsos destrutivos, satíricos e anárquicos do dadaísmo por uma afirmação imparcial de artefatos da cultura de massa. Artistas europeus cujo trabalho é considerado como tendo levado à arte pop incluem Pablo Picasso, Marcel Duchamp e Kurt Schwitters.
Proto-pop
Embora a arte pop britânica e americana tenha surgido durante a década de 1950, figuras como Marcel Duchamp e outros artistas europeus como Francis Picabia e Man Ray antecederam o movimento. Além disso, as primeiras origens do proto-pop americano envolviam a utilização de objetos culturais "como encontrados". Durante a década de 1920, os artistas americanos Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Charles Demuth e Stuart Davis produziram pinturas incorporando imagens da cultura pop - especificamente, objetos mundanos derivados de produtos comerciais e design publicitário americanos - quase prefigurando assim o movimento da arte pop.
Reino Unido: O Grupo Independente
O Independent Group (IG), fundado em Londres em 1952, é amplamente reconhecido como o progenitor do movimento pop art. Este colectivo era composto por jovens pintores, escultores, arquitectos, escritores e críticos que questionavam activamente os paradigmas culturais modernistas dominantes e as perspectivas convencionais sobre as belas-artes. Suas discussões exploraram principalmente as implicações da cultura popular, partindo de elementos como publicidade de massa, cinema, design de produtos, histórias em quadrinhos, ficção científica e tecnologia. Durante a reunião inaugural do Grupo Independente em 1952, o cofundador, artista e escultor Eduardo Paolozzi fez uma palestra apresentando uma série de colagens intitulada Bunk!, que ele compilou em Paris entre 1947 e 1949. Esses "objetos encontrados", incluindo anúncios, personagens de quadrinhos, capas de revistas e vários gráficos produzidos em massa, representavam predominantemente a cultura popular americana. Notavelmente, a colagem de Paolozzi de 1947, Eu era o brinquedo de um homem rico, apresentada durante esta palestra, contém o primeiro exemplo conhecido da palavra "pop", retratada dentro de uma nuvem de fumaça que emana de um revólver. Após a influente apresentação de Paolozzi em 1952, o foco do IG mudou predominantemente para imagens da cultura popular americana, com ênfase particular na publicidade de massa.
O filho de John McHale afirma que seu pai originou o termo "pop art" em 1954, durante uma discussão com Frank Cordell; no entanto, relatos alternativos atribuem sua cunhagem ao crítico britânico Lawrence Alloway. (Ambas as narrativas concordam que o termo foi ativamente empregado nas discussões do Grupo Independente em meados de 1955.) A designação "Pop art" posteriormente ganhou popularidade entre os membros do IG durante a Segunda Sessão do IG em 1955. A frase precisa "pop art" apareceu pela primeira vez impressa em 1956, no artigo "But Today We Collect Ads" dos membros do IG Alison e Peter Smithson, publicado na revista Ark. No entanto, o termo é frequentemente atribuído ao crítico de arte e curador britânico Lawrence Alloway, especificamente por seu ensaio de 1958, The Arts and the Mass Media, apesar de sua expressão atual ser "cultura popular de massa". O próprio Alloway esclareceu: "Além disso, o que eu quis dizer com isso não é o que significa agora. Usei o termo, e também 'Cultura Pop', para me referir aos produtos da mídia de massa, não às obras de arte que se baseiam na cultura popular. Em qualquer caso, em algum momento entre o inverno de 1954-55 e 1957, a frase ganhou popularidade nas conversas..." Apesar disso, Alloway emergiu como um crítico proeminente que defende a integração das imagens da cultura de massa no fino artes. Alloway forneceu esclarecimentos adicionais sobre estes termos em 1966, altura em que a arte pop já tinha evoluído desde as suas origens em escolas de arte e galerias mais pequenas para se tornar uma força significativa dentro do mundo da arte. No entanto, o seu sucesso principal não se concretizou na Inglaterra. Simultaneamente e de forma independente, a cidade de Nova York se estabeleceu como um centro central da arte pop.
Em Londres, a exposição anual de jovens talentos de 1960, realizada pela Royal Society of British Artists (RBA), apresentou pela primeira vez as influências pop americanas. A altamente influente exposição RBA-Young Contemporaries em janeiro de 1961 trouxe um reconhecimento significativo a artistas como David Hockney, o americano R. B. Kitaj, o neozelandês Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty e Peter Blake. A Apple foi responsável pelo design dos pôsteres e convites das exposições Young Contemporaries de 1961 e 1962. Hockney, Kitaj e Blake posteriormente receberam prêmios na Exposição John Moores em Liverpool durante o mesmo ano. Durante as férias de verão do Royal College em 1961, Apple e Hockney viajaram para Nova York, onde a Apple encontrou Andy Warhol pela primeira vez; ambos os artistas mais tarde se mudaram para os Estados Unidos, com a Apple se envolvendo profundamente na cena pop art de Nova York.
Estados Unidos
Embora a arte pop tenha se originado no início da década de 1950, ela ganhou seu impulso mais significativo nos Estados Unidos durante a década de 1960. Uma crítica de agosto de 1962 no The New York Times, cobrindo uma exposição no Wadsworth Atheneum em Hartford, observou a ascensão do que era então chamado de arte "Pop" ou "Ambiental" dentro de uma pesquisa de obras americanas contemporâneas provenientes de coleções proeminentes de Connecticut. A crítica apresentava especificamente imagens de histórias em quadrinhos de Roy Lichtenstein, pinturas inspiradas em outdoors de James Rosenquist e as icônicas latas de sopa Campbell repetidas de Andy Warhol. Estes desenvolvimentos foram caracterizados não como provocações fugazes, mas como "grandes passos em direcção a uma arte que é socialmente correcta", indicando um reconhecimento crítico precoce do desafio da arte pop ao Expressionismo Abstracto e à sua adopção da cultura de massa.
A designação "pop art" foi formalmente estabelecida em dezembro de 1962 durante um "Simpósio de Pop Art" organizado pelo Museu de Arte Moderna. Ao mesmo tempo, a publicidade americana integrou numerosos componentes da arte moderna, operando num nível altamente avançado. Isso exigiu que os artistas americanos explorassem abordagens estilísticas mais profundas e dramáticas para distinguir as belas-artes dos designs comerciais sofisticados. A perspectiva britânica sobre o imaginário da cultura popular americana, sendo um tanto distanciada, frequentemente imbuía suas interpretações de nuances românticas, sentimentais e humorísticas. Por outro lado, os artistas americanos, constantemente expostos a uma vasta gama de recursos visuais produzidos em massa, normalmente geravam trabalhos mais audaciosos e contundentes.
O historiador, curador e crítico Henry Geldzahler afirmou que as colagens de Ray Johnson, especificamente Elvis Presley No. 1 e James Dean, representam o momento fundamental do movimento pop. A autora Lucy Lippard observou ainda que as colagens de Johnson com Elvis e Marilyn Monroe prenunciavam a arte pop warholiana. Johnson, inicialmente um designer gráfico, mais tarde ganhou reconhecimento como o progenitor da arte postal através de sua "Escola de Correspondência de Nova York", favorecendo trabalhos de pequena escala envolvendo recortes e desenhos dentro de envelopes em vez dos formatos maiores adotados por seus pares. Um artigo de janeiro de 1958 na Art News, comentando a imagem da capa, posicionou a exposição individual inaugural de Jasper Johns ao lado de obras de figuras consagradas como Rauschenberg, Twombly, Kaprow e Ray Johnson.
Jasper Johns e Robert Rauschenberg também foram fundamentais na formação do léxico da arte pop americana. Rauschenberg inspirou-se em Kurt Schwitters e outros artistas dadaístas, e a sua convicção de que "a pintura se relaciona tanto com a arte como com a vida" desafiou diretamente os paradigmas modernistas predominantes da sua época. Sua incorporação de objetos prontos descartados em seus "Combines" e imagens da cultura popular em suas pinturas vinculou suas criações à vida americana contemporânea. Especificamente, suas pinturas de 1962 a 1964 mesclaram pinceladas expressivas com trechos serigrafados de revistas como Life, Newsweek, e National Geographic. A produção artística de Johns, incluindo suas representações de bandeiras, alvos, números, mapas dos EUA e representações tridimensionais de latas de cerveja, gerou uma investigação crítica sobre a natureza da representação na arte. As obras produzidas por Johns e Rauschenberg durante a década de 1950 são frequentemente categorizadas como Neo-Dada, exibindo um caráter visual distinto da quintessência da Pop Art americana que surgiu com destaque no início da década de 1960.
Roy Lichtenstein tem um significado comparável na Pop Art americana, com o seu trabalho, particularmente os seus elementos paródicos, encapsulando indiscutivelmente os princípios fundamentais do movimento de forma mais eficaz. Ao adotar histórias em quadrinhos vintage como tema principal, Lichtenstein elaborou composições caracterizadas por seus contornos nítidos e precisão meticulosa, documentando e satirizando sutilmente a cultura popular. Ele empregou tinta a óleo e Magna em suas peças mais célebres, como Drowning Girl (1963), que foi derivada da narrativa principal de Secret Hearts #83 da DC Comics. Seu estilo distinto incorpora contornos proeminentes, cores vibrantes e pontos Ben-Day para simular matizes específicos, imitando a estética da reprodução mecânica. Lichtenstein articulou seu processo, afirmando: "[os expressionistas abstratos] colocaram as coisas na tela e responderam ao que fizeram, às posições e tamanhos das cores. Meu estilo parece completamente diferente, mas a natureza de colocar linhas é praticamente a mesma; o meu simplesmente não parece caligráfico, como o de Pollock ou o de Kline. "
Em 1964, o The Observer reconheceu Andy Warhol como o "inovador da arte pop", uma designação que reflecte o seu papel fundamental no movimento, e ele é amplamente reconhecido como a sua figura seminal. O crítico de arte Arthur Danto caracterizou-o notavelmente como "a coisa mais próxima de um gênio filosófico que a história da arte produziu". Warhol transcendeu a arte pop de uma mera estética visual para um fenómeno cultural profundo, integrando habilmente arte, celebridade e comércio através do seu estúdio Factory e da sua identidade pública. Antes de sua incursão em pinturas de arte pop e filmes underground na década de 1960, Warhol se estabeleceu como um ilustrador comercial de sucesso, criando anúncios, capas de livros e capas de discos. Seus icônicos retratos em serigrafia, apresentando figuras como Marilyn Monroe e Elvis Presley, transformaram imagens da mídia de massa em obras de arte impressionantes e serializadas que exploraram criticamente temas de fama e consumismo. Até mesmo elementos mundanos, como o rótulo de uma caixa de remessa de varejo, tornaram-se temas artísticos, exemplificados por sua Campbell's Tomato Juice Box, que destacou a assimilação pela arte pop dos visuais comerciais cotidianos. Na década de 1980, Warhol ampliou ainda mais sua influência ao orientar um novo grupo de artistas pop, incluindo Keith Haring e Kenny Scharf.
Exposições pioneiras nos EUA
A gênese da arte pop no final dos anos 1950 e início dos anos 1960 foi significativamente moldada por uma sequência de exposições cruciais e vitrines em galerias, sinalizando um afastamento definitivo do Expressionismo Abstrato. Entre 1959 e 1960, os artistas Claes Oldenburg, Jim Dine e Tom Wesselmann realizaram suas primeiras exposições na Judson Gallery, em Nova York. Ao mesmo tempo, a Galeria Martha Jackson apresentou montagem experimental e instalação de arte em sua exposição de 1960, Novas Mídias – Novas Formas, que incluía obras de Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Oldenburg e Dine. Em 1961, Jackson promoveu ainda mais práticas artísticas imersivas e baseadas em objetos, organizando Environments, Situations, Spaces, uma exposição instrumental na preparação do terreno para a adoção de materiais cotidianos e iconografia de consumo pela arte pop.
Em dezembro de 1961, Oldenburg inaugurou The Store no Lower East Side de Manhattan, apresentando uma instalação de um mês composta por esculturas feitas à mão que imitavam produtos de consumo. Seus acontecimentos associados ao "Ray Gun Theatre", que apresentavam artistas como Lucas Samaras, Tom Wesselmann, Carolee Schneemann, Öyvind Fahlström e Richard Artschwager, questionaram ativamente as fronteiras tradicionais que separam a arte da existência cotidiana. Esses avanços artísticos indicaram um afastamento da natureza introspectiva da pintura de ação, avançando em direção a um envolvimento mais focado externamente com a cultura de massa.
Em julho de 1962, Andy Warhol apresentou sua exposição individual inaugural na Ferus Gallery de Irving Blum, em Los Angeles, apresentando 32 latas de sopa Campbell. Durante o mesmo mês, o Wadsworth Atheneum em Hartford apresentou a exposição Pintura e Escultura Americana das Coleções de Connecticut, que incorporou peças de artistas pop, incluindo Warhol e Oldenburg. Posteriormente, Walter Hopps foi curador de Nova Pintura de Objetos Comuns no Museu de Arte de Pasadena; esta exposição é amplamente reconhecida como a primeira apresentação em museu dedicada à pop art americana, destacando artistas como Roy Lichtenstein, Warhol, Jim Dine, Wayne Thiebaud e Ed Ruscha. Também em 1962, a Galeria Sidney Janis, em Nova Iorque, orquestrou a seminal Exposição Internacional dos Novos Realistas, que uniu artistas pop americanos com Nouveaux Réalistes europeus. Esta exposição solidificou a crescente proeminência da arte pop, levando até vários expressionistas abstratos, nomeadamente Mark Rothko e Robert Motherwell, a retirarem-se da galeria.
Em 1963, instituições proeminentes de Nova York haviam adotado totalmente o movimento da arte pop. O Museu Guggenheim, por exemplo, apresentou Seis Pintores e o Objeto, uma exposição com curadoria de Lawrence Alloway que incluiu obras de Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist e Warhol. As galerias comerciais expandiram progressivamente a sua representação de artistas pop: a Green Gallery exibiu Rosenquist, George Segal, Oldenburg e Wesselmann; Leo Castelli defendeu Rauschenberg, Johns e Lichtenstein; e a Galeria Ferus manteve a promoção de Warhol e Ruscha na Costa Oeste.
A Galeria Bianchini sediou o The American Supermarket em 1964, convertendo sua área de exposição em uma mercearia operacional repleta de produtos de consumo criados por artistas como Warhol, Lichtenstein, Oldenburg e Wesselmann. Esta instalação ilustrou vividamente a integração da expressão artística e do comercialismo na pop art. Em meados da década de 1960, os artistas pop conquistaram apoio comercial e institucional consistente, e a exposição de 1968 em São Paulo, Environment USA: 1957–1967, ofereceu uma ampla visão geral das figuras proeminentes do movimento, confirmando assim seu status como uma grande influência na arte contemporânea.
França
Nouveau réalisme designa um movimento artístico estabelecido em 1960 pelo crítico de arte Pierre Restany e pelo artista Yves Klein durante sua exposição coletiva inaugural na galeria Apollinaire em Milão. Pierre Restany foi o autor do manifesto inicial do grupo, "Declaração Constitutiva do Novo Realismo", em abril de 1960, afirmando: "Nouveau Réalisme - novas formas de perceber o real". Esta declaração colaborativa foi formalmente assinada em 27 de outubro de 1960, no estúdio de Yves Klein, por nove indivíduos: Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely e os Ultraletristas — François Dufrêne, Raymond Hains e Jacques de la Villeglé. Em 1961, César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle e Gérard Deschamps juntaram-se posteriormente ao grupo. O artista Christo também expôs ao lado do coletivo, que finalmente se desfez em 1970. Muitas vezes considerado como a contraparte francesa da Pop Art americana, o Nouveau Réalisme, ao lado do Fluxus e outros coletivos, constituiu um dos muitos movimentos de vanguarda da década de 1960. O grupo estabeleceu inicialmente a sua base em Nice, na Riviera Francesa, visto que tanto Klein como Arman eram originários da região; conseqüentemente, os historiadores frequentemente veem o Nouveau Réalisme retrospectivamente como uma manifestação inicial do movimento da École de Nice. Apesar da natureza variada das suas expressões artísticas, os membros identificaram uma base comum para a sua prática: uma apropriação direta da realidade, que Restany caracterizou como uma "reciclagem poética da realidade urbana, industrial e publicitária".
Espanha
Em Espanha, a exploração da Pop Art está ligada ao movimento “novo figurativo”, que emergiu da crise do informalismo. Eduardo Arroyo pode ser classificado dentro da tendência Pop Art devido ao seu envolvimento com temas ambientais, à sua crítica à cultura mediática – integrando ícones da comunicação de massa e da história da arte – e ao seu desdém pela maioria dos estilos artísticos convencionais. No entanto, Alfredo Alcaín é indiscutivelmente o artista espanhol mais genuinamente alinhado com a Pop Art, distinguindo-se pela incorporação de imagens populares e espaço negativo nas suas composições.
A "Chronicle Team" (El Equipo Crónica), composta pelos artistas Manolo Valdés e Rafael Solbes, também se enquadra no âmbito da Pop Art espanhola; este coletivo funcionou em Valência de 1964 a 1981. A sua abordagem artística é identificável como "pop" devido à incorporação da estética dos quadrinhos, do imaginário publicitário e da simplificação de elementos visuais e fotográficos. O cineasta Pedro Almodóvar, originário da subcultura "La Movida" de Madrid da década de 1970, produziu filmes Super 8 Pop Art de baixo orçamento e foi posteriormente apelidado de "o Andy Warhol da Espanha" pela mídia contemporânea. Em Almodóvar sobre Almodóvar, ele afirma que o filme "Funny Face" dos anos 1950 serviu de inspiração primária para seus empreendimentos cinematográficos. Uma característica distintiva da Pop Art nos filmes de Almodóvar é a criação consistente de um comercial fabricado para inserção em uma cena.
Nova Zelândia
Na Nova Zelândia, a Pop Art prosperou principalmente desde a década de 1990, frequentemente alinhando-se com Kiwiana. Kiwiana representa um retrato idealizado e centrado no pop de ícones quintessenciais da Nova Zelândia, incluindo tortas de carne, kiwis, tratores, jandais e supermercados Four Square; o kitsch inerente a estes elementos é frequentemente recontextualizado para transmitir significados culturais mais amplos. Dick Frizzell, um renomado artista pop neozelandês, é reconhecido por empregar símbolos tradicionais Kiwiana para satirizar a cultura contemporânea. Por exemplo, Frizzell reinterpreta frequentemente as obras de artistas internacionais, imbuindo-as de uma perspectiva ou influência distinta da Nova Zelândia. Esta prática serve para destacar o impacto global historicamente subestimado da Nova Zelândia, ligando assim a arte ingénua à Pop Art Aotearoan.
Essa estética também pode se manifestar com uma abordagem abrasiva e inexpressiva, exemplificada pela renomada peça Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) de Michel Tuffery. Tuffery, de origem samoana, criou esta escultura de touro a partir de latas de alimentos processados, especificamente aquelas contendo pisupo. Esta obra de arte distingue-se na arte pop ocidental ao incorporar temas de neocolonialismo e racismo dirigidos a culturas não ocidentais. As latas de comida, parte integrante da escultura, simbolizam a dependência económica imposta aos samoanos pelas influências ocidentais. Sua perspectiva indígena distinta o diferencia das criações de arte pop não-indígenas predominantes. Os artistas maori Michael Parekōwhai e Reuben Paterson são outros notáveis artistas pop da Nova Zelândia que exploram conteúdo temático comparável.
Billy Apple, um proeminente e antigo artista pop da Nova Zelândia, estava notavelmente entre os poucos membros não britânicos da Royal Society of British Artists. Sua inclusão ao lado de artistas como David Hockney, o americano R.B. Kitaj e Peter Blake na exposição Young Contemporaries da RBA de janeiro de 1961 rapidamente estabeleceu a Apple como um artista internacional icônico da década de 1960. Antes de adotar o apelido de “Billy Apple”, suas criações eram exibidas sob seu nome de nascimento, Barrie Bates. Para se diferenciar ainda mais, não só pelo nome, mas também pela aparência, ele descoloriu os cabelos e as sobrancelhas com Lady Clairol Instant Creme Whip. Posteriormente, a Apple tornou-se afiliada ao movimento de Arte Conceitual da década de 1970.
Japão
A arte pop japonesa surgiu do distinto movimento de vanguarda do país. As pinturas em estilo fotomontagem de Harue Koga do final da década de 1920 e início da década de 1930, que incorporavam imagens do mundo moderno provenientes de revistas, anteciparam elementos-chave da arte pop. O movimento japonês Gutai culminou em uma exposição em 1958 na galeria de Martha Jackson em Nova York, dois anos antes de sua influente exposição "New Forms New Media", um evento amplamente creditado por estabelecer a proeminência da arte pop. As contribuições artísticas de Yayoi Kusama foram fundamentais para a evolução da arte pop e impactaram significativamente vários artistas, incluindo Andy Warhol. Em meados da década de 1960, o designer gráfico Tadanori Yokoo tornou-se um dos artistas pop de maior sucesso, servindo como um emblema internacional da arte pop japonesa. Yokoo é conhecido por seu trabalho publicitário e por produzir arte para ícones da cultura pop, incluindo encomendas para The Beatles, Marilyn Monroe e Elizabeth Taylor. Keiichi Tanaami foi outro artista pop proeminente durante este período. Além disso, personagens icônicos de mangás e animes japoneses, como Speed Racer e Astro Boy, também foram adotados como símbolos na pop art. O mangá e o anime japoneses posteriormente influenciaram artistas pop posteriores, notadamente Takashi Murakami e seu movimento Superflat.
Itália
Em 1964, a arte pop ganhou reconhecimento na Itália, manifestando-se em diversas formas, incluindo a "Scuola di Piazza del Popolo" em Roma. Este movimento contou com artistas pop como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa e Claudio Cintoli, juntamente com contribuições de Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo, Mimmo Rotella e Valerio Adami.
A arte pop italiana tem suas origens na cultura dos anos 1950, especificamente através das obras de Enrico Baj e Mimmo Rotella, que são apropriadamente considerados pioneiros deste movimento artístico. Na verdade, entre 1958 e 1959, tanto Baj como Rotella fizeram a transição dos seus esforços artísticos anteriores – que poderiam ser amplamente categorizados como um género não representacional, apesar das suas fortes tendências pós-dadaístas – para mergulharem na florescente cultura visual e no seu discurso crítico associado. Os decotes, ou cartazes rasgados, de Rotella exibiam cada vez mais uma sensibilidade figurativa, fazendo frequentemente referências explícitas e intencionais aos ícones proeminentes da época. As composições artísticas de Baj estavam profundamente imbuídas do kitsch contemporâneo, que provou ser uma rica fonte de imagens e um catalisador significativo para toda uma geração de artistas.
O surgimento de um novo panorama visual, abrangendo tanto interiores domésticos como ambientes externos, caracterizou esta mudança artística. Elementos do “novo mundo”, como automóveis, sinalização rodoviária e televisão, tornaram-se temas legítimos neste domínio artístico em evolução. A Pop Art italiana alinhou-se assim ideologicamente com os seus homólogos internacionais. As distinções surgiram principalmente na iconografia e, ocasionalmente, através de um envolvimento mais crítico com o assunto. Os precursores desta abordagem são evidentes nos trabalhos de Rotella e Baj, ambos conhecidos pelos seus comentários sociais não neutros. Contudo, esta perspectiva não era exclusiva; numerosos artistas, incluindo Gianni Ruffi, Roberto Barni, Silvio Pasotti, Umberto Bignardi e Claudio Cintoli, abordaram a realidade como um reservatório lúdico de imagens. Eles extraíram material com um senso de distanciamento e leviandade, desafiando paradigmas linguísticos convencionais com um espírito que lembra "deixe-me me divertir" de Aldo Palazzeschi. A Pop Art manteve uma presença contínua no cenário artístico italiano, evoluindo através de várias iterações de forma e conteúdo ao longo do tempo. Por exemplo, no início dos anos 2000, o artista siciliano Arrigo Musti desenvolveu a “Arte Impopular”. Mais recentemente, um subgênero denominado Simbolismo Pop, predominantemente arte digital, ganhou força, especialmente no norte da Itália.
Bélgica
A arte pop belga encontrou representação através de artistas como Paul Van Hoeydonck, cuja escultura Astronauta Caído foi depositada na Lua durante uma missão Apollo, ao lado de outros artistas pop importantes. Figuras aclamadas internacionalmente como Marcel Broodthaers ( 'vous êtes doll? "), Evelyne Axell e Panamarenko foram significativamente influenciadas pelo movimento Pop Art; Broodthaers, em particular, foi muito impactado por George Segal. Roger Raveel, outro artista proeminente, incorporou uma gaiola contendo um pombo vivo em uma de suas pinturas. No final dos anos 1960 e início dos anos 1970, Pop Art alusões desapareceram das obras de alguns artistas à medida que adotaram uma postura mais crítica em relação à América, influenciada pela crescente brutalidade da Guerra do Vietnã, por outro lado, manteve consistentemente a ironia intrínseca do movimento Pop Art, uma prolífica artista pop de Namur ativa entre 1964 e 1972, estava entre as mulheres pioneiras do gênero. Creme.
Holanda
Embora um movimento formal de Pop Art não tenha se unido na Holanda, um grupo de artistas que passou algum tempo em Nova York durante o período nascente da Pop Art se inspirou significativamente no movimento internacional. Figuras notáveis associadas à Pop Art holandesa incluem Daan van Golden, Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers e Woody van Amen. Estes artistas desafiaram a mentalidade pequeno-burguesa holandesa através da criação de obras humorísticas imbuídas de tons sérios. Exemplos ilustrativos incluem Sex O'Clock de Woody van Amen e Crucifix / Target de Jacques Frenken.
Rússia
O envolvimento da Rússia com o movimento Pop Art ocorreu mais tarde, com obras pop aparecendo na década de 1970. Este atraso foi provavelmente atribuído ao ambiente político da Rússia no pós-guerra, que regulamentou rigorosamente a expressão artística. A iteração russa da Pop Art, conhecida como Sots Art, adotou temas soviéticos. Em contraste com a Pop Art Ocidental, a Sots Art serviu como uma resposta contracultural aos movimentos artísticos sancionados pelo Estado. Após a queda do Muro de Berlim, a arte pop russa evoluiu para uma forma distinta, exemplificada pela pintura de Dmitri Vrubel Meu Deus, ajude-me a sobreviver a este amor mortal.
Artistas notáveis
Referências
Referências
Bloch, Mark. A ferrovia do Brooklyn. "Gutai: 1953 –1959", junho de 2018.
- Bloch, Mark. A ferrovia do Brooklyn. "Gutai: 1953 –1959", junho de 2018.
- Diggory, Terence (2013) Enciclopédia dos Poetas da Escola de Nova York (Biblioteca de Fatos em Arquivos de Literatura Americana). ISBN 978-1-4381-4066-7
- Francis, Mark e Foster, Hal (2010) Pop. Londres e Nova York: Phaidon.
- Haskell, Barbara (1984) BLAM! A explosão do pop, do minimalismo e da performance 1958–1964. Nova York: W.W. Norton & Company, Inc. em associação com o Whitney Museum of American Art.
- Lifshitz, Mikhail. A crise da feiúra: do cubismo à pop-art. Traduzido e com introdução de David Riff. Leiden: BRILL, 2018 (publicado originalmente em russo pela Iskusstvo, 1968).
- Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, com contribuições de Lawrence Alloway, Nancy Marmer e Nicolas Calas, publicado por Frederick A. Praeger, Nova York.
- Selz, Peter (moderador), Ashton, Dore, Geldzahler, Henry, Kramer, Hilton, Kunitz, Stanley e Steinberg, Leo (abril de 1963) "A Symposium on Pop Art", Arts Magazine, pp. Este artigo apresenta a transcrição de um simpósio realizado no Museu de Arte Moderna em 13 de dezembro de 1962.
- Pop Art: Uma Breve História, MoMA Learning
- Exposições do Museu do Brooklyn: Subversão Sedutora: Mulheres Artistas Pop, 1958–1968, outubro de 2010 a janeiro. 2011
- Termo do glossário Tate para arte pop