Em contextos artísticos, o realismo normalmente denota um esforço para retratar assuntos de forma autêntica, desprovidos de artificialidade, hipérbole ou quaisquer componentes especulativos ou sobrenaturais. Embora frequentemente trocados pelo naturalismo, esses termos não são inerentemente equivalentes. O naturalismo, conceituado na representação visual ocidental, visa representar objetos com distorção mínima, intrinsecamente ligado ao surgimento da perspectiva linear e do ilusionismo durante o Renascimento europeu. Por outro lado, o realismo, embora fundado na representação naturalista e numa divergência da idealização predominante na arte académica anterior, designa frequentemente um movimento histórico da arte distinto que surgiu em França após a Revolução Francesa de 1848. Impulsionado por um foco renovado na população comum e pela ascensão de ideologias políticas de esquerda, o realismo, exemplificado por artistas como Gustave Courbet, muitas vezes destacou o que é comum, feio ou sórdido. Os pintores realistas repudiaram conscientemente o Romantismo, um movimento que se tornou dominante na literatura e na arte francesas desde o final do século XVIII.
Na arte, o realismo é geralmente a tentativa de representar o assunto com veracidade, sem artificialidade, exagero ou elementos especulativos ou sobrenaturais. O termo é frequentemente usado de forma intercambiável com naturalismo, embora estes termos não sejam necessariamente sinônimos. O naturalismo, como ideia relativa à representação visual na arte ocidental, procura representar objetos com o mínimo de distorção possível e está ligado ao desenvolvimento da perspectiva linear e do ilusionismo na Europa renascentista. O realismo, embora baseado na representação naturalista e num afastamento da idealização da arte académica anterior, refere-se frequentemente a um movimento histórico da arte específico que se originou em França no rescaldo da Revolução Francesa de 1848. Com artistas como Gustave Courbet capitalizando o mundano, feio ou sórdido, o realismo foi motivado pelo interesse renovado no plebeu e pela ascensão da política de esquerda. Os pintores realistas rejeitaram o Romantismo, que passou a dominar a literatura e a arte francesas, com raízes no final do século XVIII. Durante a Europa do século XIX, o "Naturalismo" ou a "Escola Naturalista" foi deliberadamente estabelecida como uma designação para um submovimento distinto dentro do realismo. Este movimento procurou, com vários graus de sucesso, diferenciar-se do seu estilo fundador, evitando deliberadamente comentários políticos e sociais. Também frequentemente afirmava uma base quase científica, aproveitando a conotação de "naturalista" como um estudioso da história natural, que era o termo predominante para as ciências biológicas da época.
O realismo também influenciou vários movimentos em outras disciplinas artísticas, incluindo o estilo operístico do verismo, o realismo literário, o realismo teatral e o cinema neorrealista italiano.
Artes Visuais
Como adjetivo, "realista" normalmente se refere à verossimilhança visual, diferenciando-a da arte "realista", que aborda principalmente o assunto. Analogamente, "ilusionista" pode descrever a representação precisa das aparências visuais dentro de uma composição artística. Na pintura, o naturalismo significa a representação artística exata, meticulosa e fiel de cenas e objetos. Esta abordagem também é denominada mimesis ou ilusionismo e tornou-se particularmente proeminente na pintura europeia durante o século XV, nomeadamente nas primeiras obras neerlandesas de artistas como Robert Campin e Jan van Eyck. Em contraste, os pintores do movimento Realismo do século XIX, incluindo Gustave Courbet, não foram reconhecidos principalmente pela sua precisão absoluta e representação meticulosa das aparências visuais. Durante a era de Courbet, essa representação detalhada era mais característica da pintura acadêmica, que frequentemente retratava cenas históricas inventadas, artificiais ou imaginadas com considerável habilidade e cuidado.
Resistência à idealização
O realismo, ou naturalismo, como estilo artístico, retrata assuntos de maneira não idealizada e pode ser aplicado a qualquer assunto, não exclusivamente ao típico ou mundano. Apesar do idealismo difundido na arte clássica, esta abordagem encontrou antecedentes clássicos, que se revelaram vantajosos na defesa de tais representações durante os períodos Renascentista e Barroco. Demétrio de Alopece, um escultor do século IV aC cujas obras estão agora perdidas, era conhecido por priorizar o realismo em vez da beleza idealizada. Da mesma forma, durante a Antiga República Romana, as figuras políticas favoreciam representações verísticas nos seus retratos, embora os imperadores posteriores gravitassem em torno do idealismo grego. Os retratos de Goya da família real espanhola exemplificam uma representação honesta e sem verniz de indivíduos proeminentes.
Um tema persistente na arte cristã envolvia uma forma de "realismo" que sublinhava o aspecto humano das figuras religiosas, particularmente Cristo e o seu sofrimento físico durante a Paixão. Este desenvolvimento artístico surgiu no final da Idade Média, influenciado pela literatura devocional contemporânea. Durante este período, certas esculturas pintadas em madeira, especialmente prevalentes na Alemanha e na Europa Central, representavam Cristo com uma intensidade quase grotesca, coberto de feridas e sangue. O objetivo era provocar os espectadores a contemplarem o profundo sofrimento que Cristo suportou. Embora esta tendência tenha diminuído durante o Renascimento, obras análogas ressurgiram na era barroca, nomeadamente na escultura espanhola.
Os teóricos da Renascença iniciaram um discurso secular sobre o equilíbrio apropriado entre a representação artística derivada da observação natural e aquela baseada em formas idealizadas. Essas formas idealizadas normalmente se originaram de protótipos clássicos ou de criações de outros artistas. Embora alguns reconhecessem a importância do naturalismo, muitos defendiam a idealização da natureza em vários graus, incorporando assim apenas elementos esteticamente agradáveis. Leonardo da Vinci, por exemplo, defendeu o estudo meticuloso da natureza, com o objetivo de retratar todo o espectro de variações individuais nas figuras humanas e outros assuntos. Por outro lado, Leon Battista Alberti emergiu como um dos primeiros proponentes da idealização, enfatizando formas típicas. Outras figuras, como Michelangelo, apoiaram a seleção dos aspectos mais belos, recusando-se nomeadamente a pintar retratos por isso mesmo.
O debate persistiu até o século XVII, particularmente na Itália, onde frequentemente girava em torno da dicotomia entre o "idealismo clássico" associado aos Carracci e a abordagem "naturalista" dos Caravaggisti. Estes últimos, seguidores de Caravaggio, retratavam narrativas religiosas como se estivessem situadas nas ruelas mundanas das cidades italianas contemporâneas e se identificassem com o termo "naturalista". Décadas após a morte prematura de Caravaggio, Bellori, um crítico pouco inclinado ao estilo de Caravaggio, referiu-se a "Aqueles que se gloriam em nome dos naturalistas" (naturalisti).
No século XIX, o naturalismo emergiu como um movimento artístico amplamente definido em toda a Europa, distinto do realismo devido à sua ausência de motivações políticas explícitas. O crítico de arte francês Jules-Antoine Castagnary cunhou o termo, declarando em 1863: “A escola naturalista declara que a arte é a expressão da vida em todas as fases e em todos os níveis, e que o seu único objetivo é reproduzir a natureza, levando-a ao seu máximo poder e intensidade: é a verdade equilibrada com a ciência. Émile Zola posteriormente adotou este termo, aplicando uma ênfase científica comparável aos seus objetivos literários no romance. Embora muitas pinturas naturalistas explorassem temas semelhantes aos encontrados no impressionismo, elas normalmente empregavam técnicas de pinceladas mais restritas e convencionais. Durante várias décadas, o termo "naturalista" "continuou a ser usado indiscriminadamente para vários tipos de realismo", servindo frequentemente como um descritor geral para a arte que divergia do impressionismo, dos movimentos modernistas subsequentes e da arte acadêmica. Movimentos como as fases posteriores da Escola Francesa de Barbizon, a Escola de Pintura de Düsseldorf (que atraiu estudantes internacionais) e o Regionalismo Americano do século XX são frequentemente categorizados como "naturalistas", embora esta designação raramente seja aplicada à pintura britânica. Mais recentemente, alguns historiadores da arte atribuíram o rótulo de "naturalista" a Courbet ou aos impressionistas.
Ilusionismo
A evolução de representações artísticas progressivamente precisas de fenômenos visuais possui uma extensa história. Esta progressão abrange elementos como a representação precisa da anatomia humana e animal, a aplicação de efeitos de perspectiva e distância e a representação meticulosa de luz e cor. A arte europeia do Paleolítico Superior, por exemplo, produziu representações de animais notavelmente realistas. A arte egípcia antiga, por outro lado, estabeleceu convenções que integravam estilização e idealização. A arte da Grécia Antiga é amplamente reconhecida por seus avanços significativos na representação anatômica. Embora nenhum painel original ou pintura de parede de artistas gregos proeminentes tenha sobrevivido, os registros literários e o corpo existente de obras derivadas (principalmente mosaicos greco-romanos) sugerem que o ilusionismo era altamente estimado em sua pintura. A famosa anedota de Plínio, o Velho, do século V a.C., que descreve pássaros tentando bicar uvas pintadas por Zeuxis, é provavelmente apócrifa.
Além da precisão na forma, luz e cor, as pinturas romanas demonstram uma compreensão intuitiva, porém eficaz, de tornar objetos distantes tão menores que os próximos, e retratar formas geométricas regulares, como telhados e paredes de salas, com perspectiva. Este avanço nas técnicas ilusionistas não significou, contudo, um repúdio ao idealismo. As estátuas de deuses e heróis gregos pretendiam representar com precisão formas idealizadas e belas, embora certas obras, como as cabeças do notoriamente pouco atraente Sócrates, pudessem desviar-se desses ideais estéticos. O retrato romano, especialmente quando menos influenciado pela estética grega, exibia uma dedicação mais forte à representação verdadeira dos seus temas, uma prática conhecida como verismo.
A arte da Antiguidade Tardia abandonou notavelmente o ilusionismo em favor do poder expressivo, uma mudança que já estava significativamente avançada quando o Cristianismo começou a influenciar as práticas artísticas da elite. Na arte ocidental, os padrões clássicos do ilusionismo não foram recuperados até o final da Idade Média e o início da Renascença. Este ressurgimento foi facilitado inicialmente na Holanda durante o início do século XV, e posteriormente na Itália por volta de 1470, através da inovação das técnicas de pintura a óleo. Esses métodos permitiram a criação de efeitos de iluminação altamente sutis e precisos através da aplicação de múltiplas camadas de tinta e esmalte. Ao mesmo tempo, abordagens científicas para a representação em perspectiva surgiram na Itália no início do século XV, difundindo-se progressivamente por toda a Europa. A precisão anatômica também foi redescoberta, em grande parte influenciada pelos princípios artísticos clássicos. O idealismo, espelhando as tradições clássicas, persistiu como o padrão artístico predominante.
A representação precisa de paisagens na pintura evoluiu através da arte do início da Renascença Holandesa/Início do Norte e da Renascença italiana, atingindo um apogeu sofisticado na pintura holandesa da Idade de Ouro do século XVII. Este período viu o desenvolvimento de técnicas altamente diferenciadas para representar diversas condições climáticas e intensidades variadas de luz natural. O retrato europeu por volta de 1600, também influenciado pela pintura holandesa antiga, frequentemente idealizava temas refinando características faciais ou adotando poses estilizadas. As composições de naturezas mortas, tanto como obras independentes quanto como elementos de peças mais amplas, contribuíram significativamente para o avanço da pintura ilusionista. No entanto, dentro da tradição holandesa de pintura de flores, essas obras muitas vezes divergiam do "realismo" estrito. Isto ficou evidente na prática comum de combinar flores de várias estações, quer devido a métodos composicionais baseados em estudos individuais, quer como uma convenção artística intencional. Além disso, as elaboradas exibições de buquês em vasos, conforme retratadas, não eram características dos costumes do século XVII, onde as flores eram normalmente apresentadas individualmente.
Retrato de assuntos cotidianos
A representação de temas mundanos e cotidianos na arte possui uma longa trajetória histórica, embora tais representações tenham sido frequentemente relegadas à periferia das composições ou reproduzidas em escala reduzida. Esta prática resultou em parte do elevado custo da arte e da sua encomenda típica para objectivos religiosos, políticos ou pessoais específicos, o que consequentemente limitou a atribuição de espaço ou esforço artístico a estas cenas comuns. As brincadeiras marginais em manuscritos iluminados medievais ocasionalmente apresentam cenas em miniatura da existência diária, enquanto a evolução da perspectiva introduziu elementos de fundo expansivos em vários ambientes externos. Convencionalmente, a arte medieval e do início da Renascença representava figuras não sagradas em trajes contemporâneos.
A pintura holandesa antiga estendeu o retrato às camadas sociais mais baixas, abrangendo prósperos comerciantes flamengos. Vários exemplos, particularmente o Retrato de Arnolfini de Jan van Eyck (1434) e, mais frequentemente, obras religiosas como o Retábulo de Merode de Robert Campin e sua oficina (por volta de 1427), apresentam retratos meticulosamente detalhados de interiores de classe média repletos de objetos cuidadosamente renderizados. No entanto, estes objectos serviram principalmente para transmitir camadas intrincadas de significado e simbolismo, diminuindo assim qualquer compromisso inerente ao realismo como um fim em si mesmo. Os ciclos artísticos medievais tardios que retratam os Trabalhos dos Meses, numerosos exemplos dos quais são preservados em livros de horas, centram-se em camponeses envolvidos em tarefas sazonais, frequentemente contra cenários paisagísticos elaborados. Esses ciclos foram fundamentais para o avanço da arte paisagística e da representação de indivíduos comuns da classe trabalhadora.
No século XVI, uma tendência artística predominante envolvia a criação de pinturas em grande escala retratando indivíduos envolvidos no trabalho, especialmente em mercados de alimentos e cozinhas. Em numerosos casos, os alimentos receberam ênfase visual comparável à dos próprios trabalhadores. Artistas notáveis deste período incluíram Pieter Aertsen e seu sobrinho Joachim Beuckelaer na Holanda, que empregaram um estilo predominantemente maneirista. Ao mesmo tempo, na Itália, durante a década de 1580, o nascente Annibale Carracci adotou uma estética pouco refinada, enquanto a obra de Bartolomeo Passerotti ocupava uma posição intermediária. Pieter Bruegel, o Velho, foi fundamental no estabelecimento de retratos amplos e panorâmicos da vida camponesa. Estas primeiras representações serviram como precursoras da popularidade generalizada da pintura de género com temática laboral em toda a Europa do século XVII. A Idade de Ouro Holandesa, em particular, fomentou vários subgêneros distintos, incluindo o Bamboccianti na Itália (embora composto principalmente por artistas dos Países Baixos) e o gênero bodegones na Espanha. Esta época também viu a integração de figuras camponesas não idealizadas em pinturas históricas de artistas como Jusepe de Ribera e Velázquez. Na França, os irmãos Le Nain, ao lado de vários artistas flamengos, incluindo Adriaen Brouwer e David Teniers, o Velho e o Jovem, retratavam frequentemente camponeses, embora os moradores urbanos fossem temas menos comuns. Durante o século XVIII, pinturas em formato menor de indivíduos trabalhadores mantiveram sua popularidade, inspirando-se predominantemente nas tradições artísticas holandesas e muitas vezes apresentando temas femininos.
Uma parte significativa da arte retratando indivíduos comuns, especialmente em formato impresso, muitas vezes transmitia temas cômicos ou moralistas. Contudo, a própria pobreza dos sujeitos raramente constituía um elemento central da mensagem moral. A partir de meados do século XIX, as representações artísticas sublinharam cada vez mais as dificuldades enfrentadas pelos empobrecidos. Apesar deste desenvolvimento, que coincidiu com uma extensa migração rural para urbana em grande parte da Europa, os artistas continuaram em grande parte a retratar populações rurais empobrecidas. Por outro lado, as movimentadas paisagens urbanas ganharam popularidade entre os pintores impressionistas e afins, com as cenas parisienses sendo particularmente proeminentes.
Iluminadores de manuscritos medievais frequentemente recebiam encomendas para retratar assuntos tecnológicos. Após a Renascença, essas imagens persistiram nas ilustrações e gravuras de livros, com a notável exceção da pintura marinha, que em grande parte retrocedeu nas belas-artes até o advento do início da Revolução Industrial. Durante o início da Revolução Industrial, um número limitado de artistas, incluindo Joseph Wright of Derby e Philip James de Loutherbourg, representaram cenas deste período transformador. Estes temas industriais provavelmente tiveram um sucesso comercial limitado, como evidenciado por uma notável escassez de representações industriais na pintura, além de cenas ferroviárias ocasionais, até o final do século XIX. Na última parte do século XIX, as encomendas de arte industrial tornaram-se mais comuns, muitas vezes iniciadas por industriais ou para instituições localizadas em cidades industriais. Estas obras eram frequentemente de grande escala e ocasionalmente imbuídas de uma qualidade quase heróica.
O Realismo Americano, um movimento artístico do início do século XX, representa uma entre inúmeras correntes modernas que adoptaram esta interpretação particular do realismo.
O Movimento Realista
Surgindo em meados do século XIX, o movimento Realista desenvolveu-se como uma contra-reação ao Romantismo e à pintura histórica. Defendendo a representação da vida “real”, os pintores realistas seleccionaram trabalhadores comuns e indivíduos comuns envolvidos em actividades quotidianas nos seus ambientes típicos como temas principais para as suas obras de arte. Figuras proeminentes deste movimento incluíram Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier e Jean-Baptiste-Camille Corot. Ross Finocchio, anteriormente associado ao Departamento de Pinturas Europeias do Metropolitan Museum of Art, observa que os realistas empregaram detalhes simples para retratar as realidades da vida cotidiana contemporânea, uma prática paralela ao movimento literário naturalista exemplificado por Émile Zola, Honoré de Balzac e Gustave Flaubert.
O movimento realista francês encontrou desenvolvimentos análogos, embora um pouco mais tarde, em outras nações ocidentais. Notavelmente, na Rússia, o grupo Peredvizhniki, também conhecido como grupo Wanderers, estabelecido na década de 1860 e organizando exposições a partir de 1871, era composto por numerosos artistas realistas, como Ilya Repin, Vasily Perov e Ivan Shishkin, influenciando significativamente a arte russa. Na Grã-Bretanha, artistas como Hubert von Herkomer e Luke Fildes alcançaram aclamação considerável pelas suas pinturas realistas que abordam questões sociais.
Literatura
Como movimento literário, o Realismo baseia-se fundamentalmente no conceito de "realidade objetiva", muitas vezes caracterizada de maneira ampla como "a representação fiel da realidade". Esforça-se por retratar as atividades e a vida cotidiana, principalmente entre as classes médias ou baixas, desprovidas de idealização romântica ou embelezamento dramático. Segundo Kornelije Kvas, “a figuração e a refiguração realistas da realidade formam construções lógicas semelhantes à nossa noção habitual de realidade, sem violar o princípio de três tipos de leis – as das ciências naturais, as psicológicas e as sociais”. Esta abordagem pode ser entendida como um esforço geral para retratar os sujeitos tal como se presume existirem numa realidade objectiva de terceira pessoa, sem adornos ou interpretação subjectiva, e "de acordo com regras empíricas seculares". Consequentemente, esta metodologia implica inerentemente a convicção de que tal realidade é ontologicamente independente de estruturas conceituais humanas, práticas linguísticas e crenças, sendo assim acessível ao artista para representação fiel. Ian Watt postula que o realismo moderno “começa a partir da posição de que a verdade pode ser descoberta pelo indivíduo através dos sentidos”, traçando suas origens até Descartes e Locke, e recebendo “sua primeira formulação completa por Thomas Reid em meados do século XVIII”.
Enquanto a era romântica anterior também emergiu como uma resposta aos valores da Revolução Industrial, o Realismo, por sua vez, desenvolveu-se como um contra-movimento ao Romantismo, levando à sua frequente designação pejorativa como "realismo burguês tradicional". Certas figuras literárias vitorianas produziram obras alinhadas com princípios realistas. A rigidez, as convenções e as limitações inerentes ao “realismo burguês” provocaram posteriormente a revolta mais tarde identificada como modernismo. Começando por volta de 1900, o impulso principal da literatura modernista foi uma crítica da ordem social e da visão de mundo burguesa do século XIX, que foi desafiada por uma agenda anti-racionalista, anti-realista e anti-burguesa.
Teatro
É amplamente considerado que o realismo teatral se manifestou pela primeira vez no drama europeu durante o século XIX, emergindo como um subproduto da Revolução Industrial e da era científica. Alguns estudiosos atribuem especificamente a invenção da fotografia como um elemento fundamental para o teatro realista, enquanto outros afirmam que a associação entre realismo e drama é consideravelmente mais antiga, evidenciada por princípios dramáticos como a apresentação de um mundo físico que espelha de perto a realidade.
A conquista significativa do realismo no teatro foi a sua capacidade de direcionar o foco para os desafios sociais e psicológicos inerentes à vida cotidiana. Nestes dramas, os personagens são frequentemente retratados como vítimas de forças maiores do que eles próprios, indivíduos que enfrentam um mundo em rápida aceleração. Os dramaturgos pioneiros deste movimento retrataram seus personagens como comuns, muitas vezes impotentes e incapazes de resolver suas dificuldades. Este estilo artístico visa representar a realidade percebida pela visão humana. Anton Chekhov, por exemplo, empregou técnicas semelhantes aos “trabalhos de câmera” para apresentar uma “fatia de vida” sem flexões. Estudiosos como Thomas Postlewait observaram uma mistura generalizada de formas e funções melodramáticas e realistas ao longo dos séculos XIX e XX, demonstrável pela presença de elementos melodramáticos dentro de estruturas realistas e vice-versa. Seu desenvolvimento também é atribuído a William Dean Howells e Henry James, que atuaram como proeminentes defensores do realismo e articuladores de seus princípios estéticos.
Após a Segunda Guerra Mundial, a abordagem realista do teatro acabou convergindo com o niilismo e o absurdo.
Cinema
O neorrealismo italiano foi um movimento cinematográfico que incorporou elementos de realismo que se desenvolveu na Itália pós-Segunda Guerra Mundial. Figuras proeminentes do Neorrealismo incluíram Vittorio De Sica, Luchino Visconti e Roberto Rossellini. Normalmente, o cinema realista aborda preocupações sociais. O realismo cinematográfico é amplamente categorizado em duas formas: realismo contínuo e realismo estético. O realismo contínuo emprega estruturas narrativas e técnicas de produção cinematográfica para gerar um “efeito de realidade”, preservando assim a sua autenticidade percebida. Por outro lado, o realismo estético, inicialmente defendido pelos cineastas franceses na década de 1930 e mais tarde defendido por Andre Bazin na década de 1950, postula que um "filme não pode ser fixado para significar o que mostra", reconhecendo a existência de diversos realismos. Conseqüentemente, os praticantes do realismo estético utilizam filmagens em locações, iluminação natural e atores não profissionais para capacitar os espectadores a formar suas próprias interpretações, em vez de serem guiados em direção a uma "leitura preferida". Siegfried Kracauer também afirmou de forma proeminente que o realismo constitui a função primordial da arte cinematográfica.
Os cineastas que empregam o realismo estético utilizam planos gerais, foco profundo e perspectivas de 90 graus no nível dos olhos para minimizar a manipulação da percepção do espectador. Os cineastas neorrealistas italianos, ativos após a Segunda Guerra Mundial, adotaram abordagens cinematográficas realistas existentes na França e na Itália para criar um cinema de orientação política. Durante a década de 1960, cineastas franceses produziram obras realistas de orientação política, exemplificadas pelo cinéma vérité e documentários de Jean Rouch. Ao mesmo tempo, ao longo das décadas de 1950 e 1960, os movimentos New Wave britânico, francês e alemão no cinema geraram produções "fatias da vida", incluindo os dramas de pia de cozinha predominantes no Reino Unido.
Ópera
O Verismo constituiu uma tradição operística pós-romântica ligada principalmente a compositores italianos, incluindo Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea e Giacomo Puccini. Esses compositores se esforçaram para integrar o naturalismo característico de autores influentes do final do século XIX, como Émile Zola, Gustave Flaubert e Henrik Ibsen, na forma operística. Este estilo emergente representava dramas reais, muitas vezes apresentando protagonistas corajosos e imperfeitos da classe baixa, embora algumas interpretações o caracterizem como uma representação intensificada de ocorrências realistas. Enquanto alguns relatos históricos identificam Luisa Miller e La traviata de Giuseppe Verdi como precursores do verismo, outros afirmam que o movimento começou em 1890 com a estreia de Cavalleria rusticana de Mascagni, atingindo seu apogeu no início de 1900. Isto foi posteriormente seguido por Pagliacci de Leoncavallo, uma ópera que explora temas de infidelidade, vingança e violência. A influência do Verismo estendeu-se à Grã-Bretanha, onde seus primeiros proponentes incluíram a colaboração teatral da era vitoriana entre o dramaturgo W. S. Gilbert e o compositor Arthur Sullivan (1842–1900). Notavelmente, o seu trabalho Iolanthe é considerado uma representação realista da nobreza, apesar de incorporar elementos fantásticos.
Notas
Notas
Referências
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- Artigo sobre realismo literário americano no site dos Movimentos Literários
- Termo artístico: Realismo em tate.org.uk